Asambleja(montim francez - lidhje, montim, instalim)

Një lloj vepre e artit bashkëkohor, ose një artefakt, i cili është një kompozim tredimensional i përbërë nga çdo send utilitar ose pjesë dhe fragmente të tyre dhe/ose objekte të krijuara posaçërisht dhe i mbyllur në hapësirën e një kutie ose kutie. EKSPRESIONIZMI ABSTRAKT Ekspresionizmi abstrakt Faza e pasluftës (fundi i viteve 40 - 50 të shekullit XX) në zhvillimin e artit abstrakt. . Në vitin 1929, amerikani Barr (A.N. Wagg) e përdori atë për të karakterizuar veprat e hershme të Kandinskit, dhe në 1947 ai i quajti veprat e de Kooning dhe Pollock "abstrakte-ekspresioniste". Që atëherë, koncepti i A. e. forcuar pas një fushe mjaft të gjerë, stilistikisht dhe teknikisht të lara pikturë abstrakte(dhe më vonë skulptura), e cila mori zhvillim të shpejtë në vitet '50. në SHBA, në Evropë dhe më pas në mbarë botën. Paraardhësit e drejtpërdrejtë të A. e. konsiderohen Kandinsky të hershëm. "Pikturë me veprim" Brenda kuadrit të abstraksionizmit amerikan, u zhvillua e ashtuquajtura "pikturë pa formë" e Jackson Polok, i cili e konsideroi procesin e krijimtarisë si të vlefshëm në vetvete, dhe rezultati nuk ishte i rëndësishëm, duke pasur kuptim vetëm si kujtim i procesi krijues mbetur në kanavacë. Duke u kthyer në primitive, Polok e shndërroi pikturën në vallëzimin e shenjtë të artistit. Polok e varte kanavacën në mur ose e shtrinte në dysheme, duke "kryer" një ritual të caktuar shamanik rreth tij, artisti, sipas fjalëve të tij, "hyri në brendësi të pikturës". Ai zhvilloi një teknikë të quajtur dripping, e cila konsistonte në spërkatjen e bojrave nga një kanaçe (paralel në frëngjisht - "tachisme" - pikturë me njolla.) Metoda artistike e Polock quhej "pikturë me veprim" në Angli. Në vitin 1952, në një ekspozitë në Paris, piktura e tij la një përshtypje të madhe te kritikët e etur për një fjalë tjetër të re. Megjithatë, shumë veta kundërshtuan origjinalitetin e teknikës së Polock-ut, duke parë diçka të ngjashme në imazhet e Hartung të vitit 1922. ABSTRAKSIONIZMI Abstraksionizëm, art jo objektiv, një prirje moderniste që braktisi rrënjësisht përshkrimin e objekteve reale në pikturë, skulpturë dhe grafikë. Arti abstrakt u ngrit në vitet 1910-13 gjatë shtresimit të kubizmit, ekspresionizmit dhe futurizmit. Mostrat e para të tij u krijuan nga V. V. Kandinsky, i cili punoi në Gjermani, francezi R. Delaunay, spanjolli F. Picabia, çeku F. Kupka, dhe disa futuristë italianë (W. Boccioni e të tjerë), në Rusi - K. S. Malevich, M. F. Larionov dhe N. S. Goncharova, në Holandë - përfaqësues të neoplazizmit (P. Mondrian, T. van Dusburgh e të tjerë). Ukrainasi A.P. Archipenko, rumuni K. Brynkushi dhe të tjerë që punuan në Paris më vonë iu drejtuan eksperimenteve në skulpturën abstrakte. Pas Luftës së Parë Botërore në 1914-18, tendencat e artit abstrakt shpesh u shfaqën si në vepra individuale ashtu edhe në arkitekturë, art dekorativ, dizajn ... RUSI PARAPORDI Avantgarda ruse e viteve 1910 paraqet një pamje mjaft komplekse. Karakterizohet nga një ndryshim i shpejtë në stile dhe tendenca, një bollëk grupesh dhe shoqatash artistësh, secila prej të cilave shpalli konceptin e vet të krijimtarisë. Diçka e ngjashme ndodhi në pikturën evropiane në fillim të shek. Megjithatë, përzierja e stileve, “rrëmuja” e rrymave dhe drejtimeve ishin të panjohura për Perëndimin, ku lëvizja drejt formave të reja ishte më e qëndrueshme. Shumë mjeshtër të brezit të ri me një shpejtësi të jashtëzakonshme kaluan nga stili në stil, nga skena në skenë, nga impresionizmi në modernitet, më pas në primitivizëm, kubizëm apo ekspresionizëm, duke kaluar nëpër shumë hapa, që ishte krejtësisht atipike për mjeshtrit e pikturës franceze apo gjermane. . Situata që u zhvillua në pikturën ruse ishte kryesisht për shkak të atmosferës para-revolucionare në vend. Ajo përkeqësoi shumë nga kontradiktat që ishin të natyrshme në të gjithë artin evropian në tërësi, sepse. Artistët rusë studionin modele evropiane, njihnin mirë shkolla dhe tendenca të ndryshme pikture. Një lloj "shpërthimi" rus në jetën artistike luajti kështu një rol historik. Deri në vitin 1913 ishte arti rus arriti në kufij dhe horizonte të reja. U shfaq një fenomen krejtësisht i ri i joobjektivitetit - një vijë përtej së cilës kubistët francezë nuk guxuan të kalonin. Një nga një ata kalojnë këtë vijë: Kandinsky V.V. Larionov M.F. Malevich K.S. Filonov P.N. Tatlin V.E. Ata testuan forcën e tyre: Altman N.I. Glebova T. Goncharova N.S. Konchalovsky P.P. Kuprin A. Lentulov A.V. Mashkov I.I. Puni I.A. Rodchenko A.M. Rozanova O.V. Falk R.R. Chagall M.Z. Ekster A.A. Pas pak vitesh, teknologjia dhe arti, arti dhe shkenca do të shkrihen në veprën e Tatlin. Ai do të thotë: “... Format më estetike janë ato më ekonomike. Puna në hartimin e materialit në këtë drejtim është arti më i madh.” Do të jetë në vitin 1932, kur do të formohen parime të reja estetike mbi bazën e punës së shumë artistëve avangardë. stoku Veprimi (ose arti i veprimit) Një koncept i përgjithësuar për përcaktimin e praktikave dinamike, procedurale të artit bashkëkohor (praktika e artit), POST-kultura (shih: POST-), në të cilën theksi zhvendoset nga rezultati i veprimtarisë së artit në procesin e tij. A. e parë u kryen nga dadaistët (shih: Dada) dhe surrealistët (shih: Surrealizmi) qysh në vitet 1910-1925. dhe ishin, si rregull, në natyrë sfiduese të egër dhe dekonstruktive. Faza tjetër në transferimin e vetëdijshëm të vëmendjes së artistit (dhe, në një farë mase, shikuesit) nga vepra në procesin e krijimit të saj ishte piktura e veprimit, përfaqësuesi më i madh i së cilës ishte Jackson Pollock. Këtu doli në pah procesi spontan i derdhjes ose spërkatjes së bojrave në kanavacë, i cili kontrollohej ekskluzivisht nga impulset e thella nënndërgjegjeshëm të artistit (shih: Automatizmi). Fotografia që doli vetë u konsiderua vetëm si një dokument që konfirmon faktin e komisionit.

ART DECO ART DECO(Art Deco francez, shkurtuar nga art "decoratif) - një prirje stilistike në artin e vendeve perëndimore. Evropa dhe Amerika tremujori i dytë. Shekulli 20 Ajo mori emrin e saj nga Ekspozita Ndërkombëtare e Arteve dhe Industrisë Dekorative (Paris, 1925), e cila ishte pika fillestare për shpërndarjen dhe zhvillimin e saj. Një kombinim i formave të peshuara monumentale me zbukurime të sofistikuara është karakteristikë e erës sonë. Qendrat e erës sonë ishin Franca dhe SHBA. A.D. kombinoi elemente të stilit Art Nouveau. kubizmi dhe ekspresionizmi, përdorën tiparet shprehëse të dizajnit teknik të avancuar (kryesisht materialet dhe stili i "formave të thjeshta" në modë të huazuara nga modelet më të fundit të makinave dhe lokomotivave). Zhvillimi i tij u ndikua ndjeshëm nga zbulimet e reja të monumenteve spektakolare të artit të lashtë egjiptian (përfshirë varrin e Tutankhamen, 1922) dhe qytetërimet e lashta të Amerikës, si dhe stili i skenografisë novatore të viteve 1910-1920. A.D. u shfaq më së miri në projektimin dhe dekorimin e ambienteve të brendshme të hoteleve në modë, klubeve, salloneve, linjave të oqeanit dhe ndërtesave përfaqësuese të bizneseve të mëdha, të cilat përfshinin lloje të ndryshme të punimeve skulpturore, pikture dhe të të gjitha llojeve të përfundimit. Gjithashtu, AD u përfaqësua nga produkte të aplikuara të shtëpive të modës, reklama, grafika industriale dhe revistash, etj. Punimet më të mëdha janë ndërtesa Chrysler (New York, 1928-1930, arkitekti Van Elen) dhe Rockefeller Center (Nju Jork, 1931-1940 , arkitekti B. W. Morris). ARTEPOVERA Arte povera (italisht arte povera - art i varfër) Një drejtim që mori formë zyrtarisht në artin italian (në Torino) në fund të viteve '60 - në fillim. 70-ta dhe u mjaftua përdorim të gjerë në vende të tjera evropiane, megjithëse artefakte të ngjashme në frymë me A. p. u shfaqën më parë në artin evropian (veprat e artistes gjermane Eva Hesse ose grekut Vlasio Kapiaris, p.sh., etj.). Ai bazohet në krijimin e objekteve. dhe instalime nga sende të thjeshta të jetës së përditshme, të mbledhura në deponitë e plehrave dhe që i përkasin, si rregull, jetës së përditshme të shtresave më të varfra të popullsisë - çanta, litarë, rroba dhe këpucë të vjetra të vjetra, vegla shtëpiake elementare, tokë, rërë , qymyri, leckat e vjetra, lëkura, goma etj. A. p. u ngrit si një lloj reagimi ndaj intelektualizmit dhe racionalizmit në rritje të minimalizmit dhe konceptualizmit dhe ndaj përdorimit të materialeve dhe teknologjive të shtrenjta për prodhimin e objekteve dhe elementeve të instalimeve që ishte në modë në atë kohë në praktikat dhe projektet e artit. Artistët italianë Mario Merz, Michelangelo Pistoletto, Mario Ceroli, Giulio Paolini, Yiannis Kounellis (një grek që jetonte në Itali) kërkuan të zbulonin një poetikë të veçantë modeste të gjërave të thjeshta gjatë krijimit të instalacioneve të tyre. Për shembull, ka shumë vepra të J. Kunellis, në të cilat hapësira artistike krijohet nga një kombinim i objekteve të marra në një landfill, thasë me qymyr, suva me statuja antike dhe zjarri i djegësve të gazit; ose një objekt nga Luciano Febri i quajtur "Më sillni kokën e Gjon Pagëzorit në një pjatë", që është një tas i madh qelqi mbi një mbulesë tavoline të bardhë të mbushur me copa xhami. Megjithatë, kjo simbolikë ka një fushë të madhe të lirë asociative dhe nuk pretendon për ndonjë interpretim të qartë. Për artistët e A. p., është e rëndësishme të krijojnë një atmosferë të caktuar të veçantë duke kombinuar në mënyrë të pavëmendshme gjërat banale të ekzistencës njerëzore. BODYART arti i trupit(Arti i trupit - anglisht: bodily art) Një drejtim artistik që përdor trupin, trupshmërinë, qëndrimin, gjestin si një "realitet të papërpunuar" - gjuhë joverbale trupi. objekti i B. - dhe. shërben si trupi i modeles, dhe fotografitë e tij, bedelet. Kompozimet krijohen në parimin e pikturave të gjalla. Specifikimi filozofik dhe estetik shoqërohet me një interes të shtuar për situatat ekzistenciale kufitare: jetë - vdekje, Eros - Thanatos, ndërgjegje - e pavetëdijshme, art - jo-art. Një tjetër dominues është vetëidentifikimi social, racor, kombëtar, seksual, simbolika frojdiane, motivet sadomazokiste. Pikturimi i trupit është arti i trupit (shpimi i trupit - vizatimi në trup, grimi i përhershëm - tatuazhi nën lëkurë, shpimi - "vrima shpuese", gërvishtja - skarifikimi, markimi - djegia e stigmës), një drejtim avangard që u ngrit në vitet '60. VIDEO ART VIDEOART(Video arti anglez), një drejtim në artin e të tretës së fundit të shekullit të 20-të, duke shfrytëzuar mundësitë e teknologjisë video. Ndryshe nga vetë televizioni, i cili synohet të transmetohet në një audiencë masive, video arti përdor marrës televizivë, video kamera dhe monitorë në ngjarje unike, si dhe prodhon filma eksperimentalë në frymën e artit konceptual, të cilët shfaqen në hapësira të veçanta ekspozimi. Me ndihmën e elektronikës moderne, ai tregon, si të thuash, "trurin në veprim", një rrugë të qartë nga një ide artistike në mishërimin e saj. Themeluesi kryesor i video artit është Nam Joon Paik, një amerikan me origjinë koreane. Arti që përdor teknologjitë televizive - video arti - sapo u ngrit nga një protestë kundër dominimit të kulturës masive, mishërimi më i lartë i së cilës është televizioni. “Baballarët” e video artit, Nam Jung Paik dhe Wolf Vostel, secili në mënyrën e vet me ironi ndaj qytetarëve të respektuar që ulen çdo mbrëmje për t'u çlodhur para televizorit. Wolf Vostel në vitet '60 organizoi ngjarje, në të cilat televizorët hidheshin me ëmbëlsira kremi, të lidhura me tela me gjemba, varroseshin solemnisht dhe madje qëlloheshin nga mitralozët. Nam Joon Paik, një muzikant nga trajnimi, ishte më delikate. Duke filluar me eksperimentet e "vizualizimit të muzikës", ai kaloi në krijimin e shëmbëlltyrave të qenieve të gjalla me kokë, krahë dhe bust nga monitorë të madhësive të ndryshme dhe imazheve përkatëse, duke i quajtur "Mami", "Babi", "Fëmija". “Haja”, “xhaxhi” etj. VORTIZIM Vorticizmi Një lëvizje avangarde angleze e themeluar nga Wyndham Lewis në 1914. Emri vorticizëm i detyrohet origjinës së tij nga vërejtja e futuristit italian Umberto Boccioni se e gjithë krijimtaria lind nga një vorbull ndjenjash (në italisht<вихрь>- vortizto). Ashtu si futurizmi, Vorticizmi, një stil i mprehtë, këndor dhe shumë dinamik që u përhap si në pikturë ashtu edhe në skulpturë, kërkonte të përçonte procesin e lëvizjes. Megjithëse Vorticizmi nuk jetoi deri në fundin e Luftës së Parë Botërore, ai luajti një rol të rëndësishëm si një fazë në formimin e artit abstrakt në Angli. (Bomberg, Lewis) GRAFFITI Kështu përcaktohen veprat e nënkulturës (shih: Kultura masive), të cilat janë kryesisht imazhe me format të madh në muret e ndërtesave publike, strukturave, transportit, të bëra duke përdorur lloje të ndryshme armësh spërkatës, kanaçe aerosol me bojë. Prandaj emri tjetër "art spray" - Spray-art. Origjina e saj lidhet me shfaqjen masive të G. në vitet '70. në makinat e metrosë së Nju Jorkut, dhe më pas në muret e ndërtesave publike, blinds dyqane. Autorët e parë të G. ishin kryesisht artistë të rinj të papunë të pakicave etnike, kryesisht portorikanë, kështu që disa nga tiparet stilistike të stilit të Amerikës Latine u shfaqën në G. arti popullor, dhe për vetë faktin e paraqitjes së tyre në sipërfaqe të pa destinuara për këtë, autorët e tyre protestuan kundër pozicionit të tyre të privuar nga e drejta. Nga fillimi i viteve 80. u formua një trend i tërë mjeshtërsh pothuajse profesionistë të G. u bënë të njohur emrat e tyre të vërtetë, të fshehur më parë me pseudonime (CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Disa prej tyre e transferuan teknikën e tyre në kanavacë dhe filluan të ekspozojnë në galeritë e Nju Jorkut, dhe së shpejti G. u shfaq në Evropë. Salla e ekspozitës shumë kilometra e G. ishte a Muri i Berlinit nga Berlini Perëndimor. Pas shkatërrimit të tij, mbetjet e ruajtura të murit tani janë pikturuar në të dy anët. G. janë imazhe dhe mbishkrime komplote, shpesh të tipit poster, karikaturë ose naive (shih: Arti Naiv) që kanë një stil specifik të përcaktuar nga teknika (kanaçe aerosol me bojë) e imazhit: spontaniteti, shpejtësia, pamundësia e korrigjimeve, a. sistem të caktuar ngjyrash.

• Shkolla e Re e Leipzigut (Shkolla e Re e Leipzigut)
• Stukizmi
• lodizëm
• Hidhërim

vitet 1980

• Apt-art (Arti i Përvetësimit)
• Graffiti
  (Graffiti Art)
• Demoscene
• Surrealizëm masiv (Massurrealizëm)
• Konceptualizmi neo-gjeometrik
  (Arti neo-gjeo-konceptual)
• Neokonceptualizmi (Arti Neo-konceptual)
• Neo-pop Art Neo-pop)
• New Wild (Nouveau Fauves)
• Figurativiteti i lirë (Figuration Libre)

1970

• Arti i trupit
• Video art
  (video art)
• Hipermanierizmi
• Neoekspresionizëm (Neoekspresionizëm)
• Pop Surrealizëm (Lowbrow)
• Postminimalizëm
• Sots Art (Arti i Tokës)
• Transavangardë (Trans avant-gardë)
• Feminizmi (Arti Feminist)
• Fotorealizëm (Fotorealizëm)
• Fluxus (Fluxus)

vitet 1960

• Shkolla e Uashingtonit (Shkolla e ngjyrave në Uashington)
• Arti konceptual
• Minimalizmi
• Arti narrativ
  (Rrëfimi i figurës)
• Neo-Dada (Neo-Dada)
• Op-art (Op Art)
• Arti i performancës
• Pop art (Pop Art)
• Realism Nouveau (Nouveau Realisme)
• Ngjarjet
• Arti kompjuterik (Arti kompjuterik)
• Pikturë me skaj të fortë

1950

• Ekspresionizmi abstrakt
• Abstraksion lirik
• Shkolla e Nju Jorkut
• Lëvizja Figurative e Zonës së Gjirit
• Ekspresionizmi figurativ i Nju Jorkut

Arti bashkëkohor (arti bashkëkohor anglez, arti bashkëkohor) është art i krijuar në të kaluarën e afërt dhe në kohën e tashme.

Me kalimin e kohës, dikur arti bashkëkohor bëhet pronë e historisë. Në ky moment kohë, arti bashkëkohor konsiderohet të jetë vepra e krijuar në periudhën nga vitet 1970 deri në ditët e sotme. Historia e zhvillimit të tendencave të reja në artin e shekullit të njëzetë mund të ndahet me kusht në dy faza të mëdha: modernizmi (arti modern) - arti nga epoka e impresionizmit (duke filluar afërsisht nga 1880) deri në vitet 1960-1970 dhe arti bashkëkohor - nga vitet 70 të shekullit të kaluar deri në kohën e tashme.

Viti 1970 shënon një pikë kthese në historinë e artit për dy arsye. I pari është viti i shfaqjes së termave "postmodern" dhe "postmodernizëm". Së dyti, viti 1970 është momenti i fundit historik përpara të cilit lëvizjet artistike ishin relativisht të lehta për t'u klasifikuar. Nëse krahasojmë numrin e lëvizjeve të artit në periudhën para viteve 1970 dhe më pas, mund të shihet lehtë se gjatë kohës së modernizmit ka pasur shumë më tepër. Dhe kjo përkundër faktit se ka më shumë artistë që punojnë në këtë kohë, dhe arsenali i mjeteve dhe aftësive teknike është më i gjerë. Një tipar tjetër i artit të 30 viteve të fundit është orientimi i tij social, shumë më i theksuar se në të gjitha epokat e mëparshme.

Gjuha ruse përdor gjithashtu termin "art bashkëkohor", i cili në shumë aspekte është i ngjashëm, por jo identik në kuptim, me termin "art bashkëkohor". Me artin bashkëkohor, pjesëmarrësit në procesin artistik në Rusi nënkuptojnë artin bashkëkohor inovativ (përsa i përket ideve dhe/ose mjeteve teknike). Arti bashkëkohor bëhet shpejt i vjetëruar, duke u bërë pjesë e historisë së artit modern në shekullin 20 ose 21. Në shumë mënyra, pjesëmarrësit në procesin e artit në Rusi e japin përkufizimin e "artit aktual" me kuptimin që dikur i atribuohej avangardës (novacioni, radikalizmi, përdorimi i teknikave dhe teknikave të reja).

Arti bashkëkohor në formën e tij të tanishme u formua në fund të viteve 1960 dhe 70. Kërkimet artistike të asaj kohe mund të karakterizohen si kërkim i alternativave ndaj modernizmit (shpesh kjo rezultonte në mohim nëpërmjet futjes së parimeve drejtpërdrejt të kundërta me modernizmin). Kjo u shpreh në kërkimin e imazheve të reja, mjeteve dhe materialeve të reja shprehëse, deri në dematerializimin e objektit (shfaqjeve dhe ngjarjeve). Mund të themi se ka pasur një zhvendosje nga objekti në proces.

Fenomenet më të dukshme të kthesës së viteve '60 dhe '70 mund të quhen zhvillimi i artit konceptual dhe minimalizmit. Në vitet '70, orientimi social i procesit të artit u rrit ndjeshëm si në aspektin e përmbajtjes (temat e ngritura në punën e artistëve) ashtu edhe në përbërje: fenomeni më i dukshëm në mesin e viteve '70 ishte feminizmi në art, si dhe rritja e aktiviteti i pakicave etnike (1980- f) dhe grupeve shoqërore (për shembull, "art i jashtëm"). Fundi i viteve '70 dhe '80 u karakterizuan nga "lodhja" nga arti konceptual dhe minimalizmi dhe një rikthim i interesit për figurativitetin, ngjyrën dhe figurativitetin (lulëzimi i lëvizjeve të tilla si New Wilds).

Mesi i viteve 1980 pa një rritje të lëvizjeve që përdorën në mënyrë aktive imazhet e kulturës masive - kampizmi, arti i fshatit Lindor, neo-pop po fiton forcë. Lulëzimi i fotografisë në art daton në të njëjtën kohë - gjithnjë e më shumë artistë fillojnë t'i drejtohen asaj si një mjet shprehjeje artistike. Që nga vitet 1980, procesi i artit është ndikuar shumë nga zhvillimi i teknologjisë - video, audio, kompjuterë dhe internet - kjo ka zgjeruar ndjeshëm paletën e mjeteve të përdorura nga artistët.

Vjedhur skulptura e madhe Kaori Kawakami

Në Itali ka ndodhur një vjedhje e pazakontë. Një skulpturë avangarde prej dy tonësh nga skulptori i famshëm modern japonez Kaori Kawakami, që përshkruan simbolikisht një parmendë, u vodh nga një zonë ekspozite e vendosur në kopshtin e një vile në periferi të Napolit Casoria.

Muzeu Historik priti një ekspozitë udhëtuese të Nikas Safronov

Në verë, Nikas Safronov, një nga artistët bashkëkohorë rusë më të famshëm në botë, hapi ekspozitën e tij në Muzeun Historik të kryeqytetit. Ekspozitat e piktorit janë mbajtur më parë në kryeqytet dhe janë vizituar nga një numër i madh moskovitësh dhe turistësh, megjithatë, një ekspozitë e kësaj përmasash prezantohet këtu për herë të parë.

Muzeu i Petersburgut u shndërrua në burg

I frymëzuar nga "Archipelago Gulag" i Solzhenitsensky dhe materialet rreth kampeve të përqendrimit, artistja e rrugës e Yekaterinburgut Slava PTRK kreu një projekt të pazakontë arti.

Themeluesi i prirjes moderne në art mund të konsiderohet modernizmi, i cili është një përkufizim i përgjithësuar i dukurive të ndryshme të shekullit të kaluar si favizmi, futurizmi, ekspresionizmi, surrealizmi, kubizmi etj. Qëllimi i artistëve këtu është të tregojnë se arti e tejkalon realitetin, pavarësisht se veprat dallojnë më shumë se më parë, orientimin shoqëror, mprehtësinë shoqërore.

Konceptualizmi u ngrit në vitet '60. si një nga tendencat e artit avangardë. Një tipar i këtij stili ishte refuzimi themelor për të reduktuar artin vetëm në fenomenin e ndërgjegjes. Veprat e konceptualistëve, të cilët besonin se arti është një burim komunikimi dhe informacioni, shoqërohen me mbishkrime, dokumente, tekste dhe gjithçka tjetër që lidhet disi me fushën e gjuhës. Për këtë, u përdorën teknika të ndryshme, të cilat rezultuan në kolazhe nga copa gazetash, radiografi mjekësore, korniza video të papërpunuara dhe portrete fotografike të pa retushuara.

Në vitet 70-80. të shekullit të kaluar, tendencat në art karakterizohen nga një largim nga konceptualizmi dhe një kthim në figurativitetin dhe ngjyrën. Gjithnjë e më shumë artistë kanë filluar të mishërojnë idetë e tyre jo në kanavacë, por në fotografi. Teknologjitë moderne zhvillohen, të cilat nuk mund të mos ndikojnë në teknikat dhe aftësitë e mjeshtrave.

Në të njëjtën kohë dhe deri në fillim të viteve '90. I ashtuquajturi Sots Art ishte i pranishëm në vendin tonë. Në veprat e artistëve të këtij trendi të artit bashkëkohor, kishte ironi, humor dhe një qëndrim sarkastik ndaj klisheve ideologjike propagandistike, të cilat u shpërndanë me bollëk në popullin sovjetik. Mund të themi se ky stil ishte një realizëm socialist i kthyer nga brenda.

Për vitet 80. karakteristikë e tendencave të tilla në art si:

1. Apt-art - ekspozita të artistëve direkt në apartamente për shkak të pamundësisë së ekspozimit të punimeve në salla. Mjeshtrit ishin të bashkuar nga një qëndrim ironik ndaj jetës dhe artit, dhe ata përdorën materiale ndihmëse për të krijuar imazhe. Rezultati ishin të ashtuquajturat instalime - kompozime hapësinore të krijuara nga produkte industriale, sende shtëpiake, fragmente informacioni vizual ose tekstual, madje edhe mbeturina.

2. Graffiti si një lloj arti i rrugës. Ai përfshin drejtime të ndryshme, në veçanti bombardimin, etiketimin, shkrimin, gërvishtjet dhe të ashtuquajturat grafiti "të kundërt", i cili nuk përdor bojëra për të krijuar vepra, por, përkundrazi, detergjentë, kimikate shtëpiake. Deri më sot, ka një debat të ashpër nëse ky stil është art i vërtetë apo vandalizëm i zakonshëm. Ndërkohë, ky drejtim njihet si më dinamikisht në zhvillim.

3. Demoscene, e cila u shfaq për shkak të zhvillimit të teknologjisë kompjuterike dhe ishte një lloj shkrirje e krijimtarisë dhe programimit.

4. “New Wild”, bazuar në traditat e Fauvizmit dhe Ekspresionizmit. Rezultati i këtij drejtimi në art ishte afrimi i parimit të spontanitetit, lirisë nga çdo kufizim dhe rregull.

Vitet 1990 panë shfaqjen e lodizmit, stackizmit, lojërave video dhe artit në internet. Dhe me fillimin e mijëvjeçarit të ri, ne morëm marrëdhënie, fanizëm, VJ, art të butë.

Tendencat moderne në art po zhvillohen vazhdimisht, duke reflektuar ato shumë proceset sociale që ndodhin në shoqërinë tonë. Artistët, fotografët, skulptorët pasqyrojnë në veprat e tyre vizionin e tyre të jetës, qëndrimin e tyre ndaj ngjarjeve që ndodhin në të. Epo, mjetet teknike moderne dhe tendencat e reja vetëm e ndihmojnë artin të zhvillohet, të bëhet më i madh, më i aksesueshëm dhe më popullor.

