giriiş

XX yüzyılın kültür tarihi. en başından itibaren karmaşık sosyal değişimler damgasını vurdu. 1918'deki devrimci olaylara rağmen, gericilik gücünü pekiştirmeyi başardı. Ancak, ekonomik başarılar kısa sürede küresel ekonomik krizin gölgesinde kaldı. Nazilerin iktidara yükselişi ve ikinci Dünya Savaşı pek çok sorunu beraberinde getirdi.

Devletlerin mimarisinin resmi oldukça nesnel olarak politik gerçekleri yansıtır. Birinci Dünya Savaşı'ndan sonra Avrupa'da ve daha sonra dünyaya yayılan mimaride rasyonalizm ve modern hareket olarak adlandırılan işlevselcilik akımı birbirine zıttı. Son yıllarda duygusal olarak zayıf işlevsel mimariyi reddetme, olağandışı, bazen unutulmuş, şok edici mimari formlar arama eğilimleri postmodernizm mimarisinde somutlaşmıştır.

XX yüzyılın sanatının temel sorunları. yalan, elbette, sosyal alanda. Sosyal gelişmenin bir sonucu olarak, İkinci Dünya Savaşı'nın büyük yıkımı ile ağırlaştırılan insanların maddi ve manevi ihtiyaçlarının artması, organize ve inşa edilmiş bir mimari alan sıkıntısı yarattı. Sonuç, benzersiz ölçekte bir bina oldu. Arsa sahiplerinin, müşterilerin ve inşaat sektörünün süper kar elde etme arzusu, mimarların projeleriyle çatıştı. Birleşik prefabrik elemanlardan konut ve endüstriyel binalar için bina yapılarının rasyonel seri üretimi için geliştirilen teknolojiler, standardizasyon ve tiplendirme sağlar ve çevrenin monoton gelişimi tehlikesiyle doludur.

1. Modernizm ve postmodernizm kavramı

modernizm(İtalyan modernizmi " modern eğilim» lat. modernus "modern, son") - 20. yüzyılın sanat ve edebiyatında, önceki tarihsel sanatsal yaratıcılık deneyiminden bir kopuş, sanatta geleneksel olmayan yeni başlangıçlar kurma arzusu, sanatsal formların sürekli yenilenmesi ile karakterize edilen bir eğilim üslubun yanı sıra gelenekselliği (şematizasyon, soyutlama). Modernist paradigma, 20. yüzyılın ilk yarısında Batı medeniyetinin önde gelen paradigmalarından biriydi; yüzyılın ikinci yarısında yoğun eleştirilere maruz kalmıştır.

"Modernizm" terimi, yalnızca yerel sanat tarihi okuluna özgüdür, Batı kaynaklarında "modern" terimidir. Rus estetiğinde "modern" anlamına geldiğinden Sanat tarzı modernizmden önce, karışıklığı önlemek için bu iki kavramı birbirinden ayırmak gerekir.

Modernizm bir koleksiyondur sanatsal yönler on dokuzuncu yüzyılın ikinci yarısının sanatında - yirminci yüzyılın başlarında. En önemli modernist eğilimler, acmeizm, izlenimcilik, sembolizm, modernizm, dışavurumculuk, neo- ve post-empresyonizm, fovizm, kübizm, fütürizm. Daha sonraki akımların yanı sıra - soyut sanat, Dadaizm, Sürrealizm.

Dar anlamda modernizm, avangardın erken bir aşaması, klasik geleneklerin revizyonunun başlangıcı olarak görülüyor. Modernizmin doğum tarihine genellikle 1863 denir - Paris'te resmi Salon jürisi tarafından reddedilen sanatçıların eserlerinin kabul edildiği "Reddedilenler Salonu" nun açılış yılı. Geniş anlamda modernizm, asıl amacı yazar tarafından içsel özgürlüğe ve özel bir dünya görüşüne dayalı özgün eserler yaratmak olan ve yeni sanatlar taşıyan “başka bir sanat”tır. ifade aracı resim dili.

Modernizmin amentüsü kendi adında yatar - yeni bir modernliğin yaratılmasıdır. Yani, modernist mimarlara göre, yeni bina teknolojilerinin kazanımlarına dayanması gereken hem yapıcı hem de planlama fikirleri ve dış formlar olan mimarlığın yeniliğine yönelik temel bir yönelim.

"Beton ve cam prizmalar" figüratif ifadesi, modernizm binalarının genel karakterini iyi aktarır. Mimari modernizmin temel ilkeleri, en modern mimarinin kullanılmasıdır. Yapı malzemeleri, yapıları ve iç mekanları çözmek için rasyonel bir yaklaşım, süsleme eğilimlerinin yokluğu, yapıların görünümünde tarihi hatıraların temelden reddi, onların "uluslararası" karakteri. Modernist mimarların sosyal tutumlarına gelince, bir kural olarak, en azından teorisyenlerinin birçok beyanında, bariz demokratizm ve hatta solculuk ile ayırt edildiler.

"Neostyles" olarak adlandırılan mimaride modernizmin öncül stilleri, Rus modernizmi, Avusturya Secession, Almanya'da Art Nouveau, Fransa'da Art Nouveau ve daha sonra her yerde gelişen neoklasizmdir. Modernizmi takip eden tarz postmodernizmdir. , geleneksel tarihsel tarzların unsurlarının kullanımına, irrasyonel unsurlara dönüş ile karakterize edilir. Mimarlıkta modernizm, aşağıdaki gibi kavramlar (hareketler) ile ilişkilidir. avangard, saflık, işlevselcilik, yapılandırmacılık, "yeni hareket", uluslararası tarz, teknikçilik, minimalizm.

Öncü rolü oynayan modern mimarinin öncüleri olan modernizmin başlıca temsilcileri Frank Lloyd Wright, Walter Gropius, Richard Neutra, Mies van Der Rohe, Le Corbusier, Alvar Aalto, Oscar Niemeyer ve diğerleri.

Mimaride modernizmin klasik örnekleri:

Dessau'daki Bauhaus binası, kemer. V. Gropius;

Poissy'deki Villa Savvoy, 1930, kemer. Le Corbusier;

Londra'daki "High Point 1" ve "High Point 2" konut kompleksleri, 1936, kemer. B. Lyubetkin;

Paimio'daki Sanatoryum, 1933, kemer. A.Alto;

Hindistan, Chandigarh şehrinin mimarisi. Kemer Le Corbusier, P. Jeanneret ve diğerleri.

Brezilya'nın yeni başkenti Brasilia, kemer. L. Costa, O. Niemeyer, 50'ler;

New York'ta Seagram binası, 1958, mimarlar Mies van Der Rohe, F. Johnson;

"Hebitet" konut kompleksi, Expo-67, Montreal, 1955, mimar. M. Safdi.

Sanatta modernist eğilimler

Soyut sanat

soyut dışavurumculuk

dadaizm

İzlenimcilik

izlenimcilik sonrası

sembolizm

sürrealizm

Fütürizm

DIŞAVURUMCULUK

postmodernizm(lat. post - “sonra”, fr. moderne - “en yeni”, “modern”), postmodern, modern gelişmiş ülkelerin sosyal yaşamında ve kültüründe yapısal olarak benzer fenomenleri ifade eden bir terimdir, bir dizi postu birleştiren bir sanat hareketidir. - 20. yüzyılın sonlarında gerçekçi olmayan sanat akımları. Postmodern zihniyet, ilerlemeye, aklın zaferine, sonsuzluğa olan inançlarıyla Rönesans ve Aydınlanma'nın ideal ve değerlerinde hayal kırıklığının damgasını taşır. insan yetenekleri. Postmodernizmin çeşitli ulusal varyantlarında ortak olan, eskatolojik ruh halleri, estetik mutasyonlar, büyük stillerin yayılması, karıştırma ile işaretlenmiş "yorgun", "entropik" kültür çağının adıyla özdeşliği olarak düşünülebilir. sanatsal diller. Yeniliğe yönelik avangard tutuma burada, dünyanın tüm deneyimini çağdaş sanata dahil etme arzusu karşı çıkıyor. sanatsal kültür ironik alıntısıyla.

Postmodernizm inkarın sonucuydu. Bu terim, Birinci Dünya Savaşı sırasında R. Panwitz'in "Avrupa Kültürünün Krizi" (1914) çalışmasında ortaya çıkar. 1934 yılında, edebiyat eleştirmeni F. de Onis, İspanyol ve Latin Amerika Şiirinin Antolojisi adlı kitabında, modernizme karşı bir tepkiyi belirtmek için bunu kullanır. Ancak estetikte bu terim kök salmaz. 1947'de A. Toynbee, "Tarih Anlayışı" kitabında ona kültürel bir anlam verir: postmodernizm, Batı'nın din ve kültürdeki egemenliğinin sonunu sembolize eder. Amerikalı ilahiyatçı X. Cox, 1970'lerin başında Latin Amerika'daki din sorunlarına adanan eserlerinde "postmodern teoloji" kavramını yaygın olarak kullanır.

Ancak "postmodernizm" terimi Ch. Jencks sayesinde popülerlik kazandı. Postmodern Mimarlığın Dili kitabında, kelimenin kendisinin 1960'larda ve 1970'lerde Amerikan edebiyat eleştirisinde ultramodernist edebi deneylere atıfta bulunmak için kullanılmasına rağmen, yazarın ona temelde farklı bir anlam verdiğini belirtti. Postmodernizm, neo-avangardın aşırıcılık ve nihilizminden ayrılma, geleneklere kısmi bir dönüş ve mimarlığın iletişimsel rolüne vurgu anlamına geliyordu. Mimariye yaklaşımında akılcılık karşıtlığını, işlevselcilik karşıtlığını ve yapılandırmacılık karşıtlığını haklı çıkaran C. Jencks, mimaride estetize edilmiş bir eser yaratmanın önceliği üzerinde ısrar etti.

1914'te Amerika Birleşik Devletleri'nde sanatsal bir fenomen olarak ortaya çıkan (ilk olarak görsel sanatlarda - mimari, heykel, resim ve daha sonra tasarım, video kliplerde) postmodernizm, edebiyat ve müzikte hızla yayıldı. Teorik anlayışı biraz gecikti, ancak postmodernizmin Fransız post-Freudcuların ve yapısökümcülerin felsefesi üzerine temellendirilmesiyle adalet yeniden sağlandı.

20. yüzyılın başlarında bilgi ve iletişim teknolojilerinin baskın olduğu bir dönemde oluşan postmodernizm, sanatsal tezahüründe eklektizmle sonuçlanan çoğulculuk ve hoşgörünün damgasını taşır. Onun Karakteristik özellikçeşitli dönemlerin, bölgelerin ve alt kültürlerin cephaneliğinden ödünç alınan stiller, figüratif motifler ve tekniklerden oluşan tek bir çalışma çerçevesinde birleşmeydi.

Sanatçılar, klasiklerin alegorik dilini, barok, eski kültürlerin daha önce kullanılmamış sembollerini kullanırlar. Postmodernistlerin eserleri, içinde eğlenceli bir alandır. serbest dolaşım anlamlar. Ancak, dünya sanat kültürü deneyimini yörüngelerine dahil eden postmodernistler, bunu bir şaka, grotesk, parodi yoluyla, sanatsal alıntı, kolaj ve tekrar tekniklerini yaygın olarak kullanarak yaptılar. Çeşitli kuruluşlardan ücretsiz borçlanma yolunu takip ederek sanat sistemleri, postmodernizm, onları eşitler, tek bir küresel kültürel alan yaratır.

Postmodernizmde değer, herhangi bir çeşitlilik değil, yalnızca bir çöp kutusunda olduğu gibi, her şeyin hak ve eşdeğerde eşit olduğu türdendir: “irade nedir, esaret nedir; ne doğru, ne doğru değil; iyi olan, kötü olan hepsi aynıdır.

Modernizme karşı bir antitezi olarak ortaya çıkan, yalnızca birkaç kişinin anlayacağı postmodernizm, her şeyi bir oyun biçiminde giydirerek, kitle ile seçkin tüketici arasındaki mesafeyi düzleştirerek, seçkinleri kitlelere indirgemektedir (cazibe). Farklılıkları göstermenin en açık yolu edebiyat örneği üzerindedir. Ihab Hasan'ın sınıflamasına göre postmodernizm ile modernizm arasındaki fark şu şekildedir:

“Prensipte güvenilirlik ve nesnellik olasılığını reddeden ..., “adalet” veya “doğruluk” gibi kavramlar anlamlarını yitiren ...” bir “yeni felsefe” ilan edildi. Değer yönelimlerinin kaybolması durumu, postmodernist teorisyenler tarafından olumlu algılanmaktadır. "Ebedi değerler" totaliter ve paranoyaktır, yaratıcı gerçekleştirmeyi engelleyen kimliklerdir. Postmodernistlerin gerçek ideali, Deleuze'ün kaosmos dediği kaostur, düzensizliğin ilk durumu, sınırsız olanaklar durumu. Dünyada iki ilke hüküm sürer: yaratıcı gelişimin şizoid ilkesi ve boğucu bir düzenin paranoyak ilkesi.

Amerikan edebiyatındaki postmodernizm, öncelikle John Bart, Thomas Pynchon, James Patrick Dunleavy ve Donald Bartelmy'yi içeren "kara mizah okulu" nun kurucularının isimleriyle ilişkilidir. Etkili postmodernistler olarak, Umberto Eco, Don DeLillo, Julian Barnes, William Gibson, Vladimir Nabokov, John Fowles, Milorad Pavich, Tom Stoppard ve diğerleri gibi yazarlar seçiliyor.Rus postmodernistleri, bir dereceye kadar, yazarlar Boris Akunin, Joseph Brodsky, Venedikt Erofeev, Dmitry Alexandrovich Prigov, Grigory Oster, Viktor Pelevin, Sasha Sokolov, Vladimir Sorokin, Tatyana Tolstaya.

Postmodernizm, çağdaş görsel sanatlarda edebiyat veya sinemadaki kadar canlı bir şekilde somutlaşmamıştır. en çok ünlü artist postmodernizm, bir postmoderniste yakışır şekilde kendini çeşitli kılıklarda gösteren Joseph Beuys'dur: eylemler düzenledi, geleneksel olmayan malzemelerden heykeller yarattı, vb. Başka ünlü isimler Oyuncular: Mimmo Paladino, Albert Yen, Mario Merz. Rus postmodern güzel sanatı en iyi Vitaly Komar'ın Sots Sanatı ve Alexander Melamid tarafından temsil edilir.

2. Bilimsel ve teknolojik devrim ve sanata etkisi

Bilimsel ve teknolojik ilerlemenin toplumun ahlaki gelişiminden ayrılması, hayali bir alternatife yol açar: ya bilim ve teknolojinin ilerlemesi ya da insanın ilerlemesi. Örneğin, İngiliz kültür bilimci-filozof A. Toynbee şuna inanıyor: ahlak statik, teknoloji dinamik ve aradaki boşluk. teknik geliştirme ve insanlığın ahlaki gelişimi sürekli artmaktadır.

Böyle bir yaklaşım, soruna uzlaşmacı bir çözüm getirmez. Çözümün anahtarı kapsamlı bir çözümde yatar: bilimsel, teknik, sosyal ve ahlaki ilerlemenin birliği ve sürekliliği. Bilimsel ve teknolojik devrim süreçleri kontrol edilmezse, bu, toplumsal gelişmede en ciddi orantısızlıklara ve çelişkilere neden olabilir.

Bilimsel ve teknolojik devrim, yeni sanat türleri üretir, sanat eserlerini insanlar için daha erişilebilir hale getirir. Ancak bilimsel ve teknolojik devrimin başarıları, yaratıcılarını sanattan üstün kılıyor. Üstelik sanatta böyle bir ilerleme yok, bilimsel ve teknolojik devrime kıyasla etkisiz görünüyor. Buna ek olarak, çağdaş sanat formları büyük ölçüde teknolojiye dayanmaktadır. Ancak, tam da bu sabitlik içinde, yok edilemez değerlere ve manevi bağlılıklara sahip bir kişinin iç dünyasının somutlaşması söz konusudur. Sanat, değişen hayata tepki verir ve modernite olgusunu özümser.

Bilimsel ve teknolojik devrim, bir kişinin maddi ihtiyaçlarının ölçüsünü arttırırken, sanat onun içsel ihtiyaçlarının ölçüsünü arttırır. Elbette sanat, bilimsel ve teknolojik devrimi renklendirmemeli, onun kendi içinde bir amaç olarak değil, bir araç olarak gerçekleşmesine yardımcı olmalıdır.

Bilimsel ve teknolojik devrim, bilginin kültürün yerini aldığından emin olan bir insan yaratır. Kişi eserden aldığı bilgiyi düzeltir ancak eserle diyalog oluşmaz. Böylece M. Frisch'in Homo Faber romanında, bu yeni insan tipi sunulur - başarılı bir mühendis Walter Faber, üç ayda dünyanın yarısını uçmayı başarır. Bu sürekli hareketler, yazarın aile, ev, vatan gibi kavramlara kayıtsız, iş sahibi, müreffeh bir insan karakterini ortaya koyma şeklidir.

Faber için teknolojiye duyulan hayranlık dinin yerini aldı. Başka inançlara, başka manevi değerlere ihtiyacı yoktur. Faber, karakteristik olarak Tolstoy okumadı. AT Sanat galerileri Paris ve Roma'dan sıkılır. Ancak Faber'in "bu beni ilgilendirmiyor" formülüyle tanımlanan hayattaki konumu çok daha ciddi. Kitabın ahlakı: "Teknokrat, yaşayan dünyaya yabancılaşmıştır."

Güvenlik sorununda iç huzur sanatın insan rolü paha biçilmezdir - "Dünyayı güzellik kurtaracak."

Bilim ve sanat arasındaki ilişki sorusuna iki şekilde yaklaşılabilir. Bir yandan, karşılıklı etkilerinin izini sürmek ilginçtir: bilimde (Galileo'nun diyalogları) sanatsal düşüncenin unsurlarını aramak ve bilimin etkisini ("bilimsel şiir") sanatta aramak. Ancak bilim ve sanatın gerçek bir sentezinden yalnızca bireysel durumlarda söz edilebilir. Daha sık olarak, bu tür iç içe geçme eksik, kısmi olur. Bu nedenle, tüm farklılıklarına rağmen bilim ve sanatın doğasında bulunan bazı değişmezlere odaklanarak soruna bakmakta fayda var.

Bilimsel ve teknolojik devrim genellikle türlerin karışmasını ve iç içe geçmesini sağlar. Bazı durumlarda, kesin bilimler ve beşeri bilimler arasındaki sınırlar neredeyse ayırt edilemez hale gelir. Yaratıcı bir kişi, dar mesleki faaliyetinden memnun olamaz. Matematiksel Yöntemler tamamen insani alanlara nüfuz eder ve genellikle fenomeni daha derinden kavramaya, içindeki önemli kalıpları keşfetmeye yardımcı olur. Aynı zamanda, uygulama matematiksel aparat kendi başına bilimsel araştırmaya doğruluk ve güvenilirlik kazandırmaz. Bu aparatın yardımıyla fenomenin kendisi değil, onun matematiksel model hem başarılı hem de başarısız olabilen (ki beşeri bilimler daha sık oluşur).

Bilim ve sanatın eşiğinde, pedagojik beceri gibi bir yaratıcılık biçimi vardır. İyi bir öğretmen her zaman sadece bir bilim insanı değil, aynı zamanda bir sanatçı, sanatçıdır. Seçme sanatı burada büyük bir rol oynar - çok miktarda bilgi arasından gerekli bilgileri ve dinleyiciye hangi biçimde iletileceğini seçmek gerekir. Pedagojik yaratıcılık sayesinde insanlar alana dahil olurlar. bilimsel fikirler ve kavramlar, bilimsel etik ve estetik alanına girer.

Etik ve estetik konular giderek daha fazla nüfuz ediyor Bilimsel araştırmaçünkü bilimin doğaya ve insanlığa karşı sorumluluğu son yıllarda oldukça artmıştır. ( Ana karakter"Fizik" oyunu ikna oldu - "mevcut deha tanınmamalı").

Bilim ve sanatın bir başka birleşimi de popüler bilim edebiyatıdır. Elinden gelenin en iyisini, seviyelere yükselir Sanat Eserleri. "Popüler sergi" hiç de "kabalaştırma" değildir. Son derece gelişmiş okuyuculara kendi dar çevrelerinin dışında neler olup bittiğini anlatabilecek edebiyat ihtiyacı, bilimsel ve teknolojik devrim çağının özelliğidir.

"Bilimsel" nesir. Bilimin toplum hayatındaki önemi hızla artmaktadır. Sanatın bilimsel problemler dünyasına nüfuz etme, yaşam ve yaşam biçimini, bilimle ilişkili insanların ilişkilerini ve çatışmalarını yansıtma arzusu oldukça doğaldır. Bir yazarın bilim dünyasını ve insanlarını güvenilir bir şekilde aktarabilmesi için, öncelikle yaşamın bu alanını bilmesi gerekir; genel anlamda, ama oldukça yakın. Yazar, bilimin "gizem"ine ve büyüklüğüne hayran kalmamalı, esere özgünlük ve güç veren, sıradan ve sıradan olandır.

Bence bilimsel ve teknolojik devrimin ürünlerinden biri olarak bilgisayarlar ayrı bir niş işgal etmelidir. bilgisayar ne kadar uygulanabilir Yaratıcı süreç- soru belirsiz ve karmaşık.

Gerçekliğin herhangi bir bilgisi, bir dereceye kadar onun modellemesidir. Modern makineler yalnızca çevreleyen gerçekliği modellemekle kalmaz, aynı zamanda onu bir dereceye kadar yorumlayabilir.

Ancak, bugün yaratıcılık insanın ayrıcalığı olmaya devam ediyor. Makine yaratıcılığını destekleyenler, eğer bir makine insanlar tarafından sanat olarak algılanacak bir eser yaratabiliyorsa, bu etkinin nasıl elde edildiğinin artık önemli olmadığını savunuyorlar. Ayrıca bilim, doğanın kendisi tarafından dayatılanlar dışında hiçbir yasaklamaya müsamaha göstermez. Bu nedenle, makine yaratıcılığının asla ortaya çıkmayacağını iddia etmek imkansızdır.

İnsan, doğada zaten var olan unsurların bir kombinasyonu olmayacak bir şey icat edemez. Sanatla ilgili olarak, bu sadece yarı doğrudur. Sanatta her şeye kompozisyon değil, bağlam, etkileşim karar verir. Makine, belirtilen tüm gereksinimleri karşılayan bir iş yaratabilir, ancak bu çalışma herhangi bir fikir taşımayacaktır.

Makine işlenmemiş parçayı oluşturabilir, ancak son seçim adama bırakılmıştır. Seçim, herhangi bir yaratıcılığın ana unsurudur.

Kişi olmadan yaratıcılık bir taklide, var olanın taklidine dönüşür. İmge bireysel ve benzersizdir, inşa edilmez, doğar, tüm insanlığın deneyimini yoğunlaştırır, bireysel bilinç deneyimi yoluyla, bireyin karakter ve mizacının özellikleri aracılığıyla kırılır. Gelecekte makine bir kişilik kazanırsa, yaratabilecektir.

Herhangi bir yaratıcı yöntemin uygulanabilirliği yalnızca bir şekilde doğrulanabilir - başyapıtların yaratılması. Sadece şaheserler, bir kişinin estetik ilkelerini yeniden gözden geçirmesini sağlar. Doğrulama hiçbir şeyi kanıtlamaz, sadece zaten var olan başyapıtları çiğniyor. Ve böylece eski bir ustanın tarzında yaratılmış yeni bir eser sadece yüzeysel bir ilgi uyandırabilir.

Yapay zeka (şimdiye kadar) yalnızca bir sanatçının aracı olarak hareket edebilir. Makine, yaratıcının işini büyük ölçüde kolaylaştırır, işindeki rutini en aza indirir ve yeni fırsatlar sunar. Görünüşlerini bilimsel ve teknolojik devrime borçlu olan yeni sanat biçimleri ortaya çıkıyor, ancak yaratıcı inisiyatif kişide kalıyor.

3. İki kültür kavramı Ch. Snow

İnsan, çevresindeki evren, kendisi ve kendi eserleri hakkında bilgiye sahiptir. Bu, sahip olduğu tüm bilgileri iki büyük bölüme ayırır: doğa bilimi ve insani bilgi. Doğal ve insancıl bilgi arasındaki fark, özne (insan) ve inceleme nesnesi (doğa) ayrımına dayanırken, nesne esas olarak incelenir. İnsani bilginin önemli bir özelliği, doğa bilimlerinin aksine, çalışma nesnelerinin istikrarsızlığı, hızlı değişkenliğidir.

Doğada, çoğu durumda, belirli ve gerekli nedensel ilişkiler ve kalıplar hakimdir, bu nedenle ana görev Doğa Bilimleri Bu ilişkileri tanımlayın ve bunları açıklamak için kullanın. doğal olaylar, buradaki gerçek değişmez ve kanıtlanabilir. Ruhun fenomenleri bize doğrudan verilir, onları kendimiz gibi yaşarız, burada temel ilke anlamaktır, verilerin doğruluğu büyük ölçüde özneldir, kanıtlamanın değil yorumlamanın sonucudur.

İnsani değerler sistemi, doğa bilimlerini ve beşeri bilimleri değişen derecelerde etkiler. Doğa bilimleri, insani bilginin temel bir unsuru olan değer renkli yargılarla karakterize edilmez. İnsani bilgi şu veya bu ideolojiden etkilenebilir ve onunla doğal olarak bilimsel bilgiden çok daha fazla bağlantılıdır.

Bu nedenle, özel kültür türleri olarak doğa bilimleri ve insani kültürlerin doğal dağılımı hakkında tartışılabilir; ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdırlar. İnsanın kendisi - biyososyal, doğal ve sosyal bir varlık onunla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır; her iki kültür türü de insanın dünya görüşünün oluşumunda yer alır ve bütünsel bir olgudur.

İngiliz yazar Charles Snow ("İki Kültür" adlı eserinde) şu anda bu iki bilgi alanının, bilimsel ve teknik ile sanatsal ve insani bilgi alanının giderek daha az ortak noktaya sahip olduğunu, giderek daha fazla iki yalıtılmış alana dönüştüğünü belirtir. temsilcilerinin birbirini daha az anlayabildiği kültür. Bir dizi temel konuda bu bilgi alanları arasındaki farklar (örneğin, etik yönler Bilimsel araştırma) Snow'a göre, hem doğa bilimcilerin hem de beşeri bilimlerin, kural olarak, başka birinin bilgi alanında yetersiz bilgi sahibi olmaları gerçeğinden kaynaklanır, bu, gerçeğin tekelinde olmak için haksız iddiaların ilerlemesine yol açar.

Snow, sorunun köklerini, kendi görüşüne göre aşırı uzmanlaşmış ve insanların gerçekten kapsamlı bir eğitim almasını engelleyen mevcut eğitim sisteminde görüyor.

Doğal ve insancıl kültürler arasındaki çelişkiler, bilimin kendi içindeki çelişkilerle tamamlanır. Bilim kapsamlı cevaplar veremez, belirli soruları çözer, gerçeklik fenomenini en iyi açıklayan kavramlar yaratır, ancak bu tür teorilerin yaratılması basit bir bilgi birikimi değildir. Bu, bilimsel bilginin en temel temellerinin bile revize edildiği, hem evrimsel ilerici gelişme hem de "bilimsel devrimler" de dahil olmak üzere daha karmaşık bir süreçtir. Ve yeni teoriler tamamen farklı bir temel üzerine inşa ediliyor.

Ek olarak, bilimin özü olan biliş yönteminin kendisi çelişkiler içerir: doğa bir ve bütündür ve bilim bağımsız disiplinlere bölünmüştür. Gerçekliğin nesneleri bütüncül karmaşık oluşumlardır, bilim bazılarını soyutlar, en önemlisi olarak alır ve onları aynı fenomenin diğer yönlerinden izole eder. Şu anda, bu yöntem, bir fenomeni en basit öğelerine indirgeme yöntemi gibi, pek çok disiplinde sınırlı uygulanabilirlik olarak kabul edilmektedir, ancak sorun şu ki, tüm modern bilim onların temelinde inşa edilmiştir.

Kapitalist toplumda bireyin artan yabancılaşmasıyla birlikte, değişik formlar Temsilcileri kültür kavramını hayali ve saçma bir uydurma olarak reddeden kültürel nihilizm. Radikal aydınlar ve gençlik çevrelerindeki popülerlik, egemen burjuva kültürüne karşı "karşı kültür" teorisini aldı.

Bu iki kültürün kendi kendine yeterliliğini gören Charles Snow'du, ama neyse ki iki kültür sorunu uzlaşmaz çelişkiler aşamasına geçmedi, çünkü bir kopuş yerine iki bileşen yeni bir niteliksel düzeyde birleşti - gelişme genel bilimsel yöntemler bilgi, genel metodoloji, bilimlerin entegrasyonu. Bu iki bileşen birbirini karşılıklı olarak tamamlar ve zenginleştirir, herhangi bir sorunu çözmek için evrensel yaklaşımlar geliştirmeyi mümkün kılmıştır.

Doğa bilimi kavramları sürekli değişiyor, buna bağlı olarak bilimsel keşifler, ilerlemeler (ancak bilimin temellerini gözden geçirebilecek kadar önemli olmaları gerekir).

Yüzyılımızın ortasında, Charles P. Snow, bugün geçerliliğini kaybetmemiş bir sorunu formüle etti - doğa bilimleri kültürü ile beşeri bilimler arasındaki büyüyen uçurum hakkında. Batı Avrupa'nın geleneksel insancıl kültürü ile yirminci yüzyılın bilimsel ve teknolojik ilerlemesinden türetilen yeni, sözde "bilimsel kültür" arasında, ciddi sosyal çatışmalarla dolu karşılıklı yanlış anlamaların her yıl büyüdüğünü savundu. Bu, insanlığın bilimsel ve teknik kültürünün, ek olarak gelişen, yani önceki nesiller tarafından elde edilenlere yeni bilgiler ekleyen, temel olarak insani kültürden farklı olduğu gerçeğiyle açıklanabilir. çevremizdeki nesnel, fiziksel dünyanın yasaları, ancak çalışma ile çeşitli yönler ve "insan ruhunun yaşamının" çeşitli tezahürleri (K.S. Stanislavsky). Bugün, Ch.P.'nin ünlü konferansından neredeyse kırk yıl sonra. Snow, Cambridge Üniversitesi'nde okunan "İki Kültür ve Bilimsel Devrim", ortaya koyduğu sorun ölçülemez bir şekilde daha alakalı hale geldi.

Gerçekten de 20. yüzyılın sonunda insanlık, anlamlı bir şekilde kullanabileceğinden çok daha fazlasını biliyor ve yapabiliyor. Gittikçe daha çok kendisi için tehlikeli oyuncaklara sahip olan akılsız bir çocuğa benziyor. Bu bağlamda, insanlığın daha önce hiç karşılaşmadığı bir sorun ortaya çıktı - küresel-kozmik gücü ile bencil-küçük kasaba düşüncesi arasındaki çelişki.

Çözüm

Bildiğiniz gibi, bu dünyaya gelen bir kişi, yalnızca kendi topluluğunun kültürü bağlamında makul, insancıl düşünen bir varlık olmak için potansiyel bir fırsattır. Her defasında bir kişiliğin oluşumu, sanat eserlerinde, dini kültürde ve beşeri bilimlerde yakalanan önceki nesillerin manevi deneyimlerinin özümsenmesiyle sıfırdan başlar. bilimsel bilgi. Esas olarak insan varlığındaki en önemli görevi çözen bu üç manevi yaşam alanıdır - bir kişiye bu dünyadaki varlığının anlamını ve amacını açıklar. Dolayısıyla, C. Snow tarafından formüle edilen "iki kültür" sorunu, bugün giderek daha fazla manevi, insancıl kültürün önceliğine doğru eğiliyor.

Bununla birlikte, bu fikir, dümende olan, yani kamu kaynaklarını dağıtan birçok çağdaşımıza hala yabancıdır. Bazıları için bilim genellikle tanıdıkları önceliklerin dışındadır, diğerleri için - özellikle kesin ve doğa bilimlerinin bazı temsilcileri - insanı ve insan topluluklarını inceleyen bilimler gibi öncelikli değildir.

Son yanlış anlama özellikle üzücüdür, bizi makul insanlar için “fizikçiler ve söz yazarları” hakkında, dünya hakkında bilginin bilimsel ve teknolojik ilerlemesi çağında sözde meşru öncelik hakkında uzun süredir devam eden ve hatta o zaman anlamsız tartışmaya geri getiriyor. adam hakkında bilgi. Bugün, bu ikilem oldukça garip görünüyor. Ancak bu arada, modern bilim camiasında (genellikle yetersiz halk pastasını bölerken), ekonomik olarak zor zamanlarımızda, beşeri bilimler ve sosyal bilimler yerine doğal ve kesin bilimlere öncelik verilmesi gerektiği sesleri duyulmaktadır.

Bu arada, soruna dikkatli bir bakışla, bilimlerin, bir insanı tüm tezahürlerinde inceleyen beşeri bilimlere ve fiziksel gerçeklikler dünyasını keşfeden doğal olanlara bölünmesi, bugün bugün pek alakalı görünmüyor.

Üçüncü binyılın eşiğinde, Ch.P. tarafından formüle edilen iki kültürün çatışmasını umuyorum. Kar, hem bilimsel bilinç alanında hem de günlük bilimsel yaşam alanında giderek önemini kaybedecektir.

Edebiyat

1. Kimelev Yu.A., Polyakova N.L. Modernitenin sosyolojik teorileri, radikalleşmiş modernite ve postmodernite: Bilimsel-analist. gözden geçirme / RAS. INION. – E.: INION, 1996. – 66 s.

2. Mozheiko M.A. Modern kültürde doğrusal olmayan dinamikler teorisinin oluşumu: Karşılaştırmalı analiz sinerjik ve postmodern paradigma. – Minsk: 1999.

3. İlya İlyin. Başlangıcından yüzyılın sonuna kadar POSTMODERNİZM: Bilimsel mitin evrimi. Moskova: Intrada. 1998.

4. Skoropanova I.S. Rus postmodern edebiyatı. - Moskova: Flinta, 1999.

5. Aleinik R.M. Fransız Postmodern Edebiyatında İnsan İmgesi // Antropolojik Öğretilerin Spektrumu. M.: İFRAN, 2006, s. 199–214

6. Büyük Sovyet Ansiklopedisi. sayfa 16.18. - M: Aydınlanma. – 1982

7. İnternet kaynağı: bağımsız ansiklopedi-sözlük "Wikipedia" (www.wikipedia.ru).

20. yüzyılın kültürü

1. Modernizm

Kullanılan kaynakların listesi

1. Modernizm

20. yüzyıl, kültüre yansıyan devrimler, dünya ve iç savaşlar, Nazizm gibi trajik olaylardan doğan “lanet olası soruların” yüzyılıydı. Yeni sanat biçimleri, sosyal uygulama türleri, felsefi kendini ifade etme yolları, bilimsel teoriler, ahlaki kanunlar, genel ahlak kuralları - insan yaşamının tüm alanları yeni bir özel duygudan - saçmalık duygusundan etkilendi. Adam dünyanın uzayının nasıl parçalandığını gördü. Dünya, aklın baskısına boyun eğmedi, ayakların altından çıktı ve kişi, güç hakkındaki düşüncelerinin bir yanılsama olduğunu fark etti. İnsan kendini "Tanrı'nın en büyük hatası" (F. Nietzsche) olarak anladı ve Tanrı'nın kendisi için yararsız olduğunu ilan etti. Alman filozof Friedrich Nietzsche'nin (1844-1900) "Mutlu Bilim" den 125. fragmanda, açıklayıcı bir arsa verilir: belirli bir deli, bir fenerle şehrin sokaklarına koşar. İnsanlar inkar ederek ne yapacaklarını sorarlar ve o da: "Hepinizin taptığı ve taptığı Allah gerçekten öldü (öldü). O öldü, çünkü O'nu siz öldürdünüz" diye cevap verir. Nietzsche'nin Tanrısı, yalnızca Hıristiyanlığın veya başka bir dinin Tanrısı değil, aynı zamanda, insanların değerlerini kabul etmeyi bıraktığı tüm duyular üstü metafizik dünyadır. Nietzsche'nin "Tanrı'nın ölümü" fikri başkalarını gerektirir: her şeye izin verilir, sanat yeni Tanrı olur; Tanrı-insan Mesih'in yeri, kendisini "titreyen yaratıklara", kalabalığa karşı koyan insan-tanrı olan üstinsan tarafından işgal edilmiştir. İnsan, yalnızca dünyaya ve kendine eziyet etmeyi öğrenmiştir, çünkü kendi kendini yok etmeyle baş başa kalmıştır. Kültür dinin yerini almıştır.

Modernizm - (fr.modern - "yeni") - edebiyat ve sanatta felsefi ve estetik hareket geç XIX- 20. yüzyılın ilk yarısı. Modernizm 50'li ve 60'lı yıllara kadar sürdü. XX yüzyıl, 70'lerde. yerini postmodernizm aldı. Modernizm sanatının felsefi temeli, maddi dünyanın gerçek dışılığını ve ideal, maddi olmayan dünyanın gerçekliğini ilan eden mutlak idealizm felsefesiydi. Kurucu - Francis Bradley (1846-1924). Ve ayrıca - varoluşçuluk felsefesi (Latin varoluşçuluk - "varoluş") - siyaset, sosyal yaşam, kültür, bilim, teknoloji, ekonomi vb. "varoluş", özellikle dünyadaki insan varoluşu olarak). Temsilciler - Martin Heidegger (1889-1976), Jean-Paul Sartre (1905-1980), Albert Camus (1913-1960), Karl Jaspers (1883-1969), Gabriel Marcel (1889-1973), Nikolai Berdyaev (1874-1948) ) ), Lev Shestov (1866-1938).

Modernizm sanatı, sezgicilikten (lat. intuitus - "bak") etkilenmiştir - bilgi teorisindeki, ikili birlik inancına ve bilinç ile dış gerçekliğin iç bağlantısına, yani. bilincin kendine açıklığı: Bilinç, duyusal verilere karışmadan "kendini aşabilir", "varlığa girebilir", ışığıyla onu "aydınlatabilir" ve dış gerçekliği algılayabilir. Temsilciler: Henri Bergson (1859-1941), Nikolai Lossky (1870-1965), Semyon Frank (1874-1950).

Modernist sanatta önemli bir rol Doğu felsefesi, tefekkür, pasifliği ile Budizm; yanı sıra Karl Marx (1818-1883) ve Friedrich Engels'in (1820-1895) felsefesi.

Modernizm, dünyanın doğası gereği trajik ve saçma olduğu gerçeğinden yola çıkar. Dünyaya hakim olmanın rasyonel yollarını reddediyor, materyalist teorileri, pozitivizmi ve gerçekliğin gerçeğe yakın bir yansımasını reddediyor. Kamu bilincinin tüm klişe ideolojilerini reddeder. Bunun yerine modernizm, gerçekliği açıklamanın yeni özel yollarını arıyor. Modernizmin temel değeri, karmaşık duygusal deneyimleriyle kişiliktir, bu nedenle modernist sanat, kural olarak psikolojiktir, bilinç alanına ve bilinçaltına atıfta bulunur. Modernistler sınırda olan ruh halleriyle (deli, hasta, mahkûmlar, hırsızlar vb.) ilgilenirler. Bu bağlamda, modernistler Sigmund Freud (1856-1939) ve Carl Gustav Jung (1875-1961) tarafından psikanalizin başarılarıyla ilgileniyorlar: psişenin bilinçli ve bilinçsiz olarak bölünmesi: 1) süper ego, 2) I, 3) o; rüyalarda bilinçdışının tezahürünün incelenmesi, delilerin hezeyanları, kalem sürçmeleri, dil sürçmeleri; libido kavramı - yaratıcılığa eşlik eden cinsel enerji; baskı ve direniş doktrini vb. Modernistler, insanın içinde her şey vardır derler: yüceden aşağıya, ilahi olandan şeytani olana. İnsan, yüksekliğini bilmeye, derinliklerine inmeye, bir ideal (yeni bir Tanrı) bulmaya, şeytanı kendisine boyun eğdirmeye çalışır. İnsanın metafizik, sanatsal ve sosyal kurtuluşu için koşullar yaratmak gerekir. Farklı eğilimlerin modernistleri, bu hedeflere ulaşmak için kendi yollarını önerdiler.

"Modernizm" terimi ilk olarak Fransa'da ortaya çıktı: Jules (1830-1870) ve Edmond (1822-1896) Goncourt kardeşler tarafından yeni bir modernizm tanımlamak için tanıtıldı. edebi biçim. Modernizmin başlangıcı, Charles Baudelaire'in (1821-1867) "Kötülüğün Çiçekleri" (1850) şiirsel koleksiyonunun yayınlanmasıyla ilişkilidir. Gustave Flaubert (1821-1880) birçok kişi tarafından ilk modernist olarak kabul edilir.

Modernist bir eser her zaman entelektüeldir ve algılayan özne tarafından doğru bir anlayış için kapsamlı bir hazırlık gerektirir. Modernizm, sanatın özerkliğinin estetik stratejisine bağlı kalır, sanatsal olmayan herhangi bir bağlamdan (sosyal, politik, dini vb.) Sanat formu içeriğiyle özdeş bir sanat eserinin temel temeli olarak anlaşılır.

"Klasik Modernizm" şu şekilde temsil edilir:

- Sembolizm.

Sembolizm - 1870-1910 Avrupa sanatında bir trend. Sembolizm esas olarak şiiri etkiledi. Şairler, bir sembol aracılığıyla sanatsal ifadeyi gerçekleştirmişlerdir. Sembol, "kendinde şeylerin" ve duyusal algının ötesinde olan fikirlerin çok anlamlı, alegorik ve mantıksal olarak aşılmaz bir görüntüsüdür. Şeyler, eğer semboliklerse, öte ile özel bir anlamsal bağıntı gösterirler. Böyle bir bağıntıyı görmek için, bireyin aktif yaşamıyla ilişkili ruhsal vizyonu, yalnızca kendi dolaysız verililiğindeki şeyler arasında değil, anlamlar dünyasında açmak gerekir. Sembolistler klasik mitoloji, eski ezoterik öğretiler ve modern modifikasyonları - teozofi, antropozi ile ilgileniyorlardı. Sembolistler "yeni" dili konuşmak için mitlerin ve folklorun arkaik imgelerine yöneldiler.

Temsilciler: Charles Baudelaire (1821-1867), Paul Verlaine (1844-1896), Arthur Rimbaud (1854-1891) ve diğerleri Rus sembolistleri Vyacheslav Ivanov (1866-1949), Andrei Bely (1888-1934), erken Alexander Blok (1880-1921).

– Empresyonizm ve Post-Empresyonizm.

İzlenimcilik - (fr. İzlenim - "izlenim"), terim Claude Monet'nin (1840-1926) "İzlenim: Soleil levant" (Paris, 1874) resminin başlığından gelir. İzlenimcilik, sanatçının özel, tekil ve öznel vizyonuna odaklanır.

İzlenimcilik, basit fenomenlerde güzelliği görebilen, nesnelerin parıltısını, şeffaflığı, saflığı ve ışıkla dolu havanın akışkanlığını görmekten mutlu olan, etkileyici, düşünceli bir kişi olduğunu iddia etti. İzlenimciler, sanatçının faydacı olmayan bir bakış açısından bakıldığında, görsel olarak algılanan gerçekliğin ilk sanatsal izlenimini iletmek için mücadele ettiler. İzlenimciliğin temel sorunu, ışık ve havanın iletilmesidir. Bunu yapmak için, palet üzerinde karıştırmadan saf renklerle yazmaya çalıştılar ve belirli bir mesafedeki bireysel vuruşları ortak bir resimsel görüntüde birleştiren gözün optik algısını kullandılar.

İzlenimcilik temsilcileri:

- resimde C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, A. Matisse, M. Utrillo, K. Korovin.

- müzikte: K. Debussy, M. Ravel, A. Scriabin.

– literatürde: K. Hamsun, G. Kellerman, G. Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simons, B. Zaitsev.

Post-izlenimcilik, dünyayı karmaşık bir şekilde, bazı duyular üstü varlığın bir fenomeni olarak anlar. Görsel akla yatkınlık çerçevesinde kalırken, gerçekliği doğanın ve tarihin temel güçlerinin somutlaşması olarak mitolojikleştirirler. Sanatsal yöntemlerinin derin özelliği, görüntünün statik eşzamanlılığının ve uzamsal sürekliliğinin reddedilmesidir.

Temsilciler: P. Cezanne, V. Van Gogh, P. Gauguin, kısmen V. Serov, K. Petrov-Vodkin.

- DIŞAVURUMCULUK.

Ekspresyonizm - (lat. Expressio - ifadeden), Almanya'da, özellikle resimde yoğun bir şekilde ortaya çıktı ve gelişti. Başlatanlar, 1905'te "Most" grubunu oluşturan öğrenci-mimarlar E. L. Kirchner, F. Breil, E. Heckel, K. Schmidt-Rotluff idi. Hiçbirinin resim konusunda özel bir deneyimi yoktu - ve sanatsal deneyleri yeni bir sanatsal yönün doğuşuna yol açtı.

Dışavurumculuğun özü, keskinleştirilmiş anlatımda yatar. sanatsal araçlar sanatçının duygu ve deneyimlerinin teknikleri, ruhunun irrasyonel durumları, trajik ve varoluşsal-dramatik spektrumlar: kaygı, korku, özlem, sinirlilik, nostalji, vb. Dışavurumculuğun estetiği, bir kişiyi ailesinde ve sosyal ilişkilerinde değil, metafizik özünde kavramaya çağıran dışsal tanımlayıcı inandırıcılığı reddeder.

Ünlü Alman dışavurumcu sanatçı Franz Marc (1880-1916) ("Mavi At", "Hayvanların Kaderi" vb.) sanatta ifade için çabaladı. maneviyat ve insanlığın yeni manevi değerlere genel olarak ilgi duymadığını acı bir şekilde dile getirdi.

Edebiyatta dışavurumcu özellikler, "Sturm", "Action" ve diğerleri dergileri etrafında gruplanan yazarların karakteristiğidir.En ünlü dışavurumcu yazarlar G. Meyrink, A. Frank, F. Kafka, erken J. Becher, L. Andreev'dir. Avusturyalı yazar Franz Kafka'nın (1883-1924) ("Süreç", "Kale", "Amerika", "Dönüşüm" vb.) eserleri insana trajik ve düşmanca bir dünya gösterir. Kafka'nın hikayeleri kabus gibidir. İnsanlar dünyada belirsiz bir güvenlik ihtiyacı ile yaşarlar, ancak umutsuzca kendi içlerine dolanırlar ve itaat etmekten mutluluk duyarlar, ancak kime olduğunu bilmezler. İyilik yapmaktan mutluluk duyacaklardır, ancak ona giden yol kapalıdır, gizemli Tanrı'nın çağrısını duyarlar ve bulamazlar. Kafka'nın dünyasındaki insan acı çekmeye mahkumdur. Yani, "Dava" romanında ana karakter Josef K. suçlanıyor - kendisi ne olduğunu bilmiyor. Kendini savunmak niyetinde, ama ne olduğunu bilmiyor. Sever, yer, içer, gazete okur. Sonra yargılanır. Ancak mahkeme salonu karanlıktı ve kararın ne olduğunu zar zor anlayabiliyordu. Başı bir taşa konur ve idam edilir. Ölmeden önce "Köpek gibi" demeyi başarır. Bu, sanki onu "kopyalıyormuş gibi", sahte bir yanıltıcı dünyanın tamamen doğru bir görüntüsüdür.

Mimaride dışavurumculuk: A. Gaudi, Le Corbusier ve diğerleri.

Müzikte dışavurumculuk: A. Schoenberg, A. Webern, A. Berg.

- Varoluşçuluk.

Varoluşçuluk felsefesi, somutlaşmasını edebiyatta bulmuştur. Ana temalar, insanın varoluşu ile şu şekilde ilgilidir: bireyin kaderi, inanç ve inançsızlık sorunu, hayatın anlamını kaybetme ve kazanma, özgürlük, manevi kriz, kişinin yaptığı seçim. İnsan yalnızdır, -varoluşçulara göre- olağan toplumun dışına çıkmıştır ve onun için dünyada hiçbir umut yoktur ve olamaz. İnsan sadece bugünü yaşadığını ve yarını, geleceği olmadığını anlamalıdır. Olacaksa, onunla değil, ondan sonra gelenlerle olacak, ama onlar için bu gelecek sadece şimdi olacak. Dünya saçmadır, en güzel yanılsamalar ve düşler onda biter. Saçmalık, bir kişiye dünyaya açık gözlerle, boyun eğmeden ve kadere boyun eğmeden bakmayı öğretir. Derin insan krizinin nedeni, "Tanrı'nın ölümü" fikrinin boşluğundan oluşan manevi boşluktur.

Varoluşçuluk fikirleri, Fransız yazar ve filozof Albert Camus'un (1913-1960), "Mutlu Ölüm", "Asi Adam", "Veba", "Yabancı" vb. Metinlerinde kendini gösterdi. Öyküde " Yabancı", varoluşçu anti-kahraman Meursault, sosyal normları göz ardı eden bir yabancı olduğu için mahkum edilir. Her şeyin saçma olduğunu anlıyor, Tanrı yok, tek gerçek var - ölüm. Meursault tarafından işlenen cinayet için hikayede dünyevi bir motif yoktur. Akdeniz'in güneşi güçlü bir şekilde parladığı için öldürür. Onu yakıyor. cinayet mahallinde 3 aktörler: Meursault, Arap ve Güneş. Meursault doğal dünyaya aittir. Cinayet anında kendini kozmik manzaranın bir parçası gibi hissediyor. Güneş hareketini kontrol eder. Doğa, bir insanı tövbe azabından kurtarır, toplumun saçmalıklarının üstesinden gelmenize izin verir. İşte güneş mitolojisine bir gönderme, doğaya pagan bir tavır.

Temsilciler: J.-P. Sartre, A. Camus, A. Malraux, S. de Beauvoir, G. Marcel, J. Baldwin, W. Golding ve diğerleri.

– Bilinç Akışı Edebiyatı.

"Bilinç akışı" - nihai derece, iç monologun aşırı şekli. Yazarların görevi, metinlerin kararsız izlenimlere, biçimlerin dövülebilirliğine sahip olma eğilimiyle bağlantılı olarak "düşünceyi yarı yolda yakalamaktır". "Bilinç akışının" unsurları, psikanaliz bağlamında insan ruhunun derinliklerini anlamanın etkili yollarından biri olarak kabul edilir. Trendin önde gelen bir temsilcisi olan İrlandalı yazar J. Joyce (1882-1941), "Ullis" adlı romanında, geleneksel iç monologdan, yalnızca bir kez kullanılan düzinelerce sayfadaki düşüncelerin harfi harfine kaydedilmesine kadar çeşitli iç konuşma biçimleri sergiledi. bir noktalama işareti.

Temsilciler: M. Proust, G. Stein, V. Wolf, T. Eliot.

2. Sanatta avangard eğilimler

Avangard - (Fransız avangard - "öncü") - 20. yüzyılın ilk üçte birinde modernizmin sanatsal kültüründe çeşitli yenilikçi hareketler ve eğilimler kümesi: Fütürizm, Dadaizm, Sürrealizm, Kübizm, Süprematizm, Fovizm, vb. Avangard, genel olarak modernizmin aşırı bir tezahürüdür. Avangard dinamik, deneysel sanattır. Avangardın başlangıcı 1905-1906'dır ve insanlar zaten 20'li yıllarda ölümü hakkında konuşurlar.

Avangardın toplumsal temeli protestodur, modern uygarlığa düşmanlıktır. Avangard eserler, klasik kültürle oynama üzerine kurulu, yıkım fikriyle birleşiyor. Avangardın karakteristik bir özelliği, hem sanatsal biçim alanında hem de pragmatik alanında (metnin okuyucu ile etkileşimi, algılayanın eserin yapısına dahil edilmesi) yenilikçi bir sanatsal uygulamadır. ).

Vanguard, klasik modernizmin aksine, bilinçli olarak izleyiciye odaklanır, onu aktif olarak etkiler. Avangardda evrim kavramı yoktur, gelişmez - bu, avangard için muhafazakar görünen her şeye karşı keskin bir protestodur. Rus filozof V.F. Petrov-Stromsky'nin belirttiği gibi, "yıkıcı eğilimlerinde, bu sanat, Nietzsche-Gorki'nin "insan kulağa gururlu geliyor" şeklindeki tüm boş konuşmalarını açığa çıkaran 1914'teki insani felaketin bir önsezisi ve habercisiydi.

Menşe yılı, genç Pablo Picasso'nun (1881-1973) programatik kübist tablosu The Maidens of Avignon'u çizdiği 1907'dir. Kübizm, post-empresyonistlerin sanatındaki analitik araştırmaların mantıklı bir devamı olarak ortaya çıktı, örneğin, 1907'de sanatçılara ünlü çağrıyla dönen Paul Cezanne: "Doğayı bir silindir, bir top, bir koni ile yorumlayın."

Kübizm tarihinde üç aşama vardır:

1. Cezanne (1907-1909), kübistler dünyadaki fenomenlerin en basit uzamsal yapılarını bulmaya çalıştıklarında, gerçekliği tasvir etmediler, ancak nesnenin görünümünü değil, onun görünümünü aktaran "farklı bir gerçeklik" yarattılar. tasarım, mimari, yapı, öz.

2. Kübizm'in (1910-1912) analitik aşaması, belirli geometrik tekniklerin uygulanmasından ve bir nesne üzerindeki farklı noktaların veya bakış açılarının kombinasyonundan oluşuyordu. Kübist bir çalışmada, görünür dünyanın tüm özne-mekansal ilişkileri kasıtlı olarak ihlal edilir. Yoğun ve ağır nesneler burada ağırlıksız hale gelebilir ve hafif nesneler ağırlaşabilir. Duvarlar, masa yüzeyleri, kitaplar, keman unsurları, gitarlar optik olarak gerçeküstü özel bir alanda yüzer.

3. Kübizmin son, sentetik aşamasında (1913–1914), kübistler tuvallerine resimsel olmayan öğeler katarlar - gazetelerden çıkartmalar, tiyatro programları, posterler, kibrit kutuları, giysi artıkları, duvar kağıdı parçaları, kumu boyalarla karıştırın dokunsal dokuyu, çakılları ve diğer küçük öğeleri geliştirmek için.

N. Berdyaev, kübizmde çürümenin, ölümün, eski sanatı ve varlığı silip süpüren "kozmik kış rüzgarı"nın dehşetini gördü.

Kübizm temsilcileri: P. Picasso, J. Braque, H. Gris.

Fovizm - (fr. Les faues - "vahşi hayvanlar; açık renkle deneyler") renk, çevredeki dünyanın nesnelerine sempati gösteren manevi kendini ifade etmenin ana yolu haline geldi. Fauvistler, nesnelerin renkli, etkileyici tezahürlerinin iletilmesi, renklerin büyüsünün bir kişinin iç dünyası üzerindeki etkisi ile ilgileniyorlardı. 1905'te Henri Matisse'in (1869-1954) "Yaşam Sevinci" resmi, soyut güzelliğe olan eğilimin açıkça tanımlandığı Paris'teki bir sergide yer aldı.

Fovizm Temsilcileri: J. Rouault, R. Dufy, A. Matisse, M. Vlaminka, A. Marquet, A. Derain.

Fütürizm ve Kübofütürizm.

Fütürizm - (lat. Futurum - "gelecek") - avangard sanattaki en çirkin trendlerden biri, en çok İtalya ve Rusya'nın görsel ve sözlü sanatlarında gerçekleştirildi. Fütürizmin başlangıcı - 20 Şubat 1909'da İtalyan şair F.T. Marinetti (1876-1944). Fütürizm estetiğinin merkezinde modern uygarlığa duyulan hayranlık vardır: en son teknolojik başarılarla sarhoş olan fütüristler, kentleşmeyi, endüstrinin gelişimini, maddi değerler. Fütürizm, klasik yüksek sanatı ve onun "mistik ideallerini" reddetti.

Rus fütürizmi, İtalyanlardan bağımsız olarak ortaya çıktı ve daha önemliydi. Rus fütürizminin temeli, çöküş duygusu, eski her şeyin krizidir. Fütürizme en yakın olanı, A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, kardeşler V. ve D. Burliuks, V. Kamensky ve kendilerini "fütüristler" olarak adlandıran diğerlerini içeren kübo-fütüristler "Gilea" derneğiydi. "büdetlenami" .

Şairlerle yaratıcı bir şekilde etkileşime giren Rus kübo-fütüristler-sanatçılar özellikle öne çıkıyor: N. Goncharova, M. Larionov, M. Matyushin, K. Malevich.

soyutlamacılık.

Soyutlamacılık, 1910'lar-1920'lerin bir dizi avangard alanında genel bir eğilimdir. resimsel-plastik kompozisyonlar, renk kombinasyonları oluşturmak için resimde, herhangi bir sözlü anlamdan yoksun. Soyutlamacılıkta iki akım gelişmiştir: psikolojik ve geometrik.

Psikolojik soyutlamanın kurucusu Wassily Kandinsky (1866-1944), "Dağ", "Moskova" ve diğer resimlerinde rengin bağımsız ifade değerini vurguladı. Soyut sanatın derin "varlığın gerçeklerini", "kozmik güçlerin" hareketini ve ayrıca insan deneyimlerinin lirizmini ve dramasını ifade etmeye çalıştığı renk kombinasyonlarının müzikal birliktelikleri önemlidir.

Geometrik (mantıksal, entelektüel) soyutlama, figüratif olmayan kübizmdir. Sanatçılar, çeşitli geometrik şekilleri, renkli düzlemleri, düz ve kesikli çizgileri birleştirerek yeni bir tür sanatsal alan yarattılar. Örneğin, Rusya'da - alandaki ilk keşiflerin bir tür kırılması olarak ortaya çıkan M. Larionov'un (1881-1964) Rayonizmi nükleer Fizik; "nesnel olmama", O. Rozanova, L. Popova, V. Tatlin; Süprematizm, K. Malevich.

Süprematizm.

Kazimir Malevich (1878,1879-1935) 1913'te "Siyah Kare" tablosuyla Süprematizmi keşfetti. "Tasvir ettiğim şey "boş bir kare değil, bir önyargı algısıydı" (K. Malevich).

Daha sonra, "Süprematizm veya Görüntülenmeyen Dünya" (1920) makalesinde, sanatçı estetik ilkelerini formüle etti: sanat kalıcıdır, saf plastik duyarlılık, evrensel (Süprematist) resimsel formüller ve kompozisyonlar - geometrik olarak doğru unsurlardan ideal yapılar . Süprematizmde arsa, çizim, mekansal perspektif yoktur, asıl şey geometrik şekil ve açık renktir. Soyut formlarda bakım. 3 Suprematizm dönemi: siyah, renkli ve beyaz. Beyaz: Sanatçının beyaz zemin üzerine beyaz formlar yazmaya başladığı zamandır.

yapılandırmacılık.

Konstrüktivizm, avangardın ana yönlerinden biridir ve inşaat kategorisini estetiğinin merkezine yerleştirir. Konstrüktivizm, bilimsel ve teknolojik devrimin şafağında ortaya çıktı ve teknoloji fikirlerini idealize etti; makinelere ve onların ürünlerine bireyden daha çok değer vermiş, sanata karşı mücadele çağrısında bulunmuştur. İnşaat, belirli bir faydacı veya işlevsel değere sahip sanatsal bir yapının öğelerinin amaca uygun organizasyonudur. Rusya'da konstrüktivizmin kurucusu, köşe kabartmaları olarak adlandırılan bir dizi yaratan Vladimir Tatlin'dir (1885-1953): resimden plastik görüntüleri gerçek pozlama alanına getirmek. gerçek malzemeler: kalay, ahşap, kağıt, uygun renklerde boyanmıştır. Üçüncü Enternasyonal'in sosyo-politik rolü fikrini somutlaştıran ünlü projesi "Üçüncü Komünist Enternasyonal Anıtı". Rus yapılandırmacılığı, Bolşeviklerin devrimci ideolojisinin hizmetindeydi.

Avrupa'da yapılandırmacılığın ilk resmi teyidi 1922'de Düsseldorf'ta "Uluslararası Konstrüktivist Fraksiyon" un kurulduğu duyurulduğunda gerçekleşti. Konstrüktivist estetiğe göre, sanatsal yaratıcılığın amacı "yaşam inşa etmek", amaca uygun "şeyler" üretmektir. Bu, tasarımın gelişmesine katkıda bulundu. İşlevselcilik (konstrüktivizm) teorisyeni ve uygulayıcısı Le Corbusier (1887-1965), şehri güneşli ve açık hava parkına dönüştürmeye çalıştı. Hiyerarşik olarak farklı seviyelerde bölgelere ayrılmamış bir "parlak şehir" modeli yarattı. Corbusier, mimaride rasyonalizm, demokrasi ve eşitlik fikirlerini ileri sürdü.

Konstrüktivizm tarihinde özel bir yer, 1919'da mimar W. Gropius tarafından Almanya'da Weimar, Dessau'da aktif olarak faaliyet gösteren bir sanat ve endüstri okulu olan "Bauhaus" (Bauhaus - "inşaatçılar loncası") tarafından işgal edildi. Berlin, 1933'te Naziler tarafından kapatılıncaya kadar Bu okulun amacı, sanat, bilim ve teknolojinin en son başarılarının birleşimine dayalı tasarımcılar yetiştirmekti.

Dadaizm, sanat ve edebiyatta avangard bir harekettir. Batı Avrupa. İsviçre'de kuruldu ve 1916'dan 1922'ye kadar geliştirildi. Yönün kurucusu Rumen şair Tristan Tzara'dır (1896-1963). Dada'nın kökenleri, 1916'da Zürih'te açılan ve Dadaistlerin (H.Ball, R.Hülzenbeck, G.Arp) tiyatro ve müzik akşamları düzenlediği "Voltaire" kafeye kadar uzanır.

- Fransızcada "dada" - tahtadan bir çocuk atı (Tzara, Larousse'un "Sözlüğünü" rastgele açtı),

- "baba" - tutarsız, bebek konuşması,

- Dada boşluktur. Temel olarak, bu kelime hiçbir şey ifade etmez. Anlamın olmadığı yerde anlam vardır.

Dadaizmin kurucularından biri olan Alman şair ve müzisyen Hugo Ball (1886-1927), Almanlar için bunun "aptalca saflığın bir göstergesi" ve her türlü "çocukluk" olduğuna inanıyordu: sarıldığımız boşluk Gittikçe daha fazla yüksek problemler; bir gladyatörün jesti, yıpranmış birinin oynadığı bir oyun... sahte ahlakın halka açık bir performansı olarak kalır."

Dadaizmin ilkeleri şunlardı: dünya kültürünün geleneklerinden bir kopuş, kültür ve gerçeklikten bir kaçış, savunmasız bir insanın içine atıldığı dünyanın kaos ve delilik olduğu fikri, karamsarlık, inançsızlık, değerlerin reddi, genel bir kayıp ve varoluşun anlamsızlığı hissi, ideallerin yok edilmesi ve yaşamın amacı . Dadaistlerin çalışmalarında gerçeklik saçmalık noktasına getirildi. Dilde bir devrimin yardımıyla toplumla savaştılar: dili yok ederek toplumu yok ettiler. Dadaistler öncelikle sloganları ve şok edici davranışlarıyla ve ancak o zaman sanatsal metinleriyle tanınırlar. Dadaistlerin eserleri, ilk bakışta anlamsız görünen kelimelerin ve seslerin irrasyonel anarşik bir kombinasyonunu şok etmek ve temsil etmek için tasarlanmıştır. İroni, erotizm, kara mizah, bilinçdışının bir karışımı Dadaizm eserlerinin bileşenleridir.

Hazır ürünler.

Hazır - (İng. Hazır - "hazır") - eserler - normal işleyiş ortamından çıkarılmış ve üzerinde herhangi bir değişiklik yapılmadan faydacı öğeler Sanat Sergisi sanat eserleri olarak. 1913'te New York'ta ilk hazır ürünleri sergileyen Kurucu Marcel Duchamp (1887-1968): Beyaz bir tabureye monte edilmiş Bisiklet Tekerleği (1913), Şişe Kurutma Makinesi (1914), vesilesiyle bir hurdacıdan "Fountain" (1917) satın aldı. - mağazadan doğrudan sergiye teslim edilen bir pisuar.

Duchamp, hiçbir resimli kopyanın konuyu görünüşüyle ​​kendisinden daha iyi gösteremeyeceğine inanıyordu. Nesnenin kendisini orijinal halinde ortaya çıkarmak, onu tasvir etmeye çalışmaktan daha kolaydır. Herhangi bir nesnenin bir sanat sergisinin mekanına sokulması, eğer bu "giriş" tanınmış bir sanatçı tarafından yapıldıysa, onun bir sanat eseri olarak statüsünü meşrulaştırdı.

Sürrealizm.

Sürrealizm (fr. Sürrealizm - "süperrealizm") 1920'lerde ortaya çıktı. Fransa'da Freudculuk, sezgicilik, Dadaizm'in sanatsal keşifleri ve metafizik resim fikirlerinin sanatsal ve estetik topraklarında ortaya çıkan bir yön olarak.

Sürrealizmin estetiği, Andre Breton'un (1896-1966) 2 "Sürrealizm Manifestosu"nda ortaya konmuştur. Sürrealistler, insan ruhunun bilimcilik, mantık, akıl ve geleneksel estetiğin "prangalarından" kurtulması çağrısında bulundular. Sürrealizmin 2 ana ilkesi: otomatik yazma ve rüya kaydı. Mantıksızlık, paradoksallık, sürpriz yöntemlerinin ağırlaştırılması. İzleyiciyi diğer bilinç seviyelerine taşıyan gerçeküstü (süper gerçek) bir sanatsal atmosfer. Sürrealizm için insan ve dünya, uzay ve zaman akışkan ve görecelidir. Dünyanın kaosu, sanatsal düşüncenin kaosuna da neden olur - bu, sürrealizm estetiğinin ilkesidir. Sürrealizm, bir kişiyi gizemli ve bilinemez, dramatik bir şekilde gergin bir evrenle randevuya çıkarır. Yalnız bir adam gizemli bir dünyayla karşı karşıyadır.

Resimde Sürrealizm: J. Miro, I. Tanguy, G. Arp, S. Dali, M. Ernst, A. Masson, P. Delvaux, F. Picabia, S. Matta.

İspanyol ressam, heykeltıraş ve grafik sanatçısı Salvador Dali'nin (1904-1989) "Sürrealizm benim" diyen resimlerinin kozmosu uçsuz bucaksız. ("Hafızanın Kalıcılığı", "Gala" vb. eserler). Tuvalleri muhteşem bir "Tanrı'nın cenazesi", göğsünde ölmekte olan bir insan ve bu kaybın soğuk gözyaşları gibidir. Tuvallerindeki değişken ve çarpık tanınmaz dünya ya donar ya da sarsılır. Amaç, dünyadaki her şeyin birbirine dönüştürülebilir olduğunu göstermektir. talihsiz bir ironi.

Sinemada sürrealizm, yönetmen Luis Buñuel'in (1900-1983) eseriyle temsil edilir.

Sinema rüyalara benzer ve gizemle ilişkilendirilir. Buñuel'in filmi "Endülüs Köpeği" göz kesme sahnesiyle ünlüdür - bu gerçeküstü bir jest (oyun) sahnesidir, "Günün Güzeli", "Aşksız Kadın" filmleri dikkat çekicidir.

"Pop art" (İngiliz Popüler sanat - "popüler, kamusal sanat") terimi, 1965 yılında eleştirmen L. Allway tarafından tanıtıldı. Pop art, nesnel olmayan sanata bir tepkidir, nesnellik "özleminin" tatminidir, uzun bir soyut sanat tarafından üretilmiştir. Pop art teorisyenleri, belirli bir bağlamda her nesnenin orijinal anlamını yitirdiğini ve bir sanat eseri haline geldiğini savunur. Sanatçının görevi, algısı için belirli bir bağlam düzenleyerek sıradan bir nesneye sanatsal nitelikler kazandırmaktır. Etiketlerin ve reklamcılığın poetikası. Pop art, bazen bir model veya heykelle birleştirilen günlük nesnelerin bir bileşimidir.

Temsilciler: R. Hamilton, E. Paolozzi, L. Allway, R. Banham, P. Blake, R.B. Çin, D.Hockney, P.Phillips. Amerika'da: Robert Rauschenberg (1925-2008), Jesper Johns (d.1930), Andy Warhol, R. Lichtenstein, K. Oldenburg, D. Dyne ve diğerleri.

Andy Warhol, Fabrika'daki çalışmalarını seri üretmek için şablonlar kullandı. Kişisel olarak tanıdığı ünlü diptik "Merlin". "Fotokopi" boyasının solması, solması fikri: ünlü olmak, tekrarlanabilir, savunmasız hale gelirsiniz ve yavaş yavaş yok olursunuz, ölümün karanlığında silinirsiniz. Jasper Johns Amerikan bayrağını boyadı: gazeteyi parçalara ayırdı ve boya ve balmumu ile kapladı.

Minimalizm.

Minimalizm, pop art'ın renkli dünyasına bir tepkidir, sanatta, teknik detaylar ve tasarımlar olan en az miktarda ve sanatçının en az müdahalesiyle "grafik ve ifade araçlarının" en yüksek ekonomisinin ilkelerini ilan eden bir sanat yönüdür. oluşturulan nesnenin organizasyonu. Daha sıklıkla bunlar, sağduyulu renklerde boyanmış metal heykellerdi.

Temsilciler: S. LeWitt, D. Flavin, K. Andre, R. Morris, D. Judd, F. Stellar.

Arazi sanatı.

Land-art (İng. Land-art - "doğa-sanat"), sanatçının etkinliğinin doğaya taşındığı ve sanat nesneleri için malzemenin ya tamamen doğal malzemeler veya bunların minimum miktarda kombinasyonları olduğu bir sanat pratiğidir. yapay elementler. 1960'larda 1980'lerde. sanatçılar V. de Maria, M. Heitzer, D. Oppenheim, R. Smithson, Christo ve diğerleri, doğal peyzajın erişilemeyen yerlerinde ve çöllerde büyük projeler gerçekleştirdi. Dağlarda, kurumuş göllerin dibinde, sanatçılar çeşitli şekillerde büyük çukurlar ve hendekler kazdılar, tuhaf kaya parçaları yığınları inşa ettiler, deniz koylarına taş sarmallar yerleştirdiler, çayırlara kireçle devasa çizimler yaptılar, vb. Land-aristler, projeleri ile modern şehir uygarlığına, metal ve plastiğin estetiğine karşı protesto ettiler.

kavramsalcılık.

Kavramsalcılık (İng. Kavram - "kavram, fikir, kavram") 1968'de Amerikalı sanatçılar T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, J. Kossuth, L. Weiner tarafından doğrulandı. Joseph Kossuth (d.1945) "Felsefeden Sonra Sanat" (1969) açılış konuşmasında, kavramsal sanatı geleneksel sanat ve felsefenin yerini alan kültürel bir fenomen olarak adlandırdı. Konsept, işin arkasındaki fikirdir. Çalışma, belgelenmiş bir proje, kavramın belgesel bir tespiti ve gerçekleşme süreci olmalıdır. Örneğin, Müzeden J. Kossuth'un kompozisyonu çağdaş sanat New York'ta "Bir ve Üç Sandalye" (1965), sandalyenin üç "hipostazını" temsil eder: sandalyenin kendisi aslında duvara karşı duruyor, fotoğrafı ve sandalyenin ansiklopedik sözlükten sözlü açıklaması.

Tiyatro ve sinemada modernizm.

Modernizmin ideologlarından Fransız filozof Jacques Lacan (1901-1981), bir kişinin zihinsel yaşamını tehdit eden birçok nevroz, psikoz ve diğer bozuklukların nedeninin "insan benliğinin teatral etkileri" olduğuna inanıyordu. Tanımlama sürecine dahil olan (kişinin kendi gerçek "Ben" ini araması), bir kişi kendini oyunun cazibesine maruz bırakır, maskeleri değiştirir. Modernist tiyatro, bu insan bölünmesi trajedisini, dünyanın saçmalığını gösteren "Ben" in kırılganlığını yansıttı ve aynı zamanda insan ruhunu kendi kendini soyutlamadan serbest bırakmak için bir tür terapötik-katartik işlevi yerine getirdi. vahşi yalnızlık.

Trajedi tiyatrosu. Sahne alanında gerçekleştirme, oyun yazarının belirli bir eseri değil, tüm eseridir, onu etkileşimli görüntüler ve birbiriyle ilişkili çarpışmalardan oluşan bütünsel bir dünya olarak algılar.

Temsilci: İngiliz film yapımcısı-reformist Gordon Craig.

Epik tiyatro. Oyuncu ve karakter arasında neşeli görelilik ve ahlaki ahlaksızlığa, alaycı iletişim özgürlüğüne dayanan yeni bir ilişkiler sistemi yaratır.

Temsilci: Alman oyun yazarı ve yönetmen Bertolt Brecht (1898-1956), Berlin Ensemble Tiyatrosu'nun kurucusu.

Sosyal maskenin tiyatrosu. Tiyatro maskesi, bireysel özellikler olmaksızın belirli bir sosyal tipi ifade eder. Örneğin, V. Meyerhold'un ("Tahtakurusu", "Orman", "Kamelyalı Kadın" vb.) performanslarındaki her karakter oditoryuma bakıyordu ve bağımsız olarak izleyicilere kendisi hakkında rapor verdi. İnsanlar arasındaki ilişkiler zayıflar, çatışmalar gizlenir.

Temsilci: Rus deneysel yönetmen Vsevolod Meyerhold (1874-1940).

"Şiddet Tiyatrosu" Tiyatroyu, izleyicinin orijinal, "kozmik" canlılık unsurlarına katılarak "aşkın bir transa" düşebileceği eski bir ritüel sığınak biçimine döndürmeye çalıştılar.

Temsilci: Antonin Artaud (1896-1948).

absürt tiyatro.

Ana sloganı: "İfade edecek bir şey yok, ifade edecek bir şey yok, ifade etme gücü yok, ifade etme arzusu yok, ifade zorunluluğu da yok."

Ana temsilci: Eugene Ionesco (1909-1994), "Kel Şarkıcı", "Ders", "Sandalyeler" vb. gündelik hayatı fantaziye taşıyarak, insan ilişkilerini ve duygularını abartarak insan varoluşunun absürtlüğünü göstermeye çalışır. Örneğin, "Ders" oyununda: bir matematik öğretmeni öğrencisini şu mantıkla öldürür: "aritmetik felsefeye, felsefe suça yol açar", "bir kelime öldürebilir." "Sandalyeler" oyununda iki yaşlı adam sandalye taşır, gelmeyen bir konuşmacıyı bekler - kendilerini öldürürler. Salondaki ve bu yaşlı insanların ruhlarındaki boşluğun görüntüsü sınıra getirilir. Ionesco'nun "Godot'yu Beklerken" trajikomedisinde, sahne, altında 2 kahramanın oturduğu yalnız bir ağacın olduğu bir yol. Buluşmaları bir an, bir an. Geçmiş artık yok ve gelecek de gelmedi. Kahramanlar nereden geldiklerini bilmiyorlar, zamanın geçişi hakkında hiçbir fikirleri yok. Hiçbir şey yapmaya güçleri yetmez. Zayıflar ve hasta görünüyorlar. Godot'yu bekliyorlar - ve kendileri bunun kim olduğunu bilmiyorlar. "Oyun Sonu" oyununda eylem, kahramanın bir sandalyeye hapsolduğu, bağımsız hareket edemediği bir odada gerçekleşir. Çöl uzayındaki "Ah mutlu günler" oyununda, kahraman Vini bir noktaya zincirlenir. 1. perdede beline kadar toprakla kapatılır, 2. perdede sadece başı görünür. Kadın kahramanın bağlı olduğu uzaydaki bir noktanın metaforu ölümdür, onun mevcudiyetine kadar herkes fark etmese de herkesi kendine çeken bir mezardır.

"Saçma tiyatro"nun temsilcileri: A. Adamov, J. Genet, S. Beckett.

"Fotojeni" - Fransız yönetmen ve film teorisyeni Louis Delluc'un (1890-1924) tarzı, hızlı ve yavaş çekim yöntemleri, çağrışımsal düzenleme, konunun iç önemini, gizemini vurgulamak için çift kompozisyon dahil.

anıtsal tarz.

Anıtsal tarzdaki filmler senaryosuz filmlerdir, çalışmanın anlamı izleyiciye karakterlerin veya arsaların gelişimi yoluyla değil, yeni bir montaj türü - jestlerin önemli bir rol oynadığı "cazibe montajı" aracılığıyla aktarıldı. rol.

Temsilci: Rus film yönetmeni Sergei Eisenstein (1898-1948), "Potemkin Savaş Gemisi", "Korkunç İvan", "Alexander Nevsky" vb.

Hollywood sonrası tarzı.

Sonuçlara tepki olarak ortaya çıktı " ekonomik mucize"İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra Avrupa'da. Felsefi temel, F. Nietzsche ("Tanrı'nın ölümü hakkında") ve O. Spengler'in (Avrupa'nın gerilemesi hakkında) fikirleridir. Filmlerin kahramanı, filmde fazladan bir kişidir. genel refah toplumu.

Böylece, Alman yönetmen ve senarist Rainer Werner Fassbinder (1945-1982), T. Mann'ın eserlerinin motiflerini suç tarihi unsurlarıyla, L. Beethoven'ın müziğiyle futbol taraftarlarının çığlıklarıyla vb. birleştirdi.

Müzikte modernizm.

XX yüzyılın ortalarında Alman filozof ve sosyolog. Theodor Adorno (1903-1969), gerçek müziğin, bireyin dış dünyadaki karmaşa hissini ileten ve herhangi bir sosyal görevden tamamen uzak tutulan müzik olduğuna inanıyordu.

özel müzik.

Daha sonra karıştırılan ve düzenlenen doğal veya yapay seslerin kaydedilmesi.

Temsilci: Fransız akustikçi ve besteci Pierre Schaeffer (1910-1995).

Aleatorika.

Müzikte ana şey rastgeleliktir. Böylece, bir satranç oyununun hamleleri, müzik kağıdına mürekkep sıçraması, zar atma vb.

Temsilciler: Alman besteci, piyanist ve şef Karlheinz Stockhausen (1928 doğumlu), Fransız besteci Pierre Vulez.

Noktacılık.

Duraklamalarla çevrili sarsıntılı sesler şeklinde müzik, ayrıca kısa 2-3 ses, motif.

Temsilci: Avusturyalı besteci ve orkestra şefi Anton Webern (1883-1945).

Elektronik müzik.

Elektronik-akustik ve ses üreten ekipmanların yardımıyla oluşturulan müzik.

Temsilciler: H. Eimert, K. Stockhausen, W. Mayer-Epper.

3. XX yüzyılın ikinci yarısının kültürü. postmodernizm

Postmodernizm, Batı Avrupa kültüründe 60'lar-70'lerde ortaya çıkar. Terim, Fransız filozof Jean-Francois Lyotard'ın (1924-1998) Postmodern Durum'u yayınladığı 1979'dan beri yaygın olarak kullanılmaktadır. Postmodernizm, 20. yüzyılın son üçte birinde felsefe, estetik, sanat ve beşeri bilimlerde geliştirilmiş geniş bir kültürel eğilimdir.

Postmodern duyguların oluşumu, farklı kültürlerin yoğun iletişimini teşvik eden niteliksel olarak yeni teknik yeteneklerin uygulanması, evrensel olduğunu iddia eden ideallerin önceliğini bulanıklaştıran çeşitli değer sistemlerinin çatışması nedeniyle mümkün oldu.

Postmodernizm, çoğulculuğun, yaşam tarzlarının çeşitliliğinin, oyun kodlarının ruh halidir. Postmodernizmin anti-entelektüelliğinden bahsedebiliriz. Geçmişin kayıp kültürel kalıplarını küp gibi kullanarak yapıtlarını oluştururken, yapıtı anlamak için özel bir bilgiye ihtiyaç duymadan muhatabıyla oynuyor.

Postmodern oyunun ilke ve kuralları kültürel Miras son derece özgürdürler, teorisyenleri tüm geleneksel felsefi ve estetik kategorileri, sanatsal ve estetik düşüncenin kavram ve ilkelerini reddeder ve onları özgürce yorumlanan yeni ilke ve kavramlarla değiştirir. Postmodern kültürün ana kavramları şunları içerir: yapısöküm, simülakr, metinlerarasılık, şizoanaliz, ironizm, parçalanma, mozaikçilik, hiyerarşisizlik, labirent, köksap, bedensellik, ayartma, arzu, paradoksallık, çirkinin estetize edilmesi, temel marjinalizm, anlatıbilim, gramatoloji, vb.

Postmodernizmin anahtar kavramlarından biri köksaptır. Böylece, Fransız filozof Gilles Deleuze (1925-1995) ve Fransız psikanalist Felix Guattari (1930-1992) iki tür kültürü ayırt etti - "ağaç" ve "rizom" kültürü. İlk tip, klasik tasarımlara yansıyan evrenselliğe, bütünlüğe yönelir. Sanat burada doğayı taklit etmeye, dünyayı yansıtmaya çalışır. Bir ağaç, bir uyum, bütünlük, bütünlük görüntüsü olarak böyle bir sanatın sembolü olabilir. Ancak, Deleuze ve Guattari'ye göre gerçekten modern ve gelecek vaat eden, köksap kültürüdür. Köksap (rizom), birçok çıkışa sahip herhangi bir yapısal modeli izlemez. Başlangıcı veya sonu yoktur, yalnızca büyüdüğü ve ötesine geçtiği bir orta kısım vardır.

Simulacrum - (Fransız Simulacre - "benzerlik, görünüm") - bu bir kukla, gerçekliğin ersatz'ı, bir görüntünün taklidi, bir sembol, bir işaret, arkasında belirlenmiş bir gerçekliğin olmadığı, yerini değiştiren bir görünümdür. estetikten sanatsal görüntü ve yerini aldı. Simülakr, kendisinden başka bir şeye gönderme yapmaz, aynı zamanda anlam çevirisi durumunu taklit eder (oynatır, taklit eder). Simülakrum terimi, modernitenin her şeyin ve her şeyin topyekûn bir simülasyon çağına girdiğini savunan Fransız filozof Jean Baudrillard (1929-2007) tarafından postmodern felsefeye girmiştir. Simülakr, bugün gerçekliğin kendisinden daha gerçek olan bir hipergerçeklik oluşturur, çünkü sadece onun içinde yaşamalı ve hareket etmeliyiz. Bir insanı çevreleyen şeyler giderek daha kırılgan, geçici, yanıltıcı hale geliyor, nesilleri insanların nesillerinden daha hızlı değişiyor. Bir şeyin gerçekliği ilkesi kaybolur - onun yerini bir fetiş, bir rüya, bir proje alır (gerçekleşen, kendi kendini yok eden sanat).

Intertext, yazarının başka bir metinden (geniş anlamda) alıntılar, anılar, semantik imalar (ipuçları) bilinçli kullanımından oluşan modern bir sanat eseri yaratmak için özel bir tekniktir: sözel, müzik, sinema, tiyatro, modern. sanat pratikleri, hatta sanat dışı. Pek çok post-modernist, herhangi bir metni, bir kural olarak, yazarın iradesi olmadan, şu ya da bu şekilde, gizli alıntılar, imalar, açıklamalar, taklitler, hem geçmiş kültürler hem de şimdiki diğer metinlerin parçaları, yazarın bilincinden geçenler buna dahildir.

Hipermetin kavramının özü, bir bütün olarak kültürün, sıradan sözlü metinler de dahil olmak üzere tüm parçaları gibi, belirli bir şekilde dahili veya harici olarak bir dizi metinden oluşan bir tür bütünsel yapı olarak kabul edilmesi gerçeğinde yatmaktadır. birbiriyle ilişkilendirin. Örneğin, ortaçağ hiper metni, din, sanat, halk kültürü, devletlik vb. metinlerden oluşur. F.M.'nin hiper metni hakkında konuşabiliriz. Sanatsal ve dini-felsefi eserlerini, anılarını, mektuplarını, gazeteciliğini içeren Dostoyevski. En görkemli hipermetin, elektronik iletişim sistemi ve İnternet'in dev veritabanı olarak kabul edilebilir.

Postmodern sanatın gelişiminde üç aşama vardır:

1) İlk aşama - 1960'lar. AMERİKA BİRLEŞİK DEVLETLERİ. Sanatın, o zamana kadar kurulmuş olan elit ve kitle sanatına bölünmesinin reddedilmesi ve bunların yayılması fikri ile karakterizedir. Postmodern bir baskın şekilleniyor: sanatta geçmiş ve şimdinin, yüksek ve düşük ironik bir sentezi.

2) 1970'ler Postmodernizm Avrupa'ya yayılıyor ve çoğulculuk ve eklektizm ile karakterize ediliyor: sanat türleri ve türleri arasındaki çizgileri bulanıklaştıran stiller ve sanatsal dillerin bir karışımı. Ünlü kültür kuramcısı ve postmodern yazar Umberto Eco (d. 1932), ("Gülün Adı", "Foucault'nun Sarkacı", "Havva Adası" vb.) ironik bir okuma kavramını öne sürer. geçmişin, sanatın üst-dili, Freud sonrası yaratıcılık psikolojisi.

3) 1970'in sonundan günümüze. Postmodernizmin Doğu Avrupa ülkelerinde ve Rusya'da yayılması, azınlık kültürlerinin oluşumu - feminist, çevresel, ekonomik vb.

Jorge Luis Borges (1899-1986), Michel Foucault (1926-1984), Jacques Derrida (1930-2004), Jean Baudrillard (1929-2007) ve diğerleri aynı zamanda postmodern teorisyenler, ünlü yazarlar ve kültür araştırmacılarıdır.

Resimde postmodernizm.

Postmodernistler, "Resmin modası geçmiş", "ve bir yerleştirme resim sanatı arenasına giriyor - alışılmadık, "kutsal" bir anlam verilen farklı nesnelerin rastgele bir kombinasyonu. daktiloda basılmış dairesel. Ayrıca "Anavatanım. Sinekler ": tavanı ve duvarları yapıştırılmış sineklerle dolu bir sergi salonu. Kabakov'un "16 Halat" kompozisyonu son zamanların şaheseri haline geldi. Bu çalışmanın her bir ipine bir nesne bağlandı: bir izmarit, bir klozet kapağı vb. Modern sanatçı Irina Nakhova sergilerden birinde "Ütü Masaları ve Ütüler" gösterdi. Tahtalarda - çıplak sırtlı insanların bir görüntüsü. Bu görüntüde ütüyle yürünebilir. Klasik bir enstalasyon örneğin, Oleg Kulik'in "Rusya'nın Derinliklerine" adlı eseri. Bu çalışma, arka ayakları birbirinden ayrı duran dev bir inek mankenini temsil ediyor, izleyiciyi "gerçek derinliğe ikna olmak için" kuyruğunun altına bakmaya davet ediyoruz. Rusya'nın."

Modern filozof Alexander Panarin, 20.-21. yüzyılın şu anki döneminin sanatsal kültürünün özlemleri hakkında kendini doğru bir şekilde ifade etti: "Yeni bir 20. yüzyılın başlangıcı, sanatta Tanrı'nın ölümüyle işaretlenir. Ve dönüş milenyum insanın ölümüdür." Yukarıdaki modern resim örnekleri bunun kanıtıdır.

Mimarlıkta postmodernizm.

Ana formların işlevsel yazışmaları ve maksimum sadeleştirilmesine ek olarak, zamanımızın mimari yapıları kurgu, fantezi, tiyatro oyunu başlangıcı ve karmaşık figüratif çağrışımları içerir. Örneğin, şehrin İtalyan topluluğu tarafından festivallerini düzenlemek için seçilen bir yer olan New Orleans'taki Charles Moore - Piazza d "Italia binası. Müşterilerin arzusu - nostaljinin maddi bir düzenlemesini yaratmak - mimar Avusturyalı mimar Hans Hollein'in etrafında yer alan ve Viyana'daki Seyahat Bürosu'nun iç mekanlarında yer alan klasik Avrupa mimari motiflerinden bir kolaj oluşturan grotesk formu, mimari aracılığıyla duyumları, görüntüleri, hayalleri ve illüzyonları aktarmaya çalıştı. uzak diyarlara seyahat eden bir insanda ortaya çıkar.Modernist bir mimarın cam duvarlar yapıp bunları reklam afişleriyle asacağı yerde, Hollein çelik palmiyeler koyar, bunların arasında klasik bir sütunun harabesi vardır, bilet gişesinin üzerinde kartallar uçar, uzay burası bir sahne gibidir ve ziyaretçi, üzerinde hareket ederek, bir tür rol oynamaya başlayarak genel gösteriye dahil edilir.

Postmodernizmin temel değeri, mimari formların dilinin kıyaslanamayacak kadar zenginleşmesi, hacimlerin ve kompozisyonların daha etkileyici hale gelmesi, güzellik ve görüntü kavramının kesinlikle işlevsel binalarla ilgili olarak bile rehabilite edilmesidir. Tarihi ve ulusal mirasa saygı gösteren postmodernizm mimarları, şehirlerin tarihi bölümlerinin yeniden inşası için birçok harika projeye imza atmış, taraflara zarar vermeden modern binaları şehrin tarihi dokusuna asimile etmiştir. Ama asıl mesele, mimarlığı sanatın bağrına geri döndürmeleri.

Postmodernizmin sanat uygulamaları şunları içerir:

İlk eylemler Dadaistler ve Sürrealistler tarafından 1910-1925 gibi erken bir tarihte gerçekleştirildi. ve doğası gereği şok edici, yıkıcıydı. Eylemler doğaları gereği irrasyonel, paradoksal ve saçmadır ve alıcının ruhunun bilinç dışı seviyelerine yöneliktir. Eylemciliğin yaratıcıları, oryantal ve ilkel kültlere, şamanik ayinlere, meditasyon uygulamalarına, psikotropik maddelerin kullanımına vb. yönelik coşkularından büyük ölçüde etkilenir.

Örneğin, sanatçı Jackson Polock'un (1912-1956) eylemi, tuval üzerine boyaların kendiliğinden dökülmesi veya sıçraması sürecinden oluşuyordu. Ustanın eli derin bilinçaltı dürtüleri tarafından kontrol ediliyordu. Eserleri arasında "Lavan Sisi", "Sıcaktaki Gözler", "Büyülü Orman", "Okyanusun Griliği" bulunmaktadır. Gazeteciler çalışırken Poloka'yı giderek daha sık çekmeye başladığında, resimlerini yalnızca ayık bir şekilde sıçratmasına rağmen, bir kanamaya girdi. Sanatçının eylemleri intiharla kesintiye uğradı. Mistik ve sanatçı Agyness Martin, kurşun kalemle basit çizgiler çiziyor ve buna "Okyanus" denir - sonsuza dek değişmeyen doğa fikri. "İsimsiz. No. 4" (1989) adlı çalışması gri bir şerittir.

- Olaylar.

Olaylar - (İng. Olmak - "olmak, gerçekleşmek") - halkın genellikle kaldığı yerlerde (meydanlar, parklar, meydanlar, otoparklar) kasıtsız olarak gerçekleşen eylemler. Happening - önceden planlanmış ve librettoya ve yönetmenin niyetine bağlı bir performans (karnaval, maskeli balo, kutsal ritüel gibi); aksi takdirde, katılımcılar eylemi doğaçlama yapar. Ana görev, sanatı hayata geçirmek, yaşamla birleşmek, sıradan bir insanın bilincine, günlük yaşamının herhangi bir parçasının sanat veya kutsal eylem düzeyine yükseltilebileceği fikrini sokmaktır.

İlk olaylar ABD'de ortaya çıktı: kurucuları besteci D. Cage ve pop art R. Rauschenberg'in yaratıcılarından biriydi.

- Performanslar.

Performanslar - (İng. Performans - "performans") - önceden belirlenmiş bir senaryoya göre özel odalarda veya açık havada özel alanlarda gerçekleştirilen eylemler. Absürt tiyatro, olaylar, somut müzik, pop art temelinde geliştirilen performans, kendi özgür çağrışımlarının yollarında. Temel saçmalık, bu eylemlerin rasyonel bir şekilde okunmasının imkansızlığı, katılımcılarının ve izleyicilerinin diğer gerçekliklerle temasına katkıda bulunan bir tür ilkel, "saf" kutsallığın bir areolasının etraflarında yaratılmasına katkıda bulunur.

Temsilciler: J. Boyes, I. Zakharov-Ross ve diğerleri.

- Çevre.

Çevre - (İngiliz ortamı - "çevre, çevre") - tamamen sanatçı tarafından organize edilen, faydacı olmayan bütünsel bir sanat alanı olan faydacı olmayan bir sanat ortamı. Önceleri etkinlikler ve performanslar için sanat alanları, daha sonra nesnel veya görsel-işitsel (fotoğraf, video, slayt, film vb.) nesnelerin özel bir yerleştirme sistemi aracılığıyla bağımsız sanat projeleri olarak yaratıldı. Sonuç olarak, alıcının çevreyi oluşturan bir nesneler kompleksi tarafından yayılan somatik enerjilerden (görsel, işitsel, optik) etkilendiği, görsel ve enerjik olarak aktif çok boyutlu özel bir mekansal ortam yaratılır. Kural olarak, bunlar ev eşyaları, makine ve mekanizmaların parçaları, insan yapımı bir uygarlığın yapı parçalarıdır. Ortamların kendileri genellikle kapalı fabrikaların ve fabrikaların, depoların atölyelerinde düzenlenir.

Temsilciler: K. Oldenburg, J. Segal, A. Kaprow, Christo, R. Horn, J. Beuys, J. Kounellis ve diğerleri.

Kullanılan kaynakların listesi

1. Lapina S.V. Culturology: Dersler kursu / Lapina S.V. - 2. kardeş. ed. - Mn., 2005. - 216s.

2. Martynov, V. F. Dünya sanat kültürü / V. F. Martynov - 3. baskı, klişe. Minsk: TetraSistemler, 2000.

3. Erasov B.S. Sosyal Kültürel Çalışmalar: Üniversite Öğrencileri İçin Bir El Kitabı. – M.: Aspect Press, 1996.

4. Culturology: Ders Kitabı / Bilimsel Altında. ed. G.V.Dracha. - R-on-D.: Phoenix, 1995.

20. yüzyılın başlarında, dünya uygarlığı, bir sanayi toplumunun gelişimi ile karakterize edilir; Avrupa ülkeleri anayasal düzen, demokratik geleneklerin oluşumu, bilimsel ve teknolojik devrimin başlangıcı. Sanatta gerçekçi gelenekler gelişmeye devam etmekte ve aynı zamanda yeni yaratıcı yöntemler ve yönler oluşturulmaktadır. Sanat ustaları eserlerinde halk kaynaklarına yönelirler. Mısır, Zenci, Doğu sanatının geleneklerinin Avrupa kültürü üzerinde güçlü bir etkisi vardır. Sembolizmde, romantizmin özellikleri açıkça ortaya çıkar ve aynı zamanda içinde yeni bir felsefi temel ortaya çıkar. Literatürde şöyle bir akım var. akmeizm, Fovizm, kübizm ve DIŞAVURUMCULUK güzel sanatlarda, müzikte izlenimcilik.

XX yüzyılın ilk yarısının yabancı edebiyatı.

20. yüzyılın ilk yarısının seçkin bir yazarı Fransız yazardır. R. Rolland. Colas Breugnon'un eserinde ana temalar, insanların kaderi, gücüne olan inanç, yaşam sevgisi, ruhun denemelerde yıkılmazlığı, yaratıcı yaratıcı çalışmanın yüceltilmesi, sanatın ve sanatçının aktif rolünün iddiasıdır. zalimlere karşı mücadelede, sanatın gücü halk köklerindedir. Kahraman Kol'un imajı iyimserlikle doludur ("Karanlık zamanlar yoktur, karanlık insanlar vardır"), kahramanın ve insanların birliği duygusu, etrafındaki dünyanın güzelliği ve yaşamın doluluğu. Hikaye, özgün bir şiirsel anlatım biçimi, parlak renkli bir dil, folklor temeli ile karakterizedir. 20. yüzyılın ikinci yarısında, Rus besteci D.B.Kabalevsky, R.Rolland'ın hikayesinin planına dayanarak "Cola Breugnon" operasını yazdı.

XX yüzyılın 20-30'lu yıllarının Avrupa edebiyatının bir başka temsilcisi de Fransız yazar A. Barbüs. "Ateş" ve "Bir Müfrezenin Günlüğü" eserleri, yazarın insanların trajik kaderine olan inancından, "rock" eyleminin gerçeğin bilgisine olan zor yolunu yansıtır. Çalışmasının ana teması, Birinci Dünya Savaşı'nın özünün ortaya çıkmasıdır - dev bir kıyma makinesi, kör ve ruhsuz bir katliam, lirik kahraman kendini takımın bir parçası olarak fark eden. A. Barbusse'nin yenilikçi tekniği, gerçekçi görüntüler yaratmak için asker jargonunu, yerel lehçeleri kullanmaktır.

"Kayıp neslin" edebiyatına Alman yazarın eserleri denir. E.M.Remarque, "savaşın yok ettiği nesli, mermilerden kurtulsalar bile kurban olanları" anlatıyor. Eserlerinde, dünyadaki değişikliklerin inkar duygusu ile birlikte ("Dönüş", "Üç Yoldaş", " Zafer Kemeri"), karakterlerin sosyal eşitsizliği, kıyamet ve dış karamsarlığı, hümanizm, dostluk, dostluk, aşk duygusu var ("Batı Cephesinde Her Şey Sessiz").

Şiirde, İspanyol şairin eseri özel bir yer işgal eder. FG Lorca. Şiirlerinde, gelenekleri şair için tükenmez bir ilham kaynağı olan halkının folklor temeline dayanır. Şiirlerinde romantik bir tavır ile yaşayan bir gerçeklik bir aradadır. Lorca'nın şiirindeki en önemli motifler Aşk ve Ölüm, Kader Olarak Aşk ve Özgürlük ile eşanlamlı olarak, Şiddet olarak Ölüm, karşıtlık, çatışmadır. Şairin parlak figüratif dili, dünyanın ince ve doğru bir vizyonunu iletmede özel bir duygusal rol oynayan doğanın güçlerini kişileştiren olağanüstü görüntüler yaratır ("Kante Hondo Hakkında Şiirler", "Çingene Romancero").

Edebiyatta dışavurumculuk, 20. yüzyılın en gizemli ve sıra dışı yazarının eserleri ile temsil edilir. F. Kafka. Absürt eserlerinde okuyucuya, insana düşman bir dünya, acizlik ve aynı zamanda karışık bir çıkış yolu arayışı karşısında kahramanların korkusu ve şaşkınlığı sunulur. Yazar, gerçekliğin özüne nüfuz etmeye, yasalarının, geleneklerinin, ahlakının acımasız gaddarlığını ve saçmalığını ortaya çıkarmaya çalışır. Bu güçlerin ölümcül karşı konulmazlığına, küçük adamın kaderine ikna oldu. "Dönüşüm", "Ceza kolonisinde" hikayelerinde yazar, ayrıntıların makul bir açıklaması, protokol açık bir dilde bölümler, kabus ve fantastik durumlar, inanılmaz, korkunç ve saçma ile birleştirilmiş sanatsal bir teknik kullanır. Bürokratik makinenin bir kişinin hayatı üzerindeki her şeye nüfuz eden baskısı fikri, "Deneme" adlı romanında ana fikir haline gelir.

XX yüzyılın ilk yarısının yabancı güzel sanatları.

Bölgede önemli bir fenomen görsel Sanatlar 20. yüzyılın başlarında böyle yaratıcı bir yöntemin ortaya çıkmasıydı. Fovizm(fr. fauve'den - vahşi). Bu akımın sanatçıları, sanatsal ifadenin duygusal gücü, yazının kendiliğinden dinamikleri, renk yoğunluğu ve ritmin keskinliği için ortak bir arzu ile birleştiler. Manzaralarda, iç mekanlarda ve natürmortlarda, Fovizm kendisini hacimlerin, uzayın ve çizimin keskin genellemelerinde ifade etti. Fovizm, Fovizm'in önde gelen temsilcisi ve kurucusu olarak kabul edilir. A. Matisse. Eserlerinde eşyanın özünü resim yaparak ortaya çıkarmaya ve aynı zamanda insanlara neşe getirmeye, parlak renklerle insanın hayatını aydınlatmaya çalışır. Resimlerinin insan dünyasına güzel bir çiçek gibi girmesi gerektiğine inanıyordu (,).

20. yüzyılın tamamının ikonik figürünü bünyesinde barındıran sanatsal kültürün daha az belirgin olmayan bir başka temsilcisi de İspanyol sanatçıdır. P. Picasso. Cezanne geleneklerini sürdürerek, yeni bir gelişim aşamasına yükseltiyor kübizm yaratıcı bir yöntem olarak Resmin geliştirilmesindeki bu eğilimin temsilcileri, resmi deneyleri ön plana çıkardı - bir düzlemde üç boyutlu bir formun inşası, basit, kararlı geometrik şekillerin (küp, koni, silindir) tanımlanması, ayrışma karmaşık şekiller basit olanlara. Her durumda, kübizm bilimsel ilerlemeye bir övgüydü. Picasso'nun çalışmasında, "mavi" ve "pembe" döneminden bir evrim izlenebilir. en iyi işler gerçekçi plan (,) soyut düşünme yasalarına göre gerçekliğin inşasına ().

İspanyol sanatçının çalışmalarında gelenek ve yenilik etkileşime giriyor S. Dali. Güzel sanatlar yaratma yöntemine denir sürrealizm, yani "süperrealizm". Dali, bilinçaltı küreyi (içgüdüler, rüyalar, halüsinasyonlar) sanatın kaynağı olarak ilan etti. Bu yöntem, serbest halüsinasyonlarla değiştirilen mantıksal bağlantıların kopmasına dayanır. Vatandaşı ve arkadaşı şair F. G. Lorca'nın sözleri Dali'nin çalışmasına mükemmel bir şekilde uyuyor: "İspanya keskin hatlardan oluşan bir ülkedir ve uyku denizine koşan kişi bir jiletle bacaklarını yaralayacaktır." şef sanatsal teknik Sanatçının tüm yapıtlarının üzerine inşa edildiği, klasik resim tarzı ile yapıtlarının absürt içeriğinin bir arada bulunması, izleyeni şoka uğratıyor. Gerçekdışılık hissi, resimlerinden (bu tablonun diğer adı "Fasulyeli yumuşak tasarım"), "Millet Angelus'un Anıları" ndan geliyor.

XX yüzyılın ilk yarısının yabancı müziği.

20. yüzyılın başında yeni müzik formları arayışı devam ediyor. Bu dönemin yaratıcı akımları arasında, müzikal izlenimcilik, insan ruhunun karmaşık, en ince hareketlerini iletmek için yeni sanatsal ifade araçları arayışıyla sağlam bir yer işgal ediyor. Bu yöntem, programatik, pitoresk görüntüler (romantik geleneklerin daha da geliştirilmesi), netlik, müzikal formun mantıksal uyumu ve sesin güzelliği ile karakterizedir. Rafine suluboya şiiri, Fransız bestecinin müziğinin karakteristiğidir. C. Debussy. Eserlerinde orkestra sesinin inceliği olan yarı tonların çalındığını duyabilirsiniz. Eserleri içerik bakımından çeşitlidir (manzara eskizleri, tür sahneleri, lirik minyatürler). Senfonik parça "Deniz"de besteci, güzelliğine, renk oyunlarına ve gücüne hayran kalarak deniz öğesinin sağlam bir görüntüsünü yaratır.

Fransız empresyonist bestecinin müziğinde türkü ve dans kökenleri (Fransızca, İspanyolca, Baskça) duyulur. M. Ravelçalışmaları Rus besteciler A.P. Borodin ve N.A. Rimsky-Korsakov'dan büyük ölçüde etkilenen . Onun "Bolero"sunda, İspanyol folklorunun ritim ve melodilerinin kullanımı açıkça hissedilebilir. Tekrar eden melodiler, bu esere artan bir güç, sonsuz hareket hissi veriyor.

Aynı zamanda, müzik sanatında böyle bir hareket, DIŞAVURUMCULUK atası Avusturyalı besteci olan A. Schönberg. Eserleri atonal sisteme dayalı olarak ahenksizliğe dayalıdır. en iyi yol 20. yüzyılın karakteristik bir özelliği olan manevi uyumsuzluk ifadeleri. On iki seslilik sistemi (melodi, uyum, ritim eksikliği), Schoenberg'in Yahudi gettosunun dehşetine adanmış ünlü eseri Varşova'dan Tanık'ın kalbinde yer alır.

oluşturma G.Mahler romantik müzik geleneğini sürdürüyor. Eserlerinin merkezinde insan ve toplum, insan ve doğa yer alır. Bunlar, ilk senfonisi olan Ölü Çocukların Şarkısı'nın temalarıdır.

20. yüzyıl sanata çürümenin notalarını getirdi. Bunu eserlerine yansıtan sanatçılar var. Ana olan, eserlerinde herhangi bir büyük ustanın özelliği olan sentez yolunu değil, analiz yolunu takip eden İspanyol sanatçı Picasso idi. Picasso bizimle oynuyor, sanatsal görüntüyü küçük parçalara ayırıyor, karıştırıyor, bu nefes kesici oyunda izleyiciyi de dahil ederek tuvale fırlatıyor. Bir imgeyi bir araya getirmemize, onun modeli olarak hizmet eden bütünü farklı parçalarda tanımamıza izin verir. Picasso sanatın görevini şu şekilde formüle eder: "Gördüğümü yazmam, düşündüğüm gibi yazarım."

Klasik resimsel formları kullanan bir başka İspanyol sanatçı Salvador Dali, insan ruhunun gerçek dışı, deliryum, sınır durumları hissi yaratıyor. Dolayısıyla Dali'nin gördüğünü, hissettiğini, bildiğini yazmadığını haklı olarak söyleyebiliriz. Dali deli gibi yazıyor. Bu sanatçının resimleri aynı zamanda güzel ve nahoş. Gizem, korku, gizem ve fantezi içerirler. Bu eserlerin yorumlanması zordur. Dali'nin kendisi şöyle dedi: "Resimlerimin anlamını mı soruyorsun? Ne olduğunu bilmiyorum... Ama bu, orada olmadığı anlamına gelmez!".

Rus avangardının temsilcileri tarafından önemli bir yer işgal edildi. Resimlerinin özel muameleye ihtiyacı var. Kandinsky duygularını tuvale sıçradı. Onun sanatsal görüntüler net ana hatları yoktur, bu nedenle resimlerinde tanıdık semboller aramaya gerek yoktur. Orada değiller. Onun resimleri hissedilmeli. Malevich'in tuvallerinde, aksine, icat ettiği formlara dahil olan görüntüler ortaya çıkıyor. Çoğu izleyici için tökezleyen blok, ünlü Kara Meydan'dır. Bu, Rus avangardının anlaşılması ve algılanması en zor eseridir. Çok kısaca söylemek gerekirse, beyaz sessizliğin arka planına karşı bir "kozmik kara delik"tir. Sanatsal görüntüler beyaz sessizlikte doğar. "Kara delikte" kaybolurlar ve birikirler, kanatlarda beklerler. Rus avangardının bir başka temsilcisi Filonov, resimlerini petek gibi inşa ediyor. Ve eğer Kandinsky ve Malevich kulağa kozmik motifler getiriyorsa, o zaman Filonov, dipsiz kapaklar gibi insan bilinçaltının derinliklerine iner.