İki hikaye ve oldukça dedektif bir son.
Markin'in çalışmalarını düzenli olarak satın aldığı Kabakov hakkındaki hikayesi ve sanatçının ailesinin koleksiyoncu Markin'i kendi pisliklerinde boğduğu Kabakov'ların büyüleyici tepkisi.

1. Markin'in hikayesi.
İlya Kabakov'u ziyaret etmek

ile başlayalım
bütün akşam balık kustum
Emilia Kabakova tarafından özenle hazırlanmış

Şimdi, sırayla
benden 350.000$ sponsorluk istemeden önce
Ustanın yeğeni yaptıklarını gösterdi
onlarca özenle yapılmış anıt ve enstalasyon modelleri.
Mevcut işleri
yarışmalara katılmak
ve büyük ölçekli projeleri hayata geçirmek
kazanılırsa birkaç milyon dolar değerinde.
Projeler genellikle iyidir.
ama bir şaheser yaratmak için yapılmazlar.
ama aynı kazanç için.

Gördüklerim arasında:

1. Kanatlar, koleksiyonumda olduğu gibi,
işe alınan iki asistan tarafından in-line olarak üretildi
toplam dolaşımın ne olduğunu hayal etmek bile zor

2. Stokta benimkiyle aynı olan birkaç tabure var,
sadece 10, belki daha fazla olmak üzere 5 parçadan oluşan ek bir baskı yayınladı.

Ve henüz iki saat New York boşa gitmedi
Usta bizimle 40 dakika konuştu
ve belki de asıl şeyi söyledi.

Ayrıca Ağustos'ta Müze'de bir konferans sözü verdiler.
sadece 350 bin yüzünden üzülmedim

2. Ve işte Emilia Kabakova'nın muhteşem cevabı:

Emilia Kabakov, Igor Markin'in ziyaretiyle ilgili açıklamasına (burada IZO'da, burada Rusça olarak Markin'in blogunda) bir yanıt gönderdi ve benden bunu yayınlamamı istedi; Bunu yapmaktan memnunum.

Sevgili Igor,
hastalandığın için üzgünüm. İnandığımdan değil. Ya da belki daha az içmelisin?
Sadece şunu söylemek istiyorum "Senin gibi birine sanat göstermeye kesinlikle değmez. Göremezsin, anlayamazsın, takdir edemezsin. Her şeyde sadece dolar işaretini görürsün.
Evet, büyük projeler yapıyoruz. Evet yarışmalara katılıyoruz ama hiçbir zaman para için bir şey yapmadık. Kamu projelerinin bütçelerinde asla milyonlarca dolar olmaz.
Ve senin aksine biz sanata, kültüre ve diğer insanlara saygı duyuyoruz. Ama sonra insanlarla, sanatla ve kültürel kurumlarla çalışıyoruz.
Umarım daha iyi hissedersin.

İngilizce bilmeyenler için, tüm bunlar Moskova dili tarafından şöyle çevrilmiştir:

Sevgili Igor,
Kendini hasta hissetmene çok üzüldüm. Buna pek inanmasam da. Belki daha az içmeye ihtiyacın var? Sadece senin gibi insanlara kesinlikle sanat göstermemen gerektiğini söylemek istiyorum. Onu göremiyor, anlayamıyor ve takdir edemiyorsunuz. Her şeyde sadece doları görüyorsunuz. Evet, büyük projeler yapıyoruz. Evet, yarışmalara katılıyoruz ama hiçbir zaman para için bir şey yapmadık. Kamu projelerinin hiçbir zaman milyon dolarlık bütçeleri olmadı. Ve senin aksine biz sanata, kültüre ve diğer insanlara saygı duyuyoruz. Ama sonra insanlarla, sanatla ve kültür kurumlarıyla çalışıyoruz.
Umarım daha iyi hissedersin.

Rus düşüncesinin bu çok değerli mektup anıtı hakkında mütevazi görüşümü ifade etmeme izin verin:
Markin'in mektubu:
1. Kaba, alaycı, ironik.
2. Markin aşırı sert ve açık sözlüdür.
3. Markin, genel kabul görmüş nezaket ve nezaket normlarına uymaz.
4. Markin'in mektubu, Emilia Kabakov'un ticari sırlarını ortaya koyuyor ve aynı zamanda, bir koleksiyoncu olarak Markin'e zarar veren aşırı para sevgisine dair bir sitem içeriyor, çünkü nesnelerin kopyalanması onların değerini düşürüyor ve Markin zaten bir dizi Kabakov'un eşyalarını satın aldı ve bu arada büyük paralar karşılığında.

Emily'nin cevabı:
1. Zehirlenme konusunda karşılıklı insanlık dışı tükürme içerir.
2. Sarhoşluk suçlaması içerir.
3. Emilia parayla ilgilenmiyormuş gibi davranıyor. Sonuçta, bir sanat nesnesi sanat uğruna yapılır, ancak onları çoğaltmak ve sponsorluk talepleri sadece para uğruna. Halihazırda yüksek meblağlarda sanat ürünleri satılmış ve büyük miktarda sponsorluk talep edilmiş bir kişiye, insanların paraya karşı ilgisizliklerinden bahsetmeleri tuhaftır.
4. Bir dizi kaba kişisel saldırı içeriyor ve açıkçası nesnel olarak hak edilmemiş, çünkü Markin yalnızca Rusya'daki ilk müzenin yaratıcısı değil çağdaş sanat, aynı zamanda Kabakov'un eserlerinin yanı sıra diğer sanatçıların bir dizi eserinin alıcısı, bildiğiniz gibi Kabakov'un kendisi çok takdir ediyor.

Sonuç:
Benim için para sevgisini gizlemeyen Markin'in kabalığı ve açık sözlülüğü bekleniyordu.
Ama benim için, Emilia Kabakova'nın daha da büyük kabalığı ve paraya karşı kayıtsızlığına dair inandırıcı olmayan güvenceleri şok edici bir sürprizdi.
Kabakov'lara her zaman Groy'lara davrandığım gibi davrandım, onları kurnaz entelektüeller, ikiyüzlülük ve kabalıktan aciz insanlar olarak değerlendirdim. Rafine bir entelektüel üzerine tükürülürse, daha güçlü bir tükürükle karşılık veremez. Sanat krallığımızda yolunda gitmeyen bir şeyler var...

İlya Kabakov. Bir zamanlar Eindhoven müdürlüğü tarafından yapılan bir çift sergi - bizim ve Lissitzky'nin - düzenleme önerisinin, elbette, ilk başta delicesine korkmuş ve şaşırmış olduğu söylenmelidir. Her şey bu buluşmanın tamamen imkansız olduğunu, bunun ruhen yabancı olan insanların buluşması olduğunu söylüyordu. Gerçek şu ki, zihinsel durumumuzda Sovyet ülkesinde tamamen farklı bir yaşam dönemine aitiz.

Ve o zamanlar - SSCB'de yaşadığımız 1950'ler-1980'ler - bir tür soyut saygı dışında, avangard için hiçbir sempati yoktu. Rus avangardı denen şeyin estetik ya da tözel anlamını sürdürme duygusuna sahip değildim. Eğitimde, bilindiği gibi, tam bir geçici başarısızlık yaşadık, çünkü Sovyet halkı için avangard hiç yoktu - ne eğitimde ne de müze alanında. Benim için tamamen yok olmuş bir dönemdi. Bu, antik çağla bir tür ilişkiniz olduğunu söylemekle aynı şeydir. Antik çağ yoktu, bu antik çağda bir dil kaybı ve söylenenlerin anlamında bir kayıp vardı. O zaman göründüğü gibi, sonsuza dek durmuş zamanda yaşadık. Ve tamamen oluşturulmuş (nihayet inandığımız gibi) bir Sovyet resmi dili vardı. Sovyet sanatı. Eğitimimiz sadece Rus avangardını değil, tüm Batı 20. yüzyılı tamamen atladı. Toplamda biraz yaşadık Sovyet kurulumu, önümüzdeki binlerce yıl için ayarlanmış; değişmeyeceği herkes tarafından belliydi. Bununla söylemek istiyorum ki, avangard ile böyle bir buluşma için hiçbir umut yoktu. Ancak klasiklerle alışılmadık derecede iddialı bir toplantı teklifi size “düştüğünde” ...

Lissitzky, Malevich ile birlikte Vitebsk'te yeni bir dilin yaratılması üzerinde çalıştı. Mesele şu ki, insanlık 20. yüzyılda girdiği yeni çağda yeterince konuşmalı ve nihayet bu büyük sanatçılardan sadece Rusya veya İngiltere'de değil, dünyanın her yerinde konuşulabilen ve konuşulması gereken görsel dili almalıdır. Evrensel yeni dil yeni insanlar için.

Bu dil, şimdi söyleyecekleri gibi, geometrinin tüm sanat dünyasında, mimari, tipografi vb. dahil olmak üzere tüm kapsamı ve türleri üzerindeki "çarpışması" ile ilişkilidir. formlar - yuvarlak ve antropomorfik. Bu kısmen Rodchenko'nun öğrencilerine söylediği şey: “Fırçaları, kalemleri bırakın, bir cetvel alın, pergel ve çizin ...” Bu jest, genel olarak düşünmede düz bir çizginin ve net geometrinin baskınlığı ile doğrudan ilgilidir. En kısa yol düz bir çizgidedir. Bu “düz” yol, dünyanın giderek daha hızlı hareket ettiği fikriyle de ilişkilidir.

[…]

Rus avangardı kavramındaki yeni adam kim? Sürekli bir yaratıcıdır. Rodchenko'nun yazdığı şey: "Bir fincan yapıyorum, ama yarın ne yapacağımı bilmiyorum, çünkü başka bir ben hakkında başka bir fikir ortaya çıkacak." Kalıcı bir yaratıcılık gibi (sürekli bir devrim gibi).

[…]

Dünya yaratıcı ama elbette insanları yönetenlerden oluşmalıdır. İşin ilginç yanı, yönetim çalışanlarının akıllarında yönetim çalışanları var. Ancak dönüştüreceklerini pratikte görmüyorlar. Bir anlamda, bu bir ahır cihazıdır. Ben bir laboratuvarda çobanım ya da ziraat mühendisiyim, ama diğer her şey - hayvanlar, bitkiler - işleyeceğim tüm malzeme.

Bu insanlık dışı konuşma (bu kelimeyi ilk kez kullanıyorum), bu anti-hümanist, yıkıcı an, yeni bir insan yaratıcısı yaratmanın en avangart projesine gömülü. Bu dünyada yaşayan insanlığın geri kalanı birdenbire parantezlerin dışında kalır.

Gizlice ön planda olan ve en ürkütücü olan iktidar olgusu, inisiyatif alma hakkıdır. yeni Dünya ve yönetin.

Olga Sviblova. […] Nerede olduğunu kimse bilmiyor ama taşınıyoruz. İlerlememiz gerektiğine dair bir his var. Bugün, bu hareket vektörü ortadan kalktığında, oraya buraya eğildiğimizde, Rus avangardına olan ilgi iki katına çıktı. Neden dünya, Rus avangardının bu ikinci yanını ve bizim için bloklar yaratan en büyük Lissitzky'nin ikinci yanını görmüyor, Lego'daki gibi unsurlar, böylece sadece çocuklar değil, aynı zamanda Bütün dünya onlarla oynayacak mı? Gerçek görsel gerçekliği yeniden düşündü ama insan içeriğini unuttu.

İlya Kabakov. Bu sadece "Rus avangardı" kavramıyla olmadı. Bu, sanatçının türünün, sanatçının öz bilincinin değiştiği 19. yüzyıldan 20. yüzyıla geçiştir. Bundan önce, sanatçı bir servis personeliydi. Başkalarının, diğer kuruluşların veya kişilerin, kilisenin veya devletin emrettiği bu işlerin icrasına katıldı.

Sanatçının müşteriden, iletişim kurması gereken "öteki"nden bu özerkleşmesi, sanatçının psişesinde inanılmaz derecede güçlü değişiklikler üretir. Sanatçı, icracı olmaktan bir dahi olmaya gider. Yani hiçbir şekilde kesinlikle kimseye borcu olmayan bir yaratıktır.

Emilia Kabakova. Ve hiçbir şeye cevap vermiyor.

İlya Kabakov. Diğer her şey sisle kaplı. Sanatçının icracıdan dehaya dönüşmesi çok önemli bir mutasyondur. Antropolojik düzeyde gerçek bir mutasyon.

Cezanne'nin sanat ufkunda belirmesi sanat dünyasındaki en önemli olaydı. İşte bu bitmemiş "kirli" kareler... Şimdi tabii ki ironi yapıyorum çünkü onu eskisi gibi tanrılaştırıyorum. Ancak akademik okuldan farklı olarak bir amatörün ve kendi görsel sisteminin mucidinin ortaya çıkmasının, sanatçıyı sanatsal geleneğin her türlü kriterinden kurtarmaya yönelik önemli bir adım olduğu ortaya çıktı. Bu durumda, kelimenin tam anlamıyla bir Sovyet sanat eleştirmeni olarak konuşuyorum, ancak bunda bazı gerçekler var.

Sanat okuluna duyulan güvenden bu “ayrılma” şu anda çok önemlidir. Sanat okuluna ihanet gibi. Bu durumun Sovyet döneminde tekrarlandığını söylemeliyim. Sanat ve zanaat eğitimim tamamen taklitti. Doğayı çizmeyi sevmiyordum. Ancak enstitüden atılmamak için akademik bir sonucu nasıl taklit edeceğimi biliyordum. Çocuk illüstrasyonları yapmaktan hoşlanmıyordum ama çocuk illüstrasyonlarını nasıl taklit edeceğimi biliyordum ki bunun karşılığında para alabileyim.

Sanat editörü içtenlikle tavşan çizmediğimi, başka kitaplarda tavşan imajını taklit ettiğimi görse, elbette beni yayınevinden atardı. Ancak Sovyet zamanlarında kayıtsızdı: başka insanların tavşanlarına inanıp inanmama ya da kopyalamama. Bir dehanın avangard psikolojisinin ortaya çıkması için bu “yapışma”, yalan, ihanet anı çok önemlidir. Burada bir şeyi tasvir etme zorunluluğum ile benim kendi manipülatif dürtüm arasında bir mesafe var. Sonra yeni bir devrim gibi göründü: kölelikten özgürlüğe ve buluşa geçiş.

İlya Kabakov. Bir resim yaratma araçlarına tamamen farklı bir tutum vardı.

Avangardın ortaya çıkışı, araçların özerkliği ile bağlantılıdır. Fonlarımı kullandığım başka bir şey olmadığından, bunlar özerkleştirildi ve yeni inanılmaz fırsatları temsil ediyor.

Örneğin, Matisse'in rengi. Resmin yüzeyinde renk manipülasyonu, kompozisyonlar, renk lekelerinin kombinasyonları, rengi nesneden ayrı görmek onun keşfiydi.

Picasso, resmin kendisinin ritimlerini ve sözde titreşim anını manipüle etti. Resmin her bir parçasının, diğerlerine göre doğru bir şekilde konumlandırıldığında, belki elli metre mesafede hareket eden inanılmaz derecede güçlü bir titreşimsel saldıran enerji dalgası oluşturduğunu keşfetti.

Olga Sviblova. 20. yüzyılın artık hiçbir şeyi tasvir etmeyen bir görsel sistem ortaya çıkardığını söylemek istiyorsunuz. Ne bir zamanlar arkasında duran kutsal fikirleri, ne kökeninde ne de o zaman kutsallaştırılan gerçekliği tasvir eder. Avrupa resmini, örneğin Rönesans'ı alırsak, bir kişiye olan ilginin ortaya çıkması hakkında konuşabiliriz. Sanatçılar dini olay örgülerinden “çıkarmaya” başlarlar, ancak aynı zamanda onlar için gerçeklik, gerçekliğin istilası, doğrudan bir perspektifin ortaya çıkması da bir tür metafizik fikir haline gelir, çünkü gerçeklik böyle bir değer kazanır. Ve resimsel olanın resmettiği her şeyden kurtulmasının Picasso, Matisse ile başladığını, kendi içinde bir değer ve görsel bir silah haline geldiğini mi söylemek istiyorsunuz?

İlya Kabakov. "Dairesinden uzaya uçan adam." Kurulum parçası. 1985

İlya Kabakov. Evet. Bir rokette olduğu gibi. Uçan, havada, uzayda takla atan roketin aşamalarından birinin yörüngesi boyunca ayrılması. Kültürden aynı ayrılık, genel dinamikler kültürün gelişimi ile gerçekleşir güzel Sanatlar 20. yüzyılın başında. Sanatsal üretimin genel kültürel süreçte var olma zorunluluğundan özerkleşmesi söz konusudur.

Olga Sviblova. Hala anlamak istiyorum. Bolşevik darbesi, sanatın önceki tüm varoluş biçimlerini yok etti ve sanatçı bir şekilde yetkililerle birleşmek zorunda kaldı: ya kalbin çağrısıyla (bence bir noktada çok samimiydi) ya da en azından, sadece müşteriydi ve bu tek müşterinin ne istediğini anlamak gerekiyordu. Ve bu tek müşteri eski dünyanın yok edilmesini istiyordu.

İlya Kabakov. Doğru şekilde.

Olga Sviblova. Ama dediler ki: "Hizmet ediyoruz." Rus avangardından önce hiç kimse sanatçıların hizmetkar olduğunu ilan etmemiştir. Örneğin, Lissitzky'nin parlak başarılara imza attığı bir fotomontajı ele alalım... Klutsis, Rodchenko savaştı - ve Lissitzky de bu savaşa dahil oldu: yeni hükümete kim daha çok hizmet ediyor?

İlya Kabakov. Bu güçle ilgili değil. Bu, trajedilerle dolu ayrı bir konudur: "özgürlük" kavramından hizmete, yetkililerden gelen emirlerin yerine getirilmesine geçiş. Gerçek şu ki, tüm avangard - hem Avrupalı ​​hem de Rus - özgürlüğün ilahıdır. Sanatsal üretimin özgürleşmesi gerekir ve bu üretimi yaratan kişi özgürdür. Bu özgürlük mücadelesi, geçmişin kültürel fenomenlerine karşı verilen mücadelede çok önemli bir andır.

Ne söylemek istiyorum? Klasik sanatta (neden müzelerde asılı duruyor ve biz var olduktan sonra neden çok uzun süre yaşayacak) üç çok önemli bileşenin olduğuna inanıyorum. Birincisi yüce, dikey, maneviyat, ne dersen de bir sanat eserinde var olan. İkincisi estetik yönüdür. Çok kaliteli, dengeli, en estetik ürünü inşa etmenin karmaşıklığı. Ve üçüncü zorunlu bileşen mevcudiyettir. insan prensibi, kişiye. İnsanın dönüşümü ve anlamı zaten yaratılış fikrindedir. sanat eseri. Başka bir kişinin anlamı. Bu başkası için yapılır, kendisi için değil. Bu diğeri ve diğeri için. Bu üç bileşen klasik anlamda çok önemlidir ve bu üç bileşene de sahip olması gereken kültür tarihine tam olarak uygundur.

Avangard devrim, hem birincinin hem de üçüncünün kaybıyla ilişkilidir. Bütün bu sanat yüce değildir. Dikey, yüksek anlamların hizmetini tamamen görmezden gelir, elbette orada hem bilinçaltı hem de arketipsellik olsa da, tüm bunların “yüce” alanla ilgisi yoktur. Tabii ki Kandinsky'yi ruhani sanatıyla örnek verebiliriz ama bu ayrı bir konu. Kural olarak, avangard devrim, tam olarak "yüce" olana olan ilginin kaybıyla bağlantılıdır. Ve bu şekilde kişiye olan ilgi kaybı ile.

Emilia Kabakova. Sanatçıların kendilerini nasıl hizmetçi ilan ettikleri sorusuna birkaç kelime eklemek istiyorum. Mesele şu ki, önceki tüm sanat sistemleri"hizmet" gibi bir şeyin parçasıydı ve bu böyle anlaşıldı. Onlar zaten "hizmetler" sistemindeydiler. Açıklanmasına gerek yoktu. Onunla doğdular, başka bir çevreye hizmet eden kültürel bir ortamda çalıştılar. Yani müzikte, tiyatrodaydı. Toplumdaki yerlerini biliyorlardı. Ortaya çıkan yeni sanatçılar kendilerini özgür ilan etmek zorundaydılar ve bunu başardılar. Burada ilk kez bir seçim yapıldı. Ve onların seçimi hizmetkar olmaktı, ancak belirli bir elitin hizmetkarı değil, özgür bir toplumun hizmetkarı olmaktı. Aynı anda hem yönetici hem de hizmetçi gibi görünüyorlardı.

Hizmet etmek gönüllü bir seçimdi. Yöneticilere hizmet etmeleri için verilmediğinden değil, gönüllü hizmeti seçtiler. Bu büyük bir fark. Bütün psikoloji buradan kaynaklanır: Yönettikleri yanılsaması, ama aynı zamanda seçimle hizmetkarlar.

Olga Sviblova. Ve çalışmalarının karmaşık ve çelişkili doğasını anlayarak Lissitzky ile nasıl bir diyalog yürüttünüz?

İlya Kabakov. Çok basit. Bu sergiyi tam anlamıyla muhalefet sistemine göre yaptık. Lissitzky bir şey söyledi ve biz başka bir şey söyledik. Genel konsepte göre, bu bir baba ve bir çocuğun konumuna benzer. Ahırı yapan baba ve enkazın altına gömülen çocuk, bu kötü inşa edilmiş ahırın çöpleri altında. Bütün bu sergi inşa edildi: baba istedi - ve olan buydu, babam hayal etti - ve bu hayallerin bedeli.

Bana Puşkin'in Bronz Süvari'sini hatırlattı. Orada da "baba" var - Peter I ve "çocuk" - "babanın" bir ev inşa etmek için yanlış yeri seçtiği yer yüzünden ölen Eugene. Acı çeken ve “Burada ne yaptın? Kuru bir yere inşa etmek mümkün olacaktır. Lissitzky sergimizde Peter'ın yerine geçiyor ve şöyle diyor: "Bir şehir inşa edeceğim, birini tehdit edeceğim." Çalışmalarımızda mevcut olan bu iğrenme ve Lissitzky'nin sahip olduğu yaratılış pathosu bu serginin ana tonunu belirledi. Birincisi: "İşe yaramalı." Cevap: "Sana bir şey olmadı baba."

Gerçekten de, Sovyet döneminin, Sovyet iktidarının iki dönemini temsil ediyoruz. Bu, ilk çıktıkları köprü ve Sovyet iktidarının sonunda, her şeyin düştüğü ve kötü hesaplamalar nedeniyle çöktüğü aynı köprü.

Emilia Kabakova. Enkazın üzerinde oturuyoruz.

İlya Kabakov. Kötü inşa edilmiş bir binanın enkazındaki çocuklar gibi. İşte bu serginin ana konsepti. Bu devasa binanın üzerine düştüğü bir adamın bakışı. Tatlin Kulesi.

İlya Kabakov. Bize uzay sözü verildiği ortaya çıktı ...

Olga Sviblova. ... ve içine havasız bir tahtakurusu koyun.

İlya Kabakov. Böyle bir cevap verebilirsiniz. Hayal etmek, bir ütopya yaratmak, kağıda çizim yapmak, kısa bir prospektüs olarak çizim yapmak (geleceği inşa edelim, yeni bir insan yaratalım) - bu en iyi şekilde bir proje şeklinde, kağıt şeklinde, tahta şeklinde bırakılır. , çivilenmiş Tatlin Towers projesi. Tüm bu projeleri böyle bir ön formda bırakmak en iyisidir, ancak bunları hiçbir şekilde uygulamayın.

Neden? Niye? Güvende kalırlar. Hayatta fark edilmeleri, olabilecek en korkunç suç haline gelir.

Sosyalizm güzeldir ama projede kalmalı. Pek çok insan, Sovyet devriminin sonu çöp yığınıyla bitiyorsa, amacının ne olduğunu soruyor. İşte anlamı. Ütopya gerçekte gerçekleştirilmemelidir.

İlya Kabakov. Şimdi (belki de sonuç olarak) bu sergiden, hatta bu söyleşiden nasıl bir sonuç çıkarılabileceğini söylemek istiyorum. İnsanlık yaşadığı sürece her birimiz bir ütopya üretiriz. Projelerin yaratılması, salgıların serbest bırakılması gibi insanın doğasında vardır. İnsan olduğumuz sürece hayal kurarız. Planlar yapıyoruz, programlar yapıyoruz, bir şeyler oluşturuyoruz. Ama bu projeler hayatta, özellikle de iktidardaki insanlar tarafından yapıldığında felaket, kan, yıkım ya da kaosla sonuçlanıyor.

Korkunç bir yay ortaya çıkıyor: projeler kaçınılmaz olarak yapılır, ancak kaçınılmaz olarak çöküş ve kaosla sonuçlanır. Soru ortaya çıkıyor: bu projektif ve üretken bileşeni nereye koyacağız?

Cevap şudur: götürün, özel "ütopik alıcılara" yönlendirin. Belki bir Ütopya Müzesi veya çoğul olarak bu tür müzeler inşa etmek gerekir.

İlya Kabakov. Sanatçı dinlenilmeyi umuyor. Bu en derin yanılsamadır. İzleyici sanatçının içinden bakar. Bu sanatçıya ait olmayan bir şey bu sanatçı aracılığıyla ses vermelidir.

İlya Kabakov. "Çöp Kutusu" 1981

İlya Kabakov.

Bütün dünya, burada beni çevreleyen her şey, bana sınırsız, sonsuz bir çöplük, tükenmez çeşitlilikte bir çöp denizi gibi görünüyor. Koca bir şehrin bu kalıntılarında, tüm geçmişinin güçlü nefesi hissedilebilir. Bütün bu çöplük, flaşlarla, yıldızların parıldamasıyla, yansımalarla ve kültür parçalarıyla dolu: ya bazı kitaplar, ya da fotoğraf ve metinlerin olduğu bir dergi denizi ya da bazı insanlar tarafından kullanılan şeyler... Büyük geçmiş bu kutuların arkasında yükseliyor. , kabarcıklar, çantalar, onlar hakkında ağlıyor gibi görünüyorlar geçmiş yaşam, saklıyorlar... Bu geçmiş yaşam hissi bir görüntü doğuruyor... Nasıl bir görüntü olduğunu belirlemek zor... Belki bazı medeniyetlerin görüntüsü, bilinmeyen afetlerin baskısı altında, yavaş yavaş dibe inerler ama yine de bazı olaylar meydana gelir. Devasa, kozmik bir varlık hissi bu çöplüklerde insanı kucaklıyor; hiçbir şekilde bir terk edilme, felaket bir yaşam duygusu değil, tersine dönüşü, dolaşımı, çünkü hafıza var olduğu sürece, hayata dahil olan her şey yaşayacak.
Ama yine de, çöplük ve görüntüsü neden hayal gücümü tekrar tekrar bu kadar cezbediyor, neden hep onlara dönüyorum? ...Bazen düşünürsünüz - diğer ülkelerde bu büyük çöplükler yok, çöp yok, ama sadece bir "temiz ürün" var mı? Bir keresinde Çekoslovakya'daki akrabaları ziyarete gitmiştim ve oradaki temizliğin beni en çok etkilediğini hatırlıyorum. Neden, orası nasıl bu kadar temiz?.. Sanki sürekli temizliyorlar, temizliyorlar, çöpü dışarı çıkarıyorlar - zamanı nereden buluyorlar! - ve her şey başka bir yerde ve yakınlarda değil - her şeyi çıkarırlar, “oradan”, “uzaktan” çıkarırlar. Sonra aklıma geldi: Yanında bir o kadar temiz bir ev varken, ona yakın da temiz, arkası da aynıyken nasıl atacaklar... Ama bizim ülkemizde çöp atılıyor. tam orada evin yanında, sadece eşiğin üzerine getirildi ve zaten kimsenin arazisi yok, arka bahçeler ve tüm komşular onu süpürüp atıyorlar - çok fazla kimsenin arazisi yok! Ve evimizin arkasında bir çöplük haline gelen bu kimsesiz topraklar - her gün kalenin etrafındaki bir düşman gibi tehditkar bir şekilde duvarlarımızın arkasında durmuyor, tekrar tekrar evimize dönüyor, onu sular altında bırakmıyor mu?

Ve ya daha da kötüsü - düşünmek bile korkutucuysa: tüm geniş bölgemiz dünyanın geri kalanından bir çöplük mü?

Rus ve dünya sanatının ana kavramsal tandem adına Emilia Kabakova, Washington'daki Hirshhorn Müzesi ve Londra'daki Tate Modern'de retrospektifler hakkında konuştu. Sonuncusu 2018'de Hermitage ve Tretyakov Galerisi'nde gösterilecek.

İlya & Emilia Kabakov Koleksiyonu

Tate Modern'deki sergi ne olacak? Hacim olarak ne olacak? Eserler neye göre seçildi?

BİYOGRAFİ

Emilia Kabakova (kızlık soyadı Lekah)

Doğum tarihi ve yeri

1945 , SSCB, Dnepropetrovsk (şimdi Dnipro, Ukrayna)

Eğitim

1952-1958 Moskova'da bir müzik okulunda okudu

1962-1966 Irkutsk ve Dnepropetrovsk'taki müzik okullarında okudu

1973 fakülteden mezun oldu yabancı Diller Moskova Devlet Üniversitesi

yaşam ve kariyer

1973 İsrail'e göç etti

1974-1975 Belçika'da yaşadı

1975'ten beri Faberge'in eserlerinde uzman olarak ilk kez çalıştığı Amerika Birleşik Devletleri'nde yaşıyor, özel bir koleksiyoncuya danışmanlık ve sanat sergilerinin küratörüydü.

1988'den 2017'ye Ilya ve Emilia Kabakov, Bordeaux Şehri Anıtı (Fransa, 2009), Avrupa'dan Amerika'ya Göçmenler Anıtı (Almanya, 2010), Yaşam Kemeri (Japonya, 2015) ve 28 kamu projesi dahil olmak üzere 203 kurulum yaptı: sekizi Almanya, İtalya'da beş, Japonya'da üç, Hollanda'da iki ve ABD, Norveç ve Güney Kore'de birer tane

Başlıca kişisel sergiler

MoMA (New York, 1991), Hirschhorn Museum and Sculpture Garden (Washington, 1991), Documenta (Kassel, 1989, 1992), Ludwig Museum (Köln, 1992, 2002), Stedelijk Museum (Amsterdam, 1993, 1995), Venedik Bienali (1988, 1993, 1995, 1997, 2003, 2007), Centre Pompidou (Paris, 1995), Mori Müzesi (Tokyo, 2003, 2004), MAXXI (Roma, 2004), Devlet Tretyakov Galerisi (Moskova, 2003-2004), 2004-2005), Devlet İnziva Yeri Müzesi (St. Petersburg, 1994, 2004, 2005, 2010, 2013), Puşkin Müzesi im. Puşkin (Moskova, 2008), Müze çağdaş sanat Garaj (Moskova, 2008), Multimedya Sanat Müzesi (Moskova, 2013), Monumenta at the Grand Palais (Paris, 2014), Çin Bienali (Pekin, 2017) ve diğerleri

Enstalasyonlar Hermitage (St. Petersburg), Tretyakov Galerisi (Moskova), Guggenheim Müzesi (New York), MoMA (New York), Stedelijk Müzesi (Amsterdam), Caixa Forumu (Barcelona), Centre Pompidou koleksiyonlarında yer almaktadır. (Paris), Tate Modern (Londra), Avustralya, Almanya, Norveç, İsviçre, Japonya ve diğer ülkelerdeki müzelerde

Ödüller ve unvanlar

Sanat ve Edebiyat Nişanı Şövalyesi ve Komutanı (Fransa, 1995, 2014). Kaiserring sanat ödülünün sahibi (Goslar, Almanya, 1998). Bern Üniversitesi'nden Fahri Felsefe Doktoru (İsviçre, 2000). Oscar Kokoschka Ödülü sahibi (Viyana, 2002). Sorbonne Üniversitesi'nden Fahri Felsefe Doktorası (Paris, 2007). "Heykel" adaylığında İmparatorluk Ödülü sahibi (Japonya, 2008). Halkların Dostluk Düzeninin Cavalier'i (Rusya, 2008). Fahri Akademisyen Rus Akademisi Sanat (Rusya, 2008). "En İyi Amerikalı Sanatçılar" ödülünün sahibi (Washington, ABD, 2010). İnovasyon Ödülü sahibi (Rusya, 2011). Diğer birçok ödül ve ödülün sahibi

Tate Modern'deki sergi, mümkün olduğu kadar eksiksiz olmayacak olsa da, gerçekten bizim en özgün retrospektifimiz. Başlıklarında “retrospektif” kelimesi geçen birçok serginin aksine, aslında retrospektif değildiler. Belli bir plana göre, belli bir konsepte göre yapılmış sergilerdi, yani toplu yerleştirmelerdi.

Sergide hangi eserler en erken, hangileri en yeni olacak?

Tate Modern'deki sergi için, İlya'nın 1964'te yaptığı ve eksik olduğunu düşündüğümüz ilk kavramsal tablo “Futbolcu” ile başlayan resimler, çizimler, yerleştirmeler, modeller, retrospektif sergi için özel olarak seçildi. Ama aniden tekrar dışarı çıktı ve onu kurtarmayı başardık. Bir de 1950'lerin, 1960'ların, 1970'lerin, 1980'lerin ve en sonunda, 1990'ların, günümüze kadar gelen tabloları var. Tate projesi 1950'lerin sonlarından günümüze kadar olan dönemi kapsamaktadır. son çalışmalar 2017.

Sergilerinizden hangisini en önemli olarak hatırlıyorsunuz?

Şimdi hangi sergilerin en önemli olduğunu (veya hatırlandığını) söylemek zor, ama tabii ki öncelikle 1988'de Ronald Feldman Gallery'deki sergiden, ardından 1992'de Kassel'deki Documenta'dan, Venedik Bienali'nden bahsetmek istiyorum. 1993 yılında Büyük Arşiv yerleştirmesiyle Stedelijk Müzesi'ndeki sergi ve neredeyse inşa ettiğimiz Pompidou Merkezi tüm şehir- "Burada yaşıyoruz" (1995). Ayrıca MoMA (“The Bridge”, 1991) ve Monumenta çerçevesinde gerçek bir şehir inşa ettiğimiz Paris'teki Grand Palais (“Strange City”, 2014) projeleri de önemliydi.

Şimdi Rusya'daki sergilerden bahsetmiyorum (ilk sergi 2004 yılında Hermitage'da "" Müzedeki Olay "ve diğer enstalasyonlar", Stella Sanat Vakfı'nın yardımıyla düzenlendi. - TANR). Bizim için, bir yandan, “dönüş”ün inanılmaz derecede güçlü bir izlenimiydi ve diğer yandan, ruh ve dünya görüşü olarak bize çok yakın olan insanlar dışında çok az insanın anladığı garip bir his yaşadık. Bu sergilerin içeriği. Özellikle Garajdaki sergi (2008'deki Alternatif Sanat Tarihi. — TANR), hem tam bir kurulum hem de saf bir konseptti, ancak birçok kişi tarafından geriye dönük olarak algılandı. Her ne kadar yanılıyor olsak da.

Sonbaharda Washington'daki Hirshhorn Müzesi'nde de bir serginiz olacağını söylemiştiniz. Oraya ne girecek?

Bu sergi geçmişe nostaljik bir yürüyüş gibi. Gerçek şu ki, Amerika'daki ilk gerçek müze sergimiz 1991'de bu müzede açıldı, bir grup değil, kişisel.

“On Karakter” yerleştirmesi o zaman sergilendi ve bu müzenin güvenlik görevlisiyle “ortak apartmanların” ne olduğu ve insanların zorla koşullara yerleştirildiği küçücük bir alanda azgın tutkular hakkında konuşmamı hatırlıyorum. hayatı boyunca yan yana yaşamak zorunda kalır. Aşk ve nefret hakkında, kavgalar ve karşılıklı destek hakkında, kollektif insan simbiyozunun garip bir fenomeni hakkında. Serginin ziyaretçilere açılmasından sonra, küratör İlya ve ben salonlarda dolaşıyorduk ve aniden güvenlik görevlimizi duyduk ve gördük, büyük bir coşkuyla bir grup ziyaretçiye sanatçının niyetini anlattık. Tabii ki, “Bunun için değil, sergi alanını koruması için ona para ödüyoruz” diyen küratörün aksine, bundan memnun kaldık.

Eylül ayında gerçekleştirdiğimiz ve gerçekleşmeyen projelerimizin modellerini göstereceğiz. Amerika'da bir ev aldığımızda ve burada birkaç bina inşa ettiğimizde, “gerçekleşmemiş projeler müzesi” yaratma fikri ortaya çıktı. Şimdi, 20 yıl sonra, birçoğu zaten gerçek oldu, ancak çok sayıda, büyük olasılıkla, "gerçekleşmemiş" statüsünde kalacak.

İlya ve Emilia Kabakov. "Liya Mironovna Kovaleva: "Bu kimin kepçesi?" 1989. Tuval, yağ, metal

Amerika, Avrupa ve Rusya'da sergi hazırlıkları farklı mı?

Oldukça garip bir soru. Çalıştığımız veya çalışmakta olduğumuz bu müzelerde kurumlar, kompozisyonları, küratörleri ve insan grupları farklıdır.

Bu arada, en iyisi kolay iş, iki durum nedeniyle Moskova Garajında ​​gerçekleşti. Dasha Zhukova herhangi bir şikayete anında tepki verdi (ve şikayet edilecek bir şey vardı: yeniden yapılanmadan sonra Melnikovsky garajında ​​kapı yoktu, çatı sızdırıyordu vb.). Ve elbette, tüm inşaatı denetleyen Alexander Starovoitov'un çalışması ("Alternatif Sanat Tarihi" toplam kurulumunun) harikaydı. TANR), gelecek yıl Tretyakov Galerisi'nde bir retrospektif yapacağımız (oraya Tate Modern'den taşınacak, ancak genişletilecek).

Ve ikinci sergi, haftanın 18 günü, günde 24 saat çalışmamıza rağmen, Paris Monumenta'daki Grand Palais'de aynı derecede kolaydı. 100 kişi bizimle çalıştı. Küratörümüz, dünyanın en iyi küratörlerinden biri olan Jean-Hubert Martin'di.

Olga Sviblova'nın Moskova Multimedya Sanat Müzesi'ndeki sergide de her şey çok iyi yapıldı (“Ütopya ve gerçeklik? El Lissitzky, Ilya ve Emilia Kabakov” 2013. — TANR). Her şey net bir şekilde, zamanında, sorunsuz bir şekilde gerçekleştirildi. İki Olgas orada her şeyi mükemmel bir şekilde organize etti: ilk olarak, Olga Sviblova'nın kendisi ve ikincisi, Sviblova'nın sağ eli Olga Nestertseva.

Dolayısıyla projelerin hazırlanması konusunda çok şanslı olduğumuzu söyleyebiliriz. Ve çeşitli nedenlerle en zoru, Paris'teki Pompidou Merkezi'ndeki ve Amsterdam'daki Stedelijk Müzesi'ndeki sergilerdi.

İlya ve Emilia Kabakov. "Yukarı bakıyor. kelimeleri okumak" . 1997. Münster'de kurulum çizimi

Yakın gelecekte hangi sergileri planladınız ve orada neler göstereceksiniz?

Tüm fuarlar 2022 yılına kadar planlanmıştır. Ancak şimdiye kadar bunlar sadece planlar: gerçeklik, şimdi yaş ve sağlık nedenlerinden dolayı bunları gerçekleştirmeyi her zaman mümkün kılmıyor.

Örneğin, 2018-2019 için ABD, Dallas'taki Dallas Contemporary'de, fevkalade iyi ve ilginç bir sergi yapabileceğiniz devasa bir alana sahip bir retrospektif planlanıyor.

New Paltz'daki Samuel Dorsky Sanat Müzesi (New York, ABD. — TANR) üniversitede açık, bu yüzden orada öğrencilerle birlikte çalışacağız.

Nisan 2018'de Rostock'ta bir sergi planlanıyor, ardından Berlin ve Münih'te sergiler olacak.

"Hoşgörü Gemisi" enstalasyonu şu anda Roma'da gösteriliyor. Bunu Vatikan (ve bizzat Papa ile) ve İtalya Eğitim Bakanlığı ile birlikte yaptık. Ayrıca bu proje Londra, Oslo, Rostock, Washington ve Palermo'da gösterilmek üzere hazırlanıyor. En iyi şekilde, 4.000 çocuğun ve ebeveynlerinin, şehrin sıradan sakinlerinin ve bakımevlerinden gelen hastaların yanı sıra en kalabalık ülkelerden gelen mültecilerin bulunduğu İsviçre'nin Zug kentinde yapıldı. Farklı ülkeler. Üç ilin müze ve belediye başkanları, proje programını daha önce hiç yapılmamış bir şekilde gerçekleştirdi. Şimdi bu programın İsviçre'deki diğer şehirlerde uygulanmasına yardımcı oluyorlar.

Yakın gelecekte Rusya'da planlanan herhangi bir sergi veya sanat projesi var mı?

İlk olarak, Şubat 2018'de, Londra'daki Tate Modern'den gelen retrospektif, Devlet İnziva Yeri'ne taşınacak, ardından gelecek yıl Eylül ayında Krymsky Val'deki Yeni Tretyakov Galerisi'nde gösterilecek.

İlya ve Emilia Kabakov. "Mart 1961'den önce yapmam gerekenlerin listesi." 1989. Sunta üzerine dört parça (kumaş), yağ ve emaye

En iyi nerede çalışıyorsun?

İlya'nın resim yaptığı ve tüm projeler ve sergiler için planlar geliştirdiğimiz evde (özellikle yaratıcı çalışma hakkında soruyorsanız) çalışmak en iyisidir.

Bilgisayarı ne sıklıkla ve nasıl kullanıyorsunuz?

İlya sadece bilgisayar değil, telefon bile kullanmıyor. Bilgisayarımı esas olarak iletişim için kullanırım: posta, Skype, haberler ve internette ilginç bir şey bulursam İlya için Rusça makaleler de basarım.

Bilgisayar ve İnternet sanatın gelişimini etkiler mi?

Bu, bilgisayarı sanat eserleri yaratmak için kullanan çağdaş sanatçılara sorulmalıdır. Bu soruya cevap veremeyiz.

Mevcut Rus sanatı uluslararası bağlamda nasıl görünüyor?

Rusya'da yaşamadığımız için çağdaş Rus sanatını yargılayamayız. Her yerde ve her zaman olduğu gibi, Rusya'da çok ilginç sanatçılar var ve sadece kötü olanlar var.

Şimdi sanatın krizi hakkında çok şey konuşuluyor. Bundan kurtulmanın bir yolu var mı yoksa bu durum sonsuza kadar sürecek mi?

Hiç kimse sanatın krizinden bahsetmedi mi? Eski sanat tarihi dergilerine, eski sanatçıların makalelerine, eleştirmenlere ve sanat eleştirmenlerine bakın.

Sizce modern sanat hangi aşamadan geçiyor?

Bir öncekinden hemen sonra gelen bir sonraki aşama. Artık paranın zaferi, piyasa ve diğer trajik koşullardan bahsedebiliriz. modern dünya genel olarak ve özellikle sanat. Ancak son zamanlarda Rönesans sanatçılarının yaptıkları iş için müşterilere nasıl fatura gönderdiği ve bunları nasıl değerlendirdiği hakkında bir kitap okudum... O yüzden şu anki durum hakkında yorum yapmasam iyi olur.

İlya Kabakov. "Futbol oyuncusu". 1964. Tuval üzerine yağlı boya

Çeşitli bienallere katılım sizin için ne kadar önemli?

Elbette, bir zamanlar uluslararası projelerdeki genel durum ve atmosferin tamamen farklı olması çok ilginçti. O zamanlar herkesin en iyi olmak istediği, ancak aynı zamanda bir dostluk duygusunun geliştiği bir sanatçılar topluluğu vardı. Bu devasa sergilerin kültürel ve tarihi önemi son derece önemliydi. Ve o zamanlar Venedik Bienali ve Documenta'nın Harald Szeemann, Germano Celant, Jean-Hubert Martin, Robert Storr ve diğerleri gibi son derece yetenekli küratörler tarafından düzenlenen büyük tematik projeler olduğu için şanslıydık.

Bugün dünyada çok fazla bienal var ve açıkçası onlara katılamıyoruz. Güç yok. Şu anda Ermenistan Birinci Trienali ve Vladivostok Bienali'ne katılıyoruz. Ama artık oraya gidemeyiz.

Kavramcılık yaşıyor mu? Rusya'daki mevcut siyasi durum ona yardım mı ediyor yoksa onu engelliyor mu?

Elbette yaşıyor. Sistemin kendisi inanılmaz bir kavramdır. Sanatsal bir fenomen olarak kavramsallığa gelince, Rusya'da yaşayanlara sormanız gerekir: Andrei Monastyrsky, Elena Elagina, Igor Makarevich ve diğer aktif sanatçılar.

Rus kavramsalcılığının kurucu babaları ve onların takipçileri çevresinde kişisel ve yaratıcı bağlar korundu mu?

Bazı bağlantılar kaldı, bazıları kayboldu. Zaten belirli insanlara ve aralarındaki ilişkiye, her türlü yaşam durumuna bağlıdır. Bütün bunları açıklamak çok zor, ama prensipte, bize yakın düşünen insanların arkadaşımız olduğunu ve kaldığını söyleyebiliriz. Gerisi sadece yaşam tarafından alındı.

İlya ve Emilia Kabakov. "Köprü". 1991. Kurulum çizimi

Modern Rus edebiyatını takip ediyor musunuz? Burada seni ilgilendiren bir şey var mı? Akunin, Pelevin, Ulitskaya, Sorokin?

Nadiren Rusça kitap okurum. Sadece şiir ve sadece klasik. İlya sadece Rusça okur, ancak bunlar çoğunlukla sanat kitaplarıdır. Yoksa şiir, klasik edebiyat, onun için bulduğum makaleler, anılar, biyografiler, Vladimir Sorokin ve Boris Groys, Mikhail Epstein'ın metinleri mi?

Groys dışında hangi eleştirel metinler ve işinize ilişkin yorumlar size en yakın?

Her şeyden önce, tabii ki Robert Storr ve Matthew Jesse Jackson. Ve bunların yanı sıra, bizim çalışmalarımız da dahil olmak üzere Rus sanatçılar hakkında yazan birçok Batılı sanat tarihçisi var. Genellikle bunlar çok ilginç ve profesyonel yorumlardır.

Opera manzarasının etkisi, “Toplam Kurulum Üzerine” ders dizisinde açıklanan toplam kurulumların çalışma biçiminden farklı mı?

Bir tiyatroda hiç opera prodüksiyonu üzerinde çalışmadık. Biz sadece bu enstalasyonun içinde opera sahnelemek için kullanılan bir enstalasyon yapıyorduk. Buradaki tek fark, tiyatroda izleyicinin dışarıda oturması ve oyuncunun tüm yerleştirmenin içinde olması, müzede ise izleyicinin aynı zamanda oyuncu olmasıdır. İçeride olduğu ve yerleştirmede ilerlediği için, aslında sanatçının kendisi için tasarladığı rolü "oynuyor".

Hayatının sonunda Madrid Kraliyet Tiyatrosu'nun baş şefi ve sanat yönetmeni olan Bochum'daki Salzburg'daki müzik festivalinin yönetmeni olan ünlü impresario Gerard Mortier ile birkaç kez çalıştığımız için şanslıydık. Bu adam, olduğu gibi, Sergei Diaghilev'in modern reenkarnasyonuydu.

Ortak bir apartman dairesinde yaşama eşlik eden korkudan bahsettiniz. Bu korku zamanla azaldı mı? Hala korkuyor musun?

Hiç ortak bir apartman dairesinde yaşamadım ve genel olarak korku hissim yok ve asla olmadı.

Sanatsal yaratıcılığın başarısı ve "doğruluğu" için paranın yanı sıra kriterler var mı?

Finansal başarı bizim için hiçbir zaman bir başarı ölçüsü olmadı. İlya asla “satılık” işler (resimler, çizimler ve enstalasyonlar) yapmadı. Bu nedenle çok fazla koleksiyonerimiz yok. Eserlerimiz esas olarak müze alanları, müze izleyicileri, sanat tarihçileri için tasarlanmıştır, ancak belirli bir koleksiyoncu için değil. Çalışmamızın muhatabı her zaman sanat tarihi, kültür tarihi olmuştur.

Bir sanatçı aç mı yoksa tok mu olmalı?

Üzgünüm ama bu çok akıllıca bir soru değil. Bir sanatçı, her şeyden önce bir sanatçı olmalıdır ve bunun nasıl olacağına kader karar verecektir.

İlya ve Emilia Kabakov. "Korku İki Anıları". 1990. Berlin'de bir enstalasyonun çizimi

Sanat elitist mi olmalı, ulaşılabilir mi?

Sanat kitleleri kendi seviyesine yükseltmeli ama asla kitlelerin seviyesine inmemelidir.

Sanat hayatta yardımcı olur mu? İş sırasında kazanılan deneyim, özel hayatınızın faydalarına nasıl dönüşüyor?

Sanat bizim tüm hayatımızdır, bu yüzden bu soruyu cevaplamamız imkansız. Pratikte mahremiyetimiz yok.

Faaliyetin ana sonucunun olduğunu söylemek doğru mu? çağdaş sanatçı kendisi mi yoksa onun hakkındaki efsane mi?

Sanatçının faaliyetinin ana sonucu, eseri, tüm yaratıcılığıdır. Görünüşe göre, sen ve ben farklı düşünüyoruz, çünkü böyle bir soru aklıma bile gelmezdi.

Diğer sanat dallarında neler olup bittiğini takip ediyor musunuz?

Sanat dünyasında yaşamak ve aynı zamanda etrafta olup biteni takip etmemek imkansızdır. Dünya çok hızlı değişiyor ve sürekli yeni, genç sanatçılar, yazarlar, yönetmenler geliyor. Bizim için son derece ilginçler.

Operaya gider misin, televizyon izler misin?

Operaya, baleye ve konserlere her zaman, her yerde gideriz. Doğru, şimdi, İlya'nın kendini pek iyi hissetmemesi nedeniyle, tüm bunlar sınırlı. Ama torunlarımız profesyonel müzisyen oldukları için konserlerine gidiyoruz bazen de gelip evimize konser veriyorlar.

İTİBAREN drama tiyatrosu incelikler nedeniyle durum daha sorunlu görünüyor İngilizce dili, ancak bazen - ancak, çok nadiren - bu tür performanslara gidiyoruz.

Moskova'da veya St. Petersburg'dayken hemen hemen her zaman tiyatroya gideriz. Eylül ayında Moskova'da sadece bir gün kaldım ama Bolşoy'a gittim. İlya ile geldiğimizde, hep tiyatroya Pyotr Fomenko'ya gittik.

Kitap okur musun, sinemaya gider misin? Hollywood genel olarak iyi mi yoksa kötü mü?

Kitap okuyoruz, sinemaya gidiyoruz, film izliyoruz. Hollywood bir "rüya fabrikası"dır ve herhangi bir rüya, herhangi bir fantezi gibi, ya iyi bir şekilde ya da hiçbir şekilde somutlaştırılmamıştır, sadece vasattır. Sadece başkaları tarafından zaten kontrol edilenleri izlemeye çalışıyoruz. Leviathan'ı yeni izledim. Sadece harika bir film! Çok uzun bir süre tamamen umutsuzluk izleniminden uzaklaştık.

Hangi bestecileri dinliyorsunuz?

İlya, Chopin, Mozart, Prokofiev, Bach ve benzerlerinin müziğine çalışır. Genellikle romantizm içerir, ancak yalnızca iyi performansta. Ama çoğunlukla sadece klasik müzikle çalışıyor. Büyük bir kayıt koleksiyonumuz var. Genellikle İlya çizdiğinde, kendisi şarkı söyler. Ayrıca stüdyoda telefon yok, bu yüzden kimse ve hiçbir şey işten dikkati dağıtmıyor.

Hirshhorn Müzesi, Washington
İlya ve Emilia Kabakov. "Ütopik projeler"
7 Eylül 2017 - 4 Mart 2018

Tate Modern, Londra
İlya ve Emilia Kabakov. “Herkes geleceğe alınmayacak”
10 Ekim 2017 - 28 Ocak 2018