montaj(Fransız montajı - bağlantı, montaj, kurulum)

Herhangi bir faydacı öğeden veya bunların parçalarından ve parçalarından ve/veya özel olarak oluşturulmuş nesnelerden oluşan ve bir kutu veya kutunun alanı içine alınmış üç boyutlu bir kompozisyon olan bir tür çağdaş sanat eseri veya eser. soyut dışavurumculuk Soyut dışavurumculuk Savaş sonrası (XX yüzyılın 40'lı yılların sonu - 50'li yılların sonu) soyut sanatın gelişme aşaması. . 1929'da Amerikan Barr (A.N. Wagg) bunu Kandinsky'nin ilk eserlerini karakterize etmek için kullandı ve 1947'de de Kooning ve Pollock'un eserlerini “soyut dışavurumcu” olarak adlandırdı. O zamandan beri, A. e. oldukça geniş, stilistik ve teknik olarak rengarenk bir alanın arkasında güçlendirildi soyut resim(ve daha sonra heykel) 50'lerde hızlı bir gelişme gösterdi. ABD'de, Avrupa'da ve daha sonra tüm dünyada. A. e.'nin doğrudan ataları Erken Kandinsky olarak kabul edilir. "Eylem Boyama" Amerikan soyutlamacılığı çerçevesinde, yaratıcılık sürecinin kendi içinde değerli olduğunu düşünen Jackson Polok'un sözde “şekilsiz resmi” geliştirildi ve sonuç önemli değildi, sadece bir hatıra olarak anlam kazandı. Yaratıcı süreç tuval üzerinde kalan. İlkel olana dönen Polok, resmi sanatçının kutsal dansına dönüştürdü. Polok, tuvali duvara astı ya da yere koydu, etrafında belirli bir şamanik ritüel "gerçekleştirdi", sanatçı, kendi deyimiyle "resmin içine girdi". Bir kutudan boya püskürtmekten oluşan damlama adı verilen bir teknik geliştirdi (Fransızca paralel - "tachisme" - benekli boyama.) Polock'un sanatsal yöntemine İngiltere'de "aksiyon boyama" adı verildi. 1952'de Paris'teki bir sergide, resmi, yeni bir kelimeye hevesli eleştirmenler üzerinde büyük bir etki yarattı. Ancak birçoğu, Hartung'un 1922 görüntülerinde benzer bir şey görerek Polock'un tekniğinin özgünlüğüne itiraz etti. soyutlamacılık Soyutlamacılık, nesnel olmayan sanat, resim, heykel ve grafikte gerçek nesnelerin tasvirini temelden terk eden modernist bir eğilim. Soyut sanat 1910-13 yıllarında kübizm, dışavurumculuk ve fütürizmin tabakalaşması sırasında ortaya çıktı.İlk örnekleri Almanya'da çalışan V. V. Kandinsky, Fransız R. Delaunay, İspanyol F. Picabia, Çek F. Kupka, ve bazı İtalyan fütüristler (W. Boccioni ve diğerleri), Rusya'da - K. S. Malevich, M. F. Larionov ve N. S. Goncharova, Hollanda'da - neoplastikizmin temsilcileri (P. Mondrian, T. van Dusburgh ve diğerleri). Ukraynalı A.P. Archipenko, Rumen K. Brynkushi ve Paris'te çalışan diğerleri daha sonra soyut heykel deneylerine yöneldiler. 1914-18 Birinci Dünya Savaşı'ndan sonra, soyut sanatın eğilimleri genellikle hem bireysel eserlerde hem de mimaride, dekoratif sanatta, tasarımda kendini gösterdi ... VANGUARD RUSÇA 1910'ların Rus avangardı oldukça karmaşık bir tablo sunuyor. Stillerde ve trendlerde hızlı bir değişim, her biri kendi yaratıcılık kavramını ilan eden çok sayıda grup ve sanatçı dernekleri ile karakterizedir. Yüzyılın başında Avrupa resminde de benzer bir şey oldu. Bununla birlikte, stillerin karıştırılması, akımların ve yönlerin "karışıklığı", yeni biçimlere doğru hareketin daha tutarlı olduğu Batı tarafından bilinmiyordu. Genç neslin birçok ustası, olağanüstü bir hızla üsluptan üsluba, sahneden sahneye, izlenimcilikten moderniteye, sonra ilkelciliğe, kübizme veya dışavurumculuğa geçti ve Fransız veya Alman resminin ustaları için tamamen atipik olan birçok adımdan geçti. . Rus resminde gelişen durum, büyük ölçüde ülkedeki devrim öncesi atmosferden kaynaklanıyordu. Bir bütün olarak tüm Avrupa sanatının doğasında var olan çelişkilerin çoğunu şiddetlendirdi, çünkü. Avrupa modelleri üzerinde çalışan Rus sanatçılar, çeşitli okullar ve resimsel eğilimler hakkında bilgi sahibiydi. Sanatsal yaşamda bir tür Rus "patlaması" böylece tarihsel bir rol oynadı. 1913 yılına kadar Rus sanatı yeni sınırlara ve ufuklara ulaştı. Tamamen yeni bir nesnel olmama olgusu ortaya çıktı - Fransız Kübistlerinin ötesine geçmeye cesaret edemediği bir çizgi. Bu çizgiyi birer birer geçiyorlar: Kandinsky V.V. Larionov M.F. Maleviç K.S. Filonov P.N. Tatlin V.E. Güçlerini test ettiler: Altman N.I. Glebova T. Goncharova N.S. Konchalovsky P.P. Kuprin A. Lentulov A.V. Mashkov I.I. Puni I.A. Rodchenko A.M. Rozanova O.V. Falk R.R. Chagall M.Z. Dış A.A. Birkaç yıl içinde teknoloji ve sanat, sanat ve bilim Tatlin'in işinde birleşecek. Şöyle diyecek: “... En estetik biçimler, en ekonomik biçimlerdir. Bu yönde malzeme tasarımı üzerine çalışmak en sanattır. ”Birçok avangard sanatçının eseri temelinde yeni estetik ilkelerin oluşturulacağı 1932'de olacak. STOK, MEVCUT Eylem (ya da eylem sanatı) Çağdaş sanatın (sanat pratiği), vurgunun sanat etkinliğinin sonucundan kendi sürecine kaydırıldığı POST kültürünün (bkz: POST-) dinamik, prosedürel uygulamalarını belirlemek için genelleştirilmiş bir kavram. İlk A. Dadaistler (bkz: Dada) ve sürrealistler (bkz: Sürrealizm) tarafından 1910-1925 gibi erken bir tarihte gerçekleştirildi. ve bir kural olarak, doğaları gereği meydan okurcasına çirkin ve yapıbozumcuydular. Sanatçının (ve bir dereceye kadar izleyicinin) dikkatinin çalışmadan yaratım sürecine bilinçli olarak aktarılmasındaki bir sonraki aşama, en büyük temsilcisi Jackson Pollock olan Eylem resmiydi. Sadece sanatçının derin bilinçaltı dürtüleri tarafından kontrol edilen tuval üzerine kendiliğinden dökülen veya sıçrayan boyalar süreci (bkz: Otomatizm), burada öne çıktı. Ortaya çıkan tablo, yalnızca komisyonun gerçeğini doğrulayan bir belge olarak kabul edildi.

SANAT DEKOSU SANAT DEKOSU(Fransız art deco, sanat "dekoratif"ten kısaltılmıştır) - Batı ülkelerinin sanatında stilistik bir eğilim. Avrupa ve Amerika 2. çeyrek. 20. yüzyıl Adını, dağıtım ve gelişiminin başlangıç ​​noktası olan Uluslararası Dekoratif Sanatlar ve Endüstri Sergisinden (Paris, 1925) almıştır. Anıtsal ağırlıklı formların sofistike süslemelerle birleşimi AD'nin karakteristiğidir. AD'nin merkezleri Fransa ve ABD idi. AD, Art Nouveau tarzının unsurlarını birleştirdi. kübizm ve dışavurumculuk, gelişmiş teknik tasarımın etkileyici özelliklerini kullandı (esas olarak en son otomobil ve lokomotif modellerinden ödünç alınan modaya uygun "aerodinamik şekillerin" malzemeleri ve stili). Gelişimi, eski Mısır sanatının muhteşem anıtlarının (Tutankamon'un mezarı, 1922 dahil) ve Amerika'nın eski uygarlıklarının yeni keşiflerinin yanı sıra 1910-1920'lerin yenilikçi senografi tarzından önemli ölçüde etkilendi. A.D., çeşitli heykel, resim ve her türlü bitirme işini içeren modaya uygun otellerin, kulüplerin, salonların, okyanus gemilerinin ve büyük işletmelerin temsili binalarının tasarım ve dekorasyonunda kendini en iyi şekilde gösterdi. Ayrıca AD, moda evleri, reklamcılık, endüstriyel ve dergi grafikleri vb. Uygulamalı ürünlerle temsil edildi. En büyük eserler Chrysler Binası (New York, 1928-1930, mimar Van Elen) ve Rockefeller Center (New York, 1931-1940) , mimar B.W. Morris). ARTEPOVERA Arte povera (İtalyan arte povera - zavallı sanat) İtalyan sanatında (Torino'da) 60'ların sonlarında - erken dönemde resmen şekillenen bir yön. 70'ler ve yeterince aldım geniş kullanım diğer Avrupa ülkelerinde, A. p.'ye benzer eserler daha önce Avrupa sanatında ortaya çıkmasına rağmen (örneğin, Alman sanatçı Eva Hesse veya Yunan Vlasio Kapiaris'in eserleri vb.) Nesnelerin yaratılmasına dayanır. ve günlük yaşamın basit öğelerinden, çöplüklerden toplanan ve kural olarak, nüfusun daha yoksul kesimlerinin günlük yaşamına ait tesisatlar - çantalar, ipler, eski yıpranmış giysiler ve ayakkabılar, temel ev eşyaları, toprak, kum , kömür, eski paçavralar, deri, kauçuk vb. A. p., minimalizm ve kavramsalcılığın artan entelektüalizmine ve rasyonalizmine ve sanat pratiklerinde ve sanat pratiklerinde nesneler ve yerleştirme elemanları üretmek için pahalı malzeme ve teknolojilerin kullanımına bir tür tepki olarak ortaya çıktı. O zamanlar moda olan projeler. İtalyan sanatçılar Mario Merz, Michelangelo Pistoletto, Mario Ceroli, Giulio Paolini, Yiannis Kounellis (İtalya'da yaşamış bir Yunan), yerleştirmelerini oluştururken basit şeylerin özel, mütevazı bir poetikasını ortaya çıkarmaya çalıştılar. Örneğin, J.Kunellis'in bir çöplükten toplanmış objeler, kömür torbaları, antik heykellerin alçısı ve gaz brülörlerinin ateşinden oluşan bir kombinasyondan sanatsal mekânı yarattığı birçok eseri vardır; veya Luciano Febri'nin "Bana bir tepside Vaftizci Yahya'nın başını getir" adlı ve beyaz bir masa örtüsü üzerinde cam parçalarıyla dolu büyük bir cam kase olan nesnesi. Bununla birlikte, bu sembolizm, geniş bir serbest çağrışım alanına sahiptir ve herhangi bir açık yorumlama iddiasında bulunmaz. A. p. sanatçıları için, insan varlığının banal şeylerini göze çarpmayan bir şekilde birleştirerek belirli bir özel atmosfer yaratmak önemlidir. VÜCUT SANATI vücut sanatı(beden sanatı - Türkçe: bedensel sanat) Bedeni, bedenselliği, duruşu, hareketi "ham gerçeklik" olarak kullanan sanatsal bir yön - sözsüz dil gövde. B.'nin nesnesi - ve. modelin gövdesi ve fotoğrafları, mankenler olarak hizmet eder. Kompozisyonlar, yaşayan resimler ilkesine göre oluşturulur. Felsefi ve estetik özgüllük, sınırda varoluşsal durumlara artan ilgiyle ilişkilidir: yaşam - ölüm, Eros - Thanatos, bilinç - bilinçdışı, sanat - sanat dışı. Bir başka baskın olan sosyal, ırksal, ulusal, cinsel kendini tanımlama, Freudyen sembolizm, sadomazoşist güdülerdir. Vücut boyama, vücut sanatıdır (vücut piercingi - vücut üzerinde çizim, dövme - cilt altında dövme, piercing - "delik delme", ​​kazıma - kazıma, markalama - stigmanın yakılması), ortaya çıkan avangard bir yön 60'larda. VİDEO SANAT VİDEOART(İngiliz video sanatı), video teknolojisinin olanaklarını kullanarak 20. yüzyılın son üçte birlik sanatında bir yön. Kitlesel bir izleyici kitlesine yayınlanması amaçlanan televizyonun kendisinden farklı olarak video sanatı, televizyon alıcılarını, video kameraları ve monitörleri benzersiz olaylarda kullanır ve ayrıca özel sergi alanlarında gösterilen kavramsal sanat ruhuyla deneysel filmler üretir. Kullanarak modern elektronik deyim yerindeyse, "hareket halindeki beyin", sanatsal bir fikirden onun somutlaşmasına giden açık bir yolu gösterir. Video sanatının ana kurucusu, Kore kökenli bir Amerikalı olan Nam Joon Paik'tir. Televizyon teknolojisini kullanan sanat - video sanatı - en yüksek örneği televizyon olan kitle kültürünün egemenliğine karşı bir protestodan doğdu. Video sanatının "babaları" Nam Jung Paik ve Wolf Vostel, her akşam TV karşısında dinlenmek için oturan saygın vatandaşlar üzerinde ironik bir şekilde. 60'lı yıllarda Wolf Vostel, televizyonların kremalı keklerle fırlatıldığı, dikenli tellerle bağlandığı, ciddiyetle gömüldüğü ve hatta makineli tüfeklerden ateş edildiği olaylar düzenledi. Eğitimli bir müzisyen olan Nam Joon Paik daha kurnazdı. "Müziğin görselleştirilmesi" deneyleriyle başlayarak, farklı boyutlardaki monitörlerden ve bunlara karşılık gelen görüntülerden baş, kol ve gövdeli canlıların benzerlerini yaratmaya devam etti ve bunlara "Anne", "Baba", "Çocuk", "Teyze", "Amca" vb. vortisizm Vortisizm, 1914'te Wyndham Lewis tarafından kurulan bir İngiliz avangard hareketi. Vortisizm adı, kökenini İtalyan fütürist Umberto Boccioni'nin, tüm yaratıcılığın bir duygular kasırgasından doğduğuna dair (İtalyanca'da) sözüne borçludur.<вихрь>- vortizto). Fütürizm gibi, hem resimde hem de heykelde yayılan keskin, köşeli ve çok dinamik bir üslup olan Vortisizm, hareket sürecini aktarmaya çalıştı. Vortisizm, Birinci Dünya Savaşı'nın sonunu görecek kadar yaşamamış olsa da, İngiltere'de soyut sanatın oluşumunda bir aşama olarak önemli bir rol oynamıştır. (Bomberg, Lewis) DUVAR YAZISI Kamu binalarının duvarlarında, yapılarda, ulaşımda, çeşitli püskürtme tabancaları, boya ile aerosol kutuları kullanılarak yapılan geniş formatlı görüntüler olan alt kültür çalışmaları bu şekilde belirlenir (bkz: Kitle kültürü). Bu nedenle diğer adı "sprey sanatı" - Sprey sanatı. Kökeni, 70'lerde G.'nin kitlesel görünümü ile ilişkilidir. New York metro arabalarında ve ardından kamu binalarının duvarlarında panjurları saklayın. G.'nin ilk yazarları çoğunlukla Porto Rikolular olmak üzere etnik azınlıkların genç işsiz sanatçılarıydı, bu nedenle Latin Amerika stilinin bazı stilistik özellikleri ilk G. Halk sanatı ve bunun için tasarlanmamış yüzeylerde görünmeleri gerçeğiyle, yazarları haklarından mahrum bırakılmış konumlarını protesto ettiler. 80'lerin başında. G.'nin neredeyse profesyonel ustalarının bir trendi oluştu, daha önce takma adlar altında gizlenen gerçek isimleri (CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE) biliniyordu. Bazıları tekniğini tuvale aktardı ve New York galerilerinde sergilemeye başladı ve kısa süre sonra G. Avrupa'da ortaya çıktı. G.'nin çok kilometrelik sergi salonu, Berlin Duvarı Batı Berlin'den. Yıkılmasından sonra, duvarın korunmuş kalıntıları şimdi her iki tarafta da boyanmıştır. G., anlatı, genellikle poster tipi, karikatür veya naif (bkz. belirli renk sistemi

• Yeni Leipzig Okulu (Yeni Leipzig Okulu)
• Stuckism
• oyuncakçılık
• acılık

1980'ler

• Apt-art (Özlük Sanatı)
• Duvar yazısı
  (Grafiti Sanatı)
• Demoscene
• Kitlesel sürrealizm (Massurrealizm)
• Neo-geometrik kavramsalcılık
  (Neo-coğrafi kavramsal Sanat)
• Yeni Kavramsalcılık (Yeni Kavramsal Sanat)
• Neo-pop Neo-pop Sanatı)
• Yeni Vahşi (Nouveau Fauves)
• Serbest figüratiflik (Figürasyon Libre)

1970'ler

• Vücut sanatı
• video sanatı
  (video sanatı)
• hipermaniyerizm
• Yeni dışavurumculuk (Yeni dışavurumculuk)
• Pop Sürrealizm (Lowbrow)
• postminimalizm
• Sots Sanatı (Toprak Sanatı)
• Transavant-garde (Trans avangard)
• Feminizm (Feminist Sanat)
• Fotogerçekçilik (Fotogerçekçilik)
• Fluxus (Fluxus)

1960'lar

• Washington Okulu (Washington Renk Okulu)
• Kavramsal sanat
• minimalizm
• anlatı sanatı
  (Şekil Anlatı)
• Neo-Dada (Neo-Dada)
• Op-art (Op Art)
• Performans Sanatı
• Pop art (Pop Art)
• Realism Nouveau (Nouveau Realisme)
• olaylar
• Bilgisayar Sanatı (Bilgisayar Sanatı)
• Sert kenar boyama

1950'ler

• Soyut Dışavurumculuk
• lirik soyutlama
• New York Okulu
• Bay Area Figüratif Hareketi
• New York Figüratif Ekspresyonizm

Çağdaş sanat (İngiliz çağdaş sanatı, çağdaş sanat), yakın geçmişte ve günümüzde yaratılan sanattır.

Zamanla, çağdaş sanat tarihin malı haline gelir. Üzerinde şu anÇağdaş sanat, 1970'lerden günümüze kadar olan süreçte yaratılan eserler olarak kabul edilmektedir. Yirminci yüzyılın sanatında yeni eğilimlerin gelişim tarihi, şartlı olarak iki büyük aşamaya ayrılabilir: modernizm (modern sanat) - izlenimcilik döneminden (yaklaşık 1880'den başlayarak) 1960'lardan 1970'lere kadar sanat ve çağdaş sanat - Geçen yüzyılın 70'lerinden şimdiki zamana.

1970 yılı iki nedenden dolayı sanat tarihinde bir dönüm noktasıdır. Birincisi “postmodern” ve “postmodernizm” kavramlarının ortaya çıktığı yıldır. İkincisi, 1970, sanatsal hareketlerin sınıflandırılmasının nispeten kolay olduğu son dönüm noktasıdır. 1970 öncesi ve sonrası dönemdeki sanat akımlarının sayısını karşılaştırırsak, modernizm döneminde bunlardan çok daha fazla olduğunu görmek kolaydır. Ve bu, şu anda çalışan daha fazla sanatçı olmasına ve araçların ve teknik yeteneklerin cephaneliğinin daha geniş olmasına rağmen. Son 30 yılın sanatının bir başka özelliği de, önceki tüm çağlardan çok daha belirgin olan sosyal yönelimidir.

Rus dili aynı zamanda birçok yönden "çağdaş sanat" terimine benzeyen, ancak anlam bakımından aynı olmayan "çağdaş sanat" terimini de kullanır. Çağdaş sanatla, Rusya'daki sanatsal sürece katılanlar, yenilikçi çağdaş sanat anlamına gelir (fikirler ve/veya teknik araçlar açısından). Çağdaş sanat hızla modası geçmiş hale gelir ve 20. veya 21. yüzyılda modern sanat tarihinin bir parçası haline gelir. Birçok yönden, Rusya'daki sanat sürecine katılanlar, bir zamanlar avangarda atfedilen anlamla (yenilik, radikalizm, yeni tekniklerin ve tekniklerin kullanımı) "gerçek sanat" tanımına sahiptir.

Mevcut haliyle çağdaş sanat, 1960'ların ve 70'lerin başında kuruldu. O zamanın sanatsal arayışları, modernizme alternatifler arayışı olarak nitelendirilebilir (bu, genellikle modernizme doğrudan zıt ilkelerin getirilmesi yoluyla inkarla sonuçlandı). Bu, nesnenin (performanslar ve olaylar) kaydileştirilmesine kadar yeni imajlar, yeni ifade araçları ve malzemeleri arayışında ifade edildi. Nesneden sürece bir kayma oldu diyebiliriz.

60'ların ve 70'lerin dönüşünün en göze çarpan fenomeni, kavramsal sanatın ve minimalizmin gelişimi olarak adlandırılabilir. 70'lerde, sanat sürecinin sosyal yönelimi hem içerik (sanatçıların eserlerinde gündeme getirilen temalar) hem de kompozisyon açısından gözle görülür şekilde arttı: 70'lerin ortalarında en göze çarpan fenomen sanatta feminizm ve aynı zamanda sanatta bir artıştı. etnik azınlıkların etkinliği (1980-f) ve sosyal gruplar (örneğin, "yabancı sanat"). 70'lerin ve 80'lerin sonları, kavramsal sanat ve minimalizmden "yorgunluk" ve figüratifliğe, renge ve figüratifliğe (New Wilds gibi hareketlerin gelişmesi) olan ilginin geri dönüşü ile karakterize edildi.

1980'lerin ortalarında kitle kültürü görüntülerini aktif olarak kullanan hareketlerin yükselişi görüldü - kampizm, Doğu Köyü sanatı, neo-pop güçleniyor. Fotoğrafın sanatta çiçeklenmesi aynı zamana kadar uzanır - giderek daha fazla sanatçı ona sanatsal bir ifade aracı olarak dönmeye başlar. 1980'lerden bu yana, sanat süreci teknolojinin - video, ses, bilgisayar ve İnternet - gelişiminden büyük ölçüde etkilenmiştir - bu, sanatçılar tarafından kullanılan araç paletini önemli ölçüde genişletmiştir.

Dev Kaori Kawakami Heykeli Çalındı

İtalya'da alışılmadık bir hırsızlık oldu. Ünlü modern Japon heykeltıraş Kaori Kawakami'nin sembolik olarak bir saban betimleyen iki tonluk avangard heykeli, Napoli Casoria'nın eteklerinde bir villanın bahçesinde bulunan bir sergi alanından çalındı.

Tarih Müzesi, Nikas Safronov'un gezici bir sergisine ev sahipliği yaptı

Yaz aylarında, dünyanın en ünlü çağdaş Rus sanatçılarından biri olan Nikas Safronov, sergisini başkentin Tarih Müzesi'nde açtı. Ressamın sergileri daha önce başkentte düzenlenmiş ve çok sayıda Moskovalı ve turist tarafından ziyaret edilmişti, ancak bu büyüklükte bir sergi ilk kez burada sunuluyor.

Petersburg müzesi hapishaneye dönüştü

Solzhenitsensky'nin "Gulag Takımadaları"ndan ve toplama kamplarıyla ilgili materyallerden esinlenen Yekaterinburg sokak sanatçısı Slava PTRK, sıra dışı bir sanat projesi gerçekleştirdi.

Sanatta modern akımın kurucusu, geçen yüzyılın fovizm, fütürizm, dışavurumculuk, sürrealizm, kübizm vb. gibi çeşitli fenomenlerinin genelleştirilmiş bir tanımı olan modernizm olarak kabul edilebilir. eserlerin eskisinden daha fazla ayırt etmesine rağmen, sosyal yönelimi, sosyal keskinliği aşıyor.

Kavramsalcılık 60'larda ortaya çıktı. avangard sanatın trendlerinden biri olarak. Bu tarzın bir özelliği, sanatı yalnızca bilinç olgusuna indirgemeyi temelden reddetmesiydi. Sanatın bir iletişim ve bilgi kaynağı olduğuna inanan kavramsalcıların eserleri, yazıtlar, belgeler, metinler ve bir şekilde dil alanıyla bağlantılı olan her şeyle ilişkilendirilir. Bunun için gazete kupürlerinden, tıbbi röntgenlerden, ham video karelerinden ve rötuşsuz fotoğraf portrelerinden kolajlar oluşturan çeşitli teknikler kullanıldı.

70-80'lerde. Geçen yüzyılın sanattaki eğilimleri, kavramsalcılıktan ayrılma ve figüratifliğe ve renge dönüş ile karakterize edilir. Gittikçe daha fazla sanatçı fikirlerini tuvale değil, fotoğrafa yansıtmaya başlıyor. Modern teknolojiler ustaların tekniklerini ve yeteneklerini etkileyemeyen ancak etkileyemeyen geliştirmek.

Aynı zamanda ve 90'ların başına kadar. Sots Art denilen şey ülkemizde vardı. Bu çağdaş sanat akımının sanatçılarının eserlerinde, Sovyet halkında bolca çözülen propaganda ideolojik klişelerine karşı ironi, mizah ve alaycı bir tutum vardı. Bu üslubun ters yüz edilmiş sosyalist gerçekçilik olduğunu söyleyebiliriz.

80'ler için. sanattaki bu tür eğilimlerin özelliği:

1. Apt-art - salonlarda eserlerin sergilenmesinin imkansızlığı nedeniyle sanatçıların doğrudan dairelerde sergilenmesi. Ustalar, hayata ve sanata karşı ironik bir tavırla birleştiler ve imgeler oluşturmak için yardımcı malzemeler kullandılar. Sonuç, sözde enstalasyonlardı - endüstriyel ürünlerden, ev eşyalarından, görsel veya metinsel bilgi parçalarından ve hatta atıklardan oluşturulan mekansal kompozisyonlar.

2. Bir tür sokak sanatı olarak grafiti. Çeşitli yönler, özellikle bombalama, etiketleme, yazma, tırmalama ve iş yaratmak için boyaları değil, aksine deterjanları, ev kimyasallarını kullanan "ters" grafiti içerir. Bugüne kadar, bu tarzın gerçek sanat mı yoksa sıradan vandalizm mi olduğu konusunda şiddetli bir tartışma var. Bu arada, bu yön en dinamik olarak gelişen olarak kabul edilmektedir.

3. Bilgisayar teknolojisinin gelişmesi nedeniyle ortaya çıkan ve bir tür yaratıcılık ve programlama birleşimi olan demoscene.

4. Fovizm ve Ekspresyonizm geleneklerine dayanan "Yeni Vahşi". Sanatta bu yönün sonucu, kendiliğindenlik ilkesini, her türlü kısıtlama ve kuraldan kurtulmayı sınıra getirmekti.

1990'lar oyuncakçılık, yığıncılık, video oyunu ve web sanatının ortaya çıkışına tanık oldu. Ve yeni milenyumun başlamasıyla birlikte ilişkiler, fanizm, VJ, yumuşak sanat aldık.

Sanattaki modern eğilimler, bu pek çok şeyi yansıtan, sürekli olarak gelişmektedir. sosyal süreçler toplumumuzda yaşananlar. Sanatçılar, fotoğrafçılar, heykeltıraşlar kendi yaşam vizyonlarını, içinde meydana gelen olaylara karşı tutumlarını eserlerine yansıtırlar. Modern teknik araçlar ve yeni trendler yalnızca sanatın gelişmesine, daha büyük, daha erişilebilir ve daha popüler olmasına yardımcı olur.

Görsel sanatlarda çok çeşitli stiller ve eğilimler vardır. Genellikle açıkça tanımlanmış sınırları yoktur ve birinden diğerine sorunsuz bir şekilde hareket ederler, sürekli gelişme, karıştırma ve karşıtlık içindedirler. Bir tarihsel sanatsal üslup çerçevesinde, her zaman yeni bir tane ortaya çıkar ve bu da bir sonrakine geçer ve bu böyle devam eder. Birçok stil aynı anda bir arada bulunur ve bu nedenle "saf stiller" diye bir şey yoktur.

Wikipedia'ya dayalı sanatta stiller ve eğilimler - bir liste.

Soyut Dışavurumculuk
soyutlamacılık
Art Nouveau
art deco
Sanat feminizmi
Yabancı Sanat (Art Brut)
Barok
Bizans Sanatı
Yüksek Rönesans
Gotik Sanat
dadaizm
De Stijl (Neoplastizm)
İzlenimcilik
gayrı resmi
Kinetik Sanat
yapılandırmacılık
kavramsalcılık
Kübizm
kübofütürizm
Rayizm
Sihirli gerçekçilik
Maniyerizm (Geç Rönesans)
metafizik resim
minimalizm
modernizm
duvarcılık
posta sanatı
Naif Sanat (Primitivizm)
natüralizm
Neo-Geo
Neo-Dadaizm
neoklasizm
neo-pop
neo-romantizm
Neofigüratif Sanat
Yeni dışavurumculuk
Yeni Önemlilik (Neue Sachlichkeit)
Yeni Gerçekçilik
sanat eseri
Orfizm (Simültanizm)
Pop sanat
Ressamlık sonrası soyutlama
izlenimcilik sonrası
kesinlik
Proto-Rönesans
Erken Rönesans
gerçekçilik
bölgeselcilik
Rokoko
Romantizm
Kuzey Rönesansı
ayrılma
sembolizm
Sosyalist Gerçekçilik (Sosyal Gerçekçilik)
uzamsalcılık
Süprematizm
sürrealizm
tachisme
tonalizm
transvanguard
Fotogerçekçilik (Hipergerçekçilik)
Fütürizm
DIŞAVURUMCULUK
estetik
Akademik Sanat
Arte Povera
Beton Sanatı (Somutlaştırma)
kitsch
harfçilik

Soyut Dışavurumculuk

ingilizce soyut dışavurumculuk, duyguları tam olarak ortaya çıkarmak için geometrik olmayan vuruşlar, büyük fırçalar, bazen tuval üzerine boya damlatarak hızlı ve büyük tuvaller üzerine resim yapan sanatçıların bir okuludur (hareket). Burada resmin dışavurumcu yöntemi genellikle resmin kendisi kadar önemlidir. Böyle yaratıcı bir yöntemle sanatçının amacı, iç dünyanın (bilinçaltının) mantıksal düşünme tarafından organize edilmeyen kaotik biçimlerde kendiliğinden ifadesidir.

soyutlamacılık

Lat. soyutlama - kaldırma, dikkat dağıtma - resim ve heykelde gerçeğe yakın formların temsilini terk eden figüratif olmayan sanatın yönü. Soyutlamacılığın amaçlarından biri, tefekkür eden kişide çeşitli çağrışımlar uyandırmak için belirli renk kombinasyonlarının ve geometrik şekillerin yaratılması olan "uyum" elde etmektir. Kurucular: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova ve Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Art Nouveau

Bu terimin modernizmle karıştırılmaması gereken başka anlamları vardır.

Modern (Fransızca moderne - modern), Art Nouveau (Fransızca art nouveau, lit. "yeni sanat"), Jugendstil (Alman Jugendstil - "genç stil") - sanatsal yön sanatta, en yaygın olarak 19. yüzyılın son on yılında - 20. yüzyılın başlarında (Birinci Dünya Savaşı'nın başlamasından önce). Ayırt edici özellikleri, daha doğal, "doğal" çizgiler lehine düz çizgilerin ve açıların reddedilmesi, yeni teknolojilere (örneğin mimaride) ilgi, uygulamalı sanatın gelişmesidir.

art deco

Art Deco, ayrıca "Art Deco" (Fransızca art de "ortak. "dekoratif sanat", Exposition Internationale des Arts De "coratifs et Industriels Modernes - "Uluslararası Modern Dekoratif ve Endüstriyel Sanatlar Sergisi" 1925, Paris ) - bir trend 20. yüzyılın ilk yarısının dekoratif sanatlarında mimari, moda ve resimde kendini gösterdi. Modern ve neoklasizmin bir senteziydi.

Ayırt edici özellikler katı düzenlilik, etnik geometrik desenler, lüks, şık, pahalı, modern malzemelerdir (fildişi, timsah derisi, alüminyum, nadir ahşaplar, gümüş). ABD, Hollanda, Fransa ve diğer bazı ülkelerde Art Deco yavaş yavaş işlevselciliğe doğru evrildi.

Sanat feminizmi

Veya feminist sanat, ingilizce. feminist sanat, feminist sanat teorisi bağlamında bilinçli olarak yaratılan sanattır. Yetmişlerin başında, erkeklerin egemen olduğu modernizm kültürüne duyulan güven krizi, feminizmi veya o zamanki çeşitlerini savunan sanatçılar arasında en iyi şekilde ifade edildi. Bir hareket olarak sanat feminizmi 1960'ların sonlarında ve 1970'lerin başlarında ortaya çıktı. Belirli bir tarz veya medya ile ilişkili değildi, ancak kadınlara dünyada, özellikle sanat dünyasında bir yer vermek için bir dizi çaba ile karakterize edildi. Sanat feminizmi, yirminci yüzyılın ikinci yarısında görsel sanatlardaki en önemli dönüşümlerden biridir.

Yabancı Sanat (Art Brut)

Kaba sanat, burada - ham, kesilmemiş sanat) - Fransız sanatçı Jean Dubuffet (1945) tarafından, hem sosyal hem de zihinsel olarak marjinalleşmiş profesyonel olmayan ustalar tarafından yaratılan, topladığı resim, çizim ve heykel koleksiyonunu tanımlamak için kullanılan bir terim ( akıl hastaları, özürlüler, mahkumlar, eksantrik yalnızlar, medyumlar vb.). Çalışmaları son derece spontanedir ve büyük ölçüde kültürel kalıplardan bağımsızdır. Özellikle Art Brut, akla yatkınlık, resimsel perspektif ve geleneksel ölçek geleneklerini dikkate almaz, gerçek ile fantastik arasındaki ayrımı, malzemelerin hiyerarşisini vb. tanımaz.

İngiliz edebiyatındaki eşdeğeri olarak, 1972'de sanat tarihçisi Roger Cardinal tarafından tanıtılan yabancı sanat terimi kullanılır (İngilizce yabancı sanatı, bkz: tr: Kategori: Yabancı sanatçılar). Benzer fenomenler marjinal sanat, naif sanat, vizyoner veya sezgisel sanat, halk sanatı, yeni buluş (fr. Neuve Invention), ilkelciliktir.

Barok

İtalyan barok - "tuhaf", "garip", "aşırı", liman. perola barroca - "düzensiz şekilli inci" (kelimenin tam anlamıyla "kusurlu inci"); bu kelimenin kökeni hakkında başka varsayımlar da var) - merkezi İtalya olan XVII-XVIII yüzyılların Avrupa kültürünün bir özelliği. Barok tarzı, XVI-XVII yüzyıllarda İtalyan şehirlerinde ortaya çıktı: Roma, Mantua, Venedik, Floransa. Barok dönem, "Batı uygarlığının" zafer alayının başlangıcı olarak kabul edilir. Barok, klasisizm ve rasyonalizme karşı çıktı.

Bizans Sanatı

Bizans sanatı, ortaçağ sanatının tarihsel türü içinde yer alan tarihsel-bölgesel bir sanat türüdür.

330 yılında, geniş Roma İmparatorluğu'nu kasıp kavuran sivil çekişmeler ve huzursuzluk nedeniyle, Büyük İmparator I. Konstantin, başkentini Bizans şehrine (MS 1. yüzyıldan beri, Roma İmparatorluğu'nun bir parçası) taşıdı ve adını Konstantinopolis olarak değiştirdi. Orta Çağ'da Bizans'a Romanya, Bizanslıların kendilerine Romalı ve kültürlerine Roma denirdi. İmparator - "Romalıların Basileus'u" - kendisini de baş rahip ilan etti. Bu, "Romalıların basileus" kültünün fikirlerini bir pantokrator (Yunanca - "tutucu", evrenin hükümdarı) olarak ifade eden resmi Konstantinopolis sanatına yansıdı. O zamandan beri, Greko-Romen dünyasının sivil ve manevi yaşamının merkezi olmuştur. Bizans İmparatorluğu, bilimde bizans adı verilen özel bir kültürü doğurdu.

Yüksek Rönesans

Rönesans veya Rönesans (Fransız Rönesansı, İtalyan Rinascimento; "ri" - "tekrar" veya "yeniden doğmuş") - Avrupa kültürü tarihinde, Orta Çağ kültürünün yerini alan ve modern zamanların kültüründen önce gelen bir dönem. Dönemin yaklaşık kronolojik çerçevesi XIV'in başlangıcı - XVI yüzyılların son çeyreği ve bazı durumlarda - XVII yüzyılın ilk on yıllarıdır (örneğin, İngiltere'de ve özellikle İspanya'da). Ayırt edici özellik Rönesans - kültürün laik doğası ve insanmerkezciliği (yani, her şeyden önce bir kişiye ve faaliyetlerine olan ilgi). Eski kültüre bir ilgi var, onun bir tür "canlanması" var - ve terim bu şekilde ortaya çıktı.

Gotik Sanat

Gotik, Batı, Orta ve kısmen Doğu Avrupa'da 12. yüzyıldan 15.-16. yüzyıla kadar ortaçağ sanatının gelişiminde bir dönemdir. Gotik, Romanesk tarzının yerini alarak yavaş yavaş yerini aldı. "Gotik" terimi çoğunlukla, kısaca "ürkütücü derecede görkemli" olarak tanımlanabilecek, iyi bilinen bir mimari yapı tarzına uygulanır. Ama gotik hemen hemen tüm eserleri kapsar. görsel Sanatlar dönem: heykel, resim, kitap minyatür, vitray, fresk ve diğerleri.

Gotik, 12. yüzyılın ortalarında kuzey Fransa'da ortaya çıktı, 13. yüzyılda modern Almanya, Avusturya, Çek Cumhuriyeti, İspanya ve İngiltere topraklarına yayıldı. Gotik daha sonra İtalya'ya büyük zorluklarla ve güçlü bir dönüşümle nüfuz etti ve bu da "İtalyan Gotik" in ortaya çıkmasına neden oldu. 14. yüzyılın sonunda, Avrupa sözde uluslararası Gotik tarafından yutuldu. Gotik daha sonra Doğu Avrupa ülkelerine girdi ve orada biraz daha uzun sürdü - 16. yüzyıla kadar.

Karakteristik Gotik unsurlar içeren, ancak eklektik dönemde (19. yüzyılın ortaları) ve sonrasında oluşturulan binalar ve sanat eserleri için "neo-Gotik" terimi kullanılır.

AT erken XIX yüzyılda, "Gotik roman" terimi, Romantik dönemin edebi türünü - sırların ve korkuların edebiyatı (bu tür eserlerin eylemi genellikle "Gotik" kalelerde veya manastırlarda ortaya çıktı) ifade etmeye başladı. 1980'lerde, "gotik" terimi, o zamanlar ortaya çıkan müzik türünü ("gotik rock") ve daha sonra onun etrafında oluşan alt kültürü ("gotik alt kültür") ifade etmek için kullanılmaya başlandı.

dadaizm

Dadaizm veya Dada, edebiyat, güzel sanatlar, tiyatro ve sinemada modernist bir harekettir. Birinci Dünya Savaşı sırasında tarafsız İsviçre'de, Zürih'te (Kabare Voltaire) ortaya çıktı. 1916'dan 1922'ye kadar vardı.

1920'lerde Fransız Dada, Sürrealizm ve Almanya'da Ekspresyonizm ile birleşti.

Hareketin kurucusu şair Tristan Tzara, sözlükte "dada" kelimesini keşfetti. Tzara, 1918 tarihli bir manifestoda “Zenci kabilesi Kru'nun dilinde, kutsal bir ineğin kuyruğu anlamına gelir, İtalya'nın bazı bölgelerinde bu annenin adıdır, bir çocuğun tanımı olabilir. tahta at, hemşire, Rusça ve Rumence çifte açıklama. Tutarsız bebek gevezeliğinin bir kopyası da olabilir. Her durumda, şu andan itibaren tüm trend için en başarılı isim haline gelen tamamen anlamsız bir şey.

De Stijl (Neoplastizm)

Neoplastikizm, 1917-1928'de var olan Piet Mondrian tarafından tanıtılan soyut sanat yönünün belirlenmesidir. Hollanda'da ve birleşik sanatçılar "De Stijl" ("Tarz") dergisi etrafında toplandı. “Tarz”, mimaride açık dikdörtgen formlar (P. Auda tarafından “uluslararası stil”) ve spektrumun ana renkleriyle boyanmış büyük dikdörtgen düzlemlerin düzeninde soyut resim (P. Mondrian) ile karakterize edilir.

Mondrian, sanatsal pratiğinde analitik kübizmden yola çıktı, ancak tüm figüratif unsurları reddederek, onu bir “saf plastisite ifadesine” indirdi - düz çizgiler, çıplak düzlemler ve “temel renklerin” (kırmızı, sarı, mavi) dikdörtgenleri. nötr bir arka plan (beyaz, gri , siyah). Stil sanatçılarının fikirleri sadece mimari ve resim üzerinde değil, aynı zamanda iç ve mobilya tasarımı (Bauhaus'a bakınız) ve tipografi üzerinde de büyük bir etkiye sahipti.

Sanatçı-mühendislerin teknik vizyonuna dayanan Rus pandanusu olan yapılandırmacılığın aksine, neoplastikizm “Dünyamızı ve dünyevi her şeyi oluşturan iki temel çelişkiden oluşan bir felsefi sisteme dayanıyordu. yatay alan çizgisi Dünya'nın Güneş'in etrafında ve kökeni Güneş'in merkezinde olan dünyanın dikey kuvvet çizgisi. Bu doktrin matematiksel yapı Hollandalı teosofist Schoenmackers (niderl. Schoenmackers) tarafından geliştirilen evren, "Tarz" estetiğinin ve dolayısıyla neoplastikizmin temeli oldu.

İzlenimcilik

İzlenimcilik?zm (Fransız izlenimcilik, izlenimden - izlenimden) - 19. yüzyılın son üçte biri - 20. yüzyılın başlarında, Fransa'da ortaya çıkan ve daha sonra dünyaya yayılan, temsilcileri tarafından yapılan yöntem ve teknikler geliştirmeye çalışan bir sanat akımı. gerçek dünyayı hareketliliği ve değişkenliği içinde en doğal şekilde yakalamak, onların geçici izlenimlerini iletmek mümkündür. Genellikle, "izlenimcilik" terimi, resimdeki bir yönü ifade eder (ancak bu, her şeyden önce, bir grup yöntemdir), ancak fikirleri, izlenimciliğin de belirli bir dizi yöntemde ortaya çıktığı edebiyat ve müzikte de somutlaştırılmıştır. ve yazarların, izlenimlerinin bir yansıması olarak yaşamı canlı, doğrudan bir biçimde aktarmaya çalıştıkları edebi ve müzik eserleri yaratma teknikleri.

"Empresyonizm" terimi, "Le Charivari" dergisi eleştirmeni Louis Leroy'un, Les Misérables Salonu hakkındaki feuilletonunu "Empresyonistlerin Sergisi" olarak adlandırdığı ve resmin başlığını temel alarak ortaya çıktı. "İzlenim. Claude Monet'in Yükselen Güneşi".

gayrı resmi

Enformalizm, informel (fr. art informel), 20. yüzyılın 40'lı yıllarının ikinci yarısında Fransa'da (Paris'te) ortaya çıkan sanatta bir eğilimdir. Genellikle bu kavram altında, savaş sonrası Avrupa'da ortaya çıkan soyut sanattaki çeşitli eğilimler birleştirilir.
Tanım

"Enformalizm" kavramı, 50'lerin soyutlamacılığındaki sayısız eğilim için ortak bir terim olarak uygulanabilir. Örneğin, tachisme hem enformalizm kategorisi hem de ondan gelişen sanatsal bir hareket olarak kabul edilir. "Enformalizm", aynı zamanlarda ortaya çıkan lirik soyutlama kadar geniş kapsamlı bir kavramdır.

Kinetik Sanat

Kinetik sanat, Kinetizm (Yunanca kinetikos - harekete geçen hareket) - yön çağdaş sanat, tüm çalışmanın veya bireysel bileşenlerinin gerçek hareketinin etkilerini yenerek. Kinetizm, ışık ve hareketin bir sanat eseri yaratabileceği fikrine dayanır. Nesneler, hareket ederken ilginç ışık ve gölge kombinasyonları üreten, bazen de ses çıkaran hareketli yerleştirmelerdir. Metal, cam veya diğer malzemelerden yapılmış ve yanıp sönen ışıklı cihazlara bağlanan bu özenle yapılmış cihazlara "mobil cihazlar" deniyordu.

yapılandırmacılık

Konstrüktivizm, 1920'lerde - 1930'ların ilk yarısında geliştirilen güzel sanatlar, mimari, fotoğrafçılık ve dekoratif ve uygulamalı sanatlarda bir Sovyet avangard yöntemidir (yön).

Titizlik, geometri, formların özlülüğü ve monolitik görünüm ile karakterizedir. Mimaride, yapılandırmacılık ilkeleri A. A. Vesnin ve M. Ya. Ginzburg'un teorik konuşmalarında formüle edildi, ilk kez A. A., V. A. ve L. A. kardeşlerin yarattığı Moskova Çalışma Sarayı projesinde pratik olarak somutlaştırıldılar. Vesnin (1923 ) açık, akılcı planı ve yapının konstrüktif temeli (betonarme karkas) ile dış görünüşte tanımlamıştır. 1926'da, yapılandırmacıların resmi yaratıcı organizasyonu olan OCA kuruldu ( sosyal organizasyon, 1924 yılında LEF üyeleri tarafından kuruldu). Bu organizasyon binaların, yapıların, kentsel komplekslerin işleyişinin özelliklerinin bilimsel analizine dayanan sözde fonksiyonel tasarım yönteminin geliştiricisiydi. Konstrüktivizmin karakteristik anıtları mutfak fabrikaları, işçi sarayları, işçi kulüpleri, komünal evlerdir.

Yabancı sanatla ilgili olarak, "yapılandırmacılık" terimi büyük ölçüde keyfidir: mimaride, işlevselcilik içinde modern yapıların ifadesini vurgulamaya çalışan bir eğilimi belirtir; . Pevzner)

Bu dönemde SSCB'de konstrüktivist edebi akım da vardı.

kavramsalcılık

kavramsal? zm (lat. Conceptus'tan - düşünce, kavram) - skolastik felsefenin yönü; bilginin deneyimle kendini gösterdiği, ancak deneyimden kaynaklanmadığı doktrini.

Temsilciler - Pierre Abelard, John of Salisbury, John Duns Scotus ve diğerleri Modern zamanlarda, John Locke kavramsalcılığın konumlarına yakındı.

Tümeller hakkındaki tartışmada, realizm öğretisini reddeden nominalistler gibi kavramsalcılar, bireysel şeylere bakılmaksızın genelin gerçek varlığını inkar ettiler, ancak nominalistlerin aksine, zihindeki varlığı kabul ettiler. Genel konseptler, gerçekliğin bilişinin özel bir biçimi olarak kavramlar.

Başka bir deyişle, genel fikirlerimiz belirli deneyimler hakkında ortaya çıkar: örneğin, evrensel adalet kavramı, belirli bir adaletsizliği düşündüğümüzde ortaya çıkabilir, ancak bu fikir bu deneyimden önce bile zihnimizde gizli bir şekilde zaten mevcuttu.

Kavramsalcılık, ampirizm ile rasyonalizmin sentezi gibi bir şeydir.

Kübizm

Kübizm (Fransız Kübizm), görsel sanatlarda, özellikle de resimde, 20. yüzyılın başında ortaya çıkan ve vurgulu geometrikleştirilmiş koşullu formların kullanımı, gerçek nesneleri stereometrik ilkellere “bölme” arzusu ile karakterize edilen modernist bir eğilimdir. .

Kübizm geleneksel olarak 1906-1907'ye tarihlenir ve Pablo Picasso ve Georges Braque'nin çalışmalarıyla ilişkilendirilir. "Kübizm" terimi, sanat eleştirmeni Louis Vaucelle'nin Braque'nin yeni resimlerini "kübik tuhaflıklar" olarak adlandırmasından sonra 1908'de ortaya çıktı. (Fransız tuhaflıkları küpleri).

1912'den başlayarak, sanat eleştirmenlerinin "sentetik kübizm" dediği yeni bir kübizm dalı doğdu. Kübizm'in temel amaçları ve ilkeleri hakkında basit bir açıklama yapmak oldukça zordur; resimde bu akımın farklı estetik kavramları yansıtan üç aşaması ayırt edilebilir ve her biri ayrı ayrı ele alınabilir: Cezanne (1907-1909), analitik (1909-1912) ve sentetik (1913-1914) kübizm.

kübofütürizm

Cubofuturism, 20. yüzyılın başlarında, İtalyan fütüristlerinin (örneğin Boccioni) ve Fransız kübistlerinin başarılarını birleştiren resimde avangard sanatta bir eğilimdir.

Resim - kübo-fütürizm, hem resimde hem de şiirde Rus avangardında özellikle popülerdi. Çalışmalarının farklı dönemlerinde sanatçılar Malevich, Burliuk, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter, Bogomazov ve diğerleri kübo-fütürizm tarzında çalıştılar.

Fütürizmin şiiri ve kübo-fütürizmin resmi (bu terim 1913'te Korney Chukovsky tarafından halka duyuruldu) tarihte yakından iç içe geçmiştir. Rusya'da, "kübo-fütürizm" aynı zamanda "Gilea" şiir grubunun kendi adlarından biriydi ve onu Igor Severyanin ve takipçilerinin (ve daha sonra "Şiir Aralığı gibi diğer fütürist gruplar) ego-fütürizmiyle karşılaştırdı. " ve "Santrifüj"). Kübo-Fütürist şairler arasında Velimir Khlebnikov, Elena Guro, David ve Nikolai Burliuk, Vasily Kamensky, Vladimir Mayakovsky, Alexei Kruchenykh, Benedict Livshits vardı. Birçoğu da sanatçı olarak hareket etti.

Rayizm

Rayonizm (Luchism), soyut bir sanattır, 1910'ların Rus sanatında resimde bir yön, ışık spektrumlarının ve ışık iletiminin yer değiştirmesine dayalıdır. Ayrıca, boşlukların ortaya çıkması fikrine, “yansıyan ışınların kesişmesinden” formlara dayanıyordu. çesitli malzemeler", çünkü bir kişi aslında nesnenin kendisini değil, "ışık kaynağından gelen, nesneden yansıyan ve görüş alanımıza giren ışınların toplamını" algılar. Tuval üzerindeki ışınlar renkli çizgiler kullanılarak iletilir. Mikhail Le-Dantyu ve Eşek Kuyruğunun diğer sanatçıları Rayonizm'de çalıştı. Özel Geliştirme rayonizmin renk fikirlerini figüratif bir resmin renkli katmanının “mekansallığının” temeli yapan S. M. Romanovich'in çalışmasında alınan rayonizm.

Resmin anlamı, Mikhail Larionov, nesnelerin tasvirini değil, onlardan yansıyan renk ışınlarının illüstrasyonunu ilan etti; bu, yazara göre, nesnelerin gözle nasıl görüldüğüne daha yakın. Yani teoriye göre illüstrasyon, resmin “sembolik düzlemine” yaklaşır. Rayonizm, doğa ile resim düzlemi arasındaki sınırları siler.

Akımın kurucusu Mikhail Larionov, kirişin geleneksel olarak bir düzlemde renkli bir çizgi ile gösterilmesi gerektiğine inanıyordu. Rayonizm, soyut resmin ilk çeşitlerinden biri olarak kabul edilir, ancak öznenin optik algısından ayrılması gibi daha geniş yönleri de vardır. Bu nedenle sanatçı nesneyi değil, sadece üzerine düşen ışınları tasvir etmelidir. Ancak gözlerimiz sadece belirli bir nesneye değil, aynı zamanda yakındaki nesnelere de düşen ışınlardan etkilendiğinden, sanatçının nesnenin parlak görünümünü “zihinsel olarak” kavraması, hayal etmesi ve buna göre deyim yerindeyse tasvir etmesi gerekir. Larionov, “Bu hemen hemen aynı,” diyor Larionov, “çölün sıcak havasında yükselen, uzak şehirleri, gölleri, gökyüzündeki vahaları çizen bir serap - rayonizm, resim düzlemi ile doğa arasındaki sınırları siler.” "Parlayan" resimde, gerçek dünyanın nesnelerinin, Larionov'un dediği gibi, nesnenin bir başlangıç ​​noktası olarak hizmet ettiği "gerçekçi rayonizm" dışında hiçbir anlamı yoktur. Işın koşullu olarak renkli bir çizgi olarak tasvir edilir ve bu nedenle Larionov, resmin özünün en iyi şekilde ortaya çıkarılabileceğini iddia eder - "renk kombinasyonu, doygunluğu, tüm bunlar üzerindeki renk kütlelerinin oranı, derinlik, doku ... ".

Rayonizm, soyut resmin ilk örneklerinden biriydi. Larionov'un 1906'da Londra'da gördüğü sergi, Turner'ı resimde renk üzerine düşünmeye sevk eder ve sanatçı, formu "rayonizm" teriminin kaynaklandığı ışık ışınları olarak algılamaya başlar. Luchism Larionov, o zamanlar sanatta moda olan birçok sansasyonel fenomenden biri olarak zamanında bir sıçrama yaptı. S. Diaghilev'e göre Rusya'da ve özellikle Moskova'da, "ayda yirmi okulun doğduğu yıllardı: fütürizm, kübizm - bu antik çağ, tarih öncesi ... Saraylarda ve çatı katlarında sergiler düzenleniyor ... "

Sihirli gerçekçilik

Sihirli gerçekçilik, dünyanın gerçekçi bir resmine büyülü unsurların dahil edildiği sanatsal bir yöntemdir.

AT modern anlam terim kesin olmaktan çok açıklayıcıdır. "Büyülü gerçekçilik" terimi, ilk olarak Alman eleştirmen Franz Roch tarafından değiştirilmiş bir gerçekliği tasvir eden bir tabloyu tanımlamak için kullanıldı.

Maniyerizm (Geç Rönesans)

Maniyerizm (İtalyan manierinden, tarzdan), 16. yüzyılın - 17. yüzyılın ilk üçte birinin Batı Avrupa edebi ve sanatsal tarzıdır. Fiziksel ve ruhsal, doğa ve insan arasındaki Rönesans uyumunun kaybı ile karakterizedir. Bazı araştırmacılar (özellikle edebiyat eleştirmenleri) Maniyerizmi bağımsız bir üslup olarak görmeye ve onu Barok'un erken bir aşaması olarak görmeye meyilli değildir. Ayrıca, antik çağlardan günümüze kültürel gelişimin farklı aşamalarında sanatta biçimlendirici, "iddialı" başlangıcın bir ifadesi olarak "maniyerizm" kavramının genişletilmiş bir yorumu vardır.

metafizik resim

Metafizik resim (İtalyanca: Pittura metafisica), 20. yüzyılın başlarında İtalyan resminde bir akımdır.

Metafizik resimde metafor ve rüya, düşüncenin sıradan mantığın ötesine geçmesinin temeli haline gelir ve gerçekçi bir şekilde doğru bir şekilde tasvir edilen bir nesne ile içine yerleştirildiği garip atmosfer arasındaki karşıtlık, gerçeküstü etkiyi arttırır.

Metafizik hareket bu yeni resim yaklaşımından doğdu ve 1916-1922'de sanatçıları ve yazarları dizinin yayınlandığı "Valori Plastici" (Plastik Değerler) dergisi etrafında birleştirdi. teorik çalışmalar De Chirico ve Savinio, metafizik resme adanmıştır. Alberto Savinio, "Anadiomene" adlı çalışmasında metafizik poetikanın iki temel ilkesini formüle eder: "yanılsama" ve "ironi". De Chirico ve Carr'ın resimlerinin ana motifi haline gelen "manken" teması da ilk olarak Savinio'nun notlarında yer aldı. Metafizik resim, önceki sanatın imgelerine dayanıyordu ve geçmişin çeşitli kültürel unsurlarını içeriyordu. Savinio ve De Chirico, Arnold Böcklin'in neoklasik resminden açıkça etkilenmişlerdi; Fütürist deneylerden uzaklaşan Carlo Carra, eski klasik geleneğe döndü - trecento ve quattrocento boyama (bu, manzaralardaki bakış açılarında görülebilir). Tanınmış İtalyan sanat eleştirmeni Roberto Longhi bir keresinde esprili bir şekilde "quattrocento metafizik kuklalar ve taş konuklar için bir opera sahnesi haline geldi" demişti. Canlıların dünyası ile cansızlar arasında metafizik bir çizgi bulmaya çalışan sanatçılar, bu nedenle resimlerinde canlı cansıza benzer ve cansız nesneler kendi gizli hayatlarını yaşarlar. Genel olarak, "sır" - favori kelime Giorgio De Chirico.

minimalizm

Minimal art (eng. Minimal art), ayrıca Minimal? zm (eng. Minimalism), ABC art (eng. ABC Art), 1960'larda New York'ta ortaya çıkan bir sanat akımıdır. Sanat kuramında genellikle soyut dışavurumculuğun sanat biçimlerine ve onunla ilişkili söylem, kurum ve ideolojilere bir tepki olarak görülür. Minimal sanat genellikle tüm sembolizm ve metaforlardan arındırılmış geometrik şekiller, tekrarlar, nötr yüzeyler, endüstriyel malzemeler ve üretim tekniklerini içeriyordu.

Minimal sanatçılar arasında Carl Andre, Dan Flavin, Saul LeWitt, Donald Judd, Robert Morris ve bazen itibarlı Frank Stella yer alıyor.

modernizm

Modernizm (İtalyan modernismo - “modern eğilim”; Latin modernus'tan - “modern, son”), 20. yüzyılın sanatında, önceki tarihsel sanatsal yaratıcılık deneyiminden bir kopuş, yeni bir şey kurma arzusu ile karakterize edilen bir eğilimdir. -sanatta geleneksel başlangıçlar, sürekli yenilenme Sanat bicimleriüslubun yanı sıra gelenekselliği (şematizasyon, soyutlama). Modernist paradigma, 20. yüzyılın ilk yarısında Batı medeniyetinin önde gelen paradigmalarından biriydi; yüzyılın ikinci yarısında yoğun eleştirilere maruz kalmıştır.

Rus estetiğinde "modern", tarihsel olarak modernizmden önce gelen sanatsal bir tarz anlamına gelir. geç XIX- 20. yüzyılın başı (Rus modern, art nouveau, art nouveau, ayrılma vb.), bu nedenle karışıklığı önlemek için bu iki kavramı birbirinden ayırmak gerekir.

Görsel sanatlarda modernizm
Modernizm - on dokuzuncu yüzyılın ikinci yarısının - yirminci yüzyılın ortalarına ait sanatta bir dizi sanatsal eğilim. En önemli modernist eğilimler İzlenimcilik, Art Nouveau, Ekspresyonizm, Neo- ve Post-Empresyonizm, Fovizm, Kübizm, Fütürizm idi. Daha sonraki trendlerin yanı sıra - soyut sanat, Dadaizm, gerçeküstücülük. Dar anlamda modernizm, avangardın erken bir aşaması, klasik geleneklerin revizyonunun başlangıcı olarak görülüyor. Modernizmin doğum tarihine genellikle 1863 denir - Paris'te sanatçıların eserlerinin kabul edildiği “Reddedilenler Salonu” nun açılış yılı. Geniş anlamda modernizm, asıl amacı yazar tarafından içsel özgürlüğe ve özel bir dünya görüşüne dayalı özgün eserler yaratmak olan ve yeni sanatlar taşıyan “başka bir sanat”tır. ifade aracı resim dili.

edebiyatta modernizm
Edebiyatta klasik romanın yerini modernizm almıştır. Bir biyografi yerine, okuyucuya çeşitli felsefi, psikolojik ve tarihsel kavramların edebi yorumları sunulmaya başlandı, karakterlerin iç dünyasına derin bir nüfuz ile karakterize edilen bilinç akışı adı verilen bir stil ortaya çıktı. Modernizm literatüründe önemli bir yer, savaşı, kayıp kuşağı anlama teması tarafından işgal edilmiştir.

Modernizmin başlıca öncüleri şunlardı: Dostoyevski (1821-81) (Suç ve Ceza (1866), Karamazov Kardeşler (1880); Whitman (1819-92) (Çim Yaprakları) (1855-91); Baudelaire (1821-67) ) (Kötülüğün Çiçekleri), A. Rimbaud (1854-91) (Aydınlatmalar, 1874), Strindberg (1849-1912), özellikle sonraki oyunları. Modernist yazarları etkileyen filozoflar Friedrich Nietzsche, Henri Bergson, William James ve diğerleridir. Ayrıca Sigmund Freud.

Modernizm, 20. yüzyılın ilk otuz yılında eski stili ortadan kaldırdı ve radikal bir şekilde yeniden tanımladı. edebi formlar.

duvarcılık

20. yüzyılın Latin Amerika resminde, özü, ülke tarihinden fresk döngüleri olan kamu binalarının tasarımı olan, Meksikalı neo-realizm okulunu - muralizm vurgulamak özellikle gereklidir. insanlar ve onların mücadelesi. Anıtçılar, Azteklerin sanatını yeniden yarattılar, Maya, Rönesans'ın anıtsal sanatına döndü. Bu fresklerin ana karakteri insanlardır. Sosyal fenomenleri ve tarihsel olayları felsefi olarak genelleştiren, derin anlamlarına nüfuz eden bu okulun sanatçıları, demokratik ulusal sanatın temellerini attı (D. Rivera, D. Siqueiros, X. Orozco, R. Guttuso).

Kolomb öncesi duvar resmi geleneğine ve 1910 devriminden gelen toplumsal protesto hareketine dayanan Meksika muralizmi, hedefini "insancıl ve popüler, anıtsal ve kahramanca bir sanat yaratma" (Siqueiros) olarak belirledi.

İspanyol öncesi geçmiş ve bağımsızlık kahramanları aracılığıyla ulusal bilince yapılan çağrı, kamu binalarını (Orozco, Rivera, Siqueiros) süslemeyi amaçlayan, genellikle Barok veya Ekspresyonist olmak üzere güçlü eserler için didaktik temalar sağladı.

1920'lerde doğan duvarcılık (ulusal fresklerde toplu freskler hazırlık Okulu Mexico City'de 1922-1925) İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra da devam etti (1952'de Mexico City'deki üniversite kampüsündeki duvar resimleri).

posta sanatı

Posta sanatı (İngiliz posta sanatı), posta pullarını ve diğer posta malzemelerini görsel araç olarak kullanan bir tür modern güzel sanattır.

Posta sanatı kavramı genellikle posta, internet, mobil iletişim ve doğrudan kişisel iletişim kullanılarak sanat iletişimi sanatına atıfta bulunur. Başlangıçta, bu amaç için, salyangoz posta sanatının (İngiliz salyangoz postasından - “salyangoz postası”) ve açıklanan tüm yönün geliştirilmesi için bir itici güç görevi gören sıradan posta kullanıldı.

Uzaktan iletişim ihtiyacının bir sonucu olarak ortaya çıkan posta sanatı, 1950'lerin sonlarından itibaren sanatta ayrı bir yön olarak tanınmaya başladı.

Naif Sanat (Primitivizm)

Primitivizm, 19. yüzyılda ortaya çıkan, resmin kasıtlı olarak basitleştirilmesini içeren, formlarını bir çocuğun işi veya ilkel zamanların çizimleri gibi ilkel hale getiren bir resim tarzıdır. Bazı [kim?] sanat tarihçilerine göre, kavram saf sanat"İlkelcilik" terimine girmez, çünkü ilki profesyonel olmayanların resmi, ikincisi - profesyonellerin stilize resmi anlamına gelir.

İlkelciliğin en ünlü temsilcileri: Henri Rousseau, Niko Pirosmani.

natüralizm

Natüralizm (Lat. natura - “doğa”), 1870'lerde meydana gelen Fransız gerçekçi resminin gelişiminde geç bir aşamadır. Natüralistler, modern gerçekliği, özellikle de köylülüğün ve işçi sınıfının günlük yaşamını fotoğrafik olarak mümkün olduğunca doğru bir şekilde yakalamaya çalışan eski akademik sanatçılardı.

Courbet'nin eserleriyle karşılaştırıldığında, doğa bilimcilerin eserlerindeki sosyo-eleştirel ve hiciv bileşenleri arka planda kaldı. "İzlenimcilik" teriminin ortaya çıkmasından önce, temsilcileri doğa bilimcileri olarak sıralandı (örneğin, Zola bunu 1868 "Doğalcılar" makalesinde yapıyor). İzlenimciler giderek daha fazla tanınırlık kazandıkça, natüralizme olan ilgi azaldı. Bu yöndeki sanatçıların kendilerini belirlediği gerçekliğin tutkusuz bir şekilde sabitlenmesi görevleri fotoğraf tarafından başarıyla gerçekleştirildi.

Sanata natüralist yaklaşım, Zola'ya ek olarak Guy de Maupassant ve Theodore Dreiser tarafından temsil edilen 19. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarında edebiyatta bir eğilim olan edebi natüralizm ile karıştırılmamalıdır.

Neo-Geo

Neo-geo (neo-geometrik kavramsalcılık, İngiliz Neo-Geo), 20. yüzyılın soyut sanatındaki trendlerden biridir. Neo-geo tarzı, 80'lerin başında Amerikan sanatında ortaya çıktı ve genellikle 20. yüzyılın ilk yarısındaki klasik geometrik soyutlamanın değil, pop sanatın geleneklerinin bir devamı olarak görülüyor. Neo-geo, hem Malevich'in ya da Mondrian'ın ütopik hırslarını hem de soyut dışavurumculuğun son derece kişisel ve dramatik başlangıcını terk eden postmodernizm çağının bir soyutlamasıdır.

Neo-geo'nun kurucusu ve teorisyeni Peter Halley, kendi resimlerini insanüstü evrenin ideal bir modeli olarak değil, aynı zamanda kendi bilinçaltının bir sıçraması olarak da düşünmüyor. Resimlerinde soyut yapıları bile değil, modern toplumun bir tür şema ve grafiklerini görmeyi teklif ediyor: kareler ve dikdörtgenler - her türlü "toplum hücresi" olarak, çizgiler - sosyal bağlar ve iletişim ağları olarak. Bir postmoderniste yakışır şekilde, modernite vizyonunda Peter Halley, Fransız filozof Jean Baudrillard'ın fikirlerinden, özellikle fiziksel gerçekliğin yerini alan medya hipergerçekliği kavramından ilham alıyor.

Neo-Dadaizm

Neodada, Dadaizm'in yeniden canlandırılan ideallerinin veya yöntemlerinin tahmin edildiği çeşitli tarzları, eğilimleri ve sanat eserlerini ifade eden bir terimdir. Örneğin, pop art ile eşanlamlı olarak kullanılır ve Jasper Johns'un eserlerini tanımlayabilir.

Terim Barbara Rose tarafından icat edildi.

neoklasizm

Neoklasizm, Rus sanat eleştirisinde, 19. yüzyılın son üçte birinin ve 20. yüzyılın ilk çeyreğinin, antik çağ sanatının geleneklerine, Rönesans sanatına veya klasisizm (müzikte, ayrıca Barok dönemi). Yabancı sanat eleştirisinde, neoklasizm, daha önceki bir dönemin klasisizminin aksine, 18. yüzyılın ikinci yarısının - 19. yüzyılın ilk üçte birinin mimari ve güzel sanatlarında klasisizm olarak adlandırılır.

neo-pop

Neo-pop (bazen neo-pop art veya post-pop, İngiliz Neo-pop, Post-Pop tanımları da vardır) yirminci yüzyılın 80'lerinde kavramsalcılık ve minimalizme tepki olarak ortaya çıkan bir yöndür.

Neo-pop, temelde yeni bir sanat hareketi değil, popüler kültür dünyasının tüketim malları ve ünlülerine olan ilgisiyle, yalnızca yeni zamanın ikonları ve sembolleri ile pop sanatının bir evrimidir (Michael Jackson, Madonna, Britney Spears). , Paris Hilton vb.).

Neo-pop'un güzel örnekleri, Katharina Fritsch "Rat-King" (1993) ve Jeff Koons'un "Michael Jackson ve Bubbles" (1988) heykelleridir. Neo-pop, hem ilham kaynağı hem de tanıtım aracı olarak medyaya büyük ölçüde güvenir (bir örnek, Daniel Edwards'ın tartışmalı ünlü çıplak heykelleriyle yaptığı çalışmadır).

Pek çok neo-pop sanatçısının çalışmalarında pop art'a ek olarak minimalizm, kavramsal sanat ve fotogerçekçiliğin etkisi tespit edilebilir.

neo-romantizm

Neo-romantizm, 19. yüzyılın ikinci yarısının gerçekçi ve natüralist eğilimlerine bir tepki olarak ortaya çıkan, 19.-20. yüzyılların başında sanatta (öncelikle edebiyatta) bir akımdır. Kelimenin genel anlamıyla Avrupa'da 19. yüzyılın ilk yarısının edebi havasının (Romantizm) yeniden canlanması olarak tanımlanabilir. Modernizmin erken bir evresi veya kanatlarından biri olarak anlaşılabilir.

Neo-romantik edebiyat dünyası sürprizler, maceralar ve tehlikelerle doludur, ancak en sıradan insanlar. Eylemlerin kahramanlığı, kendine olan saygısını kaybetmeden hayatı parlak bir şekilde yaşama arzusudur ("R. L. Stevenson tarafından "Treasure Island", L. Bussenard tarafından "Captain Rip-Head").

Neo-romantizm çok verimli bir edebi akım olduğunu kanıtladı. 20. yüzyılda neo-romantik eserler yaratılmaya devam edildi ("R. Sabatini'nin "The Odyssey of Captain Blood" ve "The Heir from Calcutta").

Neofigüratif Sanat

Aşırı sınırlı adlandırmayı önlemek için<абстракция>, birçok savaş sonrası sanatçı yeni bir estetik kavramın tanımına geldi ve "figüratif olmayan sanat" terimini modern sanat sözlüğüne soktu. Figüratif olmamanın yeni ifadesi, şemalara (örneğin geometrik
kikh) akıl tarafından dikte edilen ve tamamen entelektüel spekülasyon uğruna herhangi bir yaratımı sterilize eden kurallar. Soyut sanatın öncülerinden miras kalan aşırı özgürlükle zenginleşen bu sanatçılar artık benzerlik ve
bize doğrudan ve yeni bir doğa duygusu verin. Figüratif olmayan sanat, figüratif (veya taklit) sanatın pasif "verili" doğasından, sanatçı-yaratıcı gibi izleyicinin birincil unsurların (toprak, hava) birliğini keşfettiği "doğa eylemi"ne geçişi işaret eder. , su, ateş) şeylerin ve canlıların gizli yaşamı. yaratıklar.

Şeylerin aldatıcı taklidinin reddedilmesiyle birlikte, mecazi imge de yok edilir ve
figüratif olmayan - insanın asla dışlanmadığı doğayı geri yükler. Aslında, figüratif olmayan sanat sadece soğuk soyuta bir tepki değildir.
Bu, hem dış dünyayla yeni bir ilişkinin kanıtı hem de Manessier'in sözleriyle "sanatçının kendi gerçekliğine dönebileceği ve kendisinde temel olana olan inancını yeniden kurabileceği modernite şansı". "

Yeni dışavurumculuk

Neo-ekspresyonizm, çağdaş resimde 1970'lerin sonlarında ortaya çıkan ve 1980'lerin ortalarına kadar sanat piyasasına egemen olan bir akımdır. Neo-ekspresyonizm, Avrupa'da 1970'lerin kavramsal ve minimalist sanatına bir tepki olarak ortaya çıktı. Neo-ekspresyonistler, imgelere, figüratifliğe, canlı ve duygusal bir şekilde, parlak doygun renklere döndüler.

Yeni Önemlilik (Neue Sachlichkeit)

Yeni maddilik, ayrıca yeni nesnellik, yeni maddilik (Almanca: Neue Sachlichkeit), 1920'lerde Almanya'da resim, edebiyat, mimari, fotoğraf, sinema ve müziği kucaklayan bir sanatsal harekettir.

Geç romantizme ve dışavurumculuğa karşıdır. 1933'te, Nazizmin iktidara gelişiyle ve tek bir devletin kurulmasıyla tükendi. kamu politikası sanat alanında. Yeni maddilik adı, 1923'te Mannheim Sanat Müzesi müdürü Gustav Hartlaub tarafından resimdeki yeni gerçekçiliği tanımlama girişiminde bulundu.

Yeni Gerçekçilik

Yeni gerçekçilik (fr. Nouveau Re "alisme), eleştirmen ve teorisyen Pierre Restany ile birlikte 27 Ekim 1960'ta Paris'te bir manifesto imzalayan sanatçıları birleştiren bir harekettir.

Üyeler kendilerine gerçekliği entegre etme hedefini koydular Gündelik Yaşam yeni yöntem ve malzemeler kullanarak sanata Bunu yaparak, nesne sanatının ve erken eylemcilik biçimlerinin gelişimine önemli bir katkı yaptılar.

sanat eseri

Optik sanat (op art - İngiliz optik sanatının kısaltılmış bir versiyonu - optik sanat), 20. yüzyılın ikinci yarısının, düz ve mekansal figürlerin algılanmasına dayanan çeşitli optik yanılsamalar kullanan sanatsal bir harekettir.

Akım, teknikçiliğin rasyonalist çizgisini (bir tür modernizm) sürdürüyor. Op art'ın kurucusu Victor Vasarely (1930'dan 1997'ye kadar Fransa'da çalıştı) olan sözde "geometrik" soyutlamacılığa geri dönüyor. Op sanatının (optik sanat) yönü, 50'li yıllarda soyutlamacılıktan, daha doğrusu çeşitliliği - geometrik soyutlamadan kaynaklanmaktadır. Güncel olarak dağılımı 60'lı yıllara dayanmaktadır. 20. yüzyıl

Orfizm (Simültanizm)

1912-1913'te kübizmin derinliklerinde, şair Guillaume Apollinaire sayesinde "Orfizm" adını alan bir muhalefet hareketi kuruldu. Yaratıcıları - sanatçılar Robber Delaunay ve eşi Sonia Turk-Delaunay, soyut renk ritmine sahip eserden büyülendi.

Orphism'in ilk eserlerinden biri renkli diskleri andıran kompozisyonlardı, bu eşmerkezli dairelerin parlak renk geçişleri tüm kompozisyona olağanüstü bir enerji verdi. Sanatçılar için bu titreşen eşmerkezli daireler kozmik enerjinin sembolleriydi. Simültanizm, Orphist sanatçılar tarafından da kullanılan bir tekniktir. Bu arada, teknolojinin başarılarına duyulan hayranlık onları fütüristlere yaklaştırdı.

Pop sanat

Pop art (İngilizce pop-art, popüler sanatın kısaltması), 1950'lerin ve 1960'ların görsel sanatlarında, tüketici ürünlerinin görüntülerini kullanarak soyut dışavurumculuğa tepki olarak ortaya çıkan bir trend.

Popüler kültürden ödünç alınan imaj, farklı bir bağlama yerleştirilir:

Ölçek ve malzeme değişimi;
- bir teknik veya teknik yöntem ortaya çıkarsa;
- bilgi paraziti algılandı, vb.

Ressamlık sonrası soyutlama

Ressamlık Sonrası Soyutlama, kromatik soyutlama, 1950'lerde Amerika'da ortaya çıkan resimdeki bir eğilimdir. Terim, eleştirmen Clement Greenberg tarafından Los Angeles County Sanat Müzesi'nde (daha sonra Walker Sanat Merkezi'nde ve Toronto'daki Ontario Sanat Galerisi'nde) küratörlüğünü yaptığı 1964 sergisinde sunulan harekete atıfta bulunmak için icat edildi.

Ressamlık sonrası soyutlama, soyut dışavurumculuk, fovizm ve post-empresyonizme dayanır. Ana özellikler: net kenarlar, serbest vuruş, basit formların uyumu (veya kontrastı), anıtsallık, düşünceli-melankolik resim deposu, çilecilik. Post-resimsel soyutlama aynı zamanda Geometrik Soyutlama'nın torunudur, onu yuvarlar ve yumuşatır.

izlenimcilik sonrası

Fr. postimpresyonizm) görsel sanatlarda bir yöndür. 19. yüzyılın 80'lerinde ortaya çıktı. Bu eğilimin sanatçıları sadece görsel izlenimlere bağlı kalmadılar, aynı zamanda dünyanın maddiliğini özgürce ve genel olarak aktarmaya çalıştılar, dekoratif stilizasyona başvurdular. Post-empresyonizmin resimdeki seçkin temsilcileri arasında Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec, Gaston La Touche, Rene Schutzenberger sayılabilir.

Post-empresyonizmin başlangıcı, 19. yüzyılın sonunda izlenimciliğin krizine düşer. Ardından İzlenimcilerin son sergisi gerçekleşti ve Fransız şair Jean Moréas'ın “Sembolizm Manifestosu” (1886) yayınlandı. Birçoğu daha önce İzlenimciliğe katılmış olan Post-Empresyonistler, sadece anlık ve geçici olanı değil, her an, çevrelerindeki dünyanın uzun vadeli durumlarını da anlamaya başladılar.

Post-empresyonizm, güzel sanatların sonraki gelişimini etkileyen farklı yaratıcı sistemler ve tekniklerle karakterize edilir. Van Gogh'un çalışmaları Ekspresyonizmin gelişini öngördü, Gauguin Sembolizm ve Art Nouveau'nun yolunu açtı.

kesinlik

Kesinlik veya Kesinlik (İng. Hassasiyet - doğruluk, netlik) - 30'ların Amerikan resminin bir yönü, bir tür büyülü gerçekçilik.

Kesinlikçiler için ana plan, şehrin görüntüsü, açık geometrik formlarda plastik görselleştirmesidir. Bu nedenle, resimlerin ana karakterleri: köprüler (Joseph Stella "Brooklyn Köprüsü"), gökdelenler (Georgia O'Keeffe "Gece"), fabrikalar, asansörler (Charles Demuth "Mısırım") ve medeniyetin diğer endüstriyel başarıları.

Presidjinistlerin formlarının dili geometrik olarak doğrulanmıştır, mekanik olarak sınırına kadardır. Resimlerin alanı steril, hava onlardan dışarı pompalanıyor gibi görünüyor (Crawford'un "Freeway"), içinde kimse yok. Aynı zamanda, böyle bir boşluk, görüntünün zamansız doğasını vurgular. Ana konu- mekanik estetik - İtalyan fütüristleriyle ilgili kesinlikçiler yapar.

"Yeni Çağ" (1926) teknik başarılarının sergilenmesinden sonra, cumhurbaşkanları devlet tarafından resmi olarak önerilen bir hareketin statüsünü alırlar.

Proto-Rönesans

Proto-Rönesans (diğer Yunanca ?????? - "ilk" ve Fransız Rönesansı - "Rönesans") - Rönesans'tan önceki İtalyan kültürü tarihinde, dukento (1200'ler) ve trecento'ya (1300-) düşen bir aşama e). Orta Çağ'dan Rönesans'a geçiş dönemi olarak kabul edilir. Terim ilk olarak İsviçreli tarihçi J. Burckhardt tarafından tanıtıldı.

AT İtalyan kültürü 13-14 yüzyıllar hala güçlü Bizans ve Gotik geleneklerinin zemininde, yeni bir sanatın özellikleri ortaya çıkmaya başladı - Rönesans'ın gelecekteki sanatı. Bu nedenle tarihinin bu dönemine Proto-Rönesans adı verildi. Hiçbirinde benzer bir geçiş dönemi yoktu. Avrupa ülkeleri. İtalya'nın kendisinde, proto-Rönesans sanatı yalnızca Toskana ve Roma'da vardı. İtalyan kültüründe eski ve yeninin özellikleri iç içe geçmiştir. "Orta Çağ'ın son şairi" ve yeni çağın ilk şairi Dante Alighieri (1265-1321), İtalyan edebi dil. Dante'nin başlattığı şey, XIV yüzyılın diğer büyük Floransalıları tarafından sürdürüldü - Avrupa'nın kurucusu Francesco Petrarca (1304-1374). lirik şiir ve dünya edebiyatında kısa öykü türünün kurucusu Giovanni Boccaccio (1313-1375). Dönemin gururu mimarlar ve heykeltıraşlar Niccolo ve Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio ve ressam Giotto di Bondone'dur.

Erken Rönesans

Rönesans veya Rönesans?ns (Fransız Rönesansı, İtalyan Rinascimento; "ri" - "tekrar" veya "yeniden doğmuş") - Orta Çağ kültürünün yerini alan ve modern kültürün önüne geçen Avrupa kültür tarihinde bir dönem zamanlar. Dönemin yaklaşık kronolojik çerçevesi XIV'in başlangıcı - XVI yüzyılların son çeyreği ve bazı durumlarda - XVII yüzyılın ilk on yıllarıdır (örneğin, İngiltere'de ve özellikle İspanya'da). Rönesans'ın ayırt edici bir özelliği, kültürün laik doğası ve insanmerkezciliğidir (yani, her şeyden önce bir kişiye ve faaliyetlerine olan ilgi). Eski kültüre bir ilgi var, onun bir tür “canlanması” var ve terim bu şekilde ortaya çıktı.

Rönesans terimi, örneğin Giorgio Vasari'de, İtalyan hümanistler arasında zaten bulunur. Modern anlamıyla, terim 19. yüzyıl Fransız tarihçisi Jules Michelet tarafından icat edildi. Günümüzde Rönesans terimi, kültürel gelişme için bir metafor haline geldi: örneğin, Karolenj Rönesansı veya 12. yüzyılın Rönesansı.

gerçekçilik

Sanatın görevinin gerçekliği olabildiğince doğru ve nesnel olarak yakalamak olduğu estetik konum. Alan içerisinde sanatsal aktivite gerçekçiliğin anlamı çok karmaşık ve çelişkilidir. Sınırları değişken ve belirsizdir; stilistik olarak çok yönlü ve çok değişkenlidir.

Resimdeki gerçekçiliğin çeşitli yönleri, Caravaggio, Vermeer ve Velasquez'in barok illüzyonizmi, Manet ve Degas'ın izlenimciliği, Van Gogh'un Nyunen eserleri, Edward Hopper'ın kesinliğidir.

Dar anlamda realizm, 19. yüzyılın 2. yarısının güzel sanatlarında bir akım olarak pozitivizm olarak anlaşılır. "Gerçekçilik" terimi ilk olarak 50'li yıllarda Fransız edebiyat eleştirmeni J. Chanfleury tarafından kullanılmıştır. Romantizme ve akademizme karşı çıkan sanatı belirtmek için XIX yüzyıl.

bölgeselcilik

Bölgeselcilik, bölgeselcilik (eng. Bölgesel - yerelden bölgeselcilik) - 1930'ların Amerikan resminde bir eğilim.

Hareket, Amerikan Ortabatısının yaşamından görüntülerin ve bölümlerin tasvirine döndü. Terim genellikle Amerikan tür resmiyle aynı anlamda kullanılır, ancak Bölgecilik, bu daha genel hareketin Batı Amerika'daki bir dalıdır.

Bölgeciler, otantik Amerikan sanatı yaratmaya çalıştılar ve yerel temalara yöneldiler. Bölgeciler, "gerçek Amerika" için nostaljik duygular, büyük popülerliklerinin nedeni haline gelen Amerikan köyünün ve küçük kasabaların hayatını yakalama arzusu tarafından yönlendirildi. Hareketin en büyük refah dönemi, derin ulusal güvensizlik zeminine karşı, sanatçıların Amerika'nın özgüvenini yeniden canlandırdığı, ulusal istisnacılık ve gelişmenin özgünlüğü fikrini geliştirdiği Büyük Buhran ile ilişkilidir.

Rokoko

Rokoko (Fransız rokoko, Fransız rokailleinden - kırma taş, dekoratif kabuk, kabuk, rokaille, daha az sıklıkla rokoko) - 18. yüzyılın ilk yarısında Fransa'da ortaya çıkan bir sanat tarzı (çoğunlukla iç tasarımda). Philip Orleansky'nin hükümdarlığı) Barok tarzının bir gelişimi olarak. karakteristik özellikler Rokoko, incelik, iç mekanların ve kompozisyonların büyük dekoratif yüklemesi, zarif süs ritmi, mitolojiye büyük dikkat, kişisel rahatlıktır. en yüksek gelişme Bavyera'da alınan mimari tarzda.

"Rokoko" (veya "rocaille") terimi 19. yüzyılın ortalarında kullanılmaya başlandı. Başlangıçta, "rocaille" mağara, fıskiye kaseleri vb. içlerini doğal (doğal) oluşumları taklit eden çeşitli fosillerle süslemenin bir yoludur ve bir "rocaille" bu tür süslemeleri yapan bir ustadır. Şimdi "rokoko" dediğimiz şeye, bir zamanlar "pitoresk tat" deniyordu, ancak 1750'lerde. “bükülen” ve “işkence gören” her şeyin eleştirisi daha aktif hale geldi ve literatürde “bozuk lezzet” adlandırması ortaya çıkmaya başladı. Ansiklopedistler, “şımarık zevk”te makul bir başlangıç ​​bulunmadığına göre, özellikle eleştiride başarılıydılar.

Tarzın ana unsurları: rocaille - bir kıvrılma ve kartel - rocaille kartuşlarını adlandırmak için kullanılan şimdi unutulmuş bir terim. Bu terimlerin kullanımının ilk örneklerinden biri, Mondon-son'ın 1736 tarihli “The Third Book of Rocaille and Cartel Forms” kitabıdır (aşağıdaki çizimlere bakınız). Bunları ayrıca usta Roetier'den (1760'ların sonlarında II. Catherine için gümüş bir hizmette bulunan, daha sonra Oryol Servisi olarak bilinen) bir mektupta (7 Nisan 1770) buluyoruz, hayatta kalan parçalar Devlet İnziva Yeri Müzesi'nde tutuluyor. Bu mektup aynı zamanda 1760'lar-70'lerin başında meydana gelen zevklerdeki değişimi de yansıtıyordu: “... E.I.V. her türlü figür ve kartelin terk edilmesini diliyor, onların yerine antika takılar ve en iyi zevki takip etmek için her türlü çabayı göstereceğiz, isteklere göre ... ”(RGIA'dan bir belgeden alıntı).

Romantizm

Romantizm (fr. romantisme), Aydınlanma'ya ve onun teşvik ettiği bilimsel ve teknolojik ilerlemeye bir tepki olan, 18. ve 19. yüzyıllarda Avrupa kültürünün bir olgusudur; 18. yüzyılın sonlarında Avrupa ve Amerikan kültüründe ideolojik ve sanatsal yön - 19. yüzyılın ilk yarısı. Bireyin ruhsal ve yaratıcı yaşamının içsel değerinin, güçlü (çoğunlukla asi) tutkuların ve karakterlerin, ruhsallaştırılmış ve iyileştirici doğanın görüntüsü ile karakterizedir. İnsan faaliyetinin çeşitli alanlarına yayıldı. 18. yüzyılda, tuhaf, fantastik, pitoresk ve kitaplarda var olan ve gerçekte olmayan her şeye romantik denirdi. 19. yüzyılın başında romantizm, klasisizm ve Aydınlanma'nın karşısında yeni bir yönün tanımı oldu.

Kuzey Rönesansı

Kuzey Rönesansı, kuzey Avrupa'daki Rönesans'ı veya daha genel olarak Alpler'in kuzeyinde İtalya dışındaki tüm Avrupa'yı tanımlamak için kullanılan bir terimdir. Kuzey Rönesansı, İtalyan Rönesansı ile yakından ilişkilidir, ancak bir takım karakteristik farklılıklar vardır.

Bu nedenle, Kuzey Rönesansı homojen değildi: her ülkede belirli belirli özellikleri vardı. Böylece kültürel çalışmalar Almanca, Felemenkçe, Fransızca, İspanyolca, İngilizce, Polonya Rönesansı vb.

12. yüzyılın sonlarında başlayan Avrupa'nın manevi uyanışı, ortaçağ şehir kültürünün yükselişinin sonucuydu ve yeni faaliyet biçimleri - entelektüel ve kültürel - ifade edildi. Özellikle, skolastik bilimin gelişmesi, antik çağa olan ilginin uyanması, bireyin dini ve laik alanda, sanatta - Gotik üslupta öz bilincinin tezahürü.

ayrılma

Viyana Secession (Almanca: Wiener Secession/Sezession), Fin de sie'cle (Art Nouveau) döneminde Viyanalı sanatçılardan oluşan bir dernektir. Onun sayesinde, Jugendstil'in Viyana versiyonuna Viyana Secession da denir.

sembolizm

Sembolizm (fr. Symbolisme), 1870'lerde ve 80'lerde Fransa'da ortaya çıkan sanattaki (edebiyat, müzik ve resimdeki) en büyük trendlerden biridir. ve en büyük gelişimine 19. ve 20. yüzyılların başında, özellikle Fransa'nın kendisinde, Belçika'da ve Rusya'da ulaştı. Sembolistler, yalnızca çeşitli sanat türlerini değil, aynı zamanda ona karşı tutumu da kökten değiştirdi. Deneysel doğası, yenilik arzusu, kozmopolitliği ve geniş etki yelpazesi çoğu için bir model haline geldi. modern trendler Sanat. Sembolistler sembolizm, yetersiz ifade, ipuçları, gizem, gizem kullandılar. Sembolistler tarafından yakalanan ana ruh hali karamsarlıktı, umutsuzluğa varıyordu. “Doğal” olan her şey yalnızca bağımsız bir sanatsal değeri olmayan “görünüm” olarak sunuldu.

Sembolik şiir, ilkelerin, retoriğin, yanlış duyarlılığın ve nesnel betimlemelerin düşmanıdır; İdea'yı duyusal olarak anlaşılır bir biçimde giydirmeye çalışır.

Sosyalist Gerçekçilik (Sosyal Gerçekçilik)

Sosyalist gerçekçilik (sosyalist gerçekçilik), sanatta kullanılan sanatsal yaratıcılığın ana [kaynak?] ideolojik yöntemidir. Sovyetler Birliği 1920'lerden beri [kaynak?] ve daha sonra diğer sosyalist ülkelerde, sansür de dahil olmak üzere devlet politikası yoluyla sanatsal yaratıcılığa dahil edildi ve sosyalizmi inşa etme görevlerinin çözümüne yanıt verdi. 1932'de edebiyat ve sanatta parti organları tarafından resmen onaylandı. Buna paralel olarak, resmi olmayan sanat da vardı.

Sosyalist gerçekçiliğin eserleri, "devrimci gelişmelerinde dinamik olarak değişen" dönemin olaylarının tasviri ile karakterize edilir. Yöntemin ideolojik içeriğini Marksizm-Leninizm belirlemiştir. Yöntem, sanatsal etkinliğin tüm alanlarını (edebiyat, drama, sinema, resim, heykel, müzik ve mimari) kapsıyordu.

Başvurusu aşağıdaki ilkeleri doğruladı:
- "belirli tarihsel devrimci gelişmeye uygun olarak" gerçekliğin sanatsal tasviri;
- sanatsal yaratıcılığın Marksizm-Leninizm fikirleriyle koordinasyonu, emekçilerin sosyalizmin inşasına aktif katılımı, Komünist Partinin öncü rolünün iddiası.

uzamsalcılık

Mekansalcılık (İtalyanca spazio - uzaydan gelen İtalyan Movimento spaziale), resim ve heykeli renk, ses, mekan, hareket ve zamanı birleştiren tek bir sanat formu olarak gören sanatta bir yöndür. Mekânsalcılık, somutluk, Dadaizm ve Tachisme unsurlarını birleştirir. Uzaycılığın kurucusu, "Beyaz Manifesto" (İspanyolca: Manifyingto blanco, 1946) adlı eserinde modern bilimsel ve teknolojik başarılara dayalı sanat sentezi ilkelerini savunan İtalyan sanatçı ve heykeltıraş Lucio Fontana'dır. teorik temel"Mekansalcılığın Teknik Manifestosu" (İtalyanca: Manifesto tecnico dello Spazialismo) çalışmasında yeni bir trend.

Çoğu Dikkate değer eserler uzaycılık tarzında - yazarın amacına göre, çevreleyen alana erişim sağlayan ve yakalanan tuvale kesikler, yırtıklar, delikler ve çizikler uygulama tekniğini kullanan Fontana "Mekansal Kavramlar" adlı bir dizi resim sanatçının hareketinin enerjisi.

Süprematizm

Süprematizm (Latin üstünlüğünden - en yüksek), 1910'ların 1. yarısında kurulan avangard sanatta bir eğilimdir. K.S. Maleviç. Bir tür soyut sanat olan Süprematizm, en basit geometrik hatların (düz bir çizgi, kare, daire ve dikdörtgenin geometrik formlarında) çok renkli düzlemlerinin kombinasyonlarında ifade edildi. Çok renkli ve farklı boyutlardaki geometrik figürlerin birleşimi, iç harekete nüfuz eden dengeli asimetrik Suprematist kompozisyonlar oluşturur.

İlk aşamada, Latince kök üstünlüğüne geri dönen bu terim, hakimiyet, rengin resmin diğer tüm özelliklerine göre üstünlüğü anlamına geliyordu. Nesnel olmayan tuvallerde, K. S. Malevich'e göre boya, ilk kez yardımcı bir rolden, başka amaçlara hizmet etmekten kurtuldu - Suprematist resimler, “saf yaratıcılığın”, yani yaratıcıyı eşitleyen bir eylemin ilk adımı oldu. insanın ve Doğanın gücü (Tanrı).

Süprematizm, Rus avangardının merkezi fenomenlerinden biri haline geldi. 1915'ten itibaren Malevich'in Kara Meydan da dahil olmak üzere ilk soyut eserleri sergilendi ve birçok sanatçı Süprematizm'den etkilendi.

sürrealizm

Sürrealizm (Fransızca surre "alisme - süper gerçekçilik), 1920'lerin başlarında Fransa'da şekillenen bir sanat akımıdır. İmaların ve paradoksal form kombinasyonlarının kullanımı ile ayırt edilir.

Yazar ve şair Andre Breton, sürrealizmin kurucusu ve ideoloğu olarak kabul edilir. 1917'de Guillaume Apollinaire, oyunlarından birine "sürrealist drama" adını verdi.

Sürrealizmin ana kavramı olan sürrealite, rüya ve gerçeğin birleşimidir. Bunu yapmak için sürrealistler, kolaj ve hazır teknoloji aracılığıyla natüralist görüntülerin absürt, çelişkili bir kombinasyonunu sundular. Sürrealistler radikal sol ideolojiden ilham aldılar, ancak devrimi kendi bilinçlerinden başlatmayı önerdiler. Sanat onlar tarafından kurtuluşun ana aracı olarak düşünüldü.

tachisme

Tachisme (Fransız Tachisme, Tache - spot), Amerika Birleşik Devletleri'nde en yaygın olan 1950'lerin ve 60'ların Batı Avrupa soyutlamacılığında bir eğilimdir. Gerçekliğin görüntülerini yeniden yaratmayan, ancak sanatçının bilinçsiz etkinliğini ifade eden benekli bir tablodur. Tachisme'deki vuruşlar, çizgiler ve noktalar, önceden planlanmış bir plan olmadan hızlı el hareketleriyle tuvale uygulanır. Avrupa grubu "COBRA" ve Japon grubu "Gutai" Tachismo'ya yakındır. Tachisme'nin yaratıcı yöntem ve ideoloji açısından tam eş anlamlılarından biri soyut dışavurumculuktur, ancak bu hareketlerin ortaya çıkış zamanı, dağılım coğrafyası ve kişisel kompozisyonu tam olarak örtüşmez.

tonalizm

Tonalizm - 19. yüzyılın sonlarında Amerikan sanatında, Barbizon okulundan kaynaklanan ve ana geleneklerden kaynaklanan bir eğilim, sanatçılar manzaraları genel bir renkli atmosfer veya sis tonuyla tasvir etmeye başladığında ortaya çıktı.

Adı onunla alakalı ana özellik: resimde bir ton hakimdir, tüm kompozisyona hakim olan ve özel bir atmosfer ve ruh hali belirleyen odur. Çoğunlukla manzara resmiydi. Bu hareketin kökenleri, gerçekçilik ve izlenimci canlılık eğilimini bir araya getiren Barbizon okulunun manzara resmine kadar uzanabilir. Tonalizmin ana temsilcileri, büyük Anglo-Amerikan ressam James Abbott Whistler ve çok ilginç Amerikalı sanatçı George Innes'dir. Yavaş yavaş, tonalizmin yerini izlenimcilik aldı ve 1915 civarında boşa çıktı.

transvanguard

Avrupa sanatında bir trend. Terim, 1979'da İtalyan eleştirmen Achille Bonito Oliva tarafından tanıtıldı ve kelimenin tam anlamıyla "avangarddan sonra" anlamına geliyordu. Transavant-garde kavramı, neo-dışavurumcu bir tarzda çalışan İtalyan sanatçıların eserlerini tanımlayan ilk kişiydi. Ancak fikir hızla dünya çapında tanınırlık kazandı. 1980'lerin başında yazılan "Uluslararası Transavant-garde" çalışmasında. A. Bonito Oliva, Avrupalı ​​ve Amerikalı sanat eleştirmenleriyle işbirliği içinde Alman neo-ekspresyonizmi, Arjantinli yeni imgelem ve Fransız özgür figüratifliğini bu isim altında birleştirdi. A. Bonito Oliva, transavangardın “son sanatsal kuşağın sanatının var olduğu bir kültürel atmosfer” olduğunu söylüyor; "transavangard, bugün mümkün olan tek avangarttır." Transavant-garde'ın estetik inancı, yeni bir resimsellik, dışavurumculuk, figüratiflik, fiziksellik, güçlü bir şekilde telaffuz edilen kişisel bir ilkenin kurulmasında yatmaktadır. Herhangi birinin ücretsiz kombinasyonu sanatsal stiller geçmiş ve tarihsel ve kültürel derneklerin özgürlüğü, estetiğinde özgünlük arzusunu engellemez. Postmodernistlerin aksine, modern transavangardistler, varlığı anlama konusunda ciddi bir görev üstlenirler.

Transavangard kronolojik olarak avangard sonrasıdır, ancak öyle bir "post"tur ki: - yıkılmaz sanatsal çoğulculuk (ve ifade araçlarının, geçim araçlarının çoğulculuğu) durumunda var olur; - bu nedenle, çeşitli geleneklere oldukça organik olarak hitap eder ve hiçbir şekilde büyük boyutlu avangard gelenekler (gerçekçilik, romantizm, vb.) dahil olmak üzere çeşitli projelerden ilham alır; - prensipte geleneksel avangardın hiçbir yolunu reddetmez (örneğin, sürrealizm, dada vb. dahil); - öncelikle, sanatın sanatla temasını kaybettiği, kendisinden hemen önce gelen kavramsalcılık paradigmasından uzaklaşır. insan hayatı ve bir zihinsel hayal oyununa indirgenmiştir.

Fotogerçekçilik (Hipergerçekçilik)

Hiperrealizm, a) 1990'ların-2000'lerin çağdaş sanattaki (resim ve heykel) eğilimlerine, b) 1970'lerin Avrupalı ​​fotogerçekçilerinin çalışmalarına atıfta bulunmak için kullanılan bir terimdir.

"Hiperrealizm" kelimesi, 1973'te Isy Brachot tarafından "fotogerçekçilik" kelimesinin Fransızca eşanlamlısı olarak icat edildi. "Hiperrealizm", aynı 1973'te Brüksel'de büyük bir katalog ve serginin adı oldu. Sergide ağırlıklı olarak Amerikalı fotogerçekçilerin eserleri yer alırken, aynı zamanda Gnoli, Gerhard Richter, Klapheck ve Delcol gibi bir dizi önemli Avrupalı ​​sanatçının eserleri de yer aldı. Yaklaşık otuz yıl sonra, terim yaratıcılığı tanımlamak için kullanılmaya başlandı. yeni Grup sanatçılar.

Modern hiperrealizm, fotogerçekçiliğin estetik ilkelerine dayanır, ancak ikincisinden farklı olarak, günlük gerçekliği kelimenin tam anlamıyla kopyalamaya çalışmaz. Hiper-gerçekçi resimdeki nesneler ve sahneler, gerçeklik yanılsaması vermek için detaylandırılmıştır, ancak tasvir çok iyi olabileceği için gerçeküstü değildir.

Fütürizm

Fütürizm (Latin futurum - gelecek) - yaygın isim 1910'ların sanatsal avangard hareketleri - 1920'lerin başında, özellikle İtalya ve Rusya'da. Fütüristler, içerikten çok nazım biçimiyle ilgilendiler. Yeni kelimeler buldular, kaba kelimeler kullandılar, profesyonel jargon, belgenin dili, afiş ve afişler.

DIŞAVURUMCULUK

Dışavurumculuk (Latince ifadeden, “ifade”), modernist dönemin Avrupa sanatında en çok 20. yüzyılın ilk on yıllarında, özellikle Almanya ve Avusturya'da geliştirilen bir eğilimdir. Dışavurumculuk, gerçeği ifade etmekten çok gerçekliği yeniden üretmeye çalışır. duygusal durum yazar. Resim, edebiyat, tiyatro, mimari, müzik ve dans dahil olmak üzere çeşitli sanat formlarında temsil edilir. Bu, sinemada kendini tam olarak gösteren ilk sanatsal harekettir.

Dışavurumculuk, kapitalist uygarlığın deformitelerine karşı keskin ve acılı bir tepki olarak ortaya çıktı. Dünya Savaşı ve devrimci hareketler. (August Macke ve Franz Marc gibi büyük ustaları öldüren) Dünya Savaşı katliamının travmatize ettiği nesil, gerçekliği hayal kırıklığı, endişe, korku gibi duyguların prizması aracılığıyla son derece öznel bir şekilde algıladı. Eski neslin estetik ve natüralizmini, halk üzerinde doğrudan bir duygusal etki fikriyle karşılaştırdılar. Dışavurumcular için yaratıcı eylemin her şeyden önce öznelliği. İfade ilkesi görüntüye üstün gelir. Acı ve çığlık motifleri çok yaygındır.

estetik

Estetikçilik veya Estetik hareket, 19. yüzyılda edebiyatta, güzel ve dekoratif sanatlarda ve iç tasarımda estetik değerlerin etik ve sosyal meselelere üstünlüğünü vurgulayan bir Avrupa hareketidir. Özünde, estetizm Avrupa'nın çöküş eğilimlerini ifade eder, bu nedenle İngiltere'de bu olgunun bir dalı olarak görülür. Estetizmin kökleri romantizme kadar uzanır, ancak kendisi Viktorya dönemine bir tepkiydi, bu nedenle modernizmi öngördü. 19. yüzyılın ikinci yarısında, yaklaşık olarak 1868-1901'de yaygındı ve genel olarak yok olmasının Oscar Wilde'ın (1895) yargılanmasıyla ilişkili olduğu kabul ediliyor.

Akademik Sanat

Akademizm (fr. academisme), 17.-19. yüzyıl Avrupa resminde bir eğilimdir. Akademizm, klasik sanatın dış biçimlerini izleyerek büyüdü. Takipçiler, bu stili antik antik çağın ve Rönesans'ın sanat biçimine bir yansıma olarak nitelendirdiler.

Akademizm, sanat eğitiminde nesnelerin düzenine yardımcı oldu, güzellik normunu telafi ederken, doğa imajının idealleştirildiği eski sanat geleneklerini somutlaştırdı.

Arte Povera

Arte Povera (İtalyanca Arte Povera - yoksul sanat), 1960'ların - 1970'lerin ikinci yarısında Roma, Torino, Milano ve Cenova'dan sanatçıları bir araya getiren sanatsal hareketi tanımlamak için sanat eleştirmeni ve küratör Germano Celant tarafından 1967'de tanıtılan bir terimdir. Arte Povera sanatçıları, endüstriyel veya sanatsal olmayan malzemeleri kullanarak doğa ve endüstri arasındaki bir diyaloğu görselleştirdi, yaratıcılığı geleneksel sanat biçimlerinin ve sanatsal mekanın kısıtlamalarından kurtarmak istedi ve endüstriyel malzemelerin politik boyutuyla oynadı. Hareket, endüstriyel malzemeleri de kullanan Amerika'da minimalizm ile muhalefet ve diyalog içinde uluslararası sanat sahnesinde öne çıkan bir fenomen haline geldi. Arte povera sanatçılarının bakış açısından minimalizm, formun yönleriyle ilgileniyordu ve arte povera için önemli olan şiirsel, politik ve tarihsel konulara değinmiyordu. Arte Povera, kendi manifestosu olan bir sanatçılar derneği değildi. Her şeyden önce, bir küratör ve eleştirmenin yardımıyla bütünüyle tanınan ve sınıflandırılan bir hareketti. Farklı kuşaklara ait olan arte povera sanatçılarından bazıları İtalya'daki sanat çevrelerinde zaten iyi biliniyordu.

Beton Sanatı (Somutlaştırma)

Beton sanatı (Alman Konkrete Kunst, İngiliz Beton sanatı, Fransız beton sanatı), 20. yüzyılın ilk yarısında ortaya çıkan ve ifadesini resim, heykel, fotoğraf ve ayrıca Avrupa avangard sanatının merkezi alanlarından biridir. şiirde.

Somut sanat kavramı, 1924 yılında Hollandalı sanatçı Theo van Doesburg tarafından ilan edildi ve 1930'da, oluşturulan sanat grubu Art concret'ın aynı yılında programa dahil edildi. İdeal durumda, salt somut sanatın yalnızca matematiksel ve geometrik parametrelere dayanması gerektiği öngörülmüştür. Kelimenin tam anlamıyla soyut değildir, çünkü maddi gerçekliği soyutlamaz, daha ziyade ideal, manevi ilkeleri somutlaştırır. Beton sanatının kendi başına sembolik bir anlamı yoktur, daha çok usta için tamamen geometrik, spekülatif yapılar üretir.

Kitsch, kitsch (Alman Kitsch - hack, kötü tat, "ucuz"), dış görünümün savurganlığına, sesin yüksekliğine asıl dikkatin verildiği sahte sanatın eşanlamlısı olan kitle kültürü fenomenlerinden biridir. onun unsurları. Standartlaştırılmış ev dekorasyonunun çeşitli biçimlerinde özel dağıtım aldı. Kitle kültürünün bir unsuru olarak, temel estetik değerlerden maksimum ayrılma noktası ve aynı zamanda popüler sanatta ilkelleştirme ve kabalaşma eğilimlerinin en agresif tezahürlerinden biridir.

Kelime, estetik nitelikleri abartılı duygusallık veya melodramla karıştıran 19. yüzyıl sanat eserlerinin büyük bir kısmına yanıt olarak kullanıldığından, kitsch en çok duygusal, ürkütücü veya ağlayan sanatla yakından ilişkilidir, ancak bu kelime şu anlama gelebilir: benzer nedenlerle kusurlu herhangi bir sanat nesnesi. Duygusal, gösterişli, gösterişli veya yaratıcı olsun, kitsch, sanatın dış tarafını taklit eden bir maskaralık olarak adlandırıldı. Kitsch'in yalnızca geleneklerin ve kalıpların tekrarına dayandığı ve gerçek sanatın sergilediği yaratıcılık ve özgünlükten yoksun olduğu sıklıkla söylenir.

harfçilik

Lettrism (fr. lettrisme), Rumen göçmen Isidore Izu tarafından 1940'ların ortalarında Paris'te kurulan bir Fransız avangard hareketidir. Lettrizmin temeli, kültürün ve yaratıcılığın tüm alanlarında mektubun (lettre) sistemleştirilmesi ve sınıflandırılmasıdır. Çoğu zaman, lettrizm, yazı tipi benzeri görüntülerin yanı sıra bunlara dayalı kompozisyonların oluşturulmasını ifade eder; paralel akustik biçimi, konuşmanın fonetik temellerini araştıran ses şiiri (sesli şiir) idi. Hareketin kökleri Dadaizm ve Sürrealizm'de bulunabilir.

Avrupa kitap kültürünün temellerine dokunan lettrism, sosyo-politik bir renk kazandı. Harf yazarlarının sol kanadının Charlie Chaplin'in Paris'teki bir basın toplantısında skandal çıkardığı 1952 eylemi, harekette bir bölünmeye yol açtı: hareketin bir dizi lideri (Jean-Louis Brau, Gil J. Wolman, Francois Dufrene) ultralettrizm ideolojisine geçti. Daha sonra oluşan Lettrist Enternasyonal, Lettrizmden Sitüasyonizme geçişte bir adım oldu.

İyi çalışmalarınızı bilgi tabanına gönderin basittir. Aşağıdaki formu kullanın

Bilgi tabanını çalışmalarında ve çalışmalarında kullanan öğrenciler, yüksek lisans öğrencileri, genç bilim adamları size çok minnettar olacaktır.

Benzer Belgeler

Bir sanat formu olarak resim. Bir tür güzel sanatlar - grafikler. Antik sanat formu - heykel. Mimarlık, tasarlama ve inşa etme sanatıdır. Çağdaş sanatın ana yönleri ve teknikleri. Kinetik ve avangard sanat.

dönem ödevi, eklendi 05/11/2007


Bir sanat formu olarak resim. Çağdaş sanatın ana yönleri ve teknikleri. Avangardizm, gerçekçilik, sürrealizm, montaj, minimalizm, soyutlama, yerleştirme. Heykel ve mimari. Modern sanat akımlarının sistemleştirilmesi.

dönem ödevi, eklendi 09/16/2012


Çağdaş sanatta eğilimler. Yeni bir yön yaratma zamanının ve figürlerin montaj tekniğinin karşılaştırılması. Yazarın eserler yaratmak için ideolojik motifleri. Yeni teknolojinin icadı ile bağlantılı olarak modern sanatın gelişiminin sonuçları.

tez, eklendi 07/12/2013


Sanatın kökeni ve insan yaşamı için önemi. Sanatsal aktivitenin morfolojisi. Sanatsal görüntü ve sanat olmanın yolları olarak stil. Sanat tarihinde realizm, romantizm ve modernizm. Soyut sanat, çağdaş sanatta popüler sanat.

özet, 21/12/2009 eklendi


Çağdaş sanatta bir akım olarak kinetik. Kinetik sanatın doğuşu. Işık ve hareket kullanarak bir sanat eseri yaratmak. Uygulamalı sanatlarda, tiyatro skenografisinde heykelleri hayata geçiren hileler şeklinde kinetik unsurlar.

sunum, 18/05/2015 eklendi


Sanatın kültür içindeki yeri. Bir bütün olarak kültürde sanat fikri. İnsan tutkularının ifadesi. Kültür bağlamında estetik bir etkinlik olarak sanat. Sanatın ana işlevleri. Çevreleyen gerçekliği yeniden üretmenin yolları.

özet, 17/05/2011 eklendi


Mağara döneminde sanatın kökeni. Sanatın Türkiye'deki gelişimi Antik Yunan ve Roma. Orta Çağ, Rönesans ve Barok'ta resmin gelişiminin özellikleri. Çağdaş sanatta sanatsal eğilimler. Ahlaki bir bakış açısından güzelliğin özü.