Ekziston një larmi e madhe stilesh dhe tendencash në artet pamore. Shpesh ato nuk kanë kufij të përcaktuar qartë dhe lëvizin pa probleme nga njëri në tjetrin, duke qenë në zhvillim, përzierje dhe kundërshtim të vazhdueshëm. Në kuadrin e një stili artistik historik, gjithmonë lind një i ri, dhe ai, nga ana tjetër, kalon në tjetrin, e kështu me radhë. Shumë stile bashkëjetojnë në të njëjtën kohë dhe për këtë arsye nuk ka fare "stile të pastra".

Stilet dhe tendencat në art bazuar në Wikipedia - një listë.

Ekspresionizmi abstrakt
Abstraksionizmi
Art Nouveau
art deco
Feminizmi i artit
Arti i jashtëm (Art Brut)
barok
Arti Bizantin
Rilindja e Lartë
Arti gotik
dadaizmi
De Stijl (Neoplasticizëm)
Impresionizmi
Informel
Arti kinetik
Konstruktivizmi
Konceptualizmi
Kubizmi
kubofuturizëm
Rajizmi
Realizmi Magjik
Manierizmi (Rilindja e Vonë)
pikturë metafizike
Minimalizmi
Modernizmi
muralizëm
Arti i postës
Art Naiv (Primitivizëm)
Natyralizmi
Neo-Gjeo
Neo-dadaizmi
Neoklasicizmi
Neo-Pop
neo-romantizmi
Arti neofigurativ
Neo-ekspresionizmi
Materialiteti i Ri (Neue Sachlichkeit)
Realizmi i Ri
Op Art
Orfizëm (Simultanizëm)
Art Pop
Abstraksioni pas piktorit
postimpresionizmi
Precisionizëm
Proto-Rilindja
Rilindja e hershme
Realizmi
Rajonalizmi
Rokoko
Romantizmi
Rilindja Veriore
shkëputje
Simbolizmi
Realizmi Socialist (Social Realizmi)
Hapësinorizmi
Suprematizmi
Surrealizmi
Tachisme
Tonalizmi
transvangardë
Fotorealizëm (Hiperrealizëm)
Futurizmi
Ekspresionizmi
Esteticizmi
Arti Akademik
Arte Povera
Arti konkret (konkretizëm)
Kitsch
letrizëm

Ekspresionizmi abstrakt

anglisht ekspresionizmi abstrakt është një shkollë (lëvizje) artistësh që pikturojnë shpejt dhe në piktura të mëdha, duke përdorur goditje jo gjeometrike, penela të mëdha, ndonjëherë duke pikuar bojë mbi telajo, për të zbuluar plotësisht emocionet. Metoda ekspresive e pikturës këtu është shpesh po aq e rëndësishme sa vetë piktura. Qëllimi i artistit me një metodë të tillë krijuese është shprehja spontane e botës së brendshme (nënndërgjegjeshëm) në forma kaotike, jo të organizuara nga të menduarit logjik.

Abstraksionizmi

lat. abstractio - heqja, shpërqendrimi - drejtimi i artit jo-figurativ, i cili braktisi paraqitjen e formave afër realitetit në pikturë dhe skulpturë. Një nga qëllimet e abstraksionizmit është arritja e "harmonizimit", krijimi i kombinimeve të caktuara të ngjyrave dhe formave gjeometrike për të evokuar asociacione të ndryshme tek soditësi. Themeluesit: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova dhe Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Art Nouveau

Ky term ka kuptime të tjera, për të mos u ngatërruar me modernizmin.

Moderne (nga frëngjishtja moderne - moderne), Art Nouveau (frëngjisht art nouveau, lit. "art i ri"), Jugendstil (gjermanisht Jugendstil - "stili i ri") - drejtimi artistik në art, më e zakonshme në dekadën e fundit të shekullit të 19-të - fillimi i shekullit të 20-të (para fillimit të Luftës së Parë Botërore). Karakteristikat e tij dalluese janë refuzimi i vijave dhe këndeve të drejta në favor të linjave më natyrale, "natyrore", interesi për teknologjitë e reja (për shembull, në arkitekturë), lulëzimi i artit të aplikuar.

art deco

Art Deco, gjithashtu "Art Deco" (frëngjisht art de "co lit. "art dekorativ", nga Ekspozita Ndërkombëtare e Arteve De "coratifs et Industriels Modernes - "Ekspozita Ndërkombëtare e Arteve Moderne Dekorative dhe Industriale" 1925, Paris ) - një trend në artet dekorative të gjysmës së parë të shekullit të 20-të, të manifestuara në arkitekturë, modë dhe pikturë. Ishte një sintezë e modernes dhe neoklasicizmit.

Karakteristikat dalluese janë rregullsia strikte, modelet gjeometrike etnike, materialet luksoze, elegante, të shtrenjta, moderne (fildishi, lëkura e krokodilit, alumini, drurët e rrallë, argjendi). Në SHBA, Holandë, Francë dhe disa vende të tjera, Art Deco evoluoi gradualisht drejt funksionalizmit.

Feminizmi i artit

Ose arti feminist, engl. arti feminist është art i krijuar me vetëdije në kontekstin e teorisë së artit feminist. Në fillim të viteve shtatëdhjetë, kriza e besimit në kulturën e modernizmit, e cila dominohej nga burrat, u shpreh më plotësisht te artistët që shpallnin feminizmin ose varietetet e tij të atëhershme. Si lëvizje, feminizmi i artit u shfaq në fund të viteve 1960 dhe në fillim të viteve 1970. Nuk lidhej me ndonjë stil apo media të veçantë, por karakterizohej nga një sërë përpjekjesh për t'i dhënë grave një vend në botë, veçanërisht në botën e artit. Feminizmi i artit është një nga transformimet më domethënëse në artet pamore të gjysmës së dytë të shekullit të njëzetë.

Arti i jashtëm (Art Brut)

Art i përafërt, këtu - art i papërpunuar, i paprerë) - një term i prezantuar nga artisti francez Jean Dubuffet (1945) për të përshkruar koleksionin e pikturave, vizatimeve dhe skulpturave që ai mblodhi, të krijuara nga mjeshtrit joprofesionistë, të cilët janë të margjinalizuar si socialisht ashtu edhe mendërisht ( të sëmurët mendorë, të paaftët, të burgosurit, të vetmuarit eksentrikë, mediumet, etj.). Puna e tyre është shumë spontane dhe kryesisht e pavarur nga modelet kulturore. Në veçanti, Art Brut nuk merr parasysh konventat e besueshmërisë, perspektivën piktoreske dhe shkallën konvencionale, nuk njeh dallimin ndërmjet reales dhe fantastikes, hierarkinë e materialeve, etj.

Si ekuivalent në literaturën në gjuhën angleze, përdoret termi art i jashtëm (anglisht artist i jashtëm, shih: en: Category: Outsider artists), i cili u prezantua në vitin 1972 nga historiani i artit Roger Cardinal. Fenomene të ngjashme janë arti margjinal, arti naiv, arti vizionar ose intuitiv, arti popullor, shpikja e re (fr. Neuve Invention), primitivizmi.

barok

italisht barok - "i çuditshëm", "i çuditshëm", "i tepruar", port. perola barroca - "perla me formë të parregullt" (fjalë për fjalë "perla me një defekt"); ka supozime të tjera për origjinën e kësaj fjale) - një karakteristikë e kulturës evropiane të shekujve XVII-XVIII, qendra e së cilës ishte Italia. Stili barok u shfaq në shekujt XVI-XVII në qytetet italiane: Romë, Mantua, Venecia, Firence. Epoka e barokut konsiderohet si fillimi i procesionit triumfal të "qytetërimit perëndimor". Baroku kundërshtoi klasicizmin dhe racionalizmin.

Arti Bizantin

Arti bizantin është një lloj arti historiko-rajonal i përfshirë në llojin historik të artit mesjetar.

Në vitin 330, për shkak të grindjeve civile dhe trazirave që përfshiu Perandorinë e madhe Romake, Perandori Kostandini I i Madh e zhvendosi kryeqytetin e tij në qytetin e Bizantit (që nga shekulli I pas Krishtit, pjesë e Perandorisë Romake) dhe e quajti atë Konstandinopojë. Në mesjetë, Bizanti quhej Rumani, vetë bizantinët e quanin veten romakë, dhe kultura e tyre - romake. Perandori - "Basileus i Romakëve" - ​​u vetëshpall gjithashtu kryeprift. Kjo u pasqyrua në artin zyrtar të Kostandinopojës, i cili shprehte idetë e kultit të "basileusit të romakëve" si pantokrator (nga greqishtja - "mbajtës", sundimtar i universit). Që atëherë, ajo ka qenë qendra e jetës civile dhe shpirtërore të botës greko-romake. Perandoria Bizantine lindi një kulturë të veçantë, të quajtur bizantizëm në shkencë.

Rilindja e Lartë

Rilindja, ose Rilindja (Rilindja franceze, italisht Rinascimento; nga "ri" - "përsëri" ose "rilindur") - një epokë në historinë e kulturës evropiane, e cila zëvendësoi kulturën e Mesjetës dhe i parapriu kulturës së kohëve moderne. Kuadri i përafërt kronologjik i epokës është fillimi i XIV - çereku i fundit i shekujve XVI, dhe në disa raste - dekadat e para të shekullit XVII (për shembull, në Angli dhe, veçanërisht, në Spanjë). Tipar dallues Rilindja - natyra laike e kulturës dhe antropocentrizmi i saj (d.m.th., interesi, para së gjithash, për një person dhe aktivitetet e tij). Ka një interes për kulturën antike, ka një lloj "ringjalljeje" të saj - dhe kështu u shfaq termi.

Arti gotik

Gotiku është një periudhë në zhvillimin e artit mesjetar në Evropën Perëndimore, Qendrore dhe pjesërisht Lindore nga shekujt XII deri në shekujt XV-XVI. Gotik erdhi për të zëvendësuar stilin romanik, duke e zëvendësuar gradualisht atë. Termi "gotik" përdoret më shpesh për një stil të mirënjohur të strukturave arkitekturore që mund të përshkruhen shkurtimisht si "të frikshëm madhështor". Por gotiku mbulon pothuajse të gjitha veprat artet pamore periudha: skulpturë, pikturë, miniaturë libri, xham me njolla, afresk e shumë të tjera.

Gotiku filloi në mesin e shekullit të 12-të në Francën veriore, në shekullin e 13-të u përhap në territorin e Gjermanisë moderne, Austrisë, Republikës Çeke, Spanjës dhe Anglisë. Gotiku depërtoi në Itali më vonë, me shumë vështirësi dhe një transformim të fortë, i cili çoi në shfaqjen e "Gotikut italian". Në fund të shekullit të 14-të, Evropa u përfshi nga i ashtuquajturi gotik ndërkombëtar. Gotika depërtoi në vendet e Evropës Lindore më vonë dhe zgjati atje pak më gjatë - deri në shekullin e 16-të.

Për ndërtesat dhe veprat e artit që përmbajnë elemente karakteristike gotike, por të krijuara në periudhën eklektike (mesi i shekullit të 19-të) dhe më vonë, përdoret termi "neo-gotik".

AT fillimi i XIX shekulli, termi "roman gotik" filloi të tregojë zhanrin letrar të epokës romantike - letërsinë e sekreteve dhe tmerreve (veprimet e veprave të tilla shpesh shpaloseshin në kështjellat ose manastiret "gotike"). Në vitet 1980, termi "gotik" filloi të përdoret për t'iu referuar zhanrit muzikor që u ngrit në atë kohë ("gotik rock"), dhe më pas nënkulturës që u formua rreth tij ("subkultura gotike").

dadaizmi

Dadaizmi, ose Dada, është një lëvizje moderniste në letërsi, arte figurative, teatër dhe kinema. Filloi gjatë Luftës së Parë Botërore në Zvicrën neutrale, në Cyrih (Cabaret Voltaire). Ka ekzistuar nga viti 1916 deri në vitin 1922.

Në vitet 1920, Dada franceze u bashkua me Surrealizmin dhe, në Gjermani, me Ekspresionizmin.

Themeluesi i lëvizjes, poeti Tristan Tzara, zbuloi fjalën "dada" në fjalor. "Në gjuhën e fisit zezak Kru," shkroi Tzara në një manifest të vitit 1918, "do të thotë bishti i një lope të shenjtë, në disa zona të Italisë ky është emri i nënës, mund të jetë përcaktimi i një fëmije. kalë druri, infermiere, një deklaratë e dyfishtë në rusisht dhe rumanisht. Mund të jetë gjithashtu një riprodhim i llafeve jokoherente të foshnjave. Sido që të jetë, diçka krejtësisht e pakuptimtë, që tani e tutje është bërë emri më i suksesshëm për të gjithë trendin.

De Stijl (Neoplasticizëm)

Neoplasticizmi është përcaktimi i drejtimit të artit abstrakt të prezantuar nga Piet Mondrian, i cili ekzistonte në 1917-1928. në Holandë dhe artistë të bashkuar të grupuar rreth revistës "De Stijl" ("Stil"). “Stili” karakterizohet nga forma të qarta drejtkëndëshe në arkitekturë (“stili ndërkombëtar” nga P. Auda) dhe piktura abstrakte në paraqitjen e planeve të mëdha drejtkëndëshe të pikturuara në ngjyrat kryesore të spektrit (P. Mondrian).

Në praktikën e tij artistike, Mondrian u nis nga kubizmi analitik, por duke hedhur poshtë të gjithë elementët figurative, ai e reduktoi atë në një "shprehje të plasticitetit të pastër" - vija të drejta, plane të zhveshura dhe drejtkëndësha të "ngjyrave bazë" (e kuqe, e verdhë, blu) në një sfond neutral (e bardhë, gri, e zezë). Idetë e artistëve Style patën një ndikim të madh jo vetëm në arkitekturë dhe pikturë, por edhe në dizajnin e brendshëm dhe të mobiljeve (shih Bauhaus), si dhe në tipografi.

Ndryshe nga pandanusi i tij rus, konstruktivizmi, i cili bazohej në vizionin teknik të artistëve-inxhinierëve, neoplasticizmi bazohej në një sistem filozofik të "dy kontradiktave themelore që formojnë Tokën tonë dhe gjithçka tokësore. Është horizontale linjë fushore Toka rreth Diellit dhe vija vertikale e forcës së tokës, e cila e ka origjinën në qendër të Diellit. Kjo doktrinë e strukturës matematikore të universit, e zhvilluar nga teozofi holandez Schoenmackers (niderl. Schoenmackers), u bë themeli i estetikës së "Stilit" dhe rrjedhimisht neoplasticizmit.

Impresionizmi

Impressionism (fr. impressionnisme, nga impression - impression) - një prirje në artin e të tretës së fundit të shekullit të 19-të - fillimit të shekullit të 20-të, e cila filloi në Francë dhe më pas u përhap në të gjithë botën, përfaqësuesit e të cilit kërkuan të zhvillonin metoda dhe teknika që e bënë atë. e mundur për të kapur më natyrshëm botën reale në lëvizshmërinë dhe ndryshueshmërinë e saj, për të përcjellë përshtypjet e tyre kalimtare. Zakonisht, termi "impresionizëm" i referohet një drejtimi në pikturë (por ky është, para së gjithash, një grup metodash), megjithëse idetë e tij kanë gjetur mishërimin e tyre edhe në letërsi dhe muzikë, ku impresionizmi u shfaq gjithashtu në një grup të caktuar metodat dhe teknikat e krijimit të veprave letrare dhe muzikore, në të cilat autorët kërkonin të përçonin jetën në një formë të gjallë, të drejtpërdrejtë, si pasqyrim i përshtypjeve të tyre.

Termi "impresionizëm" lindi nga dora e lehtë e kritikut të revistës "Le Charivari" Louis Leroy, i cili e titulloi fejtonin e tij për sallonin e të mjerëve "Ekspozita e impresionistëve", duke marrë për bazë titullin e pikturës. "Përshtypja. Rising Sun" nga Claude Monet.

Informel

Informalizmi, informel (fr. art informel) është një prirje në art që u ngrit në gjysmën e dytë të viteve 40 të shekullit të 20-të në Francë (në Paris). Zakonisht, nën këtë koncept, kombinohen tendenca të ndryshme në artin abstrakt që u ngritën në Evropën e pasluftës.
Përkufizimi

Koncepti i "informalizmit" është i zbatueshëm si një term kolektiv për tendencat e shumta në abstraksionizmin e viteve '50. Për shembull, takizmi konsiderohet si një kategori informalizmi dhe si një lëvizje artistike e zhvilluar prej tij. “Informalizmi” është një koncept po aq i madh sa edhe abstraksioni lirik që u shfaq në të njëjtën kohë.

Arti kinetik

Art kinetik, Kineticizëm (greqisht kinetikos - lëvizje që vë në lëvizje) - drejtim në Art Bashkëkohor, duke mposhtur efektet e lëvizjes reale të të gjithë veprës ose përbërësve të saj individualë. Kinetizmi bazohet në idenë se drita dhe lëvizja mund të krijojnë një vepër arti. Objektet janë instalime lëvizëse që prodhojnë kombinime interesante të dritës dhe hijes ndërsa lëvizin, ndonjëherë duke tingëlluar. Këto pajisje të ndërtuara me kujdes të bëra prej metali, qelqi ose materialesh të tjera, të lidhura me pajisje me dritë ndezëse, quheshin "lëvizës".

Konstruktivizmi

Konstruktivizmi është një metodë (drejtim) avangarde sovjetike në artet e bukura, arkitekturën, fotografinë dhe artet dekorative dhe të aplikuara, e cila u zhvillua në vitet 1920 - gjysma e parë e viteve 1930.

Karakterizohet nga ashpërsia, gjeometria, konciziteti i formave dhe pamja monolit. Në arkitekturë, parimet e konstruktivizmit u formuluan në fjalimet teorike të A. A. Vesnin dhe M. Ya. Ginzburg, praktikisht ato u mishëruan për herë të parë në projektin e Pallatit të Punës për Moskën e krijuar nga vëllezërit A. A., V. A. dhe L. A. Vesnin (1923). ) me planin e tij të qartë, racional dhe bazën konstruktive të ndërtesës (korniza prej betoni të armuar) të identifikuar në pamjen e jashtme. Në vitin 1926, u krijua organizata zyrtare krijuese e konstruktivistëve, OSA (një organizatë publike e themeluar në 1924 nga anëtarët e LEF). Kjo organizatë ishte zhvilluesi i të ashtuquajturës metodë funksionale të projektimit, bazuar në analizën shkencore të veçorive të funksionimit të ndërtesave, strukturave, komplekseve urbane. Monumentet karakteristike të konstruktivizmit janë fabrikat e kuzhinës, pallatet e punës, klubet e punëtorëve, shtëpitë komunale.

Siç zbatohet për artin e huaj, termi "konstruktivizëm" është kryesisht arbitrar: në arkitekturë ai tregon një prirje brenda funksionalizmit që kërkonte të theksonte shprehjen e strukturave moderne; . Pevzner)

Gjatë kësaj periudhe, lëvizja letrare konstruktiviste ekzistonte edhe në BRSS.

Konceptualizmi

Konceptualet zm (nga lat. conceptus - mendim, koncept) - drejtimi i filozofisë skolastike; doktrina se dija manifestohet me përvojë, por nuk rrjedh nga përvoja.

Përfaqësuesit - Pierre Abelard, John of Salisbury, John Duns Scotus dhe të tjerë.Në kohët moderne, John Locke ishte afër pozicioneve të konceptualizmit.

Në mosmarrëveshjen për universalet, konceptualistët, ashtu si nominalistët, duke refuzuar mësimin e realizmit, mohuan ekzistencën reale të të përgjithshmes pavarësisht nga gjërat individuale, por ndryshe nga nominalistët, ata e njohën ekzistencën në mendje. konceptet e përgjithshme, konceptet si formë e veçantë e njohjes së realitetit.

Me fjalë të tjera, idetë tona të përgjithshme shfaqen për përvoja të veçanta: për shembull, koncepti universal i drejtësisë mund të lindë në soditjen tonë për ndonjë padrejtësi të veçantë, megjithëse pikërisht kjo ide ekzistonte në një mënyrë të fshehur në mendjen tonë edhe para kësaj përvoje.

Konceptualizmi është diçka si një sintezë e empirizmit dhe racionalizmit.

Kubizmi

Kubizmi (frëngjisht Cubisme) është një prirje moderniste në artet pamore, kryesisht në pikturë, e cila filloi në fillim të shekullit të 20-të dhe karakterizohet nga përdorimi i formave të kushtëzuara me gjeometri të theksuar, dëshira për të "ndarë" objektet reale në primitivë stereometrikë. .

Shfaqja e kubizmit tradicionalisht daton në 1906-1907 dhe lidhet me punën e Pablo Picasso dhe Georges Braque. Termi "kubizëm" u krijua në vitin 1908 pasi kritiku i artit Louis Vaucelle i quajti pikturat e reja të Braque "çuditje kubike". (frengjisht bizarreries cubiques).

Duke filluar nga viti 1912, lindi një degë e re e kubizmit, të cilën kritikët e artit e quajtën "kubizëm sintetik". Është mjaft e vështirë të japësh një deklaratë të thjeshtë të synimeve dhe parimeve kryesore të kubizmit; në pikturë dallohen tre faza të kësaj prirjeje, duke pasqyruar koncepte të ndryshme estetike dhe secila mund të konsiderohet veçmas: kubizmi i Cezanne (1907-1909), ai analitik (1909-1912) dhe ai sintetik (1913-1914).

kubofuturizëm

Kubofuturizmi është një prirje në artin avangardë në fillim të shekullit të 20-të, në pikturë duke kombinuar arritjet e futuristëve italianë (për shembull, Boccioni) dhe kubistëve francezë.

Piktura - kubo-futurizmi ishte veçanërisht i popullarizuar në avangardën ruse, si në pikturë ashtu edhe në poezi. Në periudha të ndryshme të punës së tyre, artistët Malevich, Burliuk, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter, Bogomazov dhe të tjerë punuan në stilin e kubo-futurizmit.

Poezia e futurizmit dhe piktura e kubo-futurizmit (ky term u shpall publikisht në 1913 nga Korney Chukovsky) janë të ndërthurura ngushtë në histori. Në Rusi, "kubo-futurizmi" ishte gjithashtu një nga vetë-emrat e grupit poetik "Gilea", i cili e kundërshtoi atë me ego-futurizmin e Igor Severyanin dhe pasuesve të tij (dhe më vonë grupe të tjera futuriste, si "Mezzanine of Poezi" dhe "Centrifuga"). Poetët kubo-futuristë përfshinin Velimir Khlebnikov, Elena Guro, David dhe Nikolai Burliuk, Vasily Kamensky, Vladimir Mayakovsky, Alexei Kruchenykh, Benedikt Livshits. Shumë prej tyre vepruan edhe si artistë.

Rajizmi

Rayonizmi (Luchism) është një art abstrakt, një drejtim në pikturë në artin rus të viteve 1910, bazuar në zhvendosjen e spektrit të dritës dhe transmetimit të dritës. Ai u bazua gjithashtu në idenë e shfaqjes së hapësirave, formave nga "kryqëzimi i rrezeve të reflektuara artikuj të ndryshëm", pasi një person në të vërtetë nuk e percepton vetë objektin, por "shumën e rrezeve që vijnë nga burimi i dritës, të reflektuara nga objekti dhe të kapur në fushën tonë të vizionit". Rrezet në kanavacë transmetohen duke përdorur linja me ngjyra. Mikhail Le-Dantyu dhe artistë të tjerë të Bishtit të Gomarit punuan në Rayonizëm. Zhvillim i Veçantë rayonizmi i marrë në veprën e S. M. Romanovich, i cili i bëri idetë me ngjyra të rayonizmit bazën e "hapësirës" së shtresës shumëngjyrëshe të një tabloje figurative.

Kuptimi i pikturës, Mikhail Larionov, deklaroi jo përshkrimin e objekteve, por ilustrimin e rrezeve të ngjyrave të reflektuara prej tyre, që, sipas autorit, është më afër sesi objektet shihen me sy. Kjo do të thotë, sipas teorisë, ilustrimi i afrohet "rrafshit simbolik" të pikturës. Rajonizmi fshin kufijtë që ekzistojnë midis natyrës dhe planit të figurës.

Themeluesi i rrymës, Mikhail Larionov, besonte se rrezja duhet të përshkruhet në mënyrë konvencionale nga një vijë me ngjyrë në një aeroplan. Rayonizmi konsiderohet si një nga varietetet e hershme të pikturës abstrakte, por ka edhe aspekte të tjera, më të gjera, siç është ndarja e subjektit nga perceptimi i tij optik. Kjo është arsyeja pse artisti nuk duhet të përshkruajë objektin, por vetëm rrezet që bien mbi të. Por meqenëse sytë tanë preken nga rrezet që bien jo vetëm në një objekt të caktuar, por edhe në objekte afër, prandaj, artisti duhet "mendërisht" të kuptojë, imagjinojë dhe në përputhje me rrethanat të përshkruajë, si të thuash, pamjen rrezatuese të objektit. "Kjo është pothuajse e njëjta gjë," thotë Larionov, "që një mirazh që lind në ajrin e nxehtë të shkretëtirës, ​​duke tërhequr qytete të largëta, liqene, oaza në qiell - rajonizmi fshin kufijtë që ekzistojnë midis planit të figurës dhe natyrës. ” Në tablonë "rrezatuese", objektet e botës reale nuk kanë asnjë kuptim, përveç, siç e quan Larionov, "rajonizëm realist", ku objekti shërben si pikënisje. Rrezja përshkruhet me kusht si një vijë me ngjyrë dhe kështu, pretendon Larionov, thelbi i vetë pikturës mund të zbulohet më së miri - "një kombinim i ngjyrës, ngopja e tij, raporti i masave të ngjyrave, thellësia, cilësi në të gjithë këtë ... ".

Rayonizmi ishte një nga shembujt e parë të pikturës abstrakte. Ekspozita e Turner-it, të cilën Larionov e pa në Londër në 1906, e shtyn atë të mendojë për ngjyrën në pikturë dhe artisti fillon ta perceptojë formën si rreze drite, nga e cila e ka origjinën termi "rajonizëm". Luchism Larionov bëri bujë në kohën e tij si një nga fenomenet e shumta të bujshme që atëherë ishin në modë në art. Ishin vitet kur në Rusi, dhe veçanërisht në Moskë, sipas S. Diaghilev, "lindnin njëzet shkolla në muaj: futurizëm, kubizëm - kjo është antikiteti, parahistoria... Ekspozitat organizohen në pallate dhe në papafingo ... "

Realizmi Magjik

Realizmi magjik është një metodë artistike në të cilën elementet magjike përfshihen në një pamje realiste të botës.

AT kuptimi modern termi është më shumë përshkrues sesa i saktë. Termi "realizëm magjik" u përdor fillimisht nga kritiku gjerman Franz Roch për të përshkruar një pikturë që përshkruante një realitet të ndryshuar.

Manierizmi (Rilindja e Vonë)

Manierizmi (nga maniera italiane, mënyrë) është një stil letrar dhe artistik i Evropës Perëndimore i 16-të - e treta e parë e shekullit të 17-të. Karakterizohet nga humbja e harmonisë së Rilindjes midis fizike dhe shpirtërore, natyrës dhe njeriut. Disa studiues (sidomos kritikët letrarë) nuk janë të prirur ta konsiderojnë manierizmin si një stil të pavarur dhe ta shohin atë si një fazë të hershme të barokut. Ekziston edhe një interpretim i zgjeruar i konceptit të "manierizmit", si një shprehje e fillimit formues, "pretencioz" në art në faza të ndryshme të zhvillimit kulturor - nga antikiteti e deri në ditët e sotme.

pikturë metafizike

Piktura metafizike (italisht: Pittura metafisica) është një prirje në pikturën italiane në fillim të shekullit të 20-të.

Në pikturën metafizike, metafora dhe ëndrra bëhen baza që mendimi të shkojë përtej logjikës së zakonshme, dhe kontrasti midis një objekti të përshkruar me saktësi realisht dhe atmosferës së çuditshme në të cilën është vendosur, rriti efektin surreal.

Lëvizja metafizike lindi nga kjo qasje e re ndaj pikturës dhe në vitet 1916-1922 bashkoi artistë dhe shkrimtarë rreth revistës "Valori Plastici" (Vlerat plastike), në të cilën u botua seria. punimet teorike De Chirico dhe Savinio, kushtuar pikturës metafizike. Në veprën e tij "Anadiomene" Alberto Savinio formulon dy parime bazë të poetikës metafizike: "iluzion" dhe "ironi". Tema "manekine", e cila bëhet lajtmotivi i pikturave të De Chirico dhe Carr, u shfaq gjithashtu për herë të parë në shënimet e Savinio. Piktura metafizike mbështetej në imazhet e artit të mëparshëm dhe përfshinte elementë të ndryshëm kulturorë të së kaluarës. Savinio dhe De Chirico u ndikuan qartë nga piktura neoklasike e Arnold Böcklin; Carlo Carra, i cili u largua nga eksperimentet futuriste, u kthye në traditën e vjetër klasike - duke pikturuar trecento dhe quattrocento (kjo mund të shihet në perspektivat e tij në peizazhe). Kritiku i mirënjohur italian i artit Roberto Longhi tha dikur me zgjuarsi se "quattrocento është bërë një skenë opere për kukulla metafizike dhe mysafirë prej guri". Artistët kërkuan të gjenin një vijë metafizike midis botës së të gjallëve dhe të pajetëve, prandaj, në pikturat e tyre, i gjalli është i ngjashëm me të pajetë, dhe objektet e pajetë jetojnë jetën e tyre të fshehtë. Në përgjithësi, "sekret" - fjala e preferuar Giorgio De Chirico.

Minimalizmi

Minimal art (eng. Minimal art), gjithashtu Minimal? zm (eng. Minimalism), ABC art (eng. ABC Art) është një lëvizje arti që u ngrit në Nju Jork në vitet 1960. Në teorinë e artit, zakonisht shihet si një reagim ndaj formave të artit të ekspresionizmit abstrakt, si dhe ndaj diskursit, institucioneve dhe ideologjive që lidhen me të. Arti minimal zakonisht përfshinte forma gjeometrike të zhveshura nga çdo simbolikë dhe metaforë, përsëritje, sipërfaqe neutrale, materiale industriale dhe teknika të prodhimit.

Artistët minimalë përfshijnë Carl Andre, Dan Flavin, Saul LeWitt, Donald Judd, Robert Morris dhe Frank Stella i njohur ndonjëherë.

Modernizmi

Modernizmi (italisht modernismo - "prirje moderne"; nga latinishtja modernus - "moderne, e fundit") është një prirje në artin e shekullit të 20-të, e karakterizuar nga një shkëputje me përvojën e mëparshme historike të krijimtarisë artistike, dëshira për të krijuar jo të reja. -fillimet tradicionale në art, rinovimi i vazhdueshëm format e artit, si dhe konvencionaliteti (skematizimi, abstraksioni) i stilit. Paradigma moderniste ishte një nga ato kryesore në qytetërimin perëndimor në gjysmën e parë të shekullit të 20-të; në gjysmën e dytë të shekullit iu nënshtrua kritikave të shumta.

Në estetikën ruse, "modern" do të thotë një stil artistik që historikisht i parapriu modernizmit. fundi i XIX- fillimi i shekullit të 20-të (rusisht modern, art nouveau, art nouveau, secesion, etj.), prandaj është e nevojshme të bëhet dallimi midis këtyre dy koncepteve për të shmangur konfuzionin.

Modernizmi në artet pamore
Modernizmi - një grup tendencash artistike në artin e gjysmës së dytë të shekullit të nëntëmbëdhjetë - mesi i shekullit të njëzetë. Tendencat më të rëndësishme moderniste ishin Impresionizmi, Art Nouveau, Ekspresionizmi, Neo- dhe Post-Impresionizmi, Fauvizmi, Kubizmi, Futurizmi. Si dhe tendencat e mëvonshme - arti abstrakt, dadaizmi, surrealizmi. Në një kuptim të ngushtë, modernizmi shihet si një fazë e hershme e avangardës, fillimi i një rishikimi të traditave klasike. Data e lindjes së modernizmit shpesh quhet 1863 - viti i hapjes në Paris të "Sallonit të të Refuzuarve", ku u pranuan veprat e artistëve. Në një kuptim të gjerë, modernizmi është një "art tjetër", qëllimi kryesor i të cilit është krijimi i veprave origjinale të bazuara në lirinë e brendshme dhe një vizion të veçantë të botës nga autori dhe bartja e të rejave. mjetet e shprehjes gjuha piktoreske.

Modernizmi në letërsi
Në letërsi, modernizmi zëvendësoi romanin klasik. Në vend të një biografie, lexuesit filloi t'i ofrohen interpretime letrare të koncepteve të ndryshme filozofike, psikologjike dhe historike, u shfaq një stil, i quajtur Rrjedha e ndërgjegjes, e karakterizuar nga një depërtim i thellë në botën e brendshme të personazheve. Një vend të rëndësishëm në letërsinë e modernizmit zë tema e të kuptuarit të luftës, brezi i humbur.

Pararendësit kryesorë të modernizmit ishin: Dostojevski (1821-81) (Krim dhe Ndëshkim (1866), Vëllezërit Karamazov (1880); Whitman (1819-92) (Gjethet e barit) (1855-91); Baudelaire (1821-67). ) (Lulet e së keqes), A. Rimbaud (1854-91) (Illuminations, 1874), Strindberg (1849-1912), veçanërisht dramat e tij të mëvonshme. Filozofët që ndikuan te shkrimtarët modernistë ishin Friedrich Nietzsche, Henri Bergson, William James, etj. gjithashtu Sigmund Freud.

Modernizmi hoqi stilin e vjetër në tre dekadat e para të shekullit të 20-të dhe ripërcaktoi rrënjësisht forma letrare.

muralizëm

Në pikturën e Amerikës Latine të shekullit të 20-të, është veçanërisht e nevojshme të theksohet shkolla meksikane e neorealizmit - muralizmi, thelbi i së cilës ishte dekorimi i ndërtesave publike me cikle afreske nga historia e vendit, jeta e njerëzve. , dhe lufta e tyre. Monumentalistët rikrijuan artin e Aztecs, Maya, u kthyen në artin monumental të Rilindjes. Personazhi kryesor i këtyre afreskeve është njerëzit. Duke përgjithësuar filozofikisht dukuritë shoqërore dhe ngjarjet historike, duke depërtuar në kuptimin e tyre të thellë, artistët e kësaj shkolle hodhën themelet e artit kombëtar demokratik (D. Rivera, D. Siqueiros, X. Orozco, R. Guttuso).

Mbështetur në traditën e pikturës murale parakolumbiane dhe në lëvizjen e protestës sociale të ardhur nga revolucioni i vitit 1910, muralizmi meksikan vendosi si synim "krijimin e një arti monumental dhe heroik, human dhe popullor" (Siqueiros).

Apeli për ndërgjegjen kombëtare përmes të kaluarës parahispanike dhe heronjve të pavarësisë siguroi tema didaktike për vepra të fuqishme, shpesh baroke ose ekspresioniste, të destinuara për të dekoruar ndërtesat publike (Orozco, Rivera, Siqueiros).

Muralizëm, i lindur në vitet 1920 (afreske kolektive në Kombëtare shkollë përgatitore në Mexico City në 1922-1925) vazhdoi pas Luftës së Dytë Botërore (murale në kampusin universitar në Mexico City në 1952).

Arti i postës

Arti i postës (anglisht mail art) është një lloj arti modern i bukur që përdor pulla postare dhe materiale të tjera postare si mjete vizuale.

Koncepti i artit të postës zakonisht i referohet artit të komunikimit të artit duke përdorur postën, internetin, komunikimet celulare dhe komunikimin e drejtpërdrejtë personal. Fillimisht, për këtë qëllim u përdor posta e zakonshme, e cila shërbeu si një shtysë për zhvillimin e artit të postës së kërmillit (nga anglishtja e postës së kërmillit - "postë e kërmillit") dhe të gjithë drejtimin e përshkruar.

Duke u shfaqur si rezultat i nevojës për të komunikuar në distancë, arti i postës filloi të njihet si një drejtim më vete në art nga fundi i viteve 1950.

Art Naiv (Primitivizëm)

Primitivizmi është një stil pikture që ka origjinën në shekullin e 19-të, që përmban një thjeshtim të qëllimshëm të figurës, duke i bërë format e saj primitive, si puna e një fëmije ose vizatimet e kohërave primitive. Sipas disa [kush?] historianëve të artit, koncepti arti naiv nuk bie nën termin "primitivizëm", pasi i pari do të thotë pikturë e joprofesionistëve, e dyta - pikturë e stilizuar e profesionistëve.

Përfaqësuesit më të njohur të primitivizmit: Henri Rousseau, Niko Pirosmani.

Natyralizmi

Natyralizmi (nga lat. natura - "natyrë") është një fazë e vonë në zhvillimin e pikturës realiste franceze, e cila ndodhi në vitet 1870. Natyralistët ishin artistë të dikurshëm akademikë që kërkonin të kapnin sa më saktë realitetin modern, fotografikisht, veçanërisht jetën e përditshme të fshatarësisë dhe klasës punëtore.

Në krahasim me veprat e Courbet, përbërësit socio-kritikë dhe satirikë në veprat e natyralistëve u zbehën në plan të dytë. Para shfaqjes së termit "impresionizëm", përfaqësuesit e tij renditeshin si natyralistë (për shembull, Zola e bën këtë në esenë e vitit 1868 "Naturalistët"). Ndërsa impresionistët fituan gjithnjë e më shumë njohje, interesi për natyralizmin u shua. Detyrat e fiksimit pa pasion të realitetit, të cilat i vendosën vetë artistët e këtij drejtimi, u kryen me sukses nga fotografia.

Qasja natyraliste ndaj artit nuk duhet të ngatërrohet me natyralizmin letrar, një prirje në letërsinë e fundit të shekullit të 19-të dhe fillimit të shekullit të 20-të, e cila, përveç Zolës, përfaqësohej nga Guy de Maupassant dhe Theodore Dreiser.

Neo-Gjeo

Neo-gjeo (konceptualizmi neo-gjeometrik, anglisht Neo-Geo) është një nga tendencat në artin abstrakt të shekullit të 20-të. Stili neo-gjeo e ka origjinën në artin amerikan në fillim të viteve 80 dhe shpesh shihet si një vazhdim i traditave jo aq të abstraksionit gjeometrik klasik të gjysmës së parë të shekullit të 20-të, sa i artit pop. Neo-gjeo është një abstraksion i epokës së postmodernizmit, i cili braktisi si ambiciet utopike të Malevich-it apo Mondrian-it, ashtu edhe fillimin jashtëzakonisht personal dhe dramatik të ekspresionizmit abstrakt.

Themeluesi dhe teoricieni i neo-gjeo Peter Halley i mendon pikturat e tij jo si një model ideal të universit mbinjerëzor, por as si një spërkatje e nënndërgjegjes së tij. Në pikturat e tij, ai propozon të mos shihen as ndërtime abstrakte, por një lloj skemash dhe grafikësh të shoqërisë moderne: katrorë dhe drejtkëndësha - si të gjitha llojet e "qelizave të shoqërisë", vija - si lidhje shoqërore dhe rrjete komunikimi. Siç i ka hije një postmodernisti, në vizionin e tij për modernitetin, Peter Halley frymëzohet nga idetë e filozofit francez Jean Baudrillard, në veçanti nga koncepti i hiperrealitetit mediatik që ka zëvendësuar realitetin fizik.

Neo-dadaizmi

Neodada është një term që tregon stile, tendenca dhe vepra të ndryshme arti në të cilat hamendësohen idealet ose metodat e ringjallura të dadaizmit. Përdoret, për shembull, si sinonim për artin pop dhe mund të identifikojë veprat e Jasper Johns.

Termi u krijua nga Barbara Rose.

Neoklasicizmi

Neoklasicizmi është një term i përdorur në kritikën e artit rus për t'iu referuar fenomeneve artistike të të tretës së fundit të shekullit të 19-të dhe çerekut të parë të shekullit të 20-të, të cilat karakterizohen nga një tërheqje ndaj traditave të artit të antikitetit, artit të Rilindjes ose klasicizëm (në muzikë, gjithashtu epoka barok). Në kritikën e huaj të artit, neoklasicizmi quhet klasicizëm në arkitekturë dhe artet e bukura të gjysmës së dytë të shekullit të 18-të - e treta e parë e shekullit të 19-të, në kontrast me klasicizmin e një periudhe më të hershme.

Neo-Pop

Neo-pop (gjithashtu ndonjëherë ka përkufizime të artit neo-pop ose post-pop, anglisht Neo-pop, Post-Pop) është një drejtim që u ngrit në vitet '80 të shekullit të njëzetë si një reagim ndaj konceptualizmit dhe minimalizmit.

Neo-pop nuk është një lëvizje thelbësisht e re e artit, por më tepër një evolucion i artit pop me interesin e tij për mallrat e konsumit dhe personazhet e famshëm të botës së kulturës popullore, vetëm me ikona dhe simbole të kohës së re (Michael Jackson, Madonna, Britney Spears , Paris Hilton etj.).

Shembuj të mirë të neo-pop-it janë skulpturat e Katharina Fritsch "Rat-King" (1993) dhe Jeff Koons "Michael Jackson and Bubbles" (1988). Neo-pop-i mbështetet shumë në media si për frymëzim ashtu edhe për promovim (skulpturat nudo kontroverse të të famshmëve të Daniel Edwards janë një shembull).

Në punën e shumë artistëve neo-pop, përveç artit pop, mund të dallohet ndikimi i minimalizmit, artit konceptual dhe fotorealizmit.

neo-romantizmi

Neo-romantizmi është një prirje në art (kryesisht në letërsi) në kapërcyellin e shekujve 19-20, duke u shfaqur si një reagim ndaj tendencave realiste dhe natyraliste të gjysmës së dytë të shekullit të 19-të. Në kuptimin e përgjithshëm të fjalës, mund të përkufizohet si ringjallja e disponimit letrar të gjysmës së parë të shekullit XIX në Evropë (Romantizmi). Mund të kuptohet si një fazë e hershme ose një nga krahët e modernizmit.

Bota e letërsisë neo-romantike është plot surpriza, aventura dhe rreziqe, por më së shumti njerëzit e zakonshëm. Heroizmi i veprimeve është dëshira për ta jetuar jetën me shkëlqim, pa humbur respektin për veten ("Ishulli i thesarit" nga R. L. Stevenson, "Captain Rip-Head" nga L. Bussenard).

Neo-romantizmi doli të ishte një lëvizje letrare shumë e frytshme. Në shekullin e 20-të vazhduan të krijohen vepra neo-romantike (“Odisea e kapitenit të gjakut” nga R. Sabatini dhe “Trashëgimtari nga Kalkuta”).

Arti neofigurativ

Për të shmangur emërtimin tepër të kufizuar<абстракция>, shumë artistë të pasluftës arritën në përkufizimin e një koncepti të ri estetik, duke futur termin "art jo-figurativ" në fjalorin e artit modern. Ekspresiviteti i ri i jofigurativitetit dukej se i kundërvihej abstraksionit, i cili shërbeu për rindërtimin sistematik të natyrës, bazuar në skema (për shembull, gjeometrike
kikh) rregulla të diktuara nga arsyeja dhe sterilizuar çdo krijim për hir të spekulimeve thjesht intelektuale. Të pasuruar me lirinë ekstreme të trashëguar nga pionierët e artit abstrakt, këta artistë nuk kujdesen më për ngjashmërinë dhe
na jep një ndjenjë të drejtpërdrejtë dhe të re të natyrës. Arti jofigurativ shënon kalimin nga natyra pasive "e dhënë" e artit figurativ (ose imitues) në "natyrën në veprim", kur shikuesi, ashtu si artisti-krijues, zbulon në bashkimin e elementeve parësore (tokës, ajrit. , uji, zjarri) jeta e fshehtë e sendeve dhe e gjallesave.krijesat.

Së bashku me refuzimin e imitimit iluziv të gjërave, shkatërrohet edhe imazhi figurativ, dhe
jofigurative - rikthen natyrën, nga e cila njeriu nuk përjashtohet kurrë. Në fakt, arti jo-figurativ nuk është vetëm një reagim ndaj abstraktit të ftohtë
Kjo është edhe dëshmi e një marrëdhënieje të re me botën e jashtme dhe, sipas fjalëve të Manessier, “shansi i modernitetit, me ndihmën e të cilit artisti mund të kthehet në realitetin e tij dhe të rivendosë besimin në atë që është themelore tek ai. "

Neo-ekspresionizmi

Neo-ekspresionizmi është një prirje në pikturën bashkëkohore që u shfaq në fund të viteve 1970 dhe dominoi tregun e artit deri në mesin e viteve 1980. Neo-ekspresionizmi u shfaq në Evropë si një reagim ndaj artit konceptual dhe minimalist të viteve 1970. Neo-ekspresionistët iu kthyen imazhit, figurativitetit, mënyrës së gjallë dhe emocionale, ngjyrave të ndritshme të ngopura.

Materialiteti i Ri (Neue Sachlichkeit)

Materialiteti i ri, gjithashtu objektiviteti i ri, materialiteti i ri (gjermanisht: Neue Sachlichkeit) është një lëvizje artistike në Gjermani në vitet 1920 që përqafoi pikturën, letërsinë, arkitekturën, fotografinë, kinemanë dhe muzikën.

Kundër romantizmit dhe ekspresionizmit të vonë. I rraskapitur nga viti 1933, me ardhjen e nazizmit në pushtet dhe krijimin e një të vetme Politika publike në fushën e artit. Emri materialitet i ri u krijua në vitin 1923 nga Gustav Hartlaub, drejtor i Muzeut të Artit në Manheim, në një përpjekje për të përcaktuar realizmin e ri në pikturë.

Realizmi i Ri

Realizmi i ri (fr. Nouveau Re "alisme) është një lëvizje që bashkon artistë të cilët së bashku me kritikun dhe teoricienin Pierre Restany, nënshkruan një manifest më 27 tetor 1960 në Paris.

Anëtarët i vendosin vetes synimin për të integruar realitetin Jeta e përditshme në art, duke përdorur metoda dhe materiale të reja. Duke vepruar kështu, ata dhanë një kontribut të rëndësishëm në zhvillimin e artit të objektit dhe formave të hershme të aksionizmit.

Op Art

Arti optik (op art - një version i shkurtuar i artit optik anglez - arti optik) është një lëvizje artistike e gjysmës së dytë të shekullit të 20-të që përdor iluzione të ndryshme optike bazuar në perceptimin e figurave të sheshta dhe hapësinore.

Rryma vazhdon linjën racionaliste të teknikizmit (një lloj modernizmi). Ajo kthehet në të ashtuquajturin abstraksionizëm "gjeometrik", përfaqësuesi i të cilit ishte Victor Vasarely (nga 1930 deri në 1997 ai punoi në Francë), themeluesi i op artit. Drejtimi i op artit (artit optik) e ka origjinën në vitet '50 brenda abstraksionizmit, më saktë, shumëllojshmërisë së tij - abstraksionit gjeometrik. Shpërndarja e tij si rrymë daton në vitet '60. Shekulli 20

Orfizëm (Simultanizëm)

Në thellësi të kubizmit në vitet 1912-1913 u formua një lëvizje opozitare, e cila falë poetit Guillaume Apollinaire mori emrin "Orfizëm". Krijuesit e saj - artistët Robber Delaunay dhe gruaja e tij Sonia Turk-Delaunay ishin magjepsur nga puna me ritëm abstrakt ngjyrash.

Një nga veprat e para të Orfizmit ishin kompozime që ngjanin me disqe me ngjyra, kalimet e ngjyrave të ndezura të këtyre rrathëve koncentrikë i dhanë të gjithë përbërjes një energji të jashtëzakonshme. Për artistët, këto rrathë koncentrikë pulsues ishin simbole të energjisë kozmike. Simultanizmi është një teknikë që është përdorur edhe nga artistët orfistë. Nga rruga, admirimi për arritjet e teknologjisë i afroi ata me futuristët.

Art Pop

Pop-art (anglisht pop-art, shkurtim i artit popullor) është një prirje në artet pamore të viteve 1950 dhe 1960 që u ngrit si një reagim ndaj ekspresionizmit abstrakt, duke përdorur imazhe të produkteve të konsumit.

Imazhi i huazuar në kulturën popullore vendoset në një kontekst tjetër:

Ndryshimi i shkallës dhe materialit;
- ekspozohet një teknikë ose metodë teknike;
- zbulohet interferenca në informacion, etj.

Abstraksioni pas piktorit

Abstraksioni pas pikturës, abstraksioni kromatik është një prirje në pikturë që filloi në Amerikë në vitet 1950. Termi u krijua nga kritiku Clement Greenberg për t'iu referuar lëvizjes së paraqitur në ekspozitën e vitit 1964 që ai kuroi në Muzeun e Artit të Kontesë së Los Anxhelosit (më vonë në Qendrën e Artit Walker dhe Galerinë e Arteve të Ontarios në Toronto).

Abstraksioni post-pikturor bazohet në ekspresionizmin abstrakt, fauvizmin dhe post-impresionizmin. Karakteristikat kryesore: skajet e qarta, goditje e lirë, harmonia (ose kontrasti) i formave të thjeshta, monumentaliteti, magazina soditëse-melankolike e pikturës, asketizmi. Abstraksioni pas pikturës është gjithashtu një pasardhës i Abstraksionit Gjeometrik, duke e rrumbullakosur dhe zbutur atë.

postimpresionizmi

Fr. postimpressionisme) është një drejtim në artet pamore. Filloi në vitet 80 të shekullit të 19-të. Artistët e kësaj tendence nuk iu përmbajtën vetëm përshtypjeve vizuale, por u përpoqën të përcjellin lirshëm dhe në përgjithësi materialitetin e botës, iu drejtuan stilizimit dekorativ. Përfaqësuesit e shquar të post-impresionizmit në pikturë përfshijnë Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec, Gaston La Touche, Rene Schutzenberger.

Fillimi i post-impresionizmit bie në krizën e impresionizmit në fund të shekullit të 19-të. Më pas u zhvillua ekspozita e fundit e impresionistëve dhe u botua “Manifesti i simbolizmit” (1886) i poetit francez Jean Moréas. Post-impresionistët, shumë prej të cilëve më parë ishin të lidhur me impresionizmin, filluan të kërkonin metoda për të shprehur jo vetëm momentin dhe kalimtarin - çdo moment, ata filluan të kuptonin gjendjet afatgjata të botës përreth tyre.

Postimpresionizmi karakterizohet nga sisteme dhe teknika të ndryshme krijuese që ndikuan në zhvillimin e mëvonshëm të arteve figurative. Puna e Van Gogh parashikoi ardhjen e ekspresionizmit, Gauguin hapi rrugën për simbolizmin dhe Art Nouveau.

Precisionizëm

Precisionizëm, ose precisionizëm (eng. Precision - saktësi, qartësi) - një drejtim karakteristik i pikturës amerikane të viteve '30, një lloj realizmi magjik.

Komploti kryesor për precisionistët është imazhi i qytetit, vizualizimi i tij plastik në forma të qarta gjeometrike. Prandaj, personazhet kryesore të pikturave: ura (Joseph Stella "Ura e Brooklyn"), rrokaqiejt (Georgia O'Keeffe "Night"), fabrika, ashensorë (Charles Demuth "Egjipti im") dhe arritje të tjera industriale të qytetërimit.

Gjuha e formave të presidxhinistëve është e verifikuar gjeometrikisht, mekanike deri në kufi. Hapësira e pikturave është sterile, duket se ajri pompohet prej tyre ("Freeway" e Crawford), nuk ka asnjë person në të. Në të njëjtën kohë, një zbrazëti e tillë thekson natyrën e përjetshme të imazhit. Tema kryesore - estetika mekanike - i bën precisionistët të lidhen me futuristët italianë.

Pas ekspozitës së arritjeve teknike "Epoka e Re" (1926), presidencat marrin statusin e një lëvizjeje të rekomanduar zyrtarisht nga shteti.

Proto-Rilindja

Proto-Rilindja (nga greqishtja e tjera ?????? - "e para" dhe Rilindja franceze - "Rilindja") - një fazë në historinë e kulturës italiane që i parapriu Rilindjes, duke rënë në ducento (1200) dhe trecento (1300- e). Konsiderohet si një periudhë kalimtare nga Mesjeta në Rilindje. Termi u prezantua për herë të parë nga historiani zviceran J. Burckhardt.

AT Kultura italiane shekujt 13-14 në sfondin e traditave ende të forta bizantine dhe gotike, filluan të shfaqen tipare të një arti të ri - arti i ardhshëm i Rilindjes. Prandaj, kjo periudhë e historisë së saj u quajt Proto-Rilindja. Nuk kishte asnjë periudhë të ngjashme tranzitore në asnjë prej tyre vendet evropiane. Në vetë Italinë, arti proto-rilindjes ekzistonte vetëm në Toskanë dhe Romë. Në kulturën italiane ndërthureshin tiparet e së vjetrës dhe të resë. "Poeti i fundit i Mesjetës" dhe poeti i parë i epokës së re, Dante Alighieri (1265-1321) krijoi italianin. gjuha letrare. Ajo që filloi Dante u vazhdua nga fiorentinët e tjerë të mëdhenj të shekullit XIV - Francesco Petrarca (1304-1374), themeluesi i Evropës. poezi lirike, dhe Giovanni Boccaccio (1313-1375), themeluesi i zhanrit të tregimit të shkurtër në letërsinë botërore. Krenaria e epokës janë arkitektët dhe skulptorët Niccolo dhe Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio dhe piktori Giotto di Bondone.

Rilindja e hershme

Rilindja, ose Rilindja?ns (Rilindja franceze, italisht Rinascimento; nga "ri" - "përsëri" ose "rilindur") - një epokë në historinë e kulturës evropiane, e cila zëvendësoi kulturën e mesjetës dhe i parapriu kulturës moderne. herë. Kuadri i përafërt kronologjik i epokës është fillimi i XIV - çereku i fundit i shekujve XVI, dhe në disa raste - dekadat e para të shekullit XVII (për shembull, në Angli dhe, veçanërisht, në Spanjë). Një tipar dallues i Rilindjes është natyra laike e kulturës dhe antropocentrizmi i saj (d.m.th., interesi, para së gjithash, për një person dhe veprimtaritë e tij). Ka një interes për kulturën e lashtë, ka një lloj "ringjalljeje" të saj, dhe kështu u shfaq termi.

Termi Rilindje gjendet tashmë tek humanistët italianë, për shembull, te Giorgio Vasari. Në kuptimin e tij modern, termi u krijua nga historiani francez i shekullit të 19-të Jules Michelet. Në ditët e sotme, termi Rilindje është bërë një metaforë për lulëzimin kulturor: për shembull, Rilindja Karolinge ose Rilindja e shekullit të 12-të.

Realizmi

Pozicioni estetik, sipas të cilit detyra e artit është të kap realitetin sa më saktë dhe objektivisht. Në fushë veprimtari artistike kuptimi i realizmit është shumë kompleks dhe kontradiktor. Kufijtë e saj janë të ndryshueshëm dhe të pacaktuar; stilistikisht është i shumëanshëm dhe i shumëanshëm.

Aspekte të ndryshme të realizmit në pikturë janë iluzionizmi barok i Caravaggio, Vermeer dhe Velasquez, impresionizmi i Manet dhe Degas, veprat Nyunen të Van Gogh, precisionizmi i Edward Hopper.

Realizmi në një kuptim të ngushtë kuptohet si pozitivizëm si një prirje në artet figurative të gjysmës së dytë të shekullit të 19-të. Termi "realizëm" u përdor për herë të parë nga kritiku letrar francez J. Chanfleury në vitet '50. Shekulli XIX për të përcaktuar artin që kundërshton romantizmin dhe akademizmin.

Rajonalizmi

Rajonalizëm, rajonalizëm (eng. Regionalism nga rajonal - lokal) - një prirje në pikturën amerikane të viteve 1930.

Lëvizja u kthye në përshkrimin e imazheve dhe episodeve nga jeta e Midwest-it Amerikan. Termi përdoret shpesh në të njëjtin kuptim si piktura e zhanrit amerikan, por rajonalizmi është një degëzim amerikano-perëndimor i kësaj lëvizjeje më të përgjithshme.

Rajonalistët kërkuan të krijonin art autentik amerikan dhe iu drejtuan temave lokale. Rajonalistët nxiteshin nga ndjenja nostalgjike për "Amerikën e vërtetë", dëshira për të kapur jetën e fshatit amerikan dhe qyteteve të vogla, gjë që u bë arsyeja e popullaritetit të tyre të madh. Periudha e prosperitetit më të madh të lëvizjes shoqërohet me Depresionin e Madh, kur në sfondin e pasigurisë së thellë kombëtare, artistët ringjallën vetëbesimin e Amerikës, duke zhvilluar idenë e përjashtimit kombëtar dhe origjinalitetit të zhvillimit.

Rokoko

Rokoko (frëngjisht rokoko, nga frëngjisht rocaille - gur i grimcuar, guaskë dekorative, guaskë, rocaille, më rrallë rokoko) - një stil në art (kryesisht në dizajnin e brendshëm), i cili u ngrit në Francë në gjysmën e parë të shekullit të 18-të (gjatë regjenca e Philip Orleans) si një zhvillim i stilit barok. tipare karakteristike Rokoko janë rafinimi, ngarkesa e madhe dekorative e ambienteve dhe kompozimeve, ritmi i këndshëm dekorativ, vëmendje e madhe ndaj mitologjisë, rehati personale. zhvillimin më të lartë në stilin e arkitekturës marrë në Bavari.

Termi "rokoko" (ose "rocaille") hyri në përdorim në mesin e shekullit të 19-të. Fillimisht, "rocaille" është një mënyrë për të dekoruar ambientet e brendshme të shpellave, tasave të shatërvanëve etj. me fosile të ndryshme që imitojnë formacione natyrore (natyrore), dhe një "rocaille" është një mjeshtër që krijon dekorime të tilla. Ajo që ne sot e quajmë "rokoko" dikur quhej "shije piktoreske", por në vitet 1750. Kritika për gjithçka "të shtrembëruar" dhe "torturuar" u bë më aktive dhe emërtimi i "shijes së prishur" filloi të shfaqej në letërsi. Enciklopedistët ishin veçanërisht të suksesshëm në kritikë, sipas të cilëve nuk kishte fillim të arsyeshëm në "shijen e prishur".

Elementet kryesore të stilit: rocaille - një kaçurrela dhe kartel - një term tashmë i harruar që përdoret për të emërtuar kartuazhet rocaille. Një nga rastet më të hershme të përdorimit të këtyre termave është "Libri i tretë i Rocaille dhe Formave të Kartelit" i Mondon-son i vitit 1736 (shih ilustrimet më poshtë). I gjejmë gjithashtu në një letër (7 prill 1770) nga mjeshtri Roetier (i cili bëri një shërbim argjendi për Katerinën II në fund të viteve 1760, i njohur më vonë si Shërbimi Oryol, sendet e mbijetuara mbahen në Muzeun Shtetëror të Hermitazhit). Kjo letër pasqyronte edhe ndryshimin e shijeve që ndodhi në kapërcyellin e viteve 1760-70: “... që nga E.I.V. uron që të gjitha llojet e figurave dhe karteleve të braktisen, ne do të bëjmë çdo përpjekje për t'i zëvendësuar ato me bizhuteri antike dhe duke ndjekur shijen më të mirë, sipas dëshirës ... ”(cituar nga një dokument nga RGIA).

Romantizmi

Romantizmi (fr. romantisme) është një fenomen i kulturës evropiane në shekujt XVIII-XIX, që është një reagim ndaj iluminizmit dhe përparimit shkencor e teknologjik të nxitur prej tij; drejtim ideologjik dhe artistik në kulturën evropiane dhe amerikane të fundit të shekullit të 18-të - gjysma e parë e shekullit të 19-të. Karakterizohet nga pohimi i vlerës së brendshme të jetës shpirtërore dhe krijuese të individit, imazhi i pasioneve dhe karaktereve të forta (shpesh rebele), natyrës së shpirtëruar dhe shëruese. Ai u përhap në sfera të ndryshme të veprimtarisë njerëzore. Në shekullin e 18-të, gjithçka që ishte e çuditshme, fantastike, piktoreske dhe ekzistuese në libra, dhe jo në realitet, quhej romantike. Në fillim të shekullit të 19-të, romantizmi u bë përcaktimi i një drejtimi të ri, i kundërt me klasicizmit dhe iluminizmit.

Rilindja Veriore

Rilindja Veriore është një term që përdoret për të përshkruar Rilindjen në Evropën Veriore, ose më përgjithësisht të gjithë Evropën jashtë Italisë, në veri të Alpeve. Rilindja e Veriut është e lidhur ngushtë me Rilindjen Italiane, por ka një sërë dallimesh karakteristike.

Si e tillë, Rilindja Veriore nuk ishte homogjene: në çdo vend ajo kishte disa veçori specifike. Kështu, studimet kulturore ndajnë Rilindjen gjermane, holandeze, franceze, spanjolle, angleze, polake etj.

Zgjimi shpirtëror i Evropës, i cili filloi në fund të shekullit të 12-të, ishte rezultat i rritjes së kulturës urbane mesjetare dhe u shpreh në forma të reja të veprimtarisë - intelektuale dhe kulturore. Në veçanti, lulëzimi i shkencës skolastike, zgjimi i interesit për antikitetin, manifestimi i vetëdijes së individit në sferën fetare dhe laike, në art - stili gotik.

shkëputje

Secession i Vjenës (gjermanisht: Wiener Secession/Sezession) është një shoqatë e artistëve vjenezë në epokën Fin de sie`cle (Art Nouveau). Falë tij, versioni vjenez i Jugendstil quhet edhe Secesioni i Vjenës.

Simbolizmi

Simbolizmi (fr. Symbolisme) është një nga tendencat më të mëdha në art (në letërsi, muzikë dhe pikturë), i cili u ngrit në Francë në vitet 1870 dhe 80. dhe arriti zhvillimin e saj më të madh në kapërcyellin e shekujve 19 dhe 20, kryesisht në vetë Francën, Belgjikën dhe Rusinë. Simbolistët ndryshuan rrënjësisht jo vetëm lloje të ndryshme të artit, por edhe vetë qëndrimin ndaj tij. Natyra e tyre eksperimentale, dëshira për inovacion, kozmopolitanizmi dhe diapazoni i gjerë i ndikimeve janë bërë model për shumicën. trendet moderne art. Simbolistët përdorën simbolikë, nënvlerësim, sugjerime, mister, mister. Gjendja kryesore e kapur nga simbolistët ishte pesimizmi, duke arritur deri në dëshpërim. Çdo gjë “natyrore” paraqitej vetëm si “dukje”, e cila nuk kishte asnjë vlerë të pavarur artistike.

Poezia simbolike është armike e porosive, retorikës, ndjeshmërisë së rreme dhe përshkrimeve objektive; kërkon të veshë Idenë në një formë sensualisht të kuptueshme.

Realizmi Socialist (Social Realizmi)

Realizmi socialist (realizmi socialist) është metoda kryesore [burimi?] ideologjike e krijimtarisë artistike e përdorur në art. Bashkimi Sovjetik që nga vitet 1920 [burimi?], dhe më pas në vendet e tjera socialiste, u fut në krijimtarinë artistike me anë të politikës shtetërore, përfshirë censurën, dhe duke iu përgjigjur zgjidhjes së detyrave të ndërtimit të socializmit. Ai u miratua zyrtarisht në vitin 1932 nga organet e partisë në letërsi dhe art. Paralelisht, ekzistonte arti jozyrtar.

Veprat e realizmit socialist karakterizohen nga përshkrimi i ngjarjeve të epokës, "duke ndryshuar dinamikisht në zhvillimin e tyre revolucionar". Përmbajtja ideologjike e metodës u përcaktua nga marksizëm-leninizmi. Metoda mbulonte të gjitha fushat e veprimtarisë artistike (letërsi, drama, kinema, pikturë, skulpturë, muzikë dhe arkitekturë).

Zbatimi i tij konfirmoi parimet e mëposhtme:
- përshkrimi artistik i realitetit "me saktësi, në përputhje me zhvillimin specifik historik revolucionar";
- bashkërendimi i krijimtarisë artistike me idetë e marksizëm-leninizmit, përfshirja aktive e punëtorëve në ndërtimin e socializmit, pohimi i rolit drejtues të Partisë Komuniste.

Hapësinorizmi

Spatializmi (italisht Movimento spaziale, nga italishtja spazio - hapësirë) është një drejtim në art që e konsideron pikturën dhe skulpturën si një formë arti që ndërthur ngjyrën, tingullin, hapësirën, lëvizjen dhe kohën. Hapësinorizmi ndërthur elemente të konkretizmit, dadaizmit dhe taçizmit. Themeluesi i spacializmit është artisti dhe skulptori italian Lucio Fontana, i cili mbrojti parimet e sintezës së artit bazuar në arritjet moderne shkencore dhe teknologjike në "Manifestin e Bardhë" (Spanjisht: Manifiesto blanco, 1946) dhe shtroi bazë teorike një prirje e re në veprën "Manifesti teknik i Spatializmit" (italisht: Manifesto tecnico dello Spazialismo).

Shumica vepra të shquara në stilin e spacializmit - një seri pikturash nga Fontana "Konceptimet hapësinore", të cilat përdorën teknikën e aplikimit të prerjeve, grisjeve, vrimave dhe gërvishtjeve në kanavacë, e cila, sipas qëllimit të autorit, siguronte akses në hapësirën përreth dhe kapte energjia e lëvizjes së artistit.

Suprematizmi

Suprematizmi (nga latinishtja supremus - më i larti) është një prirje në artin avangardë, e themeluar në gjysmën e parë të viteve 1910. K. S. Malevich. Duke qenë një lloj arti abstrakt, suprematizmi u shpreh në kombinime të rrafsheve shumëngjyrëshe të skicave më të thjeshta gjeometrike (në format gjeometrike të një vije të drejtë, katrore, rrethi dhe drejtkëndëshi). Kombinimi i figurave gjeometrike shumëngjyrëshe dhe me përmasa të ndryshme formon kompozime të balancuara asimetrike suprematiste të përshkuara me lëvizje të brendshme.

Në fazën fillestare, ky term, duke u ngjitur nga rrënja latine suprem, nënkuptonte dominimin, epërsinë e ngjyrës mbi të gjitha vetitë e tjera të pikturës. Në kanavacat jo objektive, boja, sipas K. S. Malevich, u çlirua për herë të parë nga një rol ndihmës, nga shërbimi për qëllime të tjera - pikturat suprematiste u bënë hapi i parë i "krijimtarisë së pastër", domethënë një akt që barazoi krijuesin. fuqia e njeriut dhe e natyrës (Zoti).

Suprematizmi është bërë një nga fenomenet qendrore të avangardës ruse. Duke filluar nga viti 1915, u ekspozuan veprat e para abstrakte të Malevich, duke përfshirë Sheshin e Zi, dhe shumë artistë u ndikuan nga suprematizmi.

Surrealizmi

Surrealizmi (frëngjisht surre "alisme - super-realizëm) është një prirje në art që u formua në fillim të viteve 1920 në Francë. Dallohet nga përdorimi i aludimeve dhe kombinimeve paradoksale të formave.

Shkrimtari dhe poeti Andre Breton konsiderohet themeluesi dhe ideologu i surrealizmit. Në vitin 1917 Guillaume Apollinaire emëroi një nga dramat e tij nën titullin "dramë surrealiste".

Koncepti kryesor i surrealizmit, surrealiteti është kombinimi i ëndrrës dhe realitetit. Për ta bërë këtë, surrealistët ofruan një kombinim absurd, kontradiktor të imazheve natyraliste përmes kolazhit dhe teknologjisë së gatshme. Surrealistët u frymëzuan nga ideologjia e majtë radikale, por ata propozuan të fillonin revolucionin nga vetëdija e tyre. Arti u konceptua prej tyre si instrumenti kryesor i çlirimit.

Tachisme

Tachisme (frëngjisht Tachisme, nga Tache - spot) është një prirje në abstraksionizmin evropianoperëndimor të viteve 1950 dhe 60, i cili ishte më i përhapur në Shtetet e Bashkuara. Është një pikturë me pika që nuk rikrijojnë imazhe të realitetit, por shprehin veprimtarinë e pavetëdijshme të artistit. Goditjet, linjat dhe pikat në tachisme aplikohen në kanavacë me lëvizje të shpejta të duarve pa një plan të paramenduar. Afër Tachismo janë grupi europian “COBRA” dhe grupi japonez “Gutai”. Një nga sinonimet e plota të Tachisme për nga metoda krijuese dhe ideologjia është ekspresionizmi abstrakt, megjithatë koha e shfaqjes, gjeografia e shpërndarjes dhe përbërja personale e këtyre lëvizjeve nuk përkojnë plotësisht.

Tonalizmi

Tonalizmi - një prirje në artin amerikan të fundit të shekullit të 19-të, me origjinë nga traditat kryesore të shkollës Barbizon, u shfaq kur artistët filluan të përshkruanin peizazhe me një ton të përgjithshëm të atmosferës me ngjyra ose mjegullës.

Emri lidhet me të tipar kryesor: në foto mbizotëron një ton, është ai që dominon në të gjithë kompozimin dhe krijon një atmosferë dhe humor të veçantë. Kryesisht ishte pikturë peizazhi. Origjina e kësaj lëvizjeje mund të gjurmohet në pikturën e peizazhit të shkollës Barbizon, me ndërthurjen e realizmit dhe një tendencë drejt gjallërisë impresioniste. Përfaqësuesit kryesorë të Tonalizmit janë piktori i madh anglo-amerikan James Abbott Whistler dhe artisti shumë interesant amerikan George Innes. Gradualisht, tonalizmi u zëvendësua nga impresionizmi dhe rreth vitit 1915 ai doli në asgjë.

transvangardë

Një trend në artin evropian. Termi u prezantua në vitin 1979 nga kritiku italian Achille Bonito Oliva dhe fjalë për fjalë do të thoshte "pas avangardës". Koncepti i transavangardës ishte i pari që përcaktoi punën e artistëve italianë që punonin në një mënyrë neo-ekspresioniste. Por ideja shpejt fitoi njohje në mbarë botën. Në veprën “International Transavant-garda”, shkruar në fillim të viteve 1980. në bashkëpunim me kritikët evropianë dhe amerikanë të artit, A. Bonito Oliva bashkoi neo-ekspresionizmin gjerman, imazhet e reja argjentinase, figurativitetin e lirë francez nën këtë emër. A. Bonito Oliva thotë se transavangarda është “një atmosferë kulturore në të cilën ekziston arti i brezit të fundit artistik”; "Transavangarda është e vetmja avangardë e mundshme sot." Kredo estetike e transavangardës qëndron në vendosjen e një piktoreske të re, ekspresiviteti, figurativiteti, fizikiteti, një parim personal fort i theksuar. Kombinim falas i çdo stilet artistike e kaluara dhe liria e asociacioneve historike dhe kulturore nuk e pengojnë në estetikën e tij dëshirën për autenticitet. Ndryshe nga postmodernistët, transavangardistët modernë paraqesin një detyrë serioze të të kuptuarit të qenies.

Transavangarda është kronologjikisht post-avangardë, por është një "post" i tillë që: - ekziston në një situatë pluralizmi artistik të pathyeshëm (dhe pluralizmi i mjeteve shprehëse, mjeteve të jetesës); - prandaj, në mënyrë mjaft organike apelon për një shumëllojshmëri traditash dhe frymëzohet nga projekte të ndryshme, duke përfshirë aspak tradita avangarde të një madhësie të madhe (realizëm, romantizëm, etj.); - në parim nuk refuzon asnjë mjet të avangardës tradicionale (përfshirë, për shembull, surrealizmin, dada, etj.); - zmbrapset kryesisht nga paradigma e konceptualizmit që i parapriu menjëherë, në të cilën arti humbi kontaktin me jeta njerëzore dhe reduktohet në një lojë imagjinatash mendore.

Fotorealizëm (Hiperrealizëm)

Hiperrealizmi është një term që përdoret për t'iu referuar: a) tendencave në artin bashkëkohor (pikturë dhe skulpturë) të viteve 1990-2000, b) veprës së fotorealistëve evropianë të viteve 1970.

Fjala "hiperrealizëm" u krijua nga Isy Brachot në 1973 si një sinonim francez i "fotorealizmit". "Hiperrealizmi" u bë titulli i një katalogu dhe ekspozite të madhe në Bruksel në të njëjtin 1973. Ekspozita kryesisht prezantoi vepra të fotorealistëve amerikanë, por përfshinte edhe vepra të një numri artistësh të rëndësishëm evropianë si Gnoli, Gerhard Richter, Klapheck dhe Delcol. Pothuajse tridhjetë vjet më vonë, termi filloi të përdoret për të përcaktuar punën e një grupi të ri artistësh.

Hiperrealizmi modern bazohet në parimet estetike të fotorealizmit, por ndryshe nga ky i fundit, ai nuk kërkon të kopjojë fjalë për fjalë realitetin e përditshëm. Objektet dhe skenat në pikturën hiper-realiste janë të detajuara për të dhënë iluzionin e realitetit, por nuk është surreal, pasi përshkrimi fare mirë mund të kishte ndodhur.

Futurizmi

Futurizmi (lat. futurum - e ardhmja) është emri i zakonshëm për lëvizjet artistike avangarde të viteve 1910 - fillim të viteve 1920, kryesisht në Itali dhe Rusi. Futuristët ishin të interesuar jo aq për përmbajtjen sa për formën e vargjeve. Ata dolën me fjalë të reja, përdorën fjalor vulgar, zhargon profesional, gjuhën e dokumentit, poster dhe postera.

Ekspresionizmi

Ekspresionizmi (nga latinishtja expressio, "shprehje") është një prirje në artin evropian të epokës moderniste, e cila u zhvillua më shumë në dekadat e para të shekullit të 20-të, kryesisht në Gjermani dhe Austri. Ekspresionizmi kërkon jo aq shumë të riprodhojë realitetin sesa të shprehë gjendje emocionale autor. Ai përfaqësohet në një sërë formash arti, duke përfshirë pikturën, letërsinë, teatrin, arkitekturën, muzikën dhe kërcimin. Kjo është lëvizja e parë artistike që u shfaq plotësisht në kinema.

Ekspresionizmi u ngrit si një reagim i mprehtë, i dhimbshëm ndaj deformimeve të qytetërimit kapitalist, i Parë lufte boterore dhe lëvizjet revolucionare. Brezi i traumatizuar nga masakra e Luftës Botërore (që vrau mjeshtër të mëdhenj si August Macke dhe Franz Marc) e perceptoi realitetin në një mënyrë jashtëzakonisht subjektive, përmes prizmit të emocioneve të tilla si zhgënjimi, ankthi, frika. Ata kundërshtuan estetikën dhe natyralizmin e brezit të vjetër me idenë e një ndikimi të drejtpërdrejtë emocional në publik. Për ekspresionistët mbi të gjitha subjektiviteti i aktit krijues. Parimi i shprehjes mbizotëron mbi imazhin. Motivet e dhimbjes dhe të bërtiturit janë shumë të zakonshme.

Esteticizmi

Esteticizmi, ose lëvizja estetike, është një lëvizje evropiane në letërsi, arte të bukura dhe dekorative dhe dizajn të brendshëm në shekullin e 19-të që theksoi mbizotërimin e vlerave estetike mbi çështjet etike dhe sociale. Në thelb, estetizmi shpreh prirjet e dekadencës evropiane, ndaj shihet si një degëzim i këtij fenomeni në Angli. Rrënjët e estetizmit kthehen në romantizëm, por ai vetë ishte një reagim ndaj epokës viktoriane, duke parashikuar kështu modernizmin. U përhap gjerësisht në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të, afërsisht në vitet 1868-1901, dhe përgjithësisht pranohet se zhdukja e saj lidhet me gjyqin e Oscar Wilde (1895).

Arti Akademik

Akademizmi (fr. academisme) është një prirje në pikturën evropiane të shekujve 17-19. Akademizmi u rrit duke ndjekur format e jashtme të artit klasik. Ndjekësit e karakterizuan këtë stil si një reflektim mbi formën e artit të antikitetit të lashtë dhe të Rilindjes.

Akademizmi ndihmoi paraqitjen e objekteve në edukimin e artit, mishëroi traditat e artit antik, në të cilin imazhi i natyrës idealizohej, duke kompensuar normën e bukurisë.

Arte Povera

Arte Povera (italisht: Arte Povera - art i varfër) është një term i krijuar në vitin 1967 nga historiani dhe kuratori i artit Germano Celant për të përcaktuar lëvizjen e artit që bashkoi artistë nga Roma, Torino, Milano dhe Genova në gjysmën e dytë të viteve 1960 - 1970. Artistët e Arte Povera vizualizuan një dialog midis natyrës dhe industrisë duke përdorur materiale industriale ose joartistike, donin të çlironin krijimtarinë nga kufizimet e formave tradicionale të artit dhe hapësirës artistike dhe luanin me dimensionin politik të materialeve industriale. Lëvizja u bë një fenomen i spikatur në skenën ndërkombëtare të artit, në kundërshtim dhe dialog me minimalizmin në Amerikë, i cili përdorte edhe materiale industriale. Nga këndvështrimi i artistëve të arte povera, minimalizmi merrej me aspekte të formës dhe nuk trajtonte çështjet poetike, politike dhe historike që ishin të rëndësishme për arte povera. Arte Povera nuk ishte një shoqatë artistësh me manifestin e vet. Ishte mbi të gjitha një lëvizje e cila me ndihmën e një kuratori dhe një kritiku u njoh dhe u klasifikua në tërësinë e saj. Disa nga artistët e arte povera, që i përkisnin brezave të ndryshëm, ishin tashmë mjaft të njohur në rrethet artistike në Itali.

Arti konkret (konkretizëm)

Arti konkret (gjermanisht Konkrete Kunst, anglisht Concrete art, French Art concret) është një nga tendencat qendrore në artin avantgardë evropiane që u shfaq në gjysmën e parë të shekullit të 20-të dhe gjeti shprehjen e tij në pikturë, skulpturë, fotografi dhe poezi. .

Koncepti i artit konkret u shpall nga artisti holandez Theo van Doesburg në vitin 1924, dhe në vitin 1930 u fut në program në të njëjtin vit të grupit të artit të formuar Art konkret. Ishte parashikuar që në rastin ideal, arti thjesht konkret të bazohej vetëm në parametra matematikorë dhe gjeometrikë. Ai nuk është abstrakt në kuptimin e vërtetë të fjalës, pasi nuk abstrakton realitetin material, por materializon parimet ideale shpirtërore. Arti konkret nuk ka ndonjë kuptim simbolik të tijin, ai më tepër gjeneron ndërtime thjesht gjeometrike, spekulative për mjeshtrin.

Kitsch, kitsch (gjermanisht Kitsch - hack, shije e keqe, "i lirë") është një nga fenomenet e kulturës masive, sinonim i pseudo-artit, në të cilin vëmendja kryesore i kushtohet ekstravagancës së pamjes së jashtme, zhurmës së elementet e saj. Ka marrë shpërndarje të veçantë në forma të ndryshme të dekorimit të standardizuar të shtëpisë. Si element i kulturës masive, është pika e largimit maksimal nga vlerat elementare estetike dhe, në të njëjtën kohë, një nga manifestimet më agresive të tendencave të primitivizimit dhe vulgarizimit në artin popullor.

Meqenëse fjala hyri në përdorim si përgjigje ndaj një pjese të madhe të veprave të artit të shekullit të 19-të që ngatërronin cilësitë estetike me sentimentalitetin e ekzagjeruar ose melodramën, kitsch lidhet më së shumti me artin që është sentimental, turpërues ose lotues, por fjala mund të përdoret për një objekt arti çdo lloj, me defekt për arsye të ngjashme. Pavarësisht nëse është sentimental, spektakolar, pompoz apo kreativ, kitsch-i është quajtur një mashtrim që imiton anën e jashtme të artit. Thuhet shpesh se kitsch-i mbështetet vetëm në përsëritjen e konventave dhe modeleve dhe është i lirë nga kreativiteti dhe autenticiteti i shfaqur nga arti i vërtetë.

letrizëm

Lettrism (fr. lettrisme) është një lëvizje avangarde franceze e themeluar nga emigranti rumun Isidore Izu në mesin e viteve 1940 në Paris. Baza e letrizmit është sistemimi dhe klasifikimi i shkronjës (lettre) në të gjitha sferat e kulturës dhe krijimtarisë. Më shpesh, letrizmi i referohet krijimit të imazheve të ngjashme me shkronjat, si dhe kompozimeve të bazuara në to; një formë paralele akustike e së cilës ishte poezia e shëndoshë (poezia e shëndoshë), e cila hulumton themelet fonetike të fjalës. Rrënjët e lëvizjes mund të gjenden në dadaizëm dhe surrealizëm.

Duke prekur themelet e kulturës evropiane të librit, letrizmi mori një ngjyrim socio-politik. Aksioni i vitit 1952, në të cilin krahu i majtë i letrarëve bëri një skandal në një konferencë shtypi të Charlie Chaplin në Paris, çoi në një ndarje në lëvizje: një numër udhëheqësish të lëvizjes (Jean-Louis Brau, Gil J. Wolman, Francois Dufrene) kaloi në ideologjinë e ultralettrizmit. Lettrist International që u formua më pas u bë një fazë në tranzicionin nga Letrizmi në Situacionizëm.

Dërgoni punën tuaj të mirë në bazën e njohurive është e thjeshtë. Përdorni formularin e mëposhtëm

Studentët, studentët e diplomuar, shkencëtarët e rinj që përdorin bazën e njohurive në studimet dhe punën e tyre do t'ju jenë shumë mirënjohës.

Dokumente të ngjashme

Piktura si një formë arti. Lloj arti i bukur - grafika. Forma e lashtë e artit - skulptura. Arkitektura është arti i projektimit dhe ndërtimit. Drejtimet dhe teknikat kryesore të artit bashkëkohor. Arti kinetik dhe avangard.

punim afatshkurtër, shtuar 05/11/2007


Piktura si një formë arti. Drejtimet dhe teknikat kryesore të artit bashkëkohor. Avantgardizëm, realizëm, surrealizëm, montim, minimalizëm, abstraksion, instalacion. Skulptura dhe arkitektura. Sistematizimi i tendencave të artit modern.

punim afatshkurtër, shtuar 16.09.2012


Tendencat në artin bashkëkohor. Krahasimi i kohës së krijimit të një drejtimi të ri dhe teknikës së figurave të montimit. Motivet ideologjike të autorit për të krijuar vepra. Pasojat për zhvillimin e artit modern në lidhje me shpikjen e teknologjisë së re.

tezë, shtuar 07/12/2013


Origjina e artit dhe rëndësia e tij për jetën njerëzore. Morfologjia e veprimtarisë artistike. Imazhi artistik dhe stili si mënyra për të qenë art. Realizmi, romantizmi dhe modernizmi në historinë e artit. Arti abstrakt, arti pop në artin bashkëkohor.

abstrakt, shtuar 21.12.2009


Kinetizmi si prirje në artin bashkëkohor. Lindja e artit kinetik. Krijimi i një vepre arti duke përdorur dritën dhe lëvizjen. Elemente të kinetizmit në formën e trukeve që i dhanë jetë skulpturave, në artet e aplikuara, skenografinë teatrale.

prezantim, shtuar 18.05.2015


Vendi i artit në kulturë. Ideja e artit në kulturë në tërësi. Shprehja e pasioneve njerëzore. Arti si veprimtari estetike në kuadrin e kulturës. Funksionet kryesore të artit. Mënyrat për të riprodhuar realitetin përreth.

abstrakt, shtuar më 17.05.2011


Origjina e artit në epokën e shpellave. Zhvillimi i artit në Greqia e lashte dhe Romës. Karakteristikat e zhvillimit të pikturës në Mesjetë, Rilindje dhe Barok. Tendencat artistike në artin bashkëkohor. Thelbi i bukurisë nga pikëpamja morale.