1990'larda popülist hareketin kriziyle birlikte, Rus biliminde adlandırıldığı şekliyle "on dokuzuncu yüzyıl gerçekçiliğinin analitik yöntemi" modası geçiyor. Gezginlerin çoğu yaratıcı bir düşüş yaşadı, eğlenceli bir tür resminin “küçük ölçekli” haline geldi. Perov'un gelenekleri, Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'nda, S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov ve diğerleri.

Karmaşık yaşam süreçleri, bu yılların sanatsal yaşam biçimlerinin çeşitliliğini belirledi. Her türlü sanat - resim, tiyatro, müzik, mimari - yenilenmek için çıktı sanatsal dil yüksek profesyonellik için.

Yüzyılın dönümünün ressamları için, diğer ifade biçimleri, Gezginlerinkinden, diğer sanatsal yaratıcılık biçimlerinin karakteristik özelliğidir - çelişkili, karmaşık ve açıklayıcılık ve anlatı olmadan modernliği yansıtan görüntülerde. Sanatçılar, hem uyum hem de güzelliğe temelde yabancı olan bir dünyada acı içinde uyum ve güzellik ararlar. Bu yüzden birçok kişi misyonlarını güzellik duygusu geliştirmekte gördü. Bu sefer, kamusal yaşamdaki değişim beklentisi olan "eves" zamanı, birçok akımın, birlikteliğin, gruplaşmanın, farklı dünya görüşleri ve zevklerin çatışmasına yol açtı. Ama aynı zamanda, "klasik" Gezginlerden sonra öne çıkan bütün bir sanatçı kuşağının evrenselciliğine de yol açtı. Sadece V.A.'nın isimlerini belirtmek yeterlidir. Serov ve M.A. Vrubel.

Özellikle 18. yüzyılda Rus sanatının ve Batı Avrupa sanatının popülerleşmesinde, Batı Avrupalı ​​ustaları sergilere çekmede önemli bir rol, World of Art derneğinin sanatçıları tarafından oynandı. Petersburg'da en iyi sanatsal güçleri bir araya getiren "Miriskusniki", kendi dergilerini yayınladılar, varlıklarıyla Moskova'daki sanatsal güçlerin konsolidasyonuna, "Rus Sanatçılar Birliği"nin yaratılmasına katkıda bulundular.

Plein hava resminin izlenimci dersleri, "rastgele çerçeveleme" kompozisyonu, geniş serbest resimsel tarz - tüm bunlar, yüzyılın başındaki tüm türlerde resimsel araçların gelişimindeki evrimin sonucudur. "Güzellik ve uyum" arayışında sanatçılar, anıtsal resim ve tiyatro sahnelerinden kitap tasarımına ve sanat ve el sanatlarına kadar çeşitli teknik ve sanat formlarında kendilerini deniyorlar.

Yüzyılın başında, başta mimari olmak üzere (uzun bir süre eklektizm hakim oldu) tüm plastik sanatları etkileyen ve Art Nouveau üslubu olarak adlandırılan grafiklerle biten bir üslup gelişti. Bu fenomen açık değildir, modernitede ayrıca esas olarak burjuva zevkleri için tasarlanmış yozlaşmış iddialılık, iddialılık vardır, ancak aynı zamanda kendi içinde önemli olan bir stil birliği arzusu da vardır. Art Nouveau, mimari, resim ve dekoratif sanatların sentezinde yeni bir aşamadır.

Görsel sanatlarda Art Nouveau kendini gösterdi: heykelde - formların akışkanlığı, silüetin özel ifadesi, kompozisyonların dinamizmi; resimde - görüntülerin sembolizmi, alegori bağımlılığı.

Art Nouveau'nun ortaya çıkışı, yüzyılın sonunda gezinme fikirlerinin öldüğü anlamına gelmiyordu. Tür resmi 1990'larda gelişti, ancak 1970'lerin ve 1980'lerin “klasik” Gezici hareketinden biraz farklı gelişti. Böylece köylü teması yeni bir şekilde ortaya çıkıyor. Kırsal topluluktaki bölünme, Sergei Alekseevich Korovin (1858–1908) tarafından “Dünyada” (1893, Devlet Tretyakov Galerisi) resminde suçlayıcı bir şekilde tasvir edilmiştir. Abram Efimovich Arkhipov (1862–1930), “Yıkayıcı Kadınlar” (1901, Devlet Tretyakov Galerisi) resminde zor, yorucu çalışmalarda varoluşun canlılığını gösterebildi. Bunu başarmış büyük ölçüde yeni resimsel keşifler sayesinde, renk ve ışığın olasılıklarına dair yeni bir anlayışa.

Suskunluk, “alt metin”, iyi bulunan etkileyici bir ayrıntı, Sergei Vasilyevich Ivanov'un (1864-1910) “Yolda” resmini daha da trajik hale getiriyor. Bir Yerleşimcinin Ölümü" (1889, Devlet Tretyakov Galerisi). Sanki bir çığlıkla kalkmış gibi dışarı çıkan şaftlar, eylemi ön planda tasvir edilen ölü adamdan ya da onun üzerinde uluyan kadından çok daha fazla dramatize ediyor. Ivanov, 1905 devrimine adanmış eserlerden birine sahip - "İcra". “Kısmi kompozisyon” izlenimci tekniği, sanki yanlışlıkla çerçeveden alınmış gibi, burada da korunur: sadece bir dizi ev, bir asker dizisi, bir grup gösterici ana hatlarıyla belirtilmiştir ve ön planda, ışıkla aydınlatılan bir karede. güneş, öldürülen ve kurşunlardan kaçan bir köpek figürü. Ivanov, keskin ışık ve gölge kontrastları, nesnelerin etkileyici bir konturu ve iyi bilinen bir görüntünün düzlüğü ile karakterizedir. Dili özlüdür.

XIX yüzyılın 90'larında. bir sanatçı sanata girer, işçiyi eserlerinin kahramanı yapar. 1894'te N.A. Kasatkina (1859-1930) "Madenci" (TG), 1895'te - "Kömür madencileri. Değiştirmek".

Yüzyılın başında, tarihsel temada Surikov'unkinden biraz farklı bir gelişme yolu ana hatlarıyla belirtilmiştir. Örneğin, Andrei Petrovich Ryabushkin (1861–1904), tarihsel türden daha çok tarihsel türden çalışır. “Kilisede 17. Yüzyılın Rus Kadınları” (1899, Devlet Tretyakov Galerisi), “Moskova'da Düğün Treni. XVII yüzyıl” (1901, Devlet Tretyakov Galerisi), “Geliyorlar. (17. yüzyılın sonunda Moskova'ya yabancı bir büyükelçiliğin girişi sırasında Moskova halkı)" (1901, Rus Müzesi), "Tatilde 17. yüzyılın Moskovskaya Caddesi" (1895, Rus Müzesi), vb. - bunlar 17. yüzyılda Moskova'nın hayatından günlük sahneler. Ryabushkin özellikle zencefilli kurabiye şıklığı, polikrom, desenli yapısı ile bu yüzyılın ilgisini çekti. Sanatçı, Surikov'un anıtsallığından ve tarihsel olaylara ilişkin değerlendirmelerinden uzak, ince bir stilizasyona yol açan 17. yüzyılın geçmiş dünyasına estetik olarak hayran kalıyor. Ryabushkin'in stilizasyonu, genel dekoratif çözümde, parlak ana renkler üzerine inşa edilmiş renk şemasında, özel bir plastik ve doğrusal ritim sisteminde görüntünün düzlüğüne yansır. Ryabushkin, açık havada yerel renkleri cesurca tanıtıyor, örneğin The Wedding Train'de... - vagonun kırmızı rengi, karanlık binaların ve karların arka planına karşı büyük şenlik kıyafetleri lekeleri, ancak, en iyi renk nüansları. Manzara her zaman Rus doğasının güzelliğini şiirsel olarak aktarır. Doğru, bazen Ryabushkin, örneğin “Çay İçme” (karton, guaj, tempera, 1903, Rus Müzesi) resminde olduğu gibi, günlük yaşamın belirli yönlerinin tasvirinde ironik bir tavırla da karakterize edilir. Öne oturmuş, ellerinde tabakları olan statik figürlerde ölçülülük, can sıkıntısı, uyuşukluk okunuyor, küçük-burjuva yaşamının bunaltıcı gücünü, bu insanların sınırlarını da hissediyoruz.

Apollinary Mihayloviç Vasnetsov (1856–1933), tarihi kompozisyonlarında manzaraya daha da fazla önem veriyor. En sevdiği konu da 17. yüzyıl, ancak günlük sahneler değil, Moskova mimarisi. (“Kitay-gorod'da sokak. 17. yüzyılın başı”, 1900, Rus Müzesi). Resim “17. yüzyılın sonunda Moskova. Şafakta Diriliş Kapılarında (1900, Devlet Tretyakov Galerisi), Vasnetsov'un kısa bir süre önce sahneyi çizdiği Mussorgsky'nin Khovanshchina operasının girişinden ilham almış olabilir.

AM Vasnetsov, Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'nun (1901–1918) peyzaj dersinde ders verdi. Bir teorisyen olarak görüşlerini Art kitabında özetledi. Sanatta gerçekçi gelenekleri savunduğu resim sanatını tanımlayan kavramları analiz etme deneyimi ”(Moskova, 1908). Vasnetsov ayrıca Rus Sanatçılar Birliği'nin kurucusuydu.

Yeni bir resim türü, çağdaş sanat folklor sanatsal gelenekleri, gençliğinde Athos Manastırı'nda ikon resmi yapan ve daha sonra Repin altında Sanat Akademisi'nde okuyan Filipp Andreevich Malyavin (1869–1940) tarafından yaratıldı. "Kadınlar" ve "kızlar" imajlarının belirli bir sembolik anlamı var - sağlıklı toprak Rusya. Resimleri her zaman etkileyicidir ve bunlar kural olarak şövale çalışmaları olmasına rağmen, sanatçının fırçasının altında anıtsal ve dekoratif bir yorum alırlar. “Kahkaha” (1899, Modern Sanat Müzesi, Venedik), “Kasırga” (1906, Devlet Tretyakov Galerisi), köylü kızların bulaşıcı bir şekilde yüksek sesle güldüğü veya yuvarlak bir dansta kontrolsüz bir şekilde koşuşturduğu gerçekçi bir tasvirdir, ancak bu gerçekçilik, yüzyılın ikinci yarısı. Resim geniş, kabataslak, dokulu bir vuruşla, formlar genelleştirildi, mekansal derinlik yok, figürler kural olarak ön planda yer alıyor ve tüm tuvali dolduruyor.

Malyavin, resminde etkileyici dekoratifçiliği doğaya gerçekçi bir sadakatle birleştirdi.

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862–1942), kendisinden önceki birkaç usta gibi Eski Rusya temasını ele alıyor, ancak Rusya'nın görüntüsü, sanatçının resimlerinde doğayla uyumlu bir tür ideal, neredeyse büyülü dünya olarak görünüyor, ancak ortadan kayboldu. sonsuza dek efsanevi Kitezh şehri gibi. Bu keskin doğa duygusu, dünyanın önünde, her ağacın ve bir çimen yaprağının önündeki haz, özellikle en çok okunanlardan birinde telaffuz edilir. ünlü eserler Devrim öncesi dönemin Nesterov'u - "Bartholomew Gençliğine Vizyon" (1889-1890, Devlet Tretyakov Galerisi). Resmin konusunun açıklanmasında, Ryabushkin'inkilerle aynı üslup özellikleri vardır, ancak karakterlerin yüksek maneviyatının, aydınlanmalarının, yabancılaşmalarının derinden lirik bir doğanın güzelliği duygusu her zaman ifade edilir. dünyevi yaygara iletilir.

Radonezh Sergius'un imajına dönmeden önce Nesterov, "İsa'nın Gelini" (1887, yeri bilinmiyor), "Hermit" (1888, Rus Müzesi; 1888- 1889, Devlet Tretyakov Galerisi), yüksek maneviyat ve sessiz tefekkür görüntüleri yaratıyor. Radonezh Sergius'un kendisine birkaç eser daha adadı (Aziz Sergius Gençliği, 1892-1897, Devlet Tretyakov Galerisi; triptik "Aziz Sergius'un Eserleri", 1896-1897, Devlet Tretyakov Galerisi; "Radonej Sergisi", 1891- 1899, Devlet Rus Müzesi).

M.V. Nesterov birçok dini anıtsal resim yaptı: V.M. Vasnetsov, Kiev Vladimir Katedrali'ni bağımsız olarak boyadı - Abastuman'daki (Gürcistan) manastır ve Moskova'daki Marfo-Mariinsky manastırı. Duvar resimleri her zaman eski Rus temasına adanmıştır (örneğin, Gürcistan'da - Alexander Nevsky'ye). Nesterov'un duvar resimlerinde, özellikle manzarada, portre özelliklerinde - azizlerin görüntüsünde gözlenen birçok gerçek işaret var. Sanatçının zarafet, süsleme, plastik ritimlerin rafine sofistike kompozisyonunun düz bir yorumu için çabasında, Art Nouveau'nun şüphesiz etkisi kendini gösterdi.

Genel olarak stilizasyon, bu zamanın çok karakteristik özelliği, Nesterov'un şövale eserlerine büyük ölçüde dokundu. Bu, kadınların kaderine adanmış en iyi resimlerden birinde görülebilir - "Büyük Dil" (1898, Rus Müzesi): kasıtlı olarak düz rahibe figürleri, "chernitsa" ve "belitsa", genelleştirilmiş siluetler, sanki yavaş bir ritüel gibi açık ve koyu lekelerin ritmi - hafif huş ağaçları ve neredeyse siyah köknarları ile figürler ve manzara. Ve her zaman olduğu gibi Nesterov'da manzara ana rollerden birini oynuyor. Sanatçı, “Rus manzarasını seviyorum” diye yazdı, “arka planına karşı, bir şekilde daha iyi, hem Rus yaşamının anlamını hem de Rus ruhunu daha net hissediyorsunuz.”

Peyzaj türünün kendisi de 19. yüzyılın sonunda yeni bir şekilde gelişir. Aslında Levitan, arazideki Gezginleri aramayı tamamladı. Yüzyılın başında yeni bir kelime K.A. tarafından söylenecekti. Korovin, V.A. Serov ve M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin'in (1861-1939) ilk manzaralarında zaten tamamen resimsel problemler çözüldü - beyaz üzerine gri, beyaz üzerine siyah, gri üzerine gri yazmak. Savrasovsky veya Levitanovsky gibi "kavramsal" bir manzara (M.M. Allenov'un terimi) onu ilgilendirmiyor.

Parlak renkçi Korovin için dünya bir "renk isyanı" olarak görünüyor. Doğa tarafından cömertçe yetenekli olan Korovin, hem portre hem de natürmort ile uğraştı, ancak manzaranın en sevdiği tür olarak kaldığını söylemek yanlış olmaz. Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu - Savrasov ve Polenov'dan öğretmenlerinin güçlü gerçekçi geleneklerini sanata getirdi, ancak dünyaya farklı bir bakış açısına sahip, başka görevler veriyor. Havada erken boyamaya başladı, zaten 1883'te bir koro kızı portresinde, plein havacılığının ilkelerini bağımsız olarak geliştirdiğini görebilir, daha sonra Abramtsevo'daki S. Mamontov'un mülkünde yapılan bir dizi portrede somutlaşmıştır. (“Teknede”, Devlet Tretyakov Galerisi; T. S. Lyubatovich'in portresi, Devlet Rus Müzesi, vb.), S. Mamontov'un kuzeye seferi sırasında yürütülen kuzey manzaralarında (“Lapland'da Kış”, Devlet Tretyakov Galerisi ). "Paris Işıkları" başlığıyla birleştirilen Fransız manzaraları, en yüksek etüt kültürüyle zaten tamamen izlenimci bir tablodur. Büyük şehir hayatının keskin, anlık izlenimleri: sessiz sokaklar farklı zaman günler, hafif hava ortamında çözülmüş, dinamik, “titreyen”, titreşen bir vuruşla kalıplanmış nesneler, binlerce farklı buharla doymuş bir yağmur perdesi veya şehir havası yanılsaması yaratan bu tür vuruşların akışı - anımsatan özellikler Manet, Pissarro, Monet manzaraları. Korovin mizaçlı, duygusal, dürtüsel, teatral, dolayısıyla manzaralarının parlak renkleri ve romantik coşkusu (“Paris. Capuchin Bulvarı”, 1906, Devlet Tretyakov Galerisi; “Paris Geceleri. İtalyan Bulvarı.” 1908, Devlet Tretyakov Galerisi). Korovin, başta portre ve natürmort olmak üzere diğer tüm türlerde, aynı zamanda dekoratif panolarda, uygulamalı sanatta, tüm hayatı boyunca uğraştığı tiyatro sahnesinde empresyonist etüt, ressam maestro, çarpıcı sanatın aynı özelliklerini korur (Portre). Chaliapin, 1911, Rus Müzesi; "Balık, şarap ve meyveler" 1916, Devlet Tretyakov Galerisi).

Korovin'in resim konusundaki cömert armağanı, teatral ve dekoratif resimde zekice kendini gösterdi. Bir tiyatro ressamı olarak Abramtsevo Tiyatrosu için çalıştı (ve Mamontov onu neredeyse ilk olarak değerlendirdi. tiyatro sanatçısı), Moskova Sanat Tiyatrosu için, Chaliapin ile ömür boyu dostluğunu başlattığı Moskova Özel Rus Operası için, Diaghilev girişimi için. Korovin, tiyatro sahnesini ve sanatçının tiyatrodaki önemini yeni bir boyuta taşıdı, sanatçının tiyatrodaki rolünü anlamada tam bir devrim yaptı ve renkli, "muhteşem" manzarasıyla çağdaşları üzerinde büyük bir etki yarattı. , müzikal performansın özünü açığa çıkarıyor.

Yüzyılın başında Rus resminin yenilikçilerinden biri olan en büyük sanatçılardan biri Valentin Aleksandrovich Serov (1865–1911) idi. “Şeftali Kız” (Verusha Mamontova'nın portresi, 1887, Devlet Tretyakov Galerisi) ve “Güneşin Aydınlattığı Kız” (Masha Simanovich'in portresi, 1888, Devlet Tretyakov Galerisi) Rus resminde bütün bir aşamayı temsil ediyor. Serov, Rus müzik kültürünün önde gelen isimleri arasında büyüdü (babası ünlü bir besteci, annesi piyanist), Repin ve Chistyakov ile çalıştı, Avrupa'nın en iyi müze koleksiyonlarını inceledi ve yurtdışından döndükten sonra Abramtsevo çevresine girdi. . Abramtsevo'da, sanata kendi parlak ve şiirsel dünya görüşü ile giren Serov'un görkeminin başladığı yukarıda belirtilen iki portre boyandı. Vera Mamontova masada sakin bir pozla oturuyor, şeftaliler önündeki beyaz masa örtüsüne dağılmış durumda. Kendisi ve tüm nesneler en karmaşık ışık ve hava ortamında sunulur. Güneş parlaması masa örtüsüne, giysilere, duvar tabağına, bıçağa düşüyor. Masada oturan tasvir edilen kız, tüm bu maddi dünya ile organik bir bütünlük içinde, onunla uyum içinde, hayati bir titreme, iç hareketle dolu. Daha da büyük ölçüde, plein hava resminin ilkeleri, sanatçının kuzeni Masha Simanovich'in açık havada boyanmış portresine yansıdı. Buradaki renkler birbirleriyle karmaşık etkileşim içinde verilir, bir yaz gününün atmosferini mükemmel bir şekilde iletirler, yeşilliklerden kayan güneş ışınları yanılsamasını yaratan renk yansımaları. Serov, öğretmeni Repin'in eleştirel gerçekçiliğinden "şiirsel gerçekçiliğe" (D.V. Sarabyanov'un terimi) ayrılıyor. Vera Mamontova ve Masha Simanovich'in görüntüleri, yaşam sevinci duygusu, parlak bir varlık hissi, parlak muzaffer bir gençlik ile doludur. Bu, “şans ilkesinin” çok karakteristik olduğu “hafif” izlenimci resim, karmaşık bir aydınlık ortam izlenimi yaratan dinamik, serbest bir fırça darbesi ile yontulmuş bir form ile sağlandı. Ama İzlenimcilerin aksine Serov hiçbir zaman bu ortamda bir nesneyi kaydileşsin diye çözmez, kompozisyonu asla istikrarını kaybetmez, kitleler her zaman dengededir. Ve en önemlisi, modelin integral genelleştirilmiş özelliklerini kaybetmez.

Serov genellikle sanatsal aydınların temsilcilerini boyar: yazarlar, sanatçılar, sanatçılar (K. Korovin'in portreleri, 1891, Devlet Tretyakov Galerisi; Levitan, 1893, Devlet Tretyakov Galerisi; Yermolova, 1905, Devlet Tretyakov Galerisi). Hepsi farklı, hepsini ayrı ayrı derinden yorumluyor, ancak entelektüel seçkinliğin ve ilham verici yaratıcı yaşamın ışığı hepsinin üzerinde parlıyor. Yermolova figürü, tuvalin dikey formatı ile daha da geliştirilmiş olan eski bir sütunu veya daha doğrusu klasik bir heykeli andırıyor. Ama asıl şey yüz - güzel, gururlu, küçük ve boş olan her şeyden bağımsız. Renklendirmeye yalnızca iki rengin bir kombinasyonu ile karar verilir: siyah ve gri, ancak çeşitli tonlarda. Anlatı tarafından değil, tamamen resimsel yollarla yaratılan görüntünün bu gerçeği, 20. yüzyılın başlarındaki çalkantılı yıllarda gençleri kısıtlayan ama derinden nüfuz eden oyunuyla sarsan Yermolova'nın kişiliğine tekabül etti.

Yermolova ön kapı portresi. Ancak Serov o kadar büyük bir usta ki, aynı resmi portre türünde farklı bir model seçerek, aslında aynı ifade araçları tamamen farklı bir karakterin görüntüsünü oluşturabilir. Bu nedenle, Prenses Orlova'nın (1910–1911, Rus Müzesi) portresinde bazı ayrıntılar abartılmıştır (büyük bir şapka, çok uzun bir sırt, keskin köşe diz), iç mekanın lüksüne dikkat çekti, kapılmış bir çerçeve (bir sandalyenin parçası, resimler, masa köşesi) gibi yalnızca parçalı olarak aktarıldı, ustanın kibirli bir aristokratın neredeyse grotesk bir görüntüsünü yaratmasına izin verdi. Ancak ünlü “Peter I” deki (1907, Tretyakov Galerisi) (resimde Peter sadece devasa) aynı grotesk, Serov'un çarın aceleci hareketini ve onun peşinden saçma bir şekilde acele eden sarayları tasvir etmesine izin veriyor. Bu, Orlova'nın portresindeki gibi ironik değil, tüm bir dönemin anlamını taşıyan sembolik. Sanatçı, kahramanının özgünlüğüne hayrandır.

Portre, manzara, natürmort, ev içi, tarihi resim; yağ, guaj, tempera, odun kömürü - Serov'un çalışmadığı hem resimsel hem de grafik türleri ve kullanmayacağı malzemeleri bulmak zordur.

Serov'un çalışmalarında özel bir tema köylüdür. Köylü türünde gezici bir sosyal keskinlik yoktur, ancak köylü yaşamının güzelliği ve uyumu, Rus halkının sağlıklı güzelliğine hayranlık duygusu vardır (“Köyde. Atlı bir kadın”, haritada). , pastel, 1898, Devlet Tretyakov Galerisi). Özellikle kış manzaraları gümüş-inci renk gamıyla enfes.

Serov, tarihi temayı kendi tarzında yorumladı: Elizabeth ve II. Catherine'in zevk yürüyüşleriyle “kraliyet avları”, yeni zamanın sanatçısı tarafından ironik, aynı zamanda 18. yüzyılda yaşamın güzelliğine her zaman hayranlıkla aktarıldı. Serov'un 18. yüzyıla olan ilgisi, The World of Art'ın etkisi altında ve Rusya'da Büyük Dük, Çar ve İmparatorluk Avı Tarihi'nin yayınlanmasıyla ilgili çalışmalarla bağlantılı olarak ortaya çıktı.

Serov, sürekli olarak gerçekliğin yeni sanatsal gerçekleştirme biçimlerini arayan, derin düşünen bir sanatçıydı. Art Nouveau'nun düzlük ve artan dekoratiflik hakkındaki fikirlerinden esinlenerek, yalnızca tarihi kompozisyonlarda değil, aynı zamanda dansçı Ida Rubinstein'ın portresinde, Avrupa'nın Kaçırılması ve Odyssey ve Navzikai (her ikisi de 1910, Devlet Tretyakov Galerisi, karton, tempera). Serov'un hayatının sonunda antik dünyaya dönmesi önemlidir. Klasik kanonların dışında özgürce yorumladığı şiirsel efsanede, sanatçının tüm eserlerini adadığı arayışı, uyumu bulmak istiyor.

Verusha Mamontova'nın portresinin ve Avrupa'nın Kaçırılması'nın aynı usta tarafından yapıldığına hemen inanmak zor, Serov, 80'lerin ve 90'ların portre ve manzaralarının empresyonist özgünlüğünden tarihi motiflerde Art Nouveau'ya evriminde çok yönlü. ve eski mitolojiden kompozisyonlar.

yaratıcı yol Mihail Aleksandroviç Vrubel (1856–1910), aynı zamanda alışılmadık derecede karmaşık olmasına rağmen daha doğrudandı. Sanat Akademisi'nden (1880) önce Vrubel, St. Petersburg Üniversitesi hukuk fakültesinden mezun oldu. 1884'te St. Cyril Kilisesi'ndeki fresklerin restorasyonunu denetlemek için Kiev'e gitti ve kendisi birkaç anıtsal kompozisyon yarattı. Vladimir Katedrali'nin duvar resimlerinin suluboya eskizlerini yapıyor. Müşteri, kanonik olmayan ve etkileyici olduklarından korktuğu için eskizler duvarlara aktarılmadı.

90'lı yıllarda, sanatçı Moskova'ya yerleştiğinde, Vrubel'in gizemle dolu ve neredeyse şeytani bir güçle dolu, başka hiçbir şeyle karıştırılamayan yazı tarzı oluştu. Şekli bir mozaik gibi, farklı renkteki keskin "yönlü" parçalardan, sanki içeriden parlıyormuş gibi şekillendiriyor ("Fars halısının arka planına karşı kız", 1886, KMRI; "Fortuneteller", 1895, Devlet Tretyakov Galerisi) . Renk kombinasyonları, renk ilişkisinin gerçekliğini yansıtmaz, sembolik bir anlam taşır. Doğanın Vrubel üzerinde hiçbir gücü yoktur. Onu tanıyor, ona mükemmel bir şekilde sahip, ama gerçek gibi biraz kendi hayal dünyasını yaratıyor. Bu anlamda, Vrubel İzlenimcilere (edebiyattaki doğa bilimcilerle aynı oldukları yanlışlıkla söylenmeyen) karşıttır, çünkü hiçbir şekilde doğrudan bir gerçeklik izlenimini düzeltmeye çalışmaz. Soyut olarak yorumladığı edebi konulara yönelir, büyük manevi gücün sonsuz görüntülerini yaratmaya çalışır. Bu nedenle, Şeytan için illüstrasyonlar alarak, kısa süre sonra doğrudan örnekleme ilkesinden ayrılır (“Tamara'nın Dansı”, “Ağlama, çocuk, boşuna ağlama”, “Tabutta Tamara”, vb.) ve zaten aynı 1890'da "Oturan Şeytan" ı yaratır - aslında, plansız bir çalışma, ancak görüntü Mephistopheles, Faust, Don Juan'ın görüntüleri gibi ebedidir. Demon'un görüntüsü, Vrubel'in tüm çalışmasının ana görüntüsü, ana temasıdır. 1899'da "Uçan Şeytan"ı, 1902'de "Yozlaşmış Şeytan"ı yazdı. Vrubel'in iblisi, her şeyden önce acı çeken bir yaratıktır. Acı, içindeki kötülüğe hakimdir ve bu, görüntünün ulusal Rus yorumunun özelliğidir. Çağdaşlar, haklı olarak belirtildiği gibi, "Şeytanlar" ında bir entelektüelin kaderinin bir sembolünü gördüler - romantik, uyumdan yoksun bir gerçeklikten asi bir şekilde gerçek olmayan bir rüya dünyasına kaçmaya çalışan, ancak dünyanın kaba gerçekliğine dalmış bir romantik . Sanatsal dünya görüşünün bu trajedisi, Vrubel'in portre özelliklerini de belirler: manevi uyumsuzluk, kendi portrelerinde bir bozulma, uyanıklık, neredeyse korku, aynı zamanda görkemli güç, anıtsallık - S. Mamontov'un (1897, Devlet Tretyakov Galerisi) portresinde ), kafa karışıklığı, kaygı - "Prenses -Kuğu" (1900, Devlet Tretyakov Galerisi) 'nin muhteşem görüntüsünde, hatta "İspanya" (1894, Devlet Tretyakov Galerisi) ve "Venedik" (1893, Rus Müzesi) dekoratif panellerinde bile E.D.'nin malikanesi için. Dunker, huzur ve sükunet yok. Vrubel görevini kendisi formüle etti - "ruhu günlük yaşamın küçük şeylerinden görkemli görüntülerle uyandırmak."

Adı geçen sanayici ve hayırsever Savva Mamontov, Vrubel'in hayatında çok önemli bir rol oynadı. Abramtsevo, Vrubel'i, sanatçının eserinin etkisi altında Kuğu Prensesini yazdığı Rimsky-Korsakov ile bağladı, Volkhova, Mizgir vb. peri masalı, sonucu “Mikula Selyaninovich”, “Kahramanlar” panelleri olan bir destana. Vrubel seramikte elini deniyor, mayolikadan heykeller yapıyor. Pagan Rusya ve Yunanistan, Orta Doğu ve Hindistan ile ilgileniyor - insanlığın tüm kültürleri, sanatsal teknikler hangi o ulaşmak istiyor. Ve topladığı izlenimler her seferinde, dünya görüşünün tüm özgünlüğünü yansıtan, derinden sembolik görüntülere dönüştü.

Vrubel, en olgun resimlerini ve grafik çalışmalarını yüzyılın başında - manzara, portre, kitap illüstrasyonu türünde yarattı. Tuvalin veya levhanın düzenlenmesinde ve dekoratif-düzlemsel yorumlanmasında, gerçek ve fantastik kombinasyonunda, bu dönem eserlerinde dekoratif, ritmik olarak karmaşık çözümlere bağlılıkta, modernitenin özellikleri giderek daha fazla öne çıkıyor.

K. Korovin gibi, Vrubel de tiyatroda çok çalıştı. En iyi sahnesi Rimsky-Korsakov'un The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan ve diğerleri için Moskova Özel Operası sahnesinde, yani ona Rus folkloru ile "iletişim kurma" fırsatı veren eserler için yapıldı. , peri masalı, efsane.

Yeteneğin evrenselliği, sınırsız hayal gücü, asil ideallerin onaylanmasındaki olağanüstü tutku, Vrubel'i birçok çağdaşından ayırır.

Vrubel'in diğerlerinden daha parlak olan çalışması, dönüm noktası döneminin çelişkilerini ve acılı atışlarını yansıtıyordu. Vrubel'in cenazesi günü, Benois şunları söyledi: “Vrubel'in hayatı, şimdi tarihe geçeceği şekliyle, harikulade acıklı bir senfoni, yani sanatsal varoluşun en eksiksiz biçimidir. Gelecek nesiller ... 19. yüzyılın son on yıllarına "Vrubel çağı" olarak bakacaklar ... Zamanımız, yapabileceği en güzel ve en üzücü şeyde ifade edildi.

Vrubel ile yeni bir yüzyıla, hem "devrimcilik ideolojisi" (P. Sapronov) hem de St. Petersburg Rusya kültürünün son dönemi olan "Gümüş Çağ" çağına giriyoruz. "ile birlikte kültürel güç otokrasi ve devlet. Rus felsefi ve dini düşüncesinin yükselişi, en yüksek şiir seviyesi yüzyılın başlangıcıyla ilişkilidir (Blok, Bely, Annensky, Gumilyov, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub'u adlandırmak yeterlidir); drama ve müzikal tiyatro, bale; 18. yüzyıl Rus sanatının “keşfi” (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), Eski Rus ikon resmi; yüzyılın başından itibaren en iyi resim ve grafik profesyonelliği. Fakat " gümüş Çağı"devrimci bir felakete doğru giden," fildişi kulede "ve sembolizmin poetikasında kalmaya devam eden Rusya'da yaklaşan trajik olaylar karşısında güçsüzdü.

Vrubel'in çalışması, herhangi bir büyük sanatçı gibi, yönün sınırlarını yok etmesine rağmen, sanat ve edebiyattaki genel sembolizm yönü ile ilişkilendirilebilirse, Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870–1905) resimsel sembolizmin doğrudan sözcüsüdür. ve ilk retrospektivistlerden biri güzel Sanatlar sınır Rusya. Zamanın eleştirmenleri ona "geriye dönük bakış açısının hayalperesti" bile dediler. İlk Rus devriminin arifesinde ölen Borisov-Musatov, hızla hayata geçen yeni ruh hallerine tamamen sağır oldu. Eserleri, eski boş “asil yuvalar” ve ölmekte olan “kiraz bahçeleri” için, dış mekan ve zaman belirtileri taşımayan bir tür zamansız kostümler giymiş, ruhsallaştırılmış, neredeyse doğaüstü güzel kadınlar için ağıtlı bir hüzündür.

Onun şövale işleri en çok dekoratif panellere değil, duvar halılarına benziyor. Alan son derece koşullu, düzlemsel bir şekilde çözülür, rakamlar neredeyse eteriktir, örneğin, "Gölet" (1902, tempera, Devlet Tretyakov Galerisi) resmindeki göletin yanında, rüya gibi meditasyona dalmış, derin tefekkür. Soluk, soluk gri renk tonları, yalnızca insan görüntülerine değil, aynı zamanda onun tasvir ettiği doğaya da uzanan, kırılgan, doğaüstü güzellik ve anemik, hayalet gibi genel izlenimi arttırır. Borisov-Musatov'un eserlerinden birine "Hayaletler" (1903, tempera, Tretyakov Galerisi) adını vermesi tesadüf değil: sessiz ve hareketsiz kadın figürleri, merdivenlerin yanındaki mermer heykeller, yarı çıplak bir ağaç - soluk bir mavi, gri renk yelpazesi , mor tonlar tasvir edilenin hayaletliğini artırır.

Geçmiş zamanlara duyulan bu özlem, Borisov-Musatov'u 1898'de St. Petersburg'da ortaya çıkan ve o yılların Rusya'sının sanatsal seçkinleri olan en yüksek sanat kültürünün ustalarını birleştiren bir organizasyon olan World of Art'ın sanatçılarıyla ilişkilendirdi. (“Sanat Dünyası”, bu arada, Borisov-Musatov'un sanatını anlamadı ve sadece sanatçının yaşamının sonunda tanıdı.) Sanat Dünyası, akşamları A. Benois'in adanmış evinde başladı. sanata, edebiyata ve müziğe. Orada toplanan insanlar, güzelliğe olan aşkları ve gerçeğin çirkin olduğu için bunun ancak sanatta bulunabileceği inancıyla birleştiler. Aynı zamanda, geç Gezginlerin önemsizliğine, onun eğitici ve açıklayıcı doğasına bir tepki olarak ortaya çıkan Sanat Dünyası, kısa sürede Rus sanat kültürünün en önemli fenomenlerinden biri haline geldi. Hemen hepsi bu derneğe katıldı. ünlü sanatçılar–Benoit, Somov, Bakst, E.E. Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, hatta Larionov ve Goncharova. Bu derneğin oluşumu için büyük önem taşıyan, sergilerin patronu ve organizatörü Diaghilev'in kişiliği ve daha sonra - yurtdışındaki Rus bale ve opera turlarının izlenimi (Avrupa'yı Chaliapin, Pavlova, Karsavina'nın çalışmalarına tanıtan Rus Mevsimleri) idi. , Fokine, Nijinsky ve diğerleri ve dünyaya en yüksek form kültürünün bir örneğini ortaya çıkardı çeşitli sanatlar: müzik, dans, resim, senografi). "Sanat Dünyası"nın oluşumunun ilk aşamasında, Diaghilev 1897'de St. Petersburg'da bir İngiliz ve Alman suluboya sergisi, ardından 1898'de Rus ve Fin sanatçıların bir sergisini düzenledi. 1899'dan 1904'e kadar onun editörlüğü altında, aynı adla iki bölümden oluşan bir dergi yayınlandı: sanatsal ve edebi (ikincisi dini ve felsefi bir plana sahip, D. Filosofov, D. Merezhkovsky ve Z. Gippius, New Way dergisinin açılışına kadar işbirliği yaptı. 1902'de. Daha sonra Mir Art" dergisindeki dini ve felsefi yön, estetik teorisine yol açtı ve bu bölümdeki dergi, A. Bely ve V. Bryusov başkanlığındaki diğer sembolistler için bir platform haline geldi.

Derginin ilk sayılarının başyazılarında, "Sanat Dünyası"nın sanatın özerkliği hakkındaki ana hükümleri, modern kültürün sorunlarının yalnızca sanatsal biçim sorunları olduğu ve sanatın asıl görevinin Rus toplumunun estetik zevklerini, öncelikle dünya sanatının eserlerini tanıyarak eğitmek. Onlara hakkını vermeliyiz: Sanat Dünyası sayesinde İngiliz ve Alman sanatı gerçekten yeni bir şekilde takdir edildi ve en önemlisi 18. yüzyıl Rus resmi ve St. Petersburg klasisizminin mimarisi birçokları için bir keşif oldu. "Sanat Dünyası", yüksek profesyonel kültür ve bilgi birikimine sahip bir eleştirmen-sanatçı idealini ilan ederek "bir sanat olarak eleştiri" için savaştı. Böyle bir eleştirmen türü, The World of Art'ın yaratıcılarından biri olan A.N. Benoit. "Miriskusniki" sergiler düzenledi. Birincisi aynı zamanda Rusların yanı sıra Fransa, İngiltere, Almanya, İtalya, Belçika, Norveç, Finlandiya vb. sanatçıları bir araya getiren tek uluslararasıydı. Hem St. Petersburg hem de Moskova ressamları ve grafik sanatçıları katıldı. Ancak bu iki okul - St. Petersburg ve Moskova - arasındaki çatlak neredeyse ilk günden belliydi. Mart 1903'te World of Art'ın son beşinci sergisi kapandı, Aralık 1904'te World of Art dergisinin son sayısı yayınlandı. Sanatçıların çoğu, Moskova sergisi “36” temelinde düzenlenen “Rus Sanatçılar Birliği”ne, yazarlar - Merezhkovsky grubu tarafından açılan “Yeni Yol” dergisine taşındı, Moskova sembolistleri “Terazi” dergisi etrafında birleşti, müzisyenler düzenlenen “Akşamlar çağdaş müzik”, Diaghilev tamamen bale ve tiyatroya girdi. Görsel sanatlardaki son önemli çalışması, 1906 Paris Sonbahar Salonunda ikonografiden günümüze Rus resminin görkemli bir tarihi sergisiydi ve ardından Berlin ve Venedik'te (1906-1907) sergilendi. Modern resim bölümünde, ana yer "Sanat Dünyası" tarafından işgal edildi. Bu, "Sanat Dünyası"nın pan-Avrupa tarafından tanınmasının ilk eylemi ve ayrıca 18. - 20. yüzyılın başlarında Rus resminin keşfiydi. genel olarak Batı eleştirisi ve Rus sanatının gerçek bir zaferi için.

1910'da, (Roerich liderliğindeki) "Sanat Dünyası"na yeniden hayat vermek için bir girişimde bulunuldu. Şu anda ressamların ortamında bir sınır var. Benois ve destekçileri, Rus Sanatçılar, Moskovalılar Birliği'nden koparak bu organizasyondan ayrılırlar, ancak Sanat Dünyası adı verilen ikincil derneğin ilkiyle hiçbir ilgisi olmadığını anlarlar. Benois, ne yazık ki, "güzellik bayrağı altında uzlaşmak artık hayatın her alanında slogan değil, şiddetli bir mücadele haline geldi" diyor. Zafer, "Sanat Dünyası" sanatçılarına geldi, ancak "Sanat Dünyası", aslında, resmi olarak dernek 1920'lerin başına kadar var olmasına rağmen (1924) - tam bir bütünlük eksikliği, sınırsız pozisyonların hoşgörüsü ve esnekliği, Rylov'dan Tatlin'e, Grabar'dan Chagall'a sanatçıları uzlaştırıyor. Buradaki İzlenimciler nasıl hatırlanmaz? Bir zamanlar Gleyre'nin atölyesinde, "Reddedilenlerin Salonu"nda, Guerbois kafesinin masalarında doğan ve tüm Avrupa resminde büyük etkisi olacak olan topluluk, tanınma eşiğinde de dağıldı. İkinci nesil "Sanat Dünyası" şövale boyama sorunları ile daha az meşgul, ilgi alanları grafikler, özellikle kitaplar ve tiyatro ve dekoratif sanatlarda yatıyor, her iki alanda da gerçek bir sanatsal reform yaptılar. "Sanat Dünyası"nın ikinci neslinde de büyük bireyler (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, vb.) vardı, ancak hiçbir yenilikçi sanatçı yoktu, çünkü 1910'lardan beri, "Sanat Dünyası" epigonizm dalgasını bastırdı. Bu nedenle, Sanat Dünyasını karakterize ederken, esas olarak bu derneğin varlığının ilk aşaması ve çekirdeği - Benois, Somov, Bakst hakkında konuşacağız.

"Sanat Dünyası"nın önde gelen sanatçısı Konstantin Andreevich Somov (1869-1939) idi. Sanat Akademisi'nden mezun olan ve Avrupa'yı dolaşan Ermitaj'ın baş küratörünün oğlu Somov, mükemmel bir eğitim aldı. Yaratıcı olgunluk ona erken geldi, ancak araştırmacının (V.N. Petrov) haklı olarak belirttiği gibi, her zaman bir ikiliği vardı - güçlü bir gerçekçi içgüdü ile acı verici bir duygusal dünya görüşü arasındaki mücadele.

Somov, onu bildiğimiz gibi, sanatçı Martynova'nın (“Mavili Kadın”, 1897–1900, Devlet Tretyakov Galerisi) portresinde, “Geçmiş Zamanın Yankıları” (1903, b. haritada) portre resminde ortaya çıktı. , aqua., guaj, Devlet Tretyakov Galerisi ), modernitenin gerçek günlük belirtilerini aktarmayı reddeden, çökmekte olan modelin kırılgan, anemik kadın güzelliğinin şiirsel bir karakterizasyonunu yarattığı yer. Modellere eski kostümler giydirir, görünümlerine gizli ıstırap, üzüntü ve hayal, acı veren kırıklık özelliklerini verir.

Somov, çağdaşlarının bir dizi grafik portresine sahiptir - entelektüel seçkinler (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, vb.), İçinde tek bir genel teknik kullanır: beyaz bir arka plan üzerinde - belirli bir zamansız küre - doğallaştırma yoluyla değil, cesur genellemeler ve karakteristik ayrıntıların uygun seçimi ile elde edildiği bir yüz, bir benzerlik çizer. Bu zaman belirtisi eksikliği, statik, katılık, soğukluk, neredeyse trajik bir yalnızlık izlenimi yaratır.

Somov, The World of Art'ta herkesten önce geçmişin temalarına, 18. yüzyılın yorumuna yöneldi. ("Mektup", 1896; "Gizlilik", 1897), Benois' Versailles manzaralarının öncüsü olarak. Asalet, mülk ve saray kültürünün motiflerinden ve ironi ile nüfuz eden tamamen öznel sanatsal duyumlarından dokunmuş gerçeküstü bir dünya yaratan ilk kişidir. "Sanat Dünyası"nın tarihselciliği gerçeklikten bir kaçıştı. Geçmiş değil, sahnelenmesi, geri alınamazlığının özlemi - bu onların ana nedenidir. Gerçek eğlence değil, sokaklarda öpücüklerle eğlenceli bir oyun - Somov böyle.

Somov'un diğer eserleri, kostik ironi, manevi boşluk ve hatta umutsuzlukla dolu pastoral ve cesur şenlikler (“Saçma Öpücük”, 1908, Rus Müzesi; “Markiz Yürüyüşü”, 1909, Rus Müzesi). 18. - 19. yüzyılın başlarından aşk sahneleri. her zaman bir erotizm dokunuşuyla verilir. İkincisi, özellikle bir temaya adanmış porselen heykelciklerinde kendini gösterdi - aldatıcı zevk arayışı.

Somov grafik sanatçısı olarak çok çalıştı, S. Diaghilev'in D. Levitsky üzerine monografisini, A. Benois'in Tsarskoe Selo üzerine denemesini tasarladı. Ritmik ve üslup bütünlüğü ile tek bir organizma olarak kitap, onun tarafından olağanüstü bir yüksekliğe yükseltildi. A.A., Somov bir illüstratör değil, “bir metni değil, edebi bir cihazı sıçrama tahtası olarak kullanan bir dönemi gösteriyor” diye yazdı. Sidorov ve bu çok doğru.

"Sanat Dünyası"nın ideolojik lideri, alışılmadık derecede çok yönlü bir yetenek olan Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) idi. Ressam, şövale grafik sanatçısı ve illüstratör, tiyatro sanatçısı, yönetmen, bale libretto yazarı, sanat teorisyeni ve tarihçi, müzikal figür, A. Bely'nin deyimiyle "World of Art"ın baş politikacısı ve diplomatıydı. Petersburg sanat entelijansiyasının en üst tabakasından (besteciler ve şefler, mimarlar ve ressamlar) gelen ilk olarak St. Petersburg Üniversitesi hukuk fakültesinde okudu. Bir sanatçı olarak, üslup eğilimleri ve geçmişe olan bağımlılığı ile Somov ile ilişkilidir (“Versailles ile sarhoş oldum, bu bir tür hastalık, aşk, suç tutkusu ... Tamamen geçmişe taşındım ...”) . Versay manzaralarında Benois, 17. yüzyılın tarihi yeniden inşasını birleştirdi. ve sanatçının çağdaş izlenimleri, Fransız klasisizmi algısı, Fransız gravürü. Net kompozisyon, net uzamsallık, ritimlerin görkemi ve soğuk şiddeti, sanat anıtlarının görkemi ile aralarında yalnızca personel olan insan figürlerinin küçüklüğü arasındaki karşıtlık buradan kaynaklanır (1896-1898 1. Versailles serisi "Louis XIV'in Son Yürüyüşleri"). İkinci Versailles serisinde (1905–1906), ilk sayfaların da özelliği olan ironi, neredeyse trajik notlarla renklendirilir (“Kralın Yürüyüşü”, c., guaj, su, altın, gümüş, kalem, 1906 , Devlet Tretyakov Galerisi). Benois'in düşüncesi, tiyatroyu çok iyi bilen ve hisseden mükemmel bir tiyatro sanatçısının düşüncesidir.

Doğa, Benois tarafından tarihle ilişkisel bir bağlantı içinde algılanır (kendisi tarafından suluboya tekniğinde yürütülen Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo'nun görüşleri).

Moskova yayınevi Knebel tarafından görevlendirilen Rus geçmişinden bir dizi resimde ("Kraliyet Avları" için çizimler), 18. yüzyılın asil, toprak sahibi yaşamının sahnelerinde. Benois, biraz teatral olmasına rağmen, bu dönemin samimi bir görüntüsünü yarattı (Paul I, 1907, Devlet Rus Müzesi altında geçit töreni).

Benois the Illustrator (Pushkin, Hoffman) kitabın tarihinde tam bir sayfadır. Benois, Somov'dan farklı olarak anlatısal bir illüstrasyon yaratıyor. Sayfa düzlemi onun için başlı başına bir amaç değildir. Maça Kızı'nın illüstrasyonları, A.A.'nın yaptığı kadar “kitap sanatı” değil, tamamen bağımsız çalışmalardı. Sidorov, "kitapta ne kadar sanat var". Kitap illüstrasyonunun bir başyapıtı, Bronz Süvari'nin (1903,1905,1916,1921–1922, mürekkep ve sulu boya, renkli gravürleri taklit eden) grafik tasarımıydı. Büyük şiir için bir dizi illüstrasyonda, ana karakter, St. Petersburg'un mimari manzarasıdır, şimdi ciddi şekilde acıklı, bazen barışçıl, bazen uğursuz, Eugene figürünün karşısında daha da önemsiz görünüyor. Benois, kaderler arasındaki trajik çatışmayı böyle ifade ediyor. Rus devleti ve küçük adamın kişisel kaderi (“Ve bütün gece zavallı deli, / Ayağını nereye çevirirse, / Bronz Süvari her yerde onunlaydı / Ağır bir ayakla dört nala koştu”).

Bir tiyatro sanatçısı olarak Benois, en ünlüsü Petrushka balesi olan Rus Mevsimlerinin performanslarını Stravinsky'nin müziğine göre tasarladı, Moskova Sanat Tiyatrosu'nda ve daha sonra neredeyse tüm Avrupa sahnelerinde çok çalıştı.

Grabar ile birlikte Rus sanat tarihinin yöntemlerini, tekniklerini ve temalarını güncelleyen bir sanat eleştirmeni ve sanat tarihçisi olan Benois'in etkinliği, sanat eleştirisi tarihinde tam bir aşamadır (bkz. " R. Muther - "Rus Resmi" cildi, 1901-1902; "Rus Resim Okulu", 1904 baskısı; "İmparatoriçe Elizabeth Petrovna döneminde Tsarskoye Selo", 1910; "World of Art" dergilerinde makaleler " ve "Eski Yıllar", "Rusya'nın Sanatsal Hazineleri" vb.).

"World of Art"ın çekirdeğindeki üçüncü kişi, tiyatro sanatçısı olarak ünlenen ve "World of Art" arasında Avrupa'da ün kazanan ilk kişi olan Lev Samuilovich Bakst (1866-1924) idi. Sanat Akademisi'nden "Sanat Dünyası"na geldi, ardından Art Nouveau stilini benimsedi, Avrupa resmindeki sol akımlara katıldı. "Sanat Dünyası" nın ilk sergilerinde, canlı devletler akışına giren doğanın bir türe dönüştürüldüğü bir dizi resimsel ve grafik portre (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev) sergiledi. çağdaş bir insanın ideal temsili. Bakst, Diaghilev'in Paris'teki "Rus Mevsimleri"nin amblemi haline gelen "World of Art" dergisinin markasını yarattı. Bakst'ın grafikleri 18. yüzyıl motiflerinden yoksundur. ve emlak temaları. Dahası, antik çağa, sembolik olarak yorumlanan Yunan arkaikliğine yönelir. Sembolistler ile özellikle başarılı olan "Antik Korku" - "Terör antikası" (tempera, 1908, Rus Müzesi) adlı tablosuydu. Korkunç fırtınalı gökyüzü, denizin derinliklerini aydınlatan şimşekler ve Antik şehir, - ve tüm bu evrensel felaket, gizemli donmuş bir gülümsemeyle arkaik kabuğa hükmediyor. Yakında Bakst kendini tamamen tiyatro ve sahne çalışmalarına adadı ve Diaghilev girişiminin baleleri için sahne ve kostümleri, olağanüstü parlaklık, virtüöz, sanatsal olarak ona dünya çapında ün kazandırdı. Tasarımında Fokine'nin baleleri Anna Pavlova ile performanslar vardı. Sanatçı, Rimsky-Korsakov'un Scheherazade, Stravinsky'nin The Firebird (her ikisi de 1910), Ravel'in Daphnis ve Chloe'si ve The Afternoon of a Faun to Debussy'nin müziği (her ikisi de 1912) için setler ve kostümler yaptı.

“Sanat Dünyası” nın ilk neslinden en küçüğü, çalışmalarında 20. yüzyılın başlarındaki kitap grafiklerinin tüm ana sorunlarına değinen Evgeniy Evgenievich Lansere (1875–1946) idi. (Lermontov için "Brittany'nin eski kalelerinin efsaneleri" kitabı için çizimlerine, Bozheryanov'un "Nevsky Prospekt" kapağına vb. bakın). Lansere, St. Petersburg'un (Kalinkin Köprüsü, Nikolsky Pazarı, vb.) bir dizi suluboya ve litografisini yarattı. Mimari, tarihi kompozisyonlarında büyük bir yer kaplar (“Tsarskoye Selo'daki İmparatoriçe Elizaveta Petrovna”, 1905, Devlet Tretyakov Galerisi). Serov, Benois, Lansere'nin çalışmalarında yeni bir tür tarihi resim yaratıldığını söyleyebiliriz - bir arsadan yoksundur, ancak aynı zamanda birçok tarihi, edebi ve estetik çağrışım uyandıran dönemin görünümünü mükemmel bir şekilde yeniden yaratır. . Lansere'nin en iyi eserlerinden biri - L.N. için 70 çizim ve sulu boya. Tolstoy'un Benois'in "Tolstoy'un güçlü müziğine mükemmel şekilde uyan bağımsız bir şarkı" olarak değerlendirdiği "Hadji Murad" (1912-1915). Sovyet döneminde, Lansere önde gelen bir muralist oldu.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky'nin (1875–1957) grafikleri, Puşkin döneminin veya 18. yüzyılın Petersburg'unu değil, neredeyse trajik bir ifadeyle iletebildiği modern bir şehri temsil ediyor (“Eski Ev”, 1905, suluboya , Devlet Tretyakov Galerisi) ve ayrıca bir kişi - bu tür şehirlerin sakini (“Gözlüklü Adam”, 1905-1906, pastel, Devlet Tretyakov Galerisi: yalnız, donuk evlerin fonunda, başı üzgün bir adam kafatasına benzer). Geleceğin şehirciliği, Dobuzhinsky'ye panik korkusuyla ilham verdi. Ayrıca, Dostoyevski'nin Beyaz Geceleri (1922) için yaptığı mürekkep çizimleri serisinin en dikkat çekici olarak kabul edilebileceği illüstrasyon alanında da yoğun bir şekilde çalıştı. Dobuzhinsky ayrıca Nemirovich-Danchenko "Nikolai Stavrogin" (Dostoyevski'nin "Şeytanlar"ını sahneledi), Turgenev'in "Ülkede Bir Ay" ve "The Freeloader" adlı oyunları için tasarlanan tiyatroda çalıştı.

Nicholas Roerich (1874–1947) Sanat Dünyasında özel bir yere sahiptir. Doğu felsefesi ve etnografisi uzmanı, bir arkeolog-bilim adamı olan Roerich, önce evde, sonra St. Petersburg Üniversitesi hukuk ve tarihi-filoloji fakültelerinde, daha sonra Sanat Akademisi'nde atölyede mükemmel bir eğitim aldı. Kuindzhi'de ve Paris'te F. Cormon'un stüdyosunda. Erken bir bilim adamının otoritesini kazandı. "Sanat Dünyası" ile aynı geçmişe bakma sevgisiyle, yalnızca 17.-18. yüzyıllarda değil, aynı zamanda pagan Slav ve İskandinav antikitesinde, Eski Rusya'ya bağlıydı; stilistik eğilimler, teatral dekoratiflik (“Messenger”, 1897, Devlet Tretyakov Galerisi; “The Elders Converge”, 1898, Rus Müzesi; “Sinister”, 1901, Rus Müzesi). Roerich, Rus sembolizminin felsefesi ve estetiği ile en yakından ilişkiliydi, ancak sanatı mevcut eğilimlerin çerçevesine uymuyordu, çünkü sanatçının dünya görüşüne uygun olarak, adeta tüm insanlığa döndü. tüm halkların dostane bir birliğine çağrı. Bu nedenle resimlerinin özel epik doğası.

1905'ten sonra, Roerich'in çalışmalarında panteist mistisizm havası büyüdü. Tarihsel temalar yerini dini efsanelere bırakır (The Heavenly Battle, 1912, Rus Müzesi). Rus simgesi Roerich üzerinde büyük bir etkiye sahipti: dekoratif paneli Kerzhents Savaşı (1911), Rimsky-Korsakov'un Görünmez Şehri Kitezh ve Maiden Fevronia operasından aynı başlığın bir parçasının performansı sırasında sergilendi. Paris Rus Mevsimleri.

"Sanat Dünyası" nın ikinci neslinde en yetenekli sanatçılardan biri, "Devlet Konseyi" üzerindeki çalışmalarında kendisine yardım eden Repin'in öğrencisi Boris Mihayloviç Kustodiev (1878-1927) idi. Kustodiev ayrıca stilizasyon ile de karakterize edilir, ancak bu popüler popüler baskının stilizasyonudur. Bu nedenle parlak şenlikli “Fuarlar”, “Shrovetide”, “Balagany”, dolayısıyla küçük-burjuva ve tüccar yaşamından resimleri hafif bir ironi ile aktarıldı, ancak bir semaverin arkasındaki bu kırmızı yanaklı, yarı uykulu güzelliklere hayran kalmadan değil. tombul parmaklarda tabaklarla (“Tüccar”, 1915, Rus Müzesi; "Çay Tüccarı", 1918, Rus Müzesi).

A.Ya. Golovin, 20. yüzyılın ilk çeyreğinin en büyük tiyatro sanatçılarından biridir; I. ​​Ya. Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedeva ve diğerleri.

"Sanat Dünyası", yüzyılın başında, tüm modern sanat kültürünü abartan, yeni zevkleri ve sorunları onaylayan, sanata - en yüksek profesyonel düzeyde - kitap grafiklerinin ve tiyatronun kayıp biçimlerine dönen büyük bir estetik hareketti. ve çabalarıyla tüm Avrupa'da kabul gören dekoratif resim, yeni sanat eleştirisi yarattı. Rus sanatı yurtdışında, aslında, Rus XVIII. Yüzyıl gibi bazı aşamalarını bile açıyor. "Sanat Dünyası", kendi üslup özelliklerine sahip yeni bir tarihsel resim, portre, manzara türü yarattı (farklı stilistik eğilimler, grafik tekniklerin resimsel olanlara baskınlığı, tamamen dekoratif bir renk anlayışı, vb.). Bu onların Rus sanatı için önemini belirler.

"Sanat Dünyası"nın zayıflıkları öncelikle programın değişkenliği ve tutarsızlığına yansıdı ve "ya Böcklin, sonra Manet" modelini ilan etti; sanata ilişkin idealist görüşlerde, sanatın yurttaşlık görevlerine karşı etkilenmiş bir kayıtsızlıkta, programatik ilgisizlikte, resmin toplumsal öneminin yitirilmesinde. "Sanat Dünyası"nın yakınlığı, saf estetiği, yaklaşan devrimin korkunç trajik işaretleri çağında hayatının kısa tarihsel dönemini belirledi. Bunlar yaratıcı arayışlar yolunda sadece ilk adımlardı ve çok geçmeden gençler World of Art öğrencilerini geçti.

Ancak bazı "Sanat Dünyası" için ilk Rus devrimi, onların dünya görüşlerinde gerçek bir devrimdi. Grafiklerin hareketliliği ve erişilebilirliği, bu devrimci kargaşa yıllarında özel faaliyetine neden oldu. Çok sayıda hiciv dergisi ortaya çıktı (1905'ten 1917'ye kadar 380 başlık sayıldı). Sting dergisi devrimci-demokratik yönelimi ile öne çıktı, ancak en büyük sanatsal güçler Bogey ve onun Infernal Mail eki etrafında toplandı. Otokrasinin reddi, çeşitli eğilimlerin liberal fikirli sanatçılarını birleştirdi. "Bogey" sayılarından birinde Bilibin, "1 / 20 doğal boyutta Eşek" karikatürünü yerleştirir: kralın görüntüsünün genellikle yerleştirildiği güç ve şan özelliklerine sahip bir çerçevede bir eşek çizilir. Lansere 1906'da "Feast" adlı karikatürü yazdırır: kasvetli bir şölendeki çarlık generalleri şarkı söylemeyi değil, dikkat çeken askerlerin çığlıklarını dinler. "Ekim İdil" resmindeki Dobuzhinsky, temaya sadık kalıyor modern şehir, bu şehre sadece uğursuz olayların işaretleri patladı: bir kurşunla kırılan bir pencere, yalancı bir oyuncak bebek, gözlükler ve duvarda ve kaldırımda kan lekesi. Kustodiev, Çar ve generallerinin bir dizi karikatürünü ve Repin'e Devlet konusundaki çalışmalarında yardımcı olurken çok iyi çalıştığı keskinlikleri ve kötü niyetli ironileri açısından istisnai olan çarlık bakanları Witte, Ignatiev, Dubasov ve diğerlerinin portrelerini yaptı. Konsey. Witte'in elinin altında, bir elinde kırmızı bayrak, diğerinde kraliyet bayrağı olan şaşırtıcı bir palyaço gibi göründüğünü söylemek yeterli.

Ancak o yılların devrimci grafiklerinde en etkileyici olanı, V.A.'nın çizimleri olarak kabul edilmelidir. Serov. 1905 devrimi sırasında konumu oldukça kesindi. Devrim, Serov'un bir dizi karikatürünü hayata geçirdi: “1905. Pasifleştirmeden Sonra” (Nicholas II, kolunun altında bir raketle, St. George'un haçlarını baskılayıcılara dağıtır); "Hasat" (tüfekler tarlada kasnaklara serilir). Bu serideki en ünlü kompozisyon “Askerler, cesur çocuklar! Senin şanın nerede? (1905, Rus Müzesi). Serov'un sivil konumu, becerisi, gözlemi ve bir ressam olarak bilge özlülüğü burada tam olarak tezahür etti. Serov, 9 Ocak 1905'te Kazakların göstericilere saldırmasının başlangıcını tasvir ediyor. Arka planda göstericiler genel bir kitle halinde veriliyor; önde, sayfanın en ucunda, büyük bireysel Kazak figürleri var ve ilk ile arka plan arasında, ortada, onları at sırtında bir kılıçla saldırmaya çağıran bir subay. Adı, olduğu gibi, durumun tüm acı ironisini içeriyor: Rus askerleri, halkına karşı silaha sarıldı. Öyleydi ve bu trajik olay sadece Serov tarafından atölyesinin penceresinden değil, aynı zamanda (mecazi olarak diyelim) bir bütün olarak Rus aydınlarının liberal bilincinin derinliklerinden de görüldü. 1905 devrimine sempati duyan Rus sanatçılar, ulusal tarihin hangi felaketlerinin eşiğinde olduklarını bilmiyorlardı. Devrimin tarafını tutarak, nispeten konuşursak, bir terörist bombacıyı (nihilist-raznochintsy'nin mirasçılarından, "siyasi mücadeledeki becerileri ve yetenekleriyle) tercih ettiler. toplumun geniş kesimlerinin ideolojik olarak telkin edilmesi, ”bir tarihçinin doğru tanımına göre) düzenin korunmasında duran polis. Devrimin "kırmızı çarkı"nın yalnızca nefret ettikleri otokrasiyi değil, hizmet ettikleri ve kendileri için değerli olan tüm Rus yaşamını, tüm Rus kültürünü de süpüreceğini bilmiyorlardı.

1903'te, daha önce de belirtildiği gibi, yüzyılın başındaki en büyük sergi derneklerinden biri olan Rus Sanatçılar Birliği ortaya çıktı. İlk başta, "Sanat Dünyası" nın neredeyse tüm önde gelen isimleri girdi - Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, Vrubel, Borisov-Musatov ilk sergilere katıldı. Derneğin yaratılmasının başlatıcıları, "Sanat Dünyası" ile ilişkilendirilen, ancak Petersburgluların programatik estetiği tarafından tartılan Moskova sanatçılarıydı. "Birliğin" yüzü esas olarak Gezici yönün Moskova ressamları, Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu öğrencileri, Savrasov'un mirasçıları, Serov ve K. Korovin öğrencileri tarafından belirlendi. Birçoğu aynı anda gezici sergilerde sergilendi. "Birliğin" katılımcıları farklı dünya görüşlerine sahip sanatçılardı: S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, Korovin kardeşler, L. Pasternak. Örgütsel işler A.M.'den sorumluydu. Vasnetsov, S.A. Vinogradov, V.V. Bağlayıcılar. Gezici V.M.'nin sütunları Vasnetsov, Surikov, Polenov üyeleriydi. K. Korovin "Birliğin" lideri olarak kabul edildi.

Köylü Rusya'nın sevgiyle boyanmış resimleri olan ulusal manzara, "Rus izlenimciliğinin" kentsel motiflerden ziyade ağırlıklı olarak kırsal motifleriyle kendini tuhaf bir şekilde ifade ettiği "Birlik" sanatçılarının ana türlerinden biridir. Yani I.E.'nin manzaraları. Grabar (1871–1960), lirik ruh halleriyle, gerçek doğadaki anlık değişiklikleri yansıtan en iyi resimsel nüanslarla, Rus topraklarında Fransız izlenimci manzarasıyla bir tür paraleldir (“Eylül Karı”, 1903, Devlet Tretyakov Galerisi). Grabar, otomonografisinde bu açık hava manzarasını hatırlıyor: "Parlak sarı yapraklarla kar manzarası o kadar beklenmedik ve aynı zamanda o kadar güzeldi ki, hemen terasa yerleştim ve ... üç gün içinde bir resim yaptım. ” Grabar'ın görünür rengin paletin spektral, saf renklerine ayrıştırılmasına olan ilgisi onu neo-izlenimcilikle, J. Seurat ve P. Signac'la ("Mart Karı", 1904, Devlet Tretyakov Galerisi) ilişkilendiriyor. Doğada renklerin oyunu, karmaşık renk efektleri, tuval üzerinde resimsel ve plastik bir figüratif dünya yaratan, anlatı ve tasvirden yoksun "Müttefikler" in yakından incelenmesinin konusu haline gelir.

"Birlik" ustalarının resimlerinde ışığın ve havanın iletilmesine olan tüm ilgi ile, nesnenin hafif hava ortamında çözünmesi asla gözlenmez. Renk dekoratif hale gelir.

"Müttefikler", Petersburgluların aksine - "Sanat Dünyası"nın grafik sanatçıları - çoğunlukla yüksek dekoratif renk duygusuna sahip ressamlardır. Bunun mükemmel bir örneği, F.A.'nın resimleridir. Malyavin.

"Birlik" katılımcıları arasında, yaratıcılık temasıyla "Sanat Dünyası" na yakın olan sanatçılar vardı. Yani, K.F. Yuon (1875-1958), eski Rus şehirlerinin görünümünden, eski Moskova panoramasından etkilendi. Ancak Yuon, geçmişin motiflerine, hayaletimsi mimari manzaraya estetik olarak hayranlık duymaktan uzaktır. Bunlar Versailles parkları ve Tsarskoye Selo barok değil, eski Moskova'nın ilkbahar veya kış görünümündeki mimarisi. Doğa resimleri hayat doludur, sanatçının öncelikle itildiği doğal bir izlenim hissederler (Mart Güneşi, 1915, Devlet Tretyakov Galerisi; Kışın Trinity Lavra, 1910, Rus Müzesi). Doğanın incelikle değişen halleri, Soyuz'un başka bir üyesinin ve aynı zamanda Derneğin bir üyesinin manzaralarında tasvir edilmiştir. gezici sergiler- S.Yu. Zhukovsky (1873-1944): gökyüzünün dipsizliği, rengini değiştirmesi, suyun yavaş hareketi, ayın altında parıldayan kar ("Moonlight Night", 1899, Devlet Tretyakov Galerisi; "Baraj", 1909, Devlet Rusçası Müze). Genellikle terk edilmiş bir mülkün motifine de sahiptir.

Petersburg okulunun ressamının resminde, "Rus Sanatçılar Birliği" nin sadık bir üyesi A.A. Rylov (1870-1939), "Yeşil Gürültü" (1904), usta, ağaçların sallandığı ve yelkenlerin şiştiği taze bir rüzgarın nefesini olduğu gibi aktarmayı başardı. İçinde bazı neşeli ve rahatsız edici önseziler var. Öğretmeni Kuindzhi'nin romantik gelenekleri de burayı etkiledi.

Genel olarak, Müttefikler sadece plein-air çalışmalarına değil, aynı zamanda anıtsal resimsel formlara da yöneldiler. 1910'a kadar, "Sanat Dünyası" nın bölünme ve ikincil oluşum zamanı, "Birlik" sergilerinde, Fransız bölünmeciliğine yakın resim yapan samimi bir manzara (Vinogradov, Petrovichev, Yuon, vb.) (Grabar, erken Larionov) veya yakın sembolizm (P. Kuznetsov, Sapunov, Sudeikin); Benois, Somov, Bakst, Lansere, Dobuzhinsky - Diaghilev'in "Sanat Dünyası" sanatçıları da katıldılar.

Yerli güzel sanatlarda önemli bir rol oynayan sağlam gerçekçi temelleri ile "Rus Sanatçılar Birliği", 1923'e kadar var olan Sovyet resim okulunun oluşumunda belirli bir etkiye sahipti.

İki devrim arasındaki yıllar, bazen doğrudan birbirini dışlayan yaratıcı arayışların yoğunluğu ile karakterize edilir. 1907'de Moskova'da, Golden Fleece dergisi, Borisov-Musatov'u izleyen sanatçıların Mavi Gül adlı tek sergisini düzenledi. P. Kuznetsov, Mavi Gül'ün önde gelen sanatçısı oldu. M. Saryan, N. Sapunov, S. Sudeikin, K. Petrov-Vodkin, A. Fonvizin, heykeltıraş A. Matveev, çalışma yıllarında onun etrafında toplandı. “Mavi Ayılar”, öncelikle “dillerinde” ifade edilen sembolizme en yakın olanlardır: ruh halinin kararsızlığı, belirsiz, çevrilemez çağrışım müzikalliği, renk ilişkilerinin iyileştirilmesi. Rus sanatında sembolizm büyük olasılıkla edebiyatta kuruldu, yeni yüzyılın ilk yıllarında A. Blok, A. Bely, V. Ivanov, S. Solovyov gibi isimler zaten geliyordu. Vrubel'in çalışmalarında, daha önce de belirtildiği gibi, "resimsel sembolizm" in ayrı unsurları da ortaya çıktı, Borisov-Musatov, Roerich, Chiurlionis. Kuznetsov ve ortaklarının resimlerinde Balmont, Bryusov, Bely'nin poetikası ile birçok temas noktası vardı, sadece Wagner operaları, Ibsen, Hauptmann ve Maeterlinck dramaları aracılığıyla sembolizme bağlandılar. "Mavi Gül" sergisi bir tür sentezdi: sembolist şairler sergilendi, modern müzik yapıldı. Sergiye katılanların estetik platformu da sonraki yıllarda etkisini gösterdi ve bu serginin adı 900'lü yılların ikinci yarısında tüm sanat akımının adından söz ettirdi. "Mavi Gül" ün tüm etkinliği, Art Nouveau tarzının (formların düzlem-dekoratif stilizasyonu, kaprisli doğrusal ritimler) etkisinin en güçlü izini taşır.

Pavel Varfolomeevich Kuznetsov'un (1878–1968) çalışmaları Mavi Ayıların temel ilkelerini yansıtıyor. Çalışmaları neo-romantik "güzel netlik" kavramını (şair M. Kuzmin'in bir ifadesi) somutlaştırıyor. Kuznetsov, gündelik somutluktan soyutlamaya, insan ve doğanın birliğini, sonsuz yaşam ve doğa döngüsünün istikrarını, bu uyum içinde insan ruhunun doğuşunu göstermeye çalıştığı dekoratif bir panel resmi yarattı. Bu nedenle, anıtsal resim biçimlerine duyulan arzu, rüya gibi-tefekkürlü, her şeyden arınmış, evrensel, zamansız notalar, maddenin maneviyatını iletmek için sürekli bir arzu. Figür yalnızca bir kavramı ifade eden bir işarettir; renk duyguları iletmeye hizmet eder; ritim - belirli bir duyum dünyasına tanıtmak için (ikon resminde olduğu gibi - aşk, hassasiyet, üzüntü, vb. sembolü). Bu nedenle, Kuznetsov'un dekoratifliğinin temellerinden biri olarak tuvalin tüm yüzeyi üzerinde tek tip bir ışık dağılımının alınması. Serov, P. Kuznetsov'un doğasının "nefes aldığını" söyledi. Bu, Orta Asya manzaralarında Kırgız (Bozkır) ve Buhara süitlerinde mükemmel bir şekilde ifade edilir. Kuznetsov'un çalışmasının araştırmacısı A. Rusakova'nın yazdığı gibi, 1911'deki (“Kol ağılında uyumak”, rüya gibi bir bozkır dünyasının, barışın, uyumun bir görüntüsüdür. Tasvir edilen kadın belirli bir kişi değil, genel olarak bir Kırgız kadınıdır, Moğol ırkının bir işareti.) Yüksek gökyüzü, sınırsız çöl, yumuşak tepeler, çadırlar, koyun sürüleri ataerkil bir idil görüntüsü yaratır. Sanatçıları her zaman endişelendiren insanın doğa ile kaynaşmasının ebedi, ulaşılmaz rüyası (Bozkırda Mirage, 1912, Devlet Tretyakov Galerisi). Kuznetsov, erken İtalyan Rönesansı olan eski Rus ikon resmi tekniklerini inceledi. Araştırmacılar tarafından doğru bir şekilde belirtildiği gibi, kendi büyük stilini arayan dünya sanatının klasik geleneklerine yapılan bu çağrı, herhangi bir geleneğin genellikle tamamen reddedildiği bir dönemde temel bir öneme sahipti.

Doğu'nun egzotizmi - İran, Mısır, Türkiye - Martiros Sergeevich Saryan'ın (1880-1972) manzaralarında somutlaşıyor. Doğu, Ermeni sanatçı için doğal bir temaydı. Saryan, resminde Kuznetsov'unkinden daha parlak, daha tutkulu, daha dünyevi bir dünya yaratır ve resimsel çözüm her zaman zıt renk ilişkileri üzerine, nüanslar olmadan, keskin gölge karşılaştırmasında inşa edilir (“Date Palm, Mısır”, 1911). , haritalar. , tempera, GTG). Saryan'ın renk kontrastlarıyla oryantal eserlerinin, Cezayir ve Fas'a seyahat ettikten sonra yarattığı Matisse'in eserlerinden önce ortaya çıktığını unutmayın.

Saryan'ın görüntüleri, formların genelleştirilmesi, büyük renkli uçaklar, dilin genel özlülüğü nedeniyle anıtsaldır - bu, kural olarak, Mısır'ın genelleştirilmiş bir görüntüsüdür, İran, yerli Ermenistan, hayati doğallığı korurken, hayattan yazılmışsa Saryan'ın dekoratif tuvalleri her zaman neşelidir, yaratıcılık fikrine tekabül ederler: “... bir sanat eseri mutluluğun, yani yaratıcı çalışmanın sonucudur. Sonuç olarak, izleyicide yaratıcı ateşin alevini tutuşturmalı, onun doğal mutluluk ve özgürlük arzusunun tanımlanmasına katkıda bulunmalıdır.

Kuznetsov ve Saryan, biri eski Rus ikon sanatı geleneklerine, diğeri eski Ermeni minyatürlerine dayanan farklı şekillerde renkli ve zengin bir dünyanın şiirsel bir görüntüsünü yarattı. Mavi Gül döneminde de Doğu motiflerine ve sembolik eğilimlere olan ilgiyle birleşmişlerdir. İzlenimci bir gerçeklik algısı, Blue Rose sanatçılarının özelliği değildi.

"Goluborozitler", sembolizmin dramaturjisiyle yakın temas kurdukları tiyatroda çok ve verimli çalıştılar. N.N. Sapunov (1880–1912) ve S.Yu. Sudeikin (1882-1946), M. Maeterlinck, Sapunov - G. Ibsen ve Blok'un "Balaganchik" adlı dramalarını tasarladı. Sapunov ayrıca bu teatral fanteziyi, fuarın lubok stilini şövale eserlerine, zarif porselen vazolarda kağıt çiçeklerle keskin dekoratif natürmortlara (“Peonies”, 1908, tempera, Devlet Tretyakov Galerisi), gerçekliğin içinde bulunduğu grotesk tür sahnelerine aktardı. fantazmagoria ile karıştırılır (“Maskeli Balo”, 1907, Devlet Tretyakov Galerisi).

1910'da, bir dizi genç sanatçı - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova ve diğerleri - Jack of Diamonds organizasyonunda birleştiler. kendi tüzüğü, sergiler düzenledi ve kendi makale koleksiyonlarını yayınladı. “Jack of Diamonds” aslında 1917'ye kadar vardı. Post-empresyonizm, özellikle Cezanne, “izlenimciliğe tepki” olduğundan, “Jack of Diamonds”, “Mavinin” sembolik dilinin belirsizliğine, çevrilemezliğine, en ince nüanslarına karşı çıktı. Gül” ve “Sanat Dünyası”nın estetik üslubu. Dünyanın maddiliği, "maddiliği" tarafından taşınan "Elmas Knave", resmin net bir yapısını ilan etti, formun nesnelliğini, yoğunluğunu, rengin dolgunluğunu vurguladı. Manzaranın Rus Sanatçılar Birliği üyelerinin favori türü haline gelmesi gibi, natürmortun da “Valetovitler”in favori türü haline gelmesi tesadüf değildir. Ilya Ivanovich Mashkov (1881-1944) natürmortlarında ("Mavi Erikler", 1910, Devlet Tretyakov Galerisi; "Kamelya ile Natürmort", 1913, Devlet Tretyakov Galerisi) bu derneğin programını Pyotr Petrovich Konchalovsky olarak tam olarak ifade ediyor ( 1876-1956) - portrelerde (G. Yakulov'un portresi, 1910, Rus Müzesi; "Matador Manuel Hart", 1910, Devlet Tretyakov Galerisi). Ruh hallerinin değişimini aktarmadaki incelik, özelliklerin psikolojizmi, durumların yetersiz ifadesi, "Mavi Taşıyıcılar" resminin kaydileştirilmesi, romantik şiirleri "Valetovitler" tarafından reddedilir. Renklerin neredeyse kendiliğinden şenliği, kontur çiziminin ifadesi, dünyanın iyimser bir vizyonunu ileten, neredeyse komik, kare bir ruh hali yaratan sulu macunsu geniş yazı tarzı ile karşı çıkıyorlar. Konchalovsky ve Mashkov portrelerinde canlı, ancak tek boyutlu bir karakterizasyon veriyor ve bir özelliği neredeyse grotesk noktasına kadar keskinleştiriyor; natürmortlarda tuvalin düzlemini, renk lekelerinin ritmini vurgularlar (“Agave”, 1916, Devlet Tretyakov Galerisi, - Konchalovsky; sülünlü bir bayanın portresi, 1911, Rus Müzesi, - Mashkov). "Elmas Knave", popüler bir popüler baskıya, bir halk oyuncağına, boyama karolarına, bir tabelaya benzeyen formun yorumlanmasında bu tür basitleştirmelere izin verir. İlkelcilik özlemi (Latin primitivus'tan - ilkel, ilk), sanatsal algının dolaysızlığı ve bütünlüğünü kazanma arayışında, ilkel çağların - ilkel kabileler ve milliyetler - basitleştirilmiş sanat biçimlerini taklit eden çeşitli sanatçılarda kendini gösterdi. “Jack of Diamonds”, algılarını Cezanne'den (dolayısıyla bazen “Rus Cezanneizmi” adı) veya daha doğrusu Cezanneizm'in dekoratif versiyonundan - Fovizm, hatta daha fazlası - Kübizmden, hatta Fütürizmden; kübizmden formların “kayması”, fütürizmden - dinamikler, “Yüzük” resminde olduğu gibi formun çeşitli modifikasyonları. Büyük İvan'ın Çan Kulesi” (1915, Devlet Tretyakov Galerisi) A.V. Lentulov (1884–1943). Lentulov, uyumu gergin, keskin algı ile bozulan eski mimari motifi üzerine inşa edilmiş çok etkileyici bir görüntü yarattı. modern adam endüstriyel ritimler tarafından yönlendirilir.

PP portreleri Biçimi anlama ve yorumlamada kübizme sadık kalan Falk (1886-1958), modelin belirli bir durumunu ileten ince renkli plastik armonilerde gelişti (Falk'ın "lirik kübizminden" bahsetmeleri boşuna değil).

A. V. Kuprin'in (1880–1960) natürmortlarında ve manzaralarında, bazen destansı bir not belirir, genelleme eğilimi vardır (“Kabak, Vazo ve Püsküllü Natürmort”, 1917, Devlet Tretyakov Galerisi, haklı olarak çağrılır. araştırmacılar “ressamın araçlarını yücelten bir şiir”). Kuprin'in dekoratif başlangıcı, doğaya analitik bir bakış açısıyla birleştirilmiştir.

Formun aşırı basitleştirilmesi, tabela sanatıyla doğrudan bağlantı, özellikle M.F. "Jack of Diamonds" ın kurucularından biri olan Larionov (1881-1964), ancak zaten 1911'de onunla ayrıldı ve yeni sergiler düzenledi: "Eşek Kuyruğu" ve "Hedef". Larionov manzaralar, portreler, natürmortlar çiziyor, Diaghilev girişiminin tiyatro sanatçısı olarak çalışıyor, sonra tür resmine dönüyor, teması bir taşra sokağının hayatı, askerlerin kışlası. Formlar düz, grotesk, sanki bir çocuğun çizimi, popüler baskı veya tabela olarak kasıtlı olarak stilize edilmiş gibi. 1913'te Larionov, "Luchism" adlı kitabını yayınladı - aslında, Rusya'da gerçek yaratıcıları V. Kandinsky ve K. Malevich olan soyut sanatın manifestolarının ilki.

Sanatçı Larionov'un karısı Goncharova (1881–1962), tür resimlerinde, çoğunlukla köylü teması üzerine aynı eğilimleri geliştirdi. İncelenen yıllarda, eserlerinde Larionov'un sanatından daha dekoratif ve renkli, anıtsal manevi güç ve özlülük, ilkelcilik için şiddetle hissedilen tutku. Goncharova ve Larionov'un çalışmalarını tanımlayan "neo-primitivizm" terimi sıklıkla kullanılır. Bu yıllarda A. Shevchenko, V. Chekrygin, K. Malevich, V. Tatlin, M. Chagall, sanatsal dünya görüşü, ifade edici bir dil arayışı açısından onlara yakındır. Bu sanatçıların her biri (tek istisna, çok erken ölen Chekrygin'dir) kısa sürede kendi yaratıcı yolunu buldu.

MZ Chagall (1887–1985), küçük kasaba Vitebsk yaşamının sıkıcı izlenimlerinden dönüştürülen ve naif-şiirsel ve grotesk-sembolik bir ruhla yorumlanan fanteziler yarattı. Gerçeküstü alan, parlak renkler, formun kasıtlı olarak ilkelleştirilmesiyle Chagall, hem Batı dışavurumculuğuna hem de ilkel halk sanatına yakın görünüyor (“I and the Village”, 1911, Museum of Contemporary Art, New York; “Over Vitebsk”, 1914). , col. Zak. Toronto; "Düğün", 1918, Devlet Tretyakov Galerisi).

"Jack of Diamonds"a yakın, yukarıda adı geçen ustaların çoğu, "Jack of Diamonds" (1909) ile neredeyse aynı anda şekillenen St. Petersburg organizasyonu "Gençlik Birliği"nin üyeleriydi. Chagall'a ek olarak, P. Filonov, K. Malevich, V. Tatlin, Yu. Annenkov, N. Altman, D. Burliuk, A. Exter ve Soyuz'da sergilenen diğerleri L. Zheverzheev başrolde oynadı. Tıpkı "valetovtsy" gibi, "Gençlik Birliği" üyeleri de teorik koleksiyonlar yayınladı. 1917'de derneğin çöküşüne kadar. "Gençlik Birliği", sembolizm ve kübizm, fütürizm ve "nesnel olmama" iddiasında bulunan belirli bir programa sahip değildi, ancak sanatçıların her birinin kendi yaratıcı yüzü vardı.

P.N.'yi karakterize etmek en zoru. Filonov (1883–1941). D. Sarabyanov, Filonov'un çalışmasını "yalnız ve benzersiz" olarak doğru bir şekilde tanımladı. Bu anlamda sanatçıyı haklı olarak A. Ivanov, N. Ge, V. Surikov, M. Vrubel ile aynı seviyeye getiriyor. Bununla birlikte, Filonov figürü, XX yüzyılın 10'lu yıllarının Rus sanat kültüründeki görünümü. doğal. “Bir tür kendi kendini geliştiren form hareketi” (D. Sarabyanov) üzerine odaklanmasıyla Filonov, fütürizme en yakın olanıdır, ancak çalışmasının sorunları ile ondan uzaktır. Aksine, kelimenin orijinal anlamını arayışıyla pitoresk değil, Khlebnikov'un şiirsel fütürizmine daha yakındır. “Genellikle herhangi bir kenardan resim yapmaya başlayan, yaratıcı yükünü formlara aktaran Filonov, onlara hayat veriyor ve sonra sanki sanatçının iradesiyle değil de kendi hareketleriyle gelişiyor, değişiyor, yenileniyor. , büyümek. Filonov'un bu kendini geliştirmesi gerçekten şaşırtıcı” (D. Sarabyanov).

Rusya'da devrim öncesi yılların sanatı, sanatsal arayışların olağandışı karmaşıklığı ve tutarsızlığı, dolayısıyla kendi program ayarları ve üslup sempatileri ile ardışık gruplamalar ile işaretlenmiştir. Ancak o zamanın Rus sanatında soyut formlar alanındaki deneycilerle birlikte, "Sanat Dünyası" ve "Goluborozitler", "müttefikler", "elmas yontucuları" aynı zamanda çalışmaya devam etti. bir örneği, “ikinci nesil” Z.E. Serebryakova (1884–1967). Özlü çizimleri, elle tutulur şekilde şehvetli plastik modellemeleri, dengeli kompozisyonları ile şiirsel tür tuvallerinde Serebryakova, Rus sanatının yüksek ulusal geleneklerinden, her şeyden önce Venetsianov'dan ve hatta eski Rus sanatından ("Köylüler", 1914, Rus Müzesi; "Hasat", 1915 , Odessa Sanat Müzesi; "Tuvalin beyazlatılması", 1917, Devlet Tretyakov Galerisi).

Son olarak, ulusal geleneklerin canlılığının parlak bir kanıtı olan büyük eski Rus resmi daha sonra Sovyet döneminin en önemli sanat ustası olan sanatçı-düşünür Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin'in (1878–1939) eseridir. Ünlü Kızıl Atı Yıkanmak (1912, Cum) adlı resimde sanatçı, mecazi bir metafora başvurdu. Doğru bir şekilde belirtildiği gibi, parlak kırmızı bir at üzerindeki genç adam, Muzaffer St. George'un (“Aziz Egor”) popüler imajı ve genelleştirilmiş siluet, ritmik, kompakt kompozisyon, tam güç zıt renk lekeleri, formların yorumlanmasındaki düzlük, eski Rus ikonunu akla getiriyor. Petrov-Vodkin tarafından, Rus sanatının geleneklerine yönelimini hissettiği ve ustayı gerçek bir ulusa götüren anıtsal “Volga'daki Kızlar” (1915, Devlet Tretyakov Galerisi) adlı resimde uyumlu bir şekilde aydınlatılmış bir görüntü yaratılmıştır.

Edebiyatta olduğu gibi görsel sanatlarda da geç XIX- 20. yüzyılın başında, her birinin hayranları ve rakipleri olan birçok yön vardı. Bir dizi gruplaşma, çevre, sanatçı dernekleri ortaya çıktı. Yeni teknikler, yazı stilleri, yeni görsel türler ortaya çıktı. Bütün bunlar, resim sanatına olan ilgiyi artırdı ve bu da, bu alandaki sergi ve yayıncılık faaliyetlerinin gerçek bir çiçeklenmesine neden oldu. Aristar rkh Vasilyevich Lentulov "Kutsanmış Vasiliy" 1913 İlya İvanoviç Mashkov "Natürmort" 1913

Görevi olarak yaratıcı, ancak aynı zamanda gerçekliğin en sadık yeniden üretimini belirleyen gerçekçi eğilim, o zamanın resminde I. E. Repin tarafından temsil edildi. 1990'larda, güçlü ve renkli yazının derin psikolojizm, modelin pozunu ve jestini mecazi olarak karakterize etmek için kullanma yeteneği (örneğin, Eleonora Duse'nin portresi) ile birleştirildiği birçok portre yarattı. Ilya Efimovich Repin "Eleonora Duse'nin Portresi" 1891

Manzara resminde ustaca ustalaşan Isaac Ilyich Levitan, 19. yüzyılın sonunda "kavramsal manzara" veya "ruh hali manzarası" türünü yarattı. Eserlerinde tabiat hali, insan ruhunun hareketlerinin bir ifadesi olarak kavranır; manzara çizimleri, rahatsız ediciden samimi liriklere ("Akşam Çanları", "Ebedi Barışın Üstünde", "Mart") yaygın olarak anlaşılan bir dizi çağrışım ve deneyimi aktarır. "Akşam Çanları" 1892 "Sonsuz Barış" 1894 "Mart" 1895

O dönem için dikkate değer bir fenomen, Rus folkloruna dönen ilk sanatçılardan biri olan Viktor Mihayloviç Vasnetsov'un eseriydi. Resimlerini Rus destanlarına ve halk hikayelerine (“Gri kurtta Ivan Tsarevich”, “Bogatyrs”) ve ulusal tarihin temalarına (“Korkunç Çar Ivan Vasilyevich”) dayanarak çizdi. Kiev'deki Vladimir Katedrali'nin duvar resimlerinde Vasnetsov, 19. yüzyılın ikinci yarısında tamamen düşüşe geçen kilise anıtsal resmini canlandırmaya çalıştı. "Alyonushka" 1881

Rusya'daki izlenimciliğin en belirgin temsilcisi Konstantin Alekseevich Korovin'dir. 1980'lerde, sanki parıldayan bir renk şeması, dürtülü eskiz yazıları gibi bir ışık kullandı ve 1800'lerde, genellikle parlak bir şekilde dekoratif olan, kalın doygun renklerle boyamaya yöneldi. Tiyatro dekoratörü olarak çalışan Korovin, yeni bir tür renkli, muhteşem manzara yarattı. "F. I. Chaliapin'in Portresi" 1911 "Gurzuf" 1914

Repin'in öğrencisi Valentin Aleksandroviç Serov, haklı olarak yüzyılın başındaki sanatın merkezi figürü olarak kabul edilebilir. Çalışmaları gerçekçiliğin etkisi altında kuruldu, ancak “Şeftali Kız”, “Güneş Tarafından Aydınlatılmış Kız” gibi eserlerde erken Rus izlenimciliğinin özellikleri dikkat çekiyor. Sanatçı farklı türlerde çalıştı, ancak artan bir güzellik duygusu ve ayık analiz yeteneği ile donatılmış bir portre ressamı olarak yeteneği özellikle önemlidir. 1990'lardan bu yana Serov'un çalışmasındaki izlenimci özellikler giderek kayboluyor, ancak Art Nouveau tarzının ilkeleri giderek daha tutarlı bir şekilde gelişiyor. "Şeftali Kız" 1887 "Güneşin Aydınlattığı Kız" 1888

1903'te Moskova katılımcıları Rus Sanatçılar Birliği'ni kurdu. "Rus Sanatçılar Birliği" nin ana çekirdeğinin yaratıcılığı, demokratik bir yönelim, yerli doğaya ilgi ve ayırt edici özellikleri halk hayatı. Birliğin bağırsaklarında, izlenimciliğin Rus versiyonu ve orijinal sentezi ev tipi mimari bir manzara ile (K. F. Yuon, "Kışta Trinity Lavra"). Igor Emmanuelovich Grabar "Şubat Mavisi" 1904 Konstantin Fedorovich Yuon "Kışın Trinity Lavra" 1910

1907'de Moskova'da başka bir büyük sanat derneği ortaya çıktı - Blue Rose. Katılımcıları bir yandan Borisov-Musatov'un post-empresyonist tekniklerinin etkisini, diğer yandan Art Nouveau tarzını deneyimlediler. Buradan karakter özellikleri resimleri: formların düzlüğü ve dekoratif stilizasyonu, sofistike renk çözümleri arayışı, görüntülerin lirizmi, oryantalist motifler. oryantalist Pavel Varfolomeevich Kuznetsov Natürmort "Buhara" 1913

"Jack of Diamonds" derneğinin sanatçıları, hem 19. yüzyılın gerçekçilik geleneklerine hem de 20. yüzyılın başlarındaki mistik-sembolik eğilimlere karşı çıktılar. Doğanın özgün maddeselliğini ve "şeyliğini" özdeşleştirmeyi sanatlarının ana ilkesi haline getirdiler. Formun renkle inşası, hacimlerin vurgulanan deformasyonu ve genelleştirilmesi, dokunun kasıtlı kabalığı ve somutluğu, akılda kalıcı, neşeli, neredeyse popüler parlaklık - tüm bunlar sayesinde, "Jack of Diamonds" sanatçıları resimde onayladılar. hayatın şehvet dolu, renkli yanları. Biraz sonra önemli bir bileşen güzel stil"Elmas Jack" fütürizm oldu. Aristar rkh Vasilyevich Lentulov "Kutsanmış Fesleğen" 1913

Fütürizm, soyut sanatta yakalandı, resim ve grafiklerde gerçek nesneleri tasvir etme işaretlerini temelde reddetti ve yazarın duygularını ve fantezilerini ifade etmek için tasarlanmış resimsel olmayan kompozisyonların renkli noktalarını ve çizgilerini kullandı. Rusya'daki soyut sanat teorisyenleri ve uygulayıcıları V. V. Kandinsky (“Krinolinli Bayanlar”, “Doğaçlama 7”) ve K. S. Malevich (“Kara Kare”) idi. Vasily Vasilyevich Kandinsky "Doğaçlama 7" 1910 Kazimir Severinovich Malevich "Kara Süprematist Meydanı" 1915

Oryantalizm, belirli bir kültürel geleneğin (edebiyat, resim, tarihsel ve etnografik kavramlar, vb.) formlarından bir diğeri. Süprematizm, 1990'ların ilk yarısında K. S. Malevich tarafından kurulan avangard sanatta bir akımdır. Bir tür soyut sanat olan Süprematizm, en basit geometrik hatların (düz bir çizgi, kare, daire ve dikdörtgenin geometrik formlarında) çok renkli düzlemlerinin kombinasyonlarında ifade edildi. Çok renkli ve çok boyutlu kombinasyonu geometrik şekiller iç harekete nüfuz eden dengeli asimetrik Suprematist kompozisyonlar oluşturur. Soyutlamacılık, resim ve heykelde gerçeğe yakın formların tasvirini terk eden bir sanat yönüdür. Soyutlamacılığın amaçlarından biri, belirli renk kombinasyonlarını ve geometrik şekilleri betimleyerek, izleyicinin kompozisyonun bütünlüğünü ve bütünlüğünü hissetmesini sağlayarak "uyum" elde etmektir.

20. YÜZYILLARIN BAŞLARINDA 19. YÜZYIL SONU RUS RESMİ 19. yüzyılın sonları - 20. yüzyılın başlarında. Rus sanatının gelişiminde önemli bir dönem. Rusya'daki kurtuluş hareketinin aşamasına denk geliyor, V.I. Lenin proleter dedi. Bu dönemde Rus sanatının gelişiminin genel resmi nedir?Eleştirel gerçekçiliğin önde gelen ustaları I.E. Repin, V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov, V.E. Makovsky 1890'larda, gelenekleri gelişimini genç nesil gezgin sanatçıların bir dizi eserinde buldu, örneğin, çalışmaları aynı zamanda insanların hayatıyla da bağlantılı olan Abram Efimovich Arkhipov 1862-1930. köylüler.

Resimleri doğru ve basit, erken dönem lirik Oka Nehri'nde, 1890, Ters, 1896, daha sonra, parlak pitoresk, şiddetli neşe yaşıyor Sürahili Kız, 1927. Otokrasiye karşı canlı bir suçlayıcı belge.

Wanderers'ın genç nesli ayrıca Sergei Alekseevich Korovin 1858-1908 ve Nikolai Alekseevich Kasatkin 1859-1930'u da içeriyor. Korovin, 1893'te On the World adlı ana resmi üzerinde on yıl çalıştı. Modern sermayeli köyde köylülüğün tabakalaşmasının karmaşık süreçlerini ona yansıttı. Kasatkin, çalışmalarında Rusya'nın en önemli yönlerini de tespit edebildi.

tamamen kaldırdı yeni Konu proletaryanın rolünün güçlendirilmesiyle ilişkiliydi. Madenciler, ünlü tablosu Madenciler'de tasvir edilmiştir. 1895'teki değişim, o güçlü gücün yakın gelecekte çarlık Rusya'sının çürümüş sistemini yıkıp yeni, sosyalist bir toplum inşa edeceğini tahmin edebilir. Ancak 1890'ların sanatında başka bir eğilim ortaya çıktı. Artık birçok sanatçı hayatta, her şeyden önce şiirsel yanlarını bulmaya çalıştı, bu nedenle, tür resimlerinde bile manzarayı içeriyorlardı.

Sıklıkla atıfta bulunulan eski Rus tarihi. Sanattaki bu eğilimler, A.P. Ryabushkin, B.M. Kustodiev ve M.V. Nesterov. Andrei Petrovich Ryabushkin 1861-1904'ün favori türü tarihsel türdü, ancak aynı zamanda çağdaş köylü yaşamından resimler de yaptı. Bununla birlikte, sanatçı sadece halk yaşamının belirli yönleri - ritüeller ve tatiller - tarafından çekildi. Onlarda, ilkel Rus, ulusal karakterin bir tezahürünü gördü, 17. yüzyılın Moskova caddesi, 1896. tarihi tablolar Ryabushkin tarafından köylülerle yazılmış, sanatçı neredeyse tüm hayatını kırsal kesimde geçirdi.

Ryabushkin, 17. yüzyılda Moskova'daki Düğün Yiyen'in görüntülerinin tarihsel gerçekliğini vurguluyormuş gibi, eski Rus resminin bazı karakteristik özelliklerini tarihi tuvallerine ekledi. Bu zamanın bir başka büyük sanatçısı olan Boris Mihayloviç Kustodiev 1878-1927, çok renkli kaşıklar ve renkli mal yığınları ile fuarları, sürme troykaları olan Rus karnavallarını, tüccar hayatından sahneleri tasvir ediyor.

Mikhail Vasilyevich Nesterov'un erken çalışmalarında, yeteneğinin lirik yönleri en iyi şekilde ortaya çıktı. Resimlerinde manzara her zaman önemli bir rol oynamıştır, sanatçı sonsuz güzel doğanın sessizliğinde rahatlık bulmaya çalışmıştır. İnce gövdeli huş ağaçlarını, kırılgan ot saplarını ve çayır çiçeklerini tasvir etmeyi severdi. Kahramanları zayıf gençler, manastır sakinleri veya doğada huzur ve sükunet bulan kibar yaşlı adamlardır.

Bir Rus kadınının kaderine adanan tablolar Dağlarda, 1896, Büyük tentür, 1897-1898, derin bir sempatiyle yelpazeleniyor. Manzara ressamı ve hayvan ressamı Alexei Stepanovich Stepanov'un (1858-1923) eseri bu zamana kadar uzanıyor. Sanatçı hayvanları içtenlikle sevdi ve sadece mükemmel bir şekilde biliyordu dış görünüş, aynı zamanda her hayvanın karakteri, becerileri ve alışkanlıklarının yanı sıra çeşitli av türlerinin kendine özgü özellikleri. en iyi tablolar Rus doğasına adanmış, lirizm ve şiirle dolu sanatçı Turnalar uçuyor 1891, Elks 1889, Kurtlar 1910. Derin lirik şiir Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov 1870-1905'in sanatına da nüfuz edilmiştir. Güzel ve şiirsel, eski malikane parklarında yaşayan dalgın kadın görüntüleri ve tüm armonik, müzik benzeri resim Göleti, 1902. XIX yüzyılın 80-90'larında, seçkin Rus sanatçılar Konstantin Alekseevich Korovin 1861-1939, Valentin Alexandrovich Serov ve Mikhail Alexandrovich Vrubel'in eserleri kuruldu.

Sanatları, dönemin sanatsal başarılarını en iyi şekilde yansıtıyordu. K.A.'nın yeteneği Korovin, hem şövale resminde, hem de öncelikle manzarada, hem de tiyatro ve dekoratif sanatta eşit derecede parlak bir şekilde ortaya çıktı.

Korovin'in sanatının cazibesi, sıcaklığında, güneş ışığında, ustanın sanatsal izlenimlerini doğrudan ve canlı bir şekilde iletme yeteneğinde, paletinin cömertliğinde, 1888-1889 Kışın Balkonda, resminin renk zenginliğinde yatar. 1894. 1890'ların sonunda Rusya'da, A.N. başkanlığında yeni bir sanat toplumu, Sanat Dünyası kuruluyor. Benois ve S.P. Ülkenin sanat hayatı üzerinde büyük etkisi olan Diaghilev.

Ana çekirdeği sanatçılar K.A. Somov, L.S. Bakst, M.V. Dobuzhinsky, E.E. Lansere, A.P. Ostroumov-Lebedev. Bu grubun faaliyetleri çok yönlüydü, sanatçılar kendi World of Art dergilerini yayınladılar, birçok seçkin ustanın katılımıyla ilginç sanat sergileri düzenlediler.

Faaliyetleri katkı sağladı yaygın Bununla birlikte, Rus sanat kültürü toplumunda, yalnızca yaşamdaki güzelliği aradılar ve sanatçının ideallerinin gerçekleşmesini yalnızca sanatın sonsuz çekiciliğinde gördüler. Çalışmaları, en ilerici ve en devrimci sanatçıların bayrağı altında yürüdükleri Gezginlerin karakteristiği olan savaşçı ruhtan ve toplumsal analizden yoksundu. Alexander Nikolayevich Benois 1870-1960, haklı olarak Sanat Dünyasının ideoloğu olarak kabul edilir.

Yoldaşları gibi Benois de çalışmalarında geçmiş dönemlerden temalar geliştirdi. Versay'ın şairiydi. 17. ve 18. yüzyıl Fransız kültürünün önemli bir uzmanı olan Benois, antik kraliyet ikametgahına sanatsal ruhun özü olarak saygı duyuyordu. büyük ülke. Bu hayranlığı manzaralarda, türlerde, kitap illüstrasyonlarında, tiyatro sahnelerinde somutlaştırmaya çalıştı. Sanatçı, doğal izlenimlere dayanan şövale çalışmalarında, Paris yakınlarında Sun King'in iradesiyle yaratılan Versailles'in şaşırtıcı mekansallığını, büyük mimarların, heykeltıraşların ve bahçıvanların hayal gücü ve becerisini iyi aktarabildi.

Küçük, cansız insan figürleriyle dolu tarihsel kompozisyonlarında, sanat anıtlarını ve hayatın bireysel ayrıntılarını, Paul I, 1907 altında özenle ve sevgiyle yeniden üretti. Puşkin'e derinden saygı duyan Benois, eserleri için bir dizi illüstrasyon yarattı. Bunların en iyisi Bronz Süvari şiiri için. Sanatçı, Puşkin'in Petersburg'unun imajını yeniden yarattı.

Konstantin Andreevich Somov 1869-1939, romantik manzara ve cesur sahnelerin ustası olarak biliniyordu. Sıradan kahramanları, yüksek pudralı peruklar ve gür kabarık etekler içinde uzak antik çağlardan gelen hanımlar ve saten kombinezonlarda zarif durgun beyler gibidir. Somov'un mükemmel bir çizim komutu vardı. Bu özellikle portrelerinde doğruydu. Sanatçı, A.A. da dahil olmak üzere sanatsal entelijansiya temsilcilerinin portrelerinden oluşan bir galeri yarattı. Blok ve M.A. Kazmina 1907, 1909. Yüzyılın başında Rusya'nın sanatsal yaşamında, Rus Sanatçılar Birliği'nin sanatsal gruplaşması da önemli bir rol oynadı.

Sanatçılar K. A. Korovin, A.E. Arkhipov, S.A. Vinogradov, S.Yu. Zhukovski, L.V. Turzhansky, K.F. Yuon ve diğerleri. Bu sanatçıların eserlerindeki ana tür manzaraydı. 19. yüzyılın ikinci yarısında manzara resminin halefleriydiler. AVANT-GARDİZM. Fransız avangard Avant gelişmiş ve garde müfrezesinden Avantgafdisme. Avangardizm, gelenekleri reddetme eğilimi ve çok çeşitli sanatsal hareketlerde kendini gösteren yeni yaratıcılık biçimleri ve yolları için deneysel arayıştır, kavram akademizmin karşıtıdır.

Birçok araştırmacıya göre avangard, kültürün medeniyet tarafından, hümanist değerlerin pragmatik ideoloji tarafından yer değiştirme sürecinin bir yansımasıdır. teknik yaş. Yani, yirminci yüzyılın en başında. Derin bir kriz içinde olan Art Nouveau döneminin sanatındaki belirsiz Romantizm ve sembolizm idealleri, teknikçilerin yapılandırmacılık, işlevselcilik ve soyutlamacılık fikirlerinin kasırga kasırgaları tarafından kelimenin tam anlamıyla süpürüldü.

Avangardlar, klasik resmin illüzyonizmine lat'ten gelen vizyonizmle karşı çıktılar. Vizyon fenomendir, imajdır. Avangard sanatın tüm akımları gerçekten de ruhsal içeriğin pragmatizmle, duygusallığın ölçülü hesaplamayla, sanatsal imgelemenin basit uyumla, formların estetiğinin, kompozisyonun inşayla ve büyük fikirlerin faydayla ikame edilmesiyle karakterize edilir. 19. yüzyılın Wanderers ve 60'lı yılların hareketinde açıkça kendini gösteren geleneksel Rus maksimalizmi, yalnızca Rus devrimi tarafından güçlendirildi ve tüm dünyada Sovyet Rusya avangard sanatın doğum yeri olarak kabul edilir.

Yeni sanat, dizginsiz bir özgürlükle fetheder, büyüler ve büyüler, ancak aynı zamanda içeriğin ve biçimin bütünlüğünün bozulmasına, yıkımına tanıklık eder. Avangard sanatın bazı eğilimlerinde var olan ironi, oyun, karnavalizm ve maskeli balo atmosferi sadece maskelemekle kalmaz, sanatçının ruhundaki derin bir iç uyuşmazlığı da ortaya çıkarır.

Avangardizm ideolojisi kendi içinde yıkıcı bir güç taşır. 1910'larda, N. Berdyaev'e göre, Rusya'da bir holigan kuşağı büyüyordu. Avangard kavramı, yirminci yüzyılın sanatındaki en çeşitli eğilimleri şartlı olarak birleştirir. konstrüktivizm, kübizm, orfizm, op art, pop art, pürizm, sürrealizm, fovizm. Rusya'daki bu eğilimin ana temsilcileri V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender ve diğerleri. Rus sanatında az çok dikkat çekici bir iz bırakan yeni sanatsal derneklerden ikisi öne çıkıyor. İlki 1907 sergisinin adından sonra Mavi Gül olarak adlandırıldı, ikinci dernek daha da sıra dışı Jack of Diamonds adını taşıyordu.

S. Makovsky, Mavi Gül Işığı sergisi hakkında yazdı. Sessizlik. Ve resimler dua gibidir boş rutinden çok uzak. 1910 yılı, Rus ressam Wassily Kandinsky 1866-1944'ün eserinde iki önemli olayla işaretlendi: ilk soyut çalışmayı yarattı ve Sanatta Maneviyat Üzerine başlıklı bir inceleme yazdı.

Bundan böyle, büyük sanatçının resimsel, teorik ve şiirsel çalışması tek bir amaca bağlıydı - 20. yüzyıldan doğan, kendisine ifşa edilen yeni manevi deneyimi anlamak ve ifade etmek. Manevi içeriğini sanatın temeli olarak ortaya koyan Kandinsky, en derin anlamın en iyi şekilde ritim, rengin psikofiziksel etkisi, dinamik ve statik karşıtlıklar temelinde düzenlenen kompozisyonlarda ifade edilebileceğine inanıyordu.

Sanatçı, doğal manzaralardan soyut yapılarına geldi, gerçekçiliklerini aşarak, resmin alanında yoğun bir resimsel ve plastik süreci ortaya çıkaran ve sanatsal görüntünün mutlak bütünlüğünü ve bütünlüğünü sağlayan yeni bir figüratif olmayan dünya yarattı. Keskin ve ince bir duyarlılıkla donatılmış Kandinsky, dünyanın çeşitli fenomenlerin özelliklerinin birbiriyle yakından ilişkili olduğu uyumlu bir bütün olduğuna inanıyordu. Yaşamın, kültürün, sanatın farklı alanlarına ait çeşitli imgeler insanda aynı duyguları uyandırabilir.

Resimsel kompozisyonlarının ritmi, rengin duygusal sesi, çizgilerin ve noktaların ifadesi, müzik, şiir ve güzel manzaraların uyandırdığı duygulara benzer şekilde güçlü lirik duyumları ifade etmeye çağrıldı. Kandinsky'nin nesnel olmayan tüm bestelerine, renklerde canlanan müzikle metaforik bir karşılaştırma uygulanabilir, iç anlamın taşıyıcısı, renk, nokta, çizgi, nokta, düzlem ile mutlak boyama yoluyla gerçekleştirilen renkçi ve kompozisyonel orkestrasyon haline geldi. renkli noktaların zıt çarpışması.

1915-1921 Rus döneminin sonunda yazılan İki oval tablosu ders kitabı örneğidir. soyut resim Kandinsky. Hareketin sürekliliği, resme hakim olan renkli sesin yoğunluğu, yazarın duygusal, ruhsal durumundan bahseder, duygusal deneyimlerin bir yansımasını taşır.

1900'lerin sonlarında ve 1910'ların başlarında, sanatçı V.E. Tatlin 1885-1953, başta Mikhail Larionov ve Natalia Goncharova, şairler Velimir Khlebnikov, Alexei Kruchenykh ve diğerleri olmak üzere Rus avangard sanatçılara yakınlaştı. O yıllarda, ünlü III.Uluslararası Kule'nin gelecekteki yaratıcısı için ana ilgi alanı resim ve çizimdi; en önemli eserler Denizci Otoportresi, Balık Satıcısı, muhteşem Modeller ve natürmortlar ile birlikte tuvallerdi. , en son sanatın yenilikçi tekniklerinin özümsenmesine tanıklık eden, etkileyici bir genelleştirilmiş çizimden, kompozisyonun net bir yapıcılığından etkilendiler.

Aynı zamanda, eski Rus sanatı, ikon boyama, fresklerle genetik bir bağ olduğunu dışbükey olarak gösterdiler.Tatlin, öğrencilik yıllarının yaz aylarında eski Rus sanatının örneklerini çok inceledi ve kopyaladı. M.V. Matyushin 1861-1934, özellikle solcu sanatçıların ve şairlerin birçok girişiminde, Zhuravl yayınevini kurarak, Rus avangardı tarihinin onsuz düşünülemeyeceği birçok kitap yayınlayarak önemli bir rol oynadı.

Matyushin ve Guro'nun girişimiyle, her iki başkentin sanatsal güçlerinin en radikal birliği olan St. Petersburg Gençlik Birliği kuruldu. Matyushin'in pitoresk çalışması, Kazimir Malevich gibi güçlü sanatsal fikir üreticileriyle yakın dostluğuna rağmen, kendi yasalarına göre gelişti ve sonunda ZORVED'in yazarı tarafından çağrılan orijinal bir yönün yaratılmasına yol açtı uyanık bilgi, vizyon vizyonu bilgi.

Sanatçı ve öğrencileri, mekansal ve renkli çevreyi dikkatlice incelediler, doğal dünyanın görünür organiklerinin doğal olarak şekillendirilmesi, resimlerinde plastik yapılar için bir model ve örnek olarak hizmet etti. Matyushin'in karmaşık bir doğrusal yapı kullanılarak soğuk mavi renklerle boyanmış tuvali Kristalinde, adın kendisi hem figüratif hem de plastik anlamın bir diyapazonuydu. Mikhail Larionov 1881-1964, Kazimir Malevich Black Square ve Wassily Kandinsky ile birlikte Rus avangardının merkezi figürüydü. Resimlerinde izlenimcilik, fovizm, dışavurumculuktan Rus ikonlarına, popüler baskılara, folklor sanatına kadar farklı stil ve dönemlerin sanatsal tekniklerini ve yöntemlerini yoğunlaştırdı, aynı zamanda kendi resim sisteminin yaratıcısı oldu. Sanat.

Levitan ve Serov'un öğrencisi olan Larionov, Rus kamusal sahnesinde avangardın ortaya çıkışına damgasını vuran birçok skandal eylemin kışkırtıcısı olan asi sanatsal gençliğin gerçek lideriydi. Bununla birlikte, olağanüstü yeteneği sadece sanat derneklerinin organizasyonunda, çirkin sergilerin organizasyonunda değil, aynı zamanda birçoğu resimsel şaheser olarak adlandırılabilecek tuvallerin yaratılmasında da kendini gösterdi.

PV Kuznetsov 1879-1968, 20. yüzyılın başında Rus sanatında bütün bir eğilimi belirleyen Mavi Gül sergisinin organizatörlerinden biriydi. Borisov-Musatov'un ağıt resimlerinin etkisi altında yürütülen ilk çalışmalarında Kuznetsov, uyku motiflerine, rüyalara, kararsız ve hayalet görüntülere, en ince ışıklı sisle örtülmüş vizyonlara yöneldi.

Bu Goluborozov eğilimlerinin yankıları, Kuznetsov'un Kırgız Süiti'nde de görülebilir; Trans-Volga bölgesindeki göçebe halkların sakin, ölçülü yaşam seyrini, görünümlerini ve geleneklerini ve ayrıca denizin deldiği sınırsız genişliği yeniden yaratan bir resim döngüsü. bozkırların güneş ışığı. Aslen G.B.'nin karakteristik özelliği olan sofistike bir renk duygusu, grotesk tutkusu, romantik egzotizm özlemi. Yakulov 1884-1928, çalışmalarında organik olarak yirminci yüzyılın başlarındaki Rus resim stiliyle birleştirildi. Aynı zamanda, sanatçı aynı zamanda oryantal sanatı, özellikle İran minyatürünü manevi mirası olarak kabul etti, doğu sanatının dekoratif geleneklerinin kombinasyonu ve Avrupa resminin son fetihleri, doğal olarak kendisine verildi.

Yüksek ün, Yakulov'a tiyatro eserini getirdi. Etkileyici gösteride, ışıklı resmin kapsamı ve özgürlüğünde Yakulov, daha sonra tasarım ve sahne yapılarına dahil edilen dekoratif ve plastik mekansal kavramların yeni olasılıklarını aradı.

ÇÖZÜM. Bir nesil sanatçı diğerinin yerini alıyor ve her biri ülkenin ve dönemin sanatsal tarihi olan Rus resminin hazinesine benzersiz bir katkı sağlıyor. Görkemli sosyal, politik, kültürel değişimler ve çalkantılar ile sınırına kadar doymuş olan yirminci yüzyıl, güzel sanatın, onun figüratif yapısının ve ifade araçlarının alışılmadık derecede dinamik ve hızlı bir evrimini önceden belirledi.

Ancak zamanların bağlantısı kopmuyor ve bugün yüzlerce ve binlerce sanatçı, milyonlarca ve milyonlarca izleyici için, Rus klasiklerinin mükemmel kreasyonları, D. Levitsky ve O. Kiprensky, K. Bryullov ve A. Venetsianov'un kreasyonları, A. Ivanov ve P. Fedotov, V. Perov ve I. Kramskoy, I. Repin ve V. Surikov, V. Serov ve M. Vrubel, modern gerçeklikte yeni bir yaşam, manevi zenginliğimiz, ilham veren paha biçilmez bir miras olmaya devam ediyor. en yüksek işçilik örnekleri.

Rus sanatının bu altın fonunun bilgisi ve gelişimi, yaratıcı Gelişim en iyi gelenekleri çağımızın sanat kültürünü yaratmak için gereklidir.

İş bitimi -

Bu konu şunlara aittir:

Klasisizmden avangarda Rus resmi

Klasisizm sanatı, büyük sosyal içeriğin, yüce, kahramanca ahlaki ideallerin ifadesi için bir özlem ile karakterizedir. Klasisizm sanatının ana teması, kamu ilkelerinin kişisel ilkeler üzerindeki zaferidir, ... Mutlakiyet, katı güç fikrini ifade etti, mutlakiyetçi sistemin sonsuzluğu desteklendi. Her ne kadar tam olgunluk...

Bu konuyla ilgili ek materyale ihtiyacınız varsa veya aradığınızı bulamadıysanız, çalışma veritabanımızdaki aramayı kullanmanızı öneririz:

Alınan malzeme ile ne yapacağız:

Bu materyalin sizin için yararlı olduğu ortaya çıktıysa, sosyal ağlarda sayfanıza kaydedebilirsiniz:

Plan

giriiş

1. Gümüş Çağının Manevi ve Sanatsal Kökenleri

2. XIX'in sonlarında Rus resminin özgünlüğü - XX yüzyılın başlarında

3. Sanat dernekleri ve resmin gelişimindeki rolleri

Çözüm

Edebiyat

giriiş

Biz, güneşe doğru yolumuza hükmediyoruz, İkarus gibi, Rüzgarlardan ve alevlerden bir pelerin giydirildik.

(M. Voloşin)

19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında şekillenen ve alışılmadık derecede zengin meyveler üreten manevi yaşam sistemi, genellikle "Gümüş Çağı" romantik terimiyle anılır. Duygusal yükün yanı sıra, bu ifadenin belirli bir kültürel içeriği ve kronolojik çerçevesi vardır. Eleştirmen S.K. tarafından aktif olarak bilimsel kullanıma sunuldu. Makovsky, şair N.A. Otsup, filozof N.A. Berdyaev. Sanatçı K.E.'nin oğlu Sergei Makovsky. Zaten sürgünde olan Makovsky, bu zamanla ilgili en ünlü anı kitabı olmaya aday olan "Gümüş Çağın Parnassus'u" kitabını yazdı.

Çoğu araştırmacı, 20-25 yıllık dönemi, 19.-20. yüzyılların başındaki Gümüş Çağı'na bağlar. ve ilk bakışta 90'ların başındaki sıradan kültürel olaylarla başlayın. 1894'te sembolist şairlerin ilk "Bryusov" koleksiyonu yayınlandı; M.P. Mussorgsky'nin operası "Khovanshchina" sahneyi gördü; yenilikçi besteci A.N. Scriabin kariyerine başladı. 1898'de, temelde yeni bir yaratıcı dernek olan "World of Art", Paris, S.P. Diaghilev'in "Rus mevsimleri" başladı.

Gümüş Çağı kültürünün en parlak zamanı 10'lara düşer. XX yüzyıl ve sonu genellikle 1917-1920 siyasi ve sosyal çalkantılarıyla ilişkilendirilir. Böylece, Gümüş Çağı'nın en geniş kronolojik çerçevesi: 90'ların ortalarından itibaren. 19. yüzyıl 20'li yaşların ortasına kadar. XX yüzyıl., Yani yüzyılın başında yaklaşık 20-25 yıl.

Rus kültürünün ve onunla birlikte Rus resminin bu dönemde yaşadığı dönüm noktası neydi? Bu dönem neden istemeden hafızamızı Puşkin Rönesansının altın çağına geri getiren şiirsel bir isim aldı? Bu soruların cevapları hala bilim adamlarının, yazarların ve sanat eleştirmenlerinin zihinlerini heyecanlandırıyor. Bu, makalemizin konusunun alaka düzeyini belirledi.

19.-20. yüzyılların dönüşü Rusya için bir dönüm noktasıdır. Ekonomik inişler ve çıkışlar, kayıp Rus-Japon Savaşı 1904--1905 ve 1905-1907 devrimi, ilk Dünya Savaşı 1914--1918 ve Şubat ve Ekim 1917'de monarşiyi ve burjuvazinin gücünü deviren devrimin bir sonucu olarak ... Ama aynı zamanda bilim, edebiyat ve sanat eşi görülmemiş bir gelişme yaşadı.

1881 yılında özel bir evin kapıları Sanat Galerisiünlü tüccar ve hayırsever Pavel Mihayloviç Tretyakov, 1892'de Moskova'ya bağışladı. 1898'de Rus İmparator Müzesi açıldı. İskender III Petersburg'da. 1912'de tarihçi Ivan Vladimirovich Tsvetaev'in (1847-1913) girişimiyle, Güzel Sanatlar Müzesi (şimdi Puşkin Devlet Güzel Sanatlar Müzesi) Moskova'da çalışmalarına başladı.

Wanderers'ın resimdeki gerçekçi gelenekleri, anlatıları ve eğitici tonları geçmişte kaldı. Modern tarzla değiştirildiler. Mimaride esnek, akıcı çizgilerle, heykel ve resimde sembolik ve alegorik görüntülerle, grafiklerde sofistike yazı tipleri ve süslemelerle kolayca tanınır.

Çalışmamızın amacı, 19. yüzyılın sonu - 19. yüzyılın başlarında resmin gelişim süreçlerini zamanın tarihsel ve sosyal sorunlarıyla yakından bağlantılı olarak göstermektir. XX yüzyıllar

Bu hedefe ulaşmak için aşağıdaki görevleri tamamlamanız gerekir:

Vermek Genel özellikleri 19. yüzyılın sonlarında sanat - erken. XX yüzyıl;

O zamanın resminin önde gelen temsilcilerinin çalışmalarını tanımlayın;

Bu dönemin görsel sanatlarındaki ana eğilimleri öğrenin.

Özet yazılırken Berezova L.G.'nin kitabından yararlanılmıştır. Yazarın, eski Rusya zamanından günümüze kültür gelişimi tarihinin ana sorunlarını ele aldığı "Rus Kültür Tarihi". Bu monografın yazarı, modern dünyada tartışılan bakış açısını paylaşıyor. Bilimsel edebiyat. Kültürün ulusal tarihin destekleyici yapısı olarak görülmesi gerçeğinde yatmaktadır.

Deneme üzerinde çalışırken kullanılan bir sonraki kitap, "Yerli Sanat", yazar Ilyina T.V. Bu monografi güzel sanatlar tarihine ayrılmıştır. Yazar, sonun yerli sanatının gelişiminin nesnel, doğru bir resmini vermeye çalıştı. XIX başlangıç XX yüzyıl, isimleri trajedi olan Rus sanatçıların eserlerinden bahsetmek için tarihsel gelişim toplumumuz unutulmaya yüz tuttu.

Sternin G.Yu. "Rusça Sanat kültürü 19. yüzyılın ikinci yarısı ve 20. yüzyılın başlarında" bu eserleri seçmeye ve bir veya başka bir yönü en açık şekilde karakterize etmeye çalıştı usta sanatçı Rus sanatında resmin gelişiminin özelliklerine mümkün olduğunca bütünsel bir bakış açısı yaratmak için.

Ve ayrıca bu çalışmada, belirli sanatçıların eserlerini analiz etmek için sanat eleştirmenleri Vlasov R.I., Fedorov-Davydov A.A. ve diğerlerinin eserleri kullanıldı.

1. Gümüş Çağının Manevi ve Sanatsal Kökenleri

19. yüzyılın sonu Rus kültürü için önemli bir nokta, yeni bir öz-bilinç arayışı anı oldu. Sosyo-politik ve manevi gelişim açısından, Rusya'da saklanan her şey donmuş gibiydi. Bu sefer A.A. Block dokunaklı satırları yazdı:

O yıllarda uzak, sağır

Kalplerde uyku ve karanlık hüküm sürdü.

Rusya'ya karşı galip

Baykuş kanatlarını yayın.

Yenilenmenin başlangıcı, değerler sisteminde, dünya ve insan hakkındaki fikirlerde ince değişikliklerin yapıldığı ulusal öz bilincin derinliklerinde yatmaktadır. Kültürün derinliklerinde olgun olan nedir?

Zamanın oku adeta bir sapma, bir kırılma, bir düğüm yapar. Yüzyılın sonunda, kültürel çemberin tamamlanması olan “döngünün sonu” duygusunun özellikle güçlü olduğu ortaya çıktı. Filozof V.V.'nin sözleri. Rozanova, bu endişe duygusunu aktarıyor: “Ve tarihsel kırılma noktasından, çirkin köşeler çıkıyor, sivri uçlar, genellikle tatsız ve acı verici” Berezovaya L.G. Rus kültürünün tarihi.-M., 2002 -S.65. Manevi rahatsızlık durumu, 19. yüzyılın sonlarında tüm kültür tarafından hissedildi.

Yüzyılın başındaki kültürel eğilimler, sanat tarihçileri tarafından bazen “çöküş” kelimesiyle anılır. Aslında, çöküşün kendisi, “yüzyılların dönüşü” anında ulusal ruhun durumunun sanatsal bir belirtisiydi. Karamsarlığı, önceki kültürel deneyimin inkarı değil, yeni bir döngüye geçmenin yollarını aramaktı. Giden yüzyılın tükenmiş mirasından kurtulmak gerekiyordu. Bu nedenle, Rus çöküşünün yıkıcı, yıkıcı doğası izlenimi.

Bilinmeyen bir geleceğe umutsuz bir köprü olarak da düşünülebilir. Çöküş, Gümüş Çağı'ndan çok önce değil, tavır olarak, sanat sistemi. Eskiyi inkar ederek yeniyi aramanın yolunu açtı. Her şeyden önce, bu, yaşam değerleri sistemindeki yeni vurgularla ilgilidir.

XIX yüzyılın sonunda. insan ilk kez bilimin korkutucu gücünü ve teknolojinin gücünü hissetti. AT gündelik Yaşam telefon ve dikiş makinesi, çelik kalem ve mürekkep, kibrit ve gazyağı, elektrikli aydınlatma ve motor dahil içten yanma, buharlı lokomotif, radyo... Ama bununla birlikte dinamit, makineli tüfek, hava gemisi, uçak ve zehirli gazlar icat edildi.

Bu nedenle, Beregovaya'ya göre, gelecek XX yüzyılın teknolojisinin gücü. ayrı yapılmış insan hayatıçok savunmasız ve kırılgan. Yanıt, kültürün bireysel insan ruhuna özel ilgisiydi. L.N.'nin romanları ve felsefi ve ahlaki sistemleri aracılığıyla ulusal bilince ağırlaştırılmış bir kişisel başlangıç ​​geldi. Tolstoy, F.M. Dostoyevski ve daha sonra A.P. Çehov. Edebiyat ilk kez ruhun iç yaşamına gerçekten dikkat etti. Aile, aşk, insan hayatının öz değeri temaları yüksek sesle duyuldu.

Çöküş döneminin manevi ve ahlaki değerlerinde böylesine keskin bir değişiklik, kültürel yaratıcılığın kurtuluşunun başlangıcı anlamına geliyordu. Çöküş, putların inkarı ve devrilmesiyle sınırlı olsaydı, Gümüş Çağı, Rus kültürünün yeni bir niteliğine yönelik bu kadar güçlü bir dürtü olarak asla kendini gösteremezdi. Decadence, onu yok ettiği ölçüde yeni bir ruh inşa etti, Gümüş Çağı'nın toprağını yarattı - tek, ayrılmaz bir kültür metni. Vlasova R.I. Konstantin Korovin. Yaratıcılık.- L., 1970.-s.32.

Ulusal sanatsal geleneklerin canlanması. 19. yüzyılın sonunda insanların öz-bilincinde. geçmişe, her şeyden önce kişinin kendi tarihine olan ilgisi yakalandı. Tarihlerinin mirasçısı olma duygusu N.M. Karamzin. Ancak yüzyılın sonunda bu ilgi gelişmiş bir bilimsel ve maddi temel aldı.

XIX'in sonunda - XX yüzyılın başında. Rus simgesi, ibadet nesneleri çemberini "bıraktı" ve bir sanat nesnesi olarak görülmeye başlandı. Tretyakov Galerisi'nin mütevelli heyeti Moskova'ya transfer edildi, I.S. Ostroukhov. Daha sonraki “tadilat” ve kurum katmanı altında Ostroukhov, eski Rus resminin tüm dünyasını görmeyi başardı. Gerçek şu ki, parlaması için ikonlarla kaplanan kuruyan yağ, 80-100 yıl sonra o kadar karardı ki ikona yeni bir imaj yazıldı. Sonuç olarak 19. yüzyılda Rusya'da, 18. yüzyıldan daha eski olan tüm simgeler, birkaç kat boya ile sıkıca gizlendi.

900'lerde restoratörler ilk simgeleri temizlemeyi başardı. Eski ustaların renklerinin parlaklığı, sanat uzmanlarını şok etti. 1904'te, A. Rublev'in "Trinity"si, en az üç yüz yıldır uzmanlardan saklanan daha sonraki kayıtların birkaç katmanının altında keşfedildi. XVIII-XIX yüzyılların tüm kültürü. neredeyse kendi Eski Rus mirası hakkında bilgi sahibi olmadan geliştirildi. Rus sanat okulunun simgesi ve tüm deneyimi, Gümüş Çağı'nın yeni kültürünün önemli kaynaklarından biri haline geldi.

19. yüzyılın sonunda, Rus antik çağı hakkında ciddi bir çalışma başladı. Rus silahlarının, kostümlerinin, kilise eşyalarının çizimlerinden oluşan altı ciltlik bir koleksiyon yayınlandı - "Rus Devletinin Eski Eserleri". Bu baskı, sanatçıları, Faberge firmasının ustalarını ve birçok ressamı eğiten Stroganov Okulu'nda kullanıldı. Moskova'da bilimsel yayınlar yayınlandı: "Rus süsü tarihi", "Rus kostümü tarihi" ve diğerleri. Kremlin'deki Cephanelik açık bir müze haline geldi. İlk bilimsel ve restorasyon çalışması Kiev-Pechersk Lavra'da, Trinity-Sergius Manastırı'nda, Kostroma'daki Ipatiev Manastırı'nda yapıldı. Taşra mülklerinin tarihi çalışmaları başladı ve taşrada yerel tarih müzeleri çalışmaya başladı.

Rusya'daki eski sanatsal geleneklerin anlaşılmasına dayanarak yeni bir tane oluşmaya başladı. Sanat tarzı- modern çim. Yeni tarzın ilk özelliği, geçmiş yüzyılların kültürünün modern insan tarafından anlaşılması anlamına gelen retrospektivizmdi. Kültürün entelektüel alanlarındaki sembolizm ve sanatsal alanlardaki Art Nouveau'nun ortak bir dünya görüşü temeli, yaratıcılığın görevlerine ilişkin aynı görüşler ve geçmiş kültürel deneyime ortak bir ilgi vardı. Sembolizm gibi, Art Nouveau da tüm Avrupa kültüründe ortaktı. "Modern" terimi, daha sonra Brüksel'de yayınlanan "Çağdaş Sanat" dergisinin adından geldi. Sayfalarında "yeni sanat" terimi de yer aldı.

Art Nouveau ve Gümüş Çağı'nın sembolizmi, karmaşık bir sentetik stil olarak, hatta tüm zamanların ve halkların kültürel mirasına temel bir açıklıkla çeşitli stillerin bir birleşimi olarak oluşturuldu. Bu sadece bir bağlantı değildi, c. modern insanın bakış açısından insanlığın kültürel tarihinin duyusal deneyimi. Bu bağlamda, tüm retrospektivizmine rağmen Art Nouveau gerçekten yenilikçi bir tarzdı.

Gümüş Çağın başlangıcının rafine modernliği, yeni eğilimler tarafından desteklendi: yapılandırmacılık, kübizm, vb. Avangard sanatı, çizgilerin ve hacimlerin yapıcı netliği, renk pragmatizmi ile “anlamlar ve semboller” arayışına meydan okurcasına karşı çıktı. çözümler. Rus kültürünün Gümüş Çağı'nın ikinci dönemi avangard ile bağlantılıdır. Oluşumu, diğer şeylerin yanı sıra, Rusya ve Avrupa'daki siyasi ve sosyal olaylardan etkilendi: devrimler, dünya ve iç savaş, göç, zulüm, unutulma. Rus avangardı, savaş öncesi ve devrim öncesi toplumda artan felaket beklentileri atmosferinde olgunlaştı; savaşın dehşetini ve devrimin romantizmini özümsedi. Bu koşullar, Rus avangardının ilk özelliğini belirledi - gelecek için pervasız çabası.

Rus avangardının "Büyük Ütopyası". Avangard hareket, 1910'da meşhur Jack of Diamonds sergisiyle başladı. Avangard şairler, Burliuk kardeşler serginin düzenlenmesine yardımcı oldular ve Moskova Resim Okulu'nun “asilerinden” biri olan M.F. Larionov. Avrupa Kübistlerine benzer Rus sanatçıların eserlerini içeriyordu. Birleşen sanatçılar 1917'ye kadar ortak sergiler düzenlediler. “Elmas Knaves” in çekirdeği P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentulov, A.V. Kuprin, R.R. Falk. Ancak tüm Rus avangard sanatçılar, belki de bir tanesi hariç, bu derneğin sergilerinden bir şekilde geçti - Petersburger P.N. Filonov.

Aynı zamanda, serginin raporunda A.N. Benois ilk olarak "avangard" terimini kullanmıştır. Sadece izleyicileri değil, sanatçıları da gerçekten etkiledi, çünkü abartılı “elmas krikoları” fonunda, “World of Art” sanatçıları muhafazakar akademisyenlere benziyordu. Sunulan eserler P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkova, R.R. Falka, N.S. Goncharova ve diğerleri düşünce ve duygudan heyecanlandılar, dünyanın farklı bir görüntüsünü verdiler. Resimler dünyanın açgözlü, maddi duygusunu vurguladı: rengin yoğunluğu, vuruşun yoğunluğu ve ihmali, nesnelerin abartılı hacmi. Sanatçılar çok farklıydı, ancak bir ilke tarafından birleştirildiler - dizginsiz yenilik. Bu ilke yeni bir sanatsal yön oluşturdu.

Cezanne'ın takipçisi olan Pyotr Konchalovsky, resimlerinde canlı ve cansız maddeyi tuhaf bir şekilde birleştirdi. "Yakulov'un Portresi", parlak, neredeyse canlı bir iç mekan ile bir idole benzeyen hareketsiz oturan bir adamın karışımıdır. Bazı sanat eleştirmenleri, parlak renkleri ve yazının esnekliğini birleştirme tarzını V.V.'nin şiirsel tarzıyla karşılaştırır. Mayakovski. R.R.'nin resimlerinde yoğun, güçlü yeşillik. "Kırım Serisinden" Falk ve I.I.'nin "Mavi Erikler" in gösterici maddiliği. Mashkov, ilk avangardın, hayran olma ve zevk alma noktasına ulaşan nesnel dünyaya özel sevgisini gösteriyor. Sanat tarihçileri, sanatçının resimlerinde metal kaplardan özel bir "Mashkov'un çınlamasına" dikkat çekiyor.

En ilginç sanatçı "Jack of Diamonds" A.V.'nin eserlerinde. Lentulova avangard, nesnel olmayan sanatın eşiğine geliyor. Parisli arkadaşları ona fütürist diyorlardı.Resimlerinde icat ettiği “yönlü” alan, sevinçli renk şeması değerli ve parlak ürünler izlenimi yaratıyor (“Kutsanmış Vasily”, “Moskova” - 1913). |

Avangardların modernitenin "akademizmine" karşı "isyanı", onları ilkel halk geleneklerinin kullanımına, "işaret tarzına", halk popüler baskılarına, sokak eylemine özel ilgi göstermeye yöneltti. M.V.'nin "The Tree of Diamonds" daki en büyük isyancılar. Larionov ve eşi N.S. Goncharova, resimde konu imajının sınırlarının ötesine geçerek daha da büyük bir yenilik için çabaladı. Onlar için "elmas knaves" çerçevesi sıkışık hale geldi. 1912-1914'te. karakteristik isimlerle birkaç skandal sergi düzenlediler: "Eşek Kuyruğu", "Hedef", vb.

Bu sergilere katılanlar, her şeyden önce kendileri; M.V. Larionov ve N.S. Goncharov, ilkel olanı vurguladı.; Avangardizmin paradoksu şuydu; Yenilik, sanatçılar yerel kültürlerinden geleneksel unsurları kullandılar: Gorodets resmi, Maidan ahşap kaplarının parlaklığı, Khokhloma ve Palekh çizgileri, ikonlar, halk, popüler baskılar, şehir işaretleri, reklam. İlkel ve doğal olanın çekiciliği nedeniyle Halk sanatı M.V. Larionova, N.S. Goncharova ve arkadaşlarına bazen "Rus püristler" denirdi (saflık, ahlaki saflık fikridir).

Ancak yeni bir tarz arayışı farklı sonuçlar verdi. N.S. Goncharova, oryantal motiflerin Rus kültürüne girmesini çok önemli gördü ve kendisi de bu yönde çalıştı. Tarzının adını "her şey" buldu ve aynı konuyu istediği tarzda yazabileceğini iddia etti. Gerçekten de, resimleri şaşırtıcı derecede çeşitlidir. 1913'teki sergideki efsanevi çalışkanlığıyla. 773 tablo gösterdi. Bunların arasında ilkelci "Tırmıklı Kadınlar" ve eski Rus sanatı "İkon motifleri"nin ince bir retrospektifi ve gizemli "İspanyol gribi" ve konstrüktivist "Trenin üzerinde uçak" vardı. Mİ. Tsvetaeva, sanatçıyı “hediye ve emek” sözleriyle tanımladı. Goncharova, Stravinsky'nin The Golden Cockerel adlı ünlü Diaghilev yapımını tasarladı.

M.V. Larionov, avangart sanatın maddi dünyanın sınırlarının ötesine çıkışı olan bir tarz olan "rayonizm"in mucidi olarak bilinir. Sanatçı, tarzını “şeylerin doğrusal ritminin kendini geliştirmesi” olarak adlandırdı. Onun "ışıldayan" manzaraları gerçekten orijinaldir ve avangard sanatın yeni bir versiyonuna aittir - nesnel olmayan sanat veya soyutlamacılık. M. Larionov, şiirdeki aynı avangardistlerin skandal koleksiyonlarını coşkuyla tasarladı - arkadaşları, fütürist şairler Krucheny, Burliuk.

Rus avangardının anlamı ve kaderi. "Eşek Kuyruğu" sergileri ve M.V. Larionov ve P.S. Goncharova, Rus avangardının “fan” ilkesine göre geliştirilmesi, yani birçok yenilik çeşidinin yaratılması anlamına geliyordu. Zaten 10'larda. Avangard trendlerin olağanüstü çeşitliliğinde, yenilikçi aramaların üç baskın yönü ana hatlarıyla belirtilmiştir. Hiçbiri tamamlanmadı, bu yüzden onları şartlı olarak belirteceğiz.

1. Avangardın dışavurumcu yönü, izlenimin özel parlaklığını, sanatsal dilin ifadesini ve dekoratifliğini vurguladı. En belirleyici resim çok "neşeli" bir sanatçıdır - M.Z. Chagall.

2. Kübizm yoluyla nesnel olmayan yol - nesnenin hacminin, maddi yapısının maksimum tanımı. K. S. Malevich bu şekilde yazdı.

3. Dünyanın lineer yapısını ortaya çıkarmak, teknolojileşme sanatsal görüntüler. V.V.'nin yapılandırmacı yaratıcılığı Kandinsky, V.E. Tatlin. Rus avangardı, Avrupa resminde ayrı ve görkemli bir sayfa oluşturdu. Geçmiş deneyimi reddeden yön, aynı duygu tutkusunu, sevgiyi korudu.

Dışavurumculuk - (Lat. Ehrgezzu'dan - ifade) - Rus kültürünü bir bütün olarak ayıran güçlü duygulara, dünyanın zıt bir vizyonuna, sanatsal dilin zengin renkler ve hayal gücü ile nihai ifadesine odaklanan sanatsal bir yön.

Bu "Rusluk", hem Rus hem de Alman sanatçı olarak adlandırılabilecek en "Avrupalı" avangard sanatçı Wassily Kandinsky'de bile kendini gösterir. Kandinsky, Almanya'daki Blue Rider derneğine liderlik etti, yurtdışında çok çalıştı. Çalışmalarının zirvesi 1913-1914'te, yeni resim teorisi üzerine birkaç kitap yazdığında geldi ("Adımlar. Sanatçının Metni"). Kişinin nesnel olmamaya giden yolu şu formülle ifade edilir: "nesnel ortamı şifreleyin ve sonra ondan ayrılın." Öyle yapar. "Tekneler" ve "Göl" adlı eserleri şifrelenmiş, neredeyse hiç tahmin edilmeyen doğal bir ortamdır ve sayısız "Kompozisyon" ve "Im Hükümleri" zaten bundan özgürdür.

Resmin gelişimindeki nesnel olmama, bireysel ve ulusal kendini tanımlamada artan kaosu yansıtıyordu. Ulusal fikrin olgunlaşması ufkun ötesinde kaldı ve kasırga zamanı, nesnelerin, duyguların, fikirlerin karışıklığı, bir felaketin önsezisi - şimdiki varlıkta.

M.Z.'nin naif resimlerinde, dünyanın nesnelliği ile gerçeksizliğinin bu tuhaf karışımını ilk bakışta görürüz. Shaga-la, sert enerjide K.S. Maleviç. P.N.'nin tesadüfi değildi. Filonov, en gizemli Rus filozoflarından N.F. Fedorov (büyük insanlar, büyük dünya, kader, kader). V.V. Kandinsky Hint felsefesiyle uğraştı, E. Blavatsky'nin fikirleriyle ilgilendi. Soyut sanatçılar, tüm halk sanatına düşkündü: Rus oyuncakları, Afrika maskeleri ve kültleri, Paskalya Adası heykelleri.

10-20'lerin Rus avangardı üzerinde gözle görülür bir etki. yeni bir dünya beklentisiyle insanlığın teknik yetenekleri ve devrimci romantizm için bir tutku olduğu ortaya çıktı. Önümüzdeki 20. yüzyılın bir görüntüsüydü. makine psikolojisiyle, sanayiciliğin lineer plastisitesiyle. Matematiksel adı "0.10" olan sergide Malevich, herkesi hayrete düşüren "Siyah Kare"yi sergiledi.

Tabii ki, burada bir skandal anı da vardı - sonuçta, bohem "oyunun kurallarına" göre kişi kendini ancak şok yoluyla ilan edebilirdi. Ancak "karelerinden" birinin ünlü yenilikçinin mezarını süslemesi tesadüf değildir. Malevich, sanatın tam bir "illogism"ine doğru bir adım attı. 1915 tarihli "Manifesto"sunda. keşfini açıklıyor.

“Siyah Kare” hakkında yorum yapan Malevich, “resimlerde bir görüntü görme alışkanlığı ortadan kalktığında ... ancak o zaman tamamen resimsel bir çalışma görebileceğiz. Ona göre, sadece "korkaklık ve zayıflık" insan bilinci hepimizi - "vahşiden akademisyene" - nesnel dünyaya bağlar.

Böylece Rus resmi, son “tuğlaya”, varlık bilgisinde son atoma ulaşma tutkusunda dibe ulaştı. Sonuçta, K.S.'nin “Kara Karesi”. Maleviç, kendini tanımanın en dip noktasıdır, son noktasıdır. Siyah renk kesinlikle bir renk değildir, tüm renklerin mezarı ve aynı zamanda siyah yüzeyin altından yeniden doğmalarının olasılığıdır. Yeni kültürün dünyayı sonuna kadar bilmesi, bilincin tüm geleneklerini ve mitlerini yok etmesi gerekiyordu. Ruhun tam olarak ortaya çıkması - geleceğin yeni ruhunun kabulü için. Malevich'in zavallı fütürist arzusu, sanatsal deneyini ölümsüz kıldı. Dünyanın anlamsal olarak yeniden kodlanmasında bir deney, geleceğe romantik bir dürtü, yalnızca resmi beslemekle kalmadı. Bu, 1917-1920 ulusal dağılmasının korkunç olaylarının arifesinde Rus kültürünün genel eğilimiydi.

Kendi "kara karesi", bu zamanın kültürünün diğer alanlarında ortaya çıktı. 1913 yazında, yeni bir tiyatro "Budetlyanin" in yaratıldığı bir fütürist kongresi gerçekleşti. Adında bile geleceğe yönelik özlem duyulabilir. "Siyah karenin" fiziksel görüntüsü, makinelerin doğanın unsurları üzerindeki zaferini yücelten avangard opera "Güneş Üzerinden Zafer" in yapımında tiyatro sahnesinde ortaya çıktı.

Rus avangardı sanat tarihi literatüründe şanssızdı. Rus resminde ya çirkin bir cüce ya da korkutucu bir dev gibi görünüyordu. Bu yöndeki sanatçıların şaşırtıcı resimlerinin her birimiz üzerindeki estetik izlenimi ne olursa olsun, çağdaşları için skandal bir şekilde avangarddılar ve bizim için Rus kültürünün tarihi, en zor dönemeçlerinden birinde. gelişim. A.N.'nin 1912'de peygamberlik olarak yazdığı onlar hakkındaydı. Benois, "mevcut korkulukların" sonunda "klasik haline geleceğini" söylüyor. Ve bu bakış açısına göre avangard, yeni yüzyıl karşısında bir ulusal öz-bilinç (kendini tanımlama) biçimidir.

Anahtar kavramlar

Avangardizm, sanatta yeniyi aramayı her şeyin üstünde tutan en son, deneysel görüşler ve eğilimler için geleneksel bir isimdir. Avangard, 1910'lar-1920'lerin yenilikçi hareketine bağlı bir terimdir. (fütürizm, kübizm, kübo-fütürizm, ilkelcilik, üstünlükçülük, yapılandırmacılık, soyutlamacılık, vb.).

Art Nouveau - 19.-20. yüzyılların başında Avrupa ve Rusya'da sanatsal bir tarz. Art Nouveau, insanlığın estetik deneyimini genelleştirme ve yeniden düşünme arzusuna dayanan çeşitli stilistik eğilimlerden oluşur. Bu nedenle, Art Nouveau genellikle bazı eski kültürel geleneklerin (neo-Gotik, neo-Rus tarzı, neo-klasik, vb.)

Şehircilik - (Latince - kentselden) - nüfusu, endüstriyi ve kültürü kendi içinde yoğunlaştırma süreci büyük şehirler; büyük bir şehrin doğasında var. Kentsel kitle kültürünün ortaya çıkmasıyla birlikte.

2. XIX sonlarında Rus resminin özgünlüğü - XX yüzyılın başlarında

90'larda popülist hareketin kriziyle birlikte, "on dokuzuncu yüzyıl gerçekçiliğinin analitik yöntemi". Lapshina N. "Sanat Dünyası". Tarih ve yaratıcı uygulama üzerine denemeler. M., 1977.- S.86. , ev biliminde denildiği gibi, modası geçmiş hale geliyor. Gezginlerin çoğu yaratıcı bir düşüş yaşadı, "küçük dünyaya" gitti Turchin V. S. Rusya'da romantizm çağı. M., 1981.-S.90 eğlenceli tür boyama. Perov'un gelenekleri, Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'nda, S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov ve diğerleri.

Ilyina T.V. ülke için bu zor dönemde, yüzyılın başındaki ressamlar için, diğer ifade biçimlerinin, diğer sanatsal yaratıcılık biçimlerinin - çelişkili, karmaşık görüntülerde ve açıklayıcılık ve anlatı olmadan modernliği yansıtan - karakteristik hale geldiğine inanıyor. Sanatçılar, hem uyum hem de güzelliğe temelde yabancı olan bir dünyada acı içinde uyum ve güzellik ararlar. Bu yüzden birçok kişi misyonlarını güzellik duygusu geliştirmekte gördü. Kamusal yaşamda değişiklik beklentisi olan bu “kanunov” zamanı, birçok akımın, birlikteliğin, gruplaşmanın, farklı dünya görüşleri ve zevklerin çatışmasına yol açtı. Ama aynı zamanda, "klasik" Gezginlerden sonra öne çıkan bütün bir sanatçı kuşağının evrenselciliğine de yol açtı. Sadece V.A.'nın isimlerini belirtmek yeterlidir. Serov ve M.A. Vrubel. Sarabyanov D.V. 19. yüzyılın ikinci yarısında Rus sanatının tarihi. M., 1989.- S.100

Sanat tarihçileri, tür resminin 90'larda geliştiğini, ancak biraz farklı geliştiğini belirtiyorlar. Böylece köylü teması yeni bir şekilde ortaya çıkıyor. Kırsal topluluktaki bölünme, Sergei Alekseevich Korovin'in (1858-1908) "On the World" (1893, Devlet Tretyakov Galerisi) tablosunda vurgulayarak suçlayıcı bir şekilde tasvir edilmiştir. Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930), "Yıkayıcı Kadınlar" (1901, Devlet Tretyakov Galerisi) adlı resimde zor, yorucu çalışmalarda varoluşun umutsuzluğunu gösterebildi. Bunu, yeni resimsel keşifler, renk ve ışığın olanaklarına dair yeni bir anlayış sayesinde büyük ölçüde başardı, age, s.101 ..

tutarsızlık; İyi bulunan etkileyici bir ayrıntı olan “alt metin”, Sergei Vasilievich Ivanov'un (1864-1910) “Yolda” resmini daha da trajik hale getiriyor. Bir Yerleşimcinin Ölümü" (1889, Devlet Tretyakov Galerisi). Sanki bir çığlıkla kalkmış gibi dışarı çıkan şaftlar, eylemi ön planda tasvir edilen ölü adamdan ya da onun üzerinde uluyan kadından çok daha fazla dramatize ediyor. Ivanov, 1905 devrimine adanmış eserlerden birine sahip - "İcra". "Kısmi kompozisyon" izlenimci tekniği, sanki bir çerçeveden yanlışlıkla alınmış gibi, burada da korunur: sadece bir dizi ev, bir asker dizisi, bir grup gösterici ana hatlarıyla belirtilmiştir ve ön planda, aydınlatılmış bir karede. güneş tarafından, atışlardan kaçan ölü bir köpek figürü. Ivanov, keskin ışık ve gölge kontrastları, nesnelerin etkileyici bir konturu ve iyi bilinen bir görüntünün düzlüğü ile karakterizedir. Dili özlüdür.

XIX yüzyılın 90'larında. bir sanatçı sanata girer, işçiyi eserlerinin kahramanı yapar. 1894'te N.A. Kasatkina (1859-1930) "Madenci" (TG), 1895'te - "Kömür madencileri. Değiştirmek",. S.V. İvanov. "Yolda",. "Bir Yerleşimcinin Ölümü." 1889 1TG 237

Yüzyılın başında, tarihsel temada Surikov'unkinden biraz farklı bir gelişme yolu ana hatlarıyla belirtilmiştir. Örneğin, Andrei Petrovich Ryabushkin (1861-1904), salt tarihsel türden çok tarihsel türde çalışır. “Kilisede 17. Yüzyılın Rus Kadınları” (1899, Devlet Tretyakov Galerisi), “Moskova'da Düğün Treni. XVII yüzyıl” (1901, Devlet Tretyakov Galerisi), “Geliyorlar. (17. yüzyılın sonunda yabancı bir elçiliğin Moskova'ya girişi sırasında Moskova halkı) ”(1901, Rus Müzesi),“ 17. yüzyılın Moskova Caddesi tatilde ”(1895, Rus Müzesi), vb. - bunlar, 17. yüzyılda Moskova'nın hayatından günlük sahneler. Ryabushkin özellikle zencefilli kurabiye şıklığı, polikrom, desenli yapısı ile bu yüzyılın ilgisini çekti. Sanatçı, Surikov'un anıtsallığından ve tarihsel olaylara ilişkin değerlendirmelerinden uzak, ince bir stilizasyona yol açan 17. yüzyılın geçmiş dünyasına estetik olarak hayran kalıyor.

Apollinary Mihayloviç Vasnetsov (1856-1933), tarihi kompozisyonlarında manzaraya daha da fazla önem veriyor. En sevdiği konu da 17. yüzyıl, ancak günlük sahneler değil, Moskova mimarisi. (“Kitay-gorod'da sokak. 17. yüzyılın başı”, 1900, Rus Müzesi). Resim “17. yüzyılın sonunda Moskova. Şafakta Diriliş Kapılarında (1900, Devlet Tretyakov Galerisi), Vasnetsov'un kısa bir süre önce sahneyi tasarladığı Mussorgsky'nin Khovanshchina operasının girişinden ilham almış olabilir.

Folklor sanatsal geleneklerinin tamamen özel bir şekilde ustalaştığı ve modern sanatın diline çevrildiği yeni bir resim türü, gençliğinde ikon resmiyle uğraşan Philip Andreevich Malyavin (1869-1940) tarafından yaratıldı. Athos Manastırı ve ardından Repin altında Sanat Akademisi'nde okudu. "Kadınlar" ve "kızlar" imajlarının belirli bir sembolik anlamı var - Rusya'nın sağlıklı bir toprağı. Resimleri her zaman etkileyicidir ve bunlar kural olarak şövale çalışmaları olmasına rağmen, sanatçının fırçasının altında anıtsal ve dekoratif bir yorum alırlar. “Kahkaha” (1899, Modern Sanat Müzesi, Venedik), “Kasırga” (1906, Devlet Tretyakov Galerisi), bulaşıcı bir şekilde yüksek sesle gülen veya yuvarlak bir dansta kontrolsüz bir şekilde koşan köylü kızların gerçekçi bir tasviridir, ancak bu gerçekçilik, köylü kızlarının gerçekçi bir tasviridir. yüzyılın ikinci yarısı. Resim geniş, kabataslak, dokulu bir vuruşla, formlar genelleştirildi, mekansal derinlik yok, figürler kural olarak ön planda yer alıyor ve tüm tuvali dolduruyor. Lebedev G.E. 19. yüzyılın Rus kitap illüstrasyonu. M., 1952.-S.60.

Malyavin, resminde etkileyici dekoratifçiliği doğaya gerçekçi bir sadakatle birleştirdi.

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862-1942), kendisinden önceki birkaç usta gibi Eski Rusya temasını ele alıyor, ancak Rusya'nın görüntüsü, sanatçının resimlerinde doğayla uyumlu bir tür ideal, neredeyse büyülü dünya olarak görünüyor, ancak ortadan kayboldu. sonsuza kadar efsanevi bir şehir Kitezh gibi. Bu keskin doğa duygusu, dünyadan zevk, her ağacın ve çim yaprağının önünde özellikle Nesterov'un devrim öncesi dönemin en ünlü eserlerinden biri olan "Bartholomew Gençliğine Vizyon" (1889-1890, Tretyakov) belirgindir. Galeri).

Radonezh Sergius'un imajına dönmeden önce Nesterov, "Mesih'in Gelini" (1887, yeri bilinmiyor), "Hermit Nick" (1888, Rus Müzesi; 1888) gibi eserlerle Eski Rusya temasına ilgi duyduğunu zaten belirtmişti. --1889, Devlet Tretyakov Galerisi), yüksek maneviyat ve sessiz tefekkür görüntüleri yaratıyor. Radonezh Sergius'un kendisine birkaç eser daha adadı (“Aziz Sergius Gençliği”, 1892-1897, Devlet Tretyakov Galerisi; triptik “Aziz Sergius'un Eserleri”, 1896-1897, Devlet Tretyakov Galerisi; “Radonej Sergisi”, 1891-1899, Rus Müzesi) .

Sanatçının kompozisyonun düz bir yorumu, zarafet, süsleme, plastik ritimlerin rafine karmaşıklığı arzusunda, Art Nouveau'nun şüphesiz etkisi kendini gösterdi.

Genel olarak stilizasyon, bu zamanın çok karakteristik özelliği, Nesterov'un şövale eserlerine büyük ölçüde dokundu. Bu, kadınların kaderine adanmış en iyi tuvallerden birinde görülebilir - "Büyük tentür" (1898, Rus Müzesi): kasıtlı olarak düz rahibe figürleri, "chernitsa" ve "belits", genelleştirilmiş silüetler, sanki ritüel ritmi yavaşlatılmış gibi. açık ve koyu noktalar - rakamlar ve hafif huş ağaçları ve neredeyse siyah köknarları ile bir manzara. Ve her zaman olduğu gibi Nesterov'da manzara ana rollerden birini oynuyor. Peyzaj türünün kendisi de 19. yüzyılın sonunda yeni bir şekilde gelişir. Aslında Levitan, arazideki Gezginleri aramayı tamamladı. Yüzyılın başında yeni bir kelime K.A. tarafından söylenecekti. Korovin, V.A. Serov ve M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin'in (1861-1939) ilk manzaralarında zaten tamamen resimsel problemler çözüldü - beyaz üzerine gri, beyaz üzerine siyah, gri üzerine gri yazmak. Savrasovsky veya Levitanovsky gibi “kavramsal” bir manzara (M.M. Allenov'un terimi) onu ilgilendirmiyor.

Parlak renkçi Korovin için dünya bir "renk isyanı" olarak görünüyor. Doğa tarafından cömertçe yetenekli olan Korovin, hem portre hem de natürmort ile uğraştı, ancak manzaranın en sevdiği tür olarak kaldığını söylemek yanlış olmaz. Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu - Savrasov ve Polenov'dan öğretmenlerinin güçlü gerçekçi geleneklerini sanata getirdi, ancak dünyaya farklı bir bakış açısına sahip, başka görevler veriyor.

Korovin'in resim konusundaki cömert armağanı, teatral ve dekoratif resimde zekice kendini gösterdi. Tiyatro ressamı olarak Abramtsevo Tiyatrosu'nda (ve belki de onu bir tiyatro sanatçısı olarak ilk takdir eden kişi Mamontov'du), Moskova Sanat Tiyatrosu için, Chaliapin ile ömür boyu dostluğunun başladığı Moskova Özel Rus Operası için çalıştı. Diaghilev işletmesi. Korovin, tiyatro sahnesini ve sanatçının tiyatrodaki önemini yeni bir boyuta taşıdı, sanatçının tiyatrodaki rolünü anlamada tam bir devrim yaptı ve renkli, "muhteşem" manzarasıyla çağdaşları üzerinde büyük bir etki yarattı. , müzikal performansın özünü açığa çıkarıyor.

Yüzyılın başında Rus resminin yenilikçilerinden biri olan en büyük sanatçılardan biri olan Sternin G.Yu'ya göre Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) idi. "Şeftali Kızı" (Verusha Mamontova'nın portresi, 1887, Devlet Tretyakov Galerisi) ve "Güneş Tarafından Aydınlatılmış Kız" (Masha Simanovich'in portresi, 1888, Devlet Tretyakov Galerisi) Rus resminde tam bir sahne. Serov, Rus müzik kültürünün önde gelen isimleri arasında yetiştirildi (babası ünlü bir besteci, annesi piyanist), Repin ve Chistyakov ile çalıştı, Avrupa'nın en iyi müze koleksiyonlarını inceledi ve yurtdışından döndükten sonra müzik ortamına girdi. Abramtsevo çemberi.

Vera Mamontova ve Masha Simanovich'in görüntüleri, yaşam sevinci duygusu, parlak bir varlık hissi, parlak muzaffer bir gençlik ile doludur. Bu, “şans ilkesinin” çok karakteristik olduğu “hafif” izlenimci resim, karmaşık bir aydınlık ortam izlenimi yaratan dinamik, serbest bir fırça darbesi ile yontulmuş bir form ile sağlandı. Ama İzlenimcilerin aksine Serov hiçbir zaman bu ortamda bir nesneyi kaydileşsin diye çözmez, kompozisyonu asla istikrarını kaybetmez, kitleler her zaman dengededir. Ve en önemlisi, modelin integral genelleştirilmiş özelliklerini kaybetmez. 19. yüzyılın Rus tür resmi - 20. yüzyılın başlarında. Denemeler. M., 2004 -S.28.

Serov genellikle sanatsal aydınların temsilcilerini yazar: yazarlar, sanatçılar, sanatçılar (K. Korovin'in portreleri, 1891, Devlet Tretyakov Galerisi; Levitan, 1893, Devlet Tretyakov Galerisi; Yermolova, 1905, Devlet Tretyakov Galerisi). Hepsi farklı, hepsini ayrı ayrı derinden yorumluyor, ancak entelektüel seçkinliğin ve ilham verici yaratıcı yaşamın ışığı hepsinin üzerinde parlıyor. Antik sütun veya daha doğrusu klasik heykel, tuvalin dikey formatı ile daha da güçlendirilen Yermolova figürünü andırıyor. Ama asıl şey yüz - güzel, gururlu, küçük ve boş olan her şeyden bağımsız. Renklendirmeye yalnızca iki rengin bir kombinasyonu ile karar verilir: siyah ve gri, ancak çeşitli tonlarda. Anlatı tarafından değil, tamamen resimsel yollarla yaratılan görüntünün bu gerçeği, 20. yüzyılın başlarındaki çalkantılı yıllarda gençleri kısıtlayan ama derinden nüfuz eden oyunuyla sarsan Yermolova'nın kişiliğine tekabül etti.

Yermolova ön kapı portresi. Ama Serov Büyük usta farklı bir model seçerek, aynı tören portresi türünde, aslında aynı ifade araçlarıyla, tamamen farklı bir karakterin bir görüntüsünü yaratabildi. Bu nedenle, Prenses Orlova'nın (1910-1911, "RMS") portresinde, bazı ayrıntıların abartılması (büyük şapka, çok uzun sırt, keskin diz açısı), iç mekanın lüksüne dikkat çekti, sadece parçalanmış bir şekilde aktarıldı. çerçeve (bir sandalyenin parçası, resimler, masanın köşesi), ustanın kibirli bir aristokratın neredeyse grotesk bir görüntüsünü yaratmasına izin verir.Ama aynı grotesk ünlü "Peter I" (1907, Tretyakov Galerisi) (Peter in resim sadece devasa), Serov'un çarın aceleci hareketini tasvir etmesine ve saraylar için gülünç bir şekilde acele etmesine izin vererek, Orlova'nın portresinde olduğu gibi ironik değil, tüm bir dönemin anlamını taşıyan sembolik bir görüntüye yol açar.Sanatçı kahramanının eksantrikliğine hayrandır.

Portre, manzara, natürmort, ev içi, tarihi resim; yağ, guaj, tempera, karakalem - Serov'un çalışmayacağı hem resimsel hem de grafik türleri ve kullanmayacağı malzemeleri bulmak zordur.

Serov'un çalışmalarında özel bir tema köylüdür. Köylü türünde gezici bir sosyal keskinlik yoktur, ancak köylü yaşamının güzelliği ve uyumu, Rus halkının sağlıklı güzelliğine hayranlık duygusu vardır (“Köyde. Atlı bir kadın”, pastel, 1898 , Devlet Tretyakov Galerisi). Özellikle kış manzaraları gümüş-inci renk gamıyla enfes. Serov, tarihsel temayı kendi tarzında yorumladı:

Elizabeth ve Catherine II'nin zevk yürüyüşleriyle "kraliyet avları", yeni zamanın sanatçısı tarafından ironik, ancak aynı zamanda her zaman 18. yüzyılın yaşamının güzelliğine hayran kaldı. Serov'un 18. yüzyıla olan ilgisi, The World of Art'ın etkisi altında ve Rusya'da Büyük Dük, Çar ve İmparatorluk Avı Tarihi'nin yayınlanmasıyla ilgili çalışmalarla bağlantılı olarak ortaya çıktı.

Verusha Mamontova'nın portresi ile Avrupa'nın Kaçırılması'nın aynı usta tarafından yapıldığına hemen inanmak zor, Serov, 80'lerin ve 90'ların portre ve manzaralarının empresyonist özgünlüğünden tarihsel motiflerde moderniteye kadar evriminde çok yönlüdür. antik mitolojiden kompozisyonlar.

Mikhail Alexandrovich Vrubel'in (1856-1910) yaratıcı yolu, aynı zamanda son derece karmaşık olmasına rağmen daha doğrudandı. Sanat Akademisi'nden (1880) önce Vrubel, St. Petersburg Üniversitesi hukuk fakültesinden mezun oldu. 1884'te St. Cyril Kilisesi'ndeki fresklerin restorasyonunu denetlemek için Kiev'e gitti ve kendisi birkaç anıtsal kompozisyon yarattı. Vladimir Katedrali'nin duvar resimlerinin suluboya eskizlerini yapıyor. Müşteri, onların kanonikliği ve etkileyiciliğinden korktuğu için eskizler duvarlara aktarılmadı.

90'lı yıllarda, sanatçı Moskova'ya yerleştiğinde, Vrubel'in gizemle dolu ve neredeyse şeytani bir güçle dolu, başka hiçbir şeyle karıştırılamayan yazı tarzı oluştu. Şekli bir mozaik gibi, farklı renkteki keskin "yönlü" parçalardan, sanki içeriden parlıyormuş gibi şekillendiriyor ("Farsça halının arka planına karşı kız", 1886, MRI; "Fortuneteller", 1895, Devlet Tretyakov Galerisi) . Renk kombinasyonları, renk ilişkisinin gerçekliğini yansıtmaz, sembolik bir anlam taşır. Doğanın Vrubel üzerinde hiçbir gücü yoktur. Onu tanıyor, ona mükemmel bir şekilde sahip, ama gerçeğe çok az benzeyen kendi hayal dünyasını yaratıyor. Bu anlamda, Vrubel İzlenimcilere (edebiyattaki doğa bilimcilerle aynı oldukları yanlışlıkla söylenmeyen) karşıttır, çünkü hiçbir şekilde doğrudan bir gerçeklik izlenimini düzeltmeye çalışmaz. Soyut olarak yorumladığı edebi konulara yönelir, büyük manevi gücün sonsuz imgelerini yaratmaya çalışır. Bu nedenle, Şeytan için illüstrasyonlar alarak, kısa süre sonra doğrudan örnekleme ilkesinden ayrılır (“Tamara'nın Dansı”, “Ağlama, çocuk, boşuna ağlama”, “Tabutta Tamara”, vb.) ve zaten aynı 1890'da "Oturan Şeytan" ı yaratır - aslında, plansız bir eser, ancak görüntü Mephistopheles, Faust, Don Juan'ın görüntüleri gibi ebedidir. Demon'un görüntüsü, Vrubel'in tüm çalışmasının ana görüntüsü olan ana temasıdır. 1899'da "Uçan Şeytan", 1902'de "Demon Downtrodden" yazdı. Vrubel'in iblisi, her şeyden önce acı çeken bir yaratıktır. Acı, içindeki kötülüğe hakimdir ve bu, görüntünün ulusal Rus yorumunun özelliğidir. Çağdaşlar, haklı olarak belirtildiği gibi, onun "Şeytanları" nda bir entelektüelin kaderinin bir sembolünü gördüler - romantik, uyumdan yoksun bir gerçeklikten gerçek olmayan bir rüya dünyasına asi bir şekilde kaçmaya çalışan, ancak kaba gerçekliğe dalmış bir romantik. dünyevi. Sanatsal dünya görüşünün bu trajedisi aynı zamanda Vrubel'in portre özelliklerini de belirler: manevi uyumsuzluk, kendi portrelerinde bozulma, uyanıklık, neredeyse korku, aynı zamanda görkemli güç, anıtsallık - S. Mamontov'un portresinde (1897, Devlet Tretyakov Galerisi) , kafa karışıklığı, kaygı -- muhteşem bir şekilde"Kuğu Prensesi" (1900, Devlet Tretyakov Galerisi), hatta E.D. Dunker, huzur ve sükunet yok. Vrubel görevini kendisi formüle etti - "ruhu günlük yaşamın küçük şeylerinden görkemli görüntülerle uyandırmak" Fedorov-Davydov A.A. I.I. Levitan. Yaşam ve yaratılış. M., 1966.- S.56 .

Vrubel, en olgun resimlerini ve grafik çalışmalarını yüzyılın başında - manzara, portre, kitap illüstrasyonu türünde yarattı. Tuvalin veya levhanın düzenlenmesinde ve dekoratif-düzlemsel yorumlanmasında, gerçek ile fantastik olanın birleşiminde, bu dönem eserlerinde dekoratif, ritmik olarak karmaşık çözümlere bağlılıkta, modernitenin özellikleri giderek daha fazla öne çıkıyor.

K. Korovin gibi, Vrubel de tiyatroda çok çalıştı. En iyi sahnesi Rimsky-Korsakov'un The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan ve diğerleri için Moskova Özel Operası sahnesinde, yani ona Rus folkloru ile "iletişim kurma" fırsatı veren eserler için yapıldı. , peri masalı, efsane.

Yeteneğin evrenselliği, sınırsız hayal gücü ve asil idealleri onaylamaya yönelik olağanüstü tutku, Vrubel'i birçok çağdaşından ayırır.

Vrubel'in çalışması, dönüm noktası döneminin çelişkilerini ve sancılı atışlarını diğerlerinden daha net bir şekilde yansıtıyordu. Vrubel'in cenazesi günü, Benois şunları söyledi: “Vrubel'in hayatı, şimdi tarihe geçeceği gibi, harikulade bir acıklı senfoni, yani sanatsal varoluşun en eksiksiz biçimi. Gelecek nesiller ... 19. yüzyılın son on yıllarına "Vrubel dönemi" olarak bakacaklar ... İçinde zamanımızın ifade edebileceği en güzel ve en üzücü şeydi ” 7 .

Vrubel ile yeni bir yüzyıla, hem “devrimcilik ideolojisi” (P. Sapronov) hem de St. Petersburg Rusya kültürünün son dönemi olan “Gümüş Çağ” çağına giriyoruz. "uzun zamandır kültürel bir güç ve devlet olmaktan çıkmış olan otokrasi ile." Rus felsefi ve dini düşüncesinin yükselişi, en yüksek şiir seviyesi yüzyılın başlangıcıyla ilişkilidir (Blok, Bely, Annensky, Gumilyov, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub'u adlandırmak yeterlidir); drama ve müzikal tiyatro, bale; 18. yüzyıl Rus sanatının “keşfi” (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), eski Rus ikon resmi; yüzyılın başından itibaren en iyi resim ve grafik profesyonelliği. Ancak "Gümüş Çağ", Rusya'da yaklaşan trajik olaylar karşısında, devrimci bir felakete doğru giden, "fildişi kule"de ve sembolizmin poetikasında kalmaya devam eden güçsüzdü.

Vrubel'in eseri, sanat ve edebiyattaki genel sembolizm yönü ile ilişkilendirilebilirse, herhangi bir büyük sanatçı gibi yönün sınırlarını yok etmesine rağmen, o zaman Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) resimselliğin doğrudan bir temsilcisidir. sembolizm ve sınır Rusya'nın güzel sanatlarında ilk retrospektivistlerden biri. Zamanın eleştirmenleri ona "geriye dönük bakış açısının hayalperesti" bile dediler. İlk Rus devriminin arifesinde ölen Borisov-Musatov, hızla hayata geçen yeni ruh hallerine tamamen sağır oldu. Eserleri, eski boş "asil yuvalar" ve ölmekte olan "kiraz bahçeleri" için, güzel kadınlar için, ruhsallaştırılmış, neredeyse doğaüstü, dış mekan ve zaman belirtileri taşımayan bir tür zamansız kostüm giymiş bir ağıttır.

3. Sanat dernekleri ve resmin gelişimindeki rolleri

"SANAT DÜNYASI"

Sanat derneği "World of Art", 19.-20. yüzyılların başında aynı adı taşıyan bir dergi yayınlayarak kendini duyurdu. 1898'in sonunda St. Petersburg'da "World of Art" dergisinin ilk sayısının yayınlanması, Alexander başkanlığındaki bir grup ressam ve grafik sanatçısı arasındaki on yıllık iletişimin sonucuydu. Nikolaevich Benois (1870-1960).

Sanatsal yaratıcılığın temel amacı, her ustanın öznel anlayışında güzellik ve güzellik olarak ilan edildi. Sanatın görevlerine karşı böyle bir tutum, sanatçıya Rusya için oldukça yeni ve alışılmadık olan temaları, görüntüleri ve ifade araçlarını seçme konusunda mutlak özgürlük verdi.

Sanat Dünyası, Rus halkı için Batı kültürünün, özellikle Fin ve İskandinav resminin, İngiliz Pre-Raphaelite sanatçılarının ve grafik sanatçısı Aubrey Beardsley'nin birçok ilginç ve daha önce bilinmeyen fenomenini açtı.

"Sanat Dünyası" sanatçılarının ayırt edici bir özelliği çok yönlülüktü. Resimle, tiyatro yapımlarının tasarımıyla, sanat ve el sanatlarıyla uğraşıyorlardı. Ancak miraslarında en önemli yer grafiğe aittir.

Benois'in en iyi eserleri grafiktir; bunların arasında, A. S. Puşkin'in "Bronz Süvari" (1905-1922) şiirinin çizimleri özellikle ilgi çekicidir. Petersburg tüm döngünün ana “kahramanı” oldu: sokakları, kanalları, mimari şaheserleri ya ince çizgilerin soğuk şiddetinde ya da parlak ve karanlık noktaların dramatik kontrastında ortaya çıkıyor. Trajedinin zirvesinde, Eugenie, arkasında dörtnala koşan müthiş devden - Peter'ın anıtından - kaçarken, usta şehri karanlık, kasvetli renklerle boyar.

Benois'in çalışması, yalnız acı çeken bir kahramana ve dünyaya karşı çıkma, ona kayıtsız kalma ve böylece onu öldürme romantik fikrine yakındır.

Tiyatro gösterilerinin tasarımı, Lev Samuilovich Bakst'ın (gerçek adı Rosenberg; 1866-1924) çalışmasındaki en parlak sayfadır. En ilginç eserleri, 1907-1914 Paris'teki Rus Mevsimlerinin opera ve bale yapımlarıyla ilişkilidir. - Dyagi-lev tarafından düzenlenen bir tür Rus sanatı festivali. Bakst, R. Strauss'un "Salo-meya" operası, N. A. Rimsky-Korsakov'un "Scheherazade" süiti, C. Debussy'nin müziğine "Faun'un Öğleden Sonrası" balesi ve diğer performanslar için sahne ve kostüm çizimleri yaptı. Özellikle dikkat çekici olan, bağımsız grafik eserler haline gelen kostümlerin eskizleridir. Sanatçı kostümü, dansçının hareket sistemine odaklanarak, çizgiler ve renkler aracılığıyla modellemiş, dansın modelini ve müziğin doğasını ortaya çıkarmaya çalışmıştır. Eskizlerinde görüntünün keskinliği, bale hareketlerinin doğasına dair derin bir anlayış ve şaşırtıcı zarafet dikkat çekiyor.

"Sanat Dünyası"nın birçok ustası için ana temalardan biri, geçmişe başvurmak, kayıp ideal dünyaya özlem duymaktı. Favori dönem XVIII yüzyıl ve her şeyden önce Rokoko dönemiydi. Sanatçılar bu sefer eserlerinde sadece diriltmeye çalışmakla kalmadılar, halkın dikkatini 18. yüzyılın gerçek sanatına çektiler, aslında Fransız ressamlar Antoine Watteau ve Honore Fragonard ile yurttaşları Fyodor Rokotov ve Dmitry Levitsky'nin eserlerini yeniden keşfettiler.

“Cesur çağın” görüntüleri, Versay saraylarının ve parklarının güzel ve uyumlu bir dünya olarak sunulduğu, ancak insanlar tarafından terk edildiği Benois'in eserleri ile ilişkilidir. Evgeny Evgenievich Lanceray (1875---1946), 18. yüzyılda Rus yaşamının resimlerini tasvir etmeyi tercih etti.

Konstantin Andreevich Somov'un (1869-1939) eserlerinde özel bir ifade ile rokoko motifleri ortaya çıktı. Sanat tarihine erken katıldı (sanatçının babası Hermitage koleksiyonlarının küratörüydü). Sanat Akademisi'nden mezun olduktan sonra genç usta, eski resim konusunda büyük bir uzman oldu. Somov, resimlerinde tekniğini zekice taklit etti. Çalışmasının ana türü, "yiğit sahne" temasının varyasyonları olarak adlandırılabilir. Gerçekten de, sanatçının tuvallerinde Watteau'nun karakterleri yeniden canlanıyor gibi görünüyor - muhteşem elbiseler ve peruklardaki bayanlar, maske komedisinin aktörleri. Gün batımı ışığının okşayan parıltısıyla çevrili parkın sokaklarında flört eder, flört eder, serenatlar söylerler.

Somov, geçmişe duyduğu nostaljik hayranlığı, özellikle kadın imgeleri aracılığıyla kurnazca ifade etmeyi başardı. Ünlü "Lady in Blue" (1897-1900), usta sanatçı E. M. Martynova'nın çağdaş bir portresidir. Eski moda giyinmiş ve şiirsel bir peyzaj parkının fonunda tasvir edilmiştir. Resim tarzı, Biedermeier stilini zekice taklit ediyor. Ancak kahramanın görünüşünün bariz morbiditesi (Martynova kısa süre sonra tüberkülozdan öldü) akut bir özlem duygusu uyandırıyor ve manzaranın pastoral yumuşaklığı gerçek değil, sadece sanatçının hayal gücünde var.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) dikkatini esas olarak kentsel peyzaja odakladı. Onun St. Petersburg'u, Benois'in St. Petersburg'unun aksine, romantik bir haleden yoksundur. Sanatçı, şehri insan ruhunu öldüren devasa bir mekanizma olarak gösteren en çekici olmayan, "gri" manzaraları seçiyor.

“Gözlüklü Adam” (“K. A. Syunnerberg'in Portresi”, 1905-1906) resminin kompozisyonu, kahramanın ve geniş bir pencereden görülebilen şehrin karşıtlığına dayanmaktadır. İlk bakışta, rengarenk evler dizisi ve yüzü gölgeye dalmış bir adam figürü birbirinden izole görünüyor. Ancak bu iki düzlem arasında derin bir içsel bağlantı vardır. Renklerin parlaklığının arkasında şehir evlerinin "mekanik" donukluğu yatar. Kahraman kopuk, kendi içine dalmış, yüzünde yorgunluk ve boşluktan başka bir şey yok.

RUS SANATÇILAR BİRLİĞİ

Rus Sanatçılar Birliği, 1903'te Moskova'da ortaya çıkan bir dernektir. Özü Konstantin Yuon, Abram Arkhipov'du. Igor Grabar, Arkady Rylov. Moskova ustaları birçok yönden Petersburglulara karşı çıkmaya çalışsa da, Sanat Dünyası Birliğin ortaya çıkmasında önemli bir rol oynadı. Sembolizmden ve ilgili fikirlerden uzaktılar. Stilleri, Wanderers'ın gerçekçi geleneklerini ve hava ve ışığın iletiminde izlenimcilik deneyimini birleştirdi. Birlik sergilerine sıklıkla katılan Konstantin Korovin'in çalışmalarından biraz etkilenen bu sanatçılar, manzara ve tür resmine yöneldiler.

En ilginç manzara ressamı Konstantin Fedorovich Yuon (1875-1958) idi. Hepsinden iyisi, erimiş kar üzerindeki ışık oyununu, gökyüzünün yumuşak maviliğini ustaca aktardığı lirik kış manzaralarında (“Mart Güneşi”, 1915; “Kış Güneşi”, 1916) başardı. Ve Trinity-Sergius Lavra'nın (en iyisi 1910'da boyanmıştı) görüşlerinde, beyaz kar ve parlak renkli binaların kontrastı, insan figürleri tamamen dekoratif bir güzellik kazanıyor ve bu eserleri Art Nouveau'ya yaklaştırıyor.

Meraklı aramalar, Igor Emmanuelovich Grabar'ın (1871-1960) çalışmalarına damgasını vurdu. Yumuşak ve şiirsel ruh hali manzarası "Şubat Mavisi" (1904), sanatçının yalnızca izlenimcilikle değil, aynı zamanda Fransız resmindeki sonraki eğilimlerle de tanıştığına tanıklık ediyor. Soğuk kış güneşinin ışıltısına dalmış huş ağaçlarının gövdeleri ve dalları kısa vuruşlarla boyanmış ve noktacı tekniği andırıyor. Aynı tarz, bir refleks sistemi (renk vurguları) sayesinde tüm nesnelerin ustaca renksel bir bütün halinde birleştirildiği mükemmel natürmort resmi “Düzensiz Tablo” (1907) da görülebilir.

A. I. Kuindzhi'nin öğrencisi Arkady Alexandrovich Rylov'un (1870-1939) manzaraları çok duygusal. “Yeşil Gürültü” (1904) adlı resimde, bir rüzgar esintisi altında sallanan yapraklar sulu süpürme vuruşlarıyla yazılmıştır ve uzaklara doğru giden panorama, ön plan kadar parlak görünmektedir, bu da dekoratiflik hissi yaratır.

Sanatçı Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930), ünlü Wanderers - V. G. Perov ve V. D. Polenov ile çalıştı. Onun tür resimleri hem gerçekçi içerik hem de keskin bir sosyal yönelim ile karakterizedir. Ancak bu durumdan pek de etkilenmezler. kaç tane ki-yüz pitoresk erdem. "Yıkayıcı Kadınlar" ın (19. yüzyılın 90'lı yıllarının sonu) resmi budur. Odanın sadece küçük bir bölümünü içeren kompozisyonu, aynı tema üzerine Edgar Degas'ın erken dönem eserlerinin ruhuna uygun olarak inşa edilmiştir. Dönen buhar, figürlerin konturlarını ve yüzlerin ana hatlarını çözer ve sessiz gri, sarı, kahverengi ve leylak tonlarının renk kombinasyonu şaşırtıcı derecede zengin tonlara sahiptir.

Rus Sanatçılar Birliği'nin ustalarının tüm çekiciliği ve yüksek teknik seviyesi ile çalışmaları, oldukça güçlü bir muhafazakarlık ile ayırt edildi. Güçlü gerçekçi kökler, ressamların yeni biçimler ve ifade araçları arayışına girmesine asla izin vermedi. Belki de bu yüzden Rus Sanatçılar Birliği'nin birçok üyesi, Sovyet döneminin resmi sanatının gelişiminin resmine mükemmel bir şekilde uyuyor, ancak bunun en değerli kısmını oluşturuyor.

"MAVİ GÜL"

Mart 1907'de, patron, koleksiyoncu ve amatör sanatçı Nikolai Pavlovich Ryabushinsky'nin (1877-1951) girişimiyle, Moskova'da "Mavi Gül" adlı bir grup ressamın sergisi açıldı. Ana katılımcıları - Pavel Kuznetsov, Sergei Sudeikin, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan ve diğerleri - Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'ndan mezun oldu. XX yüzyılın başında. sembolizm fikirlerine karşı derin bir tutkuyla birleşmişlerdi. Bazıları Moskova Sembolist dergileri Libra ve Golden Fleece'de işbirliği yaptı. Ancak en güçlüsü V. E. Borisov-Musatov'un etkisiydi. Genç sembolist sanatçıların çalışmalarının ana görevini belirledikleri resimsel tarzı temelinde oldu: en ince, anlaşılması zor duyguların dünyasına dalmak, kelimelerle açıklanamayan gizli ve karmaşık içsel duygular.

İlk ortak serginin yolun başlangıcı olduğu diğer sanat gruplarının aksine, Moskova Sembolistleri için bunun sonu olduğu ortaya çıktı: bundan kısa bir süre sonra topluluk dağılmaya başladı. Bununla birlikte, "Mavi Gül" ün tarzı, her birinin daha sonraki çalışmalarını büyük ölçüde belirledi.

On altı katılımcı arasında Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878-1968) şüphesiz özellikle ilgi çekicidir. 10'ların başına kadar. 20. yüzyıl sanatçının çalışması, öğretmeni Borisov-Musatov'un ve Nabis grubunun Fransız sembolistlerinin tarzına yakındı. Kuznetsov'un 1904-1905'teki manzaraları, örneğin "Çeşme", "Sabah" soğuk renklerde tasarlanmıştır: gri-mavi, soluk leylak. Nesnelerin ana hatları belirsizdir, mekanın görüntüsü dekoratif olma eğilimindedir. Usta, manzaraya bir yumuşaklık hissi ve aynı zamanda delici bir hüzün hissi veren tuhaf ışık iletimine büyük önem verdi. 10'ların Kuznetsov'un eserlerinde, özellikle "Doğu Serisi" olarak adlandırılanlarda, olgun ustanın benzersiz yaratıcı tarzı zaten açıkça görülüyor. “Bozkırda Serap” (1912) resmi ilk bakışta içerik açısından son derece basittir: bozkır, yalnız çadırlar, gökyüzünü dolduran muhteşem parlaklığı fark etmeyen yavaş yürüyen veya konuşan insanlar. Resim yine soğuk renklerle çözülür ve parlak noktalar (çadırlar, insan figürleri) yalnızca gri-mavi aralığının mutlak hakimiyetini vurgular. Bir serabın yumuşak parıltısı, resmi çeken ana şeydir: gerçek bir gerçeklik gibi görünen odur ve insanlar ve evleri bir serap olarak algılanır.

Moskova sembolizmi tarihinde dikkate değer bir sayfa, Ermeni ressam Martiros Sergeevich Saryan'ın (1880-1972) ilk eseridir. Örneğin, "Mavi Gül" için tipik olan soğuk tonlar oyununa dayanan "Periler Gölü" (1906) çalışmasında olduğu gibi, duyumların inceliğini ve sembolist yetersiz ifadeyi mükemmel bir şekilde gösterebilirdi. Ancak sanatçının asıl unsuru, mizacıyla ve paletin yakıcı parlaklığıyla Doğu dünyasıdır. “Sokak” gibi resimlerde. Öğle vakti. Konstantinopolis "(1910)," Hurma Ağacı "(1911), sanatçı formu zengin renkler ve enerjik vuruşlarla boyar.

Nikolai Nikolaevich Sapunov'un (1880-1912) eserlerinde sembolizm ve ilkelcilik unsurları iç içe geçmiştir. Tuvali "Atlıkarınca" (1908), öyle görünüyor ki, tipik bir ilkelci "fair-rock resmi". Bununla birlikte, hafif kısa vuruşlar, saf (yani palet üzerinde karıştırılmamış) boyaların karmaşık kombinasyonları, Fransız ustalarının rafine tarzını hatırlatıyor. Bu da gülünç sahneyi sembolik bir "görüş"e dönüştürüyor.

Sapunov için geçmiş dönemlerin görüntüleri büyük önem taşıyordu ve bu da onu Sanat Dünyasının St. Petersburg ustalarına yaklaştırıyor. "Top" (1910) resmi böyle. Puşkin zamanındaki taşra balosu sahnesini hafızada canlandırıyor.

Sergei Yuryevich Sudeikin'in (1882-1946) çalışmalarında çok daha güçlü nostaljik ruh halleri hissedilir. Sanatçının resimlerinin eylemi, özellikle “Parkta” (1907) eseri, genellikle İngiliz parklarında, içinde kaybolan yoğun bitki örtüsü ve hafif çardaklar arasında gerçekleşir. Kayıklarda ve parkın ara sokaklarında tenhalaşmış aşık çiftler, hafif, havadar bir sis içinde eriyor gibi görünüyor, minik figürleri doğanın organik bir parçası oluyor. Dağınık kasvetli ışık, bu "duygusallık zamanlarının sahnelerine" bir düşsellik duygusu ve gerçekleştirilemez olana yönelik şiddetli bir özlem verir.

"Mavi Gül" sergisi, Moskova Sembolistlerinin güçlü bir sanatsal derneğinin yaratılmasına yol açmadı. Ancak adı daha sonra tarzlarının ana özelliklerini tanımlayan bir metafora dönüştü: samimiyet, derin düşünme arzusu.

Böylece, yüzyılın başında Rusya'da birçok sanatsal dernek ortaya çıktı: “Sanat Dünyası”. Rus Sanatçılar Birliği ve diğerleri, halk kültürünü canlandırma fikrinden ilham alan ressamları tek çatı altında bir araya getirdi.

Çözüm

19. yüzyılın sonunda - 20. yüzyılın başında, Gümüş Çağ olarak adlandırılan yeni bir resim modelinin ortaya çıkması, ulusal tutum ve manevi yaşamın değerlerindeki derin değişimlerden kaynaklanıyordu. Bilinç krizi, aydınlanma çağının klişelerinden ve dogmalarından uzaklaşma çabasında, çöküşte kendini gösterdi. Ulusal kültürün temellerindeki değişim üç çizgide ilerledi. İlk olarak, dünyanın rasyonalist bir resminden, bilgi, inanç ve duyguların birleşimi yoluyla dünyayı ayrılmaz bütünlüğü içinde anlama girişimlerine geçiş oldu. İkinci olarak, seküler dini felsefenin unsurları, yeni bir kültür dünya görüşü olarak şekillendi. Üçüncüsü, kültür "öğretme"nin yükünü kaldırdı ve sanatsal yaratıcılığın kehanet ve yaratıcı rolünü harekete geçirdi.

19.-20. yüzyılların başında dünya görüşü temellerindeki değişiklikler. sanatsal dil alanında yaratıcı arayışlarla birleştirilmiştir. Değişikliklerin en eksiksiz sonucu, tüm kültür alanlarının yenilenmesi için itici güç haline gelen estetik sembolizm sisteminin oluşumunda ifade edildi.

Yüzyılın başında, Rus resmi ulusal sınırları aştı ve dünya çapında bir fenomen haline geldi. Modernitenin yerli versiyonunun oluşumu için dünyanın tüm zenginliğini ve kendi kültürel geleneklerini kullandı.

Gümüş Çağı'nın manevi temelinin oluşmasının önemli kaynakları, vilayetlerin ve küçük kasabaların kültürüydü. Art Nouveau, sembolizm ve avangard, ulusun manevi gelişimine hız kazandıran ve kelimenin tam anlamıyla onu yeni 20. yüzyıla "iten" bir tür "motor" rolünü oynadı.

Edebiyat

1. Berezovaya L.G. Rus kültürü tarihi.-M., 2002 -431s.

2. Borisova E.A., Sternin G.Yu. Rus modern - . M., 2000.-261s.

3. Vlasova R.I. Konstantin Korovin. Yaratıcılık.- L., 1970.-132s.

4. Volkov N.N. Resimde Kompozisyon.- M., 1977.- 174s.

5. İlyina T.V. Sanat Tarihi-M., 2003- 407'ler.

6. Lapshin V. "Rus Sanatçılar Birliği" - M., 1971. - 206p.

7. Lapshina N. "Sanat Dünyası". Tarih ve yaratıcı uygulama üzerine denemeler. M., 1977.- 186s.

8. Lebedev G.E. 19. yüzyılın Rus kitap illüstrasyonu. M., 1952.-160s.

9. XIX yüzyılın ikinci yarısının Rus portresinin tarihi üzerine yazılar / Ed. N.G. Mashkovtseva. M., 1963.

10. Geç XIX - XX yüzyılın başlarında Rus portresinin tarihi üzerine yazılar / Ed. N.G. Mashkovtsev ve N.I. Sokolova. M., 1964.

11. Rus tür resmi XIX - XX yüzyılın başlarında. Denemeler. M., 2004 -208'ler..

12. Sarabyanov D.V. XIX yüzyılın Rus resmi. Avrupa okulları arasında M., 1980.

13. Sarabyanov D.V. 19. yüzyılın ikinci yarısında Rus sanatının tarihi. M., 1989.

14. Sternin G.Yu. XIX-XX yüzyılların başında Rusya'nın sanatsal hayatı - M. 1999-68'ler ...

15. Turchin V. S. Rusya'da romantizm dönemi. M., 1981.

16. Fedorov-Davydov A.A. I.I. Levitan. Yaşam ve yaratılış. M., 1966.

2. XIX'in sonlarında Rus resminin özgünlüğü - XX yüzyılın başlarında

1990'larda popülist hareketin kriziyle birlikte, Rus biliminde adlandırıldığı şekliyle "on dokuzuncu yüzyıl gerçekçiliğinin analitik yöntemi" modası geçiyor. Gezginlerin çoğu yaratıcı bir düşüş yaşadı, eğlenceli bir tür resminin “küçük ölçekli” haline geldi. Perov'un gelenekleri, Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'nda, S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov ve diğerleri.

Ilyina T.V. ülke için bu zor dönemde, yüzyılın başındaki ressamlar için, diğer ifade biçimlerinin, diğer sanatsal yaratıcılık biçimlerinin - çelişkili, karmaşık görüntülerde ve açıklayıcılık ve anlatı olmadan modernliği yansıtan - karakteristik hale geldiğine inanıyor. Sanatçılar, hem uyum hem de güzelliğe temelde yabancı olan bir dünyada acı içinde uyum ve güzellik ararlar. Bu yüzden birçok kişi misyonlarını güzellik duygusu geliştirmekte gördü. Bu sefer, kamusal yaşamdaki değişim beklentisi olan "eves" zamanı, birçok akımın, birlikteliğin, gruplaşmanın, farklı dünya görüşleri ve zevklerin çatışmasına yol açtı. Ama aynı zamanda, "klasik" Gezginlerden sonra öne çıkan bütün bir sanatçı kuşağının evrenselciliğine de yol açtı. Sadece V.A.'nın isimlerini belirtmek yeterlidir. Serov ve M.A. Vrubel.

Sanat tarihçileri, tür resminin 90'larda geliştiğini, ancak biraz farklı geliştiğini belirtiyorlar. Böylece köylü teması yeni bir şekilde ortaya çıkıyor. Kırsal topluluktaki bölünme, Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) tarafından “Dünyada” (1893, Devlet Tretyakov Galerisi) resminde suçlayıcı bir şekilde tasvir edilmiştir. Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930), "Yıkayıcı Kadınlar" (1901, Devlet Tretyakov Galerisi) adlı resimde zorlu yorucu çalışmalarda varoluşun umutsuzluğunu gösterebildi. Bunu, yeni resimsel keşifler, renk ve ışığın olasılıklarına dair yeni bir anlayış sayesinde büyük ölçüde başardı.

tutarsızlık; İyi bulunan etkileyici bir ayrıntı olan “alt metin”, Sergei Vasilyevich Ivanov'un (1864-1910) “Yolda” resmini daha da trajik hale getiriyor. Bir Yerleşimcinin Ölümü" (1889, Devlet Tretyakov Galerisi). Sanki bir çığlıkla kalkmış gibi dışarı çıkan şaftlar, eylemi ön planda tasvir edilen ölü adamdan ya da onun üzerinde uluyan kadından çok daha fazla dramatize ediyor. Ivanov, 1905 devrimine adanmış eserlerden birine sahip - "İcra". “Kısmi kompozisyon” izlenimci tekniği, sanki yanlışlıkla çerçeveden alınmış gibi, burada da korunur: sadece bir dizi ev, bir asker dizisi, bir grup gösterici ana hatlarıyla belirtilmiştir ve ön planda, ışıkla aydınlatılan bir karede. güneş, öldürülen ve kurşunlardan kaçan bir köpek figürü. Ivanov, keskin ışık ve gölge kontrastları, nesnelerin etkileyici bir konturu ve iyi bilinen bir görüntünün düzlüğü ile karakterizedir. Dili özlüdür.

XIX yüzyılın 90'larında. bir sanatçı sanata girer, işçiyi eserlerinin kahramanı yapar. 1894'te N.A. Kasatkina (1859-1930) "Madenci" (TG), 1895'te - "Kömür madencileri. Değiştirmek",. S.V. İvanov. "Yolda",. "Bir Yerleşimcinin Ölümü." 1889 1TG 237

Yüzyılın başında, tarihsel temada Surikov'unkinden biraz farklı bir gelişme yolu ana hatlarıyla belirtilmiştir. Örneğin, Andrei Petrovich Ryabushkin (1861-1904), tarihsel türden daha çok tarihsel türden çalışır. “Kilisede 17. Yüzyılın Rus Kadınları” (1899, Devlet Tretyakov Galerisi), “Moskova'da Düğün Treni. XVII yüzyıl” (1901, Devlet Tretyakov Galerisi), “Geliyorlar. (17. yüzyılın sonunda yabancı bir büyükelçiliğin Moskova'ya girişi sırasında Moskova halkı) ”(1901, Rus Müzesi),“ 17. yüzyılın Moskova Caddesi tatilde ”(1895, Rus Müzesi) ve diğerleri 17. yüzyılda Moskova'nın hayatından günlük sahneler. Ryabushkin özellikle zencefilli kurabiye şıklığı, polikrom, desenli yapısı ile bu yüzyılın ilgisini çekti. Sanatçı, Surikov'un anıtsallığından ve tarihsel olaylara ilişkin değerlendirmelerinden uzak, ince bir stilizasyona yol açan 17. yüzyılın geçmiş dünyasına estetik olarak hayran kalıyor.

Apollinary Mihayloviç Vasnetsov (1856-1933), tarihi kompozisyonlarında manzaraya daha da fazla önem veriyor. En sevdiği konu da 17. yüzyıl, ancak günlük sahneler değil, Moskova mimarisi. (“Kitay-gorod'da sokak. 17. yüzyılın başı”, 1900, Rus Müzesi). Resim “17. yüzyılın sonunda Moskova. Şafakta Diriliş Kapılarında (1900, Devlet Tretyakov Galerisi), Vasnetsov'un kısa bir süre önce sahneyi çizdiği Mussorgsky'nin Khovanshchina operasının girişinden ilham almış olabilir.

Folklor sanatsal geleneklerinin tamamen özel bir şekilde ustalaştığı ve modern sanatın diline çevrildiği yeni bir resim türü, gençliğinde ikon resmiyle uğraşan Philip Andreevich Malyavin (1869-1940) tarafından yaratıldı. Athos Manastırı ve ardından Repin altında Sanat Akademisi'nde okudu. "Kadınlar" ve "kızlar" imajlarının belirli bir sembolik anlamı var - Rusya'nın sağlıklı bir toprağı. Resimleri her zaman etkileyicidir ve bunlar kural olarak şövale çalışmaları olmasına rağmen, sanatçının fırçasının altında anıtsal ve dekoratif bir yorum alırlar. “Kahkaha” (1899, Modern Sanat Müzesi, Venedik), “Kasırga” (1906, Devlet Tretyakov Galerisi), köylü kızların bulaşıcı bir şekilde yüksek sesle güldüğü veya yuvarlak bir dansta kontrolsüz bir şekilde koşuşturduğu gerçekçi bir tasvirdir, ancak bu gerçekçilik, yüzyılın ikinci yarısı. Resim geniş, kabataslak, dokulu bir vuruşla, formlar genelleştirildi, mekansal derinlik yok, figürler kural olarak ön planda yer alıyor ve tüm tuvali dolduruyor.

Malyavin, resminde etkileyici dekoratifçiliği doğaya gerçekçi bir sadakatle birleştirdi.

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862-1942), kendisinden önceki birkaç usta gibi Eski Rusya temasını ele alıyor, ancak Rusya'nın görüntüsü, sanatçının resimlerinde doğayla uyumlu bir tür ideal, neredeyse büyülü dünya olarak görünüyor, ancak ortadan kayboldu. sonsuza dek efsanevi Kitezh şehri gibi. Bu keskin doğa duygusu, dünyadan zevk, her ağacın ve çim yaprağının önünde özellikle Nesterov'un devrim öncesi dönemin en ünlü eserlerinden biri olan "Genç Bartholomew'in Vizyonu" (1889-1890, Devlet Tretyakov Galerisi).

Radonezh Sergius'un imajına dönmeden önce Nesterov, "Mesih'in Gelini" (1887, yeri bilinmiyor), "Hermit" (1888, Rus Müzesi; 1888-) gibi eserlerle Eski Rusya temasına ilgi duyduğunu zaten belirtmişti. 1889, Devlet Tretyakov Galerisi), yüksek maneviyat ve sessiz tefekkür görüntüleri yaratıyor. Radonezh Sergius'un kendisine birkaç eser daha adadı (“Aziz Sergius Gençliği”, 1892-1897, Devlet Tretyakov Galerisi; triptik “Aziz Sergius'un Eserleri”, 1896-1897, Devlet Tretyakov Galerisi; “Radonej Sergisi”, 1891-1899, Devlet Rus Müzesi).

Sanatçının kompozisyonun düz bir yorumu, zarafet, süsleme, plastik ritimlerin rafine karmaşıklığı arzusunda, Art Nouveau'nun şüphesiz etkisi kendini gösterdi.

Genel olarak stilizasyon, bu zamanın çok karakteristik özelliği, Nesterov'un şövale eserlerine büyük ölçüde dokundu. Bu, kadınların kaderine adanmış en iyi tuvallerden birinde görülebilir - "Büyük Dil" (1898, Rus Müzesi): kasıtlı olarak düz rahibe figürleri, "chernitsa" ve "belitsa", yavaş bir ritüel gibi genelleştirilmiş silüetler açık ve koyu lekelerin ritmi - hafif huş ağaçları ve neredeyse siyah köknarları ile figürler ve manzara. Ve her zaman olduğu gibi Nesterov'da manzara ana rollerden birini oynuyor. Peyzaj türünün kendisi de 19. yüzyılın sonunda yeni bir şekilde gelişir. Aslında Levitan, arazideki Gezginleri aramayı tamamladı. Yüzyılın başında yeni bir kelime K.A. tarafından söylenecekti. Korovin, V.A. Serov ve M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin'in (1861-1939) ilk manzaralarında zaten tamamen resimsel problemler çözüldü - beyaz üzerine gri, beyaz üzerine siyah, gri üzerine gri yazmak. Savrasovsky veya Levitanovsky gibi “kavramsal” bir manzara (M.M. Allenov'un terimi) onu ilgilendirmiyor.

Parlak renkçi Korovin için dünya bir "renk isyanı" olarak görünüyor. Doğa tarafından cömertçe yetenekli olan Korovin, hem portre hem de natürmort ile uğraştı, ancak manzaranın en sevdiği tür olarak kaldığını söylemek yanlış olmaz. Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu - Savrasov ve Polenov'dan öğretmenlerinin güçlü gerçekçi geleneklerini sanata getirdi, ancak dünyaya farklı bir bakış açısına sahip, başka görevler veriyor.

Korovin'in resim konusundaki cömert armağanı, teatral ve dekoratif resimde zekice kendini gösterdi. Tiyatro ressamı olarak Abramtsevo Tiyatrosu'nda (ve belki de onu bir tiyatro sanatçısı olarak ilk takdir eden kişi Mamontov'du), Moskova Sanat Tiyatrosu'nda, Chaliapin ile ömür boyu dostluğunu başlattığı Moskova Özel Rus Operası'nda çalıştı. Diaghilev girişimi. Korovin, tiyatro sahnesini ve sanatçının tiyatrodaki önemini yeni bir boyuta taşıdı, sanatçının tiyatrodaki rolünü anlamada tam bir devrim yaptı ve renkli, "muhteşem" manzarasıyla çağdaşları üzerinde büyük bir etki yarattı. , müzikal performansın özünü açığa çıkarıyor.

Yüzyılın başında Rus resminin yenilikçisi olan en büyük sanatçılardan biri olan Sternin G.Yu.'ya göre Valentin Aleksandroviç Serov (1865-1911) idi. "Şeftali Kız" (Verusha Mamontova'nın portresi, 1887, Devlet Tretyakov Galerisi) ve "Güneşin Aydınlattığı Kız" (Masha Simanovich'in portresi, 1888, Devlet Tretyakov Galerisi) Rus resminde bütün bir aşamayı temsil ediyor. Serov, Rus müzik kültürünün seçkin isimleri arasında büyüdü (baba ünlü bir besteci, annesi piyanist), Repin ve Chistyakov ile çalıştı, Avrupa'nın en iyi müze koleksiyonlarını inceledi ve yurtdışından döndükten sonra Abramtsevo ortamına girdi. daire.

Vera Mamontova ve Masha Simanovich'in görüntüleri, yaşam sevinci duygusu, parlak bir varlık hissi, parlak muzaffer bir gençlik ile doludur. Bu, “şans ilkesinin” çok karakteristik olduğu “hafif” izlenimci resim, karmaşık bir aydınlık ortam izlenimi yaratan dinamik, serbest bir fırça darbesi ile yontulmuş bir form ile sağlandı. Ama İzlenimcilerin aksine Serov hiçbir zaman bu ortamda bir nesneyi kaydileşsin diye çözmez, kompozisyonu asla istikrarını kaybetmez, kitleler her zaman dengededir. Ve en önemlisi, modelin integral genelleştirilmiş özelliklerini kaybetmez.

Serov genellikle sanatsal aydınların temsilcilerini boyar: yazarlar, sanatçılar, sanatçılar (K. Korovin'in portreleri, 1891, Devlet Tretyakov Galerisi; Levitan, 1893, Devlet Tretyakov Galerisi; Yermolova, 1905, Devlet Tretyakov Galerisi). Hepsi farklı, hepsini ayrı ayrı derinden yorumluyor, ancak entelektüel seçkinliğin ve ilham verici yaratıcı yaşamın ışığı hepsinin üzerinde parlıyor. Yermolova figürü, tuvalin dikey formatı ile daha da geliştirilmiş olan eski bir sütunu veya daha doğrusu klasik bir heykeli andırıyor. Ama asıl şey yüz - güzel, gururlu, küçük ve boş olan her şeyden bağımsız. Renklendirmeye yalnızca iki rengin bir kombinasyonu ile karar verilir: siyah ve gri, ancak çeşitli tonlarda. Anlatı tarafından değil, tamamen resimsel yollarla yaratılan görüntünün bu gerçeği, 20. yüzyılın başlarındaki çalkantılı yıllarda gençleri kısıtlayan ama derinden nüfuz eden oyunuyla sarsan Yermolova'nın kişiliğine tekabül etti.

Yermolova ön kapı portresi. Ancak Serov o kadar büyük bir usta ki, aynı resmi portre türünde farklı bir model seçerek, aslında aynı ifade araçlarıyla tamamen farklı bir karakterin görüntüsünü yaratabildi. Bu nedenle, Prenses Orlova'nın (1910-1911, "RMS") portresinde, bazı ayrıntıların abartılması (büyük şapka, çok uzun sırt, keskin diz açısı), iç mekanın lüksüne dikkat çekti, sadece parçalanmış bir şekilde aktarıldı. çerçeve (bir sandalyenin parçası, resimler, köşe masası), ustanın kibirli bir aristokratın neredeyse grotesk bir görüntüsünü yaratmasına izin verir.Ama ünlü "Peter I" deki (1907, Devlet Tretyakov Galerisi) aynı grotesklik (resimde Peter basitçe devasa), Serov'un çarın aceleci hareketini tasvir etmesine ve onun peşinden saçma sapan acele eden saraylara izin vermesi, Orlova'nın portresinde olduğu gibi ironik değil, tüm bir dönemin anlamını taşıyan sembolik bir görüntüye yol açar.Sanatçı kahramanının eksantrikliğine hayrandır.

Portre, manzara, natürmort, ev içi, tarihi resim; yağ, guaj, tempera, karakalem - Serov'un çalışmayacağı hem resimsel hem de grafik türleri ve kullanmayacağı malzemeleri bulmak zordur.

Serov'un çalışmalarında özel bir tema köylüdür. Köylü türünde gezici bir sosyal keskinlik yoktur, ancak köylü yaşamının güzelliği ve uyumu, Rus halkının sağlıklı güzelliğine hayranlık duygusu vardır (“Köyde. Atlı bir kadın”, pastel, 1898 , Devlet Tretyakov Galerisi). Özellikle kış manzaraları gümüş-inci renk gamıyla enfes. Serov, tarihsel temayı kendi tarzında yorumladı:

Elizabeth ve Catherine II'nin zevk yürüyüşleriyle “kraliyet avları” yeni zamanın sanatçısı tarafından ironik, aynı zamanda her zaman 18. yüzyılın hayatının güzelliğine hayran kaldı. Serov'un 18. yüzyıla olan ilgisi, The World of Art'ın etkisi altında ve Rusya'da Büyük Dük, Çar ve İmparatorluk Avı Tarihi'nin yayınlanmasıyla ilgili çalışmalarla bağlantılı olarak ortaya çıktı.

Verusha Mamontova'nın portresinin ve Avrupa'nın Kaçırılması'nın aynı usta tarafından yapıldığına hemen inanmak zor, Serov, 80'lerin ve 90'ların portre ve manzaralarının empresyonist özgünlüğünden tarihsel olarak Art Nouveau'ya evriminde çok yönlü. antik mitolojiden motifler ve kompozisyonlar.

Mikhail Alexandrovich Vrubel'in (1856-1910) yaratıcı yolu, aynı zamanda alışılmadık derecede karmaşık olmasına rağmen daha doğrudandı. Sanat Akademisi'nden (1880) önce Vrubel, St. Petersburg Üniversitesi hukuk fakültesinden mezun oldu. 1884'te St. Cyril Kilisesi'ndeki fresklerin restorasyonunu denetlemek için Kiev'e gitti ve kendisi birkaç anıtsal kompozisyon yarattı. Vladimir Katedrali'nin duvar resimlerinin suluboya eskizlerini yapıyor. Müşteri, kanonik olmayan ve etkileyici olduklarından korktuğu için eskizler duvarlara aktarılmadı.

90'lı yıllarda, sanatçı Moskova'ya yerleştiğinde, Vrubel'in gizemle dolu ve neredeyse şeytani bir güçle dolu, başka hiçbir şeyle karıştırılamayan yazı tarzı oluştu. Şekli bir mozaik gibi, farklı renkteki keskin "yönlü" parçalardan, sanki içeriden parlıyormuş gibi şekillendiriyor ("Farsça halının arka planına karşı kız", 1886, MRI; "Fortuneteller", 1895, Devlet Tretyakov Galerisi) . Renk kombinasyonları, renk ilişkisinin gerçekliğini yansıtmaz, sembolik bir anlam taşır. Doğanın Vrubel üzerinde hiçbir gücü yoktur. Onu tanıyor, ona mükemmel bir şekilde sahip, ama gerçek gibi biraz kendi hayal dünyasını yaratıyor. Bu anlamda, Vrubel İzlenimcilere (edebiyattaki doğa bilimcilerle aynı oldukları yanlışlıkla söylenmeyen) karşıttır, çünkü hiçbir şekilde doğrudan bir gerçeklik izlenimini düzeltmeye çalışmaz. Soyut olarak yorumladığı edebi konulara yönelir, büyük manevi gücün sonsuz görüntülerini yaratmaya çalışır. Bu nedenle, Şeytan için illüstrasyonlar alarak, kısa süre sonra doğrudan örnekleme ilkesinden ayrılır (“Tamara'nın Dansı”, “Ağlama, çocuk, boşuna ağlama”, “Tabutta Tamara”, vb.) ve zaten aynı 1890'da "Oturan Şeytan" ı yaratır - aslında, plansız bir çalışma, ancak görüntü Mephistopheles, Faust, Don Juan'ın görüntüleri gibi ebedidir. Demon'un görüntüsü, Vrubel'in tüm çalışmasının ana görüntüsü olan ana temasıdır. 1899'da "Uçan Şeytan", 1902'de "Düşen Şeytan" yazdı. Vrubel'in iblisi, her şeyden önce acı çeken bir yaratıktır. Acı, içindeki kötülüğe hakimdir ve bu, görüntünün ulusal Rus yorumunun özelliğidir. Çağdaşlar, haklı olarak belirtildiği gibi, "Şeytanlar" ında, uyumdan yoksun bir gerçeklikten asi bir şekilde gerçek olmayan bir rüya dünyasına kaçmaya çalışan, ancak dünyevi dünyanın kaba gerçekliğine dalmış romantik bir entelektüelin kaderinin bir sembolünü gördüler. . Sanatsal dünya görüşünün bu trajedisi, Vrubel'in portre özelliklerini de belirler: manevi uyumsuzluk, kendi portrelerinde bir bozulma, uyanıklık, neredeyse korku, aynı zamanda görkemli güç, anıtsallık - S. Mamontov'un (1897, Devlet Tretyakov Galerisi) portresinde ), kafa karışıklığı, endişe - "Prenses -Kuğu" nun (1900, Devlet Tretyakov Galerisi) muhteşem görüntüsünde, hatta "İspanya" (1894, Devlet Tretyakov Galerisi) ve "Venedik" (1893, Rus Müzesi) dekoratif panellerinde E.D.'nin konağı için idam edildi. Dunker, huzur ve sükunet yok. Vrubel görevini kendisi formüle etti - "ruhu günlük yaşamın küçük şeylerinden görkemli görüntülerle uyandırmak."

Vrubel, en olgun resimlerini ve grafik çalışmalarını yüzyılın başında - manzara, portre, kitap illüstrasyonu türünde yarattı. Tuvalin veya levhanın düzenlenmesinde ve dekoratif-düzlemsel yorumlanmasında, gerçek ve fantastik kombinasyonunda, bu dönem eserlerinde dekoratif, ritmik olarak karmaşık çözümlere bağlılıkta, modernitenin özellikleri giderek daha fazla öne çıkıyor.

K. Korovin gibi, Vrubel de tiyatroda çok çalıştı. En iyi sahnesi Rimsky-Korsakov'un The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan ve diğerleri için Moskova Özel Operası sahnesinde, yani ona Rus folkloru ile "iletişim kurma" fırsatı veren eserler için yapıldı. , peri masalı, efsane.

Yeteneğin evrenselliği, sınırsız hayal gücü, asil ideallerin onaylanmasındaki olağanüstü tutku, Vrubel'i birçok çağdaşından ayırır.

Vrubel'in diğerlerinden daha parlak olan çalışması, dönüm noktası döneminin çelişkilerini ve acılı atışlarını yansıtıyordu. Vrubel'in cenazesi günü, Benois şunları söyledi: “Vrubel'in hayatı, şimdi tarihe geçeceği gibi, harikulade bir acıklı senfoni, yani sanatsal varoluşun en eksiksiz biçimi. Gelecek nesiller... 19. yüzyılın son on yıllarına "Vrubel dönemi" olarak bakacaklar... Zamanımızın ifade edebileceği en güzel ve en üzücü şey o zamandı»7 .

Vrubel ile yeni bir yüzyıla, hem “devrimcilik ideolojisi” (P. Sapronov) hem de St. Petersburg Rusya kültürünün son dönemi olan “Gümüş Çağ” çağına giriyoruz. "otokrasi ve uzun zamandır kültürel bir güç olmaktan çıkmış devletle." Rus felsefi ve dini düşüncesinin yükselişi, en yüksek şiir seviyesi yüzyılın başlangıcıyla ilişkilidir (Blok, Bely, Annensky, Gumilyov, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub'u adlandırmak yeterlidir); drama ve müzikal tiyatro, bale; 18. yüzyıl Rus sanatının “keşfi” (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), Eski Rus ikon resmi; yüzyılın başından itibaren en iyi resim ve grafik profesyonelliği. Ancak, devrimci bir felakete doğru ilerleyen Rusya'da yaklaşan trajik olaylar karşısında, "fildişi kule"de ve sembolizmin poetikasında kalmaya devam eden "gümüş çağ" güçsüzdü.

Vrubel'in eseri, herhangi bir büyük sanatçı gibi, yönün sınırlarını yok etmesine rağmen, sanat ve edebiyattaki genel sembolizm yönü ile ilişkilendirilebilirse, Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) resimsel sembolizmin doğrudan bir temsilcisidir. ve güzel sanatlar alanında ilk retrospektivistlerden biri. sınır Rusya sanatı. Zamanın eleştirmenleri ona "geriye dönük bakış açısının hayalperesti" bile dediler. İlk Rus devriminin arifesinde ölen Borisov-Musatov, hızla hayata geçen yeni ruh hallerine tamamen sağır oldu. Eserleri, eski boş "asil yuvalar" ve ölmekte olan "kiraz bahçeleri" için, güzel kadınlar için, ruhsallaştırılmış, neredeyse doğaüstü, dış mekan ve zaman belirtileri taşımayan bir tür zamansız kostüm giymiş bir ağıttır.

güzel kısır döngü geniş toplumsal hareketten koptu. "19. yüzyılın sonunda ve 20. yüzyılın başında halk eğitimi alanında gözle görülür değişiklikler olmasına rağmen, işçi sınıfının yanı sıra köylülüğün önemli bir kısmı okuma yazma bilmiyordu. 1897 nüfus sayımına göre, 100'e kadar Rusya'da 29'u erkeklerde ve sadece 10'u kadınlarda olmak üzere 21 okuryazar nüfus vardı. 1917'ye kadar ...

Aynı gerçeklik. Modernliğin içeriğini dolaylı olarak ifade eden sanatsal görüntülerin ve biçimlerin, doğrudan yansımasının biçimleri üzerindeki önceliği, ana unsurdur. ayırt edici özellik 19. yüzyıl sonu ve 20. yüzyıl başı sanatı. YÜZYILLAR DÖNÜŞÜNDE KÜLTÜR Kronolojik olarak bu dönem, 90'ların başı ile 1917 arasında yer alır. Geçiş on yılı olarak 80'lerden önce gelir, ...