Rilindja është një nga më të ndritshmet në historinë e artit botëror. Ai përfshin shekujt XIV-XVI. në Itali, shek. XV-XVI. në vendet në veri të Alpeve. Kjo periudhë në zhvillimin e kulturës mori emrin e saj - Rilindja (ose Rilindja) - në lidhje me ringjalljen e interesit për artin antik, duke iu kthyer atij si një ideal të bukur, një model. Por, natyrisht, arti i ri shkon përtej imitimit të së kaluarës.

Në epokën romane, skulptura merr një rol të spikatur në të gjithë Evropën, veçanërisht me një funksion didaktik. Dekorimi skulpturor i portaleve, kapiteleteve, foltoreve të kishave është në fakt edhe qëllimi i konvertimit të besimtarëve në rrugën e duhur të veprimit; Kështu, në kishat romane paraqitet Gjykimi Universal, i cili duhet të tregojë gjënë e tmerrshme që u ndodh atyre që bëjnë një jetë mëkatare, ose përshkruhen skena të Dhiatës së Vjetër dhe të Re, të cilat tregojnë të vërtetat hyjnore besnike dhe jepni shembuj të dobishëm të sjelljes.

Së bashku me këto figura, skulptura romane konfirmon një sërë imazhesh të çuditshme kafshësh dhe personazhesh realë, fantastikë ose monstruozë, të cilëve u jepet një kuptim simbolik. Majmunët fantazmë, luanët djallëzorë, njerëzit e shkatërruar, sirenat joshëse, centaurët shtazorë, grifinat, kafshët me dy koka, njerëzit me një këmbë ose veshë të mëdhenj mbushin skulpturën romake, sepse shpesh imazhi ka më shumë energji se fjala, dhe me sugjerimin, përralla godet shpirtin e besimtarëve, duke e larguar atë nga mëkati.

Kultura artistike e Rilindjes mori formë gjatë periudhës së ngritjes kulturore, rritjes së shpejtë ekonomike, shfaqjes së një sistemi të ri shoqëror - dekompozimit të mënyrës së vjetër, mesjetare të jetesës dhe shfaqjes së marrëdhënieve kapitaliste. F. Engels shkroi për Rilindjen: “Ishte përmbysja më e madhe progresive e të gjithave të përjetuara nga njerëzimi deri në atë kohë, një epokë që kishte nevojë për titanë dhe që lindi titanë për sa i përket fuqisë së mendimit, pasionit dhe karakterit, në terma. të shkathtësisë dhe diturisë.”

Për të demonstruar suksesin e këtyre figurave në artin roman, ky është zëri i një prej figurave më të rëndësishme fetare të kohës: Bernardo di Chiaravalle, në një nga shkrimet e tij, ka frikë se murgjit që ecin nëpër kisha dhe manastire vijnë nga këto të çuditshme. dhe imazhe imagjinative më shpërqendruese që shtyjnë drejt meditimit; Megjithatë, ndërsa kritikon këto skulptura fantastike, Bernardo duket se është ende i magjepsur prej saj, duke shmangur fjalët si "bukuri e deformuar" dhe "deformim i bukur".

Figura më e rëndësishme në skulpturën romane është, pa dyshim, Viligelmo, autori i relieveve nga Historia. Dhiata e Vjetër në Katedralen e Modenës, ku një mbishkrim e kujton atë si "të denjë për nder" për cilësinë e artit të tij. Figurat e tij janë të jashtëzakonshme për modelimin e fytyrës, repertorin e gjerë të gjesteve dhe fuqinë shprehëse. Më pas Wiligelmo rithekson rëndësinë e hapësirës narrative, e cila edhe pse nuk paraqitet në detaje, përshkruhet me detaje efektive dhe gjeste domethënëse që tërheqin vëmendjen e shikuesit.

Ndryshimet radikale ekonomike dhe sociale çuan në shfaqjen e një botëkuptimi të ri progresiv - humanizmi (nga fjalë latine humanus - "njerëzor"). Të gjithë humanistët u frymëzuan nga besimi në fuqitë krijuese të njeriut, fuqia e pakufishme e mendjes njerëzore.

Në këtë kohë, ideali i një personi aktiv, me vullnet të fortë formohet dhe manifestohet në mënyra të ndryshme. Ai është kërkues, plot dëshirë për të panjohurën, ka një ndjenjë të zhvilluar për të bukurën.

Emblematike është episodi i krijimit të Evës: peizazhi përshkruhet vetëm përmes shkëmbit, por hapësira narrative krijohet nëpërmjet ngritjes simbolike të gishtit krijues të Zotit, inercisë reale të gjumit të thellë të Adamit, ndjekjes së ngadaltë të Evës dhe kontaktit domethënës midis dora e kësaj të fundit dhe krijuesi i tij që duket se i mbush jetën. ! Sa i përket stilit të Wilhelmos, studiuesit kanë gjetur shumë kontakte me skulpturat e kishave franceze, duke sugjeruar se artisti studionte në Francë; në fakt më shumë se një prirje, është një modernitet kulturor, një shkëmbim i ndërsjellë që konfirmon ekzistencën e një gjuhe të përbashkët artistike në Evropë.

Rilindja e ngriti në një nivel të lartë idenë e mendjes njerëzore, aftësinë e tij për të njohur botën. Zhvillimi i shpejtë i shkencës është karakteristikë e kësaj periudhe. Në kërkim të një ideali, humanistët i kushtuan vëmendje të veçantë historisë së njerëzimit. Kultura e lashtë doli të ishte më e afërta me aspiratat e tyre.

Shumë nga njerëzit e arsimuar të asaj kohe treguan indiferencë ndaj fesë. Dhe megjithëse artistët pikturuan kryesisht në tema fetare, ata panë në imazhet fetare një shprehje poetike të akumuluar ndër shekuj. përvojë jetësore të njerëzve. Ata i mbushën mitet e vjetra të krishtera me përmbajtje të re jetësore.

Triumfi i të Lashtës: Monte Cassino dhe Roma. Një situatë shumë specifike, e lidhur me peripecitë dhe historinë e kishës dhe të papatit, gjendet në Romë dhe në zonat përreth. Në fakt, që nga shekulli i 11-të, Kisha gjeneron një veprim intensiv ndryshimi, një reformë të vërtetë që synon ripërtëritjen morale të klerit dhe në nivelin politik rivendosjen e autonomisë nga pushteti laik; përplasje që së shpejti do të dalë në luftën për investime.

Prandaj, nga pikëpamja artistike, në territoret që lidhen me papatin, konfirmohet arkitektura e frymëzuar nga epoka e krishterë e krishterimit, pra epoka e hershme e krishterë; prandaj ka shumë kisha me bazilikë, me tërthore, kolonada të gjata dhe dekorim të frymëzuar nga lashtësia. Më e famshmja nga këto ndërtesa ishte abacia e Montecassino-s në Lacio, e rindërtuar në fund të shekullit të 11-të nga abati Desiderio, i cili madje bëri materiale antike direkt nga Roma. Maria në Trastevere u ndërtuan në qytet, të zbukuruar me mozaikë të mrekullueshëm absida të frymëzuara nga bazilikat e hershme të krishtera.

Nga të gjitha fushat e kulturës, arti zinte vendin e parë në Itali. Ishte një shprehje e natyrshme krijuese e njerëzve të asaj kohe.

Arti i Rilindjes, si ai i epokave të mëparshme, synonte të jepte një ide të strukturës së botës, tokësore dhe qiellore. Ajo që ishte e re ishte se idetë për hyjninë dhe fuqitë qiellore nuk interpretohen më si një mister i frikshëm i pakuptueshëm dhe, më e rëndësishmja, ky art është i mbushur me besim te njeriu, në sajë të mendjes, aftësive krijuese të tij.

Arti multikulturor: romane në Italinë jugore. Duke filluar nga mesi i shekullit të 11-të, jugu i Italisë pa pushtimin e normanëve, të cilët, duke tërhequr kupolat e Longobardëve, Bizantinëve dhe Arabëve, lindën një mbretëri të vetme në jug të gadishullit. Kështu, arti romanik u bë i vetëdijshëm për zhvillimin e pazakontë në këtë zonë për faktin se pushtuesit e rinj kishin mendjen të mbanin gjallë dhe të përziernin përvojat e mëparshme artistike dhe kulturore, veçanërisht bizantine dhe arabe.

Teatri i ekselencës për këtë art multikulturor ishte Siçilia. Kapela e pazakontë Palatine e Palermos, e cila ka një bimë tradicionale me tre anitë, ka mozaikë bizantine pranë harqeve të harkuara arabe dhe veçanërisht alveolave ​​dhe një tavan druri stalaktit, të pikturuar në afreske me objekte tipike arabe islamike; Katedralja e Cefalu kombinon mozaikët bizantin me një hark arab dhe dy kulla të holla me shije normane në fasadë. Karakteristikat islame mbizotërojnë në ndërtesat aktuale si Ziza, emri i së cilës vjen nga Aziz Arabisht që do të thotë "madhështor"; pallati, në fakt, ishte i zhytur në një kopsht të madh me shatërvanë, stalla, bimë aromatike dhe lule të shkëlqyera.

Jeta e Rilindjes ishte e lidhur ngushtë me artin. Ishte pjesë e pandashme e saj, jo vetëm si objekt soditjeje, por si mund dhe krijimtari. Arti, si të thuash, kërkoi jo vetëm të mbushte kishat dhe pallatet, por edhe të gjente një vend për vete në sheshet e qyteteve, kryqëzimet e rrugëve, në fasadat e shtëpive dhe në brendësi të tyre. Ishte e vështirë të gjeje një person indiferent ndaj artit. Princat, tregtarët, artizanët, klerikët, murgjit ishin shpesh njerëz të ditur në art, klientë dhe mbrojtës të artistëve. Bujaria e klientëve ushqehej nga etja për vetëlavdërim.

Arti romantik, arti romak dhe gjuhët romane: origjina e emrit. Kjo nuk është saktësisht një paralele, sepse gjuhët romane fliten vetëm në territoret e unifikuara të perandorisë, romane. gjuha artistike përhapur në një zonë shumë më të gjerë.

Termi romanik gjithashtu i referohet ndërtesave të ngritura midis shekujve 11 dhe 12 duke u frymëzuar nga modele dhe teknika strukturore. roma e lashtë; në fakt, megjithatë, nuk ka pasur kurrë një imitim të plotë ose total të formave klasike në artin roman. Megjithëse arti romanik nuk është plotësisht i përshtatshëm, ai tani është bërë i zakonshëm.

Zhvillimi i artit u lehtësua shumë nga fakti se pasuria e fituar shpejt u grumbullua në qytetet e mëdha. Por suksesi i lehtë nuk i prishi as artistët më të etur për famë dhe fitim, pasi themelet e rrepta të organizimit të esnafit të punës artistike ishin ende të forta. Të rinjtë trajnoheshin duke punuar si ndihmës te një mjeshtër i pjekur. Prandaj, shumë artistë e njihnin aq mirë zanatin e artit. Veprat e artit të shekullit XV. bërë me kujdes dhe dashuri. Edhe në rastet kur ato nuk mbajnë gjurmët e talentit apo gjenialitetit, ne admirohemi pa ndryshim nga mjeshtëria e mirë.

Kjo "ringjallje" ishte e pazakontë përdorim të gjerë dhe vazhdimësi. Nuk është rastësi që koncepti i një "pushim" midis bota moderne dhe antikiteti. E kaluara klasike po eksplorohet për të pikturuar një tablo sa më autentike dhe të vërtetë, për të ndjekur shembullin për të krijuar krijime të reja.

Firence dhe Arti i Rilindjes. Në Rilindje, kishte një qëllim të madh - rivendosjen e kanoneve klasike, të cilat duhet të shërbejnë si shembull për ndryshime të reja dhe origjinale. Ashtu si arti klasik, edhe arti i Rilindjes arriti natyralizmin më të përsosur: ishte, në fakt, një realitet që, në bukurinë e tij, është informacion i saktë për atë që përshkruhet. Risia më e madhe në artin e Rilindjes, gërmimi i risive të tjera, ishte dizajni, i cili konsiderohet një mjet autoritar për të sjellë në jetë idetë e tij.

Nga të gjitha format e artit, vendi i parë i takonte Arte të bukura dhe arkitekturës. Nuk janë çudi emrat e piktorëve të mëdhenj të shekullit XV. i njohur për çdo person të arsimuar.

Rilindja zgjati disa shekuj. Faza e hershme e saj në Itali daton në gjysmën e parë të shekullit të 15-të, por u përgatit nga e gjithë rrjedha e zhvillimit të artit në gjysmën e dytë të shekujve XIII-XIV.

Më pas dizajni u bë një mjet dizajni, materializoi idetë e tyre, korrigjoi dhe e solli atë në përsosmëri. Pas admirimit të vizatimeve të Leonardos, ne mund të kuptojmë sesi dizajni u bë mjeti kryesor i artistit të Rilindjes për të blerë Levitra, e përdorur për të projektuar vepra arti, inxhinieri, mekanikë, hidraulikë, arkitekturë dhe ushtri. Teknikat artistike dhe piktoreske të Rilindjes Italiane janë konfirmuar si më të avancuara dhe më të sakta.

Gjatë "workshopeve" artistët u trajnuan në Firence. Kjo tregon se artisti i izoluar që punonte i vetëm në vetminë e kërkimit të tij nuk ekzistonte. Studentët e punishteve të Rilindjes duhej të bënin një daulle të gjatë përpara se të merrnin titullin artist ose mjeshtër. Punëtoritë e artistëve nuk ndryshonin në strukturë dhe organizim nga mjeshtrit e tjerë. E vendosur zakonisht në nivelin e rrugës dhe e lidhur me një derë me shtëpinë e pronarit, puna që u krye u krijua sipas një metode prodhimi që ofronte një ndarje të qartë të detyrës midis mësuesve, asistentëve dhe nxënësve. Shumë dyqane ishin të specializuara në një lloj të veçantë të mjeshtërisë artistike.

Firence u bë vendlindja e Rilindjes. “Baballarët” e Rilindjes quhen piktori Masaccio, skulptori Donatello, arkitekti F. Brunelleschi. Secili në mënyrën e vet, por së bashku hedhin themelet e një arti të ri. Masaccio, në moshën rreth 25-vjeçare, filloi të pikturonte kapelën Brancacci në kishën e Santa Maria del Carmine në Firence. Imazhet që ai krijoi janë plot dinjitet njerëzor, të pajisura me forcë fizike, bukuri. Mjeti kryesor artistik i Masaccio është një chiaroscuro i fuqishëm, një kuptim i zhvilluar i vëllimit. Artisti vdiq pa mbushur 30 vjeç, por studentët dhe ndjekësit e tij vazhduan të kërkonin diçka të re në fushën e pikturës monumentale, perspektivës, ngjyrave.

Kështu, përveç arritjes së një performance live të një cilësie shumë të lartë teknike, ka pasur një thjeshtësim të konsiderueshëm në drejtim të menaxhimit dhe menaxhimit të biznesit. Artistët e para-Rilindjes dhe Rilindjes si Giotto, Cimabue, Brunelleschi, Arnolfo, Donatello, Botticelli, Ghiberti, Masaccio, Beato Angelico, Verrocchio, Andrea Castagno, Lippi, Robbia, Michelangelo kanë lindur në Firence. Në seminarin e Andrea del Verrocchio u formuan studentë si Leonardo da Vinci, Botticelli, Perugino, Domenico Ghirlandaio, Francesco Botticini, Francesco di Simone Ferrucci.

Në artin italian të shekullit XV. zhvillohet një kuptim i veçantë i së vërtetës artistike. Piktorët vazhdojnë të nxjerrin subjektet e tyre nga legjendat e kishës, muret e kishave janë zbukuruar ekskluzivisht me skena biblike, por këto skena janë transferuar në sheshet dhe rrugët e qyteteve italiane, duke u zhvilluar si para syve të bashkëkohësve, dhe falë kësaj, vetë jeta e përditshme merr një karakter historik të ngritur. Artistët përfshijnë portrete të klientëve dhe madje edhe autoportrete në skena legjendare. Ndonjëherë rrugët me kalimtarë të rastësishëm, sheshe me turma të zhurmshme, njerëz me kostume moderne pranë njerëzve të shenjtë hyjnë në përbërjen piktoreske.

Ata jetonin në qytet me eksponentët kryesorë të poezisë së kohës; emra të rëndësishëm në letërsi si Dante, Boccaccio, Villani, Gicciardini, Poliziano dhe Machiavelli. Nga kujtimet e artistëve të mëdhenj të Rilindjes, Firence e kujton kujtimin ose në emër të një sheshi ose një pallati, një ure ose një rruge. Shumë pllaka guri shfaqen në çdo cep të rrugëve, kullave, kishave dhe pallateve të qytetit të vjetër.

Nëse Italia është shtëpia e Rilindjes, Firence është qyteti që mishëroi më shumë thelbin. Një laborator në ajër të hapur ku arti, shkenca dhe letërsia dalin nga vitet e errëta të mesjetës. Rilindja ishte një përvojë përparimtare që gjen pasqyrimin e saj në kthimin në rrënjë dhe rizbulimin e botës klasike, greke dhe romake.

Shtëpi shenjë dalluese piktura është bërë një perspektivë e bazuar shkencërisht. Artistët ishin krenarë për të si zbulim dhe ishin përçmues ndaj paraardhësve të tyre që nuk e njihnin. Ata mund të ndërtonin kompozime komplekse, me shumë figura në hapësirën tre-dimensionale me saktësi matematikore. Vërtetë, piktorët fiorentinë e kufizuan veten në perspektivë lineare dhe vështirë se e vunë re rolin e mjedisit ajror. Megjithatë, rëndësia historike e zbulimit të perspektivës ishte e madhe. Në duart e piktorëve të mëdhenj, ajo u bë e Fuqishme medium artistik, ndihmoi në zgjerimin e gamës së fenomeneve që i nënshtrohen mishërimit artistik, duke përfshirë hapësirën, peizazhin, arkitekturën në pikturë.

Tradicionalisht, historianët përkojnë me fundin e Mesjetës me zbulimin e Amerikës nga Christopher Columbus. Në fakt, ndryshimi në botën perëndimore kishte filluar tashmë për disa dekada, midis fundit të Perandorisë Bizantine dhe shpërthimit të reformës protestante. Në të gjitha këto, Firence përjetoi një periudhë rritjeje të ngadaltë, e sunduar nga familjet borgjeze të qytetit. Kërcënimi i vetëm për paqen e fiorentinëve u shkaktua nga shtrirja e Visconti-ve, zotërinjve të Milanos. Përparimi erdhi me marrjen e pushtetit nga familja Medici. Së pari Cosimo dhe më pas Lorenzo, i njohur si i Madhërishmi, garantuan një periudhë paqeje dhe prosperiteti duke financuar veprën e disa prej artistëve dhe mendimtarëve më të mëdhenj në histori.

Piktura italiane e shekullit të 15-të - kryesisht monumentale. Ajo u krye në mure duke përdorur teknikën e afreskut dhe, për nga natyra e saj, ishte projektuar për perceptim nga larg. Mjeshtrit italianë ishin në gjendje t'i jepnin imazheve të tyre një karakter përgjithësisht domethënës. Ata hodhën gjërat e vogla dhe detajet dhe shikuan botën me sytë e njerëzve që mund të shohin thelbin e një personi në gjestin e tij, lëvizjen e trupit, qëndrimin e tij.

Rilindja i ka rrënjët në kapërcimin e ideologjisë mesjetare. Në qendër të çdo ligjërimi ishte një person, një subjekt i aftë për vetëvendosje dhe për të dominuar natyrën me vullnetin e tij. Kërkimi i kënaqësisë dhe lumturisë nuk dukej më patetik. Ashtu si krahasimi dhe pjesëmarrja sociale kuptoheshin si mënyra për të përmirësuar gjendjen njerëzore.

Gjurma që la periudha e Rilindjes në Firence vihet re veçanërisht në fushën arkitekturore. Një shëtitje nëpër kishat dhe pallatet më të bukura të qytetit dëshmon për shenjat e stilit të shekullit XV, kur rizbulimi i harmonisë dhe formave gjeometrike të kallëpit romak mbylli përfundimisht përvojën gotike. Arkitekti i parë i madh i New Deal ishte Filippo Brunelleschi, i cili tashmë në Shtëpinë e Katedrales parashikoi disa nga elementët e ndryshimit.

Themeluesi i skulpturës së Rilindjes ishte Donatello. Një nga meritat e tij kryesore është ringjallja e të ashtuquajturës statujë të rrumbullakët, e cila hodhi themelet për zhvillimin e skulpturës së kohës së mëvonshme. Vepra më e pjekur e Donatello-s është statuja e Davidit (Firence).

Brunelleschi luajti një rol vendimtar në zhvillimin e arkitekturës së Rilindjes. Ai ringjall kuptimin e lashtë të arkitekturës, pa braktisur në të njëjtën kohë trashëgiminë mesjetare.

Brunelleschi ringjalli rendin, ngriti rëndësinë e përmasave dhe i bëri ato bazën e arkitekturës së re. Për të realizuar të gjitha këto, ai u ndihmua nga studimi i rrënojave romake, të cilat i mati me kujdes dhe i kopjoi me dashuri. Por ky nuk ishte një imitim i verbër i antikitetit. Në ndërtesat e ndërtuara nga Brunelleschi (Shtëpia e Fëmijëve, Kapela Pazzi në Firence, etj.), arkitektura është e mbushur me atë spiritualitet që ishte i panjohur për të lashtët.

Italianët kishin një interes të madh për përmasat në art, kryesisht në arkitekturë. Krijimet e tyre kënaqin shikuesin me proporcionalitetin e formave. Katedralja gotike është tashmë e vështirë për t'u parë për shkak të madhësisë së saj gjigante; Ndërtesat e Rilindjes duket se përqafohen nga një shikim i vetëm, gjë që bën të mundur vlerësimin e proporcionalitetit të mahnitshëm të pjesëve të tyre.

Masaccio, Donatello, Brunelleschi nuk ishin të vetëm në kërkimin e tyre. Në të njëjtën kohë, shumë artistë të shkëlqyer kanë punuar me ta. Brezi i ardhshëm i artistëve të Rilindjes në gjysmën e dytë të shekullit të 15-të. pasuron artin e ri dhe nxit përhapjen e tij të gjerë. Përveç Firences, ku S. Botticelli ishte mjeshtri më i rëndësishëm i asaj kohe, u ngritën qendra të reja arti dhe shkolla lokale të Umbrias, Italisë Veriore dhe Venecias. Këtu kanë punuar mjeshtër të tillë të mëdhenj si Antonello da Messina, A. Mantegna, Giovanni Bellini dhe shumë të tjerë.

Monumentet e krijuara në Itali në kapërcyellin e shekujve 15-16 dallohen nga përsosmëria dhe pjekuria. Kjo periudhë e lulëzimit më të lartë të artit italian quhet zakonisht Rilindja e Lartë. Mes ushtrisë së shumtë të mjeshtrave të talentuar në këtë kohë, ka nga ata që me të drejtë quhen gjeni. Këta janë Leonardo da Vinci, Rafael Santi, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, Giorgione, Titian, A. Palladio veprojnë disi më vonë. Historia e kësaj periudhe është kryesisht historia e punës së këtyre mjeshtrave.

Dy të tretat e fundit të shekullit të 16-të thirrur rilindja e vonë. Kjo është një periudhë e rritjes së reagimit feudal. Kisha Katolike shpall një fushatë kundër humanizmit në të gjitha manifestimet e tij. Kriza përfshiu edhe artin. Artistët, si rregull, kufizohen në huazimin e motiveve dhe teknikave të mjeshtrave të mëdhenj. Ka shumë sofistikim, mprehtësi, hijeshi në punët e tyre, por ndonjëherë vjen hidhërimi, indiferenca, u mungon ngrohtësia dhe natyraliteti. Në fund të shekullit XVI. kriza po intensifikohet. Arti bëhet më i rregulluar, më oborrtar. Dhe në atë kohë punonin artistë të mëdhenj - Titian, Tintoretto, por ata ishin vetëm të vetmuar të mëdhenj.

Kriza e kulturës së Rilindjes, natyrisht, nuk do të thoshte se trashëgimia e Rilindjes humbi; vazhdoi të shërbente si shembull dhe masë e kulturës. Ndikimi i artit italian të Rilindjes është i madh. Ajo gjen përgjigje në Francë, Spanjë, Gjermani, Angli, Rusi.

Në Holandë, Francë dhe Gjermani, shekujt 15-16 u shënuan gjithashtu nga ngritja e artit, veçanërisht e pikturës. Kjo është periudha e të ashtuquajturës Rilindje Veriore.

Tashmë në shekujt XIII-XIV. Këtu janë zhvilluar qytetet e tregtisë së lirë dhe të artizanatit, po zhvillohet tregtia. Në fund të shekullit XV. qendrat kulturore të veriut po forcojnë lidhjet e tyre me Italinë. Artistët gjetën modele këtu. Por edhe në vetë Italinë punuan dhe vlerësoheshin shumë mjeshtrit holandezë. Italianët u tërhoqën veçanërisht nga pikturat e reja në vaj dhe gdhendjet e drurit.

Ndikimi i ndërsjellë nuk e përjashton origjinalitetin që dallon artin e Rilindjes Veriore. Këtu, traditat e vjetra të artit gotik janë ruajtur më fort. Lufta për idealet humaniste ishte më e mprehtë në këto vende. Lufta fshatare në Gjermani në fillim të shekullit të 16-të, e cila trazoi të gjithë Evropën Perëndimore, kontribuoi në faktin që arti në veri fitoi një gjurmë më të dukshme të njerëzve. Rilindja italiane dhe ajo veriore, me të gjitha dallimet e tyre, janë, si të thuash, dy kanale të së njëjtës rrymë.

Piktori më i madh holandez i shekullit XV. - Jan van Eyck. Mjeshtra vërtet të talentuar ishin Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes, Memling, Luke of Leiden. Vepra e Pieter Brueghel Plakut është kulmi i artit të Rilindjes Veriore në mesin e shekullit të 16-të.

Në Gjermani, eksponenti më i madh i Rilindjes Gjermane ishte Albrecht Dürer. Por jo i vetmi. Këtu kanë punuar artistë të tillë të shquar si Mathis Nithardt, Lucas Cranach Plaku, Hans Holbein i Riu dhe të tjerë.

Revolucioni i bërë në Rilindje në fushën e kulturës dhe artit shpirtëror pati një rëndësi të madhe historike. Asnjëherë më parë në Europa Perëndimore arti nuk zinte një vend kaq të spikatur në shoqëri. Gjatë tre shekujve të ardhshëm, arti evropian u zhvillua në bazë të parimeve të miratuara dhe legjitimuara nga artistët e Rilindjes. Arti i Rilindjes ruan fuqinë e tij tërheqëse edhe sot.

Prezantimi

Rilindja është një nga periudhat më të ndritshme në historinë e zhvillimit të kulturës evropiane.

Rilindja - një epokë e tërë kulturore në procesin e kalimit nga Mesjeta në kohën e re, gjatë së cilës ndodhi një përmbysje kulturore (një pikë kthese, një zhvendosje). Ndryshimet themelore shoqërohen me zhdukjen e botëkuptimit të lashtë mitologjik të krishterë. Megjithë origjinën e termit "Rilindje", në mënyrë rigoroze, nuk kishte dhe nuk mund të kishte një ringjallje të antikitetit. Njeriu nuk mund të kthehet në të kaluarën e tij. Rilindja, duke përdorur mësimet e antikitetit, futi risi. Ai nuk riktheu në jetë të gjitha zhanret e lashta, por vetëm ato që ishin në harmoni me aspiratat e kohës dhe kulturës së tij. Rilindja kombinoi një lexim të ri të antikitetit me një lexim të ri të krishterimit. Rilindja i afroi këto dy parime themelore të kulturës evropiane.

Origjina e Rilindjes

Koncepti i "Rilindjes" është i shumëanshëm. Ata që debatuan për këtë nuk arritën në një mendim të përbashkët. Disa e konsiderojnë atë "paganizëm", "antikristianizëm", ndërsa të tjerët, përkundrazi, shohin elemente kristian-katolike, duke i kërkuar rrënjët në kulturën e krishterë. Qëndrimi ndaj këtij problemi zbulon botëkuptimin e vetë studiuesve. Kuptimi antikristian në kulturën e Rilindjes investohet nga ata që e identifikojnë krishterimin me asketizmin dhe mohimin e botës.

Ndër përkufizimet e fenomenit kulturor të Rilindjes, nuk ka asnjë të njohur botërisht. Kritikët e artit, historianët, mendimtarët, shkrimtarët japin shpjegimet e tyre për këtë fenomen, duke i kushtuar vëmendje shenjave të ndryshme. Nëse grupojmë shumë nga tiparet më të zakonshme, do të kuptojmë kuptimin kulturor të Rilindjes si:

Lulëzimi i kulturës;

Revolucioni në kulturë;

Faza kulturore tranzitore;

Restaurimi i antikitetit.
Secila prej këtyre shenjave mund të shfaqet në mënyrë të pavarur nga Rilindja, por vetëm kompleksi i tyre formon një fazë cilësisht të re të kulturës. Rilindja Evropiane - një kohë e lulëzimit të fuqishëm kulturor dhe restaurimit të shumë traditave kulturore të lashtësisë greko-romake; një ristrukturim kulturor vendimtar dhe një fazë kalimtare në një kohë të re në historinë e qytetërimit evropian.

Koha e lulëzimit karakterizohet nga energjia e shtuar e veprimtarisë kulturore, krijimi dhe zbatimi i stimujve të rinj për krijimtarinë kulturore. Në këtë kuptim, Rilindja mund të krahasohet në historinë e kulturës botërore me “mrekullinë greke” të shekujve 8-5. para Krishtit. Krahasimi bazohet në:

Intensiteti i veçantë i jetës kulturore, ekzistenca e shumë qendrave të saj;

Shumëllojshmëri manifestimesh të krijimtarisë, lirisë krijuese;

Kombinimi i vitalitetit dhe estetikës;

Energji e tepërt shpirtërore;

Një përqendrim mahnitës në një interval të vogël hapësinor-kohor njerëzish të mëdhenj, të talentuar universalisht, të cilët kanë zgjedhur mënyra të reja krijimtarie. Emrat e Petrarkës, Boccaccio, Brunelleschi, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo mund të shpallen simbole të kulturës së Rilindjes.

BAZAT E RINGJALLJES
KULTURAT

Gjëja kryesore në Rilindje është promovimi dhe vendosja e personalitetit njerëzor në kulturë dhe shoqëri, gjë që rezulton në forma të ndryshme të antropocentrizmit rilindas.

Është në të që formimi i themeleve të Evropës së Re
ndjenjat e një personaliteti - një personalitet individualist autonom, i vetëdijshëm për vlerën e tij, aktiv dhe në nevojë për liri. Që nga ky moment, personaliteti njerëzor, dhe jo bota, jo e tëra, për herë të parë bëhet pikënisja për formimin e një sistemi të perceptimit të botës. Kjo pikë kthese madhështore në kulturë sapo ndodh në Rilindje - një mënyrë e re e botëkuptimit po formohet në Itali në gjysmën e parë të shekullit të 15-të. Ekziston një pohim i personalitetit njerëzor në kulturë. Për herë të parë pati një izolim të këtij personaliteti, ndarja e tij nga bota.

Si rezultat, pati një shpërbërje të gjithë botës në gjëra të veçanta të individualizuara që filluan të mbylleshin në vetvete. Megjithatë, në Rilindje ky proces nuk kishte përfunduar ende, duke u kufizuar kryesisht tek njeriu dhe aq më pak duke u përhapur në gjëra të tjera në botë.

Rezultati ishte lëvizja e një personi drejt qendrës së botës materiale, e cila gradualisht rritet dhe errëson botën qiellore, dhe, për rrjedhojë, bota materiale del në pah dhe vetë personi bëhet një forcë krijuese aktive në të. Antropocentrizmi në gjysmën e parë të shekullit të 15-të. solli në pah jo thjesht një person, por një person si një parim aktiv, aktiv.

Në këtë drejtim, u shtrua ashpër problemi i dinjitetit të një personi, i cili pohohet në kuadrin e tij në mënyrë mjaft të pakompromis pikërisht në planin material. Një nga vlerat kryesore të ringjalljes ishte koncepti i "lavdisë" si një qëllim drejt të cilit një person duhet të lëvizë.

Si rezultat i gjithë këtij afirmimi të një parimi krijues, aktiv material, gradualisht filloi të shfaqej një imazh i ri i një personi, një lloj i ri i tij - "homofaber" - "njeri-krijues", "njeri-krijues", "njeri". -prodhues”, thelbi i së cilës përfundimisht rezultoi në një formulë të madhe aforistike: “njeriu është farkëtari i lumturisë së vet”.


Njerëzimi ka biografinë e vet: foshnjërinë, adoleshencën dhe pjekurinë. Epoka, e cila quhet Rilindja, ka shumë të ngjarë të krahasohet me periudhën e fillimit të pjekurisë me romancën e saj të natyrshme, kërkimin e individualitetit, luftën kundër paragjykimeve të së shkuarës. Pa Rilindjen, nuk do të kishte qytetërim modern. Arti i Rilindjes u ngrit mbi bazën e humanizmit (nga lat. -
"njerëzor") - një prirje e mendimit shoqëror që filloi në XIV në Itali, dhe më pas gjatë gjysmës së dytë të shekujve XV-XVI. përhapur në të tjera vendet evropiane Oh. Të gjitha
llojet kryesore të artit - piktura, grafika, skulptura, arkitektura - kanë ndryshuar jashtëzakonisht.

Parimet e rishikuara kreativisht të sistemit të rendit të lashtë u vendosën në arkitekturë dhe u formuan lloje të reja të ndërtesave publike. Piktura u pasurua me një perspektivë lineare dhe ajrore, njohuri për anatominë dhe përmasat Trupi i njeriut. Përmbajtja tokësore depërtoi në temat tradicionale fetare të veprave të artit. Rritja e interesit për mitologjinë dhe historinë antike. skena të përditshme, peizazh, portret. Së bashku me pikturat monumentale murale që zbukurojnë strukturat arkitekturore, u shfaq një tablo, u ngrit piktura në vaj.

Arti ende nuk është shkëputur plotësisht nga zanati, por individualiteti krijues i artistit, veprimtaria e të cilit në atë kohë ishte jashtëzakonisht e larmishme, tashmë ka zënë vendin e parë. Talenti universal i mjeshtrave të Rilindjes është i mahnitshëm - ata shpesh punonin në fushën e arkitekturës, skulpturës, pikturës, ndërthurnin pasionin e tyre për letërsinë.

poezia dhe filozofia me studimin e shkencave ekzakte
Koncepti i një "personaliteti të pasur krijues" ose "personaliteti i Rilindjes" u bë më pas një fjalë e zakonshme.

Në artin e Rilindjes, rrugët e të kuptuarit shkencor dhe artistik të botës dhe njeriut ishin të ndërthurura ngushtë. Kuptimi i tij njohës ishte i lidhur pazgjidhshmërisht me bukurinë sublime poetike; në përpjekjen e tij për natyrshmëri, ai nuk zbriste në jetën e përditshme të vogël. Arti është bërë një nevojë shpirtërore universale.

Formimi i kulturës së Rilindjes në Itali u zhvillua në qytete të pavarura ekonomikisht. Në ngritjen dhe lulëzimin e artit të Rilindjes, Kisha dhe gjykatat madhështore të sovranëve të pakurorëzuar (që sundonin familjet e pasura) - klientët dhe klientët më të mëdhenj të veprave të pikturës, skulpturës dhe arkitekturës - luajtën një rol të rëndësishëm.
Qendrat kryesore të kulturës së Rilindjes ishin fillimisht qytetet Firence, Siena, Piza, pastaj Padova. Ferrara, Genova. Milani dhe më vonë se të gjithë, në gjysmën e dytë të shekullit të 15-të, ishte tregtar i pasur Venediku. Roma u bë kryeqyteti i Rilindjes Italiane në shekullin e 16-të. Që nga ajo kohë, qendrat lokale të artit. përveç Venedikut, kanë humbur rëndësinë e dikurshme.

PROTORENESANCE

AT Kultura italiane shekujt XIII-XIV në sfondin e traditave ende të forta bizantine dhe gotike, filluan të shfaqen tipare të një arti të ri - arti i ardhshëm i Rilindjes. Prandaj, kjo periudhë e historisë së saj u quajt Proto-Rilindja (d.m.th., përgatiti ofensivën e Rilindjes: nga greke"protos" - "i pari").

Nuk ka pasur një periudhë të ngjashme tranzitore në asnjë nga vendet evropiane
vende. Në vetë Italinë ekzistonte vetëm arti i proto-rilindjes
në Toskanë dhe Romë.

Në kulturën italiane ndërthureshin tiparet e së vjetrës dhe të resë. "Poeti i fundit i Mesjetës" dhe poeti i parë i epokës së re Dante Alighieri krijoi një italian. gjuha letrare. Ajo që filloi Dante u vazhdua nga fiorentinët e tjerë të mëdhenj të shekullit të 14-të - Francesco Petrarca (1304-1374), themeluesi i poezisë lirike evropiane dhe Giovanni Boccaccio (1313-1375), themeluesi i zhanrit të romanit (tregim i shkurtër) në botë. letërsi. Krenaria e epokës janë
arkitektët dhe skulptorët Niccolo dhe Giovanni Pisano, Arnolfodi Kam-
biografi dhe piktor Giotto di Bondone.


ARKITEKTURA

Arkitektura italiane ka ndjekur prej kohësh traditat mesjetare,
që u shpreh kryesisht në përdorimin e shumë motiveve gotike.
Në të njëjtën kohë, vetë gotiku italian nuk i ngjante gotikës veriore: ai gravitonte drejt formave të qeta të mëdha, madje edhe të lehta, horizontale.
artikulacionet e arkitekturës, sipërfaqet e gjera të mureve. Kisha e Santa Croce, një nga më të mëdhatë në Firence, u themelua nga Arnolfo di Cambio në fund të shekullit të 13-të. (fasada është krijuar në shekullin e 19-të). Tempulli dallohet nga hapësira të gjera, një hapësirë ​​e vetme e brendshme e ndritshme, në vend të qemereve komplekse gotike, ai përdor një tavan prej druri. Në vitin 1296 në
Firence filloi të ndërtonte Katedralen e Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio donte të kurorëzonte altarin e katedrales me një kube të madhe. Sidoqoftë, pas vdekjes së arkitektit në 1310, ndërtimi u vonua, ai përfundoi vetëm në periudhën rilindja e hershme. Në vitin 1334, sipas projektit të Giotto, filloi ndërtimi i kullës së kambanës së katedrales, e ashtuquajtura kampanile - një kullë e hollë drejtkëndore me ndarje horizontale sipas dyshemeve dhe dritare të bukura gotike, formë harku lancet.
të cilat janë ruajtur prej kohësh në arkitekturën italiane.

Ndër pallatet më të famshme të qytetit është Palazzo della Signoria në Firence. Besohet se është ndërtuar nga Arnolfo di Cambio. Ky është një kub i rëndë me një kullë të lartë, të veshur me gurë të ashpër. Në fasadë - dritare të madhësive të ndryshme, një hyrje e padukshme ndodhet në anën. Ndërtesa përcakton pamjen e qendrës së vjetër të qytetit, duke pushtuar sheshin me një masë të ashpër. Pallati i fuqishëm shërbeu si një simbol i pavarësisë së Firences.


SKULPTURE

Më herët se në arkitekturë dhe pikturë, kërkime të reja artistike u përshkruan në skulpturë dhe mbi të gjitha në shkollën Pisan, themeluesi i së cilës ishte Niccolo Pisano (rreth 1220 - midis 1278 dhe 1284). Puna e tij u zhvillua nën ndikimin traditë e lashtë, ai pa dyshim studioi dekorimin skulpturor të sarkofagëve të vonë romakë dhe të hershëm të krishterë. Pulti gjashtëkëndor prej mermeri (1260), i bërë prej tij për pagëzimoren në Pizë, u bë një arritje e jashtëzakonshme e skulpturës së Rilindjes dhe ndikoi në formimin e saj të mëtejshëm. Amberi, i punuar me mermer të bardhë, rozë-kuqe dhe jeshile të errët, është një strukturë e tërë arkitekturore, lehtësisht e dukshme nga të gjitha anët.

Niccolo Pisano përdori komplote dhe motive tradicionale këtu, por foltorja i përket një epoke të re. Arritja kryesore e skulptorit është se ai menaxhuar për t'u dhënë vëllim formave dhe
ekspresivitetin, dhe çdo imazh ka fuqi trupore. Imazhet e Pisanos janë statike, madhështore dhe të pakëndshme. Nëna e Zotit i ngjan perëndeshës romake Juno, një alegori e Forcës në formën e një atleti të zhveshur - heroi antik Hercules.

Një vend i veçantë në historinë e skulpturës italiane të fundit të XIII - fillimit të shekullit XIV. i përket Giovanni Pisano (1245 ose 1250 - pas 1314). Një student dhe asistent i Nicolò Pisanos, ai u bë një mjeshtër shumë më i famshëm se babai i tij i famshëm. Në veprat e Giovanni kishte shumë gjëra të reja dhe të pazakonta. Pothuajse në të njëjtën moshë si Xhoto, ai ishte pikërisht e kundërta e kufizimit të mençur të bashkëkohësit të tij fiorentin.

Më të famshmet janë foltoret e krijuara nga Giovanni Pisano në Katedralen e Pizës dhe Kisha e Sant'Andrea në Pistoia, si dhe statujat e shenjtorëve, profetëve, Madonave.

Relieve komplekse me shumë figura që dekorojnë foltoren në katedrale
Pizas dhe kishat e Sant'Andrea në Pistoia janë në një stuhi trafiku. Shifrat, pasi kanë humbur qetësinë e imazheve të Niccolo Pisanos, duket se përpiqen të dalin nga guri. Gjestet e tyre janë të natyrshme, fytyrat e tyre janë ekspresive. Veçanërisht shprehëse janë skena dramatike si “Kryqëzimi” dhe “Masakra e të Pafajshmëve”.


RINGJALLJA E HERSHME

Në shekullin XV. arti i Italisë zinte një pozitë dominuese në jetën artistike të Evropës. Në Firence u hodhën themelet e një kulture humaniste laike (d.m.th., jo kishtare), e cila i shtyu Sienën dhe Pizën në plan të dytë. Firence e asaj kohe quhej “lulja e Italisë, rivalja e qytetit të lavdishëm të Romës. nga e cila doli dhe madhështia e të cilit imiton. Pushteti politik këtu u përkiste tregtarëve dhe
artizanët, disa nga familjet më të pasura patën një ndikim të veçantë në punët e qytetit. Ata vazhdimisht konkurronin me njëri-tjetrin. Kjo luftë përfundoi në fund të shekullit të 14-të. fitorja e shtëpisë bankare Medici. Kreu i saj, Cosimo de' Medici, u bë sundimtari i pashprehur i Firences. Në Gjykatën e Cosimo
Medici (dhe më vonë nipi i tij Lorenzo, i mbiquajtur i Madhërishmi) u dyndën me shkrimtarë, poetë, shkencëtarë, arkitektë dhe artistë. Një revolucion i vërtetë ndodhi në arkitekturë në atë kohë. Një ndërtim i gjerë u shpalos në Firence, duke ndryshuar fytyrën e qytetit para syve tanë.


ARKITEKTURA

Një vendas i Firences ishte Philippe Brunelleschi (1377-1446), themeluesi i arkitekturës së Rilindjes të Italisë, një nga krijuesit e teorisë shkencore të perspektivës (ai ngriti ndërtesa bazuar në llogaritjet e sakta matematikore). I talentuar i gjithanshëm, gjerësisht
edukimi humanist, ai fillimisht punoi si skulptor dhe mori pjesë (por nuk fitoi) në një konkurs në 1401 për projekti më i mirë relieve bronzi për dyert e pagëzimores fiorentine. Ndërtesa e hershme e Brunelleschi-t është kupola e Katedrales së Santa Maria del Fiore në Firence; ky është një shembull i një zgjidhjeje të shkëlqyer plastike (hapësinore) dhe inxhinierike. Brunelleschi duhej të bllokonte hapësirën e madhe të kupolës (diametri i bazës dyzet e dy metra) pa ngritur skela. Arkitekti shpiku një dizajn jashtëzakonisht kompleks për kohën e tij: një kube e zbrazët e lehtë kishte një guaskë të dyfishtë dhe një kornizë me tetë brinjë,
të cilat ishin të rrethuara me unaza. Kupola madhështore, e mbuluar me pllaka të kuqe të errëta, e lidhur me brinjë të bardha të forta dhe e kurorëzuar me një çati prej mermeri të bardhë elegant, fluturon solemnisht mbi qytet si një imazh madhështor i Firences. Arkitekti i madh italian Leon Battista Alberti, duke ia kushtuar traktatin e tij mbi pikturën Brunelleschi-t, shkroi se kjo "ndërtesë e madhe që ngrihet në parajsë i mbulon të gjitha tokat toskane". Krijimi i Brunelleschi është pararendës i tempujve të shumtë me kube në Itali dhe vende të tjera evropiane.

Brunelleschi inicioi krijimin e një tempulli me kube
bazë e rendit të lashtë. Në 1421-1428. ai ndërtoi kapelën anësore të Kishës së San Lorenzos në Firence. Parimet arkitekturore të përdorura nga Brunelleschi në këtë ndërtesë u zhvilluan më tej në kapelën e tij të famshme Pazzi (1429-1443) - një perlë e vërtetë e Rilindjes së hershme. I vendosur në thellësi
oborri i ngushtë i kishës së Santa Croce, kapela e familjes së pasur fiorentine Pazzi takohet me portikun e këndshëm me gjashtë kolona me një hapje të madhe me hark qendror. Sipas të dhënave të fundit arkivore, portiku i ngritur nga Brunelleschi u rindërtua më pas. Megjithatë, është e vështirë të supozohet se struktura e re nuk pasqyronte figurativishten e përgjithshme
ideja e një arkitekti të madh. Vetë kapela e Pazzi-t, e përmbytur me dritë, është e vogël, drejtkëndëshe në plan dhe magjeps me bukurinë e përmasave, ekuilibrin e pjesëve dhe pastërtinë e linjave. Rrafshet e mureve gri-perla duket se janë të veshura me vija shufrash arkitekturore të bëra prej guri gri të errët, drejtkëndësha, rrathë, harqe harqesh. Dekorimi i mureve perceptohet si një element i arkitekturës, duke dhënë përshtypjen e butësisë dhe shpirtërore.

Në fillim të viteve 30. shekulli i 15-të Brunelleschi, së bashku me mikun e tij,
skulptori Donatello. vizitoi Romën. Në fazat e hershme të
lindja.njohja e shoqërisë italiane me kulturën antike
ishte për shkak të studimit të mbijetuar monumentet e arkitekturës antikitetet dhe dorëshkrimet e zbuluara - ato u mblodhën, u studiuan dhe u kopjuan. Gjatë udhëtimit, Brunelleschi dhe Donatello morën pjesë në gërmime, matën, ekzaminuan dhe klasifikuan monumentet antike. Ndikimi i klasikëve romakë u pasqyrua në ndërtesat e mëvonshme të mëdha të Brunelleschi - kishat fiorentine të San Lorenzo (1442-1444) dhe Santo Spirito (filluar prej tij në 1444; përfunduar pas vdekjes së tij në 1487.

Krijimi i një lloji të ri të pallateve të qytetit, të cilat shërbyen si model
për ndërtesat publike të kohëve të mëvonshme, u bë një nga detyrat kryesore të arkitekturës italiane të shekullit të 15-të.

SKULPTURE

Në shekullin XV. Skulptura italiane lulëzoi. Ajo fitoi
i pavarur, i pavarur nga kuptimi i arkitekturës, në të u shfaqën zhanre të reja. Praktika e jetës artistike filloi të përfshijë urdhra nga tregtarë dhe zejtarë të pasur për të dekoruar ndërtesat publike; konkurset e artit morën karakterin e ngjarjeve të gjera publike. Ngjarja që
hap një periudhë të re në zhvillimin e skulpturës italiane të Rilindjes, konsiderohet se konkursi i mbajtur në vitin 1401 për prodhimin e
bronzet e dyerve të dyta veriore të pagëzimores fiorentine. Midis pjesëmarrësve në konkurs ishin mjeshtra të rinj - Philippe Brunelleschi dhe Lorenzo Ghiberti (rreth 1381-1455).

Hartuesi i shkëlqyer Ghiberti fitoi konkursin. Një nga njerëzit më të arsimuar të kohës së tij, historiani i parë i artit italian, Ghiberti, në veprën kryesore të të cilit ishte ekuilibri dhe harmonia e të gjithë elementëve të figurës, ia kushtoi jetën e tij një lloji të skulpturës - relievit. Kërkimi i tij arriti kulmin
në prodhimin e dyerve lindore të pagëzimores fiorentine (1425-1452), të cilën Mikelanxhelo e quajti "Portat e Parajsës". dhjetë kompozimet katrore të bëra prej bronzi të praruar që i bëjnë ato të përcjellin thellësinë e hapësirës në të cilën shkrihen figurat, natyra dhe arkitektura. Ata janë shprehës piktura piktoreske. Punëtoria e Ghibertit është bërë një shkollë e vërtetë për një brez të tërë artistësh. Në punishten e tij punonte si asistent i riu Donatello, reformatori i madh i skulpturës italiane.

Donato diNiccolodiBettoBardi, i cili quhej Donatello
(rreth 1586-1466), lindi në Firence në familjen e një komberi
leshi. Ka punuar në Firence. Siena, Roma, Padova. Sidoqoftë, fama e madhe nuk e ndryshoi mënyrën e tij të thjeshtë të jetës. Thuhej se Donatello vetëmohues varte një çantë me para në derën e punishtes së tij dhe miqtë dhe studentët e tij morën nga kuleta aq sa kishin nevojë.

Nga njëra anë, Donatello dëshironte të vërtetën e jetës në art. Nga ana tjetër, ai u dha veprave të tij tiparet e heroizmit sublim. Këto cilësi u shfaqën tashmë në veprat e hershme të mjeshtrit - statujat e shenjtorëve të destinuara për nyjet e jashtme të fasadave të Kishës së Or San Michele në Firence, dhe profetët e Testamentit të Vjetër të kampanjës fiorentine. Statujat ishin në kamare, por ato tërhoqën menjëherë vëmendjen me ekspresivitetin e tyre të ashpër dhe force e brendshme imazhe.
Veçanërisht i famshëm është "Shën Gjergji" (1416) - një luftëtar i ri me një mburojë
vëllim në dorë. Ai ka një vështrim të përqendruar, të thellë; ai qëndron fort
tokë me këmbët larg. Në statujat e profetëve është veçanërisht Donatello
theksoi ato tipare të karakterit, ndonjëherë i vrazhdë, jo
e lyer, madje e shëmtuar, por e gjallë dhe e natyrshme. Profetët e Donatelos, Jeremia dhe Habakuku, janë natyra të plota dhe të pasura shpirtërisht. Ata
figurat e forta fshihen nga palosjet e rënda të manteleve. Jeta e ka brazda fytyrën e zbehur të Avvakumit me rrudha të thella;
tullac, për të cilin u mbiquajtur Zuccone (Kungël) në Firence.

Në 1430, Donatello krijoi "David" - statuja e parë nudo në
Skulptura italiane e Rilindjes. Statuja ishte menduar për një shatërvan në oborr Palazzo Medici. Bariu biblik, fituesi i Goliathit gjigant, është një nga imazhet e preferuara të Rilindjes. Duke përshkruar trupin e tij rinor, Donatello padyshim që u përpoq nga mostrat antike, por i ripunoi ato në frymën e kohës së tij. Davidi i zhytur në mendime dhe i qetë me një kapelë bariu që e mbante në hije
fytyrë, duke shkelur kokën e Goliathit me këmbë dhe sikur të mos ishte i vetëdijshëm për veprën që kishte bërë ende.

Një udhëtim në Romë me Brunelleskin zgjeroi shumë mundësitë artistike të Donatello-s, vepra e tij u pasurua me imazhe dhe teknika të reja, të cilat ndikuan në ndikimin e antikitetit.
Një periudhë e re ka nisur në punën e mjeshtrit. Në vitin 1433 ai përfundoi foltoren e mermertë të katedrales fiorentine. E gjithë fusha e foltores është e pushtuar nga një kërcim i ngazëllyer i kërcimtarëve putti - diçka si cupidët e lashtë
dhe në të njëjtën kohë engjëj mesjetarë në formën e djemve të zhveshur,
ndonjëherë me krahë, të përshkruar në lëvizje. Ky është një motiv i preferuar në skulpturën e Rilindjes Italiane, e cila më pas u përhap në
arti i shekujve 17-18.

Për gati dhjetë vjet, Donatello punoi në Padova, qytetin e vjetër universitar, një nga qendrat e kulturës humaniste, atdheun.
i nderuar thellësisht në Kishën Katolike të Shën Antonit të Padovës. Për katedralen e qytetit kushtuar Shën Antonit, Donatello përfundoi në 1446-1450. një altar i madh i skalitur me shumë statuja dhe relieve. Vendin qendror nën tendë e zinte statuja e Madonës dhe Fëmijës, në të dy anët e së cilës kishte gjashtë statuja të shenjtorëve. Në fund të shekullit XVI. altari u shemb. Vetëm një pjesë e saj ka mbijetuar deri më sot, dhe tani është e vështirë të imagjinohet se si dukej fillimisht.

Katër relievet ekzistuese të altarit që përshkruajnë veprat e mrekullueshme të Shën Antonit na lejojnë të vlerësojmë teknikat e pazakonta të përdorura nga mjeshtri. Ky është një lloj banese, si të rrafshuar
lehtësim. Skenat e mbushura me njerëz paraqiten në një lëvizje të vetme në një mjedis të jetës reale. Në sfond ata janë një qytet i madh
ndërtesat dhe arkadat. Nëpërmjet transferimit të perspektivës, lind përshtypja e thellësisë së hapësirës, ​​si
në piktura.

Në vitet e fundit të kaluara në Firence, Donatello përjetoi një krizë shpirtërore, imazhet e tij u bënë gjithnjë e më dramatike. Ai krijoi një grup kompleks dhe shprehës "Judith dhe Holofernes" (1456-1457); statuja e "Maria Magdalene" (1454-1455)
në trajtën e një plake të rraskapitur, një vetmitar të dobësuar në lëkurë kafshe; relievet për kishën e San Lorenzos, me humor tragjik, të përfunduar tashmë nga studentët e tij të punishtes, dhe miqtë dhe studentët e tij morën nga kuleta aq sa kishin nevojë.

Nga njëra anë, Donatello dëshironte të vërtetën e jetës në art. Nga ana tjetër, ai u dha veprave të tij tiparet e heroizmit sublim.

PIKTURA

Një vend i veçantë në pikturën e Rilindjes së hershme i takon Sandro Botgicellit, një bashkëkohës i Leonardo da Vinçit dhe i Mikelanxhelos së ri.

Alessandro Filipepi, me nofkën Botticelli (1445-1510), lindi në Firence. Ai studioi pikturë me Filippo Lippi, mori pjesë
punëtoria e skulptorit dhe piktorit të famshëm Verrocchio, ku ai mblodhi së bashku
Xia me Leonardon, i cili ishte gjithashtu një student i Verrocchio.

Emri i tij u bë i njohur falë pikturës "Adhurimi i magjistarëve".

(1476), që tërhoqi vëmendjen e familjes Medici. Në foto
u përshkruan tre breza të këtyre sundimtarëve të pakurorëzuar të Firences. Botticelli filloi të punojë në gjykatën Medici.

Arti i hollë i Botticelli me elemente të stilizimit, domethënë përgjithësimi i imazheve duke përdorur teknika konvencionale - thjeshtimi i formës, ngjyrës dhe vëllimit, pati sukses të madh në mesin e fiorentinëve me arsim të lartë. Në artin e Botticelli-t, ndryshe nga shumica e mjeshtrave të Rilindjes së hershme, mbizotëronte përvoja personale e mjeshtrit. Jashtëzakonisht i ndjeshëm dhe i sinqertë, artisti kaloi një rrugë të vështirë dhe tragjike të kërkimit krijues - nga një perceptim poetik i botës në rininë e tij te pesimizmi i dhimbshëm në moshën madhore.

Pikturat e tij të famshme të periudhës së pjekur "Pranvera" (rreth 1477-
1478) dhe Lindja e Venusit (1483-1484) janë frymëzuar nga poezitë e humanistit të shquar Angelo Poliziano, poet i oborrit të Medicive. Piktura alegorike "Pranvera", e shkruar për të dekoruar vilën Medici, është një nga veprat më komplekse të Botticelli.

Në sfondin e gjelbërimit të errët të një kopshti fantastik, figura fleksibël dhe të holla shfaqen si silueta të këndshme. Livadhi i lulëzuar nën këmbët e tyre ngjan me një qilim të ndritshëm. Në thellësi të përbërjes, Venusi me një fustan të zgjuar qëndron në një mendim melankolik. Ajo është e rrethuar nga një brez i detyrueshëm: një kupid me një hark rri pezull mbi kokën e saj, tre hire të reja udhëheqin një valle të rrumbullakët, një nimfë vrapon nga një korije e ndjekur nga një faun. Në plan të parë është Pranvera, ose perëndeshë Flora, në
një kurorë dhe një fustan i thurur me lule marshojnë shpejt dhe aq lehtë,
që mezi prek tokën me këmbë zbathur. Në këndin e majtë është figura e një të riu, i cili zakonisht quhet Merkur. Ritmi i vijave rrjedhëse
bashkon përbërjen në një tërësi të vetme, krijon një harmoni të sofistikuar ngjyrash. Artisti aplikoi një teknikë që ishte arkaike për kohën e tij - hijezimi më i mirë me ar i disa detajeve, ndër to - lule, fruta, rreze, kurora, modele pëlhurash. Figurat dhe grupet individuale janë të lezetshme, veçanërisht tre hiret e kërcimit. Pushton hijeshinë e skicave të figurave të tyre, rrobave, sikur të endura nga ajri, lëvizjet e duarve, prekjet e gishtave.
E përshkuar nga ritmi muzikor i vallëzimit, dridhja e rreshtave, imazhi i tre hireve lavdëron Pranverën që po vjen, një festë e natyrës dhe e ndjenjave njerëzore. Por në pikturën e Botticelli-t ndjehet një hije trishtimi, një shkëputje e ftohtë, karakteristikë e artit të tij. Personazhet janë të zhytur në vetvete, të vetëm brenda vetes.

E perceptuar më drejtpërdrejt është piktura "Lindja e Venusit", e cila nuk lidhet aq fort me ngjyrime alegorike. Kjo është një nga krijimet më tërheqëse të pikturës botërore. Piktura përshkruan Venusin, perëndeshën e dashurisë dhe bukurisë, duke notuar mbi një guaskë të madhe. “Varkën” e çon në breg perëndia dhe perëndesha e erës, duke fluturuar, e ndërthurur në krahët e tyre. Në breg, Venusin e pret një nimfë, e cila nxiton t'i hedhë mbi supe një vello ngjyrë të kuqe të lehtë të endur me lule. Mjeshtri i praron flokët e fryrë nga era e Venusit dhe kjo i jep pamjes së saj femërore diçka të çuditshme. Shfaqja e një hyjnie larg realitetit reflektohet edhe në gamën e ngjyrave të ftohta, transparente dhe të lehta.

Në pikturën e Rilindjes së hershme, midis shumë fytyrave - të bukura dhe pothuajse të shëmtuara, por gjithmonë domethënëse - dallohen menjëherë imazhet e grave, vajzave, djemve dhe fëmijëve, që i përkasin penelit të Botticelli-t. Ata dallohen jo nga korrektësia klasike e tipareve, jo nga bukuria, por nga hijeshia e pastërtisë pa mëkat, pambrojtja, trishtimi i pashprehur. Imazhi i Venusit është mishërimi më i lartë i këtij ideali. Katër shekuj më vonë, njerëzit shikojnë në tiparet e saj të qarta dhe gjejnë diçka emocionuese në to.
dhe tërheqëse. Në fillim të viteve '90. Shekulli XV në veprën e Botticelli pati një pikë kthese vendimtare. Ai u ndikua fuqishëm nga predikimet e pasionuara të murgut domenikane Savonarola, i cili denoncoi papatin, aristokracinë, kulturën e pasur dhe humaniste.

RIGJILLIM I LARTË

Rilindja e Lartë, e cila i dha njerëzimit mjeshtër të tillë të mëdhenj si Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, mbulon një periudhë relativisht të shkurtër - nga fundi i shekullit të 15-të. deri në fund të dekadës së dytë të shekullit të 16-të. Vetëm në Venedik lulëzimi i artit vazhdoi deri në mesin e shek.

Ndryshimet themelore të lidhura me ngjarjet vendimtare në historinë botërore, sukseset e mendimit të avancuar shkencor, kanë zgjeruar pafundësisht idetë e njerëzve për botën - jo vetëm për tokën, por edhe për Kozmosin. Perceptimi i botës dhe i personalitetit njerëzor dukej se ishte zgjeruar; në krijimtarinë artistike, kjo u reflektua jo vetëm në shkallën madhështore të strukturave arkitekturore, monumenteve, cikleve solemne të afreskeve dhe pikturave, por edhe në përmbajtjen e tyre, ekspresivitetin e imazheve. Gjuha piktoreske, e cila, sipas përcaktimit të disa studiuesve, në Rilindjen e hershme mund të dukej tepër “folëse”, u përgjithësua dhe u përmbajt. Arti i Rilindjes së Lartë është një proces artistik i gjallë dhe kompleks me ngritje mahnitëse dhe kriza të mëvonshme.

LEONARDO DA VINCI

Në historinë e njerëzimit nuk është e lehtë të gjesh një tjetër po aq të shkëlqyer
personalitet si themelues i artit të Leonardos të Rilindjes së Lartë
da Vinçi (1452-1519). Natyra gjithëpërfshirëse e veprimtarisë së këtij artisti dhe shkencëtari të madh u bë e qartë vetëm kur u shqyrtuan dorëshkrimet e shpërndara nga trashëgimia e tij. Letërsia kolosale i kushtohet Leonardos. jeta e tij është studiuar në detaje. Sidoqoftë, shumë në punën e tij mbetet misterioze dhe vazhdon të ngacmojë mendjet e njerëzve.

Ndër veprat e tij të hershme është piktura "Madona me një lule" (1472). Ndryshe nga mjeshtrit e shekullit XV. Leonardo refuzoi narrativën, përdorimin e detajeve që shpërqendrojnë vëmendjen e shikuesit, të ngopur me imazhe të sfondit. Fotografia perceptohet si një skenë e thjeshtë, pa art, e amësisë së gëzueshme të Marisë së re. Dy figura të mëdha mbushin të gjithë hapësirën e figurës, vetëm jashtë dritares në murin e errët mund të shihni një qiell të pastër blu të ftohtë. Kapet një moment specifik: nëna, vetë ende një vajzë e dashur dhe e gjallë, i shtrin një lule fëmijës së saj, duke buzëqeshur dhe shikon sesi një foshnjë serioze ekzaminon me kujdes një objekt të panjohur. Lulja lidh të dyja figurat së bashku.


Donatello dhe Monumenti i Verrocchio-s u mbiquajt Kolosi i Madh.

Pikturat e Leonardos të periudhës së Milanos kanë mbijetuar deri në kohën tonë. Altari i parë i Rilindjes së Lartë ishte Madonna in the Grotto (1483-1494). Piktori u largua nga traditat e shekullit të 15-të, në pikturat fetare të të cilit mbizotëronte ngurtësia solemne. Ka pak figura në altarin e Leonardos: Maria femërore, Fëmija Krishti që bekon Gjon Pagëzorin e vogël dhe një engjëll i gjunjëzuar, sikur shikon nga Piktura. Imazhet janë krejtësisht të bukura, të lidhura natyrshëm me mjedisin e tyre. Kjo është një lloj shpelle midis shkëmbinjve të errët bazalt me ​​një hendek në thellësi - një peizazh tipik i Leonardos: në përgjithësi, fantastikisht misterioz, por në veçanti - në imazhin e çdo bime, çdo lule midis barit të trashë - i bërë me një saktësi. njohja e formave natyrore. Figurat dhe fytyrat janë të mbuluara me një mjegull të ajrosur, duke u dhënë atyre një butësi të veçantë. Italianët e quajtën këtë teknikë Leonardo sfumato.

Në Milano, me sa duket, mjeshtri krijoi kanavacën "Madonna dhe fëmija" ("Madonna Litta"). Këtu, ndryshe nga Madona me një lule, ai
u përpoq për përgjithësim dhe idealitet më të madh të imazhit. Ai përshkruan jo një moment të caktuar, por një lloj gjendjeje gëzimi të qetë afatgjatë, në të cilin është zhytur një grua e re e bukur, duke ushqyer me gji një fëmijë. Qartësia e kompozimit të ekuilibruar me dy dritare të vendosura në mënyrë simetrike është ekspresive, midis të cilave është gdhendur një siluetë e gjallë dhe fleksibël e një gjysmë figure femërore. Drita e ftohtë e qartë ndriçon fytyrën e saj të hollë, të skalitur butësisht dhe një buzëqeshje të lehtë, mezi të dukshme. Fotoja është pikturuar me tempera, duke i dhënë tingull toneve të mantelit blu dhe fustanit të kuq të Marisë. Flokët kaçurrela me gëzof të artë të errët të Foshnjës janë shkruar në mënyrë të mahnitshme, vështrimi i tij i vëmendshëm drejtuar shikuesit nuk është fëminorisht serioz.

Një humor i ndryshëm, dramatik dallon pikturën monumentale të Leonardos "Darka e Fundit", realizuar prej tij në vitet 1495-1497. porositur nga Lodovico Moro për kishën e tryezës së Santa Mariadella Grazie në Milano. Fati i kësaj vepre të famshme të Leonardos është tragjik. Më shumë gjatë jetës së mjeshtrit, bojë filloi të shkërmoqet. Në HUL u thye një derë në murin e bankës, e cila shkatërroi një pjesë të kompozicionit dhe në shek. Ndërtesa u kthye në një dyqan bari. Restaurimet e papërshtatshme i shkaktuan dëme të mëdha afreskut. AT
Në vitin 1908 u krye puna për pastrimin dhe forcimin e muralit.
Gjatë Luftës së Dytë Botërore, tavani dhe muri jugor i tryezës u shkatërruan nga një bombë. Restaurimi i ndërmarrë në 1945 e shpëtoi pikturën nga shkatërrimi i mëtejshëm, mbetjet e pikturës së Leonardos u identifikuan dhe u siguruan. Sidoqoftë, vetëm ideja më e përgjithshme tani mund të formohet për krijimin e madh të mjeshtrit.

Është e pamundur të imagjinohet se Leonardo da Vinci mund të jetojë dhe të krijojë në një epokë tjetër. E megjithatë personaliteti i tij e kapërceu kohën, u ngrit mbi të. Puna e Leonardos para Vinçit është e pashtershme. Shkalla dhe veçantia e talentit të tij mund të gjykohet nga vizatimet e mjeshtrit, të cilat zënë një nga vendet e nderit në historinë e artit botëror. Me vizatimet e Leonardo da Vinçit, skicat, skicat, diagramet, jo vetëm dorëshkrimet kushtuar shkencave ekzakte, por edhe veprat mbi teorinë e artit janë të lidhura pazgjidhshmërisht.

Arti i Leonardo da Vinçit, i tij shkencor dhe studimet teorike, veçantia e personalitetit të tij kaloi në të gjithë historinë e kulturës botërore, pati një ndikim të madh në të.

Ideja e bukurisë dhe harmonisë sublime lidhet me veprën e Raphael (1483-1520) në historinë e artit botëror.
Në përgjithësi pranohet se në plejadën e mjeshtrave të shkëlqyer të Rilindjes së Lartë, në të cilën Leonardo personifikonte intelektin dhe Michelangelo personifikonte fuqinë, ishte Raphaeli ai që ishte bartësi kryesor i harmonisë. Sigurisht, në një shkallë ose në një tjetër, secili prej tyre zotëronte të gjitha këto cilësi. Megjithatë, nuk ka dyshim se përpjekja e pandërprerë për një fillim të ndritshëm, të përsosur përshkon të gjithë veprën e Raphaelit dhe përbën kuptimin e saj të brendshëm.

Rafaeli fillimisht studioi në Urbino me të atin, më pas me vendas
piktori i famshëm Timoteo Vite. Në vitin 1500, ai u transferua në Perugia, kryeqyteti i Umbria, për të vazhduar arsimin e tij në punëtorinë e të famshmëve.
piktori, kreu i shkollës Umbrian Pietro Perugino. Mjeshtri i ri e tejkaloi shpejt mësuesin e tij.

Imazhi i preferuar i Raphael është Madonna dhe Child. Në historinë e artit, "Sistine Madonna" është një imazh i bukurisë së përsosur. Kjo
një foto e madhe e altarit përshkruan jo vetëm Nënën Hyjnore
me Foshnjën Hyjnore dhe mrekullinë e shfaqjes së Mbretëreshës Qiellore,
supë për njerëzit e Birit të tij si një flijim shlyes. I përshtatur nga jeshile
Mbi retë e ndritshme qëndron Maria me Fëmijën në krahë. Vështrimi i syve të saj të errët dhe pa shkëlqim drejtohet përtej dhe, si të thuash, përmes shikuesit. Kjo pamje është e disponueshme. ajo që fshihet nga të tjerët. Në imazhin e Krishtit, një fëmijë i madh i bukur, hamendësohet diçka që nuk është fëmijërisht e tensionuar dhe vizionare. Këtu artisti ka arritur një ekuilibër të rrallë dinamik: thjeshtësia e dukshme e qartë, tiparet e idealitetit abstrakt, hyjnia e një mrekullie dhe pesha reale e formave ndërthuren, plotësojnë dhe pasurojnë njëra-tjetrën.
mik. Në të majtë të Madonës, Papa Sixtus IV me butësi lutjeje
mendon për një mrekulli. Shën Barbara, duke ulur me nderim shikimin e saj, e cila, ashtu si Maria, i përket parajsës, fluturon lehtësisht në re. Dy engjëj, të mbështetur në parapet, shikojnë lart dhe e kthejnë vëmendjen e shikuesit në imazhin qendror.

Mikelanxhelo

Michelangelo Bounarroti (1475-1564) - mjeshtri më i madh Rilindja e Lartë, i cili krijoi vepra të jashtëzakonshme të skulpturës, pikturës, arkitekturës. Michelangelo ekzekutoi një statujë kolosale prej mermeri të Davidit. Lartësia e statujës arrin pesë metra e gjysmë. Ajo personifikon fuqinë e pakufishme të njeriut. Davidi sapo po përgatitet të godasë armikun me një gur të shkrepur nga një hobe, por tashmë ndihet se kjo e ardhmja një pushtues, plot vetëdije për forcën e tij fizike dhe shpirtërore. Fytyra e heroit shpreh një vullnet të palëkundur.

E bërë me urdhër të Republikës së Firences, statuja u instalua në hyrje të Talazzo Vskchio. Hapja e monumentit në vitin 1504 u kthye në një festë kombëtare. “David” e zbukuroi sheshin për më shumë se tre shekuj e gjysmë. Në 1873, monumenti u vendos në Galerinë e Akademisë së Arteve të Bukura në Firence. Në vendin e vjetër ku vetë Michelangelo vendosi statujën, tani ka një kopje prej mermeri.

RËNDËSIA E KULTURËS
EPOKA E RILINDJES

Kështu, në përpjekje për të mësuar kulturën e Rilindjes, sekretet e artit të saj, është e nevojshme të analizohen traditat jo vetëm të Italisë, por edhe të vendeve të tjera perëndimore, sepse vetëm një shoqatë e tillë, e lidhur nga të njëjtat ide dhe pamje, do të japë një pamje të plotë të Rilindjes.

Rëndësia revolucionare e Rilindjes është e rëndësishme për të gjitha kohët e mëvonshme, pasi ishte gjatë kësaj periudhe që u hodhën pikëpamjet kryesore humaniste, zhvillimi i të cilave është i rëndësishëm për të gjithë njerëzimin sot.

Në periudhat kulmore të zhvillimit të kulturës, një shembull i së cilës është Rilindja, si rregull, zbulohen kontradikta të thella, duke kapërcyer të cilat lindin tradita dhe teknika të reja. Dhe krahas kërkesave më revolucionare në fushën e mendimit dhe vullnetit, që çuan në postulatet më të guximshme në fushën e moralit, shkencës dhe artit, pranë guximit të pakufishëm në shkatërrimin e të vjetrës dhe krijimit të së resë, ndonjëherë duke dhënë përshtypjen. e diçkaje shumë moderne, mbijetesat e pamjeve të vjetra.

Dhe mendimet më krijuese, produktive testohen pikërisht në përmirësimin dhe zhvillimin e ideve të vjetra.

Rilindja nisi një epokë të një njeriu krejtësisht të ri në historinë e qytetërimit evropian. Kjo u reflektua kryesisht në botëkuptimin, besimet, në të gjitha fushat e veprimtarisë së individit, si dhe në sferën e ndjenjave dhe emocioneve të saj. Në këtë epokë, vullneti dhe veprimi shkuan bashkë, i vjetër dhe i ri, duke u bashkuar, lindën ide, imazhe dhe vepra të shkëlqyera; përsosja e krijimtarisë së një individi ishte po aq domethënëse sa edhe veprimtaritë e shkollave dhe të periudhave. Mendimtarët humanistë, njerëzit e artit i vendosën vetes detyra heroike dhe i zgjidhën me sukses. Ata që e shihnin zgjidhjen e të gjitha problemeve në përmirësimin e ideve të organizimit shoqëror, shkuan drejt vdekjes dhe privimit për hir të së mirës së përbashkët të njerëzimit dhe krijuan parakushtet për veprimtarinë madhështore të brezave të mëpasshëm.

Në fushën e filozofisë dhe shkencave (si humanitare ashtu edhe matematikore), pati një hap të rëndësishëm në zhvillim, i karakterizuar nga idetë humaniste, një vështrim i ri ndaj njeriut dhe aftësive të tij.

Në fushën e artit, detyrat e një personi iu lanë trashëgim të ardhmes në një formë të rrënuar, pasi teknikat dhe parimet bazë janë të qarta për ne, por se si arrihet përshtypja e përgjithshme e një vepre është një mister, veçanërisht në atë artistik. përshkrimi i një personi, bukuria dhe madhështia e tij.

Ishte kjo epokë që i dha njerëzimit një numër të madh personalitetesh gjithëpërfshirëse, titanike, misterioze - Petrarch, Shakespeare, Giotto, Raphael, Titian, Michelangelo, nevojiten shekuj për të kuptuar krijimtarinë e tyre dhe personalitetin njerëzor.

Antropocentrizmi i Rilindjes manifestohet në ngjyrosje e re semantike mikrokozmosiciteti - që një person shndërrohet në makrokozmos në një nga më të shumtët të gjallë dhe forcat aktive. Prandaj, mos harroni se Rilindja nuk është vetëm epoka e Leonardos dhe Mikelanxhelos, por edhe epoka Paracelsus(1493-1541) dhe Nostradamus (1503-1566).


konkluzioni

Rezultati kryesor dhe kryesor pushtimin Rilindja - pohimi i një personaliteti aktiv njerëzor, potencialin dhe kreativitetin e tij optimist, i cili çoi në shumë arritje të mëdha të njerëzimit, komoditete, rehati dhe cilësi të përmirësuar të jetës - deri në fund të shekullit të 15-të. nuk përshtatet mirë me themelet tradicionale kulturën mesjetare dhe jeta, rrezikon të kthehet në një konflikt të mprehtë me të dhe në një shkëputje të plotë me tërësinë mesjetare.

E gjithë kjo përkeqësoi më tej kontradiktat e Rilindjes, duke i kthyer ato në një konflikt të mprehtë si brenda vetë personalitetit të Rilindjes ashtu edhe midis shtresave kulturore të epokës, por në të njëjtën kohë, Rilindja ishte shtysa për krijimin e një kulture të re - kultura e Epokës së Re.