Piktura ruse e XX-it të vonë në fillim të XX

- 49,27 Kb

Ministria e Kulturës, Kombeve, Politikave të Informacionit dhe Arkivave

Republika Çuvash

BEI HPE "Instituti Shtetëror Çuvash i Kulturës dhe Artit"

Fakulteti i Kulturës

Departamenti i Shkencave Humane dhe Disiplina Sociale-Ekonomike

ESE

në lëndën e Historisë së Artit

Tema: Piktura e fundit të shekullit të 19-të, fillimi i shekullit të 20-të.

"Trëndafili blu", "Jack of Diamonds",

"Suprematizmi i Kazimir Malevich"

Plotësuar nga: student i vitit 1

ZO SKD Osipova L.B.

Kontrolluar nga: Grishin V.I.

Cheboksary, 2012

Hyrje……………………………………………………………………………………………………………………………………

Kapitulli 1 Piktura e fundit të shekullit të 19-të të fillimit të shekullit të 20-të.………………2

Kapitulli 2 “Trëndafili Blu”……………………………………………..9

Kapitulli 3 "Jack of Diamonds"……………………………………….13

Kapitulli 4 “Suprematizmi i Kazimir Malevich”………………..17

Përfundim…………………………………………………………

Piktura e fundit të shekullit të 19-të - fillimit të shekullit të 20-të

Kjo kohë e “evgjeve”, pritshmëria e ndryshimeve në jetën publike, solli shumë prirje, asociacione, grupime, përplasje botëkuptimesh dhe shijesh të ndryshme. Por kjo i dha shkas edhe universalizmit të një brezi të tërë artistësh që dolën përpara pas “Endacakëve” “klasikë”.

Mësimet impresioniste të pikturës plein air, kompozimi i "inkuadrimit të rastësishëm", mënyra e gjerë e lirë pikture - e gjithë kjo është rezultat i evolucionit në zhvillimin e mjeteve piktoreske në të gjitha zhanret e kapërcyellit të shekullit. Në kërkim të "bukurisë dhe harmonisë", artistët provojnë dorën e tyre në një sërë teknikash dhe formash arti - nga piktura monumentale dhe peizazhet teatrale deri te dizajni i librave dhe artet dhe zanatet.

Në fund të shekullit, u zhvillua një stil që preku të gjitha artet plastike, duke filluar kryesisht nga arkitektura (në të cilën eklekticizmi dominonte për një kohë të gjatë) dhe duke përfunduar me grafikë, i cili u quajt stili i Art Nouveau. Ky fenomen nuk është i paqartë, në modernitet ka edhe pretenciozitet dekadent, pretenciozitet, i projektuar kryesisht për shijet borgjeze, por ka edhe një dëshirë për unitet stili që është domethënëse në vetvete. Art Nouveau është një fazë e re në sintezën e arkitekturës, pikturës dhe arteve dekorative.

Në artet pamore, Art Nouveau është shfaqur: në skulpturë - nga rrjedhshmëria e formave, ekspresiviteti i veçantë i siluetës, dinamizmi i kompozimeve; në pikturë - simbolika e imazheve, varësia ndaj alegorisë.

Në vitet '90 të shekullit XIX. në art hyn një artist, i cili e bën punëtorin protagonist të veprave të tij. Në 1894, një pikturë e N.A. Kasatkina (1859-1930) "Miner" (TG), në 1895

Apollinari Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) i kushton edhe më shumë vëmendje peizazhit në kompozimet e tij historike. Tema e tij e preferuar është gjithashtu shekulli i 17-të, por jo skenat e përditshme, por arkitektura e Moskës. (“Rruga në Kitay-gorod. Fillimi i shekullit të 17-të”, 1900, Muzeu Rus). Piktura "Moska në fund të shekullit të 17-të. At Dawn at the Resurrection Gates (1900, Galeria Shtetërore Tretyakov) mund të jetë frymëzuar nga prezantimi i operës Khovanshchina të Mussorgsky, për të cilën Vasnetsov kishte skicuar peizazhin pak më parë.

Një lloj i ri pikture, në të cilën Art Bashkëkohor traditat artistike folklorike, krijuar nga Philip Andreevich Malyavin (1869–1940). Pikturat e tij janë gjithmonë ekspresive, dhe megjithëse këto janë, si rregull, vepra kavaleti, ato marrin një interpretim monumental dhe dekorativ nën penelin e artistit. "E qeshura" (1899, Muzeu i Artit Modern, Venecia), "Whirlwind" (1906, Galeria Shtetërore Tretyakov) është një përshkrim realist i vajzave fshatare që qeshin me zë të lartë ose që nxitojnë në mënyrë të pakontrollueshme në një kërcim të rrumbullakët, por ky realizëm është i ndryshëm nga ai gjysma e dytë e shek.

Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862-1942) trajton temën e Rusisë së Lashtë, si një numër mjeshtërsh para tij, por imazhi i Rusisë shfaqet në pikturat e artistit si një lloj bote ideale, pothuajse e magjepsur. "Vizioni i Bartolomeut të Ri" (1889-1890, Galeria Tretyakov), "Nusja e Krishtit" (1887, vendndodhja e panjohur), "Eremiti" (1888, Muzeu Rus; 1888-1889, Galeria Tretyakov), duke krijuar imazhe të spiritualitetit të lartë dhe meditimit të qetë. "Rinia e Shën Sergjit", (1892-1897), triptiku "Veprat e Shën Sergjit" (1896-1897), "Sergjiu i Radonezhit" (1891-1899), "Tonsurë e madhe" (1898).

Në peizazhet e hershme të Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939), zgjidhen probleme thjesht piktoreske - të shkruani gri në të bardhë, të zezë në të bardhë, gri në gri. Një peizazh "konceptual" (termi i M.M. Allenov), si Savrasovsky ose Levitanovsky, nuk i intereson atij.

Për koloristin e shkëlqyer Korovin, bota shfaqet si një "trazira ngjyrash". I talentuar bujarisht nga natyra, Korovin ishte i angazhuar si në portret ashtu edhe në natyrë, por nuk do të ishte gabim të thuash se peizazhi mbeti zhanri i tij i preferuar. ("Winter in Lapland", "Paris. Bulevardi Capuchin" 1906, "Paris natën. Bulevardi Italian" 1908) dhe gjithashtu (Portreti i Chaliapin, 1911, Muzeu Rus; "Peshku, vera dhe frutat" 1916, Galeria Shtetërore Tretyakov) .

Imazhet e Vera Mamontova dhe Masha Simanovich janë të mbushura me një ndjenjë të gëzimit të jetës, një ndjenjë të ndritshme të qenies, një rini të ndritshme fitimtare.

Serov shpesh shkruan përfaqësues të inteligjencës artistike: shkrimtarë, artistë, artistë (portrete të K. Korovin, (1891), Levitan, (1893), Yermolova, 1905, Princesha Orlova (1910–1911,), "Peter I" (1907 ,).

Portret, peizazh, natyrë e qetë, pikturë shtëpiake, historike; vaj, gouache, tempera, qymyr - është e vështirë të gjesh si zhanre piktoreske ashtu edhe grafike në të cilat Serov nuk do të punonte, dhe materiale që ai nuk do t'i përdorte.

Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910). Ai e skalit formën si një mozaik, nga copa të mprehta "facete" me ngjyra të ndryshme, sikur shkëlqejnë nga brenda ("Vajza në sfondin e një tapeti persian", 1886, KMRI; "Fortuneteller", 1895, Galeria Shtetërore Tretyakov) . Kombinimet e ngjyrave nuk pasqyrojnë realitetin e marrëdhënies së ngjyrave, por kanë një kuptim simbolik. Natyra nuk ka fuqi mbi Vrubelin. Ai graviton drejt temave letrare, të cilat i interpreton në mënyrë abstrakte, duke u përpjekur të krijojë imazhe të përjetshme të fuqisë së madhe shpirtërore. Pra, pasi ka marrë ilustrime për Demonin, ai së shpejti largohet nga parimi i ilustrimit të drejtpërdrejtë ("Vallëzimi i Tamarës", "Mos qaj, fëmijë, mos qaj kot", "Tamara në arkivol", etj.) dhe tashmë në të njëjtin 1890 krijon "Demonin e ulur". Imazhi i Demonit është imazhi qendror i gjithë veprës së Vrubelit, tema kryesore e tij. Më 1899 shkroi "Djalli fluturues", më 1902 - "Djalli i shtypur".

Tragjedia e botëkuptimit artistik përcaktohet në karakteristikat e portretit: mosmarrëveshje mendore, prishje në autoportretet e tij, vigjilencë, pothuajse frikë, por edhe forcë madhështore, monumentalitet - në portretin e S. Mamontov (1897), konfuzion, ankth - në imazhin përrallor të "Princeshës së Mjellmës" (1900), madje edhe në panelet e tij dekorative "Spanjë" (1894) dhe "Venecia" (1893) të ekzekutuara për rezidencën e E.D. Dunker, nuk ka paqe dhe qetësi.

"Princesha e mjellmave", ai i drejtohet folklorit: në një përrallë, në një epikë, e cila rezultoi në panelet "Mikula Selyaninovich", "Bogatyrs". Vrubel provon dorën e tij në qeramikë, duke bërë skulptura në majolica. Peizazhi i tij më i mirë u interpretua për operat e Rimsky-Korsakov "Borra e madhe", "Sadko", "Përralla e Car Saltan" dhe të tjera në skenën e Operës Private të Moskës.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870–1905) është një eksponent i drejtpërdrejtë i simbolizmit piktural dhe një nga retrospektivat e para në Arte të bukura Rusia kufitare.

Veprat e tij janë një trishtim elegjiak për "foletë fisnike" të vjetra boshe dhe "kopshtet e qershisë" që po vdesin, për gratë e bukura, të shpirtëruara, thuajse të panatyrshme, të veshura me disa lloj kostumesh të përjetshme që nuk mbajnë shenja të jashtme të vendit dhe kohës.

Dëshira për kohët e shkuara e bëri Borisov-Musatov të lidhej me artistët e "Botës së Artit" - një organizatë që u ngrit në Shën Petersburg në 1898 dhe bashkoi mjeshtra të kulturës më të lartë artistike. Pothuajse të gjithë morën pjesë në këtë shoqatë. artistë të famshëm– Benois, Somov, Bakst, E.E. Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin madje edhe Larionov dhe Goncharova.

Artisti kryesor i "Botës së Artit" ishte Konstantin Andreevich Somov (1869-1939). Somov, siç e njohim ne, u shfaq në portretin e artistit Martynova ("Zonja me blu", 1897-1900), në pikturën e portretit "Jehona e kohës së kaluar" (1903).

Somov zotëron një seri portretesh grafike të bashkëkohësve të tij - elitës intelektuale (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, etj.), në të cilat ai përdor një teknikë të përgjithshme: në një sfond të bardhë - në njëfarë kohe të përjetshme. sferë - vizaton një fytyrë, një ngjashmëri në të cilën arrihet jo përmes natyralizimit, por me përgjithësime të guximshme dhe përzgjedhje të duhur të detajeve karakteristike.

Para kujtdo tjetër në Botën e Artit, Somov iu drejtua temave të së kaluarës, interpretimit të shekullit të 18-të. (“Letër”, 1896; “Konfidencialitete”, 1897) të veprave të tij “Puthja qesharake”, 1908, “Shëtitja e markezes”, 1909).

Udhëheqësi ideologjik i "Botës së Artit" ishte Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) - një talent jashtëzakonisht i gjithanshëm. Piktor, grafist dhe ilustrues, artist teatri, regjisor, autor i libreteve të baletit, teoricien dhe historian i artit, figurë muzikore.

Një kompozim i qartë, madhështi dhe ashpërsi e ftohtë e ritmeve, në kontrast me madhështinë e monumenteve të artit dhe vogëlsinë e figurave njerëzore, të cilat ndër to janë vetëm staf (seria e parë e Versajës e 1896-1898 e quajtur "Shëtitjet e fundit të Louis XIV"). Në serinë e dytë të Versajës (1905–1906, The King's Walk).

Natyra perceptohet nga Benois në një lidhje shoqëruese me historinë (pamjet e Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo, të ekzekutuara prej tij në teknikën e akuarelit).

Në një seri pikturash nga e kaluara ruse, të porositura nga shtëpia botuese e Moskës Knebel (ilustrime për "Gjuetitë mbretërore"), në skena të jetës fisnike, pronare tokash të shekullit të 18-të. Benois krijoi një imazh intim të kësaj epoke, megjithëse disi teatrale (Parada nën Palin I, 1907, Muzeu Rus).

Benois ilustruesi (Pushkin, Hoffman) është një faqe e tërë në historinë e librit. Ilustrime për "Mbretëresha e Spades". Dizajni grafik i Kalorësit të Bronztë (1903,1905,1916,1921–1922) ishte një kryevepër e ilustrimit të librit.

Si artist teatri, Benois projektoi shfaqjet e stinëve ruse, nga të cilat më e famshmja ishte baleti Petrushka në muzikë nga Stravinsky, ai punoi shumë në Teatrin e Artit në Moskë, dhe më vonë në pothuajse të gjitha skenat kryesore evropiane.

I treti në thelbin e "Botës së Artit" ishte Lev Samuilovich Bakst (1866-1924), i cili u bë i famshëm si artist teatri. Ai graviton drejt antikitetit, për më tepër, drejt arkaikut grek, të interpretuar simbolikisht. Piktura Narpimer "Tmerri i lashtë" - "Terror antiquus" (1908,). Bakst iu përkushtua plotësisht punës teatrale dhe skenografike. Në hartimin e tij pati shfaqje me Anna Pavlova, balet nga Fokine. Artisti bëri skena dhe kostume për Scheherazade të Rimsky-Korsakov, The Firebird të Stravinsky (të dyja 1910), Daphnis dhe Chloe të Ravelit dhe Pasditja e një Faun në muzikë nga Debussy (të dyja 1912). "Pasditja e një Faun" (të dyja 1912).

Nga brezi i parë i "Botës së Artit" më i riu ishte Evgeniy Evgenievich Lansere (1875-1946), i cili në punën e tij preku të gjitha problemet kryesore të grafikës së librit të fillimit të shekullit të 20-të. (Shihni ilustrimet e tij për librin "Legjendat e kështjellave antike të Brittany", për Lermontovin, kopertinën për "Nevsky Prospekt" të Bozheryanovit etj.). Lansere krijoi një sërë bojërash uji dhe litografish të Shën Petersburgut (Ura Kalinkin, Tregu Nikolsky, etj.). Arkitektura zë një vend të madh në kompozimet e tij historike ("Perandoresha Elizaveta Petrovna në Tsarskoye Selo", 1905, Galeria Shtetërore Tretyakov). Një nga krijimet më të mira të Lansere - 70 vizatime dhe bojëra uji për L.N. "Haxhi Murad" i Tolstoit (1912-1915), të cilin Benois e konsideroi "një këngë të pavarur që përshtatet në mënyrë të përkryer me muzikën e fuqishme të Tolstoit". Gjatë epokës sovjetike, Lansere u bë një muralist i shquar.

Kapitulli 1 Piktura e fundit të shekullit të 19-të të fillimit të shekullit të 20-të.………………2

Kapitulli 2 “Trëndafili Blu”……………………………………………..9

Kapitulli 3 "Jack of Diamonds"……………………………………….13

Kapitulli 4 “Suprematizmi i Kazimir Malevich”………………..17

Përfundimi………………………………………………………

Planifikoni

Prezantimi

1. Shpirtërore dhe origjinën artistike Epoka e Argjendit

2. Origjinaliteti i pikturës ruse të fundit të XIX - fillimi i shekullit XX

3. Shoqatat artistike dhe rolin e tyre në zhvillimin e pikturës

konkluzioni

Letërsia

Prezantimi

ne, ne sundojmë rrugën tonë drejt diellit, si Icarus, Ne jemi të veshur me një mantel erërash dhe flakë.

(M. Voloshin)

Sistemi i jetës shpirtërore, i cili mori formë dhe dha fryte jashtëzakonisht të pasura në fund të shekullit të 19-të dhe në fillim të shekullit të 20-të, shpesh përmendet me termin romantik "Epoka e Argjendtë". Përveç ngarkesës emocionale, kjo shprehje ka një përmbajtje të caktuar kulturore dhe kornizë kronologjike. U fut në mënyrë aktive në përdorim shkencor nga kritiku S.K. Makovsky, poeti N.A. Otsup, filozofi N.A. Berdyaev. Sergei Makovsky, djali i artistit K.E. Makovsky, tashmë në mërgim, shkroi librin "Për Parnassin e epokës së argjendtë", i cili ishte i destinuar të bëhej libri më i famshëm i kujtimeve për këtë kohë.

Shumica e studiuesve ia atribuojnë periudhën 20-25 vjeçare epokës së argjendit në kapërcyellin e shekujve 19-20. dhe e fillojmë me ngjarje të zakonshme, në shikim të parë, kulturore të fillimit të viteve '90. Në 1894, u botua përmbledhja e parë "Bryusov" e poetëve "simbolistë"; opera e M.P. Mussorgsky "Khovanshchina" pa në skenë; mënyrë krijuese kompozitor-novator A.N. Scriabin. Në 1898, në Shën Petersburg u themelua një shoqatë e re krijuese "Bota e Artit" dhe filloi në Paris "Stinët ruse" nga S.P. Diaghilev.

Kulmi i kulturës së epokës së argjendit bie në vitet 10. Shekulli XX, dhe fundi i tij shpesh shoqërohet me trazirat politike dhe sociale të viteve 1917-1920. Kështu, korniza më e gjerë kronologjike e Epokës së Argjendit: nga mesi i viteve '90. Shekulli i 19 deri në mesin e viteve 20. Shekulli XX., domethënë afërsisht 20-25 vjet në fund të shek.

Cila ishte pika e kthesës e përjetuar gjatë kësaj periudhe nga kultura ruse, dhe bashkë me të edhe piktura ruse? Pse kjo periudhë mori një emër kaq poetik që e kthen në mënyrë të pavullnetshme kujtesën tonë në epokën e artë të Rilindjes Pushkin? Përgjigjet e këtyre pyetjeve ende emocionojnë mendjet e shkencëtarëve, shkrimtarëve dhe historianëve të artit. Kjo përcaktoi rëndësinë e temës së esesë sonë.

Kthesa e shekujve 19-20 është një pikë kthese për Rusinë. Rritje dhe ulje ekonomike, të humbura Lufta Ruso-Japoneze 1904--1905 dhe revolucioni i 1905-1907, i pari Lufte boterore 1914--1918 dhe si pasojë e revolucionit në shkurt dhe tetor 1917, i cili përmbysi monarkinë dhe pushtetin e borgjezisë... Por në të njëjtën kohë, shkenca, letërsia dhe arti përjetuan një lulëzim të paparë.

Në 1881, dyert e një private galeri arti tregtari dhe filantropi i famshëm Pavel Mikhailovich Tretyakov, në 1892 ia dhuroi Moskës. Në vitin 1898, muzeu rus i perandorit Aleksandër III u hap në Shën Petersburg. Në vitin 1912, me iniciativën e historianit Ivan Vladimirovich Tsvetaev (1847-1913), Muzeu i Arteve të Bukura (tani Muzeu Shtetëror i Arteve të Bukura Pushkin) filloi punën e tij në Moskë.

Traditat realiste të Endacakëve në pikturë, rrëfimi dhe toni i tyre ndërtues ishin një gjë e së kaluarës. Ato u zëvendësuan nga stili modern. Njihet lehtësisht nga linjat fleksibël, të rrjedhshme në arkitekturë, nga imazhet simbolike dhe alegorike në skulpturë dhe pikturë, nga fontet dhe zbukurimet e sofistikuara në grafikë.

Qëllimi i punës sonë është të tregojmë, në lidhje të ngushtë me problemet historike dhe sociale të kohës, proceset e zhvillimit të pikturës në fund të shekullit të 19-të - fillim të shekullit të 19-të. shekujt XX

Për të arritur këtë qëllim, duhet të kryeni detyrat e mëposhtme:

Jepni një përshkrim të përgjithshëm të artit të fundit të shekullit XIX.-fillimi. shekulli XX;

Përshkruani veprën e përfaqësuesve të shquar të pikturës së asaj kohe;

Zbuloni tendencat kryesore në artet pamore të kësaj periudhe kohore.

Gjatë shkrimit të abstraktit, u përdor libri i Berezova L.G. "Historia e Kulturës Ruse", ku autori shqyrtoi problemet kryesore të historisë së zhvillimit të kulturës nga koha e Rusisë së lashtë deri në ditët e sotme. Autori i kësaj monografie ndan këndvështrimin, i cili diskutohet në moderne literaturë shkencore. Ai qëndron në faktin se kultura shihet si struktura mbështetëse e historisë kombëtare.

Libri tjetër që u përdor gjatë punës për esenë, "Arti vendas", autori Ilyina T.V. Kjo monografi i kushtohet historisë së arteve figurative. Autori u përpoq të jepte një pamje objektive, të vërtetë të zhvillimit të artit rus në fund të shekullit të 19-të në fillim të shekullit të 20-të, për të folur për veprat e atyre artistëve rusë, emrat e të cilëve janë tragjedi. zhvillim historik shoqëria jonë u zhyt në harresë.

Në artikullin e tij Sternin G.Yu. "Kultura artistike ruse e gjysmës së dytë të shekullit të 19-të dhe fillimit të shekullit të 20-të" u përpoq të përzgjidhte ato vepra dhe të karakterizonte më qartë një ose një drejtim tjetër. mjeshtër artist për të krijuar, sa më shumë që të jetë e mundur, një pamje holistike të veçorive të zhvillimit të pikturës në artin rus.

Dhe gjithashtu në këtë vepër, veprat e kritikëve të artit Vlasov R.I., Fedorov-Davydov A.A. dhe të tjerë u përdorën për të analizuar punën e artistëve të veçantë.

1. Origjina shpirtërore dhe artistike e epokës së argjendit

Fundi i shekullit të 19-të u bë një pikë e rëndësishme për kulturën ruse, momenti i kërkimit të një vetëdije të re. Nga pikëpamja e zhvillimit socio-politik dhe shpirtëror, dukej se gjithçka ishte e ngrirë, e fshehur në Rusi. Rreth kësaj kohe A.A. Blloku shkroi rreshtat prekës:

Në ato vite të largëta, të shurdhër

Gjumi dhe errësira mbretëronte në zemra.

Fitorja ndaj Rusisë

Përhapni krahët e bufit.

Fillimi i ripërtëritjes qëndron në thellësitë e vetëdijes kombëtare, ku u bënë ndryshime delikate në sistemin e vlerave, në idetë për botën dhe njeriun. Çfarë është e pjekur në thellësi të kulturës?

Shigjeta e kohës bën, si të thuash, një devijim, një thyerje, një nyjë. Në fund të shekullit, kjo ndjenjë e “fundit të ciklit”, përfundimit të rrethit kulturor, doli të ishte veçanërisht e fortë. Fjalët e filozofit V.V. Rozanova përcjell këtë ndjenjë ankthi: "Dhe nga pika e thyerjes historike, qoshet e shëmtuara dalin, thumba shpuese, përgjithësisht të pakëndshme dhe të dhimbshme" Berezovaya L.G. Historia e kulturës ruse.-M., 2002 -S.65. Gjendja e shqetësimit shpirtëror u ndje nga e gjithë kultura e fundit të shekullit të 19-të.

Tendencat kulturore të kapërcyellit të shekullit ndonjëherë përmenden nga historianët e artit me fjalën "dekadencë". Në fakt, vetë dekadenca ishte vetëm një simptomë artistike e gjendjes së shpirtit kombëtar në momentin e “kalimit të shekujve”. Pesimizmi i tij nuk ishte aq shumë një mohim i përvojës së mëparshme kulturore, sa një kërkim i mënyrave për të kaluar në një cikël të ri. Ishte e nevojshme të shpëtohej nga trashëgimia e rraskapitur e shekullit që po largohej. Prandaj përshtypja e natyrës shkatërruese, shkatërruese të dekadencës ruse.

Mund të konsiderohet gjithashtu një urë e dëshpëruar drejt një të ardhmeje të panjohur. Dekadenca i parapriu Epokës së Argjendit jo aq në kohë sa në qëndrim, në sistemi i artit. Duke mohuar të vjetrën, ai hapi rrugën drejt kërkimit të së resë. Para së gjithash, kjo ka të bëjë me thekse të reja në sistemin e vlerave të jetës.

Në fund të shekullit XIX. njeriu për herë të parë ndjeu fuqinë e frikshme të shkencës dhe fuqinë e teknologjisë. AT jeta e përditshme përfshinte një telefon dhe një makinë qepëse, një stilolaps dhe bojë çeliku, shkrepse dhe vajguri, ndriçim elektrik dhe një motor djegia e brendshme, lokomotivë me avull, radio ... Por së bashku me këtë, u shpikën dinamit, një mitraloz, një aeroplan, një aeroplan dhe gazra helmues.

Prandaj, sipas Beregovaya, fuqia e teknologjisë së shekullit XX të ardhshëm. e bëri jetën individuale njerëzore shumë të cenueshme dhe të brishtë. Përgjigja ishte vëmendja e veçantë e kulturës ndaj shpirtit individual njerëzor. Një fillim i rënduar personal erdhi në vetëdijen kombëtare përmes romaneve dhe sistemeve filozofike e morale të L.N. Tolstoi, F.M. Dostoevsky, dhe më vonë A.P. Çehov. Letërsia për herë të parë i kushtoi vërtet vëmendje jetës së brendshme të shpirtit. Temat e familjes, dashurisë, vetëvlerësimit të jetës njerëzore tingëlluan me zë të lartë.

Një ndryshim i tillë i mprehtë në vlerat shpirtërore dhe morale të periudhës dekadente nënkuptonte fillimin e emancipimit të krijimtarisë kulturore. Epoka e Argjendtë nuk do të kishte qenë kurrë në gjendje të shfaqej si një impuls kaq i fuqishëm drejt një cilësie të re të kulturës ruse, nëse dekadenca do të ishte kufizuar në mohimin dhe përmbysjen e idhujve. Dekadenca ndërtoi një shpirt të ri në të njëjtën masë sa e shkatërroi atë, duke krijuar tokën e epokës së argjendtë - një tekst i vetëm, i pandashëm i kulturës. Vlasova R.I. Konstantin Korovin. Krijimtaria.- L., 1970.-f.32.

Ringjallja e traditave artistike kombëtare. Në vetëdijen e njerëzve në fund të shekullit të 19-të. u kap interesi për të kaluarën, para së gjithash, për historinë e vet. Ndjenja e të qenit trashëgimtar i historisë së tyre filloi me N.M. Karamzin. Por në fund të shekullit ky interes mori një bazë të zhvilluar shkencore dhe materiale.

Në fund të XIX - fillimi i shekullit XX. ikona ruse "u largua" nga rrethi i objekteve të adhurimit dhe filloi të konsiderohej si një objekt arti. Administratori i besuar i Galerisë Tretyakov të transferuar në Moskë, I.S. Ostroukhov. Ostroukhov arriti të shihte të gjithë botën nën një shtresë të "rinovimeve" të mëvonshme dhe blozës pikturë e lashtë ruse. Fakti është se vaji i tharjes, i cili u mbulua me ikona për shkëlqim, pas 80-100 vjetësh u errësua aq shumë sa në ikonë u shkrua një imazh i ri. Si rezultat, në shek në Rusi, të gjitha ikonat që datonin më herët se shekulli i 18-të ishin fshehur fort me disa shtresa bojë.

Në vitet 900 restauruesit arritën të pastrojnë ikonat e para. Shkëlqimi i ngjyrave të mjeshtrave të lashtë tronditi njohësit e artit. Në vitin 1904, "Triniteti" i A. Rublev u zbulua nën disa shtresa të regjistrimeve të mëvonshme, të cilat ishin fshehur nga njohësit për të paktën treqind vjet. E gjithë kultura e shekujve XVIII-XIX. u zhvillua pothuajse pa njohuri për trashëgiminë e vet të vjetër ruse. Ikona dhe e gjithë përvoja e shkollës së artit rus u bënë një nga burimet e rëndësishme të kulturës së re të Epokës së Argjendit.

Në fund të shekullit të 19-të, filloi një studim serioz i antikitetit rus. U botua një koleksion me gjashtë vëllime vizatimesh të armëve ruse, kostumeve, enëve të kishës - "Antiket e shtetit rus". Ky botim u përdor në Shkollën Stroganov, e cila trajnoi artistë, mjeshtër të firmës Faberge dhe shumë piktorë. Në Moskë u botuan botime shkencore: "Historia e stolive ruse", "Historia e kostumit rus" dhe të tjera. Armatura në Kremlin është bërë një muze i hapur. Puna e parë shkencore dhe restauruese u ndërmor në Lavra Kiev-Pechersk, në Manastirin Trinity-Sergius, në Manastirin Ipatiev në Kostroma. Filloi studimi i historisë së pronave provinciale dhe muzetë e historisë lokale filluan të punojnë në provinca.

Bazuar në të kuptuarit e traditave të vjetra artistike në Rusi, filloi të formohej një e re. stil arti- terren modern. Karakteristika fillestare e stilit të ri ishte retrospektivizmi, domethënë kuptimi i kulturës së shekujve të kaluar nga njeriu modern. Simbolizmi në sferat intelektuale të kulturës dhe Art Nouveau në fushat artistike kishin një bazë të përbashkët botëkuptimi, të njëjtat pikëpamje për detyrat e krijimtarisë dhe një interes të përbashkët për përvojën e kaluar kulturore. Ashtu si simbolika, Art Nouveau ishte i përbashkët për të gjithë kulturën evropiane. Vetë termi "modern" erdhi nga emri i revistës "Arti Bashkëkohor" që atëherë botohej në Bruksel. Në faqet e tij u shfaq edhe termi "art i ri".

Art Nouveau dhe simbolika e epokës së argjendit u formuan si një stil kompleks sintetik, madje më tepër një shkrirje e stileve të ndryshme me një hapje themelore ndaj trashëgimisë kulturore të të gjitha kohërave dhe popujve. Nuk ishte thjesht një lidhje, c. përvoja shqisore e historisë kulturore të njerëzimit nga pikëpamja e njeriu modern. Në këtë drejtim, me gjithë retrospektivizmin e tij, Art Nouveau ishte një stil vërtet inovativ.

Moderniteti i rafinuar i fillimit të epokës së argjendtë u zëvendësua nga tendenca të reja: konstruktivizmi, kubizmi, etj. Arti i avantgardës kundërshtoi me sfidë kërkimin e "kuptimeve dhe simboleve" me qartësi konstruktive të linjave dhe vëllimeve, pragmatizëm të ngjyrave. Zgjidhjet. Periudha e dytë e epokës së argjendtë të kulturës ruse është e lidhur me avangardën. Formimi i saj, ndër të tjera, u ndikua nga ngjarjet politike dhe sociale në Rusi dhe Evropë: revolucionet, botën dhe luftë civile, emigrim, persekutim, harresë. Avantgarda ruse u pjekur në një atmosferë të pritjeve katastrofike në rritje në shoqërinë e paraluftës dhe atë para revolucionare; ajo thithi tmerrin e luftës dhe romancën e revolucionit. Këto rrethana përcaktuan karakteristikën fillestare të avangardës ruse - përpjekjen e saj të pamatur për të ardhmen.

"Utopia e Madhe" e avangardës ruse. Lëvizja avangarde filloi në vitin 1910 me ekspozitën famëkeqe Jack of Diamonds. Poetët avangardë, vëllezërit Burliuk, ndihmuan në organizimin e ekspozitës dhe një nga "rebelët" e Shkollës së Pikturës në Moskë, M.F. Larionov. Ai përmbante vepra të artistëve rusë të ngjashëm me kubistët evropianë. Duke u bashkuar, artistët organizuan ekspozita të përbashkëta deri në vitin 1917. Thelbi i "Knaveve të Diamantit" ishte P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentulov, A.V. Kuprin, R.R. Falk. Por të gjithë artistët avangardë rusë kaluan disi nëpër ekspozitat e kësaj shoqate, me përjashtim, ndoshta, të një - Petersburger P.N. Filonov.

Në të njëjtën kohë, në raportin nga ekspozita, A.N. Benois fillimisht përdori termin "avangardë". Ajo me të vërtetë goditi jo vetëm audiencën, por edhe artistët, sepse në sfondin e "kripave të diamanteve" ekstravagante, artistët e "Botës së Artit" dukeshin si akademikë konservatorë. Punimet e prezantuara nga P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkova, R.R. Falka, N.S. Goncharova dhe të tjerët u emocionuan nga mendimi dhe ndjenja, ata dhanë një imazh tjetër të botës. Piktura theksonte ndjenjën e pangopur, materiale të botës: intensitetin e ngjyrës, dendësinë dhe neglizhencën e goditjes, vëllimin e ekzagjeruar të objekteve. Artistët ishin shumë të ndryshëm, por ata ishin të bashkuar nga një parim - risi e shfrenuar. Ky parim formoi një drejtim të ri artistik.

Një ndjekës i Cezanne, Pyotr Konchalovsky kombinoi në mënyrë të çuditshme lëndën e gjallë dhe të pajetë në pikturat e tij. "Portreti i Yakulov" i tij është një përzierje e një brendshme të ndritshme, pothuajse të gjallë dhe një njeriu të ulur të palëvizshëm, i ngjashëm me një idhull. Disa kritikë arti e krahasojnë mënyrën e tij të kombinimit të ngjyrave të ndezura dhe elasticitetit të të shkruarit me stilin poetik të V.V. Mayakovsky. Gjelbërim i dendur i fuqishëm në pikturat e R.R. Falk nga "Seriali Krime" i tij dhe materialiteti demonstrues i "Kumbullave Blu" nga I.I. Mashkov tregon dashurinë e veçantë të avangardës së hershme për botën objektive, e cila arriti deri në admirim dhe kënaqësi. Historianët e artit vërejnë një "kumbim të veçantë të Mashkov" nga veglat metalike në pikturat e artistit.

Në veprat e artistit më interesant "Jack of Diamonds" A.V. Avangarda e Lentulova shkon në prag të artit jo objektiv. Miqtë parizianë e quanin futurist.Hapësira e "facetuar" e shpikur prej tij në piktura, ngjyrat ngazëllyese të japin përshtypjen e produkteve të çmuara dhe të shndritshme ("Vasily Blazhenny", "Moskë" - 1913). |

"Rebelimi" i avangardistëve kundër "akademizmit" të modernizmit bëri që ata të lëvizin drejt përdorimit të traditave të primitivit popullor, vëmendje të veçantë për "stilin e shenjës", shtypin popullor popullor, aksionin e rrugës. Rebelët më të mëdhenj në "Pema e Diamanteve" të M.V. Larionov dhe gruaja e tij N.S. Goncharova u përpoq për një risi edhe më të madhe - duke shkuar përtej kufijve të imazhit të subjektit në pikturë. Korniza e "thikave të diamanteve" për ta u bë e ngushtë. Në vitet 1912-1914. organizuan disa ekspozita skandaloze me emra karakteristikë: “Bishti i gomarit”, “Objektivi” etj.

Pjesëmarrësit e këtyre ekspozitave, para së gjithash, ata vetë; M.V. Larionov dhe N.S. Goncharov, theksoi primitivin.; Paradoksi i avangardizmit ishte ai në përpjekjen për të; risi, artistët përdorën elementë tradicionalë nga kultura e tyre amtare: piktura Gorodets, shkëlqimi i enëve prej druri Maidan, linja Khokhloma dhe Palekh, ikona, printime popullore, popullore, shenja të qytetit, reklama. Për shkak të tërheqjes për primordiale dhe natyrore arti popullor M.V. Larionova, N.S. Goncharova dhe miqtë e tyre quheshin ndonjëherë "puristë rusë" (purizmi është ideja e pastërtisë morale).

Megjithatë, kërkimi për një stil të ri dha rezultate të ndryshme. N.S. Goncharova e konsideroi shumë të rëndësishme hyrjen e motiveve orientale në kulturën ruse dhe ajo vetë punoi në këtë drejtim. Ajo shpiku emrin e stilit të saj: "gjithë-qenia" dhe pretendoi se mund të shkruante të njëjtën temë në çdo stil që dëshironte. Në të vërtetë, pikturat e saj janë çuditërisht të ndryshme. Me zellin e tij legjendar në ekspozitën në 1913. ajo tregoi 773 piktura. Midis tyre ishin primitiviste "Gratë me një grabujë", dhe një retrospektivë delikate e artit të lashtë rus "Motivet e ikonave", dhe misterioz "gripi spanjoll", dhe konstruktivisti "Aeroplan mbi tren". M.I. Tsvetaeva e përkufizoi artistin me fjalët "dhuratë dhe punë". Goncharova projektoi produksionin e famshëm Diaghilev të The Golden Cockerel të Stravinsky.

M.V. Larionov njihet si shpikësi i "rajonizmit", një stil që ishte dalja e artit avangardë përtej kufijve të botës materiale. Artisti e quajti stilin e tij "vetë-zhvillimi i ritmit linear të gjërave. Peizazhet e tij "rrezatuese" janë vërtet origjinale dhe i përkasin një versioni të ri të artit avangardë - artit jo objektiv ose abstraksionizmit. M. Larionov projektoi me entuziazëm koleksione skandaloze të të njëjtëve avangardistë në poezi - miqtë e tij, poetët futuristë Krucheny, Burliuk.

Kuptimi dhe fati i avangardës ruse. Ekspozitat e "Bishtit të Gomarit" dhe kërkimi i M.V. Larionov dhe P.S. Goncharova nënkuptonte zhvillimin e avangardës ruse sipas parimit "tifoz", domethënë krijimin e shumë varianteve të inovacionit. Tashmë në vitet 10. në shumëllojshmërinë e jashtëzakonshme të tendencave avangarde, janë përshkruar tre drejtime mbizotëruese të kërkimeve novatore. Asnjë prej tyre nuk u plotësua, kështu që ne do t'i shënojmë ato me kusht.

1. Drejtimi ekspresionist i avangardës theksoi shkëlqimin e veçantë të përshtypjes, shprehjes dhe dekorimit. gjuha artistike. Piktura më treguese është një artist shumë "i gëzuar" - M.Z. Chagall.

2. Rruga drejt joobjektivitetit përmes kubizmit - identifikimi maksimal i vëllimit të objektit, strukturës së tij materiale. K. S. Malevich shkroi në këtë mënyrë.

3. Zbulimi i ndërtimit linear të botës, teknizimi imazhe artistike. Krijimtaria konstruktiviste e V.V. Kandinsky, V.E. Tatlin. Avantgarda ruse përbën një faqe të veçantë dhe të lavdishme në pikturën evropiane. Drejtimi që hodhi poshtë përvojën e kaluar ruajti të njëjtin pasion ndjenjash, dashuri për

Ekspresionizëm - (nga lat. Ehrgezzu - shprehje) - një drejtim artistik që fokusohet në ndjenjat e forta, një vizion të kundërt të botës, ekspresivitetin përfundimtar të gjuhës artistike me ngjyra të pasura dhe ëndërrimtari që e dallojnë kulturën ruse në tërësi.

Ky "rusizëm" shfaqet edhe tek artisti avangardë më "evropian" Wassily Kandinsky, i cili mund të quhet edhe artist rus edhe gjerman. Kandinsky drejtoi shoqatën Blue Rider në Gjermani, punoi shumë jashtë vendit. Kulmi i punës së tij erdhi në vitet 1913-1914, kur shkroi disa libra mbi teorinë e pikturës së re ("Hapat. Teksti i artistit"). Rruga e dikujt drejt joobjektivitetit shprehet me formulën: "kriptoni mjedisin objektiv dhe pastaj shkëputeni me të". Ai e bën këtë. Veprat e tij "Varkat" dhe "Liqeni" janë të koduara, vështirë se mund të hamendësohen mjedisi natyror, dhe "Përbërjet" dhe "Im Dispozitat" e tij të shumta tashmë janë liri prej tij.

Mosobjektiviteti në zhvillimin e pikturës pasqyronte kaosin në rritje në vetëidentifikimin individual dhe kombëtar. Pjekuria e idesë kombëtare mbeti përtej horizontit, dhe ndjenja e kohës së vrullshme të vorbullës, ngatërrimi i objekteve, ndjenjave, ideve, parandjenja e një katastrofe - në qenien e sotme.

Ne e shohim këtë përzierje të çuditshme në shikim të parë të objektivitetit dhe jorealitetit të botës foto naive M.Z. Shaga-la, në energjinë e fortë K.S. Maleviç. Nuk ishte e rastësishme që P.N. Filonov me idetë e një prej filozofëve më misterioz rusë N.F. Fedorov (njerëz të mëdhenj, tokë e madhe, fat, fat). V.V. Kandinsky ishte i angazhuar në filozofinë indiane, ishte i interesuar për idetë e E. Blavatsky. Artistët abstraktë ishin të dashur për të gjithë gamën e artit popullor: lodrat ruse, maskat dhe kultet afrikane, skulpturat e Ishullit të Pashkëve.

Një ndikim i dukshëm në avangardën ruse të viteve 10-20. doli të ishte një pasion për aftësitë teknike të njerëzimit dhe romantizmin revolucionar në pritje të një bote të re. Ishte një imazh i shekullit të 20-të që po vinte. me psikologjinë e saj të makinës, plasticitetin linear të industrializmit. Në ekspozitën me emrin matematikor "0.10" Malevich ekspozoi "Sheshin e Zi" që mahniti të gjithë.

Sigurisht, këtu pati edhe një moment skandali - në fund të fundit, sipas "rregullave të lojës" bohemiane, njeriu mund të deklarohej vetëm përmes shokut. Por nuk është rastësi që një nga “sheshin” e saj zbukuron varrin e novatorit të famshëm. Malevich bëri një hap drejt "illogizmit" të plotë të artit. Në "Manifestin" e tij të vitit 1915. ai shpjegon zbulimin e tij.

Duke komentuar për "Sheshin e Zi" të tij, Malevich tha se "kur zakoni i ndërgjegjes për të parë një imazh në foto të zhduket ... vetëm atëherë do të shohim një vepër thjesht piktoreske. Sipas mendimit të tij, vetëm "frikacak dhe dobësi" ndërgjegjen njerëzore na lidh të gjithëve - "nga egërsi tek akademiku" - me botën objektive.

Pra, piktura ruse, në pasionin e saj për të arritur "tullën" e fundit, deri në atomin e fundit në njohjen e qenies, ka arritur në fund. Në fund të fundit, "Sheshi i Zi" i K.S. Malevich është fundi, finalja e vetënjohjes. Ngjyra e zezë nuk është aspak ngjyrë, është varri i të gjitha ngjyrave dhe në të njëjtën kohë mundësia e rilindjes së tyre nga nën sipërfaqen e zezë. Kultura e re duhej ta njihte botën deri në fund, duke shkatërruar të gjitha konventat dhe mitet e ndërgjegjes. Ekspozimi i plotë i shpirtit - për pranimin e një shpirti të ri të së ardhmes. Aspirata patetike futuriste e Malevich e bëri eksperimentin e tij artistik të pavdekshëm. Një eksperiment në rikodimin semantik të botës, një impuls romantik në të ardhmen, ushqeu jo vetëm pikturën. Ky ishte prirja e përgjithshme e kulturës ruse në prag të ngjarjeve të tmerrshme të shpërbërjes kombëtare të 1917-1920.

Vetë "katrori i zi" i tij u shfaq në fusha të tjera të kulturës së kësaj kohe. Në verën e vitit 1913, u zhvillua një kongres i futuristëve, në të cilin u krijua një teatër i ri "Budetlyanin". Edhe në emër të saj mund të dëgjohet aspirata për të ardhmen. Imazhi fizik i "sheshit të zi" u shfaq në skenën e teatrit në prodhimin e operës avangarde "Fitorja mbi diellin", e cila lavdëroi fitoren e makinave mbi elementët e natyrës.

Avangarda ruse ishte e pafat në letërsinë e historisë së artit. Ai dukej ose një xhuxh i shëmtuar ose një gjigant i frikshëm në pikturën ruse. Cilado qoftë përshtypja estetike që mund të krijojnë për secilin prej nesh pikturat e mahnitshme të artistëve të këtij drejtimi, ato ishin në mënyrë skandaloze avangarde për bashkëkohësit e tyre dhe për ne ato janë historia e kulturës ruse në një nga kthesat më të vështira të saj. zhvillimin. Ishte për ta që A.N. shkroi në mënyrë profetike në 1912. Benois se "dordolecët aktualë" përfundimisht do të "bëhen klasikë". Dhe nga ky këndvështrim, avangarda është një formë e vetëdijes kombëtare (vetëidentifikimi) përballë shekullit të ri.

Konceptet kryesore

Avantgardizmi është një emër konvencional për të gjitha pikëpamjet dhe tendencat më të fundit eksperimentale në art, që vendosin kërkimin për të renë mbi gjithçka tjetër. Avantgarda është një term i bashkangjitur lëvizjes novatore të viteve 1910-1920. (futurizëm, kubizëm, kubo-futurizëm, primitivizëm, suprematizëm, konstruktivizëm, abstraksionizëm etj.).

Art Nouveau - një stil artistik në Evropë dhe Rusi në fund të shekujve 19-20. Art Nouveau përbëhet nga disa tendenca stilistike, të cilat bazoheshin në dëshirën për të përgjithësuar dhe rimenduar përvojën estetike të njerëzimit. Për këtë arsye, Art Nouveau shpesh u shfaq si një retrospektivë e disa traditave të mëparshme kulturore (stili neo-gotik, neo-rus, neoklasik, etj.).

Urbanizëm - (nga latinishtja - urban) - procesi i përqendrimit të popullsisë, industrisë dhe kulturës në qytete të mëdha; e natyrshme në një qytet të madh. I shoqëruar nga shfaqja e kulturës masive urbane.

2. Origjinaliteti i pikturës ruse të fundit të XIX - fillimit të shekullit XX

Me krizën e lëvizjes populiste, në vitet '90, "metoda analitike e realizmit të shekullit të nëntëmbëdhjetë". Lapshina N. “Bota e Artit”. Ese mbi historinë dhe praktikën krijuese. M., 1977.- Fq.86. , siç quhet në shkencën vendase, po vjetërohet. Shumë nga Wanderers përjetuan një rënie krijuese, shkuan në "botën e vogël" Turchin V. S. Epoka e romantizmit në Rusi. M., 1981.-S.90 pikturë e zhanrit argëtues. Traditat e Perovit u ruajtën mbi të gjitha në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë falë veprimtarive mësimore të artistëve të tillë si S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov dhe të tjerët.

Ilyina T.V. beson se në këtë periudhë të vështirë për vendin, për piktorët e kapërcyellit të shekullit, u bënë karakteristike mënyra të tjera shprehjeje, forma të tjera të krijimtarisë artistike - në imazhe kontradiktore, të ndërlikuara dhe reflektuese të modernitetit pa ilustrativitet dhe rrëfim. Artistët kërkojnë me dhimbje harmoninë dhe bukurinë në një botë që është thelbësisht e huaj për harmoninë dhe bukurinë. Kjo është arsyeja pse shumë e panë misionin e tyre në kultivimin e ndjenjës së bukurisë. Kjo kohë e “kanunovit”, pritshmëria e ndryshimeve në jetën publike, solli shumë prirje, shoqata, grupime, përplasje botëkuptimesh dhe shijesh të ndryshme. Por kjo i dha shkas edhe universalizmit të një brezi të tërë artistësh që dolën përpara pas “Endacakëve” “klasikë”. Mjafton të përmendim vetëm emrat e V.A. Serov dhe M.A. Vrubel. Sarabyanov D.V. Historia e artit rus në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të. M., 1989.- Fq.100

Historianët e artit vërejnë se piktura e zhanrit u zhvillua në vitet '90, por ajo u zhvillua disi ndryshe. Kështu, tema fshatare zbulohet në një mënyrë të re. Ndarja në komunitetin rural është portretizuar në mënyrë prerëse nga Sergei Alekseevich Korovin (1858--1908) në pikturën "On the World" (1893, Galeria Shtetërore Tretyakov). Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) ishte në gjendje të tregonte mungesën e shpresës së ekzistencës në punën e vështirë, rraskapitëse në pikturën "Washerwomen" (1901, Galeria Shtetërore Tretyakov). Këtë e arriti në në një masë të madhe falë zbulimeve të reja piktoreske, një kuptim i ri i mundësive të ngjyrës dhe dritës, Po aty, f.101..

mospërputhje; “Nënteksti”, një detaj shprehës i gjetur mirë e bëjnë edhe më tragjike foton e Sergei Vasilievich Ivanov (1864-1910) “Në rrugë. Vdekja e një koloni" (1889, Galeria Shtetërore Tretyakov). Boshtet që dalin jashtë, sikur të ngritura në një klithmë, dramatizojnë veprimin shumë më tepër sesa njeriu i vdekur i paraqitur në plan të parë ose gruaja që ulëritës mbi të. Ivanov zotëron një nga veprat kushtuar revolucionit të vitit 1905 - "Ekzekutimi". Teknika impresioniste e "kompozimit të pjesshëm", sikur rastësisht e rrëmbyer nga korniza, ruhet edhe këtu: përvijohen vetëm një varg shtëpish, një rresht ushtarësh, një grup demonstruesish dhe në plan të parë, në një shesh të ndriçuar nga dielli, figura e një qeni të ngordhur që vrapon nga të shtënat. Ivanov karakterizohet nga kontraste të mprehta të dritës dhe hijeve, një kontur ekspresiv i objekteve dhe një sheshtë e njohur e imazhit. Gjuha e tij është lapidare.

Në vitet '90 të shekullit XIX. në art hyn një artist, i cili e bën punëtorin protagonist të veprave të tij. Në 1894, një pikturë e N.A. Kasatkina (1859--1930) "Minator" (TG), në 1895 - "Minatorët e qymyrit. Ndryshimi",. S. V. Ivanov. "Ne rruge",. "Vdekja e një koloni". 1889 1TG 237

Në fund të shekullit, një rrugë zhvillimi paksa e ndryshme nga ajo e Surikov është përshkruar në temën historike. Kështu, për shembull, Andrei Petrovich Ryabushkin (1861--1904) punon më shumë në zhanrin historik sesa në zhanrin thjesht historik. "Gratë ruse të shekullit të 17-të në kishë" (1899, Galeria Shtetërore Tretyakov), "Treni i dasmës në Moskë. Shekulli XVII” (1901, Galeria Shtetërore Tretyakov), “Ata po vijnë. (Populli i Moskës gjatë hyrjes së një ambasade të huaj në Moskë në fund të shekullit të 17-të) "(1901, Muzeu Rus)," Rruga e Moskës e shekullit të 17-të në një festë "(1895, Muzeu Rus), etj. - këto janë skena të përditshme nga jeta e Moskës në shekullin e 17-të. Ryabushkin u tërhoq veçanërisht nga ky shekull, me elegancën e tij prej xhenxhefili, polikromi, me model. Artisti admiron estetikisht botën e shkuar të shekullit të 17-të, e cila çon në një stilizim delikat, larg monumentalizmit të Surikov dhe vlerësimeve të tij për ngjarjet historike.

Një lloj i ri pikture, në të cilën traditat artistike folklorike u zotëruan në një mënyrë krejtësisht të veçantë dhe u përkthyen në gjuhën e artit modern, u krijua nga Philip Andreevich Malyavin (1869--1940), i cili në rininë e tij ishte i angazhuar në pikturën e ikonave në Manastiri Athos, dhe më pas studioi në Akademinë e Arteve nën Repin. Imazhet e tij të "grave" dhe "vajzave" kanë një kuptim të caktuar simbolik - një tokë e shëndetshme e Rusisë. Pikturat e tij janë gjithmonë ekspresive, dhe megjithëse këto janë, si rregull, vepra kavaleti, ato marrin një interpretim monumental dhe dekorativ nën penelin e artistit. "E qeshura" (1899, Muzeu i Artit Modern, Venecia), "Whirlwind" (1906, Galeria Shtetërore Tretyakov) është një përshkrim realist i vajzave fshatare, që qeshin me zë të lartë ose nxitojnë në mënyrë të pakontrollueshme në një vallëzim të rrumbullakët, por ky realizëm është i ndryshëm nga ai në gjysma e dytë e shek. Piktura është gjithëpërfshirëse, skicë, me një goditje me teksturë, format janë të përgjithësuara, nuk ka thellësi hapësinore, figurat, si rregull, janë të vendosura në plan të parë dhe mbushin të gjithë kanavacën. Lebedev G.E. Ilustrim i librit rus të shekullit të 19-të. M., 1952.-S.60.

Malyavin kombinoi në pikturën e tij dekorativizmin ekspresiv me besnikërinë realiste ndaj natyrës.

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862-1942) trajton temën e Rusisë së Lashtë, si një numër mjeshtërsh para tij, por imazhi i Rusisë shfaqet në pikturat e artistit si një lloj bote ideale, pothuajse e magjepsur, në harmoni me natyrën, por e zhdukur. përgjithmonë si një qytet legjendar Kitezh. Kjo ndjenjë akute e natyrës, kënaqësia përballë botës, përpara çdo peme dhe fije bari është veçanërisht e theksuar në një nga më të vepra të famshme Nesterov i periudhës para-revolucionare - "Vizioni për të rinjtë Bartolomeu" (1889-1890, Galeria Shtetërore Tretyakov).

Para se të kthehej në imazhin e Sergius të Radonezhit, Nesterov kishte shprehur tashmë interes për temën e Rusisë së Lashtë me vepra të tilla si "Nusja e Krishtit" (1887, vendndodhja e panjohur), "The Hermit Nick" (1888, Muzeu Rus; 1888 --1889, Galeria Shtetërore Tretyakov), duke krijuar imazhe të spiritualitetit të lartë dhe soditjes së qetë. Ai i kushtoi disa vepra të tjera vetë Sergjit të Radonezhit ("Rinia e Shën Sergjit", 1892-1897, Galeria Shtetërore Tretyakov; triptiku "Veprat e Shën Sergjit", 1896-1897, Galeria Shtetërore Tretyakov; "Sergius of Radonezh", 1891-1899, Muzeu Rus).

Në dëshirën e artistit për një interpretim të sheshtë të përbërjes, elegancës, zbukurimit, sofistikimit të rafinuar të ritmeve plastike, u shfaq ndikimi i padyshimtë i Art Nouveau.

Stilizimi, në përgjithësi, aq karakteristik i kësaj kohe, preku në masë të madhe veprat e kavaletit të Nesterovit. Kjo mund të shihet në një nga kanavacat më të mira kushtuar fatit të grave - "Great tonsure" (1898, Muzeu Rus): figura të sheshta të murgeshave, "chernitsa" dhe "belitsa", silueta të përgjithësuara, sikur të ngadalësonin ritmin ritual të njolla të lehta dhe të errëta - figura dhe një peizazh me thupër të lehta dhe bredha pothuajse të zinj. Dhe si gjithmonë me Nesterov, peizazhi luan një nga rolet kryesore. Vetë zhanri i peizazhit zhvillohet në fund të shekullit të 19-të gjithashtu në një mënyrë të re. Levitan, në fakt, përfundoi kërkimin për Wanderers në peizazh. Një fjalë e re në fund të shekullit do të thoshte K.A. Korovin, V.A. Serov dhe M.A. Vrubel.

Tashmë në peizazhet e hershme të Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939) zgjidhen problemet thjesht pikturale - të shkruash gri në të bardhë, të zezë në të bardhë, gri në gri. Një peizazh "konceptual" (termi i M.M. Allenov), si Savrasovsky ose Levitanovsky, nuk i intereson atij.

Dhurata bujare e Korovin për pikturën u shfaq shkëlqyeshëm në pikturën teatrale dhe dekorative. Si piktor teatri, ai punoi për Teatrin Abramtsevo (dhe Mamontov ishte ndoshta i pari që e vlerësoi si artist teatri), për Teatrin e Artit në Moskë, për Operan Private Ruse të Moskës, ku filloi miqësia e tij e përjetshme me Chaliapin, për Ndërmarrja Diaghilev. Korovin ngriti peizazhin teatror dhe domethënien e artistit në teatër në një nivel të ri, ai bëri një revolucion të tërë në të kuptuarit e rolit të artistit në teatër dhe pati një ndikim të madh te bashkëkohësit e tij me peizazhet e tij shumëngjyrëshe, "spektakolare". duke zbuluar vetë thelbin e një shfaqjeje muzikore.

Sipas Sternin G.Yu., një nga artistët më të mëdhenj, një novator i pikturës ruse në fund të shekullit, ishte Valentin Aleksandrovich Serov (1865--1911). "Vajza me pjeshkë" e tij (portreti i Verusha Mamontova, 1887, Galeria Shtetërore Tretyakov) dhe "Vajza e ndriçuar nga dielli" (portreti i Masha Simanovich, 1888, Galeria Shtetërore Tretyakov) janë një skenë e tërë në pikturën ruse. Serov u rrit në mesin e figurave të shquara të kulturës muzikore ruse (babai i tij është një kompozitor i famshëm, nëna e tij është një pianiste), studioi me Repin dhe Chistyakov, studioi koleksionet më të mira muzeale në Evropë dhe, pasi u kthye nga jashtë, hyri në mjedisin e rrethi Abramtsevo.

Imazhet e Vera Mamontova dhe Masha Simanovich janë të mbushura me një ndjenjë të gëzimit të jetës, një ndjenjë të ndritshme të qenies, një rini të ndritshme fitimtare. Kjo u arrit nga piktura impresioniste “e lehtë”, për të cilën është kaq karakteristik “parimi i rastësisë”, një formë e skalitur me një penelë dinamike e të lirë që krijon përshtypjen e një mjedisi kompleks ajri-dritë. Por ndryshe nga impresionistët, Serov nuk e shpërndan kurrë objektin në këtë mjedis që të çmaterializohet, kompozimi i tij nuk e humb kurrë stabilitetin, masat janë gjithmonë në ekuilibër. Dhe më e rëndësishmja, nuk humbet karakteristikat integrale të përgjithësuara të modelit. Piktura e zhanrit rus të shekujve 19 - fillimi i 20-të. Ese. M., 2004 -f.28.

Serov shpesh shkruan përfaqësues të inteligjencës artistike: shkrimtarë, artistë, artistë (portrete të K. Korovin, 1891, Galeria Shtetërore Tretyakov; Levitan, 1893, Galeria Shtetërore Tretyakov; Yermolova, 1905, Galeria Shtetërore Tretyakov). Të gjithë ata janë të ndryshëm, ai i interpreton të gjitha thellësisht individualisht, por mbi të gjitha qëndron drita e ekskluzivitetit intelektual dhe e jetës krijuese të frymëzuar. Kolona antike, ose më mirë, statuja klasike, të kujton figurën e Yermolovës, e cila përmirësohet më tej nga formati vertikal i kanavacës. Por gjëja kryesore mbetet fytyra - e bukur, krenare, e shkëputur nga çdo gjë e imët dhe e kotë. Ngjyrosja vendoset vetëm në një kombinim të dy ngjyrave: e zezë dhe gri, por në një larmi nuancash. Kjo e vërtetë e imazhit, e krijuar jo me rrëfim, por me mjete thjesht piktoreske, i përgjigjej vetë personalitetit të Yermolova, e cila me lojën e saj të përmbajtur, por thellësisht depërtuese, tronditi rininë në vitet e trazuara të fillimit të shekullit të 20-të.

Portreti i derës së përparme të Yermolova. Por Serov është Mjeshtër i madh që, duke zgjedhur një model tjetër, në të njëjtin zhanër të një portreti formal, në fakt, me të njëjtin mjete shprehëse në gjendje të krijojë një imazh të një karakteri krejtësisht të ndryshëm. Pra, në portretin e Princeshës Orlova (1910-1911, "RMS") ekzagjerimi i disa detajeve (kapelë e madhe, mbrapa shumë e gjatë, kënd i mprehtë gju), theksoi vëmendjen ndaj luksit të brendshëm, i transmetuar vetëm në mënyrë fragmentare, si një kornizë e rrëmbyer (pjesë e një karrige, piktura, këndi i tavolinës), lejojnë mjeshtrin të krijojë një imazh pothuajse grotesk të një aristokrati arrogant. Por i njëjti grotesk në "Pjetri I" i tij i famshëm (1907, Galeria Shtetërore Tretyakov) (Pjetri në foto është thjesht gjigant), duke lejuar Serov të përshkruajë lëvizjen e vrullshme të carit dhe oborrtarët që nxitojnë në mënyrë absurde pas tij, çon në një imazh që nuk është ironike, si në portretin e Orlovës, por simbolike, që përcjell kuptimin e një epoke të tërë. Artisti admiron origjinalitetin e heroit të tij.

Portret, peizazh, natyrë e qetë, pikturë shtëpiake, historike; vaj, gouache, tempera, qymyr - është e vështirë të gjesh zhanre pikture dhe grafike në të cilat Serov nuk do të punonte, dhe materiale që ai nuk do t'i përdorte.

Një temë e veçantë në veprën e Serov është fshatari. Në zhanrin e tij fshatar nuk ka mprehtësi shoqërore shëtitëse, por ka një ndjenjë të bukurisë dhe harmonisë së jetës fshatare, admirim për bukurinë e shëndetshme të popullit rus ("Në fshat. Një grua me një kalë", pastel, 1898 , Galeria Shtetërore Tretyakov). Peizazhet dimërore janë veçanërisht të shkëlqyera me gamën e tyre argjendi-perla të ngjyrave. Serov e interpretoi temën historike në mënyrën e tij:

“Gjuetitë mbretërore” me shëtitjet e kënaqësisë së Elizabetës dhe Katerinës II u përcollën nga artisti i kohës së re, ironike, por edhe admiruese pa ndryshim bukurinë e jetës së shekullit të 18-të. Interesi në shekulli XVIII u ngrit nga Serov nën ndikimin e "Botës së Artit" dhe në lidhje me punën për botimin e "Historisë së Dukës së Madhe, Gjuetisë Mbretërore dhe Perandorake në Rusi".

Është e vështirë të besohet menjëherë se portreti i Verusha Mamontova dhe Rrëmbimi i Evropës janë pikturuar nga i njëjti mjeshtër, Serov është kaq i gjithanshëm në evolucionin e tij nga autenticiteti impresionist i portreteve dhe peizazheve të viteve '80 dhe '90 në Art Nouveau në histori. motive dhe kompozime nga mitologjia antike.

Rruga krijuese e Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) ishte më e drejtpërdrejtë, megjithëse në të njëjtën kohë jashtëzakonisht komplekse. Para Akademisë së Arteve (1880), Vrubel u diplomua në fakultetin juridik të Universitetit të Shën Petersburgut. Në 1884, ai shkoi në Kiev për të mbikëqyrur restaurimin e afreskeve në kishën e Shën Kirilit dhe krijoi vetë disa kompozime monumentale. Ai bën skica me bojëra uji të muraleve të Katedrales së Vladimirit. Skicat nuk u transferuan në mure, pasi klienti ishte i frikësuar nga jokanoniku dhe ekspresiviteti i tyre.

Në vitet '90, kur artisti u vendos në Moskë, u formua stili i të shkruarit të Vrubelit, plot mister dhe fuqi pothuajse demonike, i cili nuk mund të ngatërrohet me asnjë tjetër. Ai e skalit formën si një mozaik, nga copa të mprehta "facete" me ngjyra të ndryshme, sikur shkëlqejnë nga brenda ("Vajza në sfondin e një tapeti persian", 1886, MRI; "Fortuneteller", 1895, Galeria Shtetërore Tretyakov) . Kombinimet e ngjyrave nuk pasqyrojnë realitetin e marrëdhënies së ngjyrave, por kanë një kuptim simbolik. Natyra nuk ka fuqi mbi Vrubelin. Ai e njeh atë, e zotëron në mënyrë të përsosur, por krijon botën e tij fantazi, e cila ka pak ngjashmëri me realitetin. Në këtë kuptim, Vrubel është antipode ndaj impresionistëve (për të cilët jo rastësisht thuhet se janë njësoj si natyralistët në letërsi), sepse ai nuk kërkon të fiksojë një përshtypje të drejtpërdrejtë të realitetit. Ai graviton drejt temave letrare, të cilat i interpreton në mënyrë abstrakte, duke u përpjekur të krijojë imazhe të përjetshme të fuqisë së madhe shpirtërore. Pra, pasi ka marrë ilustrime për Demonin, ai së shpejti largohet nga parimi i ilustrimit të drejtpërdrejtë ("Vallëzimi i Tamarës", "Mos qaj, fëmijë, mos qaj kot", "Tamara në arkivol", etj.) dhe tashmë në të njëjtin 1890 krijon "Demonin e ulur" të tij - një vepër, në fakt, pa komplot, por imazhi është i përjetshëm, si imazhet e Mefistofelit, Faustit, Don Zhuanit. Imazhi i Demonit është imazhi qendror i gjithë veprës së Vrubelit, tema e tij kryesore. Në 1899, ai shkroi "Demon që fluturon", në 1902 - "Djami i shtypur". Demoni i Vrubelit është, para së gjithash, një krijesë e vuajtur. Vuajtja mbizotëron mbi të keqen në të, dhe kjo është veçantia e interpretimit kombëtar rus të imazhit. Bashkëkohësit, siç u vu re me të drejtë, panë në "Demonët" e tij një simbol të fatit të një intelektuali - një romantik, duke u përpjekur të shpërthejë në mënyrë rebele nga realiteti pa harmoni në një botë joreale ëndrrash, por të zhytur në realitetin e përafërt të tokësor. . Kjo tragjedi e botëkuptimit artistik përcakton edhe karakteristikat e portretit të Vrubelit: mosmarrëveshje shpirtërore, prishje në autoportretet e tij, vigjilencë, gati frikë, por edhe forcë madhështore, monumentalitet - në portretin e S. Mamontov (1897, Galeria Shtetërore Tretyakov) , konfuzion, ankth -- në një përrallore imazhi i "The Swan Princess" (1900, Galeria Shtetërore Tretyakov), madje edhe në panelet e tij dekorative "Spanjë" (1894, Galeria Shtetërore Tretyakov) dhe "Venecia" (1893, Muzeu Rus) ekzekutuar për E.D. Dunker, nuk ka paqe dhe qetësi. Vetë Vrubel formuloi detyrën e tij - "të zgjojë shpirtin me imazhe madhështore nga gjërat e vogla të jetës së përditshme" Fedorov-Davydov A.A. I.I. Levitani. Jeta dhe krijimi. M., 1966.- Fq.56 .

Vrubel krijoi pikturat e tij më të pjekura dhe veprat grafike në fund të shekullit - në zhanrin e peizazhit, portretit, ilustrimit të librave. Në organizimin dhe interpretimin dekorativo-planar të kanavacës apo fletës, në ndërthurjen e reales me fantastiken, në përkushtimin ndaj zgjidhjeve ornamentale, ritmikisht komplekse në veprat e tij të kësaj periudhe, veçoritë e modernitetit po afirmohen gjithnjë e më shumë.

Ashtu si K. Korovin, Vrubel ka punuar shumë në teatër. Peizazhi i tij më i mirë u interpretua për operat e Rimsky-Korsakov "Vëja e dëborës", "Sadko", "Përralla e Car Saltan" dhe të tjera në skenën e Operës Private të Moskës, domethënë për ato vepra që i dhanë mundësinë të "komunikonte" me folklorin rus. , përrallë, legjendë.

Universalizmi i talentit, imagjinata e pakufishme dhe pasioni i jashtëzakonshëm për afirmimin e idealeve fisnike e dallojnë Vrubelin nga shumë prej bashkëkohësve të tij.

Puna e Vrubelit më qartë se të tjerat pasqyroi kontradiktat dhe hedhjet e dhimbshme të epokës historike. Në ditën e varrimit të Vrubelit, Benois tha: “Jeta e Vrubelit, siç do të hyjë tani në histori, është një simfoni e mrekullueshme patetike, domethënë forma më e plotë e ekzistencës artistike. Brezat e ardhshëm ... do të shikojnë prapa në dekadat e fundit të shekullit të 19-të si në "epokën e Vrubelit" ... Pikërisht në të koha jonë u shpreh në gjënë më të bukur dhe më të trishtuar që ishte në gjendje të bënte. 7 .

Me Vrubelin po hyjmë në një shekull të ri, në epokën e “Epokës së Argjendit”, periudhës së fundit të kulturës së Shën Petersburgut të Rusisë, e cila është jashtë kontaktit si me “ideologjinë e revolucionarizmit” (P. Sapronov) dhe “me autokraci që prej kohësh ka pushuar së qeni forcë kulturore dhe shtet”. Rritja e mendimit filozofik dhe fetar rus lidhet me fillimin e shek. niveli më i lartë poezi (mjafton të përmendim Blok, Bely, Annensky, Gumilyov, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub); teatër dramë dhe muzikor, balet; "Zbulimi" i artit rus të shekullit të 18-të (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), piktura e lashtë ruse e ikonave; profesionalizmin më të mirë të pikturës dhe grafikës që nga fillimi i shek. Por “Epoka e Argjendtë” ishte e pafuqishme përballë ngjarjeve tragjike të afërta në Rusi, e cila po shkonte drejt një katastrofe revolucionare, duke vazhduar të qëndronte në “kullën e fildishtë” dhe në poetikën e simbolizmit.

Nëse vepra e Vrubel mund të lidhet me drejtimin e përgjithshëm të simbolizmit në art dhe letërsi, megjithëse, si çdo artist i madh, ai shkatërroi kufijtë e drejtimit, atëherë Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) është një eksponent i drejtpërdrejtë i simbolizmit piktural. dhe një nga retrospektivistët e parë në artet e bukura të Rusisë kufitare. Madje, kritikët e kohës e quajtën atë "ëndërrimtarin e retrospektivizmit". Pasi vdiq në prag të revolucionit të parë rus, Borisov-Musatov doli të ishte plotësisht i shurdhër ndaj disponimeve të reja që po shpërthyen me shpejtësi në jetë. Veprat e tij janë një trishtim elegjiak për "foletë fisnike" të vjetra boshe dhe "kopshtet e qershisë" që po vdesin, për gratë e bukura, të shpirtëruara, thuajse të panatyrshme, të veshura me disa lloj kostumesh të përjetshme që nuk mbajnë shenja të jashtme të vendit dhe kohës.

3. Shoqatat e artit dhe roli i tyre në zhvillimin e pikturës

"BOTA E ARTIT"

Shoqata artistike “Bota e Artit” u vetëshpall duke nxjerrë një revistë me të njëjtin emër në kapërcyellin e shekujve 19-20. Botimi i numrit të parë të revistës "World of Art" në Shën Petersburg në fund të vitit 1898 ishte rezultat i komunikimit dhjetëvjeçar midis një grupi piktorësh dhe grafistësh të kryesuar nga Aleksandri. Nikolaevich Benois (1870-1960).

Qëllimi kryesor i krijimtarisë artistike u deklarua të ishte bukuria, dhe bukuria në kuptimin subjektiv të çdo mjeshtri. Një qëndrim i tillë ndaj detyrave të artit i dha artistit liri absolute në zgjedhjen e temave, imazheve dhe mjeteve të shprehjes, gjë që ishte mjaft e re dhe e pazakontë për Rusinë.

Bota e Artit hapi për publikun rus shumë dukuri interesante dhe të panjohura më parë të kulturës perëndimore, në veçanti pikturën finlandeze dhe skandinave, artistët anglezë para-rafaelitë dhe artistin grafik Aubrey Beardsley.

Një tipar dallues i artistëve të "Botës së Artit" ishte shkathtësia. Ata ishin të angazhuar në pikturë, dhe dizajnimin e prodhimeve teatrale, dhe artet dhe zanatet. Megjithatë, vendi më i rëndësishëm në trashëgiminë e tyre i takon grafikës.

Veprat më të mira të Benois janë grafike; ndër to janë veçanërisht interesante ilustrimet për poezinë e A. S. Pushkin "Kalorësi prej bronzi" (1905-1922). Petersburgu u bë "heroi" kryesor i të gjithë ciklit: rrugët, kanalet, kryeveprat arkitekturore të tij shfaqen ose në ashpërsinë e ftohtë të linjave të holla, ose në një kontrast dramatik të pikave të ndritshme dhe të errëta. Në kulmin e tragjedisë, kur Eugenie po vrapon nga gjigandi i frikshëm që galopon pas tij - monumenti i Pjetrit, mjeshtri pikturon qytetin me ngjyra të errëta dhe të zymta.

Vepra e Benois i afrohet idesë romantike për të kundërshtuar një hero të vetmuar të vuajtur dhe botën, indiferente ndaj tij dhe kështu ta vrasë atë.

Dizajni i shfaqjeve teatrale është faqja më e ndritshme në veprën e Lev Samuilovich Bakst (emri i vërtetë Rosenberg; 1866-1924). Veprat e tij më interesante lidhen me prodhimet e operës dhe baletit të stinëve ruse në Paris 1907-1914. - një lloj festivali i artit rus, organizuar nga Dyagi-lev. Bakst bëri skica të peizazheve dhe kostumeve për operën "Salo-meya" të R. Strauss, suitën "Scheherazade" të N. A. Rimsky-Korsakov, baletin "Pasditja e një Faun" nën muzikën e C. Debussy dhe shfaqje të tjera. Veçanërisht të shquara janë skicat e kostumeve, të cilat janë bërë vepra grafike të pavarura. Artisti ka modeluar kostumin, duke u fokusuar në sistemin e lëvizjeve të kërcimtarit, përmes linjave dhe ngjyrave, ka kërkuar të zbulojë modelin e kërcimit dhe natyrën e muzikës. Në skicat e tij, mprehtësia e vizionit të figurës, një kuptim i thellë i natyrës së lëvizjeve të baletit dhe hiri i mahnitshëm janë të habitshëm.

Një nga temat kryesore për shumë mjeshtra të "Botës së Artit" ishte apeli për të kaluarën, malli për botën ideale të humbur. Epoka e preferuar ishte shekulli XVIII, dhe mbi të gjitha periudha e Rokokos. Artistët jo vetëm që u përpoqën të ringjallen këtë herë në punën e tyre - ata tërhoqën vëmendjen e publikut në artin e vërtetë të shekullit të 18-të, në fakt, duke rizbuluar veprën e piktorëve francezë Antoine Watteau dhe Honore Fragonard dhe bashkatdhetarët e tyre - Fyodor Rokotov dhe Dmitry. Levitsky.

Imazhet e "epokës galante" lidhen me veprat e Benois, në të cilat pallatet dhe parqet e Versajës paraqiten si një botë e bukur dhe harmonike, por e braktisur nga njerëzit. Evgeny Evgenievich Lanceray (1875---1946) preferoi të përshkruante fotografi të jetës ruse në shekullin e 18-të.

Me ekspresivitet të veçantë, motivet rokoko u shfaqën në veprat e Konstantin Andreevich Somov (1869--1939). Ai iu bashkua historisë së artit herët (babai i artistit ishte kurator i koleksioneve të Hermitage). Pas diplomimit në Akademinë e Arteve, mjeshtri i ri u bë një njohës i madh i pikturës së vjetër. Somov imitoi shkëlqyeshëm teknikën e saj në pikturat e tij. Zhanri kryesor i punës së tij mund të quhet variacione në temën e "skenës galante". Në të vërtetë, në kanavacat e artistit, personazhet e Watteau duket se kthehen në jetë - zonja me fustane dhe paruke madhështore, aktorë të komedisë së maskave. Ata flirtojnë, flirtojnë, këndojnë serenata në rrugicat e parkut, të rrethuar nga shkëlqimi përkëdhelës i dritës së perëndimit të diellit.

Somov arriti të shprehë admirimin e tij nostalgjik për të kaluarën veçanërisht në mënyrë delikate përmes imazheve femërore. Vepra e famshme "Zonja me blu" (1897-1900) është një portret i një bashkëkohësi të artistit mjeshtër E. M. Martynova. Ajo është e veshur në modën e vjetër dhe është përshkruar në sfondin e një parku peizazhi poetik. Mënyra e pikturimit imiton shkëlqyeshëm stilin Biedermeier. Por sëmundshmëria e dukshme e pamjes së heroinës (Martynova vdiq shpejt nga tuberkulozi) ngjall një ndjenjë të dëshirës akute, dhe butësia idilike e peizazhit duket joreale, ekzistuese vetëm në imagjinatën e artistit.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) e përqendroi vëmendjen e tij kryesisht në peizazhin urban. Shën Petersburgu i tij, ndryshe nga Shën Petersburgu i Benois, është i lirë nga një aureolë romantike. Artisti zgjedh pamjet më jotërheqëse, "gri", duke e treguar qytetin si një mekanizëm të madh që vret shpirtin e njeriut.

Përbërja e pikturës "Njeriu me syze" ("Portreti i K. A. Syunnerberg", 1905-1906) bazohet në kundërshtimin e heroit dhe qytetit, i cili duket nga një dritare e gjerë. Në pamje të parë, rreshti lara-lara i shtëpive dhe figura e një burri me fytyrën e zhytur në hije duken të izoluara nga njëra-tjetra. Por ka një lidhje të thellë të brendshme midis këtyre dy aeroplanëve. Pas shkëlqimit të ngjyrave qëndron mërzia "mekanike" e shtëpive të qytetit. Heroi është i shkëputur, i zhytur në vetvete, në fytyrën e tij nuk ka veç lodhje dhe zbrazëti.

UNIONI I ARTISTËVE RUSE

Unioni i Artistëve Ruse është një shoqatë që u ngrit në 1903 në Moskë. Bërthama e saj ishte Konstantin Yuon, Abram Arkhipov. Igor Grabar, Arkady Rylov. Bota e Artit luajti një rol të rëndësishëm në shfaqjen e Unionit, megjithëse mjeshtrit e Moskës në shumë mënyra u përpoqën t'i kundërviheshin Petersburgerëve. Ata ishin larg simbolizmit dhe ideve të lidhura me to. Stili i tyre kombinoi traditat realiste të Wanderers dhe përvojën e impresionizmit në transmetimin e ajrit dhe dritës. Duke qenë nën njëfarë ndikimi të punës së Konstantin Korovin, i cili shpesh merrte pjesë në ekspozitat e Unionit, këta artistë gravituan drejt pikturës së peizazhit dhe zhanrit.

Piktori më interesant i peizazhit ishte Konstantin Fedorovich Yuon (1875-1958). Më e mira nga të gjitha, ai pati sukses në peizazhet lirike të dimrit (“Dielli i marsit”, 1915; “Dielli i dimrit”, 1916), në të cilat ai përcolli me delikatesë lojën e dritës mbi borën e shkrirë, kaltërsinë e butë të qiellit. Dhe në pamjet e Trinity-Sergius Lavra (më e mira prej tyre u pikturua në 1910), kontrasti i borës së bardhë dhe ndërtesave me ngjyra të ndezura, figurat njerëzore fitojnë një bukuri thjesht dekorative, duke i afruar këto vepra me Art Nouveau.

Kërkimet kureshtare shënuan veprën e Igor Emmanuilovich Grabar (1871-1960). Peizazhi i tij i butë dhe poetik në humor "Bluja e shkurtit" (1904) dëshmon për njohjen e artistit jo vetëm me impresionizmin, por edhe me tendencat e mëvonshme të pikturës franceze. Trungjet dhe degët e pemëve të thuprës, të zhytur në shkëlqimin e diellit të ftohtë të dimrit, janë pikturuar me goditje të shkurtra dhe i ngjajnë teknikës pointilliste. E njëjta mënyrë është e dukshme në pikturën e shkëlqyer të natyrës së qetë "Tavolina e çrregullt" (1907), në të cilën, falë një sistemi refleksesh (theksimi i ngjyrave), të gjitha objektet kombinohen me mjeshtëri në një tërësi koloristike.

Peizazhet e Arkady Alexandrovich Rylov (1870-1939), student i A. I. Kuindzhi, janë shumë emocionues. Në pikturën "Zhurma e gjelbër" (1904), gjethja, që lëkundet nën një shpërthim ere, është shkruar me goditje gjithëpërfshirëse të lëngshme dhe panorama që shkon në distancë duket po aq e ndritshme sa plani i parë, gjë që krijon një ndjenjë dekorimi.

Artisti Abram Efimovich Arkhipov (1862--1930) studioi me Wanderers të famshëm - V. G. Perov dhe V. D. Polenov. Pikturat e tij të zhanrit karakterizohen si nga përmbajtja realiste ashtu edhe nga një orientim i mprehtë shoqëror. Sidoqoftë, ata nuk janë tërhequr aq shumë nga kjo. sa chi-qind virtyte piktoreske. E tillë është tabloja e “Washerwomen” (fundi i viteve '90 të shekullit të 19-të). Kompozimi i saj, i cili përfshin vetëm një pjesë të vogël të dhomës, është ndërtuar mjaft në frymën e veprave të hershme të Edgar Degas mbi të njëjtën temë. Avulli i rrotulluar shpërndan konturet e figurave dhe skicat e fytyrave, dhe kombinimi i ngjyrave të toneve të heshtura gri, të verdhë, kafe dhe jargavan është çuditërisht i pasur me nuanca.

Puna e mjeshtrave të Unionit të Artistëve Ruse, me gjithë sharmin dhe nivelin e lartë teknik, u dallua nga një konservatorizëm mjaft i fortë. Rrënjët e forta realiste nuk i kanë lejuar kurrë piktorët të hyjnë në kërkimin e formave dhe mjeteve të reja shprehëse. Ndoshta kjo është arsyeja pse shumë anëtarë të Unionit të Artistëve Ruse përshtaten në mënyrë të përkryer në tablonë e zhvillimit të artit zyrtar të periudhës sovjetike, duke përbërë, megjithatë, pjesën më të denjë të tij.

"Trëndafili Blu"

Në mars 1907, me iniciativën e mbrojtësit, koleksionistit dhe artistit amator Nikolai Pavlovich Ryabushinsky (1877-1951), u hap në Moskë një ekspozitë e një grupi piktorësh të quajtur "Trëndafili Blu". Pjesëmarrësit kryesorë të saj - Pavel Kuznetsov, Sergei Sudeikin, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan dhe të tjerë - ishin të diplomuar në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë. Në fillim të shekullit XX. ata ishin të bashkuar nga një pasion i thellë për idetë e simbolizmit. Disa prej tyre bashkëpunuan në revistat simboliste të Moskës Libra dhe Golden Fleece. Por më i forti ishte ndikimi i V. E. Borisov-Musatov. Pikërisht në bazë të stilit të tij piktural artistët e rinj simbolist përcaktuan detyrën kryesore të punës së tyre: zhytjen në botën e ndjenjave më delikate, të pakapshme, ndjenjat e brendshme të fshehura dhe komplekse që nuk shpjegohen me fjalë.

Ndryshe nga grupimet e tjera artistike, për të cilat ekspozita e parë e përbashkët u bë fillimi i rrugës, për simbolistët e Moskës doli të ishte fundi: menjëherë pas kësaj, komuniteti filloi të shpërbëhej. Sidoqoftë, stili i "Trëndafilit Blu" përcaktoi kryesisht punën e mëtejshme të secilit prej tyre.

Në mesin e gjashtëmbëdhjetë ekspozuesve, Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878-1968) është padyshim me interes të veçantë. Deri në fillim të viteve 10. Shekulli 20 puna e artistit ishte afër mënyrës së mësuesit të tij Borisov-Musatov dhe simbolistëve francezë të grupit Nabis. Peizazhet e Kuznetsov në 1904-1905, për shembull, "Shatërvan", "Mëngjes", janë krijuar me ngjyra të ftohta: gri-blu, jargavan i zbehtë. Skicat e objekteve janë të paqarta, imazhi i hapësirës priret të jetë dekorativ. Mjeshtri i kushtoi vëmendje të madhe transmetimit të veçantë të dritës, duke i dhënë peizazhit një ndjenjë butësie dhe në të njëjtën kohë një ndjenjë trishtimi therës. Në veprat e Kuznetsov të viteve 10, veçanërisht në të ashtuquajturën "Seria Lindore", stili unik krijues i mjeshtrit të pjekur tashmë është qartë i dukshëm. Piktura "Mirage in the Steppe" (1912) në shikim të parë është jashtëzakonisht e thjeshtë në përmbajtje: stepa, tenda të vetmuara, njerëz që ecin ngadalë ose që flasin që nuk e vërejnë shkëlqimin e mrekullueshëm që mbushi qiellin. Fotografia zgjidhet përsëri me ngjyra të ftohta, dhe pikat e ndritshme (çadrat, figurat njerëzore) vetëm theksojnë dominimin absolut të gamës gri-blu. Shkëlqimi i butë i një mirazhi është gjëja kryesore që tërheq në foto: është ai që duket se është një realitet i vërtetë, dhe njerëzit dhe shtëpitë e tyre perceptohen si një mirazh.

Një faqe e jashtëzakonshme në historinë e simbolizmit të Moskës është vepra e hershme e piktorit armen Martiros Sergeevich Saryan (1880-1972). Ai mund të demonstronte në mënyrë të përkryer hollësinë e ndjesive dhe nënvlerësimin simbolist, si për shembull, në veprën "Liqeni i Zanave" (1906), e cila është ndërtuar mbi lojën e toneve të ftohta tipike për "Trëndafilin Blu". Sidoqoftë, elementi i vërtetë i artistit është bota e Lindjes me temperamentin e saj dhe shkëlqimin e ndezur të paletës. Në foto të tilla si “Rruga. mesditë. Konstandinopojë "(1910)," Palma e hurmës "(1911), artisti pikturon formën me ngjyra të pasura dhe goditje energjike.

Në veprat e Nikolai Nikolaevich Sapunov (1880--1912), elementet e simbolizmit dhe primitivizmit janë të ndërthurura. Kanavaca e tij "Carousel" (1908), me sa duket, është një "fotografi e drejtë-rock" tipike primitiviste. Sidoqoftë, goditjet e lehta të shkurtra, kombinimet komplekse të bojrave të pastra (d.m.th., jo të përziera në paletë) bëjnë që njeriu të kujtojë mënyrën e rafinuar të mjeshtrave francezë. Dhe kjo e kthen skenën farsë në një “vizion” simbolik.

Imazhet e epokave të shkuara kishin një rëndësi të konsiderueshme për Sapunovin, gjë që e afron atë me mjeshtrit e Shën Peterburgut të Botës së Artit. E tillë është fotografia "Ball" (1910). duke ringjallur në kujtesë skenën e topit provincial të kohës së Pushkinit.

Gjendje shumë më të forta nostalgjike ndihen në veprën e Sergei Yuryevich Sudeikin (1882-1946). Veprimi i pikturave të artistit, në veçanti vepra "Në park" (1907), zakonisht zhvillohet në parqet angleze, midis gjetheve të dendura dhe arboreve të lehta të humbura në të. Çiftet e dashuruara të izoluar në varka dhe në rrugicat e parkut duket se treten në një mjegull të butë të ajrosur, figurat e tyre të vogla bëhen pjesë organike e natyrës. Drita e zymtë e shpërndarë u jep këtyre "skenave të kohërave të sentimentalizmit" një ndjenjë ëndërrimi dhe një dëshirë të mprehtë për të parealizueshmen.

Ekspozita "Trëndafili Blu" nuk çoi në krijimin e një shoqate të fortë artistike të simbolistëve të Moskës. Por emri i saj më vonë u kthye në një metaforë që përcakton tiparet kryesore të stilit të tyre: intimitet, mall për reflektim.

Pra, në fund të shekullit, shumë shoqata artistike u ngritën në Rusi: "Bota e Artit". Unioni i Artistëve Rus dhe të tjerë mblodhën nën një çati piktorë të frymëzuar nga ideja e ringjalljes së kulturës popullore.

konkluzioni

Shfaqja e një modeli të ri të pikturës në fund të shekullit XIX - fillimi i shekullit të 20-të, i cili quhet Epoka e Argjendtë, ishte për shkak të ndryshimeve të thella në qëndrimin kombëtar dhe vlerat e jetës shpirtërore. Kriza e ndërgjegjes u shfaq në dekadencë, në përpjekje për t'u larguar nga stereotipat dhe dogmat e epokës së iluminizmit. Ndryshimi në themelet e kulturës kombëtare vazhdoi në tre drejtime. Së pari, pati një kalim nga një tablo racionaliste e botës në përpjekjet për të kuptuar botën në integritetin e saj të pandashëm përmes kombinimit të njohurive, besimit dhe ndjenjave. Së dyti, elementët e filozofisë fetare laike u formuan si një botëkuptim i ri i kulturës. Së treti, kultura hoqi barrën e "mësimit" dhe aktivizoi rolin profetik dhe krijues të krijimtarisë artistike.

Ndryshimet në themelet e botëkuptimit në kapërcyellin e shekujve 19-20. kombinuar me kërkime krijuese në fushën e gjuhës artistike. Rezultati më i plotë i ndryshimeve u shpreh në formimin e sistemit estetik të simbolizmit, i cili u bë shtysë për rinovimin e të gjitha sferave të kulturës.

Në fund të shekullit, piktura ruse kapërceu kufijtë kombëtarë dhe u bë një fenomen i klasit botëror. Ajo përdori të gjithë pasurinë e botës dhe traditat e saj kulturore për formimin e versionit të brendshëm të modernitetit.

Burimet e rëndësishme të formimit të bazës shpirtërore të epokës së argjendit ishin kultura e provincave dhe qyteteve të vogla. Art Nouveau, simbolika dhe avangarda luajtën rolin e një lloj "motori" që i dha përshpejtim zhvillimit shpirtëror të kombit, duke e "shtyrë" fjalë për fjalë në shekullin e ri të 20-të.

Letërsia

1. Berezovaya L.G. Historia e kulturës ruse.-M., 2002 -431s.

2. Borisova E.A., Sternin G.Yu. Moderne ruse - . M., 2000.-261s.

3. Vlasova R.I. Konstantin Korovin. Krijimtaria.- L., 1970.-132f.

4. Volkov N.N. Kompozicioni në pikturë.- M., 1977.- 174f.

5. Ilyina T.V. Historia e arteve-M., 2003- 407s.

6. Lapshin V. "Bashkimi i Artistëve Rus" - M., 1971. - 206f.

7. Lapshina N. “Bota e Artit”. Ese mbi historinë dhe praktikën krijuese. M., 1977.- 186s.

8. Lebedev G.E. Ilustrim i librit rus të shekullit të 19-të. M., 1952.-160.

9. Ese mbi historinë e portretit rus të gjysmës së dytë të shekullit XIX / Ed. N.G. Mashkovtsev. M., 1963.

10. Ese mbi historinë e portretit rus të fundit të XIX - fillimi i shekullit XX / Ed. N.G. Mashkovtseva dhe N.I. Sokolova. M., 1964.

11. Piktura e zhanrit rus XIX - fillimi i shekullit XX. Ese. M., 2004 -208..

12. Sarabyanov D.V. Piktura ruse e shekullit XIX. ndër shkollat evropiane. M., 1980.

13. Sarabyanov D.V. Historia e artit rus në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të. M., 1989.

14. Sternin G.Yu. Jeta artistike e Rusisë në fund të shekujve XIX-XX - M. 1999-68...

15. Turchin V. S. Epoka e romantizmit në Rusi. M., 1981.

16. Fedorov-Davydov A.A. I.I. Levitani. Jeta dhe krijimi. M., 1966.

Dërgoni punën tuaj të mirë në bazën e njohurive është e thjeshtë. Përdorni formularin e mëposhtëm

Studentët, studentët e diplomuar, shkencëtarët e rinj që përdorin bazën e njohurive në studimet dhe punën e tyre do t'ju jenë shumë mirënjohës.

Postuar ne http://www.allbest.ru/

Agjencia Federale për Arsimin

Institucion arsimor shtetëror

arsimin e lartë profesional

histori arti

Kontrolloni punën e kursit

Arti rus i fundit të shekullit të 19-të - fillimit të shekullit të 20-të

Prezantimi

Pikturë

Konstantin Alekseevich Korovin

Valentin Alexandrovich Serov

Mikhail Alexandrovich Vrubel

"Bota e Artit"

"Bashkimi i Artistëve Rus"

"Jack of Diamonds"

"Bashkimi i Rinisë"

Arkitekturë

Skulpturë

Bibliografi

Prezantimi

Kultura ruse e fundit të XIX - fillimi i shekujve XX është një periudhë komplekse dhe e diskutueshme në zhvillimin e shoqërisë ruse. Kultura e fillimit të shekullit përmban gjithmonë elementë të një epoke tranzitore, e cila përfshin traditat e kulturës së së kaluarës dhe tendencat novatore të një kulture të re në zhvillim. Ka një transferim të traditave dhe jo thjesht një transferim, por shfaqje të të rejave, e gjithë kjo lidhet me procesin e turbullt të kërkimit të mënyrave të reja të zhvillimit të kulturës, të korrigjuara nga zhvillimi shoqëror i kësaj kohe. Kthimi i shekullit në Rusi është një periudhë e ndryshimeve të mëdha, një ndryshim në sistemin shtetëror, një ndryshim nga kultura klasike e shekullit të 19-të në kulturën e re të shekullit të 20-të. Kërkimi i mënyrave të reja të zhvillimit të kulturës ruse shoqërohet me asimilimin e tendencave progresive në kulturën perëndimore. Shumëllojshmëria e drejtimeve dhe shkollave është një tipar i kulturës ruse në fund të shekullit. Tendencat perëndimore ndërthuren dhe plotësohen nga ato moderne, të mbushura me përmbajtje specifike ruse. Një tipar i kulturës së kësaj periudhe është orientimi i saj drejt kuptimit filozofik të jetës, nevoja për të ndërtuar një tablo tërësore të botës, ku arti, së bashku me shkencën, luan një rol të madh. Fokusi i kulturës ruse të fundit të shekullit të 19-të - fillimit të shekullit të 20-të doli të ishte një person që bëhet një lloj lidhjeje lidhëse në shumëllojshmërinë e shumëllojshme të shkollave dhe fushave të shkencës dhe artit, nga njëra anë, dhe një lloj pikënisjeje. për analizimin e të gjitha objekteve kulturore më të ndryshme, nga ana tjetër. Prandaj themeli i fuqishëm filozofik që qëndron në themel të kulturës ruse në fund të shekullit.

Duke theksuar prioritetet më të rëndësishme në zhvillimin e kulturës ruse të fundit të XIX - fillimit të shekujve XX, nuk mund të injorohen karakteristikat e saj më të rëndësishme. Fundi i 19-të - fillimi i shekullit të 20-të në historinë e kulturës ruse zakonisht quhet Rilindja Ruse ose, në krahasim me epokën e artë të Pushkinit, epoka e argjendtë e kulturës ruse.

Në fillim të shekullit, u zhvillua një stil që preku të gjithë artet plastike, duke filluar kryesisht me arkitekturën (në të cilën eklekticizmi dominoi për një kohë të gjatë) dhe duke përfunduar me grafikë, e cila u quajt stili i Art Nouveau. Ky fenomen nuk është i paqartë, në modernitet ka edhe pretenciozitet dekadent, pretenciozitet, i projektuar kryesisht për shijet borgjeze, por ka edhe një dëshirë për unitet stili që është domethënëse në vetvete. Stili Art Nouveau është një fazë e re në sintezën e arkitekturës, pikturës dhe arteve dekorative.

Në artet pamore, Art Nouveau u shfaq: në skulpturë - nga rrjedhshmëria e formave, ekspresiviteti i veçantë i siluetës, dinamizmi i kompozimeve; në pikturë - simbolika e imazheve, varësia ndaj alegorisë. simbolikë argjendi moderne avangarde

Simbolistët rusë luajtën një rol të rëndësishëm në zhvillimin e estetikës së epokës së argjendit. Simbolizmi si fenomen në letërsi dhe art u shfaq për herë të parë në Francë në çerekun e fundit të shekullit të 19-të dhe nga fundi i shekullit ishte përhapur në pjesën më të madhe të Evropës. Por pas Francës, është në Rusi që simbolika realizohet si fenomeni më i gjerë, domethënës dhe origjinal në kulturë. Simbolika ruse në fillim kishte në thelb të njëjtat parakushte si simbolika perëndimore: "një krizë e një botëkuptimi dhe morali pozitiv". Parimi kryesor i simbolistëve rusë është estetizimi i jetës dhe dëshira për forma të ndryshme të zëvendësimit të estetikës me logjikën dhe moralin. Para së gjithash, simbolizmi rus karakterizohet nga demarkacioni me traditat e viteve gjashtëdhjetë revolucionare-demokratike dhe populizmi, me ideologjizimin ateist, utilitarizmin, sipas simbolistëve rusë, ato korrespondojnë me parimet e artit "të pastër", të lirë.

Një tjetër e ndritshme, e fituar rëndësi globale fenomeni i epokës së argjendtë - arti dhe estetika e avangardës. Në hapësirën e fushave tashmë të listuara të ndërgjegjes estetike, artistët avangardë dalloheshin nga një karakter i theksuar rebel. Ata e perceptuan krizën e kulturës klasike, artit, fesë, socialitetit, shtetësisë me kënaqësi si një vdekje natyrale, shkatërrimin e së vjetrës, të vjetëruar, të parëndësishme, dhe e kuptuan veten si revolucionarë, shkatërrues dhe varrmihës të "të gjitha mbeturinave" dhe krijues të çdo gjë e re, në përgjithësi, një garë e re në zhvillim. Idetë e Niçes për mbinjeriun, të zhvilluara nga P. Uspensky, u morën fjalë për fjalë nga shumë artistë avangardë dhe u provuan, veçanërisht nga futuristët, për veten e tyre.

Që këtej rrjedh revolta dhe egërsia, dëshira për çdo gjë thelbësisht të re në mjetet e shprehjes artistike, në parimet e qasjes ndaj artit, tendenca për të zgjeruar kufijtë e artit derisa ai të marrë jetë, por në parime krejtësisht të ndryshme nga ato të përfaqësuesve. të estetikës teurgjike. Jeta për avangardistët e viteve 10. Shekulli 20 - kjo është mbi të gjitha një revoltë revolucionare, një revoltë anarkiste. Absurdi, kaosi, anarkia për herë të parë kuptohen si sinonime të modernitetit dhe pikërisht si parime kreative pozitive të bazuara në mohimin e plotë të parimit racional në art dhe kultin e të paarsyeshmes, intuitive, të pavetëdijshme, të pakuptimtë, abstruse, pa formë etj. . Drejtimet kryesore të avangardës ruse ishin: abstraksionizmi (Vasily Kandinsky), suprematizmi (Kazimir Malevich), konstruktivizmi (Vladimir Tatlin), kubofuturizmi (kubizmi, futurizmi) (Vladimir Mayakovsky).

Pikturë

Për piktorët e kapërcyellit të shekullit, janë karakteristike mënyra të tjera shprehjeje nga ato të Endacakëve, forma të tjera të krijimtarisë artistike - në imazhe kontradiktore, të ndërlikuara dhe pasqyrojnë modernitetin pa ilustrativitet dhe rrëfim. Artistët kërkojnë me dhimbje harmoninë dhe bukurinë në një botë që është thelbësisht e huaj për harmoninë dhe bukurinë. Kjo është arsyeja pse shumë e panë misionin e tyre në kultivimin e ndjenjës së bukurisë. Kjo kohë e “evgjeve”, pritshmëria e ndryshimeve në jetën publike, solli shumë prirje, asociacione, grupime, përplasje botëkuptimesh dhe shijesh të ndryshme. Por kjo i dha shkas edhe universalizmit të një brezi të tërë artistësh që dolën përpara pas “Endacakëve” “klasikë”.

Mësime impresioniste në pikturën me ajër të pastër, kompozimi i "kornizës së rastësishme", një mënyrë e gjerë pikture e lirë - e gjithë kjo është rezultat i evolucionit në zhvillimin e mjeteve piktoreske në të gjitha zhanret e fillimit të shekullit. Në kërkim të "bukurisë dhe harmonisë", artistët provojnë veten e tyre në një sërë teknikash dhe formash arti - nga piktura monumentale dhe peizazhet teatrale deri te dizajni i librave dhe artet dhe zanatet.

Piktura e zhanrit u zhvillua në vitet 1990, por ajo u zhvillua disi më ndryshe se në lëvizjen "klasike" Wandering të viteve 1970 dhe 1980. Kështu, tema fshatare zbulohet në një mënyrë të re. S. A. Korovin (1858-1908) përshkruan ndarjen në komunitetin rural në pikturën "On the World" (1893).

Në fund të shekullit, në temën historike përvijohet një rrugë disi e veçantë. Kështu, për shembull, A.P. Ryabushkin (1861-1904) punon më shumë në zhanrin historik sesa në zhanrin thjesht historik. "Gratë ruse të shekullit të 17-të në kishë" (1899), "Treni i dasmës në Moskë. Shekulli XVII ”(1901) - këto janë skena të përditshme nga jeta e Moskës në shekullin XVII. Stilizimi i Ryabushkin reflektohet në rrafshimin e imazhit, në një sistem të veçantë të ritmit plastik dhe linear, në skemën e ngjyrave të ndërtuara mbi ngjyra të ndritshme kryesore, në zgjidhjen e përgjithshme dekorative. Ryabushkin prezanton me guxim ngjyrat lokale në peizazhin plein-ajër, për shembull, në "Treni i dasmës ..." - ngjyra e kuqe e vagonit, njolla të mëdha rrobash festive në sfondin e ndërtesave të errëta dhe borës, megjithatë, duke pasur parasysh, në nuancat më të mira të ngjyrave. Peizazhi gjithmonë përcjell në mënyrë poetike bukurinë e natyrës ruse.

F. A. Malyavin (1869-1940) krijoi një lloj të ri pikture, në të cilën traditat artistike folklorike u përvetësuan dhe u përkthyen në gjuhën e artit modern në një mënyrë krejtësisht të veçantë. Imazhet e tij të "grave" dhe "vajzave" kanë një kuptim të caktuar simbolik. - tokë e shëndetshme Rusi. Pikturat e tij janë gjithmonë ekspresive, dhe megjithëse këto janë, si rregull, vepra kavaleti, ato marrin një interpretim monumental dhe dekorativ nën penelin e artistit. "Të qeshura" (1899, Muzeu i Artit Modern, Venecia), " Whirlwind” (1906,) është një imazh realist i vajzave fshatare, që qeshin me zë të lartë ose nxitojnë në mënyrë të pakontrollueshme në një kërcim të rrumbullakët, por ky realizëm është ndryshe nga ai i gjysmës së dytë të shekullit, i gjithë kanavacës.

M. V. Nesterov (1862-1942) trajton temën e Rusisë së Lashtë, por imazhi i Rusisë shfaqet në pikturat e artistit si një lloj bote ideale, pothuajse e magjepsur, në harmoni me natyrën, por u zhduk përgjithmonë si qyteti legjendar i Kitezh. Kjo ndjenjë e mprehtë e natyrës, kënaqësia në botë, para çdo peme dhe fije bari është veçanërisht e theksuar në një nga veprat më të famshme të Nesterov të periudhës para-revolucionare - "Vizioni për të rinjtë Bartolomeu" (1889-1890,) . Në zbulimin e komplotit të figurës, ka të njëjtat tipare stilistike si ato të Ryabushkin, por shprehet pa ndryshim një ndjenjë thellësisht lirike e bukurisë së natyrës, përmes së cilës shpirtërorja e lartë e personazheve, ndriçimi i tyre, tjetërsimi i tyre nga trasmetohen bujë e kësaj bote.

M.V. Nesterov bëri shumë piktura monumentale fetare. Muralet i kushtohen gjithmonë temës së lashtë ruse (për shembull, në Gjeorgji - Aleksandër Nevskit). Në pikturat murale të Nesterov, ka shumë shenja reale të vërejtura, veçanërisht në peizazh, tipare portreti - në imazhin e shenjtorëve. Në dëshirën e artistit për një interpretim të sheshtë të përbërjes së elegancës, zbukurimit, sofistikimit të rafinuar të ritmeve plastike, u shfaq një ndikim i padyshimtë i Art Nouveau.

Vetë zhanri i peizazhit zhvillohet në fund të shekullit të 19-të gjithashtu në një mënyrë të re. Levitan, në fakt, përfundoi kërkimin për Wanderers në peizazh. Një fjalë e re në fund të shekullit do të thoshte K.A. Korovin, V.A. Serov dhe M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin

Për koloristin e shkëlqyer Korovin, bota shfaqet si një "trazira ngjyrash". I talentuar bujarisht nga natyra, Korovin ishte i angazhuar si në portret ashtu edhe në natyrë, por nuk do të ishte gabim të thuash se peizazhi mbeti zhanri i tij i preferuar. Ai solli në art traditat e forta realiste të mësuesve të tij nga Shkolla e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë - Savrasov dhe Polenov, por ai ka një pamje të ndryshme të botës, ai vendos detyra të tjera. Ai filloi të pikturojë herët në ajër të pastër, tashmë në portretin e një vajze kor në 1883, mund të shihet zhvillimi i tij i pavarur i parimeve të plein airizmit, të mishëruara më pas në një numër portretesh të bëra në pasurinë e S. Mamontov në Abramtsevo. ("Në varkë", portreti i T.S. Lyubatovich, etj.), në peizazhet veriore, të ekzekutuara gjatë ekspeditës së S. Mamontov në veri ("Dimri në Lapland",). Peizazhet e tij franceze, të bashkuara me emrin “Dritat pariziane”, janë tashmë një pikturë tërësisht impresioniste, me kulturën e saj më të lartë të etydit. Përshtypje të mprehta, të menjëhershme të jetës së qytetit të madh: rrugë të qeta brenda kohë të ndryshme ditë, objekte të tretura në një mjedis me ajër të lehtë, të formuar nga një goditje dinamike, "dridhëse", vibruese, një rrjedhë goditjesh të tilla që krijojnë iluzionin e një vello shiu ose ajri urban të ngopur me mijëra avuj të ndryshëm - tipare që të kujtojnë peizazhet e Manet, Pissarro, Monet. Korovin është temperament, emocional, impulsiv, teatror, prandaj edhe shkëlqimi i ndritshëm dhe ngazëllimi romantik i peizazheve të tij (“Paris. Bulevardi Capuchin”, 1906, Galeria Shtetërore Tretyakov; “Paris në natë. Bulevardi Italian”, 1908,). Korovin ruan të njëjtat tipare të etydit impresionist, maestro piktoresk, artistike goditëse në të gjitha zhanret e tjera, kryesisht në portret dhe në natyrë, por edhe në panele dekorative, në artin e aplikuar, në skenën teatrale, me të cilat ai u angazhua gjatë gjithë jetës së tij (Portret i Chaliapin, 1911, Muzeu Rus; "Peshku, vera dhe frutat" 1916, Galeria Shtetërore Tretyakov).

Valentin Alexandrovich Serov

Një nga artistët më të mëdhenj, një novator i pikturës ruse në fund të shekullit, ishte Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Serov u rrit në mesin e figurave të shquara të kulturës muzikore ruse (babai i tij është një kompozitor i famshëm, nëna e tij është një pianiste), ai studioi me Repin dhe Chistyakov.

Një temë e veçantë në veprën e Serov është fshatari. Në zhanrin e tij fshatar nuk ka mprehtësi shoqërore shëtitëse, por ka një ndjenjë të bukurisë dhe harmonisë së jetës fshatare, admirim për bukurinë e shëndetshme të popullit rus ("Në fshat. Një grua me një kalë", në hartë , pastel, 1898, Galeria Shtetërore Tretyakov). Peizazhet dimërore janë veçanërisht të shkëlqyera me gamën e tyre argjendi-perla të ngjyrave.

Serov e interpretoi temën historike në mënyrën e tij: "gjuetitë mbretërore" me shëtitjet e kënaqësisë së Elizabeth dhe Katerinës II u përcollën nga artisti i kohës së re, ironike, por edhe duke admiruar pa ndryshim bukurinë e jetës në shekullin e 18-të. Interesi i Serov në shekullin e 18-të u ngrit nën ndikimin e Botës së Artit dhe në lidhje me punën për botimin e Historisë së Dukës së Madhe, Carit dhe Gjuetisë Perandorake në Rusi.

Serov ishte një artist me mendim të thellë, duke kërkuar vazhdimisht forma të reja të realizimit artistik të realitetit. Frymëzuar nga Art Nouveau, idetë rreth rrafshësisë dhe dekorueshmërisë së shtuar u pasqyruan jo vetëm në kompozimet historike, por edhe në portretin e tij të kërcimtares Ida Rubinstein, në skicat e tij për Rrëmbimi i Evropës dhe Odiseja dhe Navzikai (të dyja 1910, Galeria Shtetërore Tretyakov , karton, tempera). Është domethënëse që Serov në fund të jetës së tij kthehet në botën antike. Në legjendën poetike, të interpretuar lirisht prej tij, jashtë kanuneve klasike, ai dëshiron të gjejë harmoninë, kërkimin të cilit artisti i kushtoi gjithë veprën e tij.

Mikhail Alexandrovich Vrubel

Universalizmi i talentit, imagjinata e pakufishme, pasioni i jashtëzakonshëm në afirmimin e idealeve fisnike e dallojnë Vrubelin nga shumë bashkëkohës të tij.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) është një shprehës i drejtpërdrejtë i simbolizmit piktural. Veprat e tij janë një trishtim elegjiak për "foletë fisnike" të vjetra boshe dhe "kopshtet e qershisë" që po vdesin, për gratë e bukura, të shpirtëruara, thuajse të panatyrshme, të veshura me disa lloj kostumesh të përjetshme që nuk mbajnë shenja të jashtme të vendit dhe kohës.

Punimet e tij me kavalet mbi të gjitha nuk ngjajnë as me panele dekorative, por me sixhade. Hapësira është zgjidhur në një mënyrë jashtëzakonisht të kushtëzuar, planare, figurat janë pothuajse eterike, si, për shembull, vajzat pranë pellgut në pikturën "Polg" (1902, tempera, Galeria Shtetërore Tretyakov), e zhytur në meditim ëndërrimtar, në soditje e thellë. Nuancat gri të zbehta të zbehta të ngjyrës rrisin përshtypjen e përgjithshme të bukurisë së brishtë, të çuditshme dhe anemike, fantazmë, e cila shtrihet jo vetëm në imazhet njerëzore, por edhe në natyrën e përshkruar prej tij. Nuk është rastësi që Borisov-Musatov e quajti një nga veprat e tij "Fantazma" (1903, tempera, Galeria Shtetërore Tretyakov): figura femrash të heshtura dhe joaktive, statuja mermeri pranë shkallëve, një pemë gjysmë e zhveshur - një gamë e zbehur blu, tonet gri, vjollce rrit fantazmën e të përshkruarit.

"Bota e Artit"

"Bota e Artit" - një organizatë që u ngrit në Shën Petersburg në 1898 dhe bashkoi mjeshtrit e kulturës më të lartë artistike, elitën artistike të Rusisë të atyre viteve. "Bota e Artit" është bërë një nga fenomenet më të mëdha të kulturës artistike ruse. Në këtë shoqatë morën pjesë pothuajse të gjithë artistët e njohur.

Artikujt editorialë të numrave të parë të revistës artikuluan qartë dispozitat kryesore të "Botës së Artit" për autonominë e artit, se problemet e kulturës moderne janë ekskluzivisht probleme. formë arti dhe se detyra kryesore e artit është të edukojë shijet estetike të shoqërisë ruse, kryesisht përmes njohjes me veprat e artit botëror. Ne duhet t'u japim atyre detyrimin e tyre: falë Botës së Artit, arti anglez dhe gjerman u vlerësua vërtet në një mënyrë të re, dhe më e rëndësishmja, piktura ruse e shekullit të 18-të dhe arkitektura e klasicizmit të Shën Petersburgut u bënë një zbulim për shumë njerëz. “Bota e Artit” luftoi për “kritikën si art”, duke shpallur idealin e një kritiku-artisti me kulturë dhe erudicion të lartë profesional. Lloji i një kritiku të tillë u mishërua nga një nga krijuesit e Botës së Artit, A.N. Benoit.

"Miriskusniki" organizoi ekspozita. I pari ishte gjithashtu i vetmi ndërkombëtar që mblodhi së bashku, përveç rusëve, artistë nga Franca, Anglia, Gjermania, Italia, Belgjika, Norvegjia, Finlanda etj. Në të morën pjesë piktorë dhe grafiste si nga Shën Petersburg ashtu edhe nga Moska. Por çarja midis këtyre dy shkollave - Shën Petersburg dhe Moskë - ishte tashmë e dukshme pothuajse që në ditën e parë. Në mars 1903 u mbyll ekspozita e fundit, e pestë e Botës së Artit, në dhjetor 1904 u botua numri i fundit i revistës World of Art. Shumica e artistëve u transferuan në "Bashkimin e Artistëve Ruse" të organizuar në bazë të ekspozitës së Moskës "36", shkrimtarë - në revistën "Rruga e Re" e hapur nga grupi Merezhkovsky, simbolistët e Moskës u bashkuan rreth revistës "Peshore". muzikantët organizuan “Mbrëmjet muzikë bashkëkohore”, Diaghilev hyri plotësisht në balet dhe teatër.

Në vitin 1910, u bë një përpjekje për t'i dhënë frymë "Botës së Artit" (të udhëhequr nga Roerich). Lavdia erdhi në "Botën e Artit", por "Bota e Arteve", në fakt, nuk ekzistonte më, megjithëse formalisht shoqata ekzistonte deri në fillim të viteve 1920 (1924) - me një mungesë të plotë integriteti, mbi tolerancën dhe fleksibilitetin e pakufishëm të pozicionet. Brezi i dytë i “Botës së Artit” ishte më pak i zënë me problemet e pikturës së kavaletit, interesat e tyre qëndrojnë tek grafika, kryesisht libri, dhe artet teatrore e dekorative, në të dyja fushat bënë një reformë të vërtetë artistike. Në gjeneratën e dytë të "Botës së Artit" kishte edhe individë të mëdhenj (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, etj.), por nuk kishte fare artistë novatorë.

Artisti kryesor i "Botës së Artit" ishte K. A. Somov (1869-1939). Djali i kuratorit kryesor të Hermitage, i cili u diplomua në Akademinë e Arteve dhe udhëtoi nëpër Evropë, Somov mori një arsim të shkëlqyer. Pjekuria krijuese i erdhi herët, por, siç vuri në dukje saktë nga studiuesi (V.N. Petrov), ai gjithmonë kishte një dualitet të caktuar - luftën midis një instinkti të fuqishëm realist dhe një botëkuptimi të dhimbshëm emocional.

Somov, siç e njohim ne, u shfaq në portretin e artistit Martynova ("Zonja me blu", 1897-1900, Galeria Shtetërore Tretyakov), në pikturën e portretit "Echo of the Past Time" (1903, në hartë, aqua. , gouache, Galeria Shtetërore Tretyakov ), ku krijon një karakterizim poetik të bukurisë së brishtë, anemike femërore të modeles dekadente, duke refuzuar të përcjellë shenjat reale të përditshme të modernitetit. Ai i vesh modelet me kostume të lashta, i jep pamjes së tyre tiparet e vuajtjes së fshehtë, trishtimit dhe ëndërrimit, thyerjes së dhimbshme.

Para kujtdo tjetër në Botën e Artit, Somov iu drejtua temave të së kaluarës, interpretimit të shekullit të 18-të. ("Letër", 1896; "Konfidencialitete", 1897), duke qenë pararendës i peizazheve të Versajës së Benois. Ai është i pari që krijoi një botë surreale, të thurur nga motivet e fisnikërisë, kulturës së pasurisë dhe oborrit dhe nga ndjesitë e tij thjesht subjektive artistike, të përshkuara nga ironia. Historicizmi i “Botës së Artit” ishte një arratisje nga realiteti. Jo e kaluara, por vënia në skenë e saj, dëshira për pakthyeshmërinë e saj - ky është motivi i tyre kryesor. Jo argëtim i vërtetë, por një lojë argëtimi me puthje nëpër rrugica - i tillë është Somov.

Udhëheqësi ideologjik i "Botës së Artit" ishte A. N. Benois (1870-1960) - një talent jashtëzakonisht i gjithanshëm. Piktor, grafist dhe ilustrues kavaleti, artist teatri, regjisor, autor libretosh baleti, teoricien dhe historian arti, figurë muzikore, ai ishte, sipas fjalëve të A. Bely, politikani dhe diplomati kryesor i "Botës së Artit". . Si artist, ai është i lidhur me Somov nga prirjet stilistike dhe varësia nga e kaluara ("Jam i dehur me Versajën, kjo është një lloj sëmundjeje, dashurie, pasioni kriminal ... Unë u zhvendosa plotësisht në të kaluarën ...") . Në peizazhet e Versajës, Benois bashkoi rindërtimin historik të shekullit të 17-të. dhe përshtypjet bashkëkohore të artistit, perceptimi i tij për klasicizmin francez, gravura franceze. Prandaj përbërja e qartë, hapësira e qartë, madhështia dhe ashpërsia e ftohtë e ritmeve, kundërvënia midis madhështisë së monumenteve të artit dhe vogëlsisë së figurave njerëzore, të cilat janë vetëm staf mes tyre (seria e parë e Versajës e 1896-1898 e quajtur "The Shëtitjet e fundit të Louis XIV"). Në serinë e dytë të Versajës (1905-1906), ironia, e cila është karakteristike edhe për fletët e para, ngjyroset me nota gati tragjike (“Shëtitja e Mbretit”, c., gouache, aqua, ar, argjend, stilolaps, 1906 , Galeria Shtetërore Tretyakov). Mendimi i Benois është mendimi i një artisti teatror par excellence, që e njihte dhe e ndjente shumë mirë teatrin.

Natyra perceptohet nga Benois në një lidhje shoqëruese me historinë (pamjet e Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo, të ekzekutuara prej tij në teknikën e akuarelit).

Benois ilustruesi (Pushkin, Hoffman) është një faqe e tërë në historinë e librit. Ndryshe nga Somov, Benois krijon një ilustrim narrativ. Rrafshi i faqes nuk është qëllim në vetvete për të. Një kryevepër e ilustrimit të librit ishte dizajni grafik i Kalorësit të Bronztë (1903,1905,1916,1921-1922, bojë dhe bojëra uji që imitojnë gdhendje druri me ngjyra). Në një sërë ilustrimeve për poemën e madhe, personazhi kryesor është peizazhi arkitektonik i Shën Petërburgut, tani solemnisht patetik, tani paqësor, tani i keq, kundrejt të cilit figura e Eugjenit duket edhe më e parëndësishme. Kështu e shpreh Benois konfliktin tragjik mes fateve Shtetësia ruse dhe fati personal i njeriut të vogël (“Dhe gjithë natën i gjori i çmendur, / Kudo që ktheu këmbët, / Kalorësi i bronztë ishte kudo me të / Me një këmbë të rëndë galopante”).

Një vend të veçantë në "Botën e Artit" zë N. K. Roerich (1874-1947). Njohës i filozofisë dhe etnografisë së Lindjes, një arkeolog-shkencëtar, Roerich mori një arsim të shkëlqyer, fillimisht në shtëpi, pastaj në fakultetet juridike dhe historiko-filologjike të Universitetit të Shën Petersburgut, pastaj në Akademinë e Arteve, në punishte. të Kuinxhit, dhe në Paris në studion e F. Cormon. Herët ai fitoi autoritetin e një shkencëtari. Ai ishte i lidhur me “Botën e Artit” nga e njëjta dashuri për retrospektivë, vetëm jo në shekujt XVII-XVIII, por në antikitetin pagan sllav dhe skandinav, në Rusinë e Lashtë; tendencat stilistike, dekorativiteti teatror ("Lajmëtari", 1897, Galeria Shtetërore Tretyakov; "Pleqtë Konvergojnë", 1898, Muzeu Rus; "Sinister", 1901, Muzeu Rus). Roerich ishte më së shumti i lidhur me filozofinë dhe estetikën e simbolizmit rus, por arti i tij nuk përshtatej në kuadrin e tendencave ekzistuese, sepse, në përputhje me botëkuptimin e artistit, u kthye, si të thuash, për të gjithë njerëzimin me një apel. për një bashkim miqësor të të gjithë popujve. Prandaj natyra e veçantë epike e pikturave të tij.

Pas vitit 1905, disponimi i misticizmit panteist u rrit në veprën e Roerich. Temat historike i lënë vendin legjendave fetare (Beteja Qiellore, 1912, Muzeu Rus). Ikona ruse pati një ndikim të madh në Roerich: paneli i tij dekorativ "Beteja e Kerzhents" (1911) u ekspozua gjatë shfaqjes së një fragmenti me të njëjtin titull nga opera e Rimsky-Korsakov "Legjenda e qytetit të padukshëm të Kitezh dhe Maiden Fevronia” në Parisin “Russian Seasons”.

"Bota e Artit" ishte një lëvizje e madhe estetike në fund të shekullit, e cila mbivlerësoi të gjithë kulturën moderne artistike, miratoi shije dhe probleme të reja, e ktheu artin në nivelin më të lartë. nivel profesional- format e humbura të grafikës së librit dhe pikturës së peizazheve teatrale, të cilat fituan njohje mbarë-evropiane me përpjekjet e tyre, krijuan një kritikë të re arti, promovuan artin rus jashtë vendit, në fakt, madje hapën disa nga skenat e tij, si shekulli rus XVIII. "Miriskusniki" krijoi një lloj të ri foto historike, portret, peizazh me veçoritë e veta stilistike (prirje të dallueshme stilistike, mbizotërim i teknikave grafike ndaj atyre piktoreske, kuptim thjesht dekorativ i ngjyrës etj.). Kjo përcakton rëndësinë e tyre për artin rus.

Dobësitë e "Botës së Artit" u reflektuan kryesisht në larminë dhe mospërputhjen e programit, duke shpallur modelin "ose Böcklin, pastaj Manet"; në pikëpamjet idealiste për artin, në një indiferencë të prekur ndaj detyrave qytetare të artit, në apatinë programatike, në humbjen e rëndësisë shoqërore të figurës. Intimiteti i "Botës së Artit", estetizmi i tij i pastër përcaktuan periudhën e shkurtër historike të jetës së tij në epokën e portreteve të frikshme tragjike të revolucionit të afërt. Këta ishin vetëm hapat e parë në rrugën e kërkimeve krijuese dhe shumë shpejt të rinjtë kaluan studentët e Botës së Artit.

"Bashkimi i Artistëve Rus"

Në vitin 1903, u themelua një nga shoqatat më të mëdha të ekspozitës së fillimit të shekullit, Unioni i Artistëve Ruse. Në fillim, pothuajse të gjitha figurat e shquara të "Botës së Artit" - Benois, Bakst, Somov, hynë në të, Vrubel, Borisov-Musatov ishin pjesëmarrës në ekspozitat e para. Iniciatorët e krijimit të shoqatës ishin artistë të Moskës të lidhur me "Botën e Artit", por të rënduar nga estetika programore e Petersburgasve.

Peizazhi kombëtar, pikturat e pikturuara me dashuri të Rusisë fshatare - një nga zhanret kryesore të artistëve të "Bashkimit", në të cilin "impresionizmi rus" u shpreh në një mënyrë të veçantë me motivet e tij kryesisht rurale dhe jo urbane. Pra, peizazhet e I.E. Grabar (1871-1960), me disponimin e tyre lirik, me nuancat më të bukura piktoreske që pasqyrojnë ndryshime të menjëhershme në natyrën e vërtetë, është një lloj paralelizimi në tokën ruse me peizazhin impresionist francez ("Snow shtatori", 1903, Galeria Shtetërore Tretyakov). Interesi i Grabarit për zbërthimin e ngjyrës së dukshme në ngjyrat spektrale dhe të pastra të paletës e bën atë të lidhur edhe me neo-impresionizmin, me J. Seurat dhe P. Signac ("Mars Snow", 1904, Galeria Shtetërore Tretyakov). Loja e ngjyrave në natyrë, efektet komplekse koloristike bëhen objekt i studimit të ngushtë të "Aleatëve", të cilët krijojnë në telajo një botë figurative piktoreske dhe plastike, pa rrëfim dhe ilustrim.

Me gjithë interesimin për transmetimin e dritës dhe të ajrit në pikturën e mjeshtrave të "Bashkimit", shpërbërja e objektit në mediumin dritë-ajër nuk vërehet asnjëherë. Ngjyra bëhet dekorative.

"Aleatët", në kontrast me Petersburgerët - grafistët e "Botës së Artit" - janë kryesisht piktorë me një sens të shtuar dekorativ të ngjyrave. Një shembull i shkëlqyer i kësaj janë pikturat e F.A. Malyavin.

Në tërësi, Aleatët gravituan jo vetëm drejt studimeve të thjeshta, por edhe drejt formave pikturale monumentale. Nga viti 1910, koha e ndarjes dhe formimit dytësor të "Botës së Artit", në ekspozitat e "Bashkimit" mund të shihej një peizazh intim (Vinogradov, Yuon, etj.), duke pikturuar afër divizionizmit francez (Grabar. , Larionov i hershëm) ose afër simbolizmit (P. Kuznetsov, Sudeikin); morën pjesë edhe artistët e "Botës së Artit" të Diaghilev - Benois, Somov, Bakst.

"Bashkimi i Artistëve Ruse", me themelet e tij të forta realiste, të cilat luajtën një rol të rëndësishëm në artet e bukura vendase, pati një ndikim të caktuar në formimin e shkollës sovjetike të pikturës, e cila ekzistonte deri në vitin 1923.

Në 1907, në Moskë, revista Golden Fleece organizoi ekspozitën e vetme të artistëve pas Borisov-Musatov, të quajtur Trëndafili Blu. P. Kuznetsov u bë artisti kryesor i Trëndafilit Blu. "Arinjtë Blu" janë më afër simbolizmit, i cili u shpreh kryesisht në "gjuhën" e tyre: paqëndrueshmëria e humorit, muzikaliteti i paqartë, i papërkthyeshëm i shoqatave, përsosja e marrëdhënieve të ngjyrave. Platforma estetike e pjesëmarrësve të ekspozitës pati një efekt edhe në vitet në vijim, dhe emri i kësaj ekspozite u bë një emër i njohur për një prirje të tërë në art në gjysmën e dytë të viteve 900. E gjithë veprimtaria e "Trëndafilit Blu" mban gjithashtu gjurmën më të fortë të ndikimit të stilit Art Nouveau (stilizim rrafsh-dekorativ i formave, ritme të çuditshme lineare).

Veprat e P. V. Kuznetsov (1878-1968) pasqyrojnë parimet themelore të Arinjve Blu. Kuznetsov krijoi një panel-fotografi dekorative në të cilën ai kërkoi të abstragonte nga konkretiteti i përditshëm, të tregonte unitetin e njeriut dhe natyrës, stabilitetin e ciklit të përjetshëm të jetës dhe natyrës, lindjen e shpirtit njerëzor në këtë harmoni. Prandaj dëshira për forma monumentale të pikturës, ëndërrimtare-kontemplative, e pastruar nga çdo gjë e çastit, universale, nota të përjetshme, një dëshirë e vazhdueshme për të përcjellë spiritualitetin e materies. Një figurë është vetëm një shenjë që shpreh një koncept; ngjyra shërben për të përcjellë ndjenjat; ritëm - për të futur në një botë të caktuar ndjesish (si në pikturën e ikonave - një simbol i dashurisë, butësisë, pikëllimit, etj.). Prandaj pritja e një shpërndarje uniforme të dritës në të gjithë sipërfaqen e kanavacës si një nga themelet e efektit dekorativ të Kuznetsov. Serov tha se natyra e P. Kuznetsov "merr frymë". Kjo shprehet në mënyrë të përkryer në suitat e tij Kirgize (Stepë) dhe Buhara, në peizazhet e Azisë Qendrore. Kuznetsov studioi teknikat e pikturës së lashtë ruse të ikonave, Rilindjes së hershme italiane. Ky apel për traditat klasike të artit botëror në kërkim të stilit të vet madhështor, siç është vënë në dukje saktë nga studiuesit, ishte me rëndësi thelbësore në një periudhë kur çdo traditë shpesh mohohej fare.

Ekzotizmi i Lindjes - Irani, Egjipti, Turqia - realizohet në peizazhet e M. S. Saryan (1880-1972). Lindja ishte një temë e natyrshme për artistin armen. Saryan krijon në pikturën e tij një botë plot dekorativitet të ndritshëm, më pasionante, më tokësore se ajo e Kuznetsovit dhe zgjidhja piktoreske bazohet gjithmonë në marrëdhënie ngjyrash të kundërta, pa nuanca, në krahasim të mprehtë në hije ("Date Palm, Egjipt", 1911 , harta. , tempera, GTG).

Imazhet e Saryan janë monumentale për shkak të përgjithësimit të formave, planeve të mëdha shumëngjyrëshe, lapidaritetit të përgjithshëm të gjuhës - ky është, si rregull, një imazh i përgjithësuar i Egjiptit, qoftë Persia, Armenia vendase, duke ruajtur natyralitetin jetësor, si nëse shkruhet nga natyra. Kanavacat dekorative të Saryan janë gjithmonë të gëzuara, ato korrespondojnë me idenë e tij për krijimtarinë: "... një vepër arti është vetë rezultati i lumturisë, domethënë puna krijuese. Rrjedhimisht, ajo duhet të ndezë flakën e djegies krijuese te shikuesi, të kontribuojë në identifikimin e dëshirës së tij natyrore për lumturi dhe liri.

"Jack of Diamonds"

Thjeshtimi ekstrem i formës, lidhja e drejtpërdrejtë me artin e sinjalistikës vihet re veçanërisht te M.F. Larionov (1881-1964), një nga themeluesit e "Jack of Diamonds", por tashmë në 1911 u nda me të. Larionov pikturon peizazhe, portrete, natyra të qeta, punon si artist teatri i ndërmarrjes Diaghilev, pastaj kthehet në pikturën e zhanrit, tema e tij është jeta e një rruge provinciale, kazermat e ushtarëve. Format janë të sheshta, groteske, sikur të stilizuara qëllimisht si vizatim i një fëmije, printe popullore apo tabelë. Më 1913, Larionov botoi librin e tij "Luchism" - në fakt, i pari nga manifestet e artit abstrakt, krijuesit e vërtetë të të cilit në Rusi ishin V. Kandinsky dhe K. Malevich.

Artisti N.S. Goncharova (1881-1962), gruaja e Larionovit, zhvilloi të njëjtat prirje në pikturat e saj të zhanrit, kryesisht në një temë fshatare. Në vitet në shqyrtim, në punën e saj, më dekorative dhe shumëngjyrëshe se arti i Larionov, monumental force e brendshme dhe konciziteti, pasion i ndjerë fort për primitivizmin. Duke përshkruar veprën e Goncharova dhe Larionov, shpesh përdoret termi "neo-primitivizëm".

M.Z. Chagall (1887-1985) krijoi fantazi të transformuara nga përshtypjet e mërzitshme të jetës së qytetit të vogël të Vitebsk dhe të interpretuara në një frymë naive-poetike dhe groteske-simbolike. Me hapësirën surreale, ngjyra të ndritshme, primitivizimin e qëllimshëm të formës, Chagall rezulton të jetë afër ekspresionizmit perëndimor dhe artit popullor primitiv ("Unë dhe fshati", 1911, Muzeu i Artit Bashkëkohor, Nju Jork; "Mbi Vitebsk", 1914 , koll. Zak. Toronto; "Dasma", 1918, Galeria Shtetërore Tretyakov).

"Bashkimi i Rinisë"

Unioni i Rinisë është një organizatë e Shën Peterburgut e krijuar pothuajse njëkohësisht me Jack of Diamonds (1909). Rolin kryesor në të e luajti L. Zheverzheev. Ashtu si "valetovtsy", anëtarët e "Bashkimit të Rinisë" botuan koleksione teorike. Deri në rënien e shoqatës në 1917. "Bashkimi i Rinisë" nuk kishte një program të caktuar, duke rrëfyer simbolikën dhe kubizmin, dhe futurizmin dhe "joobjektivitetin", por secili prej artistëve kishte fytyrën e tij krijuese.

Arti i viteve para-revolucionare në Rusi karakterizohet nga kompleksiteti dhe mospërputhja e jashtëzakonshme e kërkimeve artistike, pra grupimet e njëpasnjëshme me cilësimet e tyre programore dhe simpatitë stilistike. Por së bashku me eksperimentuesit në fushën e formave abstrakte në artin rus të asaj kohe, "Bota e Artit" dhe "Goluborozitët", "aleatët", "thika e diamanteve" vazhduan të funksionojnë në të njëjtën kohë. një rrjedhë e fuqishme rrymash neoklasike, shembull i së cilës mund të jetë puna e një anëtari aktiv të "Artit Mir" në "gjenertën e dytë" të tij Z. E. Serebryakova (1884-1967). Në kanavacat e saj të zhanrit poetik me vizatimin e tyre lakonik, modelimin plastik dukshëm sensual dhe ekuilibrin e përbërjes, Serebryakova rrjedh nga traditat e larta kombëtare të artit rus, kryesisht Venetsianov dhe madje edhe më tej - arti i lashtë rus ("Fshatarët", 1914, Muzeu Rus; "Harvest", 1915 , Muzeu i Artit Odessa; "Zbardhja e kanavacës", 1917, Galeria Shtetërore Tretyakov).

Më në fund, vepra e K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939), një artist-mendimtar që më vonë u bë mjeshtri më i shquar i artit të periudhës sovjetike, është një dëshmi e shkëlqyer e vitalitetit të traditave kombëtare, pikturës së madhe të lashtë ruse. Në pikturën e famshme Bathing the Red Horse (1912, e Premte), artisti iu drejtua një metafore figurative. Siç u vu re saktë, i riu mbi një kalë të kuq të ndezur ngjall shoqata me imazhin popullor të Gjergjit Fitimtar ("Shën Egor"), dhe siluetën e përgjithësuar, përbërjen ritmike, kompakte, ngopjen e tingujve në fuqi të plotë njollat e kundërta të ngjyrave, rrafshësia në interpretimin e formave sjellin në mendje ikonën e vjetër ruse. Një imazh i ndriçuar në mënyrë harmonike është krijuar nga Petrov-Vodkin në pikturën monumentale "Vajzat në Vollgë" (1915, Galeria Shtetërore Tretyakov), në të cilën ai gjithashtu ndjen orientimin e tij drejt traditave të artit rus, duke e çuar mjeshtrin në një kombësi të vërtetë.

Arkitekturë

Epoka e kapitalizmit industrial shumë të zhvilluar shkaktoi ndryshime të rëndësishme në arkitekturë, kryesisht në arkitekturën e qytetit. Ka lloje të reja të strukturave arkitekturore: fabrika, stacione, dyqane, banka, me ardhjen e kinemasë - kinematë. Revolucioni u bë nga të rejat Materiale Ndertimi: betonarme dhe struktura metalike, të cilat bënë të mundur bllokimin e hapësirave gjigante, krijimin e vitrinave të mëdha dhe krijimin e një modeli të çuditshëm lidhjesh.

Në dekadën e fundit të shekullit të 19-të, arkitektëve u bë e qartë se në përdorimin e stileve historike të së kaluarës, arkitektura kishte arritur në një rrugë pa krye; sipas studiuesve, tashmë ishte e nevojshme, sipas studiuesve, të mos "rirregullohej “Stilet historike, por për të kuptuar në mënyrë krijuese të renë që po grumbullohej në mjedisin e një qyteti kapitalist me rritje të shpejtë. Vitet e fundit të shekujve 19 - fillimi i 20-të janë koha e dominimit të modernitetit në Rusi, i cili u formua në Perëndim kryesisht në arkitekturën belge, gjermano-jugore dhe austriake, një fenomen në përgjithësi kozmopolit (edhe pse këtu moderniteti rus ndryshon nga perëndimi evropiane, sepse është një përzierje me neo-rilindjen historike, neo-barok, neo-rokoko etj.).

Një shembull i mrekullueshëm i Art Nouveau në Rusi ishte puna e F.O. Shekhtel (1859--1926). Shtëpi fitimprurëse, pallate, ndërtesa të kompanive tregtare dhe stacione - në të gjitha zhanret Shekhtel la dorëshkrimin e tij. Asimetria e ndërtesës është efektive për të, rritja organike e vëllimeve, natyra e ndryshme e fasadave, përdorimi i ballkoneve, hajateve, dritareve të gjirit, sandrikeve mbi dritare, futja e një imazhi të stilizuar të zambakëve ose irisave në dekor arkitektonik, përdorimi i dritareve me njolla me të njëjtin motiv ornamenti, tekstura të ndryshme materialesh në arredimin e brendshëm. Një model i çuditshëm, i ndërtuar mbi kthesat e linjave, shtrihet në të gjitha pjesët e ndërtesës: frizi i mozaikut, i dashur nga moderniteti, ose një rrip pllakash qeramike me xham me ngjyra dekadente të zbehura, lidhjet e dritareve me xham me njolla, një model gardh, ballkoni grila; në përbërjen e shkallëve, madje edhe në mobilje, etj. Konturet e lakuara kapriçioze mbizotërojnë gjithçka. Në Art Nouveau, mund të gjurmohet një evolucion i caktuar, dy faza zhvillimi: e para është dekorative, me një pasion të veçantë për zbukurimin, skulpturën dekorative dhe pikturën (qeramika, mozaikë, xham me njolla), e dyta është më konstruktive, racionaliste.

Art Nouveau është i përfaqësuar mirë në Moskë. Gjatë kësaj periudhe, këtu u ndërtuan stacione hekurudhore, hotele, banka, pallate të borgjezisë së pasur, shtëpi banimi. Rezidenca Ryabushinsky në Portat e Nikitsky në Moskë (1900-1902, arkitekt F.O. Shekhtel) është një shembull tipik i Art Nouveau Rus.

Apel për traditat e arkitekturës së lashtë ruse, por përmes teknikave të modernitetit, duke mos kopjuar detajet natyraliste të arkitekturës mesjetare ruse, e cila ishte karakteristike për "stilin rus" të mesit të shekullit të 19-të, por duke e ndryshuar lirisht atë, duke u përpjekur të të përcjellë vetë frymën e Rusisë së Lashtë, duke krijuar të ashtuquajturin stil neo-rus të fillimit të shekullit të 20-të (ndonjëherë quhet neo-romantizëm). Dallimi i tij nga vetë Art Nouveau është kryesisht në maskim, dhe jo në zbulim, gjë që është tipike për Art Nouveau, strukturën e brendshme të ndërtesës dhe qëllimin utilitar pas stolisjes komplekse të ndërlikuar (Shekhtel - Stacioni Yaroslavsky në Moskë, 1903-1904; A.V. Shchusev - Stacioni Kazansky në Moskë, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - ndërtesa e vjetër e Galerisë Tretyakov, 1900-1905). Si Vasnetsov ashtu edhe Shchusev, secili në mënyrën e vet (dhe i dyti nën ndikimin shumë të madh të të parit), ishin të mbushur me bukurinë e arkitekturës së lashtë ruse, veçanërisht Novgorod, Pskov dhe Moska e hershme, vlerësuan identitetin e tij kombëtar dhe interpretuan në mënyrë krijuese forma.

Art Nouveau u zhvillua jo vetëm në Moskë, por edhe në Shën Petersburg, ku u zhvillua nën ndikimin e padyshimtë të skandinave, të ashtuquajturit "modern verior": P.Yu. Suzor në 1902-1904 ndërton ndërtesën e kompanisë Singer në Nevsky Prospekt (tani Shtëpia e Librit). Sfera tokësore në çatinë e ndërtesës duhej të simbolizonte natyrën ndërkombëtare të aktiviteteve të kompanisë. Fasada ishte e veshur me gurë të çmuar (granit, labradorit), bronz dhe mozaikë. Por traditat e klasicizmit monumental të Shën Petersburgut ndikuan në modernizmin e Shën Petersburgut. Kjo shërbeu si një shtysë për shfaqjen e një dege tjetër të modernitetit - neoklasicizmit të shekullit të 20-të. Në pallatin e A.A. Polovtsov në ishullin Kamenny në Shën Petersburg (1911-1913) arkitekti I.A. Fomin (1872-1936) ndikoi plotësisht në tiparet e këtij stili: fasada (vëllimi qendror dhe krahët anësore) u zgjidh në rendin jonik, dhe ambientet e brendshme të rezidencës në një formë të reduktuar dhe më modeste, si të thuash, përsërisin enfilada e sallës së Pallatit Tauride, por dritaret e mëdha të gjysmërotondës së kopshtit dimëror, vizatimi i stilizuar i detajeve arkitekturore përcaktojnë qartë kohën e fillimit të shek. Punimet e një shkolle thjesht arkitekturore të Shën Petersburgut të fillimit të shekullit - shtëpi banimi - në fillim të Avenue Kamennoostrovsky (Nr. 1-3), Count M.P. Tolstoi në Fontanka (Nr. 10-12), ndërtesa b. Banka Azov-Don në Bolshaya Morskaya dhe Hotel Astoria i përkasin arkitektit F.I. Lidval (1870-1945), një nga mjeshtrit më të shquar të Art Nouveau në Shën Petersburg.

Art Nouveau ishte një nga stilet më domethënëse që përfundoi shekullin e 19-të dhe hapi shekullin e ardhshëm. Në të u përdorën të gjitha arritjet moderne të arkitekturës. Moderne nuk është vetëm një sistem i caktuar konstruktiv. Që nga mbretërimi i klasicizmit, moderne është ndoshta stili më i qëndrueshëm për sa i përket qasjes së tij holistike, zgjidhjes së ansamblit të brendshëm. Art Nouveau si një stil kapi artin e mobiljeve, enëve, pëlhurave, qilimave, dritareve me njolla, qeramikës, xhamit, mozaikëve, ai njihet kudo për konturet dhe linjat e tij të vizatuara, gamën e veçantë të ngjyrave të ngjyrave të zbehura, pastel dhe modeli i saj i preferuar i zambakëve dhe irisave.

Skulpturë

Skulptura ruse në fund të shekujve 19-20. dhe vitet e para pararevolucionare përfaqësohet nga disa emra madhorë. Para së gjithash, ky është P.P. Trubetskoy (1866-1938). Punimet e tij të hershme ruse (portreti i Levitanit, imazhi i Tolstoit mbi kalë, të dyja - 1899, bronz) japin një pamje të plotë të metodës impresioniste të Trubetskoy: forma është, si të thuash, e gjitha e përshkuar me dritë dhe ajër, dinamike, e krijuar për të qenë e parë nga të gjitha këndvështrimet dhe nga këndvështrime të ndryshme krijon një karakterizim të shumëanshëm të imazhit. Puna më e shquar e P. Trubetskoy në Rusi ishte një monument bronzi Aleksandri III, i instaluar në vitin 1909 në Shën Petersburg, në Sheshin Znamenskaya. Këtu Trubetskoy lë stilin e tij impresionist. Studiuesit kanë vërejtur vazhdimisht se imazhi i perandorit i Trubetskoy është zgjidhur, si të thuash, në kontrast me atë të Falconet, dhe pranë Kalorësit të Bronzit, ky është një imazh pothuajse satirik i autokracisë. Na duket se ky kontrast ka një kuptim tjetër; jo Rusia, “e ngritur në këmbët e pasme”, si një anije e nisur në ujërat evropiane, por Rusia e paqes, stabilitetit dhe forcës simbolizohet nga ky kalorës i ulur rëndë mbi një kalë të rëndë.

Impresionizmi në një përthyerje krijuese të veçantë, shumë individuale gjeti shprehje në veprat e A. S. Golubkina (1864-1927). Në imazhet e Golubkina, veçanërisht ato të grave, ka shumë pastërti të lartë morale, demokraci të thellë. Më shpesh këto janë imazhe të njerëzve të thjeshtë të varfër: gra të rraskapitura ose "fëmijë të birucës" të sëmurë.

Gjëja më interesante në veprën e Golubkina janë portretet e saj, gjithmonë dramatike, e cila është përgjithësisht karakteristike për punën e këtij mjeshtri dhe jashtëzakonisht të larmishme (portreti i V.F. Ern (dru, 1913, Galeria Shtetërore Tretyakov) ose një bust i Andrei Bely (gips, 1907, Galeria Shtetërore Tretyakov)) .

Në veprën e Trubetskoy dhe Golubkina, me gjithë dallimet e tyre, ka diçka të përbashkët: veçoritë që i bëjnë ato të lidhen jo vetëm me impresionizmin, por edhe me ritmin e linjave të rrjedhshme dhe formave të modernitetit.

Impresionizmi, i cili kapi skulpturën e fillimit të shekullit, pak ndikoi në punën e S. T. Konenkov (1874-1971). Mermeri "Nike" (1906, Galeria Shtetërore Tretyakov) me tipare të qarta portreti (për më tepër, sllave) të një fytyre të rrumbullakët me gropëza në faqe paraqet veprat që Konenkov kreu pas një udhëtimi në Greqi në 1912. Imazhet e mitologjisë pagane greke janë ndërthurur me mitologjinë sllave. Konenkov fillon të punojë në dru, nxjerr shumë nga folklori rus, përrallat ruse. Prandaj "Stribog" i tij (pema, 1910, Galeria Shtetërore Tretyakov), "Velikosil" (pemë, private, koll.), imazhet e lypsarëve dhe të moshuarve ("Plaku-Polyevichok", 1910).

Në ringjalljen e skulpturës prej druri, meritë e madhe e Konenkovit. Dashuria për epikën ruse, për përrallën ruse përkoi në kohë me "zbulimin" e pikturës së lashtë ruse të ikonave, skulpturës së lashtë ruse prej druri, me interes për Arkitektura e lashtë ruse. Për dallim nga Golubkina, Konenkovit i mungon drama, prishja mendore. Imazhet e tij janë plot optimizëm popullor.

Në portret, Konenkov ishte një nga të parët që shtroi problemin e ngjyrës në fillim të shek. Ngjyrosja e tij prej guri ose druri është gjithmonë shumë delikate, duke marrë parasysh karakteristikat e materialit dhe karakteristikat e tretësirës plastike.

Nga veprat monumentale të fillimit të shekullit, është e nevojshme të përmendet monumenti i N.V. Gogol N.A. Andreeva (1873-1932), u hap në Moskë në vitin 1909. Ky është Gogol vitet e fundit jetë, i sëmurë përfundimisht. Në mënyrë të pazakontë shprehëse janë profili i tij i trishtuar me një hundë të mprehtë ("Gogol"), një figurë e hollë e mbështjellë me një pardesy; Në gjuhën lapidare të skulpturës, Andreev përcolli tragjedinë e një personaliteti të madh krijues. Në një frize me basoreliev mbi një piedestal me kompozime me shumë figura, heronjtë e pavdekshëm të Gogolit përshkruhen në një mënyrë krejtësisht të ndryshme, me humor apo edhe në mënyrë satirike.

A. T. Matveev (1878-1960). Ai e kapërceu ndikimin impresionist të mësuesit të tij në veprat e tij të hershme - në nudo (tema kryesore e atyre viteve. Arkitektonika e rreptë, lakonizmi i formave të përgjithësuara të qëndrueshme, gjendja e iluminizmit, paqes, harmonisë dallojnë Matveev, duke e kontrastuar drejtpërdrejt punën e tij me skulpturën. impresionizmi.

Siç vërehet me të drejtë nga studiuesit, veprat e mjeshtrit janë të dizajnuara për një perceptim të gjatë, të zhytur në mendime, ato kërkojnë një humor të brendshëm, "heshtje" dhe më pas ato hapen më plotësisht dhe thellë. Kanë muzikalitetin e formave plastike, shije të madhe artistike dhe poezi. Të gjitha këto cilësi janë të natyrshme në gurin e varrit të V.E. Borisov-Musatov në Tarusa (1910, granit). Në figurën e një djali të fjetur është e vështirë të dallosh kufirin mes gjumit dhe mosekzistencës dhe kjo bëhet në traditat më të mira të skulpturës përkujtimore të shekullit të 18-të. Kozlovsky dhe Martos, me pranimin e saj të urtë të qetë të vdekjes, e cila nga ana e saj na çon edhe më tej, në stele antike arkaike me skena të "trajtimit funeral". Ky gur varri është kulmi në veprën e Matveev të periudhës para-revolucionare, i cili ende duhej të punonte me fryt dhe të bëhej një nga skulptorët e famshëm sovjetikë. Në periudhën para tetorit, në skulpturën ruse u shfaqën një numër mjeshtërsh të rinj të talentuar (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr, etj.), të cilët në vitet 1910 sapo kishin filluar veprimtarinë e tyre krijuese. Ata punuan në drejtime të ndryshme, por ruajtën traditat realiste që sollën në artin e ri, duke luajtur një rol të rëndësishëm në formimin dhe zhvillimin e tij.

...

Dokumente të ngjashme

Origjina shpirtërore dhe artistike e epokës së argjendit. Ngritja e kulturës së Epokës së Argjendit. Origjinaliteti i pikturës ruse të fundit të XIX - fillimit të shekullit XX. Shoqatat e artit dhe roli i tyre në zhvillimin e pikturës. Kultura e krahinave dhe qyteteve të vogla.

punim afatshkurtër, shtuar 19.01.2007

Studimi i arsyeve të ndarjes së kulturës ruse të shekullit të njëzetë në vendas dhe emigrant. Karakterizimi i përfaqësuesve dhe koncepteve artistike të avangardës, realizmit dhe underground si drejtimet kryesore në zhvillimin e arteve figurative dhe letërsisë.

test, shtuar 05/03/2010

Origjina dhe koncepti i simbolizmit. Formimi i artistit të epokës së argjendtë. Periudhat e historisë së simbolizmit rus: një kronologji e zhvillimit. Karakteristikat e pikturës së zhanrit në fund të shekujve XIX-XX. Shoqatat e artit dhe kolonitë artistike në pikturën ruse.

punim afatshkurtër, shtuar 17.06.2011

Arti rus i fundit të XIX - fillimi i shekullit XX. Skulpturë. Arkitekturë. Kultura ruse u formua dhe po zhvillohet sot si një nga degët e pemës së fuqishme të kulturës universale botërore. Kontributi i saj në përparimin kulturor botëror është i pamohueshëm.

abstrakt, shtuar 06/08/2004

Silueta e epokës së argjendit. Tiparet dhe diversiteti kryesor i jetës artistike të periudhës së "Epokës së Argjendit": simbolika, akmeizmi, futurizmi. Rëndësia e epokës së argjendtë për kulturën ruse. Karakteristikat historike të zhvillimit të kulturës në fund të XIX - fillim të shekujve XX.

abstrakt, shtuar 25.12.2007

Një studim i shfaqjes dhe zhvillimit të barokut si një stil arti karakteristik i kulturës së Evropës Perëndimore nga fundi i shekullit të 16-të deri në mesin e shekullit të 18-të. karakteristikat e përgjithshme dhe analiza e zhvillimit të stileve barok në pikturë, skulpturë, arkitekturë dhe muzikë.

prezantim, shtuar më 20/09/2011

Intensiteti i epokës së argjendit në përmbajtjen krijuese, kërkimi i formave të reja të shprehjes. Tendencat kryesore artistike të "Epokës së Argjendit". Shfaqja e simbolizmit, akmeizmit, futurizmit në letërsi, kubizmit dhe abstraksionizmit në pikturë, simbolizmit në muzikë.

abstrakt, shtuar më 18.03.2010

Historia e kulturës artistike në fillim të shekullit të njëzetë. Tendencat kryesore, konceptet artistike dhe përfaqësuesit e avangardës ruse. Formimi i kulturës së epokës sovjetike. Arritjet dhe vështirësitë në zhvillimin e artit në kushte totalitare; fenomen nëntokësor.

prezantim, shtuar 24.02.2014

Kulmi i kulturës shpirtërore në fund të XIX - fillim të shekullit XX. Shfaqja e tendencave të reja dhe grupeve të artit. Veçoritë dhe dallimet e abstraksionizmit, avangardës, impresionizmit, kubizmit, kubo-futurizmit, rajonizmit, modernizmit, simbolizmit dhe suprematizmit.

prezantim, shtuar 05/12/2015

Ndikimi i ngjarjeve politike dhe shoqërore në art. Koha e ngritjes krijuese në fusha të ndryshme të kulturës. Zbulimi i thelbit të akmeizmit, futurizmit dhe simbolizmit modernist. Manifestimi i Art Nouveau në Arkitekturën e Moskës. Letërsia e epokës së argjendtë.

Piktura e fundit të 19-të - fillimi i shekullit të 20-të në Rusi

Në 1894, përfaqësuesit më të mëdhenj të Wanderers: Repin, Makovsky, Shishkin, Kuindzhi u bënë pjesë e profesoratit akademik. Linja akuzuese e pikturës ruse po zvogëlohet dukshëm, dhe kërkimi për idealet e harmonisë po vazhdon gjithnjë e më shumë. Bukuria që rrezikohet në botën borgjeze.

Në kërkim të një gjuhe të re, artistët shpesh i drejtohen temave përrallore, mitologjike.

Artistët formulojnë detyrë e re. Jo për të denoncuar, por për të ruajtur ndjenjën e bukurisë, për të mësuar bukurinë. Sillni bukurinë edhe në botën e përditshme: në jetën e përditshme, në arkitekturë dhe objekte të përditshme.

Ekspozitat janë të vazhdueshme, botohen shumë revista dhe almanak, lindin dhe zhduken grupe të ndryshme artistike.

Së bashku me pikturë me kavalet artet dhe zanatet, grafika e librave dhe peizazhet teatrale po zhvillohen në mënyrë aktive. Shfaqet një lloj artisti universal. Ai mund të pikturojë një pikturë, të krijojë një panel dekorativ, një skicë për një libër, të krijojë një skulpturë, të kompozojë një kostum teatrale.

I tillë është M. A. Vrubel, artistë të shoqatës “World of Arts”. Artistët janë grupuar në Abramtsevo rreth S. I. Mamontov. Aty kultivohet zhvillimi i artit teatro-dekorativ dhe dekorativ-aplikativ. Artistët e rrethit Abramtsevo tërhiqen nga gdhendje në dru, qëndisje, printime popullore dhe lodra. Po ringjallen zejet popullore.

Pikturë e zhanrit të viteve '90

Në vitet 1990, piktura e zhanrit humbi pozicionin e saj drejtues. Artistët nuk tërhiqen më nga imazhet e përgjithësuara, monumentale të fshatarit rus, natyrës, por nga ndryshimet që po ndodhin në jetën ruse.

S. A. Korovin (1858-1908)

Temat e shtresimit të fshatit, armiqësia e kulakëve dhe të varfërve, përçarja në komunitet.

Galeria Shtetërore Tretyakov "Në botë" 1893

Me një autenticitet të mahnitshëm psikologjik, përcillet skena e mosmarrëveshjes mes të varfërit krejtësisht të rrënuar, të dëshpëruar dhe kulakut të vetëkënaqur, i cili e di se ligji dhe fuqia e parasë janë në anën e tij. Nuk ka asnjë komunitet ideal që vlerësohej kaq shumë në vitet '60. Bota fshatare i refuzon të varfërit, askush nuk do t'i vijë në ndihmë. Autori gjen mjete të reja për imazhin. Skena paraqitet sikur nga lart, befas gjendemi në një rreth të ngushtë njerëzish. Figurat e mëdha, fiziku i tyre i prekshëm na bëjnë të vëmë në dukje dramën mizore që po luhet në një nga fshatrat.

A. E. Arkhipov (1862 - 1930)

Ky artist solli në këtë zhanër arritjet e pikturës impresioniste: një skenë e rrëmbyer aksidentalisht nga jeta e përditshme, marrëdhëniet me ngjyra, piktura e thjeshtë.

"Washerwomen" 1901 Galeria Shtetërore Tretyakov

Para nesh është si një skicë e një skene të kapur në çast. Nuk përshkruhen ngjarje specifike, por kushtet e padurueshme të punës së lavanderi. Puna e tyre paraqitet si befasuese dhe e zakonshme. Ndjenja e një bodrumi të lagur, një dyshemeje të rrëshqitshme, grumbuj rrobash të pista, avulli i nxehtë që ngrihet nga një vaskë e nxehtë në një dritare të ftohtë përcillet me mjeshtëri. Si një furçë e rrëshqitshme, ne jemi të zhytur në lagështinë e ndenjur të ajrit të lagësht.

S. I. Ivanov (1864 - 1910)

Ky artist zgjeroi shumë temat e zhanrit.

"Ne rruge. Vdekja e një koloni, 1889, Galeria Shtetërore Tretyakov

Para nesh është finalja tragjike e jetës nomade të një familjeje fshatare, e cila shkoi në kërkim të një jete më të mirë. Saktësia e pozave dhe detajeve është e habitshme. Por gjëja kryesore nuk është thënë. Tragjedia është e tillë që artisti nuk merr përsipër të ritregojë drejtpërdrejt të gjitha pasojat e saj. Ai pikturon solsticin e mesditës, mpirjen e natyrës dhe njerëzve, një rrafshnaltë të djegur monotone. Boshtet e vagonëve të ngritur lart janë një simbol i një lëvizjeje të ndalur. Gjithçka krijon një ndjenjë të pashpresë të plotë për ata që kanë humbur shpresën.

"Ekzekutimi" 1905

Nje nga veprat më të mira për ngjarjet revolucionare. Në të majtë janë retë e shtëna pluhur. Sfondi është një grup i errët i gradave të ushtarëve. Në të djathtë është një fragment i një turme me pankarta. Zona e shkretëtirës e përmbytur nga dielli. Vërtetësia e pozës së të vdekurit dhe të plagosurit, me shumë gjasa anash, qeni, i mbështetur në arrati, godet me autenticitet. Hijet e shtëpive janë një kufi zie, pjesët e ndriçuara të mureve anësore janë pyka të ndritshme, sikur të tregojnë vrasësit që përgjojnë në hije.

N. A. Kasatkin (1859 - 1930)

Ky artist shpalosi për herë të parë temën e punës së klasës punëtore që hyn në arenën e historisë.

“Minatorët e qymyrit. Ndryshimi" 1895 Galeria Shtetërore Tretyakov

Atmosfera e një dhome të zymtë me ferma druri që ngrihen lart dhe një turmë minatorësh të grumbulluar poshtë. Gjithçka frymëzon solemnitet të zymtë. Fytyrat e shumë minatorëve në turmë duken të përmbajtura dhe armiqësore ndaj shikuesit. Një minator po ecën drejt nesh me një shkëlqim ogurzi në të bardhët e syve në fytyrën e tij të blozës. Ai perceptohet si një armëpushim i mbushur me urrejtje në emër të masave punëtore ndaj armikut. Skena thelbësisht e rëndomtë e ndryshimit të ndërrimit në kafazin e minierës është e pajisur me një forcë dhe rëndësi të tillë që përcjell zemërimin në rritje të klasës punëtore.

A. P. Ryabushkin (1861 - 1904)

Kombinimi i historisë dhe zhanër shtëpiakçon në lindjen e një tabloje historike dhe të përditshme në veprat e këtij artisti. Pikturat e tij më të mira janë "Gratë e Moskës të shekullit të 17-të në kisha "1899", treni i dasmës në Moskë të shekullit të 17-të "1901

Para nesh janë skena të jetës së përditshme, vetëm në të kaluarën e largët. Prandaj, pikturat janë pa monumentalitet. Historia nuk është kthyer nga ana dramatike, siç ishte rasti me Surikov ose Repin, por nga ana estetike. Artisti admiron jetën e së kaluarës, ai shijon ngjyrën e jetës së Moskës në shekullin e 17-të. Mosha nuk u zgjodh rastësisht. Ishte në shekullin e 17-të që modelimi dhe polikromia ruse arritën një fuqi të jashtëzakonshme spektakolare. Ryabushkin ishte i mbushur me frymën e mesjetës së larë ruse.

Në pikturat e mëvonshme shfaqen tipare të groteskut, satirës.

M. V. Nesterov (1862 - 1942)

Një student i Perov, i cili filloi në frymën e Wanderers, ky artist hyn në pikturën ruse me një pikturë "Eremit", në të cilën ai gjen temën e tij: monastike, Rusi kishtare, monastizëm. Asnjë realitet i një kohe të caktuar. Nesterov krijon një pamje ideale të bashkimit të njeriut me botën natyrore jashtë kornizës së qytetërimit. Prandaj heronjtë - murgjit, Sergius of Radonezh, hermitët. Fotoja e programit të tij - “Vizioni për të rinjtë Bartolomeu" 1890 Galeria Shtetërore Tretyakov përfaqëson momentin kur e vërteta i zbulohet Sergjiut të ardhshëm të Radonezhit dhe shpirti i djalit mbushet me një butësi të jashtëzakonshme para çdo fije bari, gjethe të thata dhe në të njëjtën kohë me vigjilencë të ndjeshme. Po ndodh një përmbysje shpirtërore. E gjithë kjo zbulohet në një peizazh vjeshte plot shpirt. Bota ruse po kthehet në një lloj "parajse tokësore".

Impresionist rus. K Korovin (1861 - 1939)

Ashtu si Levitan, ai studioi në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë nën Savrasov dhe Polenov. në foto "Peizazhi në dimër" 1894 ai vepron si pasardhës i Savrasov. Para nesh është një ditë gri dimri, oborri i një kasolle fshati dhe një kalë i mbërthyer në një sajë në gardhin e ujërave. Por detyra kryesore e Korovin këtu nuk është një peizazh humori, por thjesht piktural: të pikturojë gri dhe të zezë në të bardhë. Me përjashtim të drurit të butë të artë dhe një sajë të sapoplanifikuar, nuk ka ngjyra të pastra në foto. Hije të shquara të hirit-gri, kaltërosh-vjollcë. Pas një udhëtimi në Francë dhe njohjes me pikturën e impresionistëve, Korovin i kthehet temës së qytetit të madh.

"Dritat e Parisit" 1911 GTG

Tema është jeta e qytetit. Para nesh është një fragment i jetës së tij, pra copëtimi i kompozimit. Në të njëjtën kohë, pika e vëzhgimit është e pazakontë - ashpër nga lart, goditja është dinamike, konturet, sikur të paqarta nga shiu, dridhen në ajrin e rrugës. Por temperamenti rus manifestohet në intensitetin e shtuar të ngjyrës, spontanitetin e penelit dhe emocionalitetin.

Inovatori kryesor V. A. Serov (1865 - 1911)

Një student i Repin, trashëgimtar i traditës realiste të pikturës ruse, ai bëri një revolucion të madh në kërkimin artistik të epokës. Serov kaloi nga realizmi kritik në realizmin poetik, në mishërimin e bukurisë dhe harmonisë me metodën realiste.

"Vajza me pjeshkë" 1887 Galeria Shtetërore Tretyakov

Rinia - pranvera e jetës - është tema e kësaj tabloje të mrekullueshme. Është e bukur si në jetë ashtu edhe në pikturën e Serovit. Para nesh është vajza e Savva Ivanovich Mamontov - Vera Mamontova. Duket se ajo sapo vrapoi në shtëpi dhe u ul në tavolinë. Kjo ndjenjë e një jete të lëvizshme, dinamike është e ngjashme me një stil impresionist. E gjithë piktura e figurës duket se përshkohet nga një ndjenjë e ndritshme, e gëzueshme e pranimit të jetës. I tillë është peizazhi jashtë dritares, dhe pjesa e brendshme - imazhi i dhomës, dhe jeta e qetë - pjeshkë në tryezë dhe fytyra e vajzës - gjithçka merr frymë me dritë. Ndjehet një penelë impresioniste, një transmetim mjeshtëror i mjedisit dritë-ajër, një bollëk objektesh të përshkruara fragmentare. Në mënyrë që heroina të jetë në qendër, Serov krijon një format pothuajse katror të figurës. Për të përcjellë harmoninë - një bollëk objektesh të rrumbullakëta: pjeshkë në tryezë, një pjatë e rrumbullakët në mur. E gjithë kjo është në harmoni me ovalin e rrumbullakët të fytyrës së vajzës. Fotografia u bë një vepër thelbësisht e re në pikturën ruse të fundit të shekullit të 19-të.

"Vajza e ndriçuar nga dielli" 1888

Për t'u larguar nga mënyra impresioniste, Serov i kondenson ngjyrat në masa të dendura. Këtu përsëri ndjesia e mjedisit dritë-ajër.

Në vitet '90, Serov krijoi një numër portretesh të shkrimtarëve, artistëve, artistëve: Chaliapin, Gorky, Yermolova. Të gjithë heronjtë e tij janë sunduesit e mendimeve të kohës së tyre. Në Serov, ata nuk shfaqen si punëtorë të mendimit, por si "lajmëtarë të të vërtetave të epokave". Këta janë gjeni në një aureolë ekskluziviteti.

Gorky në portret është dhënë në një përhapje komplekse spirale, fytyra e tij ndriçohet nga mendimi, është i dukshëm një interes shqetësues me vëmendje për një bashkëbisedues të padukshëm.

Yermolova është e shkëputur nga gjithçka e përditshme, e kësaj bote, shfaqet në një perspektivë heroike, pamja e një profeteshe, fytyra e saj është brumosur butë, e ndriçuar nga një dritë e brendshme. Formati i figurës - vertikale thekson harmoninë mbretërore të figurës së aktores së madhe. Ngjyra - e zezë në gri, kontura lineare, heshtja, struktura e shkëputur-ideale e imazhit duket se e nxjerrin atë nga realiteti. Prandaj ndjesia. Ajo që kemi përpara nuk është një pikturë vaji.

Chaliapin tashmë është vizatuar me qymyr në kanavacë. Që atëherë, Serov preferon tempera të pastër në një sfond mat.

Të gjitha portretet shfaqen para nesh, si në një piedestal përballë një turme të padukshme mijërash. Portretet datojnë në vitin 1905.

Të gjitha teknikat janë marrë si nga një portret i përparmë: procesion, pozim, por personalitetet janë qartësisht proporcionale me këtë.

Një version tjetër i portretit ceremonial të Serov është krijimi i karakterit të personit që portretizohet përmes rrethinës së tij.

"Portreti i konteshës Orlova" 1911, Muzeu Rus

Poza pretencioze, loja e linjave të mprehta këndore të siluetës, "përsosja" dhe "eleganca" janë qartësisht të natyrshme tek kjo grua, një heroinë e vërtetë e viteve 10. Brendësia është qartësisht e pabanuar: gjëra të rralla, të shtrenjta, si për shfaqje. Dhe vetë Orlova e demonstron qartë veten: ajo ka veshur lesh, një gjerdan perlash, një kapelë hiperbolike të madhe. Sikur edhe heroina është një gjë e shtrenjtë. Orlova është një zonjë në modë në stilin Art Nouveau, e pikturuar gjithashtu në stilin Art Nouveau. Por ju nuk mund të qëndroni në këtë pozicion për një kohë të gjatë. Prandaj ndjesia e një shfaqje maskarade.

Kompozimet historike të Serov.

Seria "gjueti mbretërore" shëtitjet e kënaqësisë së Elizabetës dhe Katerinës së Madhe, dëfrimet e gjuetisë së të riut Pjetri II. Prandaj më domethënëse nga pikturat historike - argëtimi i kundërt -

"Pjetri i Madh" 1907 Galeria Shtetërore Tretyakov

Përcillet shkalla e epokës së krizave dhe ndryshimeve. Kompozimi i pikturës ka të bëjë me motivin e procesionit, "hapat e historisë". Imazhi i përgjithësuar i vullnetit dhe vendosmërisë është i ngjashëm me epokën e revolucionit të parë rus, kur u krijua kjo kanavacë. Këtu kërkimi për një formë të përgjithësuar është tashmë i dukshëm. Një rrugë e tillë e çoi Serovin nga një mënyrë thjesht realiste në burimet kryesore të qenies - në një mit. Kështu lind një cikël i mrekullueshëm antik i artistit: "Odiseu dhe Nausicaa" dhe "Rrëmbimi Evropë".

"Rrëmbimi i Evropës" 1910 Galeria Shtetërore Tretyakov

Piktura ishte projektuar si një panel dekorativ dhe ishte rezultat i udhëtimit të Serov në Greqi. Ky nuk është një cep specifik i natyrës, por një pamje e përgjithësuar e të gjitha forcave të saj. Vala në rritje mbyll horizontin - pra ndjesia e pafundësisë së botës. Valët vizatojnë një parabolë të rregullt, trupi i demit është një diagonale, figura e Evropës është pikërisht në qendër. Valët divergjente formojnë qendrën semantike të figurës - fytyrën e Evropës. Fytyra e saj riprodhon maskën e lëvores arkaike të parë nga Serov në Akropol. Një burrë i shekullit të 20-të u kthye në të kaluarën, pa një pamje simpatike të antikitetit, por në qendër të saj është një maskë misterioze arkaike. Serov u bë një nga mësuesit më të dashur të Shkollës së Moskës.

Nisja nga tendenca realiste

M. A. Vrubel (1856 - 1910)

Veprat e tij mund të dallohen gjithmonë nga pasioni i tyre subjektiv, nga shprehja dramatike e formave.

Djali i një avokati ushtarak nga Omsk, ai filloi të studionte vizatimin herët, por hyri në fakultetin juridik të Universitetit të Shën Petersburgut. Pas diplomimit të tij në 1880 - Akademia e Arteve. Kam marrë mësime nga Repin.

1884 Vrubel mori një ftesë për të ardhur në Kiev për të pikturuar kishën e Shën Kirilit të shekullit të 12-të. Atje ai krijoi disa kompozime, ndër të cilat qendrore është imazhi i Nënës së Zotit. Ai i dha asaj tiparet e gruas që donte. Kjo vepër i dha atij një ndjenjë monumentaliteti.

Më pas një udhëtim në Itali, njohje me Venedikun. Pas kthimit në Kiev, Vrubel e gjeti veten në qendër të kërkimit për një stil të madh kombëtar. Ai vendosi të gjejë gjuhën e tij. Vrubel zhvilloi stilin e tij unik. Dominimi i vizatimit plastik-skulpturor tredimensional. Thërrmimi i sipërfaqes së mykut në skaje të mprehta dhe të mprehta. Ngjyra perceptohet si dritë me ngjyrë (lloj xhami me njolla)

Në 1889, Vrubel jetoi në Abramtsevo, ku u interesua për majolica (një lloj qeramike). Ai bëri oxhaqe me pllaka me sirena, heronj, figura të Sadkos, Berendey dhe heronjve të tjerë.

Rezultati i kërkimit në Kiev ishte piktura "Demon".

"Demon" (ulur) 1890, Galeria Shtetërore Tretyakov

Revista "Golden Fleece" shpalli një konkurs me temën "Djalli". Vrubel po kërkonte një zgjidhje për imazhin e një sfide krenare për botën, personazhi fjalë për fjalë ndoqi artistin. "Demon" i Vrubel është simbolik dhe në shkallë të gjerë si një afresk kishe. Këtu ka një largim të qartë nga realizmi. Bota është transformuar në mënyrë fantastike. Një vështrim mbi Demonin përmes prizmit të kulturës. Trupi i Demonit është i skalitur dhe i ngjan veprës së Mikelanxhelos. Në skemën e ngjyrave vihet re qartë ndikimi i shkollës veneciane. Disa "mozaik" pikture i ngjan mozaikut të kishave të Kievit. Drita duket se vjen nga brenda. Ky është efekti i xhamit me njolla. Vetë interesimi për imazhin e përjetshëm të Demonit nuk është i rastësishëm. Vrubel preferon personazhet e "temave të përjetshme": Demon, Faust, Carmen, antikiteti.

"Demon i mundur" 1902

Krahasoni atë me punën e mëparshme. Demoni në këtë kanavacë është përhapur në një grykë. Ky nuk është një atlet i fuqishëm, por një krijesë e deformuar ashpër në përmasa, krijesë me dhimbje të brishtë.

Në fytyrë është një grimas krenarie e ofenduar, fytyra e bukur operistike i ngjan tipit kolektiv të një poeti dekadent.

Autoportrete dhe portrete.

Tema e tyre është bota si një gjëegjëzë e frikshme.

"Portreti i S. I. Mamontov" 1897 GT G

Nga sfondi del një sfond i kuqërremtë, një akord i zymtë ngjyrash, një stelë varri me figurën e një vajtuesi. “Lorenzo i Madhërishëm” rus duket se po luan një skenë me fantazma. Në fytyrën e tij ka konfuzion mendor, pothuajse frikë. Duket se Vrubel parashikon fatin e "të fuqishmëve" në Rusi në shekullin e 20-të.

Në veprat e Vrubelit ndihet qartë kulti i natës.

"Jargavan", "By Night", "Pan", "Princesha e Mjellmave". Në të gjitha këto punime mbizotëron ngjyra e ftohtë, të rralla janë ndezjet e së kuqes. Interesi i Vrubelit për folklorin, antikitetin, mitologjinë, materialin përrallor, komplotet letrare ishte në përputhje me kërkimin e një gjuhe të re. Viktor Vasnetsov, Surikov, Serov ndoqën një rrugë të ngjashme.

Dëshira për të sjellë bukurinë në jetën e përditshme e shtyu Vrubelin të krijonte jo vetëm kavaletë, por edhe panele dekorative.

Në 1896, dy panele nga Vrubel u ekspozuan në një panair në Nizhny Novgorod. : "Mikula Selyaninovich" mbi temat e epikës ruse dhe "Ëndrra e princeshës" bazuar në veprën e Edmond Rostandit. Një kopje e kësaj vepre ka zbukuruar pedimentin e Hotel Metropol.

Edhe më herët, Vrubel krijoi një panel Spanjë, Venecia. Paneli i fundit është zgjidhur në mënyrë interesante. "Venecia" Vrubel - kjo është ajo që dikush di për këtë qytet: Ura e Psherëtimave, një kartushë e mrekullueshme barok mbi qepallën e pallatit, luksi i veshjeve ekzotike, gjithçka ka atmosferën e karnavaleve italiane . "Spanja"- një tavernë, një grua e brishtë me një lule, dy burra në distancë, ajo u ktheu shpinën. Ky është fillimi i intrigës së shpalosur në tregimet e Merimes. ("Carmen")

Në të gjithë veprën e Vrubelit mund të ndihet detyrë e përbashkët- për të përqafuar botën e bukurisë me imagjinatën tuaj krijuese, për të krijuar një qëndrim të ri ndaj botës përmes rishikimit të të gjitha epokave dhe kulturave.

Në 1902, Vrubel u sëmur nga një sëmundje mendore, që atëherë, gjithçka që pikturoi, ai shkatërroi pa ndryshim. Këto ishin portrete mjekësh, kujdestarësh, shtrati i tij në spital, pamja nga dritarja e spitalit, qoshet e dhomave, një divan, një karafe dhe një gotë me ujë. Pak para vdekjes së tij, vizioni i dështoi mjeshtrit.

V. Borisov-Musatov (1870 - 1905)

Në zemër të stilit të tij është impresionizmi me vëmendjen ndaj mjedisit të dritës dhe ajrit, nuancat e pakapshme të gjendjeve.

Ai lindi në Saratov, një mësues vendas i bindi prindërit e tij që ta dërgonin djalin në Moskë. Ai studioi në shkollën e Moskës, dhe më pas në Akademinë në Shën Petersburg. Në fund të viteve '90, Borisov-Musatov vizitoi Parisin. Por tema e Borisov-Musatov është një retrospektivë thjesht ruse: malli për bukurinë e humbur, poezi elegjiake e "foleve fisnike" bosh, parqeve, rezervuarëve. Bota e tij është jashtë realitetit konkret historik dhe në këtë mënyrë i ngjan botës së fantazmave. Heronjtë janë të veshur me kamisole, paruke, krinoline. Teknika e preferuar - pastel dhe tempera.

"Polg" 1902

Kjo është vepra më domethënëse e artistit. Kanavacë i ngjan një paneli ose sixhadeje dekorative. Linja e horizontit është jashtëzakonisht e lartë, dhe rrafshi i tokës me pasqyrën e rezervuarit rezulton të jetë pothuajse paralel me rrafshin e kanavacës. Qielli blu me retë e bardha pasqyrohet vetëm në pasqyrën e ujit. Sipërfaqja e ujit është aq e qetë sa duket se nuk ka lëvizje në botë, koha është ngrirë dhe asgjë nuk po ndodh. Heroinat e artistit janë në të njëjtën gjendje magjepsjeje. Vajza, e ulur në një mur, shikon diku larg dhe është zhytur në një harresë ëndërrimtare. Një figurë tjetër me qepalla të ulura, sikur në ëndërr, rrëshqet përgjatë skajit të rezervuarit.

Mbi fustanin e zbehtë jargavan (ngjyrë ëndrrash) është një pelerinë e bardhë dantelle. Vajzat nuk e shohin njëra-tjetrën, por ato janë të lidhura me një ritëm muzikor: konturet e rrumbullakosura, bashkëtingëllimi i toneve të buta të ylbertë shumëngjyrëshe. Uniteti i brendshëm i asaj që është e ndarë nga jashtë - temë kryesore Borisov-Musatov. Ritmi i qetë i goditjes vibruese bashkon të gjitha objektet në kanavacat e artistit. Në pikturat e tij nuk ka asgjë mistike, të sjellë nga jashtë, asociacione letrare specifike. Dominon një trishtim elegjiak, sikur derdhet në natyrë dhe bashkon heronjtë e pikturave me botën e përjetshme të natyrës.

"Fantazmat" (1903)

Shiritat e mjegullës që zvarriten përgjatë tokës janë të ngjashme me shtigjet dredha-dredha të një parku të vjetër. Statujat marrin jetë në shkallët e një pallati klasik. Dhe ndërtesa nën kube është, si të thuash, organikisht e lëvizshme, e lëngshme. Në këtë rast, nuk ka misticizëm. Kështu sheh syri në muzg.

Vetëm në vitin 1906, pas vdekjes së artistit, S. Diaghilev tregoi 50 nga veprat e tij, duke i dhënë atij një apoteozë pas vdekjes.

Me krizën e lëvizjes populiste në vitet 1990, "metoda analitike e realizmit të shekullit të nëntëmbëdhjetë", siç quhet në shkencën ruse, po bëhet e vjetëruar. Shumë prej Wanderers përjetuan një rënie krijuese, hynë në "shkallën e vogël" të një tabloje të zhanrit argëtues. Traditat e Perovit u ruajtën mbi të gjitha në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë falë veprimtarive mësimore të artistëve të tillë si S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov dhe të tjerët.

Proceset komplekse të jetës përcaktuan shumëllojshmërinë e formave të jetës artistike të këtyre viteve. Të gjitha llojet e artit - piktura, teatri, muzika, arkitektura - qëndronin për rinovimin e gjuhës artistike, për profesionalizëm të lartë.

Një rol të rëndësishëm në popullarizimin e artit rus, veçanërisht të shekullit të 18-të, si dhe të artit të Evropës Perëndimore, në tërheqjen e mjeshtrave të Evropës Perëndimore në ekspozita, luajtën artistët e shoqatës World of Art. "Miriskusniki", që mblodhi forcat më të mira artistike në Shën Petersburg, botoi revistën e tyre, me vetë ekzistencën e tyre kontribuoi në konsolidimin e forcave artistike në Moskë, në krijimin e "Unionit të Artistëve Rus".

Mësimet impresioniste të pikturës plein air, kompozimi i "inkuadrimit të rastësishëm", mënyra e gjerë e lirë pikture - e gjithë kjo është rezultat i evolucionit në zhvillimin e mjeteve piktoreske në të gjitha zhanret e kapërcyellit të shekullit. Në kërkim të "bukurisë dhe harmonisë", artistët provojnë veten në një sërë teknikash dhe formash arti - nga piktura monumentale dhe peizazhet teatrale te dizajni i librave dhe artet dhe zanatet.

Shfaqja e Art Nouveau nuk do të thoshte që idetë e bredhjes vdiqën nga fundi i shekullit. Piktura e zhanrit u zhvillua në vitet 1990, por ajo u zhvillua disi më ndryshe se në lëvizjen "klasike" Wandering të viteve 1970 dhe 1980. Kështu, tema fshatare zbulohet në një mënyrë të re. Ndarja në komunitetin rural theksohet në mënyrë akuzuese e portretizuar nga Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) në pikturën "On the World" (1893, Galeria Shtetërore Tretyakov). Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) ishte në gjendje të tregonte vitalitetin e ekzistencës në punën e vështirë, rraskapitëse në pikturën "Washerwomen" (1901, Galeria Shtetërore Tretyakov). Ai e arriti këtë në një masë të madhe falë zbulimeve të reja piktoreske, të një kuptimi të ri të mundësive të ngjyrës dhe dritës.

Reticenca, "nënteksti", një detaj shprehës i gjetur mirë e bëjnë edhe më tragjike pikturën e Sergei Vasilyevich Ivanov (1864-1910) "Në rrugë. Vdekja e një koloni" (1889, Galeria Shtetërore Tretyakov). Boshtet që dalin jashtë, sikur të ngritura në një klithmë, dramatizojnë veprimin shumë më tepër sesa njeriu i vdekur i paraqitur në plan të parë ose gruaja që ulëritës mbi të. Ivanov zotëron një nga veprat kushtuar revolucionit të vitit 1905 - "Ekzekutimi". Teknika impresioniste e "kompozimit të pjesshëm", sikur rastësisht ka rrëmbyer një kornizë, është ruajtur këtu: përvijohen vetëm një varg shtëpish, një rresht ushtarësh, një grup demonstruesish dhe në plan të parë, në një shesh të ndriçuar nga dielli, figura e një qeni të vrarë dhe që ikën nga të shtënat. Ivanov karakterizohet nga kontraste të mprehta të dritës dhe hijeve, një kontur ekspresiv i objekteve dhe një sheshtë e njohur e imazhit. Gjuha e tij është lapidare.

Në vitet '90 të shekullit XIX. në art hyn një artist, i cili e bën punëtorin protagonist të veprave të tij. Në 1894, një pikturë e N.A. Kasatkina (1859-1930) "Minator" (TG), në 1895 - "Minatorët e qymyrit. Ndrysho".

Në fund të shekullit, një rrugë zhvillimi paksa e ndryshme nga ajo e Surikov është përshkruar në temën historike. Kështu, për shembull, Andrei Petrovich Ryabushkin (1861–1904) punon më shumë në zhanrin historik sesa në zhanrin thjesht historik. "Gratë ruse të shekullit të 17-të në kishë" (1899, Galeria Shtetërore Tretyakov), "Treni i dasmës në Moskë. Shekulli XVII” (1901, Galeria Shtetërore Tretyakov), “Ata po vijnë. (Populli i Moskës gjatë hyrjes së një ambasade të huaj në Moskë në fund të shekullit të 17-të) "(1901, Muzeu Rus)," Rruga e Moskës e shekullit të 17-të në një festë "(1895, Muzeu Rus), etj. - këto janë skena të përditshme nga jeta e Moskës në shekullin e 17-të. Ryabushkin u tërhoq veçanërisht nga ky shekull, me elegancën e tij prej xhenxhefili, polikromi, me model. Artisti admiron estetikisht botën e shkuar të shekullit të 17-të, e cila çon në një stilizim delikat, larg monumentalizmit të Surikov dhe vlerësimeve të tij për ngjarjet historike. Stilizimi i Ryabushkin reflektohet në rrafshimin e imazhit, në një sistem të veçantë të ritmit plastik dhe linear, në skemën e ngjyrave të ndërtuara mbi ngjyra të ndritshme kryesore, në zgjidhjen e përgjithshme dekorative. Ryabushkin prezanton me guxim ngjyrat lokale në peizazhin e ajrit, për shembull, në Treni i Dasmave... - ngjyra e kuqe e vagonit, pika të mëdha rrobash festive në sfondin e ndërtesave të errëta dhe borës, të dhëna, megjithatë, në nuancat më të mira të ngjyrave. Peizazhi gjithmonë përcjell në mënyrë poetike bukurinë e natyrës ruse. Vërtetë, ndonjëherë Ryabushkin karakterizohet gjithashtu nga një qëndrim ironik në përshkrimin e disa aspekteve të jetës së përditshme, si, për shembull, në pikturën "Partia e çajit" (karton, gouache, tempera, 1903, Muzeu Rus). Në figurat statike të ulura përballë me disqe në duar, lexohet matësi, mërzia, përgjumja, ndjejmë edhe fuqinë shtypëse të jetës së vogël-borgjeze, kufizimet e këtyre njerëzve.

JAM. Vasnetsov dha mësim në klasën e peizazhit të Shkollës së Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë (1901-1918). Si teoricien, pikëpamjet e tij i ka paraqitur në librin Art. Përvoja e analizimit të koncepteve që përcaktojnë artin e pikturës ”(Moskë, 1908), në të cilën ai mbrojti traditat realiste në art. Vasnetsov ishte gjithashtu themeluesi i Unionit të Artistëve Ruse.

Një lloj i ri pikture, në të cilën traditat artistike folklorike u zotëruan në një mënyrë krejtësisht të veçantë dhe u përkthyen në gjuhën e artit modern, u krijua nga Philip Andreevich Malyavin (1869-1940), i cili në rininë e tij ishte i angazhuar në pikturën e ikonave në Manastiri Athos, dhe më pas studioi në Akademinë e Arteve nën Repin. Imazhet e tij të "grave" dhe "vajzave" kanë një kuptim të caktuar simbolik - tokë e shëndetshme Rusi. Pikturat e tij janë gjithmonë ekspresive, dhe megjithëse këto janë, si rregull, vepra kavaleti, ato marrin një interpretim monumental dhe dekorativ nën penelin e artistit. "E qeshura" (1899, Muzeu i Artit Modern, Venecia), "Whirlwind" (1906, Galeria Shtetërore Tretyakov) është një përshkrim realist i vajzave fshatare që qeshin me zë të lartë ose që nxitojnë në mënyrë të pakontrollueshme në një kërcim të rrumbullakët, por ky realizëm është i ndryshëm nga ai gjysma e dytë e shek. Piktura është gjithëpërfshirëse, skicë, me një goditje me teksturë, format janë të përgjithësuara, nuk ka thellësi hapësinore, figurat, si rregull, janë të vendosura në plan të parë dhe mbushin të gjithë kanavacën.

Malyavin kombinoi në pikturën e tij dekorativizmin ekspresiv me besnikërinë realiste ndaj natyrës.

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862–1942) trajton temën e Rusisë së Lashtë, si një numër mjeshtërsh para tij, por imazhi i Rusisë shfaqet në pikturat e artistit si një lloj bote ideale, pothuajse e magjepsur, në harmoni me natyrën, por e zhdukur. përgjithmonë si qyteti legjendar i Kitezhit. Kjo ndjenjë e mprehtë e natyrës, kënaqësia në botë, para çdo peme dhe fije bari është veçanërisht e theksuar në një nga veprat më të famshme të Nesterov të periudhës para-revolucionare - "Vizioni i Bartolomeut të Ri" (1889-1890, Galeria Shtetërore Tretyakov). Në zbulimin e komplotit të figurës, ka të njëjtat tipare stilistike si ato të Ryabushkin, por shprehet pa ndryshim një ndjenjë thellësisht lirike e bukurisë së natyrës, përmes së cilës shpirtërorja e lartë e personazheve, ndriçimi i tyre, tjetërsimi i tyre nga trasmetohen bujë e kësaj bote.

Para se të kthehej në imazhin e Sergius të Radonezhit, Nesterov kishte shprehur tashmë interes për temën e Rusisë së Lashtë me vepra të tilla si "Nusja e Krishtit" (1887, vendndodhja e panjohur), "Ermiti" (1888, Muzeu Rus; 1888- 1889, Galeria Shtetërore Tretyakov), duke krijuar imazhe të spiritualitetit të lartë dhe soditjes së qetë. Ai i kushtoi disa vepra të tjera vetë Sergjit të Radonezhit (Rinia e Shën Sergjit, 1892-1897, Galeria Shtetërore Tretyakov; triptiku "Veprat e Shën Sergjit", 1896-1897, Galeria Shtetërore Tretyakov; "Sergius of Radonezh", 1891- 1899, Muzeu Shtetëror Rus).

M.V. Nesterov bëri shumë piktura monumentale fetare: së bashku me V.M. Vasnetsov pikturoi Katedralen Vladimir në Kiev, në mënyrë të pavarur - manastirin në Abastuman (Gjeorgji) dhe manastirin Marfo-Mariinsky në Moskë. Muralet i kushtohen gjithmonë temës së lashtë ruse (për shembull, në Gjeorgji - Aleksandër Nevskit). Në pikturat murale të Nesterov, ka shumë shenja reale të vërejtura, veçanërisht në peizazh, tipare portreti - në imazhin e shenjtorëve. Në dëshirën e artistit për një interpretim të sheshtë të përbërjes së elegancës, zbukurimit, sofistikimit të rafinuar të ritmeve plastike, u shfaq një ndikim i padyshimtë i Art Nouveau.

Stilizimi, në përgjithësi, aq karakteristik i kësaj kohe, preku në masë të madhe veprat e kavaletit të Nesterovit. Kjo mund të shihet në një nga pikturat më të mira kushtuar fatit të grave - "Gjuha e Madhe" (1898, Muzeu Rus): figurat qëllimisht të sheshta të murgeshave, "chernitsa" dhe "belitsa", silueta të përgjithësuara, sikur një ritual i ngadaltë. ritmi i njollave të lehta dhe të errëta - figura dhe peizazh me thuprat e tij të lehta dhe bredha pothuajse të zinj. Dhe si gjithmonë me Nesterov, peizazhi luan një nga rolet kryesore. "Unë e dua peizazhin rus," shkroi artisti, "në sfondin e tij, disi është më mirë, ju ndjeni më qartë kuptimin e jetës ruse dhe shpirtin rus".

Për koloristin e shkëlqyer Korovin, bota shfaqet si një "trazira ngjyrash". I talentuar bujarisht nga natyra, Korovin ishte i angazhuar si në portret ashtu edhe në natyrë, por nuk do të ishte gabim të thuash se peizazhi mbeti zhanri i tij i preferuar. Ai solli në art traditat e forta realiste të mësuesve të tij nga Shkolla e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë - Savrasov dhe Polenov, por ai ka një pamje të ndryshme të botës, ai vendos detyra të tjera. Ai filloi të pikturonte herët në ajër të pastër, tashmë në portretin e një vajze kor në 1883, mund të shihet zhvillimi i tij i pavarur i parimeve të plein airizmit, të mishëruara më pas në një numër portretesh të bëra në pasurinë e S. Mamontov në Abramtsevo. ("Në varkë", Galeria Shtetërore Tretyakov; portreti i T. S. Lyubatovich, Muzeu Shtetëror Rus, etj.), në peizazhet veriore, ekzekutuar gjatë ekspeditës së S. Mamontov në veri ("Dimri në Lapland", Galeria Shtetërore Tretyakov ). Peizazhet e tij franceze, të bashkuara me titullin “Dritat pariziane”, është tashmë një pikturë tërësisht impresioniste, me kulturën e saj më të lartë të etydit. Përshtypje të mprehta, të menjëhershme të jetës së një qyteti të madh: rrugë të qeta në periudha të ndryshme të ditës, objekte të tretura në një mjedis me ajër të lehtë, të formuar nga një penelë dinamike, "dridhet", vibruese, një rrymë penelatash të tilla që krijojnë iluzioni i një velloje shiu ose ajri të qytetit të ngopur me mijëra avuj të ndryshëm, - tipare që të kujtojnë peizazhet e Manet, Pissarro, Monet. Korovin është temperament, emocional, impulsiv, teatror, prandaj ngjyrat e ndezura dhe ngazëllimi romantik i peizazheve të tij (“Paris. Bulevardi Capuchin”, 1906, Galeria Shtetërore Tretyakov; “Parisi natën. Bulevardi Italian.” 1908, Galeria Shtetërore Tretyakov). Korovin ruan të njëjtat tipare të etydit impresionist, maestro piktoresk, artistike goditëse në të gjitha zhanret e tjera, kryesisht në portret dhe në natyrë, por edhe në panele dekorative, në artin e aplikuar, në skenën teatrale, me të cilat ai u angazhua gjatë gjithë jetës së tij (Portret i Chaliapin, 1911, Muzeu Rus; "Peshku, vera dhe frutat" 1916, Galeria Shtetërore Tretyakov).

Një nga artistët më të mëdhenj, një novator i pikturës ruse në fund të shekullit, ishte Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911). "Vajza me pjeshkë" e tij (portreti i Verusha Mamontova, 1887, Galeria Shtetërore Tretyakov) dhe "Vajza e ndriçuar nga dielli" (portreti i Masha Simanovich, 1888, Galeria Shtetërore Tretyakov) përfaqësojnë një skenë të tërë në pikturën ruse. Serov u rrit në mesin e figurave të shquara të kulturës muzikore ruse (babai i tij është një kompozitor i famshëm, nëna e tij është një pianiste), studioi me Repin dhe Chistyakov, studioi koleksionet më të mira muzeale në Evropë dhe, pasi u kthye nga jashtë, hyri në rrethin Abramtsevo . Në Abramtsevo u pikturuan dy portretet e përmendura më lart, nga të cilat filloi lavdia e Serovit, i cili hyri në art me pamjen e tij, të ndritshme dhe poetike të botës. Vera Mamontova ulet në një pozë të qetë në tryezë, pjeshkët janë të shpërndara në një mbulesë tavoline të bardhë para saj. Ajo vetë dhe të gjitha objektet janë paraqitur në mjedisin më kompleks të dritës dhe ajrit. Shkëlqimi i diellit bie mbi mbulesën e tavolinës, mbi rroba, një pjatë muri, një thikë. Vajza e paraqitur e ulur në tryezë është në unitet organik me gjithë këtë botë materiale, në harmoni me të, plot dridhje vitale, lëvizje të brendshme. Në një masë edhe më të madhe, parimet e pikturës së ajrit plein u pasqyruan në portretin e kushërirës së artistit Masha Simanovich, pikturuar pikërisht në ajër të hapur. Ngjyrat këtu jepen në ndërveprim kompleks me njëra-tjetrën, ato përcjellin në mënyrë perfekte atmosferën e një dite vere, reflektime ngjyrash që krijojnë iluzionin e rrezeve të diellit që rrëshqasin nëpër gjethe. Serov largohet nga realizmi kritik i mësuesit të tij Repin në "realizëm poetik" (termi i D.V. Sarabyanov). Imazhet e Vera Mamontova dhe Masha Simanovich janë të mbushura me një ndjenjë të gëzimit të jetës, një ndjenjë të ndritshme të qenies, një rini të ndritshme fitimtare. Kjo u arrit nga piktura impresioniste “e lehtë”, për të cilën është kaq karakteristik “parimi i rastësisë”, një formë e skalitur me një penelë dinamike e të lirë që krijon përshtypjen e një mjedisi kompleks ajri-dritë. Por ndryshe nga impresionistët, Serov nuk e shpërndan kurrë objektin në këtë mjedis që të çmaterializohet, kompozimi i tij nuk e humb kurrë stabilitetin, masat janë gjithmonë në ekuilibër. Dhe më e rëndësishmja, nuk humbet karakteristikat integrale të përgjithësuara të modelit.

Serov shpesh pikturon përfaqësues të inteligjencës artistike: shkrimtarë, artistë, artistë (portrete të K. Korovin, 1891, Galeria Shtetërore Tretyakov; Levitan, 1893, Galeria Shtetërore Tretyakov; Yermolova, 1905, Galeria Shtetërore Tretyakov). Të gjithë ata janë të ndryshëm, ai i interpreton të gjitha thellësisht individualisht, por mbi të gjitha qëndron drita e ekskluzivitetit intelektual dhe e jetës krijuese të frymëzuar. Figura e Yermolovës i ngjan një kolone të lashtë, ose më saktë, një statuje klasike, e cila përmirësohet më tej nga formati vertikal i kanavacës. Por gjëja kryesore mbetet fytyra - e bukur, krenare, e shkëputur nga çdo gjë e imët dhe e kotë. Ngjyrosja vendoset vetëm në një kombinim të dy ngjyrave: e zezë dhe gri, por në një larmi nuancash. Kjo e vërtetë e imazhit, e krijuar jo me rrëfim, por me mjete thjesht piktoreske, i përgjigjej vetë personalitetit të Yermolova, e cila me lojën e saj të përmbajtur, por thellësisht depërtuese, tronditi rininë në vitet e trazuara të fillimit të shekullit të 20-të.

Portreti i derës së përparme të Yermolova. Por Serov është një mjeshtër aq i madh sa, duke zgjedhur një model tjetër, në të njëjtin zhanër të portretit formal, në fakt, me të njëjtat mjete shprehëse, ai ishte në gjendje të krijonte një imazh të një karakteri krejtësisht të ndryshëm. Kështu, në portretin e Princeshës Orlova (1910-1911, Muzeu Rus), disa detaje janë ekzagjeruar (një kapelë e madhe, një shpinë shumë e gjatë, një kënd i mprehtë gjuri), një vëmendje e theksuar ndaj luksit të brendshëm, e transmetuar vetëm në mënyrë fragmentare , si një kornizë e rrëmbyer (pjesë e një karrige, piktura, këndi i tavolinës), lejojnë mjeshtrin të krijojë një imazh pothuajse grotesk të një aristokrati arrogant. Por i njëjti grotesk në "Pjetri I" i tij i famshëm (1907, Galeria Shtetërore Tretyakov) (Pjetri në foto është thjesht gjigant), duke lejuar Serov të përshkruajë lëvizjen e vrullshme të carit dhe oborrtarët që nxitojnë në mënyrë absurde pas tij, çon në një imazh që nuk është ironike, si në portretin e Orlovës, por simbolike, që përcjell kuptimin e një epoke të tërë. Artisti admiron origjinalitetin e heroit të tij.

Një temë e veçantë në veprën e Serov është fshatari. Në zhanrin e tij fshatar nuk ka mprehtësi shoqërore shëtitëse, por ka një ndjenjë të bukurisë dhe harmonisë së jetës fshatare, admirim për bukurinë e shëndetshme të popullit rus ("Në fshat. Një grua me një kalë", në hartë , pastel, 1898, Galeria Shtetërore Tretyakov). Peizazhet dimërore janë veçanërisht të shkëlqyera me gamën e tyre argjendi-perla të ngjyrave.

Rruga krijuese e Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) ishte më e drejtpërdrejtë, megjithëse në të njëjtën kohë jashtëzakonisht komplekse. Para Akademisë së Arteve (1880), Vrubel u diplomua në fakultetin juridik të Universitetit të Shën Petersburgut. Në 1884, ai shkoi në Kiev për të mbikëqyrur restaurimin e afreskeve në kishën e Shën Kirilit dhe krijoi vetë disa kompozime monumentale. Ai bën skica me bojëra uji të muraleve të Katedrales së Vladimirit. Skicat nuk u transferuan në mure, pasi klienti ishte i frikësuar nga jokanoniku dhe ekspresiviteti i tyre.

Në vitet '90, kur artisti u vendos në Moskë, u formua stili i të shkruarit të Vrubelit, plot mister dhe fuqi pothuajse demonike, i cili nuk mund të ngatërrohet me asnjë tjetër. Ai e skalit formën si një mozaik, nga copa të mprehta "facete" me ngjyra të ndryshme, sikur shkëlqejnë nga brenda ("Vajza në sfondin e një tapeti persian", 1886, KMRI; "Fortuneteller", 1895, Galeria Shtetërore Tretyakov) . Kombinimet e ngjyrave nuk pasqyrojnë realitetin e marrëdhënies së ngjyrave, por kanë një kuptim simbolik. Natyra nuk ka fuqi mbi Vrubelin. Ai e njeh atë, e zotëron atë në mënyrë të përsosur, por krijon botën e tij të fantazisë, pak si realiteti. Në këtë kuptim, Vrubel është në kundërshtim me impresionistët (për të cilët jo rastësisht thuhet se janë njësoj si natyralistët në letërsi), sepse ai në asnjë mënyrë nuk përpiqet të rregullojë një përshtypje të drejtpërdrejtë të realitetit. Ai graviton drejt temave letrare, të cilat i interpreton në mënyrë abstrakte, duke u përpjekur të krijojë imazhe të përjetshme të fuqisë së madhe shpirtërore. Pra, pasi ka marrë ilustrime për Demonin, ai së shpejti largohet nga parimi i ilustrimit të drejtpërdrejtë ("Vallëzimi i Tamarës", "Mos qaj, fëmijë, mos qaj kot", "Tamara në arkivol", etj.) dhe tashmë në të njëjtin 1890 krijon "Demonin e ulur" të tij - një vepër, në fakt, pa komplot, por imazhi është i përjetshëm, si imazhet e Mefistofelit, Faustit, Don Zhuanit. Imazhi i Demonit është imazhi qendror i gjithë veprës së Vrubelit, tema kryesore e tij. Më 1899 shkroi "Djalli fluturues", më 1902 - "Djalli i shtypur". Demoni i Vrubelit është, para së gjithash, një krijesë e vuajtur. Vuajtja mbizotëron mbi të keqen në të, dhe kjo është veçantia e interpretimit kombëtar rus të imazhit. Bashkëkohësit, siç u vu re me të drejtë, panë në "Demonët" e tij një simbol të fatit të një intelektuali - një romantik, që përpiqej të shpëtonte në mënyrë rebele nga një realitet pa harmoni në një botë joreale ëndrrash, por të zhytur në realitetin e përafërt të tokës. . Kjo tragjedi e botëkuptimit artistik përcakton edhe karakteristikat e portretit të Vrubelit: mosmarrëveshje shpirtërore, prishje në autoportretet e tij, vigjilencë, gati frikë, por edhe forcë madhështore, monumentalitet - në portretin e S. Mamontov (1897, Galeria Shtetërore Tretyakov) , konfuzion, ankth - në imazhin përrallor të "Princesha-Mjellma" (1900, Galeria Shtetërore Tretyakov), madje edhe në panelet e tij dekorative "Spanjë" (1894, Galeria Shtetërore Tretyakov) dhe "Venecia" (1893, Muzeu Rus) të ekzekutuara për rezidenca e E.D. Dunker, nuk ka paqe dhe qetësi. Vetë Vrubel formuloi detyrën e tij - "të zgjojë shpirtin me imazhe madhështore nga gjërat e vogla të jetës së përditshme".

Industrialisti dhe filantropisti i përmendur tashmë Savva Mamontov luajti një rol shumë të rëndësishëm në jetën e Vrubel. Abramtsevo e lidhi Vrubelin me Rimsky-Korsakov, nën ndikimin e punës së të cilit artisti shkruan Princeshën e tij Swan, interpreton skulpturat Volkhova, Mizgir, etj. përrallë, në një epikë, rezultati i së cilës ishin panelet "Mikula Selyaninovich", "Heronjtë". Vrubel provon dorën e tij në qeramikë, duke bërë skulptura në majolica. Ai është i interesuar për Rusinë dhe Greqinë pagane, Lindjen e Mesme dhe Indinë - të gjitha kulturat e njerëzimit, teknikat artistike të cilën ai kërkon të arrijë. Dhe sa herë që mbresat që mblidhte, ai kthehej në imazhe thellësisht simbolike, duke pasqyruar të gjithë origjinalitetin e botëkuptimit të tij.

Universalizmi i talentit, imagjinata e pakufishme, pasioni i jashtëzakonshëm në afirmimin e idealeve fisnike e dallojnë Vrubelin nga shumë bashkëkohës të tij.

Vepra e Vrubelit më e ndritshme se të tjerat pasqyroi kontradiktat dhe hedhjet e dhimbshme të epokës së historisë. Në ditën e varrimit të Vrubelit, Benois tha: “Jeta e Vrubelit, siç do të hyjë tani në histori, është një simfoni e mrekullueshme patetike, domethënë forma më e plotë e ekzistencës artistike. Brezat e ardhshëm... do të shikojnë prapa në dekadat e fundit të shekullit të 19-të si në "epokën e Vrubelit"... Pikërisht në të koha jonë u shpreh në gjënë më të bukur dhe më të trishtuar që ishte në gjendje.

Me Vrubelin po hyjmë në një shekull të ri, në epokën e “Epokës së Argjendit”, periudhës së fundit të kulturës së Shën Peterburgut të Rusisë, e cila është jashtë kontaktit si me “ideologjinë e revolucionarizmit” (P. Sapronov) dhe “Me autokracinë dhe shtetin që prej kohësh ka pushuar së qeni një forcë kulturore”. Fillimi i shekullit lidhet me ngritjen e mendimit filozofik dhe fetar rus, me nivelin më të lartë të poezisë (mjafton të përmendim Blok, Bely, Annensky, Gumilyov, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub); teatër dramë dhe muzikor, balet; "Zbulimi" i artit rus të shekullit të 18-të (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), piktura e vjetër e ikonave ruse; profesionalizmin më të mirë të pikturës dhe grafikës që nga fillimi i shek. Por “Epoka e Argjendtë” ishte e pafuqishme përballë ngjarjeve tragjike të afërta në Rusi, e cila po shkonte drejt një katastrofe revolucionare, duke vazhduar të qëndronte në “kullën e fildishtë” dhe në poetikën e simbolizmit.

Nëse vepra e Vrubelit mund të lidhet me drejtimin e përgjithshëm të simbolizmit në art dhe letërsi, megjithëse, si çdo artist i madh, ai shkatërroi kufijtë e drejtimit, atëherë Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) është një eksponent i drejtpërdrejtë i simbolizmit piktural. dhe një nga retrospektivistët e parë në artin e bukur, arti i Rusisë kufitare. Madje, kritikët e kohës e quajtën atë "ëndërrimtarin e retrospektivizmit". Pasi vdiq në prag të revolucionit të parë rus, Borisov-Musatov doli të ishte plotësisht i shurdhër ndaj disponimeve të reja që po shpërthyen me shpejtësi në jetë. Veprat e tij janë një trishtim elegjiak për "foletë fisnike" të vjetra boshe dhe "kopshtet e qershisë" që po vdesin, për gratë e bukura, të shpirtëruara, thuajse të panatyrshme, të veshura me disa lloj kostumesh të përjetshme që nuk mbajnë shenja të jashtme të vendit dhe kohës.

Ky mall për kohët e shkuara e bëri Borisov-Musatov të lidhej me artistët e "Botës së Artit" - një organizatë që u ngrit në Shën Petersburg në 1898 dhe bashkoi mjeshtrit e kulturës më të lartë artistike, elitën artistike të Rusisë të atyre viteve. ("Bota e Arteve", nga rruga, nuk e kuptoi artin e Borisov-Musatov dhe e njohu atë vetëm në fund të jetës së artistit.) Fillimi i "Botës së Artit" u hodh nga mbrëmjet në shtëpi e A. Benois kushtuar artit, letërsisë dhe muzikës. Njerëzit që u mblodhën aty i bashkoi dashuria për të bukurën dhe besimi se ajo mund të gjendet vetëm në art, pasi realiteti është i shëmtuar. Duke u shfaqur gjithashtu si një reagim ndaj vogëlsisë së Wanderers të ndjerë, natyrës së saj edukuese dhe ilustruese, Bota e Artit shpejt u shndërrua në një nga fenomenet kryesore të kulturës artistike ruse. Pothuajse të gjithë artistët e famshëm morën pjesë në këtë shoqatë - Benois, Somov, Bakst, E.E. Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, madje edhe Larionov dhe Goncharova. Me rëndësi të madhe për formimin e kësaj shoqate ishte personaliteti i Diaghilev, një mbrojtës dhe organizator i ekspozitave, dhe më vonë - impresario i turneve të baletit dhe operës ruse jashtë vendit (Stinët ruse, të cilat e njohën Evropën me punën e Chaliapin, Pavlova, Karsavina , Fokine, Nijinsky dhe të tjerë dhe i zbuluan botës një shembull të kulturës më të lartë të formës arte të ndryshme: muzikë, valle, pikturë, skenografi). Në fazën fillestare të formimit të Botës së Artit, Diaghilev organizoi një ekspozitë me bojëra uji angleze dhe gjermane në Shën Petersburg në 1897, pastaj një ekspozitë të artistëve rusë dhe finlandezë në 1898. Nën redaksinë e tij nga 1899 deri në 1904, një revistë u botua me të njëjtin emër, i përbërë nga dy departamente: artistike dhe letrare (ky i fundit është i një plani fetar dhe filozofik, D. Filosofov, D. Merezhkovsky dhe Z. Gippius bashkëpunuan në të deri në hapjen e revistës së tij Rruga e Re në 1902. Pastaj drejtimi fetar dhe filozofik në revistën Mir art" ia la vendin teorisë së estetikës dhe revista në këtë pjesë u bë platformë për simbolistët e tjerë, me në krye A. Bely dhe V. Bryusov).

Në artikujt editorialë të numrave të parë të revistës, dispozitat kryesore të "Botës së Artit" për autonominë e artit, se problemet e kulturës moderne janë ekskluzivisht probleme të formës artistike dhe se detyra kryesore e artit është të edukimi i shijeve estetike të shoqërisë ruse, kryesisht përmes njohjes me veprat e artit botëror. Ne duhet t'u japim atyre detyrimin e tyre: falë Botës së Artit, arti anglez dhe gjerman u vlerësua vërtet në një mënyrë të re, dhe më e rëndësishmja, piktura ruse e shekullit të 18-të dhe arkitektura e klasicizmit të Shën Petersburgut u bënë një zbulim për shumë njerëz. “Bota e Artit” luftoi për “kritikën si art”, duke shpallur idealin e një kritiku-artisti me kulturë dhe erudicion të lartë profesional. Lloji i një kritiku të tillë u mishërua nga një nga krijuesit e Botës së Artit, A.N. Benoit. "Miriskusniki" organizoi ekspozita. I pari ishte gjithashtu i vetmi ndërkombëtar që mblodhi së bashku, përveç rusëve, artistë nga Franca, Anglia, Gjermania, Italia, Belgjika, Norvegjia, Finlanda etj. Në të morën pjesë piktorë dhe grafiste si nga Shën Petersburg ashtu edhe nga Moska. Por çarja midis këtyre dy shkollave - Shën Petersburg dhe Moskë - u përvijua pothuajse që në ditën e parë. Në mars 1903 u mbyll ekspozita e fundit, e pestë e Botës së Artit, në dhjetor 1904 u botua numri i fundit i revistës World of Art. Shumica e artistëve u transferuan në "Bashkimin e Artistëve Ruse" të organizuar në bazë të ekspozitës së Moskës "36", shkrimtarët - në revistën New Way të hapur nga grupi i Merezhkovsky, simbolistët e Moskës u bashkuan rreth revistës "Vesy", muzikantët organizuan " Mbrëmjet e muzikës bashkëkohore”, Diaghilev shkoi tërësisht në balet dhe teatër. Puna e tij e fundit domethënëse në artet pamore ishte një ekspozitë madhështore historike e pikturës ruse nga ikonografia e deri më sot në Sallonin e Vjeshtës së Parisit të vitit 1906, e ekspozuar më pas në Berlin dhe Venecia (1906-1907). Në seksionin e pikturës moderne, vendin kryesor e zinte “Bota e Artit”. Ky ishte akti i parë i njohjes pan-evropiane të "Botës së Artit", si dhe zbulimi i pikturës ruse të shekujve 18 - fillimi i 20-të. në përgjithësi për kritikën perëndimore dhe një triumf të vërtetë të artit rus.

Në vitin 1910, u bë një përpjekje për t'i dhënë frymë "Botës së Artit" (të udhëhequr nga Roerich). Në mjedisin e piktorëve në këtë kohë ka një delimitim. Benois dhe mbështetësit e tij shkëputen nga Unioni i Artistëve Ruse, Moskovitët dhe largohen nga kjo organizatë, por ata e kuptojnë se shoqata dytësore e quajtur Bota e Artit nuk ka asnjë lidhje me të parën. Benois shprehet me trishtim se "jo pajtimi nën flamurin e së bukurës është bërë tani një slogan në të gjitha sferat e jetës, por një luftë e ashpër". Lavdia u erdhi artistëve të "Botës së Artit", por "Bota e Arteve", në fakt, nuk ekzistonte më, megjithëse formalisht shoqata ekzistonte deri në fillim të viteve 1920 (1924) - me një mungesë të plotë integriteti, në mënyrë të pakufizuar. toleranca dhe fleksibiliteti i pozicioneve, duke pajtuar artistët nga Rylov në Tatlin, nga Grabar në Chagall. Si mund të mos kujtohen impresionistët këtu? Komuniteti që dikur lindi në punishten e Gleyre, në "Sallonin e të Refuzuarve", në tavolinat e kafenesë Guerbois dhe që do të kishte një ndikim të madh në të gjithë pikturën evropiane, u shpërbë gjithashtu në pragun e njohjes. Brezi i dytë i “Botës së Artit” është më pak i zënë me problemet e pikturës së kavaletit, interesat e tyre qëndrojnë tek grafika, kryesisht libri, dhe artet teatrore e dekorative, në të dyja fushat bënë një reformë të vërtetë artistike. Në gjeneratën e dytë të "Botës së Artit" kishte edhe individë të mëdhenj (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, etj.), por nuk kishte fare artistë novatorë, sepse që nga vitet 1910, "Bota e Artit" ka pushtuar valën e epigonizmit. Prandaj, kur përshkruajmë Botën e Artit, do të flasim kryesisht për fazën e parë të ekzistencës së kësaj shoqate dhe thelbin e saj - Benois, Somov, Bakst.

Artisti kryesor i "Botës së Artit" ishte Konstantin Andreevich Somov (1869-1939). Djali i kuratorit kryesor të Hermitage, i cili u diplomua në Akademinë e Arteve dhe udhëtoi nëpër Evropë, Somov mori një arsim të shkëlqyer. Pjekuria krijuese i erdhi herët, por, siç vuri në dukje me të drejtë studiuesi (V.N. Petrov), ai gjithmonë kishte një dualitet - luftën midis një instinkti të fuqishëm realist dhe një botëkuptimi të dhimbshëm emocional.

Somov, siç e njohim ne, u shfaq në portretin e artistit Martynova ("Zonja me blu", 1897-1900, Galeria Shtetërore Tretyakov), në pikturën e portretit "Jehona e kohës së kaluar" (1903, b. në hartë , aqua., gouache, Galeria Shtetërore Tretyakov ), ku krijon një karakterizim poetik të bukurisë së brishtë, anemike femërore të modeles dekadente, duke refuzuar të përcjellë shenjat reale të përditshme të modernitetit. Ai i vesh modelet me kostume të lashta, i jep pamjes së tyre tiparet e vuajtjes së fshehtë, trishtimit dhe ëndërrimit, thyerjes së dhimbshme.

Vepra të tjera të Somov janë festa baritore dhe galante ("Puthja qesharake", 1908, Muzeu Rus; "Shëtitja e Markezes", 1909, Muzeu Rus), plot ironi kaustike, zbrazëti shpirtërore, madje edhe dëshpërim. Skena dashurie nga shekulli 18 - fillimi i 19-të. jepen gjithmonë me një prekje erotike. Kjo e fundit u shfaq veçanërisht në figurinat e tij prej porcelani, kushtuar një teme - ndjekja iluzore e kënaqësisë.

Somov punoi shumë si grafik, ai projektoi monografinë e S. Diaghilev mbi D. Levitsky, esenë e A. Benois për Tsarskoe Selo. Libri, si një organizëm i vetëm me unitetin e tij ritmik e stilistik, u ngrit prej tij në një lartësi të jashtëzakonshme. Somov nuk është një ilustrues, ai "ilustron jo një tekst, por një epokë, duke përdorur një pajisje letrare si trampolinë", shkroi A.A. Sidorov, dhe kjo është shumë e vërtetë.

Udhëheqësi ideologjik i "Botës së Artit" ishte Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) - një talent jashtëzakonisht i gjithanshëm. Piktor, grafist dhe ilustrues kavaleti, artist teatri, regjisor, autor libretosh baleti, teoricien dhe historian arti, figurë muzikore, ai ishte, sipas fjalëve të A. Bely, politikani dhe diplomati kryesor i "Botës së Artit". . I ardhur nga shtresa më e lartë e inteligjencës artistike të Shën Petersburgut (kompozitorë dhe dirigjentë, arkitektë dhe piktorë), ai studioi fillimisht në fakultetin juridik të Universitetit të Shën Petersburgut. Si artist, ai është i lidhur me Somov nga prirjet stilistike dhe varësia nga e kaluara ("Jam i dehur me Versajën, kjo është një lloj sëmundjeje, dashurie, pasioni kriminal ... Unë u zhvendosa plotësisht në të kaluarën ...") . Në peizazhet e Versajës, Benois bashkoi rindërtimin historik të shekullit të 17-të. dhe përshtypjet bashkëkohore të artistit, perceptimi i tij për klasicizmin francez, gravura franceze. Prandaj përbërja e qartë, hapësira e qartë, madhështia dhe ashpërsia e ftohtë e ritmeve, kundërvënia midis madhështisë së monumenteve të artit dhe vogëlsisë së figurave njerëzore, të cilat janë vetëm staf mes tyre (seria e parë e Versajës e 1896-1898 me titull "Shëtitjet e fundit të Louis XIV"). Në serinë e dytë të Versajës (1905–1906), ironia, e cila është karakteristike edhe për fletët e para, ngjyroset me nota pothuajse tragjike (“Shëtitja e Mbretit”, c., gouache, aqua, ar, argjend, stilolaps, 1906 , Galeria Shtetërore Tretyakov). Mendimi i Benois është mendimi i një artisti teatror par excellence, që e njihte dhe e ndjente shumë mirë teatrin.

Natyra perceptohet nga Benois në një lidhje shoqëruese me historinë (pamjet e Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo, të ekzekutuara prej tij në teknikën e akuarelit).

Benois ilustruesi (Pushkin, Hoffman) është një faqe e tërë në historinë e librit. Ndryshe nga Somov, Benois krijon një ilustrim narrativ. Rrafshi i faqes nuk është qëllim në vetvete për të. Ilustrimet për Mbretëreshën e Spades ishin vepra mjaft të plota të pavarura, jo aq shumë "arti i librit", sa A.A. Sidorov, sa "art është në libër". Një kryevepër e ilustrimit të librit ishte dizajni grafik i Kalorësit të Bronztë (1903,1905,1916,1921–1922, bojë dhe bojëra uji që imitojnë punime druri me ngjyra). Në një sërë ilustrimeve për poemën e madhe, personazhi kryesor është peizazhi arkitektonik i Shën Petërburgut, tani solemnisht patetik, tani paqësor, tani i keq, kundrejt të cilit figura e Eugjenit duket edhe më e parëndësishme. Kështu e shpreh Benois konfliktin tragjik midis fatit të shtetësisë ruse dhe fatit personal të një njeriu të vogël (“Dhe gjithë natën i gjori i çmendur, / Kudo që kthente këmbët, / Kalorësi i bronztë ishte kudo me të / Me një galopoi me këmbë të rëndë”).

Veprimtaria e Benois, një kritik arti dhe historian arti, i cili, së bashku me Grabarin, përditësoi metodat, teknikat dhe temat e historisë së artit rus, është një fazë e tërë në historinë e kritikës së artit (shih "Historia e pikturës së shekullit të 19-të" nga R. Muther - vëllimi "Pikturë ruse", 1901-1902; "Shkolla ruse e pikturës", botimi i vitit 1904; "Tsarskoe Selo në mbretërimin e perandoreshës Elizabeth Petrovna", 1910; artikuj në revistat "World of Art" dhe "Vitet e vjetra", "Thesaret artistike të Rusisë", etj.).

I treti në bërthamën e "Botës së Artit" ishte Lev Samuilovich Bakst (1866-1924), i cili u bë i famshëm si artist teatri dhe ishte i pari ndër "Bota e Artit" që fitoi famë në Evropë. Ai erdhi në "Botën e Artit" nga Akademia e Arteve, më pas shpalli stilin Art Nouveau, iu bashkua tendencave majtiste në pikturën evropiane. Në ekspozitat e para të Botës së Artit, ai ekspozoi një sërë portretesh piktoreske dhe grafike (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev), ku natyra, duke ardhur në një rrjedhë gjendjesh të gjalla, u shndërrua në një lloj përfaqësimi ideal i një personi bashkëkohor. Bakst krijoi markën e revistës "World of Art", e cila u bë emblema e "Stinëve Ruse" të Diaghilev në Paris. Grafikave të Bakstit u mungojnë motivet e shekullit të 18-të. dhe temat e pasurive. Ai graviton drejt antikitetit, për më tepër, drejt arkaikut grek, të interpretuar simbolikisht. Sukses i veçantë simbolistët përdorën pikturën e tij "Tmerri i lashtë" - "Terror antiquus" (tempera, 1908, Muzeu Rus). Qielli i tmerrshëm i stuhishëm, rrufeja që ndriçon thellësitë e detit dhe qytet antik, - dhe mbi gjithë këtë katastrofë universale dominon lëvorja arkaike me një buzëqeshje misterioