Planifikoni

Prezantimi

1. Shpirtërore dhe origjinën artistike Epoka e Argjendit

2. Origjinaliteti i pikturës ruse të fundit XIX-- fillimi shekulli XX

3. Shoqatat artistike dhe rolin e tyre në zhvillimin e pikturës

konkluzioni

Letërsia

Prezantimi

ne, ne sundojmë rrugën tonë drejt diellit, si Icarus, Ne jemi të veshur me një mantel erërash dhe flakë.

(M. Voloshin)

Sistemi i jetës shpirtërore që mori formë dhe dha fryte jashtëzakonisht të pasura në fund të shekullit të 19-të dhe në fillim të shekullit të 20-të, shpesh përmendet me termin romantik "Epoka e Argjendtë". Përveç ngarkesës emocionale, kjo shprehje ka një përmbajtje të caktuar kulturore dhe kornizë kronologjike. U fut në mënyrë aktive në përdorim shkencor nga kritiku S.K. Makovsky, poeti N.A. Otsup, filozofi N.A. Berdyaev. Sergei Makovsky, djali i artistit K.E. Makovsky, tashmë në mërgim, shkroi librin "Për Parnassin e epokës së argjendtë", i cili ishte i destinuar të bëhej libri më i famshëm i kujtimeve për këtë kohë.

Shumica e studiuesve ia atribuojnë periudhën 20-25 vjeçare epokës së argjendit në kapërcyellin e shekujve 19-20. dhe e fillojmë me ngjarje të zakonshme, në shikim të parë, kulturore të fillimit të viteve '90. Në 1894, u botua përmbledhja e parë "Bryusov" e poetëve "simbolistë"; opera e M.P. Mussorgsky "Khovanshchina" pa në skenë; mënyrë krijuese kompozitor-novator A.N. Scriabin. Në 1898, në Shën Petersburg u themelua një shoqatë e re krijuese "Bota e Artit" dhe filloi në Paris "Stinët ruse" nga S.P. Diaghilev.

Kulmi i kulturës së epokës së argjendit bie në vitet 10. Shekulli XX, dhe fundi i tij shpesh lidhet me trazirat politike dhe sociale të viteve 1917-1920. Kështu, korniza më e gjerë kronologjike e Epokës së Argjendit: nga mesi i viteve '90. Shekulli i 19 deri në mesin e viteve 20. Shekulli XX., domethënë afërsisht 20-25 vjet në fund të shek.

Cila ishte pika e kthesës e përjetuar gjatë kësaj periudhe nga kultura ruse, e bashkë me të edhe piktura ruse? Pse kjo periudhë mori një emër kaq poetik që e kthen në mënyrë të pavullnetshme kujtesën tonë në epokën e artë të Rilindjes Pushkin? Përgjigjet e këtyre pyetjeve ende emocionojnë mendjet e shkencëtarëve, shkrimtarëve dhe historianëve të artit. Kjo përcaktoi rëndësinë e temës së esesë sonë.

Kthesa e shekujve 19-20 është një pikë kthese për Rusinë. Rritje dhe ulje ekonomike, të humbura Lufta Ruso-Japoneze 1904--1905 dhe revolucioni i 1905-1907, i pari Lufte boterore 1914--1918 dhe si pasojë e revolucionit në shkurt dhe tetor 1917, i cili përmbysi monarkinë dhe pushtetin e borgjezisë... Por në të njëjtën kohë, shkenca, letërsia dhe arti përjetuan një lulëzim të paparë.

Në 1881, dyert e një privati galeri arti tregtari dhe filantropi i famshëm Pavel Mikhailovich Tretyakov, në 1892 ia dhuroi Moskës. Në 1898 u hap Muzeu Rus i Perandorit Aleksandri III në Shën Petersburg. Në 1912, me iniciativën e historianit Ivan Vladimirovich Tsvetaev (1847-1913), Muzeu i Arteve të Bukura (tani Muzeu Shtetëror i Arteve të Bukura Pushkin) filloi punën e tij në Moskë.

Traditat realiste të Endacakëve në pikturë, rrëfimi dhe toni i tyre ndërtues ishin një gjë e së kaluarës. Ato u zëvendësuan nga stili modern. Njihet lehtësisht nga linjat fleksibël, të rrjedhshme në arkitekturë, nga imazhet simbolike dhe alegorike në skulpturë dhe pikturë, nga fontet dhe zbukurimet e sofistikuara në grafikë.

Qëllimi i punës sonë është të tregojmë, në lidhje të ngushtë me problemet historike dhe sociale të kohës, proceset e zhvillimit të pikturës. fundi i XIX- herët shekujt XX

Për të arritur këtë qëllim, duhet të kryeni detyrat e mëposhtme:

Te japesh karakteristikat e përgjithshme arti i fundit të shekullit të 19-të - fillimi. shekulli XX;

Përshkruani punën e përfaqësuesve të shquar të pikturës së asaj kohe;

Zbuloni udhëzimet kryesore në Arte të bukura të kësaj periudhe kohore.

Gjatë shkrimit të abstraktit, u përdor libri i Berezova L.G. "Historia e Kulturës Ruse", ku autori shqyrtoi problemet kryesore të historisë së zhvillimit të kulturës nga koha e Rusisë së lashtë deri në ditët e sotme. Autori i kësaj monografie ndan këndvështrimin, i cili diskutohet në moderne literaturë shkencore. Ajo qëndron në faktin se kultura shihet si struktura mbështetëse e historisë kombëtare.

Libri tjetër që u përdor gjatë punës për esenë, "Arti vendas", autori Ilyina T.V. Kjo monografi i kushtohet historisë së arteve figurative. Autori bëri një përpjekje për të dhënë një pamje objektive, të vërtetë të zhvillimit të artit rus në fund të shekullit të 19-të në fillim të shekullit të 20-të, për të folur për veprat e atyre artistëve rusë, emrat e të cilëve janë tragjedi. zhvillim historik shoqëria jonë u zhyt në harresë.

Në artikullin e tij Sternin G.Yu. "Rusisht kulturën e artit gjysma e dytë e shekullit të 19-të dhe fillimi i shekullit të 20-të" u përpoq të përzgjedhë ato vepra dhe të karakterizojë më qartë një ose një drejtim mjeshtër artist për të krijuar, sa më shumë që të jetë e mundur, një pamje holistike të veçorive të zhvillimit të pikturës në artin rus.

Dhe gjithashtu në këtë vepër, veprat e kritikëve të artit Vlasov R.I., Fedorov-Davydov A.A. dhe të tjerë u përdorën për të analizuar punën e artistëve të veçantë.

1. Origjina shpirtërore dhe artistike e epokës së argjendit

Fundi i shekullit të 19-të u bë një pikë e rëndësishme për kulturën ruse, momenti i kërkimit të një vetëdije të re. Nga pikëpamja e zhvillimit socio-politik dhe shpirtëror, dukej se gjithçka ishte e ngrirë, e fshehur në Rusi. Rreth kësaj kohe A.A. Blloku shkroi rreshtat prekës:

Në ato vite të largëta, të shurdhër

Gjumi dhe errësira mbretëronte në zemra.

Fitorja ndaj Rusisë

Përhapni krahët e bufit.

Fillimi i ripërtëritjes qëndron në thellësitë e vetëdijes kombëtare, ku u bënë ndryshime delikate në sistemin e vlerave, në idetë për botën dhe njeriun. Çfarë është e pjekur në thellësi të kulturës?

Shigjeta e kohës bën, si të thuash, një devijim, një thyerje, një nyjë. Në fund të shekullit, kjo ndjenjë e “fundit të ciklit”, përfundimit të rrethit kulturor, doli të ishte veçanërisht e fortë. Fjalët e filozofit V.V. Rozanova përcjell këtë ndjenjë ankthi: "Dhe nga pika e thyerjes historike, qoshet e shëmtuara dalin jashtë, gjemba shpuese, përgjithësisht të pakëndshme dhe të dhimbshme" Berezovaya L.G. Historia e kulturës ruse.-M., 2002 -S.65. Gjendja e shqetësimit shpirtëror u ndje nga e gjithë kultura e fundit të shekullit të 19-të.

Tendencat kulturore të kapërcyellit të shekullit ndonjëherë përmenden nga historianët e artit me fjalën "dekadencë". Në fakt, vetë dekadenca ishte vetëm një simptomë artistike e gjendjes së shpirtit kombëtar në momentin e “kalimit të shekujve”. Pesimizmi i tij nuk ishte aq shumë një mohim i përvojës së mëparshme kulturore, sa një kërkim i mënyrave për të kaluar në një cikël të ri. Ishte e nevojshme të shpëtohej nga trashëgimia e rraskapitur e shekullit që po largohej. Prandaj përshtypja e natyrës shkatërruese, shkatërruese të dekadencës ruse.

Mund të konsiderohet gjithashtu një urë e dëshpëruar drejt një të ardhmeje të panjohur. Dekadenca i parapriu Epokës së Argjendit jo aq në kohë sa në qëndrim, në sistemi i artit. Duke mohuar të vjetrën, ai hapi rrugën drejt kërkimit të së resë. Para së gjithash, kjo ka të bëjë me thekse të reja në sistemin e vlerave të jetës.

Në fund të shekullit XIX. njeriu për herë të parë ndjeu fuqinë e frikshme të shkencës dhe fuqinë e teknologjisë. AT jeta e përditshme përfshinte një telefon dhe një makinë qepëse, një stilolaps dhe bojë çeliku, shkrepse dhe vajguri, ndriçim elektrik dhe një motor djegia e brendshme, lokomotivë me avull, radio ... Por së bashku me këtë, u shpik dinamit, një mitraloz, një aeroplan, një aeroplan dhe gazra helmues.

Prandaj, sipas Beregovaya, fuqia e teknologjisë së shekullit XX të ardhshëm. bëri një të veçantë jeta njerëzore tepër i prekshëm dhe i brishtë. Përgjigja ishte vëmendja e veçantë e kulturës ndaj shpirtit individual të njeriut. Një fillim i rënduar personal erdhi në vetëdijen kombëtare përmes romaneve dhe sistemeve filozofike e morale të L.N. Tolstoi, F.M. Dostoevsky, dhe më vonë A.P. Çehov. Letërsia për herë të parë i kushtoi vërtet vëmendje jetës së brendshme të shpirtit. Temat e familjes, dashurisë, vetëvlerësimit të jetës njerëzore tingëlluan me zë të lartë.

Një ndryshim i tillë i mprehtë në vlerat shpirtërore dhe morale të periudhës dekadente nënkuptonte fillimin e emancipimit të krijimtarisë kulturore. Epoka e Argjendtë nuk do të kishte qenë kurrë në gjendje të shfaqej si një impuls kaq i fuqishëm drejt një cilësie të re të kulturës ruse, nëse dekadenca do të ishte kufizuar në mohimin dhe përmbysjen e idhujve. Dekadenca ndërtoi një shpirt të ri në të njëjtën masë sa e shkatërroi atë, duke krijuar tokën e epokës së argjendtë - një tekst i vetëm, i pandashëm i kulturës. Vlasova R.I. Konstantin Korovin. Krijimtaria.- L., 1970.-f.32.

Ringjallja e traditave artistike kombëtare. Në vetëdijen e njerëzve në fund të shekullit XIX. interesi për të kaluarën, para së gjithash, për historinë e dikujt, u kap. Ndjenja e të qenit trashëgimtar i historisë së tyre filloi me N.M. Karamzin. Por në fund të shekullit ky interes mori një bazë të zhvilluar shkencore dhe materiale.

Në fund të XIX - fillimi i shekullit XX. ikona ruse "u largua" nga rrethi i objekteve të adhurimit dhe filloi të konsiderohej si një objekt arti. Administratori i besuar i Galerisë Tretyakov të transferuar në Moskë, I.S. Ostroukhov. Ostroukhov arriti të shihte të gjithë botën nën një shtresë të "rinovimeve" të mëvonshme dhe blozës pikturë e lashtë ruse. Fakti është se vaji i tharjes, i cili u mbulua me ikona për shkëlqim, pas 80-100 vjetësh u errësua aq shumë sa në ikonë u shkrua një imazh i ri. Si rezultat, në shek në Rusi, të gjitha ikonat që datonin më herët se shekulli i 18-të ishin fshehur fort me disa shtresa bojë.

Në vitet 900 restauruesit arritën të pastrojnë ikonat e para. Shkëlqimi i ngjyrave të mjeshtrave të lashtë tronditi njohësit e artit. Në vitin 1904, "Triniteti" i A. Rublev u zbulua nën disa shtresa të regjistrimeve të mëvonshme, të cilat ishin fshehur nga njohësit për të paktën treqind vjet. E gjithë kultura e shekujve XVIII-XIX. u zhvillua pothuajse pa njohuri për trashëgiminë e vet të vjetër ruse. Ikona dhe e gjithë përvoja e shkollës së artit rus u bënë një nga burimet e rëndësishme të kulturës së re të Epokës së Argjendit.

Në fund të shekullit të 19-të, filloi një studim serioz i antikitetit rus. U botua një koleksion me gjashtë vëllime vizatimesh të armëve ruse, kostumeve, enëve të kishës - "Antiket e shtetit rus". Ky botim u përdor në Shkollën Stroganov, e cila trajnoi artistë, mjeshtër të firmës Faberge dhe shumë piktorë. Në Moskë u botuan botime shkencore: "Historia e stolive ruse", "Historia e kostumit rus" dhe të tjera. Armatura në Kremlin është bërë një muze i hapur. Puna e parë shkencore dhe restauruese u ndërmor në Lavra Kiev-Pechersk, në Manastirin Trinity-Sergius, në Manastirin Ipatiev në Kostroma. Filloi studimi i historisë së pronave provinciale dhe muzetë e historisë lokale filluan të punojnë në provinca.

Bazuar në të kuptuarit e traditave të vjetra artistike në Rusi, filloi të formohej një e re. stil arti- terren modern. Karakteristika fillestare e stilit të ri ishte retrospektivizmi, domethënë kuptimi i kulturës së shekujve të kaluar nga njeriu modern. Simbolizmi në sferat intelektuale të kulturës dhe Art Nouveau në fushat artistike kishin një bazë të përbashkët botëkuptimi, të njëjtat pikëpamje për detyrat e krijimtarisë dhe një interes të përbashkët për përvojën e kaluar kulturore. Ashtu si simbolika, Art Nouveau ishte i përbashkët për të gjithë kulturën evropiane. Vetë termi "modern" erdhi nga emri i revistës "Arti Bashkëkohor" që atëherë botohej në Bruksel. Në faqet e tij u shfaq edhe termi "art i ri".

Art Nouveau dhe simbolika e epokës së argjendit u formuan si një stil kompleks sintetik, madje më tepër një shkrirje e stileve të ndryshme me një hapje themelore ndaj trashëgimisë kulturore të të gjitha kohërave dhe popujve. Nuk ishte thjesht një lidhje, c. përvoja shqisore e historisë kulturore të njerëzimit nga pikëpamja e njeriu modern. Në këtë drejtim, me gjithë retrospektivizmin e tij, Art Nouveau ishte një stil vërtet inovativ.

Moderniteti i rafinuar i fillimit të epokës së argjendit u zëvendësua nga tendenca të reja: konstruktivizmi, kubizmi, etj. Arti i avangardës kundërshtoi në mënyrë sfiduese kërkimin e "kuptimeve dhe simboleve" me qartësi konstruktive të linjave dhe vëllimeve, pragmatizëm ngjyrash. Zgjidhjet. Periudha e dytë e epokës së argjendtë të kulturës ruse është e lidhur me avangardën. Në formimin e saj, ndër të tjera, ndikuan ngjarjet politike dhe sociale në Rusi dhe Evropë: revolucionet, luftërat botërore dhe civile, emigracioni, persekutimi, harresa. Avant-garda ruse u pjekur në një atmosferë të pritjeve katastrofike në rritje në shoqërinë e paraluftës dhe para-revolucionare, ajo thithi tmerrin e luftës dhe romancën e revolucionit. Këto rrethana përcaktuan karakteristikën fillestare të avangardës ruse - përpjekjen e saj të pamatur për të ardhmen.

"Utopia e Madhe" e avangardës ruse. Lëvizja avangarde filloi në vitin 1910 me ekspozitën famëkeqe Jack of Diamonds. Poetët avangardë, vëllezërit Burliuk, ndihmuan në organizimin e ekspozitës dhe një nga "rebelët" e Shkollës së Pikturës në Moskë, M.F. Larionov. Ai përmbante vepra të artistëve rusë të ngjashëm me kubistët evropianë. Duke u bashkuar, artistët organizuan ekspozita të përbashkëta deri në vitin 1917. Thelbi i "Knaveve të Diamantit" ishte P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentulov, A.V. Kuprin, R.R. Falk. Por të gjithë artistët avangardë rusë kaluan disi nëpër ekspozitat e kësaj shoqate, me përjashtim, ndoshta, të një - Petersburger P.N. Filonov.

Në të njëjtën kohë, në raportin nga ekspozita, A.N. Benois fillimisht përdori termin "avangardë". Ajo me të vërtetë goditi jo vetëm audiencën, por edhe artistët, sepse në sfondin e "kripave të diamanteve" ekstravagante, artistët e "Botës së Artit" dukeshin si akademikë konservatorë. Punimet e prezantuara nga P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkova, R.R. Falka, N.S. Goncharova dhe të tjerët u emocionuan nga mendimi dhe ndjenja, ata dhanë një imazh tjetër të botës. Pikturat theksonin ndjenjën e pangopur, materiale të botës: intensitetin e ngjyrës, dendësinë dhe neglizhencën e goditjes, vëllimin e ekzagjeruar të objekteve. Artistët ishin shumë të ndryshëm, por ata ishin të bashkuar nga një parim - risi e shfrenuar. Ky parim formoi një drejtim të ri artistik.

Një ndjekës i Cezanne, Pyotr Konchalovsky kombinoi në mënyrë të çuditshme lëndën e gjallë dhe të pajetë në pikturat e tij. "Portreti i Yakulov" i tij është një përzierje e një brendshme të ndritshme, pothuajse të gjallë dhe një njeriu të ulur të palëvizshëm, i ngjashëm me një idhull. Disa historianë arti e krahasojnë mënyrën e tij të kombinimit të ngjyrave të ndezura dhe elasticitetit të të shkruarit me mënyrën poetike të V.V. Majakovski. Gjelbërim i dendur i fuqishëm në pikturat e R.R. Falk nga "Seriali i tij Krime" dhe materialiteti demonstrues i "Kumbullave Blu" nga I.I. Mashkov tregon dashurinë e veçantë të avangardës së hershme për botën objektive, e cila arriti deri në admirim dhe kënaqësi. Historianët e artit shënojnë një "kumbim të veçantë të Mashkov" nga enët metalike në pikturat e artistit.

Në veprat e artistit më interesant "Jack of Diamonds" A.V. Avangarda e Lentulova shkon në prag të artit jo objektiv. Miqtë parizianë e quanin futurist. Hapësira "me fytyrë" e shpikur prej tij në piktura, skema e gëzueshme e ngjyrave krijojnë përshtypjen e produkteve të çmuara dhe të shndritshme ("Vasily i Bekuar", "Moska" - 1913). |

"Rebelimi" i avangardistëve kundër "akademizmit" të modernizmit bëri që ata të lëvizin drejt përdorimit të traditave të primitivit popullor, vëmendje të veçantë për "stilin e shenjës", shtypin popullor popullor, aksionin e rrugës. Rebelët më të mëdhenj në "Pema e Diamanteve" të M.V. Larionov dhe gruaja e tij N.S. Goncharova u përpoq për një risi edhe më të madhe - duke shkuar përtej kufijve të imazhit të subjektit në pikturë. Korniza e "thikave të diamanteve" për ta u bë e ngushtë. Në vitet 1912-1914. organizuan disa ekspozita skandaloze me emra karakteristikë: “Bishti i gomarit”, “Objektivi” etj.

Pjesëmarrësit e këtyre ekspozitave, para së gjithash, ata vetë; M.V. Larionov dhe N.S. Goncharov, theksoi primitivin.; Paradoksi i avangardizmit ishte ai në përpjekjen për të; risi, artistët përdorën elementë tradicionalë nga kultura e tyre amtare: piktura Gorodets, shkëlqimi i enëve prej druri Maidan, linja Khokhloma dhe Palekh, ikona, printime popullore, popullore, shenja të qytetit, reklama. Për shkak të tërheqjes për primordiale dhe natyrore arti popullor M.V. Larionova, N.S. Goncharova dhe miqtë e tyre quheshin ndonjëherë "puristë rusë" (purizmi është ideja e pastërtisë morale).

Kërkimi për një stil të ri, megjithatë, dha rezultate të ndryshme. N.S. Goncharova e konsideroi shumë të rëndësishme hyrjen e motiveve orientale në kulturën ruse dhe ajo vetë punoi në këtë drejtim. Ajo shpiku emrin e stilit të saj: "gjithë-qenia" dhe pretendoi se mund të shkruante të njëjtën temë në çdo stil që dëshironte. Në të vërtetë, pikturat e saj janë çuditërisht të ndryshme. Me zellin e tij legjendar në ekspozitën e vitit 1913. ajo tregoi 773 piktura. Midis tyre ishin primitiviste "Gratë me një grabujë", dhe një retrospektivë delikate e artit të lashtë rus "Motivet e ikonave", dhe misterioz "gripi spanjoll", dhe konstruktivisti "Aeroplan mbi tren". M.I. Tsvetaeva e përkufizoi artistin me fjalët "dhuratë dhe punë". Goncharova projektoi produksionin e famshëm Diaghilev të The Golden Cockerel të Stravinsky.

M.V. Larionov njihet si shpikësi i "rajonizmit", një stil që ishte dalja e artit avangardë përtej kufijve të botës materiale. Artisti e quajti stilin e tij "vetë-zhvillimi i ritmit linear të gjërave. Peizazhet e tij "rrezatuese" janë vërtet origjinale dhe i përkasin një versioni të ri të artit avangardë - artit jo objektiv ose abstraksionizmit. M. Larionov projektoi me entuziazëm koleksione skandaloze të të njëjtëve avangardistë në poezi - miqtë e tij, poetët futuristë Krucheny, Burliuk.

Kuptimi dhe fati i avangardës ruse. Ekspozitat e "Bishtit të Gomarit" dhe kërkimi i M.V. Larionov dhe P.S. Goncharova nënkuptonte zhvillimin e avangardës ruse sipas parimit "tifoz", domethënë krijimin e shumë varianteve të inovacionit. Tashmë në vitet 10. në shumëllojshmërinë e jashtëzakonshme të tendencave avangarde, janë përshkruar tre drejtime mbizotëruese të kërkimeve novatore. Asnjë prej tyre nuk u plotësua, kështu që ne do t'i shënojmë ato me kusht.

1. Drejtimi ekspresionist i avangardës theksoi shkëlqimin e veçantë të përshtypjes, shprehjes dhe dekorimit. gjuha artistike. Piktura më treguese është një artist shumë "i gëzuar" - M.Z. Chagall.

2. Rruga drejt joobjektivitetit përmes kubizmit - identifikimi maksimal i vëllimit të objektit, strukturës së tij materiale. K. S. Malevich shkroi në këtë mënyrë.

3. Zbulimi i ndërtimit linear të botës, teknizimi imazhe artistike. Krijimtaria konstruktiviste e V.V. Kandinsky, V.E. Tatlin. Avantgarda ruse përbën një faqe të veçantë dhe të lavdishme në pikturën evropiane. Drejtimi që hodhi poshtë përvojën e kaluar ruajti të njëjtin pasion ndjenjash, dashuri për

Ekspresionizëm - (nga lat. Ehrgezzu - shprehje) - një drejtim artistik që fokusohet në ndjenjat e forta, një vizion të kundërt të botës, ekspresivitetin përfundimtar të gjuhës artistike me ngjyra të pasura dhe ëndërrimtari, të cilat e dallojnë kulturën ruse në tërësi.

Ky "rusizëm" shfaqet edhe tek artisti avangardë më "evropian" Wassily Kandinsky, i cili mund të quhet edhe artist rus edhe gjerman. Kandinsky drejtoi shoqatën Blue Rider në Gjermani, punoi shumë jashtë vendit. Kulmi i punës së tij erdhi në vitet 1913-1914, kur shkroi disa libra mbi teorinë e pikturës së re ("Hapat. Teksti i artistit"). Rruga e dikujt drejt joobjektivitetit shprehet me formulën: "kriptoni mjedisin objektiv dhe pastaj shkëputeni me të". Ai e bën këtë. Veprat e tij "Varkat" dhe "Liqeni" janë të koduara, vështirë të hamendësuara mjedisi natyror, dhe "Përbërjet" dhe "Im Dispozitat" e tij të shumta tashmë janë liri prej tij.

Mosobjektiviteti në zhvillimin e pikturës pasqyronte kaosin në rritje në vetëidentifikimin individual dhe kombëtar. Pjekuria e idesë kombëtare mbeti përtej horizontit dhe ndjenja e kohës së vrullshme të vorbullës, ngatërrimi i objekteve, ndjenjave, ideve, parandjenja e një katastrofe - në qenien e tashme.

Ne e shohim këtë përzierje të çuditshme në shikim të parë të objektivitetit dhe jorealitetit të botës foto naive M.Z. Shaga-la, në energjinë e fortë K.S. Maleviç. Nuk ishte e rastësishme që P.N. Filonov me idetë e një prej filozofëve më misterioz rusë N.F. Fedorov (njerëz të mëdhenj, tokë e madhe, fat, fat). V.V. Kandinsky ishte i angazhuar në filozofinë indiane, ishte i interesuar për idetë e E. Blavatsky. Artistët abstraktë ishin të dashur për të gjithë gamën e artit popullor: lodrat ruse, maskat dhe kultet afrikane, skulpturat e Ishullit të Pashkëve.

Një ndikim i dukshëm në avangardën ruse të viteve 10-20. doli të ishte një pasion për aftësitë teknike të njerëzimit dhe romantizmin revolucionar në pritje të një bote të re. Ishte një imazh i shekullit të 20-të që po vinte. me psikologjinë e saj të makinës, plasticitetin linear të industrializmit. Në ekspozitën me emrin matematikor "0.10" Malevich ekspozoi "Sheshin e Zi" që i mahniti të gjithë.

Sigurisht, këtu pati edhe një moment skandali - në fund të fundit, sipas "rregullave të lojës" bohemiane, njeriu mund të deklarohej vetëm përmes shokut. Por nuk është rastësi që një nga “sheshin” e saj zbukuron varrin e novatorit të famshëm. Malevich bëri një hap drejt "illogizmit" të plotë të artit. Në "Manifestin" e tij të vitit 1915. ai shpjegon zbulimin e tij.

Duke komentuar për "Sheshin e Zi" të tij, Malevich tha se "kur zakoni i ndërgjegjes për të parë një imazh në foto të zhduket ... vetëm atëherë do të shohim një vepër thjesht piktoreske. Sipas mendimit të tij, vetëm "frikacak dhe dobësi" ndërgjegjen njerëzore na lidh të gjithëve - "nga e egra te akademiku" - me botën objektive.

Pra, piktura ruse, në pasionin e saj për të arritur "tullën" e fundit, deri në atomin e fundit në njohjen e qenies, ka arritur në fund. Në fund të fundit, "Sheshi i Zi" i K.S. Malevich është fundi, finalja e vetënjohjes. Ngjyra e zezë nuk është aspak ngjyrë, është varri i të gjitha ngjyrave dhe në të njëjtën kohë mundësia e rilindjes së tyre nga nën sipërfaqen e zezë. Kultura e re duhej ta njihte botën deri në fund, duke shkatërruar të gjitha konventat dhe mitet e ndërgjegjes. Ekspozimi i plotë i shpirtit - për pranimin e një shpirti të ri të së ardhmes. Aspirata patetike futuriste e Malevich e bëri eksperimentin e tij artistik të pavdekshëm. Një eksperiment në rikodimin semantik të botës, një impuls romantik në të ardhmen, që ushqeu jo vetëm pikturën. Ky ishte prirja e përgjithshme e kulturës ruse në prag të ngjarjeve të tmerrshme të shpërbërjes kombëtare të 1917-1920.

Vetë "katrori i zi" i tij u shfaq në fusha të tjera të kulturës së kësaj kohe. Në verën e vitit 1913, u zhvillua një kongres i futuristëve, në të cilin u krijua një teatër i ri "Budetlyanin". Edhe në emër të saj mund të dëgjohet aspirata për të ardhmen. Imazhi fizik i "sheshit të zi" u shfaq në skenën e teatrit në prodhimin e operës avangarde "Fitorja mbi diellin", e cila lavdëroi fitoren e makinave mbi elementët e natyrës.

Avangarda ruse ishte e pafat në letërsinë e historisë së artit. Ai dukej ose një xhuxh i shëmtuar ose një gjigant i frikshëm në pikturën ruse. Cilado qoftë përshtypja estetike që mund të krijojnë për secilin prej nesh pikturat e mahnitshme të artistëve të këtij drejtimi, ato ishin në mënyrë skandaloze avangarde për bashkëkohësit e tyre dhe për ne ato janë historia e kulturës ruse në një nga kthesat më të vështira të saj. zhvillimin. Ishte për ta që A.N. shkroi në mënyrë profetike në 1912. Benois se "dordolecët aktualë" përfundimisht do të "bëhen klasikë". Dhe nga ky këndvështrim, avangarda është një formë e vetëdijes kombëtare (vetëidentifikimi) përballë shekullit të ri.

Konceptet kryesore

Avantgardizmi është një emër konvencional për të gjitha pikëpamjet dhe tendencat më të fundit eksperimentale në art, që vendosin kërkimin për të renë mbi gjithçka tjetër. Avantgarda është një term i bashkangjitur lëvizjes novatore të viteve 1910-1920. (futurizëm, kubizëm, kubo-futurizëm, primitivizëm, suprematizëm, konstruktivizëm, abstraksionizëm etj.).

Art Nouveau - një stil artistik në Evropë dhe Rusi në fund të shekujve 19-20. Art Nouveau përbëhet nga disa tendenca stilistike, të cilat bazoheshin në dëshirën për të përgjithësuar dhe rimenduar përvojën estetike të njerëzimit. Për këtë arsye, Art Nouveau shpesh u shfaq si një retrospektivë e disa traditave të mëparshme kulturore (neo-gotike, stili neo-rus, neoklasik, etj.).

Urbanizëm - (nga latinishtja - urban) - procesi i përqendrimit të popullsisë, industrisë dhe kulturës në qytete të mëdha; e natyrshme në një qytet të madh. I shoqëruar nga shfaqja e kulturës masive urbane.

2. Origjinaliteti i pikturës ruse të fundit të XIX - fillimit të shekullit XX

Me krizën e lëvizjes populiste, në vitet '90, "metoda analitike e realizmit të shekullit të nëntëmbëdhjetë". Lapshina N. “Bota e Artit”. Ese mbi historinë dhe praktikën krijuese. M., 1977.- Fq.86. , siç quhet në shkencën vendase, po vjetërohet. Shumë nga Wanderers përjetuan një rënie krijuese, shkuan në "botën e vogël" Turchin V. S. Epoka e romantizmit në Rusi. M., 1981.-S.90 pikturë e zhanrit argëtues. Traditat e Perovit u ruajtën mbi të gjitha në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë falë veprimtarive mësimore të artistëve të tillë si S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov dhe të tjerët.

Ilyina T.V. beson se në këtë periudhë të vështirë për vendin, për piktorët e kapërcyellit të shekullit, u bënë karakteristike mënyra të tjera shprehjeje, forma të tjera të krijimtarisë artistike - në imazhe kontradiktore, të ndërlikuara dhe reflektuese të modernitetit pa ilustrativitet dhe rrëfim. Artistët kërkojnë me dhimbje harmoninë dhe bukurinë në një botë që është thelbësisht e huaj për harmoninë dhe bukurinë. Kjo është arsyeja pse shumë e panë misionin e tyre në kultivimin e ndjenjës së bukurisë. Kjo kohë e “kanunovit”, pritshmëria e ndryshimeve në jetën publike, solli shumë prirje, shoqata, grupime, përplasje botëkuptimesh dhe shijesh të ndryshme. Por kjo i dha shkas edhe universalizmit të një brezi të tërë artistësh që dolën përpara pas “Endacakëve” “klasikë”. Mjafton të përmendim vetëm emrat e V.A. Serov dhe M.A. Vrubel. Sarabyanov D.V. Historia e artit rus në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të. M., 1989.- Fq.100

Historianët e artit vërejnë se piktura e zhanrit u zhvillua në vitet '90, por ajo u zhvillua disi ndryshe. Kështu, tema fshatare zbulohet në një mënyrë të re. Ndarja në komunitetin rural është portretizuar në mënyrë të prerë akuzuese nga Sergei Alekseevich Korovin (1858--1908) në pikturën "On the World" (1893, Galeria Shtetërore Tretyakov). Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) ishte në gjendje të tregonte mungesën e shpresës së ekzistencës në punën e vështirë, rraskapitëse në pikturën "Washerwomen" (1901, Galeria Shtetërore Tretyakov). Këtë e arriti në në një masë të madhe falë zbulimeve të reja piktoreske, një kuptim i ri i mundësive të ngjyrës dhe dritës, Po aty, f.101..

mospërputhje; “Nënteksti”, një detaj shprehës i gjetur mirë e bëjnë edhe më tragjike tablonë e Sergei Vasilievich Ivanov (1864-1910) “Në rrugë. Vdekja e një koloni" (1889, Galeria Shtetërore Tretyakov). Boshtet që dalin jashtë, sikur të ngritura në një klithmë, dramatizojnë veprimin shumë më tepër sesa njeriu i vdekur i paraqitur në plan të parë ose gruaja që ulëritës mbi të. Ivanov zotëron një nga veprat kushtuar revolucionit të vitit 1905 - "Ekzekutimi". Teknika impresioniste e "kompozimit të pjesshëm", sikur e rrëmbyer aksidentalisht nga korniza, ruhet edhe këtu: përvijohen vetëm një varg shtëpish, një rresht ushtarësh, një grup demonstruesish dhe në plan të parë, në sheshin e ndriçuar nga dielli, figura e një qeni të vrarë dhe duke ikur nga të shtënat. Ivanov karakterizohet nga kontraste të mprehta të dritës dhe hijeve, një kontur ekspresiv i objekteve dhe një sheshtë e njohur e imazhit. Gjuha e tij është lapidare.

Në vitet '90 të shekullit XIX. në art hyn një artist, i cili e bën punëtorin protagonist të veprave të tij. Në 1894, një pikturë e N.A. Kasatkina (1859--1930) "Minator" (TG), në 1895 - "Minatorët e qymyrit. Ndryshimi",. S. V. Ivanov. "Ne rruge",. "Vdekja e një koloni". 1889 1TG 237

Në fund të shekullit, një rrugë zhvillimi paksa e ndryshme nga ajo e Surikov është përshkruar në temën historike. Kështu, për shembull, Andrei Petrovich Ryabushkin (1861--1904) punon më shumë në zhanrin historik sesa në zhanrin thjesht historik. "Gratë ruse të shekullit të 17-të në kishë" (1899, Galeria Shtetërore Tretyakov), "Treni i dasmës në Moskë. Shekulli XVII” (1901, Galeria Shtetërore Tretyakov), “Ata po vijnë. (Populli i Moskës gjatë hyrjes së një ambasade të huaj në Moskë në fund të shekullit të 17-të) "(1901, Muzeu Rus)," Rruga e Moskës e shekullit të 17-të në një festë "(1895, Muzeu Rus), etj. - këto janë skena të përditshme nga jeta e Moskës në shekullin e 17-të. Ryabushkin u tërhoq veçanërisht nga ky shekull, me elegancën e tij prej xhenxhefili, polikromi, me model. Artisti admiron estetikisht botën e kaluar të shekullit të 17-të, e cila çon në një stilizim delikate, larg monumentalizmit të Surikov dhe vlerësimeve të tij për ngjarjet historike.

Apollinari Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) i kushton edhe më shumë vëmendje peizazhit në kompozimet e tij historike. Tema e tij e preferuar është gjithashtu shekulli i 17-të, por jo skenat e përditshme, por arkitektura e Moskës. (“Rruga në Kitay-gorod. Fillimi i shekullit të 17-të”, 1900, Muzeu Rus). Piktura "Moska në fund të shekullit të 17-të. At Dawn at the Resurrection Gates (1900, Galeria Shtetërore Tretyakov) mund të jetë frymëzuar nga prezantimi i operës Khovanshchina të Mussorgsky, për të cilën Vasnetsov kishte projektuar peizazhin pak më parë.

Një lloj i ri pikture, në të cilën traditat artistike folklorike zotërohen në një mënyrë krejtësisht të veçantë dhe përkthehen në gjuhën e artit modern, u krijua nga Philip Andreevich Malyavin (1869--1940), i cili në rininë e tij ishte i angazhuar në pikturën e ikonave në Manastiri Athos, dhe më pas studioi në Akademinë e Arteve nën Repin. Imazhet e tij të "grave" dhe "vajzave" kanë një kuptim të caktuar simbolik - një tokë e shëndetshme e Rusisë. Pikturat e tij janë gjithmonë ekspresive, dhe megjithëse këto janë, si rregull, vepra kavaleti, ato marrin një interpretim monumental dhe dekorativ nën penelin e artistit. "E qeshura" (1899, Muzeu i Artit Modern, Venecia), "Whirlwind" (1906, Galeria Shtetërore Tretyakov) është një përshkrim realist i vajzave fshatare, që qeshin me zë të lartë ose nxitojnë në mënyrë të pakontrollueshme në një kërcim të rrumbullakët, por ky realizëm është i ndryshëm nga ai në gjysma e dytë e shek. Piktura është gjithëpërfshirëse, skicuese, me një goditje me teksturë, format janë të përgjithësuara, nuk ka thellësi hapësinore, figurat, si rregull, janë të vendosura në plan të parë dhe mbushin të gjithë kanavacën. Lebedev G.E. Ilustrim i librit rus të shekullit të 19-të. M., 1952.-S.60.

Malyavin kombinoi në pikturën e tij dekorativizmin ekspresiv me besnikërinë realiste ndaj natyrës.

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862-1942) trajton temën e Rusisë së Lashtë, si një numër mjeshtërsh para tij, por imazhi i Rusisë shfaqet në pikturat e artistit si një lloj bote ideale, pothuajse e magjepsur, në harmoni me natyrën, por e zhdukur. përgjithmonë si një qytet legjendar Kitezh. Kjo ndjenjë akute e natyrës, kënaqësia përballë botës, përpara çdo peme dhe fije bari është veçanërisht e theksuar në një nga më të vepra të famshme Nesterov periudha para-revolucionare-- "Vizioni për të rinjtë Bartolomeu" (1889-1890, Galeria Shtetërore Tretyakov).

Para se të kthehej në imazhin e Sergius të Radonezh, Nesterov kishte shprehur tashmë interes për temën e Rusisë së Lashtë me vepra të tilla si "Nusja e Krishtit" (1887, vendndodhja e panjohur), "The Hermit Nick" (1888, Muzeu Rus; 1888 --1889, Galeria Shtetërore Tretyakov), duke krijuar imazhe të spiritualitetit të lartë dhe soditjes së qetë. Ai i kushtoi disa vepra të tjera vetë Sergjit të Radonezhit (“Rinia e Shën Sergjit”, 1892-1897, Galeria Shtetërore Tretyakov; triptiku “Veprat e Shën Sergjit”, 1896-1897, Galeria Shtetërore Tretyakov; “Sergius of Radonezh”, 1891-1899, Muzeu Rus).

Në dëshirën e artistit për një interpretim të sheshtë të përbërjes, elegancës, zbukurimit, sofistikimit të rafinuar të ritmeve plastike, u shfaq ndikimi i padyshimtë i Art Nouveau.

Stilizimi, në përgjithësi, aq karakteristik i kësaj kohe, preku në masë të madhe veprat e kavaletit të Nesterovit. Kjo mund të shihet në një nga kanavacat më të mira kushtuar fatit të grave - "Great tonsure" (1898, Muzeu Rus): figurat qëllimisht të sheshta të murgeshave, "chernitsa" dhe "belitsa", silueta të përgjithësuara, sikur të ngadalësonin ritmin ritual. me njolla të lehta dhe të errëta - figura dhe një peizazh me thuprat e tij të lehta dhe bredha pothuajse të zinj. Dhe si gjithmonë me Nesterov, peizazhi luan një nga rolet kryesore. Vetë zhanri i peizazhit zhvillohet në fund të shekullit të 19-të gjithashtu në një mënyrë të re. Levitan, në fakt, përfundoi kërkimin për Wanderers në peizazh. Një fjalë e re në fund të shekullit do të thoshte K.A. Korovin, V.A. Serov dhe M.A. Vrubel.

Tashmë në peizazhet e hershme të Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939) zgjidhen problemet thjesht pikturale - të shkruash gri në të bardhë, të zezë në të bardhë, gri në gri. Një peizazh "konceptual" (termi i M.M. Allenov), si Savrasovsky ose Levitanovsky, nuk i intereson atij.

Për koloristin e shkëlqyer Korovin, bota shfaqet si një "trazira ngjyrash". I talentuar bujarisht nga natyra, Korovin ishte i angazhuar si në portret ashtu edhe në natyrë, por nuk do të ishte gabim të thuash se peizazhi mbeti zhanri i tij i preferuar. Ai solli në art traditat e forta realiste të mësuesve të tij nga Shkolla e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë - Savrasov dhe Polenov, por ai ka një pamje të ndryshme të botës, ai vendos detyra të tjera.

Dhurata bujare e Korovin për pikturën u shfaq shkëlqyeshëm në pikturën teatrale dhe dekorative. Si piktor teatri, ai punoi për Teatrin Abramtsevo (dhe Mamontov ishte pothuajse i pari që e vlerësoi atë si artist teatri), për Teatrin e Artit në Moskë, për Operan Private Ruse të Moskës, ku filloi miqësinë e tij të përjetshme me Chaliapin, për sipërmarrjen Diaghilev. Korovin ngriti peizazhin teatror dhe rëndësinë e artistit në teatër në një nivel të ri, ai revolucionarizoi të kuptuarit e rolit të artistit në teatër dhe pati një ndikim të madh te bashkëkohësit e tij me peizazhet e tij plot ngjyra, "spektakolare", duke zbuluar vetë thelbi i performancës muzikore.

Sipas Sternin G.Yu., një nga artistët më të mëdhenj, një novator i pikturës ruse në fund të shekullit, ishte Valentin Aleksandrovich Serov (1865--1911). "Vajza me pjeshkë" e tij (portreti i Verusha Mamontova, 1887, Galeria Shtetërore Tretyakov) dhe "Vajza e ndriçuar nga dielli" (portreti i Masha Simanovich, 1888, Galeria Shtetërore Tretyakov) janë një skenë e tërë në pikturën ruse. Serov u rrit në mesin e figurave të shquara të kulturës muzikore ruse (babai i tij është një kompozitor i famshëm, nëna e tij është një pianiste), studioi me Repin dhe Chistyakov, studioi koleksionet më të mira muzeale në Evropë dhe, pasi u kthye nga jashtë, hyri në mjedisin e rrethi Abramtsevo.

Imazhet e Vera Mamontova dhe Masha Simanovich janë të mbushura me një ndjenjë të gëzimit të jetës, një ndjenjë të ndritshme të qenies, një rini të ndritshme fitimtare. Kjo u arrit nga piktura impresioniste “e lehtë”, për të cilën është kaq karakteristik “parimi i rastësisë”, një formë e skalitur me një penelë dinamike e të lirë që krijon përshtypjen e një mjedisi kompleks ajri-dritë. Por ndryshe nga impresionistët, Serov nuk e shpërndan kurrë objektin në këtë mjedis që të çmaterializohet, kompozimi i tij nuk e humb kurrë stabilitetin, masat janë gjithmonë në ekuilibër. Dhe më e rëndësishmja, nuk humbet karakteristikat integrale të përgjithësuara të modelit. Piktura e zhanrit rus të shekullit të 19-të - fillimi i shekullit të 20-të. Ese. M., 2004 -f.28.

Serov shpesh shkruan përfaqësues të inteligjencës artistike: shkrimtarë, artistë, artistë (portrete të K. Korovin, 1891, Galeria Shtetërore Tretyakov; Levitan, 1893, Galeria Shtetërore Tretyakov; Yermolova, 1905, Galeria Shtetërore Tretyakov). Të gjithë ata janë të ndryshëm, ai i interpreton të gjitha thellësisht individualisht, por mbi të gjitha qëndron drita e ekskluzivitetit intelektual dhe e jetës krijuese të frymëzuar. Kolona antike, ose më mirë, statuja klasike, të kujton figurën e Yermolovës, e cila përmirësohet më tej nga formati vertikal i kanavacës. Por gjëja kryesore mbetet fytyra - e bukur, krenare, e shkëputur nga gjithçka e imët dhe e kotë. Ngjyrosja është vendosur vetëm në një kombinim të dy ngjyrave: e zezë dhe gri, por në një larmi nuancash. Kjo e vërtetë e imazhit, e krijuar jo me rrëfim, por me mjete thjesht piktoreske, korrespondonte me vetë personalitetin e Yermolova, e cila me lojën e saj të përmbajtur, por thellësisht depërtuese, tronditi rininë në vitet e trazuara të fillimit të shekullit të 20-të.

Portreti i derës së përparme të Yermolova. Por Serov është Mjeshtër i madh që, duke zgjedhur një model tjetër, në të njëjtin zhanër të një portreti formal, në fakt, me të njëjtin mjetet e shprehjes ah ishte në gjendje të krijonte një imazh të një karakteri krejtësisht të ndryshëm. Pra, në portretin e Princeshës Orlova (1910-1911, "RMS") ekzagjerimi i disa detajeve (kapelë e madhe, mbrapa shumë e gjatë, kënd i mprehtë gju), e theksuar vëmendjen ndaj luksit të brendshëm, e transmetuar vetëm në mënyrë fragmentare, si një kornizë e rrëmbyer (pjesë e një karrige, piktura, këndi i tavolinës), lejojnë mjeshtrin të krijojë një imazh pothuajse grotesk të një aristokrati arrogant. Por i njëjti grotesk në "Pjetri I" i tij i famshëm (1907, Galeria Shtetërore Tretyakov) (Pjetri në foto është thjesht gjigant), i cili lejon Serov të përshkruajë lëvizjen e vrullshme të carit dhe oborrtarët që nxitojnë në mënyrë absurde pas tij, çon në një imazh që nuk është ironik, si në portretin e Orlovës, por simbolik, që përcjell kuptimin e një epoke të tërë. Artisti admiron origjinalitetin e heroit të tij.

Portret, peizazh, natyrë e qetë, pikturë shtëpiake, historike; vaj, gouache, tempera, qymyr - është e vështirë të gjesh zhanre pikture dhe grafike në të cilat Serov nuk do të punonte, dhe materiale që ai nuk do t'i përdorte.

Një temë e veçantë në veprën e Serov është fshatari. Në zhanrin e tij fshatar nuk ka mprehtësi shoqërore shëtitëse, por ka një ndjenjë të bukurisë dhe harmonisë së jetës fshatare, admirim për bukurinë e shëndetshme të popullit rus ("Në fshat. Një grua me një kalë", pastel, 1898 , Galeria Shtetërore Tretyakov). Peizazhet dimërore janë veçanërisht të shkëlqyera me gamën e tyre argjendi-perla të ngjyrave. Serov e interpretoi temën historike në mënyrën e tij:

"Gjuetitë mbretërore" me shëtitjet e kënaqësisë së Elizabeth dhe Katerinës II u përcollën nga artisti i kohës së re, ironike, por edhe admiruese pa ndryshim bukurinë e jetës së shekullit të 18-të. Interesi në shekulli XVIII u ngrit nga Serov nën ndikimin e "Botës së Artit" dhe në lidhje me punën për botimin e "Historisë së Dukës së Madhe, Gjuetisë Mbretërore dhe Perandorake në Rusi".

Është e vështirë të besohet menjëherë se portreti i Verusha Mamontova dhe Përdhunimi i Evropës janë pikturuar nga i njëjti mjeshtër, Serov është kaq i gjithanshëm në evolucionin e tij nga autenticiteti impresionist i portreteve dhe peizazheve të viteve '80 dhe '90 në Art Nouveau në motive historike. dhe kompozime nga mitologjia antike.

Rruga krijuese e Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) ishte më e drejtpërdrejtë, megjithëse në të njëjtën kohë jashtëzakonisht komplekse. Para Akademisë së Arteve (1880), Vrubel u diplomua në fakultetin juridik të Universitetit të Shën Petersburgut. Në 1884, ai shkoi në Kiev për të mbikëqyrur restaurimin e afreskeve në kishën e Shën Kirilit dhe vetë krijon disa kompozime monumentale. Ai bën skica me bojëra uji të muraleve të Katedrales së Vladimirit. Skicat nuk u transferuan në mure, pasi klienti ishte i frikësuar nga jokanoniku dhe ekspresiviteti i tyre.

Në vitet '90, kur artisti u vendos në Moskë, u formua stili i të shkruarit të Vrubelit, plot mister dhe fuqi pothuajse demonike, i cili nuk mund të ngatërrohet me asnjë tjetër. Ai e skalit formën si një mozaik, nga copa të mprehta "facete" të ngjyrave të ndryshme, sikur shkëlqejnë nga brenda ("Vajza në sfondin e një tapeti Persian", 1886, MRI; "Fortuneteller", 1895, Galeria Shtetërore Tretyakov) . Kombinimet e ngjyrave nuk pasqyrojnë realitetin e marrëdhënies së ngjyrave, por kanë një kuptim simbolik. Natyra nuk ka fuqi mbi Vrubelin. Ai e njeh atë, e zotëron atë në mënyrë të përsosur, por krijon botën e tij të fantazisë, e cila ka pak ngjashmëri me realitetin. Në këtë kuptim, Vrubel është në kundërshtim me impresionistët (për të cilët jo rastësisht thuhet se janë njësoj si natyralistët në letërsi), sepse ai në asnjë mënyrë nuk kërkon të rregullojë një përshtypje të drejtpërdrejtë të realitetit. Ai graviton drejt temave letrare, të cilat i interpreton në mënyrë abstrakte, duke u përpjekur të krijojë imazhe të përjetshme të fuqisë së madhe shpirtërore. Pra, pasi ka marrë ilustrime për Demonin, ai së shpejti largohet nga parimi i ilustrimit të drejtpërdrejtë ("Vallëzimi i Tamarës", "Mos qaj, fëmijë, mos qaj kot", "Tamara në arkivol", etj.) dhe tashmë në të njëjtin 1890 krijon "Demonin e ulur" të tij - një vepër, në fakt, pa komplot, por imazhi është i përjetshëm, si imazhet e Mefistofelit, Faustit, Don Zhuanit. Imazhi i Demonit është imazhi qendror i gjithë veprës së Vrubelit, tema e tij kryesore. Në 1899, ai shkroi "Demon që fluturon", në 1902 - "Djami i shtypur". Demoni i Vrubelit është, para së gjithash, një krijesë e vuajtur. Vuajtja mbizotëron mbi të keqen në të, dhe kjo është veçantia e interpretimit kombëtar rus të imazhit. Bashkëkohësit, siç u vu re me të drejtë, panë në "Demonët" e tij një simbol të fatit të një intelektuali - një romantik, duke u përpjekur të shpërthejë në mënyrë rebele nga një realitet pa harmoni në një botë joreale ëndrrash, por të zhytur në realitetin e përafërt të tokësore. Kjo tragjedi e botëkuptimit artistik përcakton edhe karakteristikat e portretit të Vrubelit: mosmarrëveshjet shpirtërore, prishja e autoportreteve të tij, vigjilenca, gati frika, por edhe forca madhështore, monumentaliteti - në portretin e S. Mamontov (1897, Galeria Shtetërore Tretyakov). , konfuzion, ankth -- në një përrallore imazhi i "The Swan Princess" (1900, Galeria Shtetërore Tretyakov), madje edhe në panelet e tij dekorative "Spanjë" (1894, Galeria Shtetërore Tretyakov) dhe "Venecia" (1893, Muzeu Rus) ekzekutuar për E.D. Dunker, nuk ka paqe dhe qetësi. Vetë Vrubel formuloi detyrën e tij - "të zgjojë shpirtin me imazhe madhështore nga gjërat e vogla të jetës së përditshme" Fedorov-Davydov A.A. I.I. Levitani. Jeta dhe krijimi. M., 1966.- Fq.56 .

Vrubel krijoi pikturat e tij më të pjekura dhe veprat grafike në fund të shekullit - në zhanrin e peizazhit, portretit, ilustrimit të librave. Në organizimin dhe interpretimin dekorativo-planar të kanavacës apo fletës, në ndërthurjen e reales me fantastiken, në përkushtimin ndaj zgjidhjeve ornamentale, ritmikisht komplekse në veprat e tij të kësaj periudhe, veçoritë e modernitetit po afirmohen gjithnjë e më shumë.

Ashtu si K. Korovin, Vrubel ka punuar shumë në teatër. Peizazhi i tij më i mirë u interpretua për operat e Rimsky-Korsakov-it The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Car Saltan dhe të tjerë në skenën e Operës Private të Moskës, domethënë për ato vepra që i dhanë mundësinë të "komunikonte" me folklorin rus. , përrallë, legjendë.

Universalizmi i talentit, imagjinata e pakufishme dhe pasioni i jashtëzakonshëm për afirmimin e idealeve fisnike e dallojnë Vrubelin nga shumë prej bashkëkohësve të tij.

Vepra e Vrubelit më e ndritshme se të tjerat pasqyroi kontradiktat dhe hedhjen torturuese të epokës historike. Në ditën e varrimit të Vrubelit, Benois tha: “Jeta e Vrubelit, siç do të hyjë tani në histori, është një simfoni e mrekullueshme patetike, domethënë forma më e plotë e ekzistencës artistike. Brezat e ardhshëm ... do të shikojnë prapa në dekadat e fundit të shekullit të 19-të si në "epokën e Vrubelit" ... Pikërisht në të koha jonë u shpreh në gjënë më të bukur dhe më të trishtuar që ishte në gjendje të bënte. 7 .

Me Vrubelin po hyjmë në një shekull të ri, në epokën e “Epokës së Argjendit”, periudhës së fundit të kulturës së Shën Petersburgut të Rusisë, e cila është jashtë kontaktit si me “ideologjinë e revolucionarizmit” (P. Sapronov) dhe “me autokraci që prej kohësh ka pushuar së qeni forcë kulturore dhe shtet”. Fillimi i shekullit lidhet me ngritjen e mendimit filozofik e fetar rus, me nivelin më të lartë të poezisë (mjafton të përmendim Blok, Bely, Annensky, Gumilyov, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub); teatër dramë dhe muzikor, balet; "zbulimi" i artit rus të shekullit të 18-të (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), piktura e lashtë e ikonave ruse; profesionalizmi më i mirë i pikturës dhe i grafikës që nga fillimi i shek. Por “Epoka e Argjendtë” ishte e pafuqishme përballë ngjarjeve tragjike të afërta në Rusi, e cila po shkonte drejt një katastrofe revolucionare, duke vazhduar të qëndronte në “kullën e fildishtë” dhe në poetikën e simbolizmit.

Nëse vepra e Vrubelit mund të lidhet me drejtimin e përgjithshëm të simbolizmit në art dhe letërsi, megjithëse, si çdo artist i madh, ai shkatërroi kufijtë e drejtimit, atëherë Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870--1905) është një eksponent i drejtpërdrejtë i pikturës. simbolika dhe një nga retrospektivistët e parë në artet e bukura të Rusisë kufitare. Madje, kritikët e kohës e quajtën atë "ëndërrimtarin e retrospektivizmit". Pasi vdiq në prag të revolucionit të parë rus, Borisov-Musatov doli të ishte plotësisht i shurdhër ndaj disponimeve të reja që po shpërthyen me shpejtësi në jetë. Veprat e tij janë një trishtim elegjiak për "foletë fisnike" të vjetra boshe dhe "kopshtet e qershisë" që po vdesin, për gratë e bukura, të shpirtëruara, thuajse jotokësore, të veshura me disa lloj kostumesh të përjetshme që nuk mbajnë shenja të jashtme të vendit dhe kohës.

3. Shoqatat e artit dhe roli i tyre në zhvillimin e pikturës

"BOTA E ARTIT"

Shoqata artistike “Bota e Artit” u vetëshpall duke nxjerrë një revistë me të njëjtin emër në kapërcyellin e shekujve 19-20. Botimi i numrit të parë të revistës "World of Art" në Shën Petersburg në fund të vitit 1898 ishte rezultat i komunikimit dhjetëvjeçar midis një grupi piktorësh dhe grafistësh të kryesuar nga Aleksandri. Nikolaevich Benois (1870-1960).

Qëllimi kryesor i krijimtarisë artistike u deklarua të ishte bukuria, dhe bukuria në kuptimin subjektiv të çdo mjeshtri. Një qëndrim i tillë ndaj detyrave të artit i dha artistit liri absolute në zgjedhjen e temave, imazheve dhe mjeteve të shprehjes, gjë që ishte mjaft e re dhe e pazakontë për Rusinë.

Bota e Artit hapi për publikun rus shumë dukuri interesante dhe të panjohura më parë të kulturës perëndimore, në veçanti pikturën finlandeze dhe skandinave, artistët anglezë para-rafaelitë dhe artistin grafik Aubrey Beardsley.

Një tipar dallues i artistëve të "Botës së Artit" ishte shkathtësia. Ata ishin të angazhuar në pikturë, dhe dizajnimin e prodhimeve teatrale, dhe artet dhe zanatet. Megjithatë, vendi më i rëndësishëm në trashëgiminë e tyre i takon grafikës.

Veprat më të mira të Benois janë grafike; ndër to janë veçanërisht interesante ilustrimet për poemën e A. S. Pushkin "Kalorësi prej bronzi" (1905-1922). Petersburgu u bë "heroi" kryesor i të gjithë ciklit: rrugët, kanalet, kryeveprat arkitekturore të tij shfaqen ose në ashpërsinë e ftohtë të linjave të holla, ose në një kontrast dramatik të pikave të ndritshme dhe të errëta. Në kulmin e tragjedisë, kur Eugenie po vrapon nga gjigandi i frikshëm që galopon pas tij - monumenti i Pjetrit, mjeshtri pikturon qytetin me ngjyra të errëta dhe të zymta.

Vepra e Benois i afrohet idesë romantike për të kundërshtuar një hero të vetmuar të vuajtur dhe botën, indiferente ndaj tij dhe kështu ta vrasë atë.

Dizajni i shfaqjeve teatrale është faqja më e ndritshme në veprën e Lev Samuilovich Bakst (emri i vërtetë Rosenberg; 1866-1924). Veprat e tij më interesante lidhen me prodhimet e operës dhe baletit të stinëve ruse në Paris 1907-1914. - një lloj festivali i artit rus, organizuar nga Dyagi-lev. Bakst bëri skica të peizazheve dhe kostumeve për operën "Salo-meya" të R. Strauss, suitën "Scheherazade" të N. A. Rimsky-Korsakov, baletin "Pasditja e një Faun" nën muzikën e C. Debussy dhe shfaqje të tjera. Veçanërisht të shquara janë skicat e kostumeve, të cilat janë bërë vepra grafike të pavarura. Artisti ka modeluar kostumin, duke u fokusuar në sistemin e lëvizjeve të kërcimtarit, përmes linjave dhe ngjyrave, ka kërkuar të zbulojë modelin e kërcimit dhe natyrën e muzikës. Në skicat e tij, mprehtësia e vizionit të figurës, një kuptim i thellë i natyrës së lëvizjeve të baletit dhe hiri i mahnitshëm janë të habitshëm.

Një nga temat kryesore për shumë mjeshtra të "Botës së Artit" ishte apeli për të kaluarën, malli për botën e humbur ideale. Epoka e preferuar ishte shekulli XVIII, dhe mbi të gjitha periudha e Rokokos. Artistët jo vetëm që u përpoqën të ringjallen këtë herë në punën e tyre - ata tërhoqën vëmendjen e publikut për artin e vërtetë të shekullit të 18-të, në fakt, duke rizbuluar veprën e piktorëve francezë Antoine Watteau dhe Honore Fragonard dhe bashkatdhetarëve të tyre Fyodor Rokotov dhe Dmitry Levitsky. .

Imazhet e "epokës galante" lidhen me veprat e Benois, në të cilat pallatet dhe parqet e Versajës paraqiten si një botë e bukur dhe harmonike, por e braktisur nga njerëzit. Evgeny Evgenievich Lanceray (1875---1946) preferoi të përshkruante fotografi të jetës ruse në shekullin e 18-të.

Me ekspresivitet të veçantë, motivet rokoko u shfaqën në veprat e Konstantin Andreevich Somov (1869--1939). Ai iu bashkua historisë së artit herët (babai i artistit ishte kurator i koleksioneve të Hermitage). Pas diplomimit në Akademinë e Arteve, mjeshtri i ri u bë një njohës i madh i pikturës së vjetër. Somov imitoi shkëlqyeshëm teknikën e saj në pikturat e tij. Zhanri kryesor i punës së tij mund të quhet variacione në temën e "skenës galante". Në të vërtetë, në kanavacat e artistit, personazhet e Watteau duket se kthehen në jetë - zonja me fustane dhe paruke madhështore, aktorë të komedisë së maskave. Ata flirtojnë, flirtojnë, këndojnë serenata në rrugicat e parkut, të rrethuar nga shkëlqimi përkëdhelës i dritës së perëndimit të diellit.

Somov arriti të shprehë admirimin e tij nostalgjik për të kaluarën veçanërisht në mënyrë delikate përmes imazheve femërore. Vepra e famshme "Zonja me blu" (1897-1900) është një portret i një bashkëkohësi të artistit mjeshtër E. M. Martynova. Ajo është e veshur në modën e vjetër dhe është përshkruar në sfondin e një parku peizazhi poetik. Mënyra e pikturimit imiton shkëlqyeshëm stilin Biedermeier. Por sëmundshmëria e dukshme e pamjes së heroinës (Martynova vdiq shpejt nga tuberkulozi) ngjall një ndjenjë të dëshirës akute, dhe butësia idilike e peizazhit duket joreale, ekzistuese vetëm në imagjinatën e artistit.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) e përqendroi vëmendjen e tij kryesisht në peizazhin urban. Shën Petersburgu i tij, ndryshe nga Shën Petersburgu i Benois, është i lirë nga një aureolë romantike. Artisti zgjedh pamjet më jotërheqëse, "gri", duke e treguar qytetin si një mekanizëm të madh që vret shpirtin e njeriut.

Përbërja e pikturës "Njeriu me syze" ("Portreti i K. A. Syunnerberg", 1905-1906) bazohet në kundërshtimin e heroit dhe qytetit, i cili duket nga një dritare e gjerë. Në pamje të parë, rreshti lara-lara i shtëpive dhe figura e një burri me fytyrën e zhytur në hije duken të izoluara nga njëra-tjetra. Por ka një lidhje të thellë të brendshme midis këtyre dy aeroplanëve. Pas shkëlqimit të ngjyrave qëndron mërzia "mekanike" e shtëpive të qytetit. Heroi është i shkëputur, i zhytur në vetvete, në fytyrën e tij nuk ka veç lodhje dhe zbrazëti.

UNIONI I ARTISTEVE RUSE

Unioni i Artistëve Ruse është një shoqatë që u ngrit në 1903 në Moskë. Bërthama e saj ishte Konstantin Yuon, Abram Arkhipov. Igor Grabar, Arkady Rylov. Bota e Artit luajti një rol të rëndësishëm në shfaqjen e Unionit, megjithëse mjeshtrit e Moskës në shumë mënyra u përpoqën t'i kundërviheshin Petersburgerëve. Ata ishin larg simbolizmit dhe ideve të lidhura me to. Stili i tyre kombinoi traditat realiste të Wanderers dhe përvojën e impresionizmit në transmetimin e ajrit dhe dritës. Të ndikuar disi nga puna e Konstantin Korovin, i cili shpesh merrte pjesë në ekspozitat e Unionit, këta artistë gravituan drejt pikturës së peizazhit dhe zhanrit.

Piktori më interesant i peizazhit ishte Konstantin Fedorovich Yuon (1875-1958). Më e mira nga të gjitha, ai ia doli me peizazhe lirike dimërore (“Dielli i marsit”, 1915; “Dielli i dimrit”, 1916), në të cilat ai përcolli me delikatesë lojën e dritës mbi borën e shkrirë, kaltërsinë e butë të qiellit. Dhe në pamjet e Trinity-Sergius Lavra (më e mira prej tyre u pikturua në 1910), kontrasti i borës së bardhë dhe ndërtesave me ngjyra të ndezura, figurat njerëzore fitojnë një bukuri thjesht dekorative, duke i afruar këto vepra me Art Nouveau.

Kërkimet kureshtare shënuan veprën e Igor Emmanuilovich Grabar (1871-1960). Peizazhi i tij i butë dhe poetik në humor "Bluja e shkurtit" (1904) dëshmon për njohjen e artistit jo vetëm me impresionizmin, por edhe me tendencat e mëvonshme të pikturës franceze. Trungjet dhe degët e pemëve të thuprës, të zhytur në shkëlqimin e diellit të ftohtë të dimrit, janë pikturuar me goditje të shkurtra dhe i ngjajnë teknikës pointilliste. E njëjta mënyrë është e dukshme në pikturën e shkëlqyer të natyrës së qetë "Tavolina e çrregullt" (1907), në të cilën, falë një sistemi refleksesh (theksimi i ngjyrave), të gjitha objektet kombinohen me mjeshtëri në një tërësi koloristike.

Peizazhet e Arkady Alexandrovich Rylov (1870-1939), student i A. I. Kuindzhi, janë shumë emocionues. Në pikturën "Zhurma e gjelbër" (1904), gjethja që lëkundet nën një shpërthim ere është pikturuar me goditje gjithëpërfshirëse të lëngshme dhe panorama që shkon në distancë duket po aq e ndritshme sa plani i parë, gjë që krijon një ndjenjë dekorative.

Artisti Abram Efimovich Arkhipov (1862--1930) studioi me Wanderers të famshëm - V. G. Perov dhe V. D. Polenov. Pikturat e tij të zhanrit karakterizohen si nga përmbajtja realiste ashtu edhe nga një orientim i mprehtë shoqëror. Megjithatë, ata nuk janë tërhequr aq shumë nga kjo. sa chi-qind virtyte piktoreske. E tillë është fotografia e “Washerwomen” (fundi i viteve 90 të shekullit të 19-të). Kompozimi i saj, i cili përfshin vetëm një pjesë të vogël të dhomës, është ndërtuar mjaft në frymën e veprave të hershme të Edgar Degas mbi të njëjtën temë. Avulli i rrotulluar shpërndan konturet e figurave dhe konturet e fytyrave, dhe kombinimi i ngjyrave të toneve të heshtura gri, të verdhë, kafe dhe jargavan është çuditërisht i pasur me nuanca.

Puna e mjeshtrave të Unionit të Artistëve Ruse, me gjithë sharmin dhe nivelin e lartë teknik, u dallua nga një konservatorizëm mjaft i fortë. Rrënjët e forta realiste nuk i kanë lejuar kurrë piktorët të hyjnë në kërkimin e formave dhe mjeteve të reja shprehëse. Ndoshta kjo është arsyeja pse shumë anëtarë të Unionit të Artistëve Ruse përshtaten në mënyrë të përkryer në tablonë e zhvillimit të artit zyrtar të periudhës sovjetike, megjithatë, duke përbërë pjesën më të denjë të tij.

"Trëndafili Blu"

Në mars 1907, me iniciativën e mbrojtësit, koleksionistit dhe artistit amator Nikolai Pavlovich Ryabushinsky (1877-1951), u hap në Moskë një ekspozitë e një grupi piktorësh të quajtur "Trëndafili Blu". Pjesëmarrësit kryesorë të saj - Pavel Kuznetsov, Sergei Sudeikin, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan dhe të tjerë - ishin të diplomuar në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë. Në fillim të shekullit XX. ata ishin të bashkuar nga një pasion i thellë për idetë e simbolizmit. Disa prej tyre bashkëpunuan në revistat simboliste të Moskës Libra dhe Golden Fleece. Por më i forti ishte ndikimi i V. E. Borisov-Musatov. Pikërisht në bazë të stilit të tij piktural artistët e rinj simbolist përcaktuan detyrën kryesore të punës së tyre: zhytjen në botën e ndjenjave më delikate, të pakapshme, ndjenjat e brendshme të fshehura dhe komplekse që nuk mund të shpjegohen me fjalë.

Ndryshe nga grupet e tjera të artit, për të cilat ekspozita e parë e përbashkët u bë fillimi i rrugës, për simbolistët e Moskës doli të ishte fundi: menjëherë pas kësaj, komuniteti filloi të shpërbëhej. Sidoqoftë, stili i "Trëndafilit Blu" përcaktoi kryesisht punën e mëtejshme të secilit prej tyre.

Në mesin e gjashtëmbëdhjetë ekspozuesve, Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878-1968) është padyshim me interes të veçantë. Deri në fillim të viteve 10. Shekulli 20 puna e artistit ishte afër mënyrës së mësuesit të tij Borisov-Musatov dhe simbolistëve francezë të grupit Nabis. Peizazhet e Kuznetsov në 1904-1905, për shembull, "Shatërvan", "Mëngjes", janë krijuar me ngjyra të ftohta: gri-blu, jargavan i zbehtë. Skicat e objekteve janë të paqarta, imazhi i hapësirës priret të jetë dekorativ. Mjeshtri i kushtoi vëmendje të madhe transmetimit të veçantë të dritës, duke i dhënë peizazhit një ndjenjë butësie dhe në të njëjtën kohë një ndjenjë trishtimi therës. Në veprat e Kuznetsov të viteve 10, veçanërisht në të ashtuquajturën "Seria Lindore", stili unik krijues i mjeshtrit të pjekur tashmë është qartë i dukshëm. Piktura "Mirage in the Steppe" (1912) në shikim të parë është jashtëzakonisht e thjeshtë në përmbajtje: stepa, tenda të vetmuara, njerëz që ecin ngadalë ose që flasin që nuk e vërejnë shkëlqimin e mrekullueshëm që mbushi qiellin. Fotografia zgjidhet përsëri me ngjyra të ftohta, dhe pikat e ndritshme (çadrat, figurat njerëzore) vetëm theksojnë dominimin absolut të gamës gri-blu. Shkëlqimi i butë i një mirazhi është gjëja kryesore që tërheq në foto: është ai që duket se është një realitet i vërtetë, dhe njerëzit dhe shtëpitë e tyre perceptohen si një mirazh.

Një faqe e jashtëzakonshme në historinë e simbolizmit të Moskës është vepra e hershme e piktorit armen Martiros Sergeevich Saryan (1880-1972). Ai mund të demonstronte në mënyrë të përkryer hollësinë e ndjesive dhe nënvlerësimin simbolist, si, për shembull, në veprën "Liqeni i Zanave" (1906), i cili është ndërtuar mbi lojën e toneve të ftohta tipike për "Trëndafilin Blu". Sidoqoftë, elementi i vërtetë i artistit është bota e Lindjes me temperamentin e saj dhe shkëlqimin e ndezur të paletës. Në foto të tilla si “Rruga. mesditë. Konstandinopojë "(1910)," Palma e hurmës "(1911), artisti pikturon formën me ngjyra të pasura dhe goditje energjike.

Në veprat e Nikolai Nikolaevich Sapunov (1880--1912), elementet e simbolizmit dhe primitivizmit janë të ndërthurura. Kanavaca e tij "Carousel" (1908), me sa duket, është një "fotografi e drejtë-rock" tipike primitiviste. Sidoqoftë, goditjet e lehta të shkurtra, kombinimet komplekse të bojrave të pastra (d.m.th., jo të përziera në paletë) bëjnë që njeriu të kujtojë mënyrën e rafinuar të mjeshtrave francezë. Dhe kjo e kthen skenën farsë në një “vizion” simbolik.

Imazhet e epokave të shkuara kishin një rëndësi të konsiderueshme për Sapunovin, gjë që e afron atë me mjeshtrit e Shën Peterburgut të Botës së Artit. E tillë është fotografia "Ball" (1910). duke ringjallur në kujtesë skenën e topit provincial të kohës së Pushkinit.

Gjendje shumë më të forta nostalgjike ndihen në veprën e Sergei Yuryevich Sudeikin (1882-1946). Veprimi i pikturave të artistit, në veçanti vepra "Në park" (1907), zakonisht zhvillohet në parqet angleze, midis gjetheve të dendura dhe arboreve të lehta të humbura në të. Çiftet e dashuruara të izoluar në varka dhe në rrugicat e parkut duket se treten në një mjegull të butë të ajrosur, figurat e tyre të vogla bëhen pjesë organike e natyrës. Drita e zymtë e shpërndarë u jep këtyre "skenave të kohërave të sentimentalizmit" një ndjenjë ëndërrimi dhe një dëshirë të mprehtë për të parealizueshmen.

Ekspozita "Trëndafili Blu" nuk çoi në krijimin e një shoqate të fortë artistike të simbolistëve të Moskës. Por emri i saj më vonë u kthye në një metaforë që përcakton tiparet kryesore të stilit të tyre: intimitet, mall për reflektim.

Pra, në fund të shekullit, shumë shoqata artistike u ngritën në Rusi: "Bota e Artit". Unioni i Artistëve Rus dhe të tjerë mblodhën nën një çati piktorë të frymëzuar nga ideja e ringjalljes së kulturës popullore.

konkluzioni

Shfaqja e një modeli të ri të pikturës në fund të shekullit XIX - fillimi i shekullit të 20-të, i cili quhet Epoka e Argjendtë, ishte për shkak të ndryshimeve të thella në qëndrimin kombëtar dhe vlerat e jetës shpirtërore. Kriza e ndërgjegjes u shfaq në dekadencë, në përpjekje për t'u larguar nga stereotipat dhe dogmat e epokës së iluminizmit. Ndryshimi në themelet e kulturës kombëtare vazhdoi në tre drejtime. Së pari, pati një tranzicion nga një tablo racionaliste e botës në përpjekjet për të kuptuar botën në integritetin e saj të pandashëm përmes kombinimit të njohurive, besimit dhe ndjenjave. Së dyti, elementët e filozofisë fetare laike u formuan si një botëkuptim i ri i kulturës. Së treti, kultura hoqi barrën e "mësimdhënies" dhe aktivizoi rolin profetik dhe krijues të krijimtarisë artistike.

Ndryshimet në themelet e botëkuptimit në kapërcyellin e shekujve 19-20. kombinuar me kërkime krijuese në fushën e gjuhës artistike. Rezultati më i plotë i ndryshimeve u shpreh në formimin e sistemit estetik të simbolizmit, i cili u bë shtysë për rinovimin e të gjitha sferave të kulturës.

Në fillim të shekullit, piktura ruse i kapërceu kufijtë kombëtarë dhe u bë një fenomen i klasit botëror. Ajo përdori të gjithë pasurinë e botës dhe traditat e saj kulturore për formimin e versionit të brendshëm të modernitetit.

Burimet e rëndësishme të formimit të bazës shpirtërore të epokës së argjendit ishin kultura e provincave dhe qyteteve të vogla. Art Nouveau, simbolika dhe avangarda luajtën rolin e një lloj "motori" që i dha përshpejtim zhvillimit shpirtëror të kombit, duke e "shtyrë" fjalë për fjalë në shekullin e ri të 20-të.

Letërsia

1. Berezovaya L.G. Historia e kulturës ruse.-M., 2002 -431s.

2. Borisova E.A., Sternin G.Yu. Moderne ruse - . M., 2000.-261s.

3. Vlasova R.I. Konstantin Korovin. Krijimtaria.- L., 1970.-132f.

4. Volkov N.N. Kompozicioni në pikturë.- M., 1977.- 174f.

5. Ilyina T.V. Historia e arteve-M., 2003- 407s.

6. Lapshin V. "Bashkimi i Artistëve Rus" - M., 1971. - 206f.

7. Lapshina N. “Bota e Artit”. Ese mbi historinë dhe praktikën krijuese. M., 1977.- 186s.

8. Lebedev G.E. Ilustrim i librit rus të shekullit të 19-të. M., 1952.-160.

9. Ese mbi historinë e portretit rus të gjysmës së dytë të shekullit XIX / Ed. N.G. Mashkovtsev. M., 1963.

10. Ese mbi historinë e portretit rus të fundit të XIX - fillimi i shekullit XX / Ed. N.G. Mashkovtsev dhe N.I. Sokolova. M., 1964.

11. Piktura e zhanrit rus XIX - fillimi i shekullit XX. Ese. M., 2004 -208..

12. Sarabyanov D.V. Piktura ruse e shekullit XIX. ndër shkollat ​​evropiane. M., 1980.

13. Sarabyanov D.V. Historia e artit rus në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të. M., 1989.

14. Sternin G.Yu. Jeta artistike e Rusisë në fund të shekujve XIX-XX - M. 1999-68...

15. Turchin V. S. Epoka e romantizmit në Rusi. M., 1981.

16. Fedorov-Davydov A.A. I.I. Levitani. Jeta dhe krijimi. M., 1966.

Në historinë e vendit tonë, kthesa e shekujve 19 dhe 20 është e ngopur me një përmbajtje të madhe socio-historike. Ishte koha kur, sipas përcaktimit të V. I. Leninit, filloi një "stuhi", "lëvizja e vetë masave" - ​​një fazë e re, proletare. lëvizjen e lirisë, i shënuar nga tre revolucione, i fundit prej të cilëve, Revolucioni i Madh Socialist i Tetorit, hapi një epokë të re në historinë e Rusisë dhe në historinë e mbarë njerëzimit. Por rruga që çoi në Revolucionin e Tetorit ishte e paqartë.
Fundi i 19-të dhe vitet e para të shekullit të 20-të ishin, nga njëra anë, një kohë e reagimit të dhunshëm politik, shtypjes së çdo mendimi të lirë; nga ana tjetër, kjo është koha e fillimit të luftës së organizuar të klasës punëtore, e përhapjes së marksizmit në Rusi, koha kur Lenini hodhi themelet e partisë punëtore revolucionare marksiste.
Ishte gjatë këtyre viteve që filloi një ngritje e re shoqërore, e cila ishte nën shenjën e përgatitjes së revolucionit të parë rus.
Mësymja e parë e stuhisë popullore po afrohej. Qendra e lëvizjes revolucionare botërore u zhvendos në Rusi.
Forcimi i lëvizjes çlirimtare u reflektua në të gjitha fushat e jetës publike. Kultura demokratike ruse, e frymëzuar nga idetë fisnike çlirimtare dhe patriotike, mori gjithashtu zhvillim të mëtejshëm. Shkenca, letërsia dhe arti arritën suksese të reja të shkëlqyera.
Në vitet 1890, mjeshtrat më të mëdhenj që kishin filluar udhëtimin e tyre në periudhën e mëparshme vazhduan të punojnë - Repin, Surikov, Shishkin, Vasnetsov, Antokolsky dhe të tjerë.
Artistët përparimtarë, besnikë ndaj popullit të tyre, të lidhur ngushtë me jetën e tij, ata nuk qëndruan mënjanë nga ngritja e përgjithshme. Idealet e reja shoqërore përparimtare gjetën një përgjigje të gjallë në punën e tyre dhe i lejuan ata të pasurojnë thesarin e kulturës ruse me vepra të reja të jashtëzakonshme.
Duke vazhduar traditat më të mira demokratike të shkollës kombëtare të artit, këta mjeshtër të shquar i zhvilluan ato më tej në përputhje me kërkesat e reja të kohës. Ata i perceptuan me ndjeshmëri dhe përmes mjeteve të artit të tyre pasqyruan problemet sociale të reja të lidhura me zgjimin e forcave popullore, parashtruan tema dhe imazhe të reja dhe futën përmbajtje të reja në veprat e tyre.
Pra, tashmë në vitet nëntëdhjetë, arti ynë u pasurua me një sërë veprash të shënuara nga tipare thelbësisht të reja. Këto janë kanavacë të një stili monumental, heroik, në të cilin imazhet tipike të heronjve popullorë mishërohen me fuqi të madhe dhe shprehen idetë patriotike kombëtare - krenaria për tokën ruse dhe popullin rus, të kaluarën e saj të lavdishme dhe rolin e saj të madh historik. Të tillë janë "Bogatyrët" (1881 - 1898) e V. Vasnetsov dhe "Kozakët" (1878-1891) e Repinit, "Pushtimi i Siberisë" (1895) dhe "Kalimi i Alpeve nga Suvorov" (1899) i Surikovit; këto piktura janë të mbushura me bindjen e artistëve se historia nuk krijohet nga individë, por nga masat e popullit, se është populli ai që është heroi dhe interpretuesi i bëmave historike. V.V. Vereshchagin flet gjithashtu për veprën e njerëzve në një seri të madhe pikturash historike mbi temën Lufta Patriotike 1812 (1889-1900), ku Napoleoni dhe ushtria e tij kundërshtohen nga populli rus, i cili është ngritur për të luftuar për pavarësinë e tij kombëtare. Një nga pikturat e serisë, e quajtur "Mos e blloko, më lër të dal ..." (1895), përshkruan një pritë fshatarësh partizanë, ata patriotë të thjeshtë dhe të errët, duart e të cilëve u dhanë një goditje vdekjeprurëse pushtuesve të huaj. .
Të gjitha këto vepra i bashkon një ndjenjë, një ide që qëndron në themel të tyre - ideja për të lavdëruar atdheun, njerëzit. Masa e shumëanshme e popullit shfaqet në to jo më e shtypur dhe e dërrmuar: është vetë elementi i popullit që është ngritur në vepra të mëdha dhe plot fuqi heroike dhe forcë morale vendos për fatin e atdheut.
Këtyre pikturave i bashkohen peizazhet monumentale siberiane dhe urale të A. Vasnetsov, duke krijuar një imazh madhështor të natyrës ruse, dhe disa vepra të mëvonshme të I. Shishkin (“Ship Grove”, 1898), statuja “Ermak” e M. Antokolsky. (1891) dhe të tjerë.
Është e qartë se vetëm në një vend ku po ziente një revolucion popullor, ku, duke dëshmuar për zgjimin e masave të popullit për të luftuar, "deti i madh i popullit, i trazuar deri në thellësi", po ziente - a mundet tema e populli të pozojë aq në art dhe të marrë një zgjidhje të tillë. Duke kapur me ndjeshmëri këto gjëmime të largëta të stuhisë revolucionare që po afrohej, artistët përparimtarë rusë përjetuan një besim gjithnjë e më të madh në forcën e popullit dhe tërhoqën nga ky besim optimizmin e tyre shoqëror, i cili i dha një ngjyrë krejtësisht të re pikëpamjes së tyre krijuese. Demokratët në bindjet e tyre, të lidhur ngushtë me njerëzit, vëzhgues të mprehtë të jetës, këta mjeshtër të artit rus e ndjenin thellë pulsin e modernitetit dhe nëse ata vetë ndonjëherë nuk e kuptonin lidhjen midis përmbajtjes së veprave të tyre dhe këtij moderniteti, megjithatë mori reflektim në kanavacë mbi temën historike, madje - në një farë kuptimi - në peizazhe. Ishte një parandjenjë e disa ndryshimeve të mëdha, vetë pritshmëria e një stuhie të madhe, e cila u shpreh nga A.P. Chekhov me fjalët e një prej personazheve të tij: "Ka ardhur koha, pjesa më e madhe po na afrohet të gjithëve, i shëndetshëm po përgatitet. stuhi e dhunshme, që po vjen, tashmë është afër dhe së shpejti do të fryjë dembelizmin, indiferencën, paragjykimin ndaj punës, mërzinë e kalbur nga shoqëria jonë..."
Një pasqyrim më i drejtpërdrejtë dhe i menjëhershëm i fazës së re të luftës shoqërore u gjet në punën e një grupi tjetër artistësh që u kthyen në skena nga jeta e proletariatit dhe fshatarësisë më të varfër; ishin brushat e tyre që zotëronin fotografitë e para të betejave të klasave në qytet dhe fshat në periferi të revolucionit të parë rus, ata pasqyruan në veprat e tyre ngjarjet e 1905.
Duke vazhduar traditën e Wanderers, artistët nga i ashtuquajturi brezi i ri i Wanderers - S. Korovin, S. Ivanov, A. Arkhipov, N. Kasatkin dhe të tjerë - mbuluan me të vërtetë jetën e fshatit rus në kohën paraardhëse. Revolucioni i vitit 1905. Njohja e thellë e jetës së njerëzve, dhembshuria shpirtërore për fatkeqësitë dhe vështirësitë e të varfërve rurale i ndihmuan ata të krijonin vepra plot me të mëdha: të vërtetën e jetës dhe rezonancë të mprehtë shoqërore.
Pra, në pikturën e S. Korovin "Për botën" (1893), për herë të parë në pikturën tonë, shfaqet një konflikt akut, tipik për fshatin rus të asaj kohe: në një tubim rural, një fshatar i varfër, një ish-rob, i rrënuar nga reformat, më kot përpiqet të arrijë një zgjidhje të drejtë të çështjes në dobi të tij; pronari i tokës, të cilin askush nuk guxon ta kundërshtojë, qesh në mënyrë tallëse me të ...
S. Ivanov ua kushtoi pikturat e para kolonëve fshatarë. Me një vërtetësi të ashpër ai përshkruan fatin e tmerrshëm të të varfërve, të cilët uria i largon nga atributet e tyre lypëse dhe i bën të enden nëpër vend në kërkim të një copë buke. Situata e dëshpëruar e kolonëve, vdekja e kolonëve në stepë, të burgosurit në burg, të dënuarit e arratisur - këto janë komplotet e pikturave të tij. Por së shpejti S. Ivanov fillon të shohë diçka tjetër - fillimin e fermentimit revolucionar, duke përqafuar gjithnjë e më shumë shtresat e ulëta të popullit. Artisti përshkruan një agjitator populist që shpërndan fshehurazi literaturë ilegale për fshatarët; skicon trazirat e studentëve në Universitetin e Moskës. Ai zotëron gjithashtu imazhet e para në pikturën ruse të një revolte fshatare ("Trazirat në fshat", 1889) dhe luftën e klasave të proletariatit: "Ikja e drejtorit nga fabrika gjatë grevës" (fundi i viteve 1880) dhe " Greva” (1903). Natyrisht, S. Ivanov më pas doli të ishte ndër ata artistë që, në ditët e paharrueshme të vitit 1905, kapën ngjarjet e revolucionit të parë rus.
A. E. Arkhipov, një piktor i shkëlqyer, zotëroi me mjeshtëri mënyrën e shkrimit të gjerë, me lëng, me ngjyra dhe punoi në traditat e shkrimtarëve të jetës së Wanderers. Arkhipov, në pikturat e tij nga jeta e fshatarësisë më të varfër, e trajtoi këtë temë me depërtim dhe ngrohtësi të madhe ("Në Vollgë", 1888-1889; "Në lumin Oka", 1889; "Akulli ka kaluar",
1894-1895). Shumë gra pa gëzim - e tillë është përmbajtja e pikturës "Punëtorët e ditës në shkritoren e hekurit" (1895-1896). Piktura e Arkhipov "Washerwomen" (fundi i viteve 1890), një herë e parë, është e vështirë të harrohet, me një fuqi kaq mbresëlënëse ai përshkruan imazhet e grave punëtore, të rraskapitura nga puna e tepërt në lagjet e varfëra të një qyteti kapitalist. Këtu tingëllon qartë zëri i protestës së artistit-demokrat.