Manevi yaşam eğilimlerinin zenginliğinde toplumun kendini geliştirmesinin nesnel diyalektiği, kavramlar sistemine kapsamlı bir şekilde yansır: "stil", "yön", "akış", "yöntem", "tarz".

Modern estetik teorisi, sanatın sistemleştirilmesinde etkili bir araç olarak gördüğü “yön” kavramını çıkış noktası olarak seçer. Özellikle Yeni Çağ sanatında tipik ve bireysel, evrensel ve özelin diyalektiğini ortaya çıkarabilir - insanlığın ruhsal deneyiminin bireyselleşmesinin son derece derinleştiği, bir eğilim zenginliği yarattığı bir dönem, çeşitli sanat türlerinde eğilimler, stilistik davranışlar. Sorunun incelenmesi esas olarak literatürün malzemesi üzerinde gerçekleşir.

kalıpları düşünürsek sanatsal gelişim uzun tarihi boyunca, o sırada G. Hegel tarafından önerilen yaklaşım daha verimlidir. Sanatın tarihsel yaşamının kalıplarını sistematize etmek için Hegel, stil kavramını kullanır. Sanatsal yaratıcılığın bir kategorisi olarak üslup, figüratif sistemin içsel birliğini ve sanatsal fikir tarafından üretilen sanatsal ifade araçlarının ve sanat materyalindeki duyusal düzenlemesinin pratiğini yansıtır. Hegel, sanatta üslubun "hacimsel" bir kavram olduğunu kanıtlar. Bir fikrin duyusal bir düzenlemesi olarak sanatın özelliklerini, yani onun temel özelliğini kapsar. "Stil" kavramı, görüntünün sunulduğu sanat türünün doğasından kaynaklanan belirli sanatsal temsil yasalarına da genişletilebilir. Diyelim ki müzikte bir kilise ve opera stili var, resimde - bir stil tarihi tablolar ve tür çalışmaları ve benzerleri. "Stil" kavramı, sanatsal düşüncenin türünü de kapsar.

Toplumun tarihsel yaşamını yansıtan, sanat dilinde cisimleşen kavramlar sistemi 18. yüzyılda şekillenmeye başlamıştır. Doğru, "stil" kavramı, antik çağlardan beri Avrupa kültüründe bilinmektedir. İlk başta, tamamen filolojik anlamda kullanıldı - konuşma ve yazmadaki cümlelerin yapısının özelliklerini açıklamak için. Bu anlamda antikitenin ve Ortaçağın poetika ve retoriğinde kök salmıştır. Tarzın amacı, edebiyatın türüne bağlı olarak uygun deyimsel dönüşleri ve kelime dağarcığını gözlemlemekti (üç tarzın eski doktrini klasisizm dönemine kadar korunmuştur). I. Winkelman bunu daha geniş bir anlamda uyguladı: genel olarak sanatsal gelişim kalıplarına atıfta bulunmak. F. Schiller (“Sanatta Güzel”), Winckelmann'ın ardından, sanatın güzelliğini üslubun varlığına bağlar, yani üslubu bir tür sanatsal yaratıcılık olarak görür. sanatsal dil, ifade aracı sanat malzemesi ve görüntünün öznesi tarafından koşullandırılmıştır. Sanatçının öznelciliğinin (tarzının) aksine, stil, görüntünün tüm öznel ve nesnel olarak rastgele tanımlardan en yüksek bağımsızlığı olarak görülür.

Romantikler, bir yandan klasik Yunanistan deneyimine, diğer yandan halk sanatına dayanarak, bilinçli olarak üslupsal bir sanat birliği yaratmaya çalışırlar. Çalışmalarında stil, sanatın temeli olarak kabul edilir. Üslup, sanatçının bireysel eseriyle ilişkilendirilir, ancak sanatçının sonsuzluğa katılımının, ilahi olanın cisimleştiği bu eserde çok bireyseldir. Romantik şairler peygamberleri görürler, "şiirsel bir dünya" (Novalis, Schlegel) yaratarak insanlığın baskıcı gerçeklikten kurtuluşunu önceden bildirirler.

Hegel, sanatın gelişiminde doğal olanı, sanatın türlerinin üslup birliği temelinde keşfeder. Stili, görüntünün sanatının, tasvir edilenin doğasına ve belirli bir sanat türünün doğasına tekabül ettiği olarak kabul eder. Bu anlamda üslup kavramı üsluba karşıdır. Filozofa göre üslup, sanatçının sanatsal oluşum yasalarını gözetmek yerine kendi kaprislerinden hareket etmesinden kaynaklanmaktadır. İnsanlığın sanatsal gelişim tarihine dayanarak, sanatın tüm zenginliğini belirli bir yaratım sisteminde birleştirir. Sanat bicimleri. Bu nedenle, onların stil özellikleri sembolik, klasik, romantik biçimlere yerleştirilmiştir.

Gelecekte, Hegel'in fikirleri temelinde, sanatsal gelişim kalıplarının incelenmesi, tanınmış sanat tarihçileri tarafından da gerçekleştirilmiştir (A. Wrigley "Roma'da Barok Sanatının Doğuşu"; G. Wölfflin "Rönesans". ve Barok", "Sanat Tarihinin Temel Kavramları. Yeni Sanatta Tarzın Evrimi Sorunu", V. Weidle "Sanatın Ölmesi" ve diğerleri). G. Wölfflin, "Rönesans ve Barok" adlı çalışmasında, dönemlerin üslubunu, birbirini izleyen tarihsel ve tipolojik oluşumlar olarak analiz eder. V. Weidle, toplumun sanatsal gelişiminin özellikle verimli dönemlerini sanatın üslup birliği ile birleştirir. Sanatsal oluşumdaki ortak olanın kökenlerini "çağın psikolojisi"nde görür. D. Likhachev, "çağların tarzı" kavramının, sanatta hala ayrı bir eğilimin olmadığı sanatsal gelişim dönemlerini karakterize ettiğine inanarak bu fikri somutlaştırır. bireysel stiller sanatçılar, yani stiller sanatsal kanonlar temelinde oluşturulur. Ukraynalı araştırmacı D. Nalivaiko, stili sanatsal yaratıcılığın evrensel bir kategorisi olarak nitelendiriyor ve bunun uygun bir form olmadığını ve formların bir sentezi olmadığını, ancak "bir eserin yapısına nüfuz eden form oluşturma ilkeleri" olduğunu vurguluyor. M. Kagan, üslubun estetik açıdan sanatsal niteliklerinin nesnel kesinliğine dikkat çeker: belirli bir içerik tarafından koşullandırılmıştır, ancak kendisi biçimin niteliği, yapısının yasasıdır.

Sanatın "stil" kavramıyla kapsayıcılığı çeşitli düzeylerde kendini gösterir: birincisi, sanatın tarihsel yaşamı düzeyinde (Geniş stil); ikincisi, sanatsal yaşamın ulusal özgünlüğü düzeyinde; üçüncüsü, sanatsal eğilimlerin ve eğilimlerin üslup özellikleri düzeyinde; dördüncüsü, bireysel sanatsal stiller düzeyinde. Sonuçta tek bir edebi eserin üslubundan bahsedebiliriz.

Sanatta harika stiller. Figüratif sistemin yapısal bir birliği olarak stil ve tarihsel dönemlerin sanatının özgünlüğünü karakterize etmek için kullanılan sanatsal temsil yöntemleri, büyük stil kavramı tarafından belirlenir. Evrensel kayıtsızlığın sembolleri etrafında toplanan tarihsel dönemlerin yaşamının bütünlüğü, Büyük stillerin yaratılmasının temelidir. Büyük Tarzlar sanatının sembolik tasvirlerinde, manevi deneyimde esas olan, yani "tam olarak bilincin mutlak olarak kabul ettiği şey" (Hegel) yansıtılır. Deneyimin içeriği evrensel kayıtsızlık sembollerinde somutlaştığından, oluşumlarının ilkesini içerirler.

Sanatsal şekillendirme yasaları göz önüne alındığında, insanlık tarihi üç aşamaya ayrılabilir. Tarihsel olarak, en eski ve en uzun - senkretik sanatın aşaması. MÖ 10 bin yıllarında başladı. e. ve MÖ III-II binyıla kadar devam etmiştir. e. Kuzey Afrika, Küçük Asya, Hindistan, Çin, Karadeniz bölgesi (kültürün en erken gelişim alanları) bölgelerinde. Bu aşamada sanatın unsurları pratik yaşam yaratmadan ayrılmamıştır ve sanat olan belirli bir faaliyet türü almamıştır. Bu aşamanın özelliği, figüratif unsurların içine nüfuz etmesidir. Farklı çeşit pratik faaliyetler. Bu, aktivitenin içeriğinin ve sonuçlarının sembolize edilmesi olgusudur, sanat unsurlarıyla bir mitosvidomo dönemidir.

Sanat tarihindeki ikinci aşama, sanatın tam anlamıyla gelişme çağıdır. Tarihsel zamanı - ilk devletlerin oluşumundan (M.Ö. geç XIX içinde. Bu, sanatın zirveye ulaştığı, zengin türler, türler, üslup çeşitliliği, çeşitli eğilimler, yönler, yöntemler ile ayırt edilen çağdır. Sanat bu dönemde önde gelen manevi deneyim türü olarak yorumlanır, dünya hakkındaki bilgileri, pratik becerileri, fikirleri bütünsel, duyusal olarak algılanan bir biçimde pekiştirir. Sanat, Büyük stiller içinde gelişir. Hegel'in tanımlamasına göre, bu sembolik, klasik, romantik bir sanat biçimidir. Bu aşamadaki sanat, tüm diğerlerinin (dini, ahlaki, felsefi, politik vb.) Etkilendiği toplumsal bilincin önde gelen biçimi olarak tanımlanır.

Üçüncü aşama, sanat sonrası aşamadır. 19. yüzyılın sonlarında başlar. ve dünya imajının bütünlüğünün yok edilmesi, içeriğin manevi kesinliğinin ve sanatın sanatsal-figüratif dilinin kaybı, üslup tarzlarının öznelciliğinin egemenliği ile karakterizedir. Yani, özel, bütünleyici, sanatsal-figüratif bir dilde somutlaşan belirli bir manevi deneyim türü olarak sanatın temel kesinliği kaybolur. Sonuç olarak sanat, toplumun ve bireyin ruhsal deneyiminin sözcüsü ve biçimlendirici gücü olarak önemini kaybeder. bilişsel fonksiyonlar sanattan bilime. Sanat ve pratik şekillendirme arasındaki bağlantı ortadan kalkar. (Bunun yerini estetik formasyon alır: nesnel formların inşası). Sanat ayrıca, bireyin manevi yaşamı sanatsal yaratıcılığın ana konusu olmaktan çıktığı için ahlakla olan bağlantısını da kaybeder. Tarihsel altın çağının tüm zamanlarında sanatın ana içeriği olan maneviyat, bu haliyle eğlencenin yerini alır. Duygulara değil, öznenin duygusal alanına hitap eder, çünkü kayıtsızlık öznesinin deneyimlerini anlama ihtiyacını içermez. Bu dönem boyunca, sanat nihayet temel kesinliğini - sanatsal ve figüratif doğasını - kaybeder.

Daha önce belirtildiği gibi, insanlığın sanatsal gelişim tarihindeki en verimli aşama, üç ana sanatsal biçime yatırılan Büyük Stiller dönemidir: sembolik (Orta Doğu'nun ilk uygarlıklarının sanatı); klasik (antik Yunan ve Roma sanatı); romantik (Orta Çağ'dan 19. yüzyıla kadar Avrupa ülkelerinin sanatı). Stil-eğitim faktörleri, fikir (sanatın içeriği) ve form (fikrin şehvetli-figüratif düzenlemesi) arasındaki bağlantının özgünlüğüne sahiptir. Bu, bir çalışma fikrinin gelişimini tüm canlılığıyla organize eden, formun içsel uygunluğu sorunudur. Sanatsal biçim, içeriğin maneviyatını, dışavurumcu içsel canlılığını - tam da böyle bir sanatsal varoluş biçiminin amaca uygunluğunu - ortaya çıkarmak için tasarlanmıştır. 3 Yukarıdakiler göz önüne alındığında, sanat formu bir stil yaratmanın ana unsurudur. İstikrarlı bir oluşumdur, zamanın ruhunu, tarihi dönemlerin atmosferini kavrar, sanatsal imgelerde tekrarı sabitler. Biçimin üslup içindeki gelişiminin genliği, ağırlıklı olarak daha mükemmel ve daha az mükemmel arasındaki yönde gerçekleşir, yani sorun, görme biçimi değil, beceri düzeyidir.

Formun özgünlüğü zamanından kaynaklanmaktadır: çağın yaşam tarzı. Örneğin, seçkin temsilcileri Aeschylus, Sophocles, Euripides'in karşısındaki yüksek antik trajedi, Yunanlıların insanı "ölümlü bir tanrı" olarak anlamasını yansıtır. 18. yüzyılın küçük-burjuva draması sadece hayatın demokratikleşmesini değil, aynı zamanda insan karakterinin ölçeğinin daralmasını da aktarır. Çatışma, olayların günlük akışıyla bağlantılı yerel bir içerik kazanır. Burjuva kişiliğinin iç dünyası, eski kahramanın karakteristiği olan yüksek manevi dürtü, kahramanca ve trajik pathos'un tam tersidir.

Tarzın yaratılmasının manevi temeli, evrensel bir aşırı kişisel fikirdir. Tezahürünün estetik kesinliği nedeniyle, bütünleyici görüntü sembollerinde bulunur. Bu, dışavurumcu, duyusal olarak algılanan, sanatsal olarak mükemmel tezahür biçimlerinde somutlaşan canlılık kazanabilen bir fikirdir. Büyük Üsluplar zamanında sanatın içsel bütünlüğü, dünya görüşünün mitoloji (simgesel ve klasik sanat biçimleri içinde) ve din (romantik sanat biçimi) temelindeki bütünlüğünden kaynaklanmaktadır. Dünyanın imajı ve onlardaki insan varlığı "verilir" - inancın içeriği tarafından belirlenir. Bu nedenle, büyük stiller, büyük insan topluluklarının evrensel kayıtsızlık görüntülerine (mitoloji tanrıları ve tek tanrılı dinlerin tanrıları) duygusal olarak kayıtsız, estetik olarak belirlenmiş tutumunun bir sonucu olan kültürel oluşumlardır. Gerçeklik, onlarda mantıksal biliş ve yansıma nesnesi (kayıtsızlık nesnesini varlığının duyusal doluluğundan yabancılaştıran ilişki biçimleri) olarak değil, bir duygu nesnesi olarak görünür.

Mit veya dini kanon tarafından "verilen" görüntülerin doğası, sanatsal formun kanonikliğine yol açar. Sanatçının çabaları, modelle uyumlu bir görüntü yaratmaya yöneliktir. Estetik bir sanatsal şekillendirme yöntemi olarak kanon, Grand stiller için organiktir. Topluluğun ruhunu besleyen kişisel fikirlerin "ebedi" doğasını onaylamayı amaçlamaktadır. Kanon içindeki oluşum, görüntünün manevi özünü değiştirmeden bırakır. Çeşitlilik, esas olarak, ilişkinin nüanslarını özlerini değiştirmeden derinleştiren bireysel ayrıntılar nedeniyle gerçekleştirilir. İnançların gömülü olduğu görüntüler ilham verici olarak algılanır daha yüksek güçler onlar tarafından önerildi.

Büyük stil, kendini geliştirebilen ayrılmaz bir sistemdir. Hegel, üslupların gelişiminin doğal doğasını, fikir ile imaj arasındaki diyalektik bağlantı temelinde ortaya koyar ve fikir ile onun şekillenmesi arasında üç tip ilişki gösterir. Sembolik sanatta fikir henüz kendi içinde anlamlı bir kesinlik kazanmamıştır. soyutluğu, sanatsal dilin tesadüfi figüratifliğine yol açar. Bunun çarpıcı bir örneği Eski Mısır sanatıdır. Örneğin, kraliyet gücünün kişileşmesi olan sfenks figürleri (aslan gövdeli ve insan başlı bir yaratık), böyle bir sembolün gelenekselliğine, somutlaşma biçiminin soyutluğuna açıkça tanıklık eder. fikir.

İkinci biçim - klasik sanatsal stil - sembolik imgelemenin gelenekselliğini ortadan kaldırır. Fikrin yazışması ve sanatsal düzenleme yöntemi ile karakterize edilir, yani: mükemmellik fikri, insan görüntüsünde anlamlı, kesin bir yaşam kazanır. En uygun içerik fikirleridir. Bu temelde Hegel haklı olarak tamamlanmış ideali yaratanın ve kişinin onu gerçekleşmiş olarak düşünmesine izin verenin klasik sanat olduğunu belirtir. Bu antik Yunan sanatıdır. İçinde fikir, bireysel maneviyatın doğal varlığının biçimini alır. Bunlar Behil, Sophokles, Euripides'in trajedilerinin kahramanlarıdır; Polikleitos, Phidias, Praxiteles, Agesander'ın heykelsi eserlerinin kahramanları. Klasik dönemin Yunan heykelinde insan vücudu maneviyatında - insan ruhunun kullanımının bir tezahürü: insan yaşamını işgal eder ve düzenler.

Üçüncü biçim - romantik sanatsal üslup - klasik sanatta içkin olan fikrin birliği ve onun mecazi dilde şehvetli cisimleşmesi ile kopuyor. Klasik sanat biçiminde, manevi ve şehvetli varlığın birbirine ideal bir yazışma olarak ortaya çıktığını hatırlayın. Romantik sanat biçiminde sakıncalı olan bu vizyondur. Sanatsal fikir ile onun duyusal düzenlemesi arasında yeni bir tür tutarsızlık ortaya çıkarır. Tin, onda fikrin sonsuz öznelliği olarak ortaya çıkar, bedensel biçim onun varlığının tek kesin yolu olduğu sürece yeterince somutlaştırılamaz. Romantik tarz, bilinçli bir iç yaşamla karakterizedir. Önceki sanat türlerinin özelliği olan ruhun varlık biçimleri hakkındaki şehvetli fikirlerin aksine, romantik sanat içsel manevi yaşamın derinliklerine iner ve onu kendi maddi ve içeriği haline getirir. Romantik sanat biçimi, tükenmez zenginliği içinde ruhun canlılığının en gelişmiş ve yüce tezahürü olarak ortaya çıkar. Bu form, sanat konusunun "özgür somut maneviyatı" temsil etmesiyle karakterize edilir. "İç ruhsal göz" için bir konu olarak hizmet etmelidir. Yani ruhun canlılığı, tezahürünün nüanslarının zenginliğini kavrayan bir forma sığmalıdır.

Dolayısıyla, üç Büyük üslubun kendi kendini geliştirmesinin diyalektiği, sanatsal hareketin olumsuzlamanın olumsuzlanması yoluyla gerçekleştirilmesi gerçeğiyle karakterize edilir: bir sanatın mecazi dilinde fikrin somutlaştırılmasının yeni bir bütünlük düzeyi. Simgesel sanat, fikrin kendisinin kusurlu olmasının bir sonucu olarak fikri somutlaştıracak görüntünün cehaleti ile karakterize edilirse, klasik sanat, fikrin birliği ve sanatın figüratif dilinde onun duyusal düzenlemesi ile karakterize edilir. Maneviyat fikri, burada, bir kişinin ruhsallaştırılmış bedensellik biçimindeki mükemmel görüntüsünde yeterli bir şehvetli düzenleme elde eder. İkincisinin tükenmesi, romantik sanatta fikir ve imge arasında yeni bir diyalektik bağlantı düzeyine yol açar. Burada ruh (evrensel öz) olarak fikir, belirli bir yaşamda kendi içinde ve kendi dışında açılmaya muktedir gerçek varlık olarak kendini gösterir. Adlandırılan Büyük tarzların her biri, belirli bir sanat türünde kendi fikrinin bütünlüğünü gerçekleştirir: sembolik bir biçimde mimaridir; klasikte - heykelde, romantikte - resimde, müzikte ve şiirde.

Bu tarihsel sanat biçimlerinin her biri kendi içinde üç ana aşamadan geçerek estetik olarak tanımlanmış nitelikler kazanır. Birincisi, fikirlerin ve formların oluşumu; ikinci olarak, fikri olabildiğince tam olarak ortaya çıkarabilecek en uygun mecazi dili, canlılığını bulmak; üçüncüsü, ruhun kendisinin anlamsal tükenmesi nedeniyle, sanatın sanatsal dilinde ruhun daha da gelişmesi için olanakların tükenmesi. Sanatın tarihsel yaşamının genel yasası, somutlaşmasının şehvetli biçimlerini alan maneviyattan kaynaklanan sanatsal olarak güzeldir.

Büyük stillerin karakteristiği olan fikir ve imaj diyalektiğinin bazı daha spesifik tezahürleri üzerinde duralım. Mısır sanatının en canlı biçimde kişileştirildiği simgesel sanatta, hemen hemen her biçim simgeseldir. Canlı düzenlemesi piramitlerdir - içinde "iç çekirdek" olan büyük kristaller - firavun figürü (piramit onu korur, bu şekilde doğallıktan vurgular). Heykel görüntülerinin sembolizmi daha gelişmiştir. Memnon Heykeli, iç dünyanın yükselişi sadece statik figürlerde değil, aynı zamanda yüz ifadelerinde herhangi bir manevi hareketin yokluğunda da ortaya çıkan devasa heykel görüntüleridir. Mısır sanatının sembolizmi, sfenks figüründe açıkça ifade edilen gizemli bir karaktere sahiptir. Hegel, sfenks imgesinin "sembolizmin kendisinin bir simgesi" olduğunu belirtir. Burada insan ruhu, vücudun hayvani gücünden kurtulmaya çalışır, ancak istenen hedefe ulaşamaz.

Klasik tarz, eski Yunan toplumunda kamu çıkarlarının evrenselliği ve bireyin içsel özgürlüğü fikri temelinde oluşturulmuştur. Manevi deneyimde evrensel ve özel olana uyum, uyumlu bir dünya görüşünün temeliydi. Dünya görüşünün uyumu, özgürlüğün bilinçli olduğu ve özünde kesinlik kazandığı tüm eserlerde izlenebilir. Klasik sanatın ideali, ruhsal olarak tanımlanmış ve zengin plastik bir bireysellik biçiminde güzelliğin en yüksek tezahürü olarak hareket eder. Yunan halkı G. Hegel, "Tanrıların karşısında tensel, düşünceli, görünür bir biçimde ruhumu ve bu tanrılara çatımı, varoluş sanatının yardımıyla, gerçek anlamıyla oldukça orantılı olarak anladım" diyor. Bu, varlığının gerçek biçimini almış bir ruhtur. Görüntüde dahili hareket yoktur, bu da tam içerik almış sanatsal formların hareketi olmadığı anlamına gelir. Bu nedenle G. Hegel'e göre Yunan dini "sanat dininin kendisidir".

Romantik sanatta fikrin imge üzerindeki artan egemenliği, onun üslup gelişiminin özelliklerini önceden belirler. Ortaçağ'da güzellik, özü tanınmayan manevi bir madde olarak temsil edilir. Objektiflikte, kendini yalnızca en yüksek ilahi güzelliğin bir yansıması olarak gösterir. Farklı sanat türlerinde en yüksek ilahi güzelliğin somutlaştırılması vardır. Buna göre, görüntüsünün dağıtımının birkaç düzeyi vardır. Birincisi, Gotik katedrallerin (XII-XV yüzyıllar) devasa mimari formlarında ruhun köklenmesidir. Mimarinin üslup özelliklerinde, doğrudan bir manevi yükselme görüntüsü yaratma biçimi vardır: dikeye yönelik gotik bir bina şeklinde. Dekorunun zenginliğinde, duygu nüanslarının zenginliği yeniden üretilir. Bunlar, kişinin kendi günahkârlığının, kusurluluğunun deneyimleriyle koşullandırılır ve Tanrı-insanın mutlak mükemmelliğinin suretinin önünde bir kişiye tam olarak ifşa edilir. İkinci seviye, duyusal olarak verilen pitoresk görüntülerde (XIII-XVI yüzyıllar) maneviyatın tezahürüdür. Ruhun, tek Tanrı'nın, tek ruhun suretinde mutlak öznellik olarak ortaya çıkması romantik sanattadır. Duyusal olarak algılanan bir görüntü almamış olsaydı, yalnızca düşünme tarafından erişilebilir olurdu. Mutlak olanın insan suretinde duyusal cisimleşmesi sayesinde, içsel canlılığıyla gerçek bireysel özne değer kazanır. Onun iç dünyasında, mutlak hakikatin ebedi anları, tam da ruh olarak doğru olan yaşamı kazanır. Resim sanatının temeli olan maneviyat fikri, onu insanın manevi dünyasının zenginliğini ortaya çıkarmaya odaklar. Görüntünün benzersizliğindeki yüz, ruhun canlılığının tükenmez bir tezahür zenginliği ile ortaya çıkan resmin ana konusu olarak ortaya çıkıyor. Rönesans sanatı, görüntülerin ihtişamını, titanizmini (Raphael, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Titian, Durer, vb. Eserler) dikkate alarak, resmin en yüksek çiçeklenme dönemidir (fresk, şövale).

Üçüncü seviye, ruhun gelişmiş müzik dilinde (XVII-XIX yüzyıllar) tezahürüdür. Burada görüntünün "maddesi" üzerinde giderek daha açık bir şekilde hüküm sürüyor. Dünyanın uyumlu bir gücü olarak ruhun kendini onaylaması bu aşamada ritim, melodi, uyum yoluyla gerçekleştirilir. Bir sanat olarak müzik, yalnızca içerik olarak değil, aynı zamanda biçim olarak da özneldir. Müziğin nesnel bir varoluş yolu olarak ses, örneğin resim gibi nesnelliği değil, insan duygu dünyasını yeniden üretmeyi amaçlar. Müzik, tinin öz-varlığının en mahrem dışavurumlarının öznedeki ideal öz-örgütlenmesinde nasıl ortaya çıktığıdır. Müziğin manevi bir fenomen olarak özelliği, melodik, ritmik bir ses sayesinde duygu unsurunu uyumlu duygulara dönüştürebilmesi gerçeğinde yatmaktadır. organize dil sesler. Müzik, ses çıkaran, seslere ilham veren, onları özgürce koordine edilmiş bir birliğe sokan ruhtur, bu sayede ruhsal dolgunluk kazanırlar. Mimarlık gibi müzik de biçimlerini doğal dünyadan değil, "ruhsal kurgu"dan alır.

Müzik, bir yandan niceliksel ilişkilere dayanan uyumlu ses yasalarına tabidir, diğer yandan gelişimleri ve vuruş ve ritmin tekrarı sayesinde düzenli ve simetrik formlar oluşturur. Genel olarak müzik, ahenkli bir şekilde organize edilmiş müzikal seslerin dünyası aracılığıyla ruhun, örneğin heykel veya resmin izin verdiğinden daha özgür bir gelişimi ile karakterize edilir. Bu yönüyle şiir, malzemesi de ses olan müzik sanatına yakındır.

Romantik sanatın dördüncü düzeyi romantik şiirdir (romantik müzikle aynı tarihsel sınırlara sığar). malzemesi şiirsel kelimedir. Müzik gibi, düzenli olarak organize edilmiş seslerin sembolik biçimlerinin ruhunu açar, "seslerin ruhunu" oluşturur, şiir dili tamamen semboliktir. Şiirin konusu kendine yönelen ruhun iç hayatıdır. İç yaşam alanında hayal, tefekkür, duygu biçimlerinde şiir, olayların, ruh hallerinin, yansımaların ve benzerlerinin birliğinde geniş bir nesnel dünya yaratır. Şiirin konusu başlı başına maneviyattır, yani ruhun hayatı başlı başına değerlidir. Şiirde manevi biçimler, yani içsel temsil ve tefekkür, sanatsal oluşumun malzemesini oluştururken, örneğin heykelde mermer veya bronz, resimde - renklerde, müzikte - seslerde vb. Şiirsel dilin evrenselliği çeşitli şiir türlerinin olanakları tarafından belirlenir. türlerinde zenginlik.

Dolayısıyla, Romantik sanat tarzında, daha önceki Büyük sanat tarzlarında olduğu gibi, türlerin içsel bir bağımlılığı vardır. Sanatsal gelişimin genel eğilimini yansıtır. tarihsel gelişim yani: formun anlamlı derinliği ve maneviyatı verilen manevi ilkenin daha da derine yayılması.

Ulusal sanatsal stil, stil yaratmanın özel bir türüdür. Büyük stiller bir dereceye kadar ulusal stille ilişkilidir. Bu kavram, ruhsal deneyimin özgünlüğünü kavrar ve somutlaştırır. bireysel halklar ve kültürler. Ulusal tarzların zenginliği, çeşitliliği ve özgünlüğü çeşitlilik yaratır sanatsal kültür insanlık. Ulusal tarzların oluşumu başladı - bu, etnik kültürlerin oluşum dönemidir. halklar Antik Dünya Devletliğin oluşumunun din ve sanata dayandığı, “milli üslup” kavramıyla örtüşen geniş bir üslup yarattı (Antik Mısır, Antik Yunan, Çin vb.). Sanatsal şekillendirme sürecinin devlet olmanın güçlü temelleri üzerine UYGULANMADIĞI diğer uluslarda, üslup açıkça tanımlanmış özellikler almadı, çünkü çeşitli ruhsal deneyim seviyelerinde ortaya çıkma ve içinde bir yer edinme fırsatına sahip değildi. sanatsal formların zenginliği. Bununla birlikte, her etno-ulusal kültürün, sanat dilinde sabitlenmiş, ulusal bir sanatsal stil oluşturan kendine özgü manevi deneyim özellikleri vardır.

Etno-ulusal tarzların kökeninde etnik grupların pratik yaşam yaratımının manevi temelleri vardır. Doğa ile ilişkilerin pratik ve manevi deneyiminin özgünlüğünü, topluluklar içindeki ilişkileri, inançların, ritüellerin, geleneklerin vb. özgünlüğünü yansıtırlar. Etno-ulusal tarz, yalnızca sanatsal oluşumda değil, her türlü şekillendirmede kendini gösterir. çok. Etno-ulusal tarz, insanların tüm pratik ve manevi başarılarını sonuçlandırmak, onları arketiplerin görüntü sisteminde sembolik bir sanatsal dille "kodlamak" için bir yol ve fırsattır. Onların gizli anlamı, yalnızca bu tür bir deneyimin taşıyıcıları için açıktır ve ruhsal ilişkilerinin bir tezahürü olarak hizmet eder. Birey için kendini zihinsel bütünle özdeşleştirmede önemli bir faktördür. Bu nedenle, her millet kendi benzersiz dünya imajıyla insanlık kültürüne girer. Etno-ulusal üslup, dünya imajının - manevi olarak farklılaşmamış bir bütün olarak etnos düzeyinde - bireyselleştirilmesinin ilk (ilk) biçimidir.

Bireyselleştirmenin bir sonraki seviyesi, benzersiz sanatsal ve figüratif düşünceleri ve dolayısıyla bireysel sanatsal tarzları ile sanatçıların eseridir. Çalışmalarında, dünyanın ulusal-zihinsel imajının değer temsillerinin özellikleri de vardır. Halkın estetik imgesinin benzersizliği, ulus, zihinsel deneyimi estetik olarak tanımlanmış bir bütünlük içinde "toplayan" ve onu sanat diline çevirmenin sanatsal açıdan mükemmel bir yolunu veren parlak sanatçıların eserlerinde sabitlenmiştir. "Ulusal üslup" kavramı, "halk sanatı" kavramıyla özdeş değildir. Modern estetik teorisinde, "halk sanatı" kavramı, gelişmiş profesyonel sanat biçimlerinin aksine, sanatın "artık" biçimlerine (folklor, sanat ve zanaat) atıfta bulunmak için kullanılır. Ulusal üslup, hem halk sanatı hem de profesyonel sanat olmak üzere sanatsal fenomenlerin tüm zenginliğini işgal eden bir kavramdır. Üslup birliğinin temeli halk sanatıdır, halk sanatı biçimleridir.

Halk sanatı mitopoetik bir dünya görüşüne dayanmaktadır. formların senkretizmi ve motiflerin tekrarı ile karakterize edilir. Onların nesnel kesinliği, pratik deneyimin benzersizliğinde yatar. Orijinalliğin temeli buradadır. Örneğin, kuzey enlemlerinin halkları için beyaz, ışığın, saflığın ve göksel güçlerin sembolüdür. Kötü güçlerin sembolü siyahtır. Mısırlılar için siyah, aksine, iyilik güçlerini kişileştirir, çünkü Nil Nehri'nden gelen verimli silt rengiyle ve dolayısıyla refah ve yaşamla ilişkilidir.

Yaşamın sembolik sanatsal-figüratif dil ile doygunluğu, dış dünya ile ilişkilerin hayatta kalması ve yayılması için zihinsel olarak rahat koşullar yaratmanın ve sosyal bütün içindeki deneyim içeriği ile zihinsel yapıları düzenlemenin (onları organize etmenin) bir yoludur. Deneyim öznelerinin içsel akrabalığı, ses oluşumunun doğası, müzikteki mod-tonlama yapısı, danstaki hareketlerin plastisitesi ve benzerleri ile dilde kendini ifade eder. Etno-ulusal manevi deneyim, doğumun ilk günlerinden bir kişi için yaşam süreçlerinin ritmini belirler. Çevreleyen dünyanın fenomenlerine yanıt vermenin yolunu belirler.

Dolayısıyla ulusal üslup, manevi olarak oluşturan temelleri yansıtan estetik bir kategoridir. halk hayatı, duyusal olarak algılanan özne-figüratif formlarla çevrelenmiş, profesyonel sanatçıların çalışmalarında sanatsal mükemmellik kazanır. Profesyonel sanat ve halk sanatı, özel ve genel olarak ilişkilidir. Halk sanatında (yani sanatta ve sadece sanatta değil) Halk sanatı) katlanmış bir biçimde, profesyonel sanatçıların mevcut manevi yaratıcılık kaynakları. profesyonel olarak sanatsal aktivite Etnik sanat, içinde mevcut olan görüntü biçimlerinin zenginliğiyle örtük olarak ortaya çıkar. Halk sanatı biçimlerinin sabitliğinde hayati bir düzenlilik sergilenir: deneyimli bilgi ve sanatsal beceriler pekiştirilir, kalite açısından uygun ve biçim açısından mükemmel olarak tanımlanır.

Kişisel sanat tarzı. Sanatın üslup zenginliği ve bireysel özgünlüğü, modern zamanlardan bu yana başta Avrupalı ​​olmak üzere insanlığın manevi başarısı olarak tanımlanır. Oluşumu uzun bir süreçtir, kendini Rönesans'ta ilan eder. Ne de sanatın üslup zenginliğinin belirli tarihsel dönemlerde oluşumu bir dizi faktörden etkilenmedi. Özellikle, toplumun varlıklı çevrelerinin sanata olan ilgileri ve zevkleri, sanatsal yaratıcılığı belirli bir şekilde etkiledi.Öte yandan, bu belirleyici bir faktördü, toplumdaki rolü önemli ölçüde büyüyen yaratıcı bir kişi, farkına varmaya başlar. yeteneğinin önemi ve ardından kendi yaratıcı becerilerinin değeri. Zeki sanatçılar, sanatsal kanonların üstesinden gelir, yaratıcılığın içinde çok sayıda fikir ve sanatsal beceri temasıyla ortaya çıkar.

Bireysel bir sanatçının yaratıcı arayışı toplum tarafından tanınmakta ve teşvik edilmektedir.Sanatsal yaratıcılık konusu da genişlemektedir. Orta Çağ'da sanat esas olarak dini bir kültün ihtiyaçlarına hizmet ediyorsa, Rönesans'ta laik bir karakter kazanır. Kült ihtiyaçlar olarak kabul edilen eserlerde bile seküler motifler baskın hale gelir. Örneğin, seçkin İtalyan Giotto'nun (14. yüzyılın başı) fresk resminde, üç boyutlu uzay görüntüsü karakteristik hale gelir, bunun için plastik bir renk uyumunun varlığı. Çalışmaları, ortaçağ sanat kanonunu ve Bizans-İtalyan geleneğini yok ediyor. Çalışmalarında sanatsal görevler içsel bir değer kazanır. Bu tür bir uyumun canlı bir örneği, özellikle Padua döngüsü İsa'nın Ağıtıdır.

yaratıcılıkta seçkin sanatçılar Dini ve mitolojik temaların yeniden canlandırılması kültürel dönüşümün konusu haline gelir. Bu, ortaçağ kanonik resminin bireysel bir sanatsal stille (İtalyan ve ardından Alman, İspanyol sanatçılar, vb.) üstesinden gelinmesidir. XVI yüzyılın ikinci üçte itibaren. bireyin benzersiz manevi dünyası, portre sanatının gelişmesine yol açan ve geleneksel mitolojik ve dini konuların, özellikle onlara canlılık kazandırma konusunda "modernleşmesine" neden olan yaratıcı ilgi alanının baskın alanı haline gelir.

Estetik teoride, sanatsal yaratıcılığın bireyselleştirilmesi sorunu, Büyük Stillerin çöküşü ve bireysel sanatsal stil ve tarzların çeşitliliği nedeniyle 19. yüzyıldan beri alakalı hale geldi. Yaratıcılığın üslup zenginliğinin temellerini kavrayan araştırmacılar, şu kalıbı keşfederler: tasvir edilenin özü, sadece eserin içeriğini değil, aynı zamanda sanatsal oluşum yollarını da ortaya çıkarmalıdır. Yani, görüntülerin iç yaşamının mantığı, uygun formlara ve canlılık yöntemlerine uymalıdır. Bu fikir, ünlü Fransız sanatçı M.-K. Latour (XVIII yüzyıl). Sanatsal üslubun bireyselleşmesinin nesnel dayanaklarını öne sürerek şöyle yazar: "... Doğadaki nesnelerin farklı olması gibi, resimlerdeki üslup ve resim tekniklerinin de farklı olmasını nasıl isterim: Şairlerimizin de farklı olmasını isterim. tarzlarını karakterlere göre çeşitlendirin: yüce, heyecanlı ayet - Herkül için, görkemli - kahramanlar için, görkemli - büyük insanlar için, korkunç - hırsızlar için, yumuşak, pürüzsüz, hafif, nazik - adlandırılan kadın karakterlere göre ". Yani, M.-K. Latour, her sanatçının ve her sanatçının üslup tarzında bütün bir çeşitlilik programı ortaya koyar. sanat eseri. Görüntünün öznesinin dilini kullanmak modern sanatın bir gereğidir. Fenomenlerin nesnel niteliklerine olan ilgiden ve sanata, özellikle resim, doğa felsefesi ve doğa bilimlerine artan ilgiden kaynaklanmaktadır.

Hegel bu sorunun başka bir yönüne vurgu yapar: sanatın gerçek nesnelliğini dünyanın nesnelliğinde değil, sanatçının öznelliğinde görür, gerçeklik ile fenomenlerin canlılık yasalarının estetik ifşası arasında bir aracıdır. . Bu görüşler birbiriyle çelişmez. Hegel, sanatçının yaratıcı bireyselliğinin benzersizliğinin, dünya fenomenlerinin canlılığının evrensel yasalarını, sanatın mecazi dilinde somutlaştırılmalarının bireysel benzersizliğinde sonuçlandırma yeteneğinde tezahür ettiğini gösterdi.

Estetik programların sanatsal gösterim amacıyla sanatçılar tarafından gerekçelendirilmesi ve ardından üslup yaratmanın temelleri 19. yüzyılın ikinci yarısından itibaren güncellenmiştir. Bu dönemde, bir yandan sanat sanatının beyan edilen fikirleri, sanatsal gerçek, sanatsal biçimlerin ifadesi ve eserlerin içeriğinin derinliği ile diğer yandan gerçek sanatsal uygulama arasındaki tutarsızlık artar. Örneğin, Fransız ressam A. Derain, sanatsal programını sunarken bulmanın önemini vurgulamaktadır. sanatsal araçlar iç amaca uygun ürünler sunmak. Düşünceleri kulağa net bir şekilde geliyor: "Tek doğru üslup, kullanılan teknikleri unutturacak olandır, o kadar uygundur ki farkına bile varmazsınız... İyi bir üslup, dışavurumculuk tarafından özümsenen üsluptur." Yaratılış üslubunda olumsuz bir olgu olarak, "sıradanlığın özgünlük altında gizlenmesini" değerlendirir. Aynı zamanda A. Derain'in çalıştığı sanatsal akımların (noktacılık, fovizm, kübizm vb.) sürekli değişmesi, bireysel bir sanatsal üslup bulamadığını göstermektedir.

XX yüzyılın başında. sanatta başka bir eğilim kendini gösterir: üslubun reddi, görüntülerin duyusal verililiğinin reddi, yani sanatsal dilin figüratifliğinin reddi. Bu tür estetik ilkeler kübizm tarafından ilan edilir (kurucu Picasso, 1908). Ünlü Fransız heykeltıraş A. Maillol, kübizmin estetik duruşlarını ve üslup özelliklerini eleştirirken şöyle yazıyor: "Kübistler, şehvetten arınmış sanat için uğraştıklarını söylüyorlar... Ne saçmalık! Sanat, şehvetin ta kendisidir."

Sanatsal bireyselleşmenin türü, çağın doğası, estetik idealinin içeriği tarafından belirlenir. Diyelim ki, Orta Çağ günlerinde bireysel iyilik ilkesinin bir tür tezahürü. Reims Katedrali'nin heykellerini inceleyen M. Alpatov, bir yandan yüzlerinde belirgin bir deneyim derinliği ve incir'in bireysel benzersizliği olduğunu belirtiyor. Ancak, durumlarının tüm çeşitliliğine rağmen, tüm görüntüler "kişisel olmayan ifade" ile işaretlenmiştir. Derinlemesine bir ruh yaşamı onların kimliğini açığa çıkarmaz, onları gerçek dünyaya dahil etmez. Aksine, onları tüm katedrale nüfuz eden aşkın yöne çeker. Yani figürler arasındaki bağlantı doğrudan bir yaşam anlamı taşımaz, "doğrudan duyusal algıların sınırlarının ötesindedir.

Tarihin daha da gelişmesinde, bireyselleşme fenomeni, manevi deneyimin özneleştirilmesi biçimlerinde kendini gösterir. Bireyi genelin karşısına, insanlığın edindiği maneviyatı (ahlaki, estetik açıdan sanatsal) görmezden gelme noktasına kadar karşıtlaştırma eğilimindedir. Shakespeare'in karakterleri, tai ya da başka türlü yapılabilen birçok rastgele ilişki ve koşul arasındadır. Dolayısıyla dış koşullardan kaynaklanan çatışma, esas olarak kahramanın karakterine odaklanır. Tutkulu bireyler, hedeflerinin gerekçesini hesaba katmadan karakterlerine göre hareket ederler ve bu nedenle "onlar neyse odurlar".

Bu bağlamda nesnellik, sanatçının manevi fenomenlerin gelişiminin iç mantığından geçme ve onlara canlılık ifade eden formlar sağlama yeteneği anlamına gelir. Yani, sanatçı kendini öne çıkarmaz ve kendini görüntüde öne sürmez, ona fenomenin uygun, organik biçimlerini sağlayarak "kayıtsızlık konusunun dilinde" konuşur. Aynı zamanda, sanatçının bireyselliği kaybolmaz. Tam tersine, nesne, niteliklerine tam olarak ona, onun kayıtsız tutumuna kendini gösterir. Bu nedenle, sanatta, yansıma konusu açısından, bireyselleştirme, niteliklerinin konuşlandırılmasının görüntüsünün benzersizliğinde kendini gösterir. Sanatçı açısından - biçim sağlamada, konunun eşsiz canlılığını sanatçıya açıklandığı şekliyle en açık şekilde ifade eder. Bireysel stil ve bir bütün olarak sanat, eserin tüm unsurlarının sanatsal bütünün mantığına tabi kılınması ile karakterize edilir. Üslup, öğeleri birleştiren, bütüne bütünlüğünü sağlayan, üslup sisteminin bu tür ayrıntılarını kesin olarak gerekli kılan bir “belli yasa”dır. Bu nedenle üslubu "eserin içerik biçiminin tüm bileşenlerinin birlik ve bütünlüğünün cisimleşmesi" olarak tanımlamak doğru olur.

Dolayısıyla, ruhsal deneyimin bireyselleştirilmesi koşulları altında, mükemmellik yalnızca yaşamın dışavurumcu dışavurumları olarak değil, aynı zamanda bu görevin estetik yeteneğinin gerçekliği bütünsel, dışavurumcu bir canlılıkta "birleştirme" ve onu bütünsel, dışavurumcu bir canlılık içinde sunma becerisinin bir dışavurumu olarak da mümkündür. sanatsal bir bütünün sınırları - somut bir sanat eseri. Yeteneğin biçimlendirici gücü, aynı zamanda yaşamın bütünlüğünün ve sanatsal mükemmelliğinin kaynağıdır. Bu nedenle sanat, manevi bir gerçeklik haline gelir, ideale odaklanır ve mükemmellik imajının kaybolmasına izin vermeden halkın bilincini oluşturur. Her gerçekten harika sanatçı, yaratıcılığın stilistik bir özgünlüğü ile karakterize edilir. Üstelik, görüntünün öznesi "kendi dilini konuşmayı" gerektirdiğinde bile izlenebilir. Örneğin, belirgin bir üslup özgünlüğü, W. Shakespeare ve Cervantes'in eserlerini ayırt eder; I. Goethe ve F. Schiller; O. Balzac ve G. Flaubert; Dostoyevski ve L. Tolstoy; I. Franko ve Lesya Ukraynalı.

Sanatsal oluşumda bir bütünlük imajı yaratma sürecinin karmaşıklığı, modernizm sanatı, özellikle postmodernizm için tipik olan yaratıcılığın artan öznelciliğinde kendini gösterir. İkincisi, görüntünün deformasyonu, dilin sanatının kaybı ve ardından yaratıcılığın manevi özünün kaybı ile kendini gösterir. Doğal formların estetik ifadesinin yok edilmesi, insan ilişkilerinin maneviyatının kaybı, yalnızca sanatçının yaratıcı iktidarsızlığının bir tezahürü değildir. Bu, manevi ilkelerin kaybolduğu ve onların biçimsel tezahürlerinin hayatın tek gerçeği olarak ortaya çıktığı ilişkilerin gerçeğidir. Dünya, canlılığının renklerinin zenginliğini sanatçılar için yitirmiştir ve modern Zamanlar yalnızca, genellikle içsel mantıktan yoksun ve bir bütün olarak varoluş biçimleriyle ilgili olarak rastgele olan bir tür biçimsel yapı olarak. Sanatın küfür biçimindeki öznelcilik, modern insanlığın genel ruhsal krizinin bir tezahürüdür.

"Sanat" kavramı, sanat türleri. Sanatta üslup ve kanon.

"Sanat" kavramı

Sanat(lat. deney - deneyim, test) - insanlığın manevi kültürünün ayrılmaz bir parçası olan sosyal bilinç biçimlerinden biri, dünyanın belirli bir tür pratik-manevi gelişimi.

Sanat -

1) Gerçekliğin mecazi olarak kavranması.

2) Yaratıcının iç veya dış dünyasını sanatsal bir görüntüde ifade etme süreci veya sonucu.

3) Sanat eseri yaratmayı amaçlayan yaratıcı etkinlik.

4) Konunun bilgisi ile geliştirilen beceri, yetenek, el becerisi, el becerisi.

Bir çalışma nesnesi olarak sanat ve sanat tarihi.

Sanat tarihi - sanatın başlangıcından günümüze gelişimini inceleyen sanat çalışmaları.

Sanat tarihi, sanat ve sanatı inceleyen bir bilimler kompleksidir. bir bütün olarak toplumun kültürü, belirli sanat türleri ve bunların gerçeklikle ilişkileri, sanat eserlerinin biçim ve içeriğiyle ilgili soruların toplamı. Sanat tarihi şunları içerir: teori ve sanat tarihi ile sanat eleştirisi.

Bir sanat teorisi yaratmaya yönelik ilk girişimler eski zamanlarda, örneğin Platon ve Aristoteles tarafından yapıldı. Eski bilim adamlarının eserleri arasında sanat için pratik rehberler (Vitruvius) ve sanatsal anıtların tanımları (Pausanias, Philostratus) vardır. Yaşlı Pliny tarafından antik sanat üzerine kapsamlı bir inceleme yazılmıştır. Rönesans'ta bu yönde bir dizi eser ortaya çıktı. Giorgio Vasari'nin en ünlü tezleri ve "En ünlü ressamların, heykeltıraşların ve mimarların Biyografileri".

Bağımsız bir bilim dalı sağlayan sanat eserlerinin sistematik bir incelemesi nispeten yakın zamanda ortaya çıktı. Bu konudaki ilklerden biri I. Winkelman'ın "Antik Dünya Sanatı Tarihi" adlı eseriydi. Bu bilimin gelişimine değerli bir katkı, 18. yüzyılın Batı Avrupalı ​​aydınlatıcıları tarafından yapıldı. Denis Diderot, G.E. Lessing ve diğerleri.

XIX-XX yüzyıllarda. sanat tarihi geniş çapta gelişmiştir, bilimde bir dizi okul ve eğilim gelişmiştir. Sanat tarihi alanındaki temel araştırmalar Wilhelm Lübke, Anton Springer, Karl Wermann (Almanya), Eugene Viollet-le-Duc, Gaston Maspero (Fransa), Jacob Burckhardt (İsviçre) tarafından yapılmıştır.

Teorisyenler her zaman sanatta, belirli konsepte, işlevlere ve özelliklere bağlı olarak farklı olan bir fenomen görmüşlerdir.

Sanatın işlevleri: eğitici, estetik, rahatlama, eğitici, iletişimsel.

Kavramlar: sanat kuramı, sanat tarihi, sanat eleştirisi.

Sanat teorisi, "sanat bilimi" olarak adlandırılan bilimin dilidir.

Sanat tarihi - sanatın başlangıcından günümüze gelişimini inceleyen sanat çalışmaları.

Sanat eleştirisi, görsel sanatlarda ağırlıklı olarak çağdaş eserlerin, yeni fenomenlerin ve eğilimlerin yorumlanması ve değerlendirilmesidir.

Sanat türleri

Mekansal (resim, grafik, heykel, dekoratif sanatlar, mimari), zamansal (müzik, sözlü sanat) ve sentetik, uzamsal-zamansal (tiyatro, sinema, dans) sanatlar vardır.

Sanat sisteminin farklı sınıflandırma türleri, birliği ve farklılıkları.

Bu türlerin her biri, çeşitlerin veya cinslerin ayırt edilebildiği sanat "ailelerini" oluşturur. Mekânsal sanatlarda üç tür ayırt edilir: şövale (şövale resmi, şövale grafiği vb.), anıtsal (anıtsal heykel, duvar resmi vb.) ve uygulamalı (tipik kütle mimarisi, küçük plastik, minyatür resim, endüstriyel grafik,

afiş vb.). Bedenlendiği ve aracılığıyla iletildiği işaretler teorisi açısından sanatsal görüntüİzleyiciler ve dinleyiciler, sanatlar güzel (resim, grafik, heykel vb.), ifade edici (müzik, dans, mimari vb.) ve sözlü (edebiyat) ve karmadır (tiyatro, sinema vb.).

Sanat türleri ve türleri, ortak özelliklere, yani türlere dayanan çeşitli yapıt türlerini içerir. Tür seçimi ilkesi tematiktir: ev, maceracı, tarihi, aşk, savaş, natürmort, portre, manzara vb. Bölünmenin bir başka temeli de önde gelen estetik ve duygusal baskındır (trajedi, komedi, saçmalık, melodram, gazel, vb.), kompozisyon türü (sonnet, rondo, triptik vb.) veya eserin hacmi ve genel yapısı (roman, öykü, öykü, minyatür, destan vb.) Türler tarihsel olarak oluşur, gelişir, ölür. Farklı dönemlerde ve farklı sanatsal yönlerde, türler arasındaki sınırlar daha katıdır (örneğin klasisizmde), diğerlerinde daha az (romantizm) veya hatta koşulludur (gerçekçilik). Çağdaş sanatta, türü sanatsal yaratıcılığın (postmodernizm) istikrarlı bir biçimi olarak reddetme eğilimi vardır.

Sanatta stil ve kanon

Canon (Yunancadan çevrilmiş - kural, desen) - kompozisyon ve renk normları, oranlar sistemi, belirli bir görüntü türünün ikonografisi veya başka bir normatif örnek. Kanun, belirli bir çağda zorunlu olan bir dizi sanatsal teknik veya kural belirler. Normatif bir model olarak hizmet eden bir çalışmaya kanon denir.

Dini reçetelerle ilgili kanunlar, Eski Mısır ve Orta Çağ sanatına egemen oldu. Antik Çağ ve Rönesans'ın yaratıcı insanları, insan vücudunun ideal oranlarını bulmaya ve bir insan figürü oluşturmak için değişmeyen, matematiksel temelli kurallar türetmeye çalıştılar.

Sanatta stil kavramı

Stil, yaratıcının belirli bir zaman, yön veya bireysel stilinin sanatını karakterize eden bir dizi özelliktir.

Üslup, kültürel bütünlüğün türünü belirleyen, bir eser inşa etmek, dil birimlerini seçmek ve eşleştirmek için bir dizi manevi ilkedir.

Stil oluşum kalıpları

İşlevsel, yapıcı ve sanatsal yönlerin özelliklerinde ortaya çıkan belirli bir zaman ve mekanın karakteristik özellikleri mimari üslubu oluşturur. Mimari tarzların gelişimi iklimsel, teknik, dini ve kültürel faktörlere bağlıdır. Tarzlar her zaman tutarlı bir şekilde birbirinin yerini almaz, stillerin birbirine alternatif olarak aynı anda bir arada var olduğu bilinmektedir (örneğin, barok ve klasisizm, modernite ve eklektizm, işlevselcilik, konstrüktivizm ve art deco).

Sanat tarihinin temel kavramları.

Sanat- bir kişinin duygularını ince bir şekilde ifade etme yeteneğine dayanan özel bir faaliyet. Görüntüler.

Sanatın işlevleri: eğitici, estetik, rahatlama, eğitici, iletişimsel.

Tablo- görüntü türü. çeşitli yeniden üretebilen sanat. renk ve kompozisyon yoluyla yaşam fenomenleri.

Grafik Sanatları- genellikle temsil edilen düzlemdeki görüntüyle ilişkili iso'nun görünümü. tek renkli görüntüler, şu anlama gelir: nokta, çizgi

Oymak- çok sayıda baskı elde etme yeteneği ile ayırt edilen bir tür grafik, jav. Kopya değil, orijinal. gravür türü: dışbükey (yüksek, ahşap üzerine gravür), derin veya girintili (metal üzerine), düz gravür (taş üzerine litografi).

Heykel- Eserleri fiziksel olarak maddi konu hacmine sahip, 3 boyutlu bir forma sahip, gerçek uzaya yerleştirilmiş bir sanat türü.

Sınıflandırma uzayda gelişme için: yuvarlak (farklı açılardan algılanan), kabartma (düzlemde 3 boyutlu görüntü).

Yüksek kabartma – yüksek kabartma, arka plan düzleminin üzerinde gerçek hacminin yarısından fazlası kadar çıkıntı yapar. kısma– alçak kabartma, resim. düzlemin üzerinde gerçek boyutunun yarısından daha fazla çıkıntı yapmaz. karşı yardım- görüntünün bir kesik kontur kullanılarak verildiği derinlemesine kabartma.

Heykel: anıtsal (bağımsız anıtlar), anıtsal ve dekoratif (binaların dekorasyonu), şövale heykeli (müzenin iç kısmında), küçük plastik (biblolar).

Mimarlık, binalar, diğer yapılar veya tüm kompleksler dahil olmak üzere bir tür mekansal görsel sanattır.

Aralık - Prik. I. - sanat yapılır. Aynı zamanda faydacı bir işlevi olan ev eşyalarına sahiptir. estetik nitelikler.

Sanatların uzamsal-zamansal ilişkilere göre sınıflandırılması.

mekansal(görme) - eserleri var olan sanatlar. uzayda, ama zamanda değil. Statik sanat (İso, heykel, mimari, resim, grafik).

Geçici(işitme) - eylemi zamanla gelişen sanatlar. dinamik sanat. (lit-ra, müzik)

mekansal-zamansal(görme ve işitme) - eserleri bir sentez olan sentetik sanatlar farklı şekiller sanat, isim. uzayda ve sahip. süre zamanında. (Sinema, tiyatro, sirk)

Tür- ortak bir konu ve konu yelpazesi ile birleştirilmiş bir dizi eser, yazarın bir nesneye, kişiye veya fenomene karşı tutumu.

stil - bu sanat kategorisidir. Stil tek bir sistemdir sanatsal teknikler farklı sanat türlerini ayırt eder. Sanat tarihinde "stil" kelimesi, sanatın gelişiminde bu sistemin var olduğu belirli dönemleri ifade eder. En açık şekilde, üslubun özellikleri mimaride kendini gösterir ve oradan resim, heykel, edebiyat ve müziğe nüfuz eder. Dünya sanatının tüm tarihi, sanatsal tarzların tarihi olarak görülebilir.

Mimari stili tanımlayın.

Mimari stil, belirli bir dönemin sanatında uzun süredir var olan istikrarlı bir mimari biçimidir.

Bilinen mimari tarzları listeler.

Mısır tarzı, antik çağ, Romanesk tarzı, Gotik, Rönesans (Rönesans), Barok, Rokoko, Klasisizm, Art Nouveau, Akılcılık, Rus ahşap mimarisi, tapınak mimarisi.

stil nedir?

stilizasyon- bir dizi geleneksel teknik kullanarak tasvir edilen nesnelerin (şekiller, nesneler) dekoratif genelleştirilmesi.

Dekoratif kompozisyonu tanımlayın.

Dekoratif kompozisyon - stilize, soyut öğelerden oluşan bir kompozisyondur. Herhangi bir dekoratif kompozisyonun ortak özellikleri, formların basitliği, genelleştirilmesi ve sembolizmi, geometrisi, renkliliği, duygusallığı vb.

Dekoratif bir natürmort nedir?

Dekoratif natürmort- bu, görüntünün tüm unsurlarını düzenlemenin önemli olduğu stilize bir natürmorttur. üniforma tarzı. Dekoratif bir natürmorttaki stilizasyon, nesneleri sembollere ve silüetlere basitleştirebilir veya formları karmaşıklaştırabilir ve dekoratif detaylarla doyurabilir.

Bildiğiniz dekoratif kompozisyon kurallarını ve yasalarını listeleyin.

İle kompozisyon teknikleri atfedilebilir: ritim, simetri ve asimetri aktarımı, kompozisyonun bölümlerinin dengesi ve arsa-kompozisyon merkezinin tahsisi.

"Mimari natürmort" tanımlayın.

Bir mimari natürmort, bir tür dekoratif natürmorttur. Stilizasyon ve dekoratif yaklaşımı mimari detaylar, hacimler, malzemeler ve formlarla birleştirir. Mimari natürmortta nesneler, formları ve içerikleri mimari üsluba yaklaştırılarak stilize edilir.

Mimari Ölçek teorik kısım 2. sınıf 2. dönem

Geometrik modüler ızgara nedir?

Geometrik Modüler Izgara- düz ve çapraz kareler sistemi. Modüler ızgara, orantılı ilişkilerini dikkate alarak karmaşık nesnelerin yapımını kolaylaştırır ve basitleştirir. Cephe kompozisyonunda mimari yapıların yapımında ve tasarımında, süs eşyalarının, kaldırım levhalarının, çitlerin yapımında kullanılır.

Mimarlıkta modül nedir?

Modül, bir kompozisyondaki yinelenen bir öğedir. Özdeş, çoğalan veya azalan karelerin - modüllerin - birleşmesi ve tekrarı nedeniyle mimari kompozisyonda uyum yaratılır. Modül için temel gereksinimler: basitlik, bütünlük, ifade, işin farklı versiyonlarını birleştirme yeteneği.

Hacim-uzay kompozisyonunu açıklayın.

Hacimsel-uzaysal kompozisyon- izleyici tarafından algısının bütünlüğü ve bütünlüğü için tasarlanmış, uzayda bulunan formların bir bileşimi. Hacimsel kompozisyonlar, üç boyutlu (uzunluk, genişlik ve yükseklik) sanat eserlerini içerir.

Üç boyutlu kompozisyon türlerini listeler ve tanımlar.

ön kompozisyon- tüm unsurları izleyiciye göre esas olarak iki yönde bulunan bir kompozisyon: genişlik ve yükseklik. hacimsel kompozisyon- unsurları her üç yönde de geliştirilmiş, tüm bakış açılarından algı için tasarlanmış bir kompozisyon. Derin Uzay Kompozisyonu- ana özellikleri, genişlik ve derinlikte genişletilmiş, derin yönün baskınlığı olan boşluk varlığı olan kompozisyon.

Düzen nedir?

Düzen- azaltılmış bir ölçekte yapılmış, yansıtılan veya mevcut bir nesnenin, yapının, iç mekanın üç boyutlu bir görüntüsü.

Kağıtla çalışmak için bilinen teknikleri sıralayın.

1. kağıt katlama

3. kesi - çentikler

4. bükülme ve...

6. uçtan uca yapıştırma (kenarda).

7. kağıdın kenarlarındaki klapa yardımı ile bir formun diğerine yapıştırılması

Makas ve sahte bıçakla çalışmak için temel güvenlik kurallarını adlandırın.

Dikiş ve kesme aletleri: bir breadboard bıçağı, pergeller, keskin uçlu makaslar koruyucu kutularda, kasalarda veya kasalarda saklanmalıdır. Gereksiz yere alet alamaz, sallayamazsın, ki bu başkaları için tehlikedir. Bir breadboard bıçağı ve makasla çalışmak için masaların yüzeyini kesiklerden korumanız gerekir.

Bir düzen oluşturmak için hangi malzemeler ve araçlar kullanılabilir?

Paftalar için ana malzemeler, kullanımı kolay Whatman kağıdı ve ince kartondur.Paylaşımlar için hem renkli hem de beyaz yüzeyler kullanılabilir.Kağıt ve karton ile çalışmak için aşağıdaki araçlar gereklidir: iyi bilenmiş maket bıçağı veya kesici, geri çekilebilir bıçaklı, düz uçlu makas, yapıştırıcı (PVA tutkalı, kağıt ve kartonu yapıştırmak için en uygunudur, çünkü beyazdır ve tabaka üzerinde iz bırakmaz), kontrplaktan, plastikten veya suntadan yapılmış özel bir tahta , tercihen metal cetveller, çünkü bir breadboard bıçağı, renkli kağıt tarafından bozulmazlar.

Teorik kısımda mimari kontrol çalışması 3. Sınıf 2. dönem

Grafik tasarım nedir?

Grafik dizayn- Şehirdeki reklam panolarında ve cephelerde kitap, reklam ve bilgilendirme broşürü, kitapçık, afiş, ambalaj, etiket, ticari marka, marka isimleri, font setleri, reklam ürünleri tasarlama sanatını kapsayan tasarım faaliyeti alanı.

Grafik tasarım hangi alanlarda uygulanmaktadır?

Grafik tasarım alanı - bunlar endüstriyel grafikler, tasarım, görsel ve tip çalışmaları, ürünlerin grafik reklamları, kurumun grafik stilinin hazırlanması vb. Grafik tasarımda kitap tasarımı ayrı ayrı seçilmelidir. Bu, kitabın tasarımının ve yapısının karmaşık bir gelişimidir.

"Logo" terimini tanımlayın.

Logo- bir kelimeyle ifade edilen bir ticari marka (bazen bir resimle birlikte). logosu bir sembole maksimum ve evrensel olarak basitleştirilmiş bir grafik görüntü. Bu, endüstriyel ve ticari işletmeler tarafından ürünü ve üreticisini belirtmek için bir ürüne (veya ambalaja) yerleştirilen bir tanımlamadır.

Ticari marka nedir?

Marka- Teşebbüsün mal veya hizmetlerinin tanınması ve ayrıca reklamları için gerekli olan ve alıcının zihninde ürünü veya şirketi tanımlamak için tasarlanmış, tescilli, orijinal olarak tasarlanmış bir tanım.

Bir logonun kompozisyon gelişiminin özellikleri nelerdir?

Bir marka tasarımında tasarımcının, organizasyonun ürettiği ürün veya hizmetin özelliklerinden birini seçmesi ve algıda gerekli çağrışımı oluşturmak için bu özelliği grafiksel olarak dövmesi gerekir. Bir ticari markanın karşılaması gereken gereksinimler: profesyonellik, akılda kalıcılık, özgünlük, çağrışımcılık, boyut değiştirirken çok yönlülük, renk çözümünün çok yönlülüğü.

Logo yapısının bileşenleri nelerdir?

1) Kurumsal yazı tipi, kelime işareti- özel olarak tasarlanmış bir yazı tipinde veya bu belirli müşteri şirketi için mevcut bir yazı tipini uyarlayarak yapılmış bir kelime işareti, şirket adı.

2) Marka adı, grafik sembolü- benzersizlik, tanınabilirlik, çekicilik ve akılda kalıcılık elde etmek için belirli bir müşteri şirketi için özel olarak seçilmiş ve tasarlanmış bir sembol.

3) İmza bloğu, kombinasyon- bir dizi kurumsal yazı tipi ve marka adı.

stil nedir?

stil -çeşitli sanat türlerini ayırt eden birleşik bir sanatsal teknikler sistemidir. Bu, ideolojik içeriğin birliği ile birleştirilen sanatsal ifade araçları, yaratıcı teknikler sistemidir.

Kurumsal kimlik nedir?

Form stili - bu, tüm reklam geliştirmelerinde ve araçlarında sanatsal ve metinsel unsurların birliğidir: şirketin mal veya hizmetlerini tanımlamak için bir dizi renk, grafik ve sözlü özellik. Ana stil oluşturan unsurlar bir ticari marka, şirket yazısı (logo), ürün gruplarının veya hizmetlerin sembolleri, yazı tipi, kurumsal renk veya renk yelpazesi, basılı materyaller için modüler bir düzen sistemidir.

STİL güzel Sanatlar(Yunanca kalemlerden Latin kalemi -
harfler) - yaratıcı tarzı ayırt eden morfolojik özelliklerin birliği
bireysel usta, ulusal veya etnik sanatsal gelenek,
çağın sanatı, uygarlık vb. Tarihsel ve kültürel bir fenomen olarak stil.
Sanat ve sanatsal uygulama hakkında fikirler, bunlardan
üslubun ayrıntılı tanımlarının ve teorilerinin çoğu geçmişte kaldı.
Modern sanat alanının sınırlarının bulanıklaşması, temel
konsept değişiklikleri görsel aktivite, ortaya çıktığına dair hipotezler ve
evrimiyle ilgili veriler, önceki stil tanımlarını geçersiz kılıyor,
geride bıraktıklarından dolayı klasik sanat tarihine dayanmaktadır.
parantez içinde ilkel ve modern sanat.

Erken sanat formları verir
orijinal yapının bozulmamış, nesnel ve doğru temsili
görsel sürecin temelleri: en önemli parametresi stildir,
sanatı sanat yapanın üslup olduğunu, sanatsal imgeyi sanattan ayıran
ayna yansıması.

Günümüzde sanatla ilgili klasik fikirleri korumak için,
ilkel ile birlikte 20. yüzyılın ikinci yarısının sanatını bir kenara bırakın,
Kökenleri Malevich'in Kara Karesidir. Bu tür meşrulaştırma
fenomen, klasik resim sisteminin çöküşünü ortaya koymaktadır. Tarihte
sanat, yaratıcı kişilik kültüne ulaşan en yüksek noktayı işaretler,
Romanesk ve Gotik katedrallerin inşaatçılarının varlığından şüphelenmediği.

15. yüzyıla kadar Avrupa dillerinde "kelime sanatı" (Latince ars) anlamına gelir
teknik nitelikteki faaliyetler - bir tür el emeği. koyma zorunluluğu
mimardan gelen resim ve heykel eserlerinde yazarın imzası
ve heykeltıraş A. Filaret (1400–1469), yaratıcı bir kişiliği ön plana çıkarıyor.

Gelişen bilim ve ticaret dünyasında, şeylerin en önemli göstergelerinden biri
onun meta değeri olur. Ünlü ustanın işi harika
maddi değeri, gerçekliği imza ve şahıs tarafından onaylanır.
sanatçının tarzı. Bu pratik nokta aynı zamanda
ile eş zamanlı olarak somutlaşan "stil" kavramının anlamlarının geliştirilmesi
Aydınlanmanın diğer kavramları.

Tarz, barok, rokoko'nun stilistik normları artık çok sıkı bir şekilde birbirine bağlı değil.
dini reçeteler. Barok ve Rokoko genellikle ikincisi olarak konuşulur.
Avrupa sanatının stilleri. “Barok ve rokokonun geç dönem biçimleriyle birlikte
sahneler insanlık tarihi Batı Avrupa sanatının son üslubunun soyundan geldi"
(Gadamer H.-G. Güzelin alaka düzeyi. M., 1991. S. 269). Diğer taraftan,
"sanatta stil" kavramı, bazı ilk "önemli" fikirlere dayanmaktadır.
stiller. “İlk önemli stiller eski uygarlıklarda şekilleniyor (Mısır,
Babylon)…” (Sanatta Stil. Estetik. M., 1989. S. 333).

Ancak sanat tarihi, "ilk"in kronolojik çerçevesiyle sınırlı olmadığı için
ve "son" stiller ve "önemli" sıfatı anlamsız, benzer
stil tanımları yetersiz kabul edilmelidir.

Tarzın evrensel bir özellik olmadığı fikri morfolojinin bir yönüdür, ancak
bazı saygınlık yansıtılır ünlü eser J. Huizinga. "Gurur duymak
muhteşem Batı'nın tarihi, bir üslup değişimi olarak karşımıza çıkıyor; bu,
okul terminolojisine göre, Romanesk, Gotik, Rönesans, Barok -
bütün bunlar öncelikle plastik ifadenin belirli bir biçiminin adıdır.
sanat yetenekleri. Ancak kelimeler bu kavramların tam anlamını ifade etmez: biz
Onlarla aynı zamanda aktiviteyi, düşünceleri, genel olarak tüm yapıyı kastetmek istiyoruz.
çağ verileri. Bu nedenle, her yaş veya dönemin kendi
estetik işaret, anlamlı adı. 18. yüzyıl bize
ikincisi tarafından kişinin kendi varlığının hala homojen ve uyumlu bir düzenlemesi olarak görülür.
herhangi bir alanda bütünsel stil; bu alanların tüm zenginliği ve çeşitliliği ile,
hayatın tek bir ifadesidir ”(Husinga J. Homo Ludens. Yarının gölgesinde.
M.: İlerleme, 1992. S. 346, 347).

ile Stil Fikri büyük harf, fikrine dönüştü
üslup, var olan mimarlık ve sanatların sentezini ifade eder.
ve hala var - kutsal bir karaktere sahip olan gücün yarattığı yer
merkezileştirilmiş devlet yapıları zaman ve yer ne olursa olsun: olmak
sonra Eski Mısır, Azteklerin devleti, faşist Almanya veya sosyalist
Kore. Antik Dünyanın İlkelliğinden ve Büyük Uygarlıklarından Aydınlanma Çağına
sanat ve mimari mitolojik, dini, ideolojik
temsil. Mit, din, mutlakiyetçiliğin açıkça hiyerarşik uzamında,
totaliterlik, güzel sanatlar ilgili kanunlara tabidir,
estetik normatiftir.

"Stil" kavramına farklı aşamalarda yüklenen çeşitli anlamlar,
bu fenomenin çeşitli gerçek yönleri, her aşamada karşılık geldi
mevcut sanat kavramı, yaratıcılık, yaratıcı kişilik ve tabii ki,
içeriğini bugün tüketmeyin.

Grafik, heykelsi, resimsel imgeler, semboller, işaretler üretimi -
belirli bir insan faaliyeti türü. Üst Paleolitik görüntüden
yayın sağlayan evrensel bir iletişim aracı olmaya devam etmektedir.
bireyler, etnik gruplar, nesiller arasındaki kültürel kodlar. Morfolojik
özellikler - görüntünün stili başlangıçta önemli parametreleri arasındadır.

Kültürün birleştirici başlangıcı, toplum - mit, kendi tarzının alanında yaşar.
Bir mitin bir proje olduğu anlamında, bütünsel stiller bir fikir verir.
paradigması, yerel olanlar ise kendi özel özelliklerinin özellikleri hakkında bilgi sağlar.
modeller.

"Bütünsel stil" kavramı, açıkça sözlü olarak ifade edilen yapısal
belli bir çağın, uygarlığın, toplumun sanatında ortak olan işaretler.
Bütünsel stil (örneğin, Mezolitik veya Gotik),
izole coğrafik temsil eden yerel stillerin varlığı,
etnik, ulusal, tarihi ve kültürel vb. genel olarak gelenekler
integral tarzın alanı.

Bir hayvan ve bir kadın görüntülerinde belirli özellikleri vurgulayan paleolitik tarz,
şehvetin bir yansıması gibi görünüyor; Neolitik sanat, etkileyici formlar
geleneksel Afrika, Okyanus ritüel heykelleri korku ve
açıklığın ötesinde başlayan dış dünyanın zalim ruhlarına itaat,
köyü çevreleyen ormandan ayırıyor. Asur sanat tarzı, sahneler
savaş ve kraliyet avcılığı - her şeyi yok eden gücün bir ifadesi - gücün zorunluluğu. Bağ
Klasik sanat tarihinin tarzlarıyla mit daha dolaylıdır, ancak
Yunan-Roma sanatının natüralizmini idealize ederek, onları tanrılara vermek
insan formu ve Orta Çağ'ın tüm stilleri okunabilir
ilgili etik ve estetik normların bir yansıması olarak - bunun bir yansıması olarak
konsolide zorunluluk maneviyat kültürler, toplumlar yaratan
ve medeniyet. Mit, belirli bir kültürün anlamının odak noktasıdır. Hikaye
mevcut mitlerin her birinin kendi dönemi olduğunu gösterir.
ürünleri sonunda yeni mitlerin bir parçası haline gelen çürüme.

Tüm tarihöncesi ve tarihsel olaylarda istikrarı koruyan mitin enerjisi
toplumlar, kaynağı olarak sanatsal bir imaja sahipti. Bu görüntü ilk kez
görüntüde nesnelleştirildi - çizim, resim, heykel.

25-30 bin yıldan fazla - Paleolitik'ten günümüze (geleneksel
Afrika sanatı, Avustralya, Okyanusya, Amerika) - kaya resimleri,
heykel şu ya da bu şekilde aynı konuları yeniden üretir: hayvan ve
kişi.

Tarih öncesi (ilkellik) - meydana gelen devasa değişikliklerin çağı
önce yavaş, sonra artan ivme ile. Bu değişiklikler (örn.
tüketen ekonomiden üreten ekonomiye geçiş) aynı şeyi yansıtır.
çeşitli hayvan ve insan resimleri.

Stil ve hikaye. Görsel aktivitenin tüm seviyeleri kapsadığı günümüzde
birincil seviyeye kadar geniş kullanımözel bir grafiti türü aldı - etiketi.
Duvarları resimlerle kaplama geleneği 1970'lerde New York'ta ortaya çıktı.
genellikle suç toplulukları halinde örgütlenen kentsel alt sınıflardan gençler.
Belirli bir amblem, çizim veya özel stilize imza
etiketleyicinin otoritesini iddia et - onun varlığı, grubunun buna hakkı
bölge.

Bir zamanlar verimli olan Sahra'da, Mezolitik avcılar yeni topraklar keşfediyor,
varlıklarını totemik hayvanın imgesi ile ileri sürdüler.
kutsal bir kayaya oyulmuş - genellikle komşulara ait olan bir diğerinin üzerine.

Sahra'da, en eski petroglifler, büyük vahşi hayvanların derinden oyulmuş figürleridir.
hayvanlar: bufalolar, filler, su aygırları, gergedanlar, zürafalar (daha az sıklıkla - devekuşları, vahşi
eşekler, timsahlar). Bazen bu tür görüntüler, örneğin antik bufalo,
birkaç metreye ulaşır: dikkatli teknikte sonrakilerden farklıdırlar
yürütme, oranların ve detayların doğruluğu. Bu tür petroglifler, dağınık
Sahra Atlası'ndan (Xur dağları) Libya çölüne (Fezzan) kadar geniş bir bölgede,
üslup olarak, bir ustanın eserleri gibi görünebilirler.
Birden fazla kişi tarafından yaratılan anıtların bu tarz üslup tekdüzeliği
binyıl ve binlerce kilometre arayla
mağara resminde ve heykelde benzer bir fenomen olmasaydı çıkmaz sokak
Avrupa Paleolitik.

Sahra'nın ilk av döneminin petrogliflerinin ayrılmaz tarzı
kelimenin tam anlamıyla en eski Avrupa Paleolitik siluetinin şemasını yeniden üretir
Görüntüler.

Bir sonraki zaman, daha gelişmiş petroglif tarzı daha
detay, teknik mükemmellik ve ayrıca - ki bu önemli - ilk kez
bazı detayların yorumlanmasında morfolojik farklılıkları ortaya koymaktadır. Bunlar
üslup özellikleri bu durumda belirli grafiklerle ilişkilendirilir.

Avrupa'nın ilk aşaması için paleolitik sanat tıpkı tipik
genelleştirilmiş, koşullu formlar. Rakamlar tek, statik, ayrıntılı değil.
Karakteristik, kompozisyonların olmamasıdır - rakamlar arasında okunabilir bir bağlantı. Daha sonra (Madeleine)
ayrıntılar çizilir, hareketi aktarma eğilimi ana hatlarıyla belirtilir. hakim
tek hayvan figürleri, ancak şimdi hareket halinde tasvir ediliyorlar. otlama
geyik, zıplayan inekler, tırıslı veya dört nala koşan atlar anatomide doğrudur,
oranların transferi; vurgu, şeklin bir veya başka bir bölümünde değil,
parçaların oranı - etkileşimlerinde. Giderek daha sık - özellikle
mobil sanat - eşleştirilmiş kompozisyonlar haline geliyor.

İlkel görüntünün morfolojisi, üzerinde yaratılan anıtların ortak özelliğidir.
resim, çizim ve heykelde sekiz bin yıldan fazla - bir ortalama verir,
ancak özgünlüğün nasıl, hangi unsurlardan oluştuğunun nesnel göstergeleri
stil.

27. yüzyıldan 19. binyıla, Pirenelerden Urallara kadar olan dönemde kadınların
figürinler. figürinler var ortak özellikler: statik ön kompozisyon,
genelleştirilmiş formlar, şeklin hipertrofik orta kısmı (göğüs, kalça, karın,
kalçalar), midede veya göğüste katlanmış kümülatif olarak yorumlanmış uzuvlar
ayaksız eller, eksik yüz özellikleri. Bu nitelikler
istisnasız tüm figürinlere uzanan, orta derecede ifade edilebilir
(Kostenki) veya grotesk'e (Willendorf) getirildi.

Tarzın özelliği, neredeyse natüralist modellemenin alışılmadık bir kombinasyonudur.
figürün bireysel hipertrofik parçaları ve diğerlerinin son derece genelleştirilmiş bir yorumu.
Kadın figürinlerinde ve erken dönem görüntülerinde bacaklar, özellikle alt kısımları
hayvanlar, kural olarak, son derece basitleştirilmiş koni biçimli bir forma indirgenir. saat
Bu durumda, her iki durumda da figürler bir tür büyük kap olarak tasvir edilmiştir. AT
odak göbek üzerindedir. Baş ve uzuvlar bir şey olarak algılanır
ikincil - azaltılmış ve kötü modellenmişler. Bu şunu gösteriyor
görüntülerin semantiği arsa tarafından çok fazla ortaya çıkmaz (bir kadın ve bir hayvanın görüntüleri
tüm sanat tarihi boyunca geçer), ne kadar stil, hangisi,
betimlenenin yapısı ile görüntünün işlevi, biçimler ve
kavramı formüle eder (yapıyı tanımlayan olay örgüsü, sadece onu adlandırır). Burada
üslubun dönüşümünün konseptte bir değişiklik anlamına geldiğinin teyidi.

Herhangi bir figüratif görüntünün prototipi doğal bir
form, doğru - natüralist - üremesi nötrdür
stilistik bakış açısı. Bu nedenle üslup analizi, miktarın belirlenmesidir ve
deformasyon kalitesi. Deformasyon miktarının belirlenmesi (koşulluluk derecesi)
karşılaştırma içerir resimli formlar başlangıç, tanım ile
stillerin belirli özellikleri (deformasyon kalitesi) - birbirleriyle karşılaştırma
Bir arkadaşıyla.

Sanat tarihinde, taklitçi natüralist formlar (somut detaylar,
belirli özelliklerin gösterilmesi), kural olarak, ilk aşama ile ilişkilendirilir
yeni konuların ortaya çıkmasıyla sanatsal gelenek. ok stili
sanat tarihinin ilkel döngüsünün evrimi natüralistten (mimetik) yönlendirilir.
görüntülerden (paleolitik) geleneksele (neolitik ve geleneksel sanat).
İlkel imge miti büyük bir atalete ve evrimsel güce sahiptir:
formun derinleştirilmesi, açılması, detaylandırılması, somutlaştırılması ve
son olarak, kişiselleştirmeler neredeyse 30 bin yıla yayılıyor. Belirli aşamalarda,
Paleolitik, Mezolitik, Neolitik, kabile içinde
kültür, mevcut potansiyel kısmen gerçekleşir. tekrar tekrar gelir
görüntünün aynen düzeltilmesinin sona erdiği an, süreç başlar
stilizasyon, formun bir tür katlanması, aşınması var. Daha sonra yeni
düzeyde, mimetik görüntüye geri dönülür ve süreç tekrarlanır (örn.
makrotarihsel terimlerle, üslup evrimi sinüzoidal bir karaktere sahiptir).
Aynı zamanda, şematizme geçişin yavaş olduğu fark edilebilir, o zaman
natüralizme geçişin nasıl bir mutasyon karakterine sahip olduğu görülüyor.

Neredeyse 10 bin yıldır Sahra'da var olan kaya sanatı
dönemsel olarak natüralizmden şematizme evrimleşmiştir. Oran
bir türden bir hayvanın natüralist ve şematik temsilleri (boğa,
deve, at) geleneğin gelişmesinin bir süreç olduğunu gösterir.
görsel araçların en aza indirilmesi, sayısında bir azalma olarak temsil edilebilir
görüntü kuantumu; (buna göre, artışları bir eğilim anlamına gelir
natüralizm).

Stilin belirli bir göstergesi - deformasyon kalitesi - stilizasyonun doğası,
kaya sanatının şematizasyonu, buna verilen tercihle belirlenir.
veya başka bir stilizasyon türü (geometrikleştirme): eğrisel (bükülme) veya
doğrusal (bükülme). Stilin morfolojik özellikleri, az ya da çok ifade edilir
Sanatsal geleneğin ilk aşamalarında daha az yumuşak olan,
son aşama. Bu, karşılık gelen kaya dönemleri ile gösterilir.
Sanat.

Paleolitik dönemden Orta Çağ'ın sonuna ve Rönesans'ın başlangıcına kadar resimli
gelenek, ritüelle aynı kuralları izler, süreci organize eder.
tekrar, ritim, düzenlilik, sürekliliğin sağlanması,
düzen, istikrar.

Stil ve etnik köken. Üslup karışımının bölünmeye yatkın olduğu ölçüde,
ilkel sanatta üslubun bir sahnenin ürünü olduğunu görmek, toplumsal,
etnik faktörler ve en az ölçüde bireysel. Analiz ayırt eder
morfolojik özellikler temsil eden çeşitli seviyeler planda olduğu gibi
artzamanlılık (stadial özellikler) ve eşzamanlılık açısından (yerel özellikler).

Paleolitik heykel ile karşılaştırma, geleneksel plastiğin (Afrika,
Okyanusya, vb.), önemli bir farkla, ilkel özelliklerini korur.
kültür (anıtsallık, kompozisyonun simetrisi, hiyerarşiklik, vb.).
Geleneksel heykeltıraşlık komplekslerinin birbirleriyle ve hepsiyle karşılaştırılması
birlikte - Paleolitik heykel ile morfolojik göstergeleri tanımlamak mümkündür
ilkel döngünün son aşaması, yani. ayıran yapısal özellikler
gerçek geleneksel heykel. (Çoğu ortak özellik geleneksel stiller -
geometrileştirme, Paleolitik heykel - abartılı natüralizm.)

Tabii ki, listelenen aşamaya göre belirlenmiş morfolojik
göstergeler genel olarak bir dereceye kadar kendini gösterir (bölgesel kabile
tarzı) ve tekil olarak: örneğin Dogon'un belirli bir heykelcik. Düşünen
aynı heykelcik eşzamanlı terimlerle, kendi tarzında, özellikleri tespit edilebilir.
Afrika sanatını genel olarak diğerlerinin geleneksel sanatından ayırt etmek
Okyanusya gibi alanlar (kitlesel olarak, Afrika heykeli formlara yönelir)
monolitik, okyanusal - kesirli, vb.). Aynı heykelcik
Batı Sudan'ın stillerini ayıran özellikler (düzlük, kuruluk, "kübizm")
Gine kıyılarının ve Afrika'nın diğer bölgelerinin stillerinden. Özellikle
temsili olarak, böyle bir heykelcik etnik tarzın özelliklerini temsil eder. Nihayet,
diğer Dogon heykelcikleriyle karşılaştırıldığında,
bu ustanın el yazısını ayırt eder - tek bir (bireysel alt stil).

Verilen örneklerde deformasyon miktarı evrensel bir yönü temsil etmektedir.
stil - artzamanlılıkla ilişkili, bir aşama faktörü; deformasyon kalitesi
eşzamanlılıkla, etnik (bölgesel) faktörlerle ve - küçük ölçüde
ölçü - bireysel. Yani stil kesişme noktasında oluşur.
sahne, etnik, bireysel.

Karşılaştırmalı üslup analizi - çeşitli etnik tarzların karşılaştırılması
- içlerinde bir dizi benzer unsur bulur. Belirli bir bölgenin heykelini gruplama
üslup ortaklığı temelinde, çoğu durumda görülebilir
üslup bölgeleri benzerlik oluşturur spektral çizgileröyle çevreleyen
belirli bir bölgenin karakteristik özelliklerinin olduğu "nükleer stil" olarak adlandırılır.
en belirgin. Bu tür bölgeler sırasıyla aşağıdakilere göre birleştirilebilir:
üslup özellikleri. Geleneksel sanatın bu yönü şu şekilde tanımlanır:
senkron üslup evrimi, sanatsal sürecin
Sanatsal kültür, bireysel etnik grupların hücreleriyle sınırlı değildir.
sadece yerel stiller düzeyinde değil, aynı zamanda bir sistem olarak işlev görür.
bütünlük belirli bir kültürel ve tarihi topluluğa bağlıdır.

Tüm özgünlükleriyle, bireysel stiller bir kompleksin unsurları olarak hareket eder.
birlik. Morfolojik terimlerle, karşılıklı bağımlılıkları şu şekilde ortaya çıkar:
Her bir kabile stilinin belirli yönlerinin analizi. en yakın
incelemede, stillerin belirli özelliklerinin, bazen
paradoksal olarak - tersine çevirme yolunda, iki komşuyu birbirine bağlarlar
sanatsal kültürler. Böylece geleneksel tarzların sistem bağlantıları
hem karşılıklı etki hem de karşılıklı itme şeklinde ifade edilir.

Temelde ve içinde ortak bir alt tabaka vardır.
ayrı sanat merkezleri Her birinin özel bir stili var
devamlı. Geleneksel sanatın bir analizi, sayının
deformasyon veya koşulluluk derecesi, belirli bir bağımlılık içindedir.
sahne seviyesi, belirli bir sanatsal geleneğin gelişim aşaması. Kalite
deformasyon veya stilizasyonun doğası - birine veya diğerine verilen tercih
genelleme yöntemi - yerel özellikler yaratır. Böylece, nicel
deformasyon zamanın bir fonksiyonu olarak hareket eder ve nitel deformasyon etnosun bir fonksiyonu olarak hareket eder.
belirli bir boşluk duygusu).

Ortak bütünsel özelliklerin varlığında yerel stiller birbirinden farklıdır.
arkadaş aynı alfabenin karakterleri kadar net. Etnik özelliklerin belirli özellikleri
stiller özellikle etkileyici ritüel maskelerde belirgindir. Yol
bir hayvanın namlusunun, bir insan yüzünün veya çoğu zaman,
zooantropomorfik görüntü her zaman özeldir, yalnızca belirli bir etnik kökene özgüdür.
grup stil türü. Etno-farklılaştırma fonksiyonunun değeri vurgulanır
belirli totem hayvanlarına karşılık gelen zoomorfik öğeler.

Burada üslup, etnik özelliklerin doğrudan bir yansıması olarak hareket eder.
deyim yerindeyse etnosun kendisi tarafından üretilen maddedir. oluşturan niyetler
geleneksel kabile tarzlarının ayrılmaz yapısı,
tarihsel stiller bir doğa kanunu gibi görünür ve yerel tezahürleri
bu yapıyı her bir spesifikte benzersiz kılan bir genetik kod olarak
dava.

Bu özel durum, etnik olarak "saf" eğitimin
bir kabiledir. Diğer durumlarda etnos, bu amalgamın "sanal" bir öğesidir.
buna millet denir. Günümüz toplumunun yapısal özellikleri belirlenmektedir.
şu ya da bu tür bir uygarlığa ait olarak daha büyük (ve her zamankinden daha fazla) ölçüde,
genetik özelliklerden ziyade. Bu nedenle, "köklere", "yükselişe" itiraz
kökenler" gerçekten geçmişe bir referans anlamına gelir.

Mitin dili olarak üslup. İlkel ve gelenekselin analizinden de anlaşılacağı gibi
sanat, üslubun ilk aşamasında güzel geleneğin kökeninde
doğanın kendisinin morfolojik özelliklerini seçici olarak vurgular; erken
aşamalar - Paleolitik'te - görüntüler, kural olarak, gerçekliğin görüntülerini yeniden üretir.

Tarz ve olay örgüsü arasındaki doğrudan ilişki Mezolitik Çağ'da da korunmuştur, şu farkla ki;
burada üslup, statik morfolojik olmaktan çok türetilmiştir.
arsa doğasının dinamik işlevsel özellikleri. Çözgü kullanılır
hareketin görselleştirilmesi için, eylem - bir olayla ilgili bir hikaye için ("bulanık"
koşan okçuların siluetleri ve uzun oranları, figürlerin düzenlenmesi
olayın ardışık aşamalarını iletmek için üst üste sıralar, vb.).

İlkel döngünün son aşamasında, sembolik olanın yerini alan üslup
işlev, artık şeylerin doğrudan algılanan görünümüne odaklanmaz,
ve - plastik yapısal temelinde. Ritüel görüntüleri sentezleme
maskeler önceden oluşturulmuş desenleri yeniden üretir. kabile uzayda
kültür, yerel stiller bireyin karşıt hücrelerini üretir.
monoetnik kültürler. Kural olarak fantastik tasarlamak
zooantropomorfik, görüntü, çok çeşitli deformasyon yöntemleri, benzersiz
her stil (etno) için bir dizi arsa ve kombinasyon, plastiklerinin yolları
dönüşümler, her stile özgü ideoplastik bir yapı,
her türlü heykelde tanınabilir - heykeller, maskeler, ev dekorasyonu olsun
nesneler, bir mimari yapının detayı, vb., - öncelikle tanıklık edin,
yerel tarzların özelliklerinin etno-kültürel kökenleri hakkında ve ikincisi, tarihi ve kültürel hakkında
bunları birleştiren ortak bir sanatsal alanın evrensellerinin kökeni
benzersiz stiller, - plastik yapıyı birleştiren mekanlar,
geleneksel sanatın ayrılmaz özelliklerini tanınabilir kılmak,
yazılı sanatların güzel sanatlarının ideoplastik özellikleri
devlet öncesi dönem.

Tarihsel bir retrospektifte, sanatla bağlantısını yitiren resimsel etkinlik
ayni, - kural olarak, kanonlarını iddia eden stilistik,
durgunluk dönemleri, sanat geleneğinin son dönüm noktaları
(bkz. Avrupa avangard ve "ilkel" sanatın yakınlaşması, özellikler
Geleneksel Üslupların Morfolojisi ve Son Aşamanın Biçim Oluşturulması
klasik dönem). Aynı eğilimler son dönemin stillerini de belirledi.
antik dünya (Helenizm), Rönesans sanatında son aşama (maniyerizm),
bir dizi harika stilin sonuncusu (barok - rokoko). Bunlar özel bir tür
ilk bakışta üslup değişikliklerinin konuyla ilgisi yok
gerçeklik, ama yine de olay örgüsü ve etnos sanatsal olanla çok yakından bağlantılıdır.
burada meydana gelen kaymaların dolaylı bir
stil oluşturma süreci üzerindeki etkisi.

Yeni konular Mezolitik sanatın stilini günceller; benzer şekilde
teknolojik ilerlemenin pathos'u, yeni bir gerçekliğin görüntüleri (yeni olay örgüsü modelleri)
fütürizm, yapılandırmacılık, üstünlükçülük tarzını oluşturur. Mevcudiyet
etnik bileşen, bu stil oluşumu faktörünün sabitliği de
rezervasyon gerektirir. Örneğin, kendiliğinden sanatsal etkinlik,
sözde ulusal stiller yaratmayı amaçlayan (Rusya'da - 19. yüzyılın sonundan itibaren),
uygarlık süreçlerinin artan hızlanması ile ilişkili, tesviye
ulusal özgüllük.

Aynı zamanda, fütürizm ve süprematizm tarzının yanı sıra çeşitli hareketlerin tarzı
Belirli olay örgülerini kullanan ilkelcilik, birbiriyle bağıntılı değildir.
doğrudan gerçekliğin görüntüleri ile. Anlam oluşturan başlangıç, arsa-eidos'tur (burada
ilk durumda, bu teknik ilerlemedir, gelecek medeniyettir, ikinci durumda -
doğal, tarihsel - kültür) uygun özel ifade biçimleri aramaktadır.
karşılık gelen olay örgüsü modellerinin mitolojikleştirilmesi. Başka bir deyişle, uçak ve semaver
olmalarının bir sonucu olarak görüntünün nesneleri haline gelirler.
gösterilene uygunluk - kendini öne süren fikirler sistemi (rasyonalist,
kozmopolit veya ataerkil-yurtsever). Her durumda stil
bu programı organik, tutarlı ve tam olarak ifade eder - yalan söylemez
yüzey, genellikle oldukça bilinçli değil, aynı zamanda bilinçsiz (irrasyonel
gösterilenin çekirdeği).

Kayda değer, bilim, ilerleme, ilerleme imajının stilistik dönüşümleridir.
A. Menzel ve K. Meunier'den yapılandırmacılığa ve sosyalizme sanayileşme
gerçekçilik; Doğanın imajı, doğal ve kültürel ilişkisi Constable ve
Millet'ten Van Gogh'a, Nabis'e ve Cezanne'a; gerçekçilikten erken XIX içinde.,
uyum, insan ve doğanın uyumlu etkileşimini onaylamak,
kültürel ve kültürel çelişkilerin dramasını yansıtan dışavurumculuk tarzı
doğal. S. Kierkegaard tarafından literatürde en keskin ve derinden ifade edilen sonuncusu,
F. Dostoyevski, F. Nietzsche, sanatta E. Munch'un tarzını daha az keskin bir şekilde yansıtmaz,
J. Ensor, E.-L. Kirchner, P. Filonov. Bu durumlarda, uyumla mı ilgili?
veya uyumsuzluk - stil oluşturan başlangıç, sesi olan bir olay örgüsü fikrine dönüşür.
hem modelin sesini hem de vazgeçilemeyen ulusal aksanı kapsar. Bu içerikte
sanatta yabancı (“yanlış”) olarak gördüğümüz şeyi, kendimizi iptal etmeden,
dünya görüşümüzü yeni anlam yönleriyle zenginleştirir.

Coğrafi olarak bizden uzak olanların üslup özgünlüğünün
kültürler - Japonya, Çin gibi - yabancı bir dil kapalı olduğu için kapalıdır, üstelik
- hermetik, çünkü epikantus gibi doğal bir kökene sahiptir. BT
sadece kısmen doğrudur. Antik, ultra modern ve
yabancı sanat, büyük ölçüde konuşan yanlış nedenden dolayı kapalı
bilinmeyen bir dil, ancak ortaya çıkardığı için bizim için bilinmeyen anlamları gösterir.
ünlü şeyler

Sözlü resimli dilin aksine evrenseldir. Onun ilkokul
kelime - çevreleyen dünyanın nesneleri. Buradaki isim, çağıran (gösteren) bir olay örgüsüdür.
bir obje; diğer tüm işlevler stil tarafından gerçekleştirilir. Arsa "dağ" diyor, stil - "görkemli",
"korkunç", "kasvetli", "muhteşem". Arsa modeli belirli bir noktada çakışıyor.
Bu dağ Fujiyama, Ararat veya Olympus olduğunda bir eidos arsası ile hissedin.

Yerel üslubun özelliklerinin arkasında daha derin bir düzeyde her zaman vardır.
belirli bir evrensel öz keşfedilir, onun mitolojik (metafizik)
temel. Algının gerçek yerel özelliklerinin ve doğanın özgünlüğünün arkasında
- örneğin, her ikisinin de Japon stili üzerindeki etkisi için Japon manzarası
19. yüzyıl grafikleri bu grafiğin (tüm ulusal
renk) keşfedilmekte olan aynı özün fikrini somutlaştırır
Constable, Levitan, Turner, Corot, Cezanne manzaraları. Bu sanatçılar için doğa
- anlamın enkarnasyonlarından biri, başlangıçların başlangıcını içeren bir fenomen.
Modellerin farklılığına ve algının ulusal özelliklerine rağmen, doğa
"şeylerin doğal düzeni" son çare olarak hareket eder,
varlığın ve yokluğun, iyinin ve kötünün uzlaşmazlığı.

Japon sanatçı Hiroshige Ando (1797-1858) tarafından manzaraların konusu-doğası ve manzaralar
Levitan, Rus ve Japon sanat gelenekleri kadar farklıdır. resim
Japon sanatçının gravürlerinde ve Levitan'ın ünlü tablosunda sonsuzluk ve barış -
arsanın değil, stilin özelliği. Buradaki stilin kendisi resimsel bir izdüşümdür.
arsa-eidos - rasyonel-panteistik doğa algısı. Genel
19. yüzyıl sanatı doğanın bir sahne arkası, dekoratif olmaktan çıkmasıdır.
arka plan veya "doğal çevre" ve ruhsallaştırılmış bir fenomen haline gelir.

Japon manzarasında sonsuzluk, insana kayıtsız, kendi içine daldırılmıştır; Barış
burada - varoluşun değişmezliği, dağların hareketsiz çizgisi, kayaların ritmik deseni ve
ağaçlar, gökyüzünün ve suyun eşit tonu. Bu konunun Rusça versiyonu, özellikleri
üslup ayrıca Rus manzarasının özelliklerine göre belirlenmez veya
ulusal resimsel gelenek, ancak anlamsal başlangıç. sonsuzluk
Levitanovsky Sonsuz dinlenmenin üstünde ölümün sonsuz gizemi var ve burada barış onun
metafor.

D. Constable için, ifadelerine göre, doğa öncelikle bir nesnedir.
Araştırma. “... Resim bir bilimdir” diyor ve “böyle yapılmalı.
tıpkı doğa kanunlarını incelemek gibi. Bu durumda manzara resmi olur
doğa felsefesinin bir parçasıdır ve resimler deneylerdir. Ancak, kendin hakkında ne düşünürsen düşün
Sanatçı, manzaraları doğanın güçlü güçlerine ilahiler gibi görünüyor. Memur stili
benzersiz spesifik deformasyonu nedeniyle açık bir şekilde tanınabilir
(ki bu resim çalışması pek ima etmez). Constable'ın stil durumları
resim sadece bir parça olsa bile kendin hakkında
bulutlu gökyüzü (Bulutlar, 1822). Ağaç kümeleri, atlarla dolu manzaralarında,
otlayan inekler, yavaş yavaş yüzen, güneşli bulutlar doğa
bir güç, iyilik, esenlik kaynağına benziyor, içinde bir atölye gibi
gayretli sahibinin varlığı hissedilir.

T. Rousseau'nun daha az etkileyici gerçekçi tarzı, J. Daubigny, K. Corot çizimleri
bir insanın içinde bulunduğu el değmemiş doğanın gizemli, lüks, baştan çıkarıcı görüntüsü
sadece personel şeklinde mevcut olabilir. Doğanın romantik görüntüsü
alacakaranlık unsurları, öngörülemeyen, rahatsız edici, beklenmedik bir şekilde canlı bir şekilde yeniden üretir.
W. Turner'ın zamanının tarzı. Alman ve Avusturyalı sanatçıların resimlerinde
doğa, formda görünen bazı ideal özün somutlaşmış halidir.
kendi üzerine kapalı, açık, soğuk şema (G. Waldmuller), görev bilinciyle
insan ayağı (W. von Kobbel), sonsuzluk için bir metafor haline gelir (J.A. Koch, K.D. Friedrich,
F.Olivier). G. Courbet'nin tarzı, doğayı varlığın sağlam bir temeli olarak yeniden yaratır. Bu
görüntü, İzlenimciler arasında ortaya çıkanla - pitoreskleriyle - tezat oluşturuyor
parıldayan nesnelerin önemliliğini, ağırlığını ve dokusunu çözen teknik
hafif hava ortamının yansımaları ve kırılmaları.

İzlenimciliğin yüzyılın sonunun sanatına getirdiği yenilikler,
stilistik, ancak yapısal ve teknik. C. Monet'in eskiz serisi,
gerçekte Constable'ın fikrinin gerçekleşmesi gibi görünen
hem resme hem de doğaya karşı değişen tutuma tanıklık ediyor. gösterilen
şimdi daha da büyüyor iç dünya insan, ruhun hayatı, onun
benzersiz deneyimler. Doğa burada ruhun aynası olur.

Neo-Empresyonistler daha da ileri giderler. Pointillistlerin dikkati şunlara odaklanmıştır:
deney için bir nesne buldukları sürece doğa
yaratıcılık. Özellikle, doğal ışığa çekilirler. karşı yeni tutum
görüntünün nesnesi, görsel algının doğruluğu arzusundan ilham alır.
renkler - "yeni bir aslına uygunluk eşdeğeri" arayışı içinde - doğru sabitleme
doğa durumları. Buradaki anahtar kavram "doğa" değil, "doğruluk"tur. Aksine
resim, görüntünün sanatsal yeniden üretimi, doğruluk hakkında konuştuğumuz gerçeğine
burada kesin bir "görüntüdeki vuruş" değil, bir tür bilimsel
yöntemin doğruluğu, renk ayrıştırma yasaları bilgisi. J. Seurat, P. Signac, C. Pizarro ve
diğer bölücüler (noktacılar) kendilerini bilimsel izlenimciler olarak adlandırdılar -
"romantik" öncüllerinden farkı - ve bilimsel olarak atıfta bulunulan
E. Shevreil'in tamamlayıcı renkler teorisi.

Bu durumda, bilimin mitolojikleştirilmesi birincildir, pratik uygulaması değil.
Sanatta üslup oluşturan an, teknik ve formüller değildir - onlar sadece
anlamına gelir, yani efsaneye göre ikincil - baskın imajı. yüzyılın sonunda
artık bir insan değil, tüm umutların bağlı olduğu bir bilimdir (özellikle,
"bilimsel olarak örgütlenmiş toplum" - kolektif hayal gücünü yakalayan bir görüntü).

Bölücü tarz, doğrudan ilgili yöntemi takip eder, ancak
organik kimya alanındaki araştırmalardan çıkarma yöntemi ve gerçeği -
bilimin tartışılmaz otoritesinin kanıtı. Bu tarz kısa bir flaş
sanat tarihi - başarıdan daha büyük ölçüde bilimin yüceltilmesine işaret eder
tablo. Seurat ve Signac'ın resimlerinde, üst üste bindirilmiş vuruşlardan oluşan bir mozaik
donmuş nesnelerin şeklini ve rengini nesnel olarak kayıtsız bir şekilde yeniden üretir - yalnızca
doğrudan görünür doku. Bölücü resim aynı derecede kayıtsız ve
nesnelerin konumunu, aydınlatmanın derecesini ve doğasını doğru bir şekilde yakalar, kaçınarak
duygu, ruh hali, estetik tercihin herhangi bir tezahürü.

Daha önce olduğu gibi, 20. yüzyılda da. üsluplar, miti ile dönemin anlamları ile yakından bağlantılıdır.
Modern zamanlarda mitin yerini bilimin işgal ettiği açık olmasaydı,
avangardın tarzından bunu anlamak kolay olurdu.

Avangardın ana akımında, bölünmeden sonra en büyük fenomen,
kübizm; Fütürizm, Süprematizm, Konstrüktivizm onu ​​miras alır. entelektüel
Bilim mitinin ürünü - bilimsel olarak örgütlenmiş evrensel
esenlik. Bu görüntü, toplam uzay araştırması fikirlerine yol açar,
doğanın kovulması, "tek bir dünya mimarisi sistemi" (Malevich) yaratılması. Fikirler
kolektivizm - kozmopolitlik, evrensel değerler, ortak rahatlık
- geleneksel olanı taklit eden en basit geometrik formlarda kendilerini ifade ederler.
kısa bilim dili. Analitik düşüncenin kökeninde olan aynı şey ve
Mondrian, Van Doesburg ve
ortak üslup özellikleri olan diğer geometrik soyutlama akımları
temel geometrik form, açık yapı, işlevin ifadesi,
yapının bir özelliği olmayan uygulamalı estetikten kurtulma
ders.

Evrenselci teori ve uluslararası yapılandırmacılık tarzı,
“Parlak bir gelecek” fantezisini somutlaştıran ütopik projeler
Rusya'daki devrimci dönemdeki en büyük gelişme ve ortadan kaybolması veya
30'larda dönüştürüldü. gerçeğin ideolojisini oluşturma sürecinde
Sovyet toplumu, ütopik komünist projenin tutarsızlığı
gerçek netleşir. işlevsel olarak sağlam
yeterince yansıtan somut bir enkarnasyonda, yapılandırmacılığın üslubu
bilim ve teknolojinin olanakları, yaşamsal yaşamla açık çelişkiye girer.
gerçekler. "Parlak bir gelecek" ütopik projesinin yerini "mutlu bir gelecek" ideolojisi alıyor.
Sunmak." Bu yeni olay örgüsü, farklı gösterenler gerektirir.

Başlangıçta rasyonalist ilerici, bilimsel-endüstriyel-kentsel
hem yaşamda hem de sanatta uluslararası proje, eğilime karşı çıkıyor.
bilim ve teknolojinin faydalı doğasına inanmadığını ifade etmek.

Avrupa ilkelciliğinin kökeninde - Gauguin, Matisse, Derain, Almanca
dışavurumcular (E.-L. Kirchner, E. Nolde, E. Heckel, K. Schmidt-Rottluff ve diğerleri), K. Karra,
A. Modigliani ve diğerleri, ilkellerin (halk,
geleneksel) sanat, tersinin de yolunu açar -
rasyonalist yön: kübizm, üstünlükçülük, yapılandırmacılık.

Böylece, yüzyılın dönüşünün ilkelliği iki kutuplu,
20. yüzyıl sanatındaki karşıt eğilimler, her yerde
Eşsiz ve Evrensel ikiliği açıkça ifade edilir. bakış açısından
morfoloji, kilit nokta, ilk durumda benzeyen formun indirgenmesidir.
basitleştirme (etik), ikinci olarak - basitleştirme (estetik). İkisi birden
eğilimler 19. yüzyıl boyunca Avrupa kültüründe olgunlaşır.

Diğer ülkelerde olduğu gibi Rusya'da da ilkelciliğe dönüşte, başlangıçta
iki karşıt yaklaşım ayırt edilir: temeli olan biri
“şeylerin doğal düzeni” (doğa, kültür) fikri, diğeri ise minimizasyondur.
biçim, ideoplastik işlevinin iyileştirilmesi, yeni inşa etme fikri
varlıklar (uygarlık).

İlkel bir noktadan bu zıt yönlü hareketin bir örneği,
Goncharova ve Malevich'in yaratıcı evrimi. Malevich'in eserlerinde "Bubnovy" sergisinde
jack" 1910'da, Goncharova'nın bu seferki çalışmalarının etkisi açıktır. stilistik
paralellikler insan figürünün kendine özgü plastisitesinde kendini gösterir (Yürüme,
Maleviç, 1910). Aynı zamanda, Goncharova ve Malevich'in daha ileri evrimi şunu gösteriyor:
erken çalışmalarının benzerliğinin embriyonik bir benzerlik olduğunu. İşte aynı yerden
noktalar taban tabana zıt eğilimler hareket etmeye başlar. Hangisine
Goncharova'nın eserine ait, halk sanatına dayanacak,
ulusal gelenekler, mitolojik imgeler, diğeri ise bilimsel ve teknik düşünceden esinlenmiştir.
ilerleme, kolektivizmin evrensel değerleri - kozmopolit medeniyet.

Yalnızca yüzeysel bir yaklaşım, kişinin "nihai" bir çözüme ulaşmasına izin verir.
benzer sorular. Daha yakından incelendiğinde, "doğal" arasındaki çatışmanın ortaya çıktığı ortaya çıkıyor.
ve insanda ve toplumda "kültürel" hemen hemen her şeyin temelinde yatar.
çözülemez çatışmalar ve çelişkiler. Sonuçta bu temel
ikilem, benzersiz bir betonun ömrü arasında seçim yapmak zorunda kalmak anlamına gelir.
evrensel evrensel soyutun ölümlü ve ölümsüzlüğü.

Sanatta rasyonel ve sezgisel olan her zaman sanatta olduğu kadar açık bir şekilde işaretlenmez.
çalışmaları ortak bir başlangıç ​​noktasına sahip olan Goncharova ve Malevich vakası.
Ancak ideoloji ve siyasette “yaşam pratikleri” düzeyinde bu seçim,
nihayetinde, Geleceğin fantezisi (komünizm,
doğayı fethetmek, bilimsel organizasyon ekonomi vb.) ve Geçmişin hayaleti (mit,
tarih, "kanın sesi", ulusal kökler vb.).

"Sosyalist gerçekçilik" ve "Führer ilkeleri" bir sistemdir.
yasaklar ve reçeteler - sıkı bir şekilde odaklanan önerilen arsa setleri
onların natüralist yorumu. Sovyet ve faşist sanat arasındaki benzerlikler
her iki ideolojinin de sanatı bir büyü aracı olarak kullanması ve
kitlelere hitap etmek.

Sanat her zaman dünyayı değil, dünyanın ideal bir fikrini yansıttı.
Ayırt edici özellik Sovyet sanatı idealin olması gerektiği
gerçeklik olarak algılanan gerçeklik, ideale uymak zorundadır. Yani
Sempatik sihirle ilgili. Dolayısıyla sözde natüralist üslup.

Klasik sanat örnekleri, üslubun her durumda,
Aydınlanma Çağı'ndan önce Eski Mısır, maneviyatı (mit) resimli bir izdüşümü vardır,
toplumun genetik ve maddi (nesnel dünya) gerçeklikleri ve özlemleri.
Yaşamın taklidi üzerine yerleştirme, nesnel gerçeklik (Paleolitik'te bu aynı zamanda
belirli bir tasvir edilen nesnenin büyüsü) stili açıklar
totaliter sanatın çocuksuluğu. Sovyet ve Paleolitik arasındaki benzerlikler
ideallerinin somut, maddi olduğu sanatçı; bunun ideal yolu
başarılar.

İdeolojinin mutlak egemenliği anında, üslubun varlığının (deformasyon) olması önemlidir.
minimal hale gelir. Ayrıca ilk fırsatta
güzel sanatlar kendi tarzının ana akımına geri döner - o yerde
(30'ların başında), durdurulduğu yer.

Tarzın özgünlüğü, benzersizliği anında, doğrudan algılanır. Önceki
nesnenin amacını, karakterin doğasını, neyle veya kiminle olduğunu belirledikten sonra
uğraştığımız bu ya da bu panteonun sayısız görüntüsünden - zaten biliyoruz
Eski Mısır, Antik Yunanistan, Asur vb. Benzer
mağara görüntüleri stilistik olarak Paleolitik'e ait olmalarına göre işaretlenmiştir.
bir veya başka bir etnik kültür, bölge - geleneksel sanatın nesneleri,
neolitik kültürler. Avrupa kültürüne ait olduğu daha az belirgin değil
XVIII-XIX yüzyılların klasik sanat eserleri. Burada her durumda (Fransa,
İngiltere, Almanya, Rusya vb.) bir Avrupa tarzının işaretlerini tanımlayabilirsiniz.
Aydınlanma sanatı.

Mevcut üslup eksikliği, Grand üslubun yokluğudur, ancak morfolojik bir üslubun olmamasıdır.
her durumda özellikler.

Stil ve çağdaş sanat. 60-70'lerde sanatta ortaya çıkan yeni.
XX yüzyıl., çürüme ürünleri, klasik yapısöküm unsurlarıdır.
görsel sistem, özerk bir karakter kazanma ve
oyun etkinliğinin çeşitli görsel biçimlerinin oluşturulması. Diğerleri başlangıçta
görsel sanatlarla ilgili: olay, performans, kendi
resimsel etkinlikten farklı olarak kendi şeceresi,
ritüel, törensel faaliyetler. Büyü, sihir, dans vb. aynısı var
derin kökler, grafik, resimsel, heykelsi görüntülerin üretimi ve
işaretler, ama aynı zamanda kökenlerinde boşanıyorlar.

Klasik bir sanat eserinin yapısökümü, öğeleri serbest bırakır.
oyun, deneysel ve sanatsal faaliyetlerin çekirdeği haline gelebilir.
Bölme daha da derin bir seviyede gerçekleşebilir. hazır değil
klasik resim sistemini anımsatan hiçbir şey içermez. Ama hala
yeni bir estetik durumdaki yaşamları, klasiklerin bir bileşenini sağlar.
sanat kompleksi - estetik sağlayan pozlama
fenomen etiketleme.

Avrupa resmindeki üslup dışı değişiklikler izlenimcilik tarafından tanıtıldı,
resim ve çizim dengesini bozmak - resim lehine. burada oluyor
zaten yapısal değişiklikler. Ve yine de hala klasik içindeyiz
kurucularından hiçbirinin içinden çıkmadığı sanatsal alan
bileşenler. Aradaki fark, bunlardan birinin hiper bileşen haline gelmesi,
kendi kendine yeterli olduğunu iddia ederek sistemik dengeyi ihlal eden, baskılayan veya
görsel sistemin diğer öğelerinin yerini almak.

Empresyonist resimde renk oluşturmak için kullanılıyorsa
hafif hava ortamı, çizimi, tasarımı arka plana atarak, daha sonra
kübizmin hiper bileşeni plastisite, statik, kompozisyondur (minör:
renk, arsa); fütürizm - dinamikler. Süprematizm yapısökümü getirir
mantıksal sonucuna figüratif görüntü. arsa, resim,
uzamsal perspektif (geleneksel anlamda) yoktur, çünkü
ne kadar özlü bir küme - geometrik bir şekil, açık bir renk - izin verir
son derece net, soyut kompozisyonlar oluşturun. Yapılandırmacılık - bunlarda
hala resim temelinde kalan tezahürler
yaratıcılık - daha da ileri gider: Tatlin'in karşı kabartmaları saf yaratıcılığın örnekleridir.
doğal malzemelerde gerçekleştirilen arkitektonik.

Ders çağdaş sanat- bireysel, bağımsız bir kişi.
Modern sanatsal süreç burada tek bir akımı temsil etmez.
farklı dönemlerden sanat stilleri, teknikleri, türleri ve biçimleri bir arada bulunur. belirleyici
an, şu ya da bu özgüllüğün varlığı gerçeğinden çok,
yoğunluk.

50'li yıllarda sanat için kader olayları, başlangıçta nerede olduğu Amerika'da gerçekleşiyor.
Savaş, önde gelen Avrupalı ​​sanatçılara göç etti. Buradaki en çarpıcı fenomen
soyut resim.

Soyut sanat, kişisel varlığı yakalamanın en erişilebilir yoludur ve
en uygun biçimde - tıpkı bir faks baskısı gibi.

Sanat her zaman bir şekilde kendini ifade etme aracı olmuştur. kişilik,
Grand Styles'ın normatif yapılarına dolaylı olarak damgasını vuran,
şimdi kendisi için böyle yapılar yaratıyor. eğer sanata bakarsan
stilistik bileşenin dönüşümleri açısından süreç - eğilim
başlangıçta minimal olarak ifade edilen geometrileştirmeler - natüralist ve
azami ölçüde - sanatsal geleneğin son aşamasında görülebilir ki
önceden mimetik bir forma tabi kılınmış, üslup oluşturan bir başlangıç ​​olarak
soyutlamaya erişimle özgürlük kazanır: çizgi, renk, doku
yazarın faks baskısı. İdeal olarak, artık hiçbir şey baskıya müdahale etmez
plastik, grafik, resimsel projeksiyonlardaki kişilikler, nasıl ve ne
bir araya getirin (“Çizimim, çizimimin doğrudan ve en saf halidir.
duygular,” diyor Matisse).

Stil oluşturan bir faktör olarak soyutlama, olasılıkları sınırsızca genişletir.
iki zıt özün enkarnasyonları - Eşsiz ve Evrensel.
Bir kişinin varlığını yakaladığı etkinlik - metinler,
tüm zamanların sanat ürünleri, yazarın bir şekilde veya başka bir şekilde tanıklık ettiğini
bir dereceye kadar her zaman kendinden bahsetti, ama yine de asla bu kadar bilinçli bir şekilde ayrıntılı ve
açıkçası 20. yüzyılda olduğu gibi; somut düzeyde yaşam, gerçek varlık
benzersiz olanın vücut bulmuş hali.

Görsel aktivitenin oluşumu, sanat oluşumu ile ilişkilidir.
toplum. Aynı zamanda, resimsel eylemin şu şekilde ortaya çıkması çok muhtemeldir:
iletişim eylemi. Ama sanatsal edim dışa dönük olsa bile,
Yazarın kişiliği, bir dereceye kadar, her zaman kendisi için konuşur. Sanatta stil -
her zaman sosyal, stadial ve bireysel olanın bir karışımıdır.

İlkel sanatın üslup homojenliği, elementliği ve evrenselliği
- bireysel ve sosyal arasındaki minimum boşluğun sonucu. gelişmişlik
ve Grand Styles'ın sağlamlığı, güçlü dış basıncın ürünüdür ve
kişisel başlangıç Bununla birlikte, bireysel üslup özellikleri ortaya çıkar.
zaten geleneksel (etnik) sanatta.

İlkel sanatın tarzı (paleolitik) - bireysellik ayırt edilemez.

Rönesans stilleri - bölgesel bir mozaik içinde solo seslerin çok sesliliği.

Yeni Çağın stilleri, ulusal düzeyde açıkça ayırt edilebilir bir bireyselliktir.
kültür ve klasik estetik paradigma.

XIX sonlarının stilleri - XX yüzyılın ilk yarısı. (klasik sonrası dönem) - parlak
uluslararası trendler doğrultusunda belirgin bireysellik.

Vil Mirimanov

EDEBİYAT:
Vlasov V.G. Sanatta stiller. Sözlük. T. 1. M., 1998
Mirimanov V.B. Görüntü ve stil. M., 1998
Mirimanov V.B. Stilin kökenleri. M., 1999

Bu yazı 14 Ekim 2008 Salı 21:19'de eklendi. Bu girişe verilen yanıtları besleme yoluyla takip edebilirsiniz. Hem yorumlar hem de pingler şu anda kapalı.

İyi çalışmalarınızı bilgi tabanına gönderin basittir. Aşağıdaki formu kullanın

Bilgi tabanını çalışmalarında ve çalışmalarında kullanan öğrenciler, yüksek lisans öğrencileri, genç bilim adamları size çok minnettar olacaktır.

Yayınlanan http://www.allbest.ru/

MAKALE

Sanatta stil kavramı

Her dönem, felsefi, dini, politik fikirler, bilimsel fikirler, dünya görüşünün psikolojik özellikleri, etik ve ahlaki normlar, yaşamın estetik kriterlerinden oluşan ve bir çağı ayırt ettikleri belirli bir "dünya resmi" ile karakterize edilir. bir diğerinden. Bunlar İlkel Çağ, Eski Dünya çağı, Antik Çağ, Orta Çağ, Rönesans, Yeni Çağ'dır.

Sanatta üslupların net sınırları yoktur, sorunsuz bir şekilde diğerine geçerler ve sürekli gelişme, karıştırma ve karşıtlık içindedirler. Bir tarihsel sanatsal stil çerçevesinde, her zaman yeni bir tane doğar ve bu da bir sonrakine geçer. Birçok stil aynı anda bir arada bulunur ve bu nedenle “saf stiller” diye bir şey yoktur.

Aynı tarihsel çağda birkaç stil bir arada var olabilir.

Ayırt edilmelidir: bireysel ustaların bireysel stillerinin sanatsal stilleri, eğilimleri, eğilimleri, okulları ve özellikleri. Bir stil içinde birkaç sanatsal yön olabilir. Sanat Yönetimi Hem belirli bir dönemin tipik işaretlerinden hem de kendine özgü sanatsal düşünce biçimlerinden oluşur.

Romanesk tarzı (lat. romanus - Roma'dan) - hakim olan sanatsal tarz Batı Avrupa(bazı Doğu Avrupa ülkelerini etkilemenin yanı sıra) XI-XII yüzyıllarda (birkaç yerde - XIII yüzyılda), ortaçağ Avrupa sanatının gelişimindeki en önemli aşamalardan biri. En çok mimaride ifade edilir.

Fig.1 Pisa Katedrali, İtalya

Fig.2 Bamberg Katedrali, Almanya

Fig.3 Meryem Ana Kilisesi, Danimarka

Romanesk tarzındaki ana rol, ciddi kale mimarisine atandı: manastır kompleksleri, kiliseler, kaleler. Bu dönemdeki ana yapılar, bölgeye hakim olan yüksek yerlerde bulunan tapınak-kale ve kale-kale idi.

Romanesk binalar, net bir mimari siluet ve özlü dış dekorasyonun bir kombinasyonu ile karakterize edilir - bina her zaman çevredeki doğaya uyumlu bir şekilde uyum sağlamıştır ve bu nedenle özellikle sağlam ve sağlam görünüyordu. Bu, dar pencere açıklıkları ve basamaklı derinlemesine portalları olan masif duvarlarla kolaylaştırılmıştır. Bu tür duvarlar bir savunma amacı taşıyordu.

Manastırın veya kalenin kompozisyonunun ana unsuru kule - donjon'dur. Etrafında basit geometrik şekillerden oluşan binalar vardı - küpler, prizmalar, silindirler.

Şekil 4 Maria Laach manastırından oyulmuş süs

Romanesk heykel, 1100'den itibaren, Romanesk resim gibi mimari motiflere uyarak en parlak dönemine girdi. Esas olarak katedrallerin dış dekorasyonunda kullanılmıştır. Rölyefler çoğunlukla batı cephesinde, portalların etrafına yerleştirildikleri veya cephenin yüzeyine, arşivoltlara ve başlıklara yerleştirildiler.

Fig.5 Katalan freski

Romanesk resmin mevcut örnekleri arasında, soyut süslemeli sütunlar gibi mimari anıtlar üzerindeki süslemelerin yanı sıra asılı kumaş görüntüleriyle duvar süslemeleri yer alır. Pitoresk kompozisyonlar, özellikle anlatı sahneleri İncil hikayeleri duvarların geniş yüzeylerinde de azizlerin hayatından betimlenmiştir. Mozaik, tıpkı resim gibi, esas olarak bir Bizans tekniğiydi ve İtalyan Romanesk kiliselerinin mimari tasarımında yaygın olarak kullanılıyordu.

Minyatür sanatında kitap minyatürleri ağırlıklı olarak bu dönemde temsil edilmiştir. Minyatürlerde, çok figürlü kompozisyonlar ve yoğun bakışlara sahip yeni uzun bir insan figürü türü ortaya çıkıyor.

Gotik, XII-XV yüzyıllarda Batı ve Orta Avrupa ülkelerinde oluşan sanatsal bir tarzdır. Gotik, 12. yüzyılın ortalarında kuzey Fransa'da ortaya çıktı, 13. yüzyılda modern Almanya, Avusturya, Çek Cumhuriyeti, İspanya ve İngiltere topraklarına yayıldı. Her türlü sanatı kapsıyordu - mimari, heykel, resim, vitray, kitap tasarımı, sanat ve el sanatları. Gotik tarzın temeli, sivri kemerler, dar ve yüksek kuleler ve sütunlar, oyma detaylara sahip süslü bir cephe ve çok renkli vitray pencerelerle karakterize edilen mimariydi. Tüm stil öğeleri dikeyi vurgular. Geç Orta Çağ dönemi, şehir kültürünün gelişmesi, ticaret ve zanaatların gelişimi ile karakterizedir. 13. yüzyılın ortalarından itibaren laik binaların inşaatı başladı - belediye salonları, pazarlar, atölye evleri ve asaletin lüks kaleleri. Binaların dış ve iç tüm unsurları Gotik mimari forma tabiydi.

Fig.6 Notre Dame Katedrali

Şekil 7 Reims Katedrali

Şekil 8 Chartres Katedrali

AT Gotik mimari 3 gelişim aşamasını ayırt edin: erken, olgun ( yüksek gotik) ve geç.

Heykel, Gotik katedralin imajını yaratmada büyük rol oynadı. Fransa'da esas olarak dış duvarlarını tasarladı.

Resimdeki Gotik eğilim, mimari ve heykelde stil unsurlarının ortaya çıkmasından birkaç on yıl sonra gelişti. İngiltere ve Fransa'da, Romanesk üsluptan Gotik'e geçiş 1200 civarında, Almanya'da - 1220'lerde ve en son İtalya'da - 1300 civarında gerçekleşti. Vitray, giderek yerini alan Gotik resmin ana trendlerinden biri haline geldi. fresk boyama.

Gotik dönem, kitap minyatürlerinin en parlak dönemiydi. Seküler edebiyatın (şövalye romanları vb.) ortaya çıkmasıyla, resimli el yazmalarının yelpazesi genişledi ve zengin resimli saat kitapları ve evde kullanım için mezmurlar da yaratıldı. Sanatçılar, doğanın daha güvenilir ve ayrıntılı bir şekilde yeniden üretilmesi için çaba göstermeye başladılar.

Şekil 9 Magdeburg, Almanya'daki Saints Mauritius ve Catherine Katedrali'ndeki heykeller

Şekil 10 Bilinmeyen sanatçı "İyi John" (1359)

Şekil.11 Vitray pencere parçası

Portre türü gelişiyor - bir modelin koşullu soyut bir görüntüsü yerine, sanatçı, belirli bir kişinin doğasında bulunan bireysel özelliklere sahip bir görüntü yaratır.

Rönesans veya Rönesans (Fransız Rönesansı, İtalyan Rinascimento; "ri" - "tekrar" veya "yeniden doğmuş"), Avrupa kültür tarihinde, Orta Çağ kültürünün yerini alan ve modern zamanların kültüründen önce gelen bir dönemdir. . Dönemin yaklaşık kronolojik çerçevesi: XIV'ün başlangıcı - XVI yüzyılların son çeyreği ve bazı durumlarda - XVII yüzyılın ilk on yılları (örneğin, İngiltere'de ve özellikle İspanya'da). Rönesans'ın ayırt edici bir özelliği, kültürün laik doğası ve insanmerkezciliğidir (yani, her şeyden önce bir kişiye ve faaliyetlerine olan ilgi). Eski kültüre bir ilgi var, olduğu gibi “canlanması” var.

Canlanma 4 aşamaya ayrılmıştır: proto-Rönesans (XIII yüzyılın 2. yarısı - XIV yüzyıl); erken rönesans(XV yüzyılın başı - XV yüzyılın sonu); yüksek Rönesans (15. yüzyılın sonu - 16. yüzyılın ilk 20 yılı); daha sonra Rönesans(16. yüzyılın ortaları - 16. yüzyılın 90'ları).

Rönesans ressamları, iç birlik ile dünyanın bütün bir kavramını yarattı, geleneksel dini arsaları dünyevi içerikle doldurdu. İnsanın gerçekçi tasviri, Rönesans sanatçılarının ana hedefi haline geldi. Perspektifi aktarmanın bir yolunun icadı, gerçekliğin daha doğru bir şekilde gösterilmesine katkıda bulundu.

Bu dönemin seçkin temsilcileri arasında Leonardo da Vinci, Brunelleschi, Alberti, Botticelli, Titian, Michelangelo, Raphael bulunmaktadır.

Leonardo da Vinci

Şekil 12 Otoportre

Fig.13 Mona Lisa (1503-1505/1506)

Fig.14 Fresk Son Akşam Yemeği

Fillipo Brunelleschi

Fig.15 Fillipo Brunelleschi

Fig.16 Santa Maria del Fiore, Floransa

gotik barok canlanma modern

Leon Battista Alberti

Şekil 17 Uffizi'nin avlusundaki Alberti Heykeli

Fig.18 Santa Maria Novella

Sandro Botticelli

Şekil.19 Sandro Botticelli

Şekil 20 Magi'ye Tapınma, yaklaşık 1475

Pirinç. 21 Bahar, 1482

Titian Vecellio

Şekil 22 Otoportre

Şekil 23 İmparator V. Charles'ın (1548) atlı portresi

Michelangelo Buonarroti

Şekil 24 Michelangelo, Marcello Venusti'nin portresi, 1535

Şekil 25 Son Yargı

26 Farsça Sibyl

Şekil 27 Libya Sibyl

Rafael Santi

28 Otoportre

Şekil 29 Atina Okulu

30 Sistine Madonna

31 İyi haber (1644), sanat. Philippe de Şampanya

Baromkko (İtalyan barok - "tuhaf", "garip", "aşırılıklara eğilimli", liman. perola barroca - "düzensiz şekilli inci" (kelimenin tam anlamıyla "köşeli inci"); bu kelimenin kökeni hakkında başka varsayımlar da var) - merkezi İtalya olan XVII-XVIII yüzyılların Avrupa kültürünün bir özelliği. Barok tarzı, XVI-XVII yüzyıllarda İtalyan şehirlerinde ortaya çıktı: Roma, Mantua, Venedik, Floransa. Barok dönem, "Batı uygarlığının" zafer alayının başlangıcı olarak kabul edilir. Barok, klasisizm ve rasyonalizme karşı çıktı.

Resimdeki Barok tarzı (M. Merisi, P.P. Rubens), kompozisyonların dinamizmi, formların “düzlüğü” ve ihtişamı, aristokrasi ve konuların özgünlüğü ile karakterizedir. Barok'un en karakteristik özellikleri gösterişli gösteriş ve dinamizmdir.

Barok mimarisi (İtalya'da L. Bernini, F. Borromini, Rusya'da B.F. Rastrelli, Commonwealth'te Jan Christoph Glaubitz), karmaşık, genellikle eğrisel formların mekansal kapsamı, birliği, akışkanlığı ile karakterizedir. Büyük ölçekli kolonadlar sıklıkla bulunur, ayrıca cephelerde ve iç mekanlarda bol miktarda heykel bulunur. Kubbeler karmaşık şekiller, genellikle çok katmanlıdırlar.

Fig.32 Carlo Maderna St. Susanna Kilisesi, Roma

Fig.33 Milotice Kalesi, Çek Cumhuriyeti

Şekil 34 Araf'taki Ruhlar Kilisesi, Ragusa

Pirinç. 35 Bernini Piazza San Pietro, Roma

Fig.36 Pope Innocent XII, St. Roma'daki Petra

Klasisizm - Batı Avrupa sanatında XVII sanatsal bir tarz - erken. XIX yüzyıl ve Rusça XVIII - erken. XIX, antik mirasa uyulması gereken bir ideal olarak atıfta bulunur. Mimaride, heykelde, resimde, sanatta ve el sanatlarında kendini gösterdi. Klasisist sanatçılar, antikiteyi en yüksek başarı olarak gördüler ve taklit etmeye çalıştıkları sanatta standart haline getirdiler.

Klasisizm temsilcileri Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Jacques-Louis David, Antonio Canova, Bertel Thorvaldsen, Andrea Palladio, Robert Adam, vb.

Fig.37 Jacques-Louis David. "Horatii'nin Yemini" (1784)

38 Bertel Thorvaldsen. "Ganymede Zebes' Kartalını Besleme" (1817)

Klasisizm mimarisinin temel özelliği, bir uyum, sadelik, titizlik, mantıksal netlik ve anıtsallık standardı olarak eski mimari formlara hitap etmekti. Klasisizm, simetrik eksenli kompozisyonlar, dekoratif dekorasyonun kısıtlanması ile karakterizedir.

39 Leo von Klenze Walhalla

Şekil 40 Varşova'daki Büyük Tiyatro

Şekil 41 Palladio Villa Rotunda

Art Nouveau - XIX-XX yüzyılların başında Avrupa ve Amerikan sanatında stil. Art Nouveau, farklı dönemlerin sanatının özelliklerini yeniden düşündü ve stilize etti ve asimetri, süsleme ve süsleme ilkelerine dayanan kendi sanatsal tekniklerini geliştirdi. Doğal formlar aynı zamanda modernitenin stilize edilmesinin nesnesi haline gelir. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы.

Art Nouveau mimarisi, daha doğal, "doğal" çizgiler, yeni teknolojilerin (metal, cam) kullanımı lehine düz çizgilerin ve açıların reddedilmesiyle ayırt edilir. Art Nouveau mimarisi, hem estetik açıdan güzel hem de işlevsel binalar yaratma arzusuyla da ayırt edilir. Çok dikkat edildi sadece dış görünüş binalar değil, aynı zamanda özenle tasarlanmış iç mekan. Tüm yapısal elemanlar: merdivenler, kapılar, sütunlar, balkonlar - sanatsal olarak işlendi.

Şekil 42 Mila Gaudi'nin Evi, Barselona

Fig.43 Casa Batllo (1906, mimar Antoni Gaudí)

Art Nouveau tarzında çalışan ilk mimarlardan biri Belçikalı Victor Horta idi. Fransa'da Art Nouveau'nun fikirleri Hector Guimamre tarafından geliştirildi. Antoni Gaudim, mimari hakkındaki klasik fikirlerden daha da ileri gitti.

Modernist sanatçılar: Gerda Wegener, Stanislav Wyspiansky, Maurice Denis, Edmond-Francois Aman-Jean, Elisabeth Sonrel, M.A. Vrubel; heykeltıraşlar: František Bilet, Auguste Rodin, Camille Claudel, Aristide Mayol, Georges Minnet.

Şekil 45 Binadaki maske (Moskova)

44 Dom kardeşlerin atölyesinden vazo, yakl. 1900

Pirinç. 46 Lev Bakst. Akşam yemeği. 1902

Sözlük

Antik sanat - (Latin antikusundan - antik) MÖ 1000'den kalma antik Yunan ve Roma sanatının adı. e. 500 AD'den önce e.

kemer - (Latince yaydan - yay, viraj) bir duvardaki veya iki destek arasındaki boşluktaki bir açıklığın eğrisel bir örtüşmesi.

Archivolt - (Latince arcus volutus - çerçeveleme yayı) kemerli bir açıklığın çerçevesini oluşturan mimari bir detay, kemerin yayını duvarın düzleminden ayırır, bazen işlenmesinin ana nedeni haline gelir.

Vitray pencere - (Latince vitrum - camdan) bir süs, bir arsa dekoratif kompozisyon veya cam üzerine bir resim, renkli camdan veya ışığı ileten başka bir malzemeden yapılmış.

Dekoratif ve uygulamalı sanat - dekoratif sanatın bir bölümü, esas olarak günlük yaşam için tasarlanmış sanat ürünlerinin yaratılmasına ayrılmış bir dizi yaratıcılık dalını kapsar.

Donjon - (Fransız donjonundan) bir ortaçağ kalesinin ana, müstakil kulesi, en erişilemeyen yere yerleştirilmiş ve bir düşman saldırısı sırasında sığınak görevi görüyor.

Resim, eserleri herhangi bir katı yüzeye (tuval, ahşap, kağıt, karton, taş, cam, metal vb., genellikle astarla kaplanmış) uygulanan boyalar kullanılarak oluşturulan bir güzel sanat türüdür.

İç - (Fransız interieur'den - iç) bir binanın veya herhangi bir odanın içi.

sermaye - (Geç Latin capitellum - kafadan) dikey bir desteğin (sütun veya sütun) taçlandırma kısmını plastik olarak ayırt eder.

Sütun - (Latin sütunundan - sütundan) mimari olarak işlenmiş, enine kesitte yuvarlak, dikey destek, binanın temel öğesi, binanın destekleyici yapısı ve mimari düzen.

minyatür - (Latince minium - zinober, miniumdan), küçük boyutlu ve sanatsal tekniklerin inceliği ile karakterize edilen bir güzel sanat eseri. kitap minyatür- el yazısı kitaplarda elle çizilmiş çizimler, guaj, yapıştırıcı, sulu boya ve diğer boyalarla çok renkli çizimler ve bu kitapların grafik ve dekoratif tasarım öğeleri - baş harfleri, başlıklar vb.

Mozaik - (Latince musivum'dan, kelimenin tam anlamıyla - muslara adanmış), anıtsal sanatın ana türlerinden biri olan aynı veya farklı malzemeden (taş, smalt, seramik karo vb.) Parçacıklardan yapılmış bir görüntü veya desen.

süs - (Latince süs - dekorasyondan) nesneleri (mutfak eşyaları, aletler ve silahlar, tekstiller, mobilyalar, kitaplar vb.), mimari yapıları, eserleri süslemek için tasarlanmış ritmik olarak sıralanmış öğelerden oluşan bir desen plastik Sanatlar, bedenler.

Perspektif - (Latin perspicio'dan - açıkça görüyorum) bir düzlemde üç boyutlu cisimleri betimleyen, kendi mekansal yapılarını ve uzaydaki konumlarını, gözlemciden uzaklık da dahil olmak üzere iletmek için bir sistem.

Portal - (Latin porta - giriş, kapıdan) binaya mimari olarak tasarlanmış giriş.

portre - (Fransız portresinden, eski portreden - tasvir etmek için) gerçekte var olan veya var olan bir kişinin veya bir grup insanın görüntüsü (görüntü).

Rölyef - (Latince relevo'dan - yükseltiyorum) uçakta heykelsi bir görüntü.

heykel - (Latince sculpo'dan - oyuyorum, kesiyorum) heykel, plastik, üç boyutlu, fiziksel olarak 3 boyutlu bir görüntü ilkesine dayanan bir güzel sanat türü.

Stil, sanatçının belirli bir zaman, yön veya bireysel tarzının sanatını karakterize eden bir dizi özelliktir.

Cephe - (İtalyan faciasından - yüz) bir binanın veya yapının dış tarafı.

Fresk - (İtalyan freskinden - taze) taze, nemli sıva üzerine boyalarla (saf veya kireçli su üzerinde) boyama tekniği, kuruduğunda, boyaları sabitleyen ve boyayı sabitleyen en ince şeffaf kalsiyum karbonat filmini oluşturur. fresk dayanıklı; Bu teknikte yapılan esere fresk de denir.

Allbest.ru'da barındırılıyor

Benzer Belgeler

Güzellik yasalarına göre bina ve yapılar yaratma sanatı olarak mimarlık veya mimarlık. Çeşitli Avrupa'nın gelişim özellikleri ve ayırt edici özellikleri mimari stiller: gotik, romanesk, barok, rokoko, klasisizm, modern.

sunum, 19/02/2012 eklendi


Görsel sanatlarda stillerin ve eğilimlerin sürekli gelişimi, karıştırılması ve karşıtlığı. Resim ve heykelde formların çeşitli temsil okullarının özelliklerinin analizi. Avrupa edebiyatı ve sanatında estetik bir eğilim olarak klasisizm.

özet, eklendi 08/10/2016


Sanatta bir üslup olarak barok kavramı ve ayırt edici özellikleri, gelişim tarihi. Rus sanatında barok tezahürünün alanları, zaman çerçevesi: Naryshinsky, Büyük Peter, kilise, saray, Elizabeth dönemi, halk. İç dizayn.

test, eklendi 11/17/2013


16. yüzyılın sonunda - 18. yüzyılın ortalarında Avrupa ve Latin Amerika'nın mimari ve sanatında baskın stillerden biri olan Barok'un özelliklerine genel bir bakış. Bir erkek ve bir kadının ideali, Barok döneminin modası. Bu tarzın resim, mimari ve edebiyatta tezahürü.

sunum, eklendi 04/10/2013


Mimari ve dekoratif sanatlarda stiller: imparatorluk, klasisizm, barok, rokoko, gotik, modern, minimalizm, yüksek teknoloji. Etnik stiller: İngiliz, İskandinav (İsveç), Akdeniz, Japon ve Afrika. Renk aralığı ve dağılımı.

ders, eklendi 06/25/2009


Barok teriminin kökeni. Rus sanatında, mimarisinde, edebiyatında ve müziğinde barok üslup, üslupların tarihsel birleşimi. Yazarın üslubunun müzikte bireyselleşme süreci. Rusya'daki parti konserlerinin özellikleri ve özellikleri.

özet, eklendi 01/08/2010


Barok'un sanatsal tarzının kökeni, oluşumu ve dağılımı sürecinin incelenmesi. Bu tarzın dünya kültür tarihine katkısının analizi. Barok üslubun edebiyat, müzik, mimari ve sanatta tasvirleri. Barok döneminin dünya görüşü.

dönem ödevi, eklendi 05/23/2013


Dönemsel Barok üslubun özellikleri: ortaya çıkması için ön koşullar; gelişimini etkileyen tarihi olaylardır. Barok çağda Avrupa ülkelerinde farklı sanat türlerinin gelişiminin özgüllüğü. Michelangelo ve Bernini'nin tarzlarının özellikleri.

deneme, 28/07/2010 eklendi


Modernite kavramının ve özelliklerinin incelenmesi - XIX-XX yüzyılların başında Avrupa ve Amerikan sanatında sanatsal stil. Art Nouveau'nun mimarideki ana özelliklerinin genelleştirilmesi - asimetri, sanatsal süslemeler, eğrisellik ve düzensiz konturlar.

sunum, 13.02.2012 eklendi


Reform ve Rönesans'ın etkisiyle Barok üslubun Avrupa'da ortaya çıkması ve yayılması için ön koşullar. Barok'un resimde akılda kalıcı parıltısı ve dinamizmi, uzamsal kapsam, füzyon, eğrisel formların akışkanlığı - mimaride.