Plan

giriiş

1. Manevi ve sanatsal kökenler Gümüş Çağı

2. Sonun Rus resminin özgünlüğü XIX-- başlangıç XX yüzyıl

3. Sanat dernekleri ve resmin gelişimindeki rolleri

Çözüm

Edebiyat

giriiş

Biz, güneşe doğru yolumuza hükmediyoruz, İkarus gibi, Rüzgarlardan ve alevlerden bir pelerin giydirildik.

(M. Voloşin)

19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında şekillenen ve alışılmadık derecede zengin meyveler üreten manevi yaşam sistemi, genellikle "Gümüş Çağı" romantik terimiyle anılır. Duygusal yükün yanı sıra, bu ifadenin belirli bir kültürel içeriği ve kronolojik çerçevesi vardır. Eleştirmen S.K. tarafından aktif olarak bilimsel kullanıma sunuldu. Makovsky, şair N.A. Otsup, filozof N.A. Berdyaev. Sanatçı K.E.'nin oğlu Sergei Makovsky. Zaten sürgünde olan Makovsky, bu zaman hakkında en ünlü anı kitabı olmaya aday olan "Gümüş Çağın Parnassus'u" kitabını yazdı.

Çoğu araştırmacı, 20-25 yıllık dönemi, 19.-20. yüzyılların başındaki Gümüş Çağı'na bağlar. ve ilk bakışta 90'ların başındaki sıradan kültürel olaylarla başlayın. 1894'te, "sembolist" şairlerin ilk "Bryusov" koleksiyonu yayınlandı, M.P. Mussorgsky'nin operası "Khovanshchina" sahneye çıktı; yaratıcı yol besteci-yenilikçi A.N. Scriabin. 1898'de, St. Petersburg'da temelde yeni bir yaratıcı dernek "World of Art" kuruldu ve S.P.'nin "Rus mevsimleri" Paris'te başladı. Diaghilev.

Gümüş Çağı kültürünün en parlak zamanı 10'lara düşer. XX yüzyıl ve sonu genellikle 1917-1920 siyasi ve sosyal çalkantılarıyla ilişkilendirilir. Böylece, Gümüş Çağı'nın en geniş kronolojik çerçevesi: 90'ların ortalarından itibaren. 19. yüzyıl 20'li yaşların ortasına kadar. XX yüzyıl., Yani yüzyılın başında yaklaşık 20-25 yıl.

Rus kültürünün ve onunla birlikte Rus resminin bu dönemde yaşadığı dönüm noktası neydi? Bu dönem neden istemeden hafızamızı Puşkin Rönesansının altın çağına geri getiren şiirsel bir isim aldı? Bu soruların cevapları hala bilim adamlarının, yazarların ve sanat tarihçilerinin zihinlerini heyecanlandırıyor. Bu, makalemizin konusunun alaka düzeyini belirledi.

19.-20. yüzyılların dönüşü Rusya için bir dönüm noktasıdır. Ekonomik inişler ve çıkışlar, kayıp Rus-Japon Savaşı 1904--1905 ve 1905-1907 devrimi, ilk Dünya Savaşı 1914--1918 ve monarşiyi ve burjuvazinin gücünü deviren Şubat ve Ekim 1917 devriminin bir sonucu olarak... Ama aynı zamanda bilim, edebiyat ve sanat eşi görülmemiş bir gelişme yaşadı.

1881 yılında özel bir evin kapıları Sanat Galerisiünlü tüccar ve hayırsever Pavel Mihayloviç Tretyakov, 1892'de Moskova'ya bağışladı. 1898'de Rus İmparator Müzesi açıldı. İskender III Petersburg'da. 1912'de tarihçi Ivan Vladimirovich Tsvetaev'in (1847-1913) girişimiyle, Güzel Sanatlar Müzesi (şimdi Puşkin Devlet Güzel Sanatlar Müzesi) Moskova'da çalışmalarına başladı.

Wanderers'ın resimdeki gerçekçi gelenekleri, anlatıları ve eğitici tonları geçmişte kaldı. Modern tarzla değiştirildiler. Mimaride esnek, akıcı çizgilerle, heykel ve resimde sembolik ve alegorik görüntülerle, grafiklerde sofistike yazı tipleri ve süslemelerle kolayca tanınır.

Çalışmamızın amacı, zamanın tarihsel ve sosyal sorunlarıyla yakından bağlantılı olarak, resmin gelişim süreçlerini göstermektir. geç XIX- erken XX yüzyıllar

Bu hedefe ulaşmak için aşağıdaki görevleri tamamlamanız gerekir:

Vermek Genel özellikleri 19. yüzyılın sonlarında sanat - erken. XX yüzyıl;

O zamanın resminin önde gelen temsilcilerinin çalışmalarını tanımlayın;

Ana yönergeleri öğrenin güzel Sanatlar bu sürenin.

Özet yazılırken Berezova L.G.'nin kitabından yararlanılmıştır. Yazarın, eski Rusya zamanından günümüze kültür gelişimi tarihinin ana sorunlarını ele aldığı "Rus Kültür Tarihi". Bu monografın yazarı, modern dünyada tartışılan bakış açısını paylaşıyor. Bilimsel edebiyat. Kültürün ulusal tarihin destekleyici yapısı olarak görülmesi gerçeğinde yatmaktadır.

Deneme üzerinde çalışırken kullanılan bir sonraki kitap, "Yerli Sanat", yazar Ilyina T.V. Bu monografi güzel sanatlar tarihine ayrılmıştır. Yazar, 19. yüzyılın sonlarında 20. yüzyılın başlarında Rus sanatının gelişiminin nesnel ve doğru bir resmini vermeye, isimleri trajedi olan Rus sanatçıların eserlerinden bahsetmeye çalıştı. tarihsel gelişim toplumumuz unutulmaya sürüklendi.

Sternin G.Yu. "Rusça Sanat kültürü 19. yüzyılın ikinci yarısı ve 20. yüzyılın başlarında" bu eserleri seçmeye ve bir veya başka bir yönü en açık şekilde karakterize etmeye çalıştı usta sanatçı Rus sanatında resmin gelişiminin özelliklerine mümkün olduğunca bütünsel bir bakış açısı yaratmak için.

Ve ayrıca bu çalışmada, belirli sanatçıların eserlerini analiz etmek için sanat eleştirmenleri Vlasov R.I., Fedorov-Davydov A.A. ve diğerlerinin eserleri kullanıldı.

1. Gümüş Çağının Manevi ve Sanatsal Kökenleri

19. yüzyılın sonu Rus kültürü için önemli bir nokta, yeni bir öz-bilinç arayışı anı oldu. Sosyo-politik ve manevi gelişim açısından, Rusya'da saklanan her şey donmuş gibiydi. Bu sefer A.A. Block dokunaklı satırları yazdı:

O yıllarda uzak, sağır

Kalplerde uyku ve karanlık hüküm sürdü.

Rusya'ya karşı galip

Baykuş kanatlarını yayın.

Yenilenmenin başlangıcı, değerler sisteminde, dünya ve insan hakkındaki fikirlerde ince değişikliklerin yapıldığı ulusal öz bilincin derinliklerinde yatmaktadır. Kültürün derinliklerinde olgun olan nedir?

Zamanın oku adeta bir sapma, bir kırılma, bir düğüm yapar. Yüzyılın sonunda, kültürel çemberin tamamlanması olan “döngünün sonu” duygusunun özellikle güçlü olduğu ortaya çıktı. Filozof V.V.'nin sözleri. Rozanova, bu endişe duygusunu aktarıyor: “Ve tarihsel kırılma noktasından, çirkin köşeler çıkıyor, sivri uçlar, genellikle tatsız ve acı verici” Berezovaya L.G. Rus kültürünün tarihi.-M., 2002 -S.65. Manevi rahatsızlık durumu, 19. yüzyılın sonlarında tüm kültür tarafından hissedildi.

Yüzyılın başındaki kültürel eğilimler, sanat tarihçileri tarafından bazen “çöküş” kelimesiyle anılır. Aslında, çöküşün kendisi, “yüzyılların dönüşü” anında ulusal ruhun durumunun sanatsal bir belirtisiydi. Karamsarlığı, önceki kültürel deneyimin inkarı değil, yeni bir döngüye geçmenin yollarını aramaktı. Giden yüzyılın tükenmiş mirasından kurtulmak gerekiyordu. Bu nedenle, Rus çöküşünün yıkıcı, yıkıcı doğası izlenimi.

Bilinmeyen bir geleceğe umutsuz bir köprü olarak da düşünülebilir. Çöküş, Gümüş Çağı'ndan çok önce değil, tavır olarak, sanat sistemi. Eskiyi inkar ederek yeniyi aramanın yolunu açtı. Her şeyden önce, bu, yaşam değerleri sistemindeki yeni vurgularla ilgilidir.

XIX yüzyılın sonunda. insan ilk kez bilimin korkutucu gücünü ve teknolojinin gücünü hissetti. AT gündelik Yaşam telefon ve dikiş makinesi, çelik kalem ve mürekkep, kibrit ve gazyağı, elektrikli aydınlatma ve motor dahil içten yanma, buharlı lokomotif, radyo... Ama bununla birlikte dinamit, makineli tüfek, hava gemisi, uçak ve zehirli gazlar icat edildi.

Bu nedenle, Beregovaya'ya göre, gelecek XX yüzyılın teknolojisinin gücü. ayrı yapılmış insan hayatıçok savunmasız ve kırılgan. Yanıt, kültürün bireysel insan ruhuna özel ilgisiydi. L.N.'nin romanları ve felsefi ve ahlaki sistemleri aracılığıyla ulusal bilince ağırlaştırılmış bir kişisel başlangıç ​​geldi. Tolstoy, F.M. Dostoyevski ve daha sonra A.P. Çehov. Edebiyat ilk kez ruhun iç yaşamına gerçekten dikkat etti. Aile, aşk, insan hayatının öz değeri temaları yüksek sesle duyuldu.

Çöküş döneminin manevi ve ahlaki değerlerinde böylesine keskin bir değişiklik, kültürel yaratıcılığın kurtuluşunun başlangıcı anlamına geliyordu. Çöküş, putların inkarı ve devrilmesiyle sınırlı olsaydı, Gümüş Çağı, Rus kültürünün yeni bir niteliğine yönelik bu kadar güçlü bir dürtü olarak asla kendini gösteremezdi. Decadence, onu yok ettiği ölçüde yeni bir ruh inşa etti, Gümüş Çağı'nın toprağını yarattı - tek, ayrılmaz bir kültür metni. Vlasova R.I. Konstantin Korovin. Yaratıcılık.- L., 1970.-s.32.

Ulusal sanatsal geleneklerin canlanması. 19. yüzyılın sonunda insanların öz-bilincinde. geçmişe, her şeyden önce kişinin kendi tarihine olan ilgisi yakalandı. Tarihlerinin mirasçısı olma duygusu N.M. Karamzin. Ancak yüzyılın sonunda bu ilgi gelişmiş bir bilimsel ve maddi temel aldı.

XIX'in sonunda - XX yüzyılın başında. Rus simgesi, ibadet nesneleri çemberini "bıraktı" ve bir sanat nesnesi olarak görülmeye başlandı. Tretyakov Galerisi'nin mütevelli heyeti Moskova'ya transfer edildi, I.S. Ostroukhov. Ostroukhov, tüm dünyayı daha sonraki bir “tadilat” ve kurum katmanı altında görmeyi başardı. eski Rus resmi. Gerçek şu ki, parlaması için ikonlarla kaplanan kuruyan yağ, 80-100 yıl sonra o kadar karardı ki ikona yeni bir imaj yazıldı. Sonuç olarak 19. yüzyılda Rusya'da, 18. yüzyıldan daha eski olan tüm simgeler, birkaç kat boya ile sıkıca gizlendi.

900'lerde restoratörler ilk simgeleri temizlemeyi başardı. Eski ustaların renklerinin parlaklığı, sanat uzmanlarını şok etti. 1904'te, A. Rublev'in "Trinity"si, en az üç yüz yıldır uzmanlardan saklanan daha sonraki kayıtların birkaç katmanının altında keşfedildi. XVIII-XIX yüzyılların tüm kültürü. neredeyse kendi Eski Rus mirası hakkında bilgi sahibi olmadan geliştirildi. Rus sanat okulunun simgesi ve tüm deneyimi, Gümüş Çağı'nın yeni kültürünün önemli kaynaklarından biri haline geldi.

19. yüzyılın sonunda, Rus antik çağı hakkında ciddi bir çalışma başladı. Rus silahlarının, kostümlerinin, kilise eşyalarının çizimlerinden oluşan altı ciltlik bir koleksiyon yayınlandı - "Rus Devletinin Eski Eserleri". Bu baskı, sanatçıları, Faberge firmasının ustalarını ve birçok ressamı eğiten Stroganov Okulu'nda kullanıldı. Moskova'da bilimsel yayınlar yayınlandı: "Rus süsü tarihi", "Rus kostümü tarihi" ve diğerleri. Kremlin'deki Cephanelik açık bir müze haline geldi. İlk bilimsel ve restorasyon çalışması Kiev-Pechersk Lavra'da, Trinity-Sergius Manastırı'nda, Kostroma'daki Ipatiev Manastırı'nda yapıldı. Taşra mülklerinin tarihi çalışmaları başladı ve taşrada yerel tarih müzeleri çalışmaya başladı.

Rusya'daki eski sanatsal geleneklerin anlaşılmasına dayanarak yeni bir tane oluşmaya başladı. Sanat tarzı- modern çim. Yeni tarzın ilk özelliği, geçmiş yüzyılların kültürünün modern insan tarafından anlaşılması anlamına gelen retrospektivizmdi. Kültürün entelektüel alanlarındaki sembolizm ve sanatsal alanlardaki Art Nouveau'nun ortak bir dünya görüşü temeli, yaratıcılığın görevlerine ilişkin aynı görüşler ve geçmiş kültürel deneyime ortak bir ilgi vardı. Sembolizm gibi, Art Nouveau da tüm Avrupa kültüründe ortaktı. "Modern" terimi, daha sonra Brüksel'de yayınlanan "Çağdaş Sanat" dergisinin adından geldi. Sayfalarında "yeni sanat" terimi de yer aldı.

Art Nouveau ve Gümüş Çağı'nın sembolizmi, karmaşık bir sentetik stil olarak, hatta tüm zamanların ve halkların kültürel mirasına temel bir açıklıkla çeşitli stillerin bir birleşimi olarak oluşturuldu. Bu sadece bir bağlantı değildi, c. bakış açısından insanlığın kültürel tarihinin duyusal deneyimi modern adam. Bu bağlamda, tüm retrospektivizmine rağmen Art Nouveau gerçekten yenilikçi bir tarzdı.

Gümüş Çağın başlangıcının rafine modernliği, yeni eğilimler tarafından desteklendi: yapılandırmacılık, kübizm, vb. Avangard sanatı, çizgilerin ve hacimlerin yapıcı netliği, renk pragmatizmi ile “anlamlar ve semboller” arayışına meydan okurcasına karşı çıktı. çözümler. Rus kültürünün Gümüş Çağı'nın ikinci dönemi avangard ile bağlantılıdır. Oluşumu, diğer şeylerin yanı sıra, Rusya ve Avrupa'daki siyasi ve sosyal olaylardan etkilendi: devrimler, dünya ve iç savaşlar, göç, zulüm, unutulma. Rus avangardı, savaş öncesi ve devrim öncesi toplumda artan felaket beklentileri atmosferinde olgunlaştı; savaşın dehşetini ve devrimin romantizmini özümsedi. Bu koşullar, Rus avangardının ilk özelliğini belirledi - gelecek için pervasız çabası.

Rus avangardının "Büyük Ütopyası". Avangard hareket, 1910'da meşhur Jack of Diamonds sergisiyle başladı. Avangard şairler, Burliuk kardeşler serginin düzenlenmesine yardımcı oldular ve Moskova Resim Okulu'nun “asilerinden” biri olan M.F. Larionov. Avrupa Kübistlerine benzer Rus sanatçıların eserlerini içeriyordu. Birleşen sanatçılar 1917'ye kadar ortak sergiler düzenlediler. “Elmas Knaves” in çekirdeği P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentulov, A.V. Kuprin, R.R. Falk. Ancak tüm Rus avangard sanatçılar, belki de bir tanesi hariç, bu derneğin sergilerinden bir şekilde geçti - Petersburger P.N. Filonov.

Aynı zamanda, serginin raporunda A.N. Benois ilk olarak "avangard" terimini kullanmıştır. Sadece izleyicileri değil, sanatçıları da gerçekten etkiledi, çünkü abartılı “elmas krikoları” fonunda, “World of Art” sanatçıları muhafazakar akademisyenlere benziyordu. Sunulan eserler P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkova, R.R. Falka, N.S. Goncharova ve diğerleri düşünce ve duygudan heyecanlandılar, dünyanın farklı bir görüntüsünü verdiler. Resimler dünyanın açgözlü, maddi hissini vurguladı: rengin yoğunluğu, vuruşun yoğunluğu ve ihmali, nesnelerin abartılı hacmi. Sanatçılar çok farklıydı, ancak bir ilke tarafından birleştirildiler - dizginsiz yenilik. Bu ilke yeni bir sanatsal yön oluşturdu.

Cezanne'ın takipçisi olan Pyotr Konchalovsky, resimlerinde canlı ve cansız maddeyi tuhaf bir şekilde birleştirdi. "Yakulov'un Portresi", parlak, neredeyse canlı bir iç mekan ile bir idole benzeyen hareketsiz oturan bir adamın karışımıdır. Bazı sanat eleştirmenleri, parlak renkleri ve yazının esnekliğini birleştirme tarzını V.V.'nin şiirsel tarzıyla karşılaştırır. Mayakovski. R.R.'nin resimlerinde yoğun, güçlü yeşillik. "Kırım Serisinden" Falk ve I.I.'nin "Mavi Erikler" in gösterici maddiliği. Mashkov, ilk avangardın, hayran olma ve zevk alma noktasına ulaşan nesnel dünyaya özel sevgisini gösteriyor. Sanat tarihçileri, sanatçının resimlerinde metal kaplardan özel bir "Mashkov'un çınlamasına" dikkat çekiyor.

En ilginç sanatçı "Jack of Diamonds" A.V.'nin eserlerinde. Lentulova avangard, nesnel olmayan sanatın eşiğine geliyor. Parisli arkadaşları ona fütürist diyorlardı.Resimlerinde icat ettiği “yönlü” alan, sevinçli renk şeması değerli ve parlak ürünler izlenimi yaratıyor (“Kutsanmış Vasily”, “Moskova” - 1913). |

Avangardların modernitenin "akademizmine" karşı "isyanı", onları ilkel halk geleneklerinin kullanımına, "işaret tarzına", halk popüler baskılarına, sokak eylemine özel ilgi göstermeye yöneltti. M.V.'nin "The Tree of Diamonds" daki en büyük isyancılar. Larionov ve eşi N.S. Goncharova, resimde konu imajının sınırlarının ötesine geçerek daha da büyük bir yenilik için çabaladı. Onlar için "elmas knaves" çerçevesi sıkışık hale geldi. 1912-1914'te. karakteristik isimlerle birkaç skandal sergi düzenlediler: "Eşek Kuyruğu", "Hedef", vb.

Bu sergilere katılanlar, her şeyden önce kendileri; M.V. Larionov ve N.S. Goncharov, ilkel olanı vurguladı.; Avangardizmin paradoksu şuydu; Yenilik, sanatçılar yerel kültürlerinden geleneksel unsurları kullandılar: Gorodets resmi, Maidan ahşap kaplarının parlaklığı, Khokhloma ve Palekh çizgileri, ikonlar, halk, popüler baskılar, şehir işaretleri, reklam. İlkel ve doğal olanın çekiciliği nedeniyle Halk sanatı M.V. Larionova, N.S. Goncharova ve arkadaşlarına bazen "Rus püristler" denirdi (saflık, ahlaki saflık fikridir).

Ancak yeni bir tarz arayışı farklı sonuçlar verdi. N.S. Goncharova, oryantal motiflerin Rus kültürüne girmesini çok önemli gördü ve kendisi de bu yönde çalıştı. Tarzının adını "her şey" buldu ve aynı konuyu istediği tarzda yazabileceğini iddia etti. Gerçekten de, resimleri şaşırtıcı derecede çeşitlidir. 1913'teki sergideki efsanevi çalışkanlığıyla. 773 tablo gösterdi. Bunların arasında ilkelci "Tırmıklı Kadınlar" ve eski Rus sanatı "İkon motifleri"nin ince bir retrospektifi ve gizemli "İspanyol gribi" ve konstrüktivist "Trenin üzerinde uçak" vardı. Mİ. Tsvetaeva, sanatçıyı “hediye ve emek” sözleriyle tanımladı. Goncharova, Stravinsky'nin The Golden Cockerel adlı ünlü Diaghilev yapımını tasarladı.

M.V. Larionov, avangart sanatın maddi dünyanın sınırlarının ötesine çıkışı olan bir tarz olan "rayonizm"in mucidi olarak bilinir. Sanatçı, tarzını “şeylerin doğrusal ritminin kendini geliştirmesi” olarak adlandırdı. Onun "ışıldayan" manzaraları gerçekten orijinaldir ve avangard sanatın yeni bir versiyonuna aittir - nesnel olmayan sanat veya soyutlamacılık. M. Larionov, şiirdeki aynı avangardistlerin skandal koleksiyonlarını coşkuyla tasarladı - arkadaşları, fütürist şairler Krucheny, Burliuk.

Rus avangardının anlamı ve kaderi. "Eşek Kuyruğu" sergileri ve M.V. Larionov ve P.S. Goncharova, Rus avangardının “fan” ilkesine göre geliştirilmesi, yani birçok yenilik çeşidinin yaratılması anlamına geliyordu. Zaten 10'larda. Avangard trendlerin olağanüstü çeşitliliğinde, yenilikçi aramaların üç baskın yönü ana hatlarıyla belirtilmiştir. Hiçbiri tamamlanmadı, bu yüzden onları şartlı olarak belirteceğiz.

1. Avangardın dışavurumcu yönü, izlenimin, ifadenin ve dekoratifliğin özel parlaklığını vurguladı sanatsal dil. En belirleyici resim çok "neşeli" bir sanatçıdır - M.Z. Chagall.

2. Kübizm yoluyla nesnel olmayan yol - nesnenin hacminin, maddi yapısının maksimum tanımı. K. S. Malevich bu şekilde yazdı.

3. Dünyanın lineer yapısını ortaya çıkarmak, teknolojileşme sanatsal görüntüler. V.V.'nin yapılandırmacı yaratıcılığı Kandinsky, V.E. Tatlin. Rus avangardı, Avrupa resminde ayrı ve görkemli bir sayfa oluşturdu. Geçmiş deneyimi reddeden yön, aynı duygu tutkusunu, sevgiyi korudu.

Dışavurumculuk - (Lat. Ehrgezzu'dan - ifade) - Rus kültürünü bir bütün olarak ayıran güçlü duygulara, dünyanın zıt bir vizyonuna, sanatsal dilin zengin renkler ve hayal gücü ile nihai ifadesine odaklanan sanatsal bir yön.

Bu "Rusluk", hem Rus hem de Alman sanatçı olarak adlandırılabilecek en "Avrupalı" avangard sanatçı Wassily Kandinsky'de bile kendini gösterir. Kandinsky, Almanya'daki Blue Rider derneğine liderlik etti, yurtdışında çok çalıştı. Çalışmalarının zirvesi 1913-1914'te, yeni resim teorisi üzerine birkaç kitap yazdığında geldi ("Adımlar. Sanatçının Metni"). Kişinin nesnel olmamaya giden yolu şu formülle ifade edilir: "nesnel ortamı şifreleyin ve sonra ondan ayrılın." Öyle yapar. "Tekneler" ve "Göl" adlı eserleri şifreli, zor tahmin ediliyor doğal çevre ve onun sayısız “Kompozisyonu” ve “Im Hükümleri” zaten ondan özgürdür.

Resmin gelişimindeki nesnel olmama, bireysel ve ulusal kendini tanımlamada artan kaosu yansıtıyordu. Ulusal fikrin olgunlaşması ufkun ötesinde kaldı ve kasırga zamanı, nesnelerin, duyguların, fikirlerin karışıklığı, bir felaketin önsezisi - şimdiki varlıkta.

İlk bakışta dünyanın nesnelliği ile gerçeksizliğinin bu tuhaf karışımını görüyoruz. saf resimler MZ Shaga-la, sert enerjide K.S. Maleviç. P.N.'nin tesadüfi değildi. Filonov, en gizemli Rus filozoflarından N.F. Fedorov (büyük insanlar, büyük dünya, kader, kader). V.V. Kandinsky Hint felsefesiyle uğraştı, E. Blavatsky'nin fikirleriyle ilgilendi. Soyut sanatçılar, tüm halk sanatına düşkündü: Rus oyuncakları, Afrika maskeleri ve kültleri, Paskalya Adası heykelleri.

10-20'lerin Rus avangardı üzerinde gözle görülür bir etki. yeni bir dünya beklentisiyle insanlığın teknik yetenekleri ve devrimci romantizm için bir tutku olduğu ortaya çıktı. Önümüzdeki 20. yüzyılın bir görüntüsüydü. makine psikolojisiyle, sanayiciliğin lineer plastisitesiyle. Matematiksel adı "0.10" olan sergide Malevich, herkesi hayrete düşüren "Siyah Kare"yi sergiledi.

Tabii ki, burada bir skandal anı da vardı - sonuçta, bohem "oyunun kurallarına" göre kişi kendini ancak şok yoluyla ilan edebilirdi. Ancak "karelerinden" birinin ünlü yenilikçinin mezarını süslemesi tesadüf değildir. Malevich, sanatın tam bir "illogism"ine doğru bir adım attı. 1915 tarihli "Manifesto"sunda. keşfini açıklıyor.

“Siyah Kare” hakkında yorum yapan Malevich, “resimlerde bir görüntü görme alışkanlığı ortadan kalktığında ... ancak o zaman tamamen resimsel bir çalışma görebileceğiz. Ona göre, sadece "korkaklık ve zayıflık" insan bilinci hepimizi - "vahşiden akademisyene" - nesnel dünyaya bağlar.

Böylece Rus resmi, son “tuğlaya”, varlık bilgisinde son atoma ulaşma tutkusunda dibe ulaştı. Sonuçta, K.S.'nin “Kara Karesi”. Maleviç, kendini tanımanın en dip noktasıdır, son noktasıdır. Siyah renk kesinlikle bir renk değildir, tüm renklerin mezarı ve aynı zamanda siyah yüzeyin altından yeniden doğmalarının olasılığıdır. Yeni kültürün dünyayı sonuna kadar bilmesi, bilincin tüm geleneklerini ve mitlerini yok etmesi gerekiyordu. Ruhun tam olarak ortaya çıkması - geleceğin yeni ruhunun kabulü için. Malevich'in zavallı fütürist arzusu, sanatsal deneyini ölümsüz kıldı. Dünyanın anlamsal olarak yeniden kodlanmasında bir deney, geleceğe romantik bir dürtü, yalnızca resmi beslemekle kalmadı. Bu, 1917-1920 ulusal dağılmasının korkunç olaylarının arifesinde Rus kültürünün genel eğilimiydi.

Kendi "kara karesi", bu zamanın kültürünün diğer alanlarında ortaya çıktı. 1913 yazında, yeni bir tiyatro "Budetlyanin" in yaratıldığı bir fütürist kongresi gerçekleşti. Adında bile geleceğe yönelik özlem duyulabilir. "Siyah karenin" fiziksel görüntüsü, makinelerin doğanın unsurları üzerindeki zaferini yücelten avangard opera "Güneş Üzerinden Zafer" in yapımında tiyatro sahnesinde ortaya çıktı.

Rus avangardı sanat tarihi literatüründe şanssızdı. Rus resminde ya çirkin bir cüce ya da korkutucu bir dev gibi görünüyordu. Bu yöndeki sanatçıların şaşırtıcı resimlerinin her birimiz üzerindeki estetik izlenimi ne olursa olsun, çağdaşları için skandal bir şekilde avangarddılar ve bizim için Rus kültürünün tarihi, en zor dönemeçlerinden birinde. gelişim. A.N.'nin 1912'de peygamberlik olarak yazdığı onlar hakkındaydı. Benois, "mevcut korkulukların" sonunda "klasik haline geleceğini" söylüyor. Ve bu bakış açısına göre avangard, yeni yüzyıl karşısında bir ulusal öz-bilinç (kendini tanımlama) biçimidir.

Anahtar kavramlar

Avangardizm, sanatta yeniyi aramayı her şeyin üstünde tutan en son, deneysel görüşler ve eğilimler için geleneksel bir isimdir. Avangard, 1910'lar-1920'lerin yenilikçi hareketine bağlı bir terimdir. (fütürizm, kübizm, kübo-fütürizm, ilkelcilik, üstünlükçülük, yapılandırmacılık, soyutlamacılık, vb.).

Art Nouveau - 19.-20. yüzyılların başında Avrupa ve Rusya'da sanatsal bir tarz. Art Nouveau, insanlığın estetik deneyimini genelleştirme ve yeniden düşünme arzusuna dayanan çeşitli stilistik eğilimlerden oluşur. Bu nedenle, Art Nouveau genellikle bazı eski kültürel geleneklerin (neo-Gotik, neo-Rus tarzı, neo-klasik, vb.)

Şehircilik - (Latince - kentselden) - nüfusu, endüstriyi ve kültürü kendi içinde yoğunlaştırma süreci büyük şehirler; büyük bir şehrin doğasında var. Kentsel kitle kültürünün ortaya çıkmasıyla birlikte.

2. XIX sonlarında Rus resminin özgünlüğü - XX yüzyılın başlarında

90'larda popülist hareketin kriziyle birlikte, "on dokuzuncu yüzyıl gerçekçiliğinin analitik yöntemi". Lapshina N. "Sanat Dünyası". Tarih ve yaratıcı uygulama üzerine denemeler. M., 1977.- S.86. , ev biliminde denildiği gibi, modası geçmiş hale geliyor. Gezginlerin çoğu yaratıcı bir düşüş yaşadı, "küçük dünyaya" gitti Turchin V. S. Rusya'da romantizm çağı. M., 1981.-S.90 eğlenceli tür boyama. Perov'un gelenekleri, Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'nda, S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov ve diğerleri.

Ilyina T.V. ülke için bu zor dönemde, yüzyılın başındaki ressamlar için, diğer ifade biçimlerinin, diğer sanatsal yaratıcılık biçimlerinin - çelişkili, karmaşık görüntülerde ve açıklayıcılık ve anlatı olmadan modernliği yansıtan - karakteristik hale geldiğine inanıyor. Sanatçılar, hem uyum hem de güzelliğe temelde yabancı olan bir dünyada acı içinde uyum ve güzellik ararlar. Bu yüzden birçok kişi misyonlarını güzellik duygusu geliştirmekte gördü. Kamusal yaşamda değişiklik beklentisi olan bu “kanunov” zamanı, birçok akımın, birlikteliğin, gruplaşmanın, farklı dünya görüşleri ve zevklerin çatışmasına yol açtı. Ama aynı zamanda, "klasik" Gezginlerden sonra öne çıkan bütün bir sanatçı kuşağının evrenselciliğine de yol açtı. Sadece V.A.'nın isimlerini belirtmek yeterlidir. Serov ve M.A. Vrubel. Sarabyanov D.V. 19. yüzyılın ikinci yarısında Rus sanatının tarihi. M., 1989.- S.100

Sanat tarihçileri, tür resminin 90'larda geliştiğini, ancak biraz farklı geliştiğini belirtiyorlar. Böylece köylü teması yeni bir şekilde ortaya çıkıyor. Kırsal topluluktaki bölünme, Sergei Alekseevich Korovin'in (1858-1908) "On the World" (1893, Devlet Tretyakov Galerisi) tablosunda vurgulayarak suçlayıcı bir şekilde tasvir edilmiştir. Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930), "Yıkayıcı Kadınlar" (1901, Devlet Tretyakov Galerisi) adlı resimde zor, yorucu çalışmalarda varoluşun umutsuzluğunu gösterebildi. Bunu başarmış büyük ölçüde yeni resimsel keşifler sayesinde, renk ve ışığın olanaklarına dair yeni bir anlayış, age, s.101..

tutarsızlık; İyi bulunan etkileyici bir ayrıntı olan “alt metin”, Sergei Vasilievich Ivanov'un (1864-1910) “Yolda” resmini daha da trajik hale getiriyor. Bir Yerleşimcinin Ölümü" (1889, Devlet Tretyakov Galerisi). Sanki bir çığlıkla kalkmış gibi dışarı çıkan şaftlar, eylemi ön planda tasvir edilen ölü adamdan ya da onun üzerinde uluyan kadından çok daha fazla dramatize ediyor. Ivanov, 1905 devrimine adanmış eserlerden birine sahip - "İcra". "Kısmi kompozisyon" izlenimci tekniği, sanki bir çerçeveden yanlışlıkla alınmış gibi, burada da korunur: sadece bir dizi ev, bir asker dizisi, bir grup gösterici ana hatlarıyla belirtilmiştir ve ön planda, aydınlatılmış bir karede. güneş tarafından, atışlardan kaçan ölü bir köpek figürü. Ivanov, keskin ışık ve gölge kontrastları, nesnelerin etkileyici bir konturu ve iyi bilinen bir görüntünün düzlüğü ile karakterizedir. Dili özlüdür.

XIX yüzyılın 90'larında. bir sanatçı sanata girer, işçiyi eserlerinin kahramanı yapar. 1894'te N.A. Kasatkina (1859-1930) "Madenci" (TG), 1895'te - "Kömür madencileri. Değiştirmek",. S.V. İvanov. "Yolda",. "Bir Yerleşimcinin Ölümü." 1889 1TG 237

Yüzyılın başında, tarihsel temada Surikov'unkinden biraz farklı bir gelişme yolu ana hatlarıyla belirtilmiştir. Örneğin, Andrei Petrovich Ryabushkin (1861-1904), salt tarihsel türden çok tarihsel türde çalışır. “Kilisede 17. Yüzyılın Rus Kadınları” (1899, Devlet Tretyakov Galerisi), “Moskova'da Düğün Treni. XVII yüzyıl” (1901, Devlet Tretyakov Galerisi), “Geliyorlar. (17. yüzyılın sonunda yabancı bir elçiliğin Moskova'ya girişi sırasında Moskova halkı) ”(1901, Rus Müzesi),“ 17. yüzyılın Moskova Caddesi tatilde ”(1895, Rus Müzesi), vb. - bunlar, 17. yüzyılda Moskova'nın hayatından günlük sahneler. Ryabushkin özellikle zencefilli kurabiye şıklığı, polikrom, desenli yapısı ile bu yüzyılın ilgisini çekti. Sanatçı, Surikov'un anıtsallığından ve tarihsel olaylara ilişkin değerlendirmelerinden uzak, ince bir stilizasyona yol açan 17. yüzyılın geçmiş dünyasına estetik olarak hayran kalıyor.

Apollinary Mihayloviç Vasnetsov (1856-1933), tarihi kompozisyonlarında manzaraya daha da fazla önem veriyor. En sevdiği konu da 17. yüzyıl, ancak günlük sahneler değil, Moskova mimarisi. (“Kitay-gorod'da sokak. 17. yüzyılın başı”, 1900, Rus Müzesi). Resim “17. yüzyılın sonunda Moskova. Şafakta Diriliş Kapılarında (1900, Devlet Tretyakov Galerisi), Vasnetsov'un kısa bir süre önce sahneyi tasarladığı Mussorgsky'nin Khovanshchina operasının girişinden ilham almış olabilir.

Folklor sanatsal geleneklerinin tamamen özel bir şekilde ustalaştığı ve modern sanatın diline çevrildiği yeni bir resim türü, gençliğinde ikon resmiyle uğraşan Philip Andreevich Malyavin (1869-1940) tarafından yaratıldı. Athos Manastırı ve ardından Repin altında Sanat Akademisi'nde okudu. "Kadınlar" ve "kızlar" imajlarının belirli bir sembolik anlamı var - Rusya'nın sağlıklı bir toprağı. Resimleri her zaman etkileyicidir ve bunlar kural olarak şövale çalışmaları olmasına rağmen, sanatçının fırçasının altında anıtsal ve dekoratif bir yorum alırlar. “Kahkaha” (1899, Modern Sanat Müzesi, Venedik), “Kasırga” (1906, Devlet Tretyakov Galerisi), bulaşıcı bir şekilde yüksek sesle gülen veya yuvarlak bir dansta kontrolsüz bir şekilde koşan köylü kızların gerçekçi bir tasviridir, ancak bu gerçekçilik, köylü kızlarının gerçekçi bir tasviridir. yüzyılın ikinci yarısı. Resim geniş, kabataslak, dokulu bir vuruşla, formlar genelleştirildi, mekansal derinlik yok, figürler kural olarak ön planda yer alıyor ve tüm tuvali dolduruyor. Lebedev G.E. 19. yüzyılın Rus kitap illüstrasyonu. M., 1952.-S.60.

Malyavin, resminde etkileyici dekoratifçiliği doğaya gerçekçi bir sadakatle birleştirdi.

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862-1942), kendisinden önceki birkaç usta gibi Eski Rusya temasını ele alıyor, ancak Rusya'nın görüntüsü, sanatçının resimlerinde doğayla uyumlu bir tür ideal, neredeyse büyülü dünya olarak görünüyor, ancak ortadan kayboldu. sonsuza kadar efsanevi bir şehir Kitezh gibi. Doğanın bu keskin duygusu, dünyanın önündeki, her ağacın ve bir çimen yaprağının önündeki haz, özellikle en belirgin olanlardan birinde telaffuz edilir. ünlü eserler Nesterov devrim öncesi dönem-- "Bartholomew gençliğine bakış" (1889-1890, Devlet Tretyakov Galerisi).

Radonezh Sergius'un imajına dönmeden önce Nesterov, "Mesih'in Gelini" (1887, yeri bilinmiyor), "Hermit Nick" (1888, Rus Müzesi; 1888) gibi eserlerle Eski Rusya temasına ilgi duyduğunu zaten belirtmişti. --1889, Devlet Tretyakov Galerisi), yüksek maneviyat ve sessiz tefekkür görüntüleri yaratıyor. Radonezh Sergius'un kendisine birkaç eser daha adadı (“Aziz Sergius Gençliği”, 1892-1897, Devlet Tretyakov Galerisi; triptik “Aziz Sergius'un Eserleri”, 1896-1897, Devlet Tretyakov Galerisi; “Radonej Sergisi”, 1891-1899, Rus Müzesi) .

Sanatçının kompozisyonun düz bir yorumu, zarafet, süsleme, plastik ritimlerin rafine karmaşıklığı arzusunda, Art Nouveau'nun şüphesiz etkisi kendini gösterdi.

Genel olarak stilizasyon, bu zamanın çok karakteristik özelliği, Nesterov'un şövale eserlerine büyük ölçüde dokundu. Bu, kadınların kaderine adanmış en iyi tuvallerden birinde görülebilir - "Büyük tentür" (1898, Rus Müzesi): kasıtlı olarak düz rahibe figürleri, "chernitsa" ve "belits", genelleştirilmiş silüetler, sanki ritüel ritmi yavaşlatılmış gibi. açık ve koyu noktalar - rakamlar ve hafif huş ağaçları ve neredeyse siyah köknarları ile bir manzara. Ve her zaman olduğu gibi Nesterov'da manzara ana rollerden birini oynuyor. Peyzaj türünün kendisi de 19. yüzyılın sonunda yeni bir şekilde gelişir. Aslında Levitan, arazideki Gezginleri aramayı tamamladı. Yüzyılın başında yeni bir kelime K.A. tarafından söylenecekti. Korovin, V.A. Serov ve M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin'in (1861-1939) ilk manzaralarında zaten tamamen resimsel problemler çözüldü - beyaz üzerine gri, beyaz üzerine siyah, gri üzerine gri yazmak. Savrasovsky veya Levitanovsky gibi “kavramsal” bir manzara (M.M. Allenov'un terimi) onu ilgilendirmiyor.

Parlak renkçi Korovin için dünya bir "renk isyanı" olarak görünüyor. Doğa tarafından cömertçe yetenekli olan Korovin, hem portre hem de natürmort ile uğraştı, ancak manzaranın en sevdiği tür olarak kaldığını söylemek yanlış olmaz. Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu - Savrasov ve Polenov'dan öğretmenlerinin güçlü gerçekçi geleneklerini sanata getirdi, ancak dünyaya farklı bir bakış açısına sahip, başka görevler veriyor.

Korovin'in resim konusundaki cömert armağanı, teatral ve dekoratif resimde zekice kendini gösterdi. Bir tiyatro ressamı olarak Abramtsevo Tiyatrosu için çalıştı (ve Mamontov onu neredeyse ilk olarak değerlendirdi. tiyatro sanatçısı), Moskova Sanat Tiyatrosu için, Chaliapin ile ömür boyu dostluğunu başlattığı Moskova Özel Rus Operası için Diaghilev girişimi için. Korovin, tiyatro sahnesini ve sanatçının tiyatrodaki önemini yeni bir boyuta taşıdı, sanatçının tiyatrodaki rolünü anlamada tam bir devrim yaptı ve renkli, "muhteşem" manzarasıyla çağdaşları üzerinde büyük bir etki yarattı. , müzikal performansın özünü açığa çıkarıyor.

Yüzyılın başında Rus resminin yenilikçilerinden biri olan en büyük sanatçılardan biri olan Sternin G.Yu'ya göre Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) idi. "Şeftali Kızı" (Verusha Mamontova'nın portresi, 1887, Devlet Tretyakov Galerisi) ve "Güneş Tarafından Aydınlatılmış Kız" (Masha Simanovich'in portresi, 1888, Devlet Tretyakov Galerisi) Rus resminde tam bir sahne. Serov, Rus müzik kültürünün önde gelen isimleri arasında yetiştirildi (babası ünlü bir besteci, annesi piyanist), Repin ve Chistyakov ile çalıştı, Avrupa'nın en iyi müze koleksiyonlarını inceledi ve yurtdışından döndükten sonra müzik ortamına girdi. Abramtsevo çemberi.

Vera Mamontova ve Masha Simanovich'in görüntüleri, yaşam sevinci duygusu, parlak bir varlık hissi, parlak muzaffer bir gençlik ile doludur. Bu, “şans ilkesinin” çok karakteristik olduğu “hafif” izlenimci resim, karmaşık bir aydınlık ortam izlenimi yaratan dinamik, serbest bir fırça darbesi ile yontulmuş bir form ile sağlandı. Ama İzlenimcilerin aksine Serov hiçbir zaman bu ortamda bir nesneyi kaydileşsin diye çözmez, kompozisyonu asla istikrarını kaybetmez, kitleler her zaman dengededir. Ve en önemlisi, modelin integral genelleştirilmiş özelliklerini kaybetmez. 19. yüzyılın Rus tür resmi - 20. yüzyılın başlarında. Denemeler. M., 2004 -s.28.

Serov genellikle sanatsal aydınların temsilcilerini yazar: yazarlar, sanatçılar, sanatçılar (K. Korovin'in portreleri, 1891, Devlet Tretyakov Galerisi; Levitan, 1893, Devlet Tretyakov Galerisi; Yermolova, 1905, Devlet Tretyakov Galerisi). Hepsi farklı, hepsini ayrı ayrı derinden yorumluyor, ancak entelektüel seçkinliğin ve ilham verici yaratıcı yaşamın ışığı hepsinin üzerinde parlıyor. Antik sütun veya daha doğrusu klasik heykel, tuvalin dikey formatı ile daha da güçlendirilen Yermolova figürünü andırıyor. Ama asıl şey yüz - güzel, gururlu, küçük ve boş olan her şeyden bağımsız. Renklendirmeye yalnızca iki rengin bir kombinasyonu ile karar verilir: siyah ve gri, ancak çeşitli tonlarda. Anlatı tarafından değil, tamamen resimsel yollarla yaratılan görüntünün bu gerçeği, 20. yüzyılın başlarındaki çalkantılı yıllarda gençleri kısıtlayan ama derinden nüfuz eden oyunuyla sarsan Yermolova'nın kişiliğine tekabül etti.

Yermolova ön kapı portresi. Ama Serov Büyük usta farklı bir model seçerek, aynı türden resmi bir portre, aslında aynı ifade aracı ah tamamen farklı bir karaktere sahip bir görüntü yaratmayı başardı. Yani, Prenses Orlova'nın (1910-1911, "RMS") portresinde bazı detayların abartılması (büyük şapka, çok uzun geri, keskin köşe diz), iç mekanın lüksüne dikkat çekti, kapılmış bir çerçeve (bir sandalyenin parçası, resimler, masa köşesi) gibi yalnızca parçalı olarak aktarıldı, ustanın kibirli bir aristokratın neredeyse grotesk bir görüntüsünü yaratmasına izin verdi. Ancak ünlü “Peter I” deki (1907, Tretyakov Galerisi) (resimde Peter sadece devasa) aynı grotesk, Serov'un çarın aceleci hareketini ve onun peşinden saçma bir şekilde acele eden sarayları tasvir etmesine izin veriyor. Bu, Orlova'nın portresindeki gibi ironik değil, tüm bir dönemin anlamını taşıyan sembolik. Sanatçı, kahramanının özgünlüğüne hayrandır.

Portre, manzara, natürmort, ev içi, tarihi resim; yağ, guaj, tempera, karakalem - Serov'un çalışmayacağı hem resimsel hem de grafik türleri ve kullanmayacağı malzemeleri bulmak zordur.

Serov'un çalışmasında özel bir tema köylüdür. Köylü türünde gezici bir sosyal keskinlik yoktur, ancak köylü yaşamının güzelliği ve uyumu, Rus halkının sağlıklı güzelliğine hayranlık duygusu vardır (“Köyde. Atlı bir kadın”, pastel, 1898 , Devlet Tretyakov Galerisi). Özellikle kış manzaraları gümüş-inci renk gamıyla enfes. Serov, tarihsel temayı kendi tarzında yorumladı:

Elizabeth ve Catherine II'nin zevk yürüyüşleriyle "kraliyet avları", yeni zamanın sanatçısı tarafından ironik, ancak aynı zamanda her zaman 18. yüzyılın yaşamının güzelliğine hayran kaldı. İlgilenmek XVIII yüzyıl Serov'dan "Sanat Dünyası" nın etkisi altında ve "Rusya'da Büyük Dük, Kraliyet ve İmparatorluk Avcılığı Tarihi" nin yayınlanmasıyla ilgili çalışmalarla bağlantılı olarak ortaya çıktı.

Verusha Mamontova'nın portresi ile Avrupa'nın Kaçırılması'nın aynı usta tarafından yapıldığına hemen inanmak zor, Serov, 80'lerin ve 90'ların portre ve manzaralarının empresyonist özgünlüğünden tarihsel motiflerde moderniteye kadar evriminde çok yönlüdür. antik mitolojiden kompozisyonlar.

Mikhail Alexandrovich Vrubel'in (1856-1910) yaratıcı yolu, aynı zamanda son derece karmaşık olmasına rağmen daha doğrudandı. Sanat Akademisi'nden (1880) önce Vrubel, St. Petersburg Üniversitesi hukuk fakültesinden mezun oldu. 1884'te St. Cyril Kilisesi'ndeki fresklerin restorasyonunu denetlemek için Kiev'e gitti ve kendisi birkaç anıtsal kompozisyon yarattı. Vladimir Katedrali'nin duvar resimlerinin suluboya eskizlerini yapıyor. Müşteri, onların kanonikliği ve etkileyiciliğinden korktuğu için eskizler duvarlara aktarılmadı.

90'lı yıllarda, sanatçı Moskova'ya yerleştiğinde, Vrubel'in gizemle dolu ve neredeyse şeytani bir güçle dolu, başka hiçbir şeyle karıştırılamayan yazı tarzı oluştu. Şekli bir mozaik gibi, farklı renkteki keskin "yönlü" parçalardan, sanki içeriden parlıyormuş gibi şekillendiriyor ("Farsça halının arka planına karşı kız", 1886, MRI; "Fortuneteller", 1895, Devlet Tretyakov Galerisi) . Renk kombinasyonları, renk ilişkisinin gerçekliğini yansıtmaz, sembolik bir anlam taşır. Doğanın Vrubel üzerinde hiçbir gücü yoktur. Onu tanıyor, ona mükemmel bir şekilde sahip, ama gerçeğe çok az benzeyen kendi hayal dünyasını yaratıyor. Bu anlamda, Vrubel İzlenimcilere (edebiyattaki doğa bilimcilerle aynı oldukları yanlışlıkla söylenmeyen) karşıttır, çünkü hiçbir şekilde doğrudan bir gerçeklik izlenimini düzeltmeye çalışmaz. Soyut olarak yorumladığı edebi konulara yönelir, büyük manevi gücün sonsuz imgelerini yaratmaya çalışır. Bu nedenle, Şeytan için illüstrasyonlar alarak, kısa süre sonra doğrudan örnekleme ilkesinden ayrılır (“Tamara'nın Dansı”, “Ağlama, çocuk, boşuna ağlama”, “Tabutta Tamara”, vb.) ve zaten aynı 1890'da "Oturan Şeytan" ı yaratır - aslında, plansız bir eser, ancak görüntü Mephistopheles, Faust, Don Juan'ın görüntüleri gibi ebedidir. Demon'un görüntüsü, Vrubel'in tüm çalışmasının ana görüntüsü olan ana temasıdır. 1899'da "Uçan Şeytan", 1902'de "Demon Downtrodden" yazdı. Vrubel'in iblisi, her şeyden önce acı çeken bir yaratıktır. Acı, içindeki kötülüğe hakimdir ve bu, görüntünün ulusal Rus yorumunun özelliğidir. Çağdaşlar, haklı olarak belirtildiği gibi, onun "Şeytanları" nda bir entelektüelin kaderinin bir sembolünü gördüler - romantik, uyumdan yoksun bir gerçeklikten gerçek olmayan bir rüya dünyasına asi bir şekilde kaçmaya çalışan, ancak kaba gerçekliğe dalmış bir romantik. dünyevi. Sanatsal dünya görüşünün bu trajedisi aynı zamanda Vrubel'in portre özelliklerini de belirler: manevi uyumsuzluk, kendi portrelerinde bozulma, uyanıklık, neredeyse korku, aynı zamanda görkemli güç, anıtsallık - S. Mamontov'un portresinde (1897, Devlet Tretyakov Galerisi) , kafa karışıklığı, kaygı -- muhteşem bir şekilde"Kuğu Prensesi" (1900, Devlet Tretyakov Galerisi), hatta E.D. Dunker, huzur ve sükunet yok. Vrubel görevini kendisi formüle etti - "ruhu günlük yaşamın küçük şeylerinden görkemli görüntülerle uyandırmak" Fedorov-Davydov A.A. I.I. Levitan. Yaşam ve yaratılış. M., 1966.- S.56 .

Vrubel, en olgun resimlerini ve grafik çalışmalarını yüzyılın başında - manzara, portre, kitap illüstrasyonu türünde yarattı. Tuvalin veya levhanın düzenlenmesinde ve dekoratif-düzlemsel yorumlanmasında, gerçek ile fantastik olanın birleşiminde, bu dönem eserlerinde dekoratif, ritmik olarak karmaşık çözümlere bağlılıkta, modernitenin özellikleri giderek daha fazla öne çıkıyor.

K. Korovin gibi, Vrubel de tiyatroda çok çalıştı. En iyi sahnesi Rimsky-Korsakov'un The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan ve diğerleri için Moskova Özel Operası sahnesinde, yani ona Rus folkloru ile "iletişim kurma" fırsatı veren eserler için yapıldı. , peri masalı, efsane.

Yeteneğin evrenselliği, sınırsız hayal gücü ve asil idealleri onaylamaya yönelik olağanüstü tutku, Vrubel'i birçok çağdaşından ayırır.

Vrubel'in çalışması, dönüm noktası döneminin çelişkilerini ve sancılı atışlarını diğerlerinden daha net bir şekilde yansıtıyordu. Vrubel'in cenazesi günü, Benois şunları söyledi: “Vrubel'in hayatı, şimdi tarihe geçeceği gibi, harikulade bir acıklı senfoni, yani sanatsal varoluşun en eksiksiz biçimi. Gelecek nesiller ... 19. yüzyılın son on yıllarına "Vrubel dönemi" olarak bakacaklar ... İçinde zamanımızın ifade edebileceği en güzel ve en üzücü şeydi ” 7 .

Vrubel ile yeni bir yüzyıla, hem “devrimcilik ideolojisi” (P. Sapronov) hem de St. Petersburg Rusya kültürünün son dönemi olan “Gümüş Çağ” çağına giriyoruz. "uzun zamandır kültürel bir güç ve devlet olmaktan çıkmış olan otokrasi ile." Rus felsefi ve dini düşüncesinin yükselişi, en yüksek şiir seviyesi yüzyılın başlangıcıyla ilişkilidir (Blok, Bely, Annensky, Gumilyov, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub'u adlandırmak yeterlidir); drama ve müzikal tiyatro, bale; 18. yüzyıl Rus sanatının “keşfi” (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), eski Rus ikon resmi; yüzyılın başından itibaren en iyi resim ve grafik profesyonelliği. Ancak "Gümüş Çağ", Rusya'da yaklaşan trajik olaylar karşısında, devrimci bir felakete doğru giden, "fildişi kule"de ve sembolizmin poetikasında kalmaya devam eden güçsüzdü.

Vrubel'in eseri, sanat ve edebiyattaki genel sembolizm yönü ile ilişkilendirilebilirse, herhangi bir büyük sanatçı gibi yönün sınırlarını yok etmesine rağmen, o zaman Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) resimselliğin doğrudan bir temsilcisidir. sembolizm ve sınır Rusya'nın güzel sanatlarında ilk retrospektivistlerden biri. Zamanın eleştirmenleri ona "geriye dönük bakış açısının hayalperesti" bile dediler. İlk Rus devriminin arifesinde ölen Borisov-Musatov, hızla hayata geçen yeni ruh hallerine tamamen sağır oldu. Eserleri, eski boş "asil yuvalar" ve ölmekte olan "kiraz bahçeleri" için, güzel kadınlar için, ruhsallaştırılmış, neredeyse doğaüstü, dış mekan ve zaman belirtileri taşımayan bir tür zamansız kostüm giymiş bir ağıttır.

3. Sanat dernekleri ve resmin gelişimindeki rolleri

"SANAT DÜNYASI"

Sanat derneği "World of Art", 19.-20. yüzyılların başında aynı adı taşıyan bir dergi yayınlayarak kendini duyurdu. 1898'in sonunda St. Petersburg'da "World of Art" dergisinin ilk sayısının yayınlanması, Alexander başkanlığındaki bir grup ressam ve grafik sanatçısı arasındaki on yıllık iletişimin sonucuydu. Nikolaevich Benois (1870-1960).

Sanatsal yaratıcılığın temel amacı, her ustanın öznel anlayışında güzellik ve güzellik olarak ilan edildi. Sanatın görevlerine karşı böyle bir tutum, sanatçıya Rusya için oldukça yeni ve alışılmadık olan temaları, görüntüleri ve ifade araçlarını seçme konusunda mutlak özgürlük verdi.

Sanat Dünyası, Rus halkı için Batı kültürünün, özellikle Fin ve İskandinav resminin, İngiliz Pre-Raphaelite sanatçılarının ve grafik sanatçısı Aubrey Beardsley'nin birçok ilginç ve daha önce bilinmeyen fenomenini açtı.

"Sanat Dünyası" sanatçılarının ayırt edici bir özelliği çok yönlülüktü. Resimle, tiyatro yapımlarının tasarımıyla, sanat ve el sanatlarıyla uğraşıyorlardı. Ancak miraslarında en önemli yer grafiğe aittir.

Benois'in en iyi eserleri grafiktir; bunların arasında, A. S. Puşkin'in "Bronz Süvari" (1905-1922) şiirinin çizimleri özellikle ilgi çekicidir. Petersburg tüm döngünün ana “kahramanı” oldu: sokakları, kanalları, mimari şaheserleri ya ince çizgilerin soğuk şiddetinde ya da parlak ve karanlık noktaların dramatik kontrastında ortaya çıkıyor. Trajedinin zirvesinde, Eugenie, arkasında dörtnala koşan müthiş devden - Peter'ın anıtından - kaçarken, usta şehri karanlık, kasvetli renklerle boyar.

Benois'in çalışması, yalnız acı çeken bir kahramana ve dünyaya karşı çıkma, ona kayıtsız kalma ve böylece onu öldürme romantik fikrine yakındır.

Tiyatro gösterilerinin tasarımı, Lev Samuilovich Bakst'ın (gerçek adı Rosenberg; 1866-1924) çalışmasındaki en parlak sayfadır. En ilginç eserleri, 1907-1914 Paris'teki Rus Mevsimlerinin opera ve bale yapımlarıyla ilişkilidir. - Dyagi-lev tarafından düzenlenen bir tür Rus sanatı festivali. Bakst, R. Strauss'un "Salo-meya" operası, N. A. Rimsky-Korsakov'un "Scheherazade" süiti, C. Debussy'nin müziğine "Faun'un Öğleden Sonrası" balesi ve diğer performanslar için sahne ve kostüm çizimleri yaptı. Özellikle dikkat çekici olan, bağımsız grafik eserler haline gelen kostümlerin eskizleridir. Sanatçı kostümü, dansçının hareket sistemine odaklanarak, çizgiler ve renkler aracılığıyla modellemiş, dansın modelini ve müziğin doğasını ortaya çıkarmaya çalışmıştır. Eskizlerinde görüntünün keskinliği, bale hareketlerinin doğasına dair derin bir anlayış ve şaşırtıcı zarafet dikkat çekiyor.

"Sanat Dünyası"nın birçok ustası için ana temalardan biri, geçmişe başvurmak, kayıp ideal dünyaya özlem duymaktı. Favori dönem XVIII yüzyıl ve her şeyden önce Rokoko dönemiydi. Sanatçılar bu sefer eserlerinde sadece diriltmeye çalışmakla kalmadılar, halkın dikkatini 18. yüzyılın gerçek sanatına çektiler, aslında Fransız ressamlar Antoine Watteau ve Honore Fragonard ile yurttaşları Fyodor Rokotov ve Dmitry Levitsky'nin eserlerini yeniden keşfettiler.

“Cesur çağın” görüntüleri, Versay saraylarının ve parklarının güzel ve uyumlu bir dünya olarak sunulduğu, ancak insanlar tarafından terk edildiği Benois'in eserleri ile ilişkilidir. Evgeny Evgenievich Lanceray (1875---1946), 18. yüzyılda Rus yaşamının resimlerini tasvir etmeyi tercih etti.

Konstantin Andreevich Somov'un (1869-1939) eserlerinde özel bir ifade ile rokoko motifleri ortaya çıktı. Sanat tarihine erken katıldı (sanatçının babası Hermitage koleksiyonlarının küratörüydü). Sanat Akademisi'nden mezun olduktan sonra genç usta, eski resim konusunda büyük bir uzman oldu. Somov, resimlerinde tekniğini zekice taklit etti. Çalışmasının ana türü, "yiğit sahne" temasının varyasyonları olarak adlandırılabilir. Gerçekten de, sanatçının tuvallerinde Watteau'nun karakterleri yeniden canlanıyor gibi görünüyor - muhteşem elbiseler ve peruklardaki bayanlar, maske komedisinin aktörleri. Gün batımı ışığının okşayan parıltısıyla çevrili parkın sokaklarında flört eder, flört eder, serenatlar söylerler.

Somov, geçmişe duyduğu nostaljik hayranlığı, özellikle kadın imgeleri aracılığıyla kurnazca ifade etmeyi başardı. Ünlü "Lady in Blue" (1897-1900), usta sanatçı E. M. Martynova'nın çağdaş bir portresidir. Eski moda giyinmiş ve şiirsel bir peyzaj parkının fonunda tasvir edilmiştir. Resim tarzı, Biedermeier stilini zekice taklit ediyor. Ancak kahramanın görünüşünün bariz morbiditesi (Martynova kısa süre sonra tüberkülozdan öldü) akut bir özlem duygusu uyandırıyor ve manzaranın pastoral yumuşaklığı gerçek değil, sadece sanatçının hayal gücünde var.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) dikkatini esas olarak kentsel peyzaja odakladı. Onun St. Petersburg'u, Benois'in St. Petersburg'unun aksine, romantik bir haleden yoksundur. Sanatçı, şehri insan ruhunu öldüren devasa bir mekanizma olarak gösteren en çekici olmayan, "gri" manzaraları seçiyor.

“Gözlüklü Adam” (“K. A. Syunnerberg'in Portresi”, 1905-1906) resminin kompozisyonu, kahramanın ve geniş bir pencereden görülebilen şehrin karşıtlığına dayanmaktadır. İlk bakışta, rengarenk evler dizisi ve yüzü gölgeye dalmış bir adam figürü birbirinden izole görünüyor. Ancak bu iki düzlem arasında derin bir içsel bağlantı vardır. Renklerin parlaklığının arkasında şehir evlerinin "mekanik" donukluğu yatar. Kahraman kopuk, kendi içine dalmış, yüzünde yorgunluk ve boşluktan başka bir şey yok.

RUS SANATÇILAR BİRLİĞİ

Rus Sanatçılar Birliği, 1903'te Moskova'da ortaya çıkan bir dernektir. Özü Konstantin Yuon, Abram Arkhipov'du. Igor Grabar, Arkady Rylov. Moskova ustaları birçok yönden Petersburglulara karşı çıkmaya çalışsa da, Sanat Dünyası Birliğin ortaya çıkmasında önemli bir rol oynadı. Sembolizmden ve ilgili fikirlerden uzaktılar. Stilleri, Wanderers'ın gerçekçi geleneklerini ve hava ve ışığın iletiminde izlenimcilik deneyimini birleştirdi. Birlik sergilerine sıklıkla katılan Konstantin Korovin'in çalışmalarından biraz etkilenen bu sanatçılar, manzara ve tür resmine yöneldiler.

En ilginç manzara ressamı Konstantin Fedorovich Yuon (1875-1958) idi. Hepsinden iyisi, erimiş kar üzerindeki ışık oyununu, gökyüzünün yumuşak maviliğini ustaca aktardığı lirik kış manzaralarında (“Mart Güneşi”, 1915; “Kış Güneşi”, 1916) başardı. Ve Trinity-Sergius Lavra'nın (en iyisi 1910'da boyanmıştı) görüşlerinde, beyaz kar ve parlak renkli binaların kontrastı, insan figürleri tamamen dekoratif bir güzellik kazanıyor ve bu eserleri Art Nouveau'ya yaklaştırıyor.

Meraklı aramalar, Igor Emmanuelovich Grabar'ın (1871-1960) çalışmalarına damgasını vurdu. Yumuşak ve şiirsel ruh hali manzarası "Şubat Mavisi" (1904), sanatçının yalnızca izlenimcilikle değil, aynı zamanda Fransız resmindeki sonraki eğilimlerle de tanıştığına tanıklık ediyor. Soğuk kış güneşinin ışıltısına dalmış huş ağaçlarının gövdeleri ve dalları kısa vuruşlarla boyanmış ve noktacı tekniği andırıyor. Aynı tarz, bir refleks sistemi (renk vurguları) sayesinde tüm nesnelerin ustaca renksel bir bütün halinde birleştirildiği mükemmel natürmort resmi “Düzensiz Tablo” (1907) da görülebilir.

A. I. Kuindzhi'nin öğrencisi Arkady Alexandrovich Rylov'un (1870-1939) manzaraları çok duygusal. “Yeşil Gürültü” (1904) adlı resimde, bir rüzgar esintisi altında sallanan yapraklar sulu süpürme vuruşlarıyla yazılmıştır ve uzaklara doğru giden panorama, ön plan kadar parlak görünmektedir, bu da dekoratiflik hissi yaratır.

Sanatçı Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930), ünlü Wanderers - V. G. Perov ve V. D. Polenov ile çalıştı. Onun tür resimleri hem gerçekçi içerik hem de keskin bir sosyal yönelim ile karakterizedir. Ancak bu durumdan pek de etkilenmezler. kaç tane ki-yüz pitoresk erdem. "Yıkayıcı Kadınlar" ın (19. yüzyılın 90'lı yıllarının sonu) resmi budur. Odanın sadece küçük bir bölümünü içeren kompozisyonu, aynı tema üzerine Edgar Degas'ın erken dönem eserlerinin ruhuna uygun olarak inşa edilmiştir. Dönen buhar, figürlerin konturlarını ve yüzlerin ana hatlarını çözer ve sessiz gri, sarı, kahverengi ve leylak tonlarının renk kombinasyonu şaşırtıcı derecede zengin tonlara sahiptir.

Rus Sanatçılar Birliği'nin ustalarının tüm çekiciliği ve yüksek teknik seviyesi ile çalışmaları, oldukça güçlü bir muhafazakarlık ile ayırt edildi. Güçlü gerçekçi kökler, ressamların yeni biçimler ve ifade araçları arayışına girmesine asla izin vermedi. Belki de bu yüzden Rus Sanatçılar Birliği'nin birçok üyesi, Sovyet döneminin resmi sanatının gelişiminin resmine mükemmel bir şekilde uyuyor, ancak bunun en değerli kısmını oluşturuyor.

"MAVİ GÜL"

Mart 1907'de, patron, koleksiyoncu ve amatör sanatçı Nikolai Pavlovich Ryabushinsky'nin (1877-1951) girişimiyle, Moskova'da "Mavi Gül" adlı bir grup ressamın sergisi açıldı. Ana katılımcıları - Pavel Kuznetsov, Sergei Sudeikin, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan ve diğerleri - Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'ndan mezun oldu. XX yüzyılın başında. sembolizm fikirlerine karşı derin bir tutkuyla birleşmişlerdi. Bazıları Moskova Sembolist dergileri Libra ve Golden Fleece'de işbirliği yaptı. Ancak en güçlüsü V. E. Borisov-Musatov'un etkisiydi. Genç sembolist sanatçıların çalışmalarının ana görevini belirledikleri resimsel tarzı temelinde oldu: en ince, anlaşılması zor duyguların dünyasına dalmak, kelimelerle açıklanamayan gizli ve karmaşık içsel duygular.

İlk ortak serginin yolun başlangıcı olduğu diğer sanat gruplarının aksine, Moskova Sembolistleri için bunun sonu olduğu ortaya çıktı: bundan kısa bir süre sonra topluluk dağılmaya başladı. Bununla birlikte, "Mavi Gül" ün tarzı, her birinin daha sonraki çalışmalarını büyük ölçüde belirledi.

On altı katılımcı arasında Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878-1968) şüphesiz özellikle ilgi çekicidir. 10'ların başına kadar. 20. yüzyıl sanatçının çalışması, öğretmeni Borisov-Musatov'un ve Nabis grubunun Fransız sembolistlerinin tarzına yakındı. Kuznetsov'un 1904-1905'teki manzaraları, örneğin "Çeşme", "Sabah" soğuk renklerde tasarlanmıştır: gri-mavi, soluk leylak. Nesnelerin ana hatları belirsizdir, mekanın görüntüsü dekoratif olma eğilimindedir. Usta, manzaraya bir yumuşaklık hissi ve aynı zamanda delici bir hüzün hissi veren tuhaf ışık iletimine büyük önem verdi. 10'ların Kuznetsov'un eserlerinde, özellikle "Doğu Serisi" olarak adlandırılanlarda, olgun ustanın benzersiz yaratıcı tarzı zaten açıkça görülüyor. “Bozkırda Serap” (1912) resmi ilk bakışta içerik açısından son derece basittir: bozkır, yalnız çadırlar, gökyüzünü dolduran muhteşem parlaklığı fark etmeyen yavaş yürüyen veya konuşan insanlar. Resim yine soğuk renklerle çözülür ve parlak noktalar (çadırlar, insan figürleri) yalnızca gri-mavi aralığının mutlak hakimiyetini vurgular. Bir serabın yumuşak parıltısı, resmi çeken ana şeydir: gerçek bir gerçeklik gibi görünen odur ve insanlar ve evleri bir serap olarak algılanır.

Moskova sembolizmi tarihinde dikkate değer bir sayfa, Ermeni ressam Martiros Sergeevich Saryan'ın (1880-1972) ilk eseridir. Örneğin, "Mavi Gül" için tipik olan soğuk tonlar oyununa dayanan "Periler Gölü" (1906) çalışmasında olduğu gibi, duyumların inceliğini ve sembolist yetersiz ifadeyi mükemmel bir şekilde gösterebilirdi. Ancak sanatçının asıl unsuru, mizacıyla ve paletin yakıcı parlaklığıyla Doğu dünyasıdır. “Sokak” gibi resimlerde. Öğle vakti. Konstantinopolis "(1910)," Hurma Ağacı "(1911), sanatçı formu zengin renkler ve enerjik vuruşlarla boyar.

Nikolai Nikolaevich Sapunov'un (1880-1912) eserlerinde sembolizm ve ilkelcilik unsurları iç içe geçmiştir. Tuvali "Atlıkarınca" (1908), öyle görünüyor ki, tipik bir ilkelci "fair-rock resmi". Bununla birlikte, hafif kısa vuruşlar, saf (yani palet üzerinde karıştırılmamış) boyaların karmaşık kombinasyonları, Fransız ustalarının rafine tarzını hatırlatıyor. Bu da gülünç sahneyi sembolik bir "görüş"e dönüştürüyor.

Sapunov için geçmiş dönemlerin görüntüleri büyük önem taşıyordu ve bu da onu Sanat Dünyasının St. Petersburg ustalarına yaklaştırıyor. "Top" (1910) resmi böyle. Puşkin zamanındaki taşra balosu sahnesini hafızada canlandırıyor.

Sergei Yuryevich Sudeikin'in (1882-1946) çalışmalarında çok daha güçlü nostaljik ruh halleri hissedilir. Sanatçının resimlerinin eylemi, özellikle “Parkta” (1907) eseri, genellikle İngiliz parklarında, içinde kaybolan yoğun bitki örtüsü ve hafif çardaklar arasında gerçekleşir. Kayıklarda ve parkın ara sokaklarında tenhalaşmış aşık çiftler, hafif, havadar bir sis içinde eriyor gibi görünüyor, minik figürleri doğanın organik bir parçası oluyor. Dağınık kasvetli ışık, bu "duygusallık zamanlarının sahnelerine" bir düşsellik duygusu ve gerçekleştirilemez olana yönelik şiddetli bir özlem verir.

"Mavi Gül" sergisi, Moskova Sembolistlerinin güçlü bir sanatsal derneğinin yaratılmasına yol açmadı. Ancak adı daha sonra tarzlarının ana özelliklerini tanımlayan bir metafora dönüştü: samimiyet, derin düşünme arzusu.

Böylece, yüzyılın başında Rusya'da birçok sanatsal dernek ortaya çıktı: “Sanat Dünyası”. Rus Sanatçılar Birliği ve diğerleri, halk kültürünü canlandırma fikrinden ilham alan ressamları tek çatı altında bir araya getirdi.

Çözüm

19. yüzyılın sonunda - 20. yüzyılın başında, Gümüş Çağ olarak adlandırılan yeni bir resim modelinin ortaya çıkması, ulusal tutum ve manevi yaşamın değerlerindeki derin değişimlerden kaynaklanıyordu. Bilinç krizi, aydınlanma çağının klişelerinden ve dogmalarından uzaklaşma çabasında, çöküşte kendini gösterdi. Ulusal kültürün temellerindeki değişim üç çizgide ilerledi. İlk olarak, dünyanın rasyonalist bir resminden, bilgi, inanç ve duyguların birleşimi yoluyla dünyayı ayrılmaz bütünlüğü içinde anlama girişimlerine geçiş oldu. İkinci olarak, seküler dini felsefenin unsurları, yeni bir kültür dünya görüşü olarak şekillendi. Üçüncüsü, kültür "öğretme"nin yükünü kaldırdı ve sanatsal yaratıcılığın kehanet ve yaratıcı rolünü harekete geçirdi.

19.-20. yüzyılların başında dünya görüşü temellerindeki değişiklikler. sanatsal dil alanında yaratıcı arayışlarla birleştirilmiştir. Değişikliklerin en eksiksiz sonucu, tüm kültür alanlarının yenilenmesi için itici güç haline gelen estetik sembolizm sisteminin oluşumunda ifade edildi.

Yüzyılın başında, Rus resmi ulusal sınırları aştı ve dünya çapında bir fenomen haline geldi. Modernitenin yerli versiyonunun oluşumu için dünyanın tüm zenginliğini ve kendi kültürel geleneklerini kullandı.

Gümüş Çağı'nın manevi temelinin oluşmasının önemli kaynakları, vilayetlerin ve küçük kasabaların kültürüydü. Art Nouveau, sembolizm ve avangard, ulusun manevi gelişimine hız kazandıran ve kelimenin tam anlamıyla onu yeni 20. yüzyıla "iten" bir tür "motor" rolünü oynadı.

Edebiyat

1. Berezovaya L.G. Rus kültürü tarihi.-M., 2002 -431s.

2. Borisova E.A., Sternin G.Yu. Rus modern - . M., 2000.-261s.

3. Vlasova R.I. Konstantin Korovin. Yaratıcılık.- L., 1970.-132s.

4. Volkov N.N. Resimde Kompozisyon.- M., 1977.- 174s.

5. İlyina T.V. Sanat Tarihi-M., 2003- 407'ler.

6. Lapshin V. "Rus Sanatçılar Birliği" - M., 1971. - 206p.

7. Lapshina N. "Sanat Dünyası". Tarih ve yaratıcı uygulama üzerine denemeler. M., 1977.- 186s.

8. Lebedev G.E. 19. yüzyılın Rus kitap illüstrasyonu. M., 1952.-160s.

9. XIX yüzyılın ikinci yarısının Rus portresinin tarihi üzerine yazılar / Ed. N.G. Mashkovtseva. M., 1963.

10. Geç XIX - XX yüzyılın başlarında Rus portresinin tarihi üzerine yazılar / Ed. N.G. Mashkovtsev ve N.I. Sokolova. M., 1964.

11. Rus tür resmi XIX - XX yüzyılın başlarında. Denemeler. M., 2004 -208'ler..

12. Sarabyanov D.V. XIX yüzyılın Rus resmi. Avrupa okulları arasında M., 1980.

13. Sarabyanov D.V. 19. yüzyılın ikinci yarısında Rus sanatının tarihi. M., 1989.

14. Sternin G.Yu. XIX-XX yüzyılların başında Rusya'nın sanatsal hayatı - M. 1999-68'ler ...

15. Turchin V. S. Rusya'da romantizm dönemi. M., 1981.

16. Fedorov-Davydov A.A. I.I. Levitan. Yaşam ve yaratılış. M., 1966.

Ülkemizin tarihinde, 19. ve 20. yüzyılların dönüşü muazzam sosyo-tarihsel içerikle doludur. V. I. Lenin'in tanımına göre, bir "fırtına", "kitlelerin kendi hareketinin" başladığı zamandı - yeni, proleter bir aşama özgürlük hareketi Sonuncusu Büyük Ekim Sosyalist Devrimi olan üç devrimle işaretlenmiş, Rusya tarihinde ve tüm insanlık tarihinde yeni bir dönem açtı. Ancak Ekim Devrimi'ne giden yol belirsizdi.
19. yüzyılın sonu ve 20. yüzyılın ilk yılları, bir yandan şiddetli bir siyasi gericilik, her türlü özgür düşüncenin bastırılması zamanıydı; öte yandan işçi sınıfının örgütlü mücadelesinin başladığı, Marksizmin Rusya'da yayıldığı, Lenin'in Marksist devrimci işçi partisinin temellerini attığı dönemdir.
Bu yıllarda, ilk Rus devriminin hazırlığının işareti olan yeni bir toplumsal yükseliş başladı.
Halk fırtınasının ilk saldırısı yaklaşıyordu. Dünya devrimci hareketinin merkezi Rusya'ya taşındı.
Kurtuluş hareketinin güçlenmesi, kamusal yaşamın her alanına yansımıştır. Asil kurtuluş ve vatansever fikirlerden ilham alan Rus demokratik kültürü de daha da gelişti. Bilim, edebiyat ve sanat yeni parlak başarılar elde etti.
1890'larda, önceki dönemde yolculuklarına başlayan en büyük ustalar çalışmaya devam etti - Repin, Surikov, Shishkin, Vasnetsov, Antokolsky ve diğerleri.
Halkına sadık, yaşamıyla yakından bağlantılı ilerici sanatçılar, genel yükselişten uzak durmadılar. Yeni ilerici sosyal idealler, çalışmalarında canlı bir yanıt buldu ve Rus kültürünün hazinesini yeni dikkate değer eserlerle zenginleştirmelerine izin verdi.
Ulusal sanat okulunun en iyi demokratik geleneklerini sürdüren bu seçkin ustalar, onları zamanın yeni gereksinimlerine göre daha da geliştirdiler. Halk güçlerinin uyanışıyla bağlantılı yeni ortaya çıkan toplumsal sorunları hassasiyetle algılamış ve sanatlarıyla yansıtmışlar, yeni temalar ve imgeler ortaya koymuşlar ve eserlerine yeni içerik katmışlardır.
Böylece, zaten doksanlarda, sanatımız temelde yeni özelliklerle işaretlenmiş bir dizi eserle zenginleştirildi. Bunlar, halk kahramanlarının tipik görüntülerinin büyük bir güçle somutlaştırıldığı ve ulusal vatansever fikirlerin ifade edildiği anıtsal, kahramanca bir tarza sahip tuvallerdir - Rus topraklarında ve Rus halkında gurur, şanlı geçmişi ve büyük tarihsel rolü. Bunlar, V. Vasnetsov'un "Bogatyrs" (1881 - 1898) ve Repin'in "Kazaklar" (1878-1891), Surikov'un "Sibirya'nın Fethi" (1895) ve "Suvorov'un Alpleri Geçmesi" (1899); bu resimler, sanatçıların tarihin bireyler tarafından değil, halk kitleleri tarafından yaratıldığına, tarihi başarıların kahramanı ve icracılarının halk olduğuna dair inançlarıyla doludur. V.V. Vereshchagin ayrıca, konuyla ilgili geniş bir dizi tarihi tuvalde insanların başarısı hakkında konuşuyor Vatanseverlik Savaşı 1812 (1889-1900), Napolyon ve ordusunun, ulusal bağımsızlıkları için savaşmak üzere ayaklanan Rus halkının karşı çıktığı yer. Serinin "Engelleme, gelmeme izin ver..." (1895) adlı tablolarından biri, elleri yabancı işgalcilere ölümcül bir darbe indiren o basit ve anlaşılmaz vatanseverler olan partizan köylülerin pususunu tasvir ediyor.
Tüm bu eserler, tek bir duygu, onların altında yatan bir fikir - vatanı, insanları yüceltme fikri ile birleşiyor. Halkın çok yönlü kitlesi artık içlerinde ezilmiş ve ezilmiş görünmüyor: büyük eylemlere yükselen ve kahramanca güç ve ahlaki güçle dolu, anavatanının kaderini belirleyen halkın unsurudur.
Bu resimlere, A. Vasnetsov'un anıtsal Sibirya ve Ural manzaraları, Rus doğasının görkemli bir görüntüsünü ve daha sonra I. Shishkin'in bazı çalışmaları (“Gemi Korusu”, 1898), M. Antokolsky'nin “Ermak” heykeli eşlik ediyor. (1891) ve diğerleri.
Açıktır ki, yalnızca bir halk devriminin mayalandığı, halk kitlelerinin mücadele için uyandığına tanıklık eden, "büyük halk denizinin kaynadığı, derinlere kadar çalkalandığı" bir ülkede, insanlar sanatta böyle pozlanır ve böyle bir çözüm alırlar. Yaklaşan devrimci fırtınanın bu uzak zirvelerini hassas bir şekilde yakalayan ilerici Rus sanatçılar, halkın gücüne her zamankinden daha fazla güvendiler ve bu güvenden, yaratıcı bakış açılarına tamamen yeni bir renk veren sosyal iyimserliklerini aldılar. Demokratlar, halkla yakından bağlantılı, yaşamın keskin gözlemcileri olan inançlarında, Rus sanatının bu ustaları, modernitenin nabzını derinden hissettiler ve bazen çalışmalarının içeriği ile bu modernite arasındaki bağlantıyı anlamadılarsa, yine de tuvallerde tarihsel tema üzerine ve hatta - bir anlamda - manzaralarda yansıma aldı. A.P. Chekhov tarafından karakterlerinden birinin sözleriyle ifade edilen büyük bir fırtına beklentisi, bazı büyük değişikliklerin bir önsezisiydi: “Zamanı geldi, hepimize bir kitle yaklaşıyor, sağlıklı bir tane hazırlanıyor. , şiddetli fırtına yaklaşan, zaten yakın ve yakında tembelliği, ilgisizliği, işe karşı önyargıyı, çürümüş can sıkıntısını toplumumuzdan uçuracak ... "
Toplumsal mücadelenin yeni aşamasının daha doğrudan ve dolaysız bir yansıması, proletaryanın ve en yoksul köylülüğün hayatından sahnelere yönelen başka bir grup sanatçının çalışmalarında bulundu; ilk Rus devriminin eteklerinde, şehir ve kırlardaki sınıf savaşlarının ilk resimlerine sahip olan fırçalarıydı, 1905 olaylarını eserlerine yansıttılar.
Wanderers geleneğini sürdüren, Wanderers'ın sözde genç kuşağından sanatçılar - S. Korovin, S. Ivanov, A. Arkhipov, N. Kasatkin ve diğerleri - Rus köyünün yaşamını, önceki dönemde gerçek bir şekilde ele aldılar. 1905 devrimi. İnsanların yaşamına ilişkin derin bir bilgi, kırsal kesimdeki yoksulların felaketleri ve yoksunlukları için manevi şefkat, harika eserler yaratmalarına yardımcı oldu: hayatın gerçeği ve keskin toplumsal yankılanma.
Böylece, S. Korovin'in “Dünyada” (1893) resminde, resmimizde ilk kez, o zamanın Rus köyü için tipik olan akut bir çatışma gösteriliyor: kırsal bir toplantıda, fakir bir köylü, reformlarla harap olmuş eski bir serf, davaya kendi yararına adil bir çözüm bulmak için boşuna çabalıyor; kimsenin itiraz etmeye cesaret edemediği toprak sahibi alaycı bir şekilde ona güler ...
S. Ivanov ilk resimlerini köylü yerleşimcilere adadı. Açlığın dilenci paylarından kovduğu ve bir lokma ekmek bulmak için ülkeyi dolaşmasına neden olan yoksulların korkunç kaderini sert bir dürüstlükle anlatıyor. Yerleşimcilerin çaresiz durumu, bozkırdaki yerleşimcilerin ölümü, hapishanedeki mahkumlar, kaçak hükümlüler - bunlar onun resimlerinin olay örgüsü. Ancak çok geçmeden S. İvanov başka bir şey görmeye başlar - halkın alt katmanlarını giderek daha fazla kucaklayan devrimci mayanın başlangıcı. Sanatçı, köylülere gizlice yasadışı yayınlar dağıtan popülist bir ajitatörü tasvir ediyor; Moskova Üniversitesi'nde öğrenci huzursuzluğu çiziyor. Ayrıca Rus resminde (“Köyde İsyan”, 1889) bir köylü isyanının ve proletaryanın sınıf mücadelesinin ilk görüntülerine sahiptir: “Grev sırasında müdürün fabrikadan kaçışı” (1880'lerin sonu) ve “ Grev” (1903). Doğal olarak, S. Ivanov daha sonra 1905'in unutulmaz günlerinde ilk Rus devriminin olaylarını yakalayan sanatçılar arasında yer aldı.
Mükemmel bir ressam olan A. E. Arkhipov, geniş, sulu, renkli yazı tarzında ustaca ustalaştı ve Wanderers-life yazarlarının geleneklerinde çalıştı. Arkhipov, en fakir köylülüğün hayatından resimlerinde bu konuyu büyük bir nüfuz ve sıcaklıkla yorumladı (“Volga'da”, 1888-1889; “Oka Nehrinde”, 1889; “Buz Geçti”,
1894-1895). Çalışan kadınların neşesiz yığını - "Demir dökümhanesinde gündüz işçileri" (1895-1896) resminin içeriği budur. Arkhipov'un bir zamanlar görülen "Yıkayıcı Kadınlar" (1890'ların sonu) tablosunu unutması zor, öyle etkileyici bir güce sahip ki, kapitalist bir şehrin gecekondu mahallelerinde aşırı çalışmaktan bitkin kadın işçilerin görüntülerini betimliyor. Sanatçı-demokratın protesto sesi burada net bir şekilde duyuluyor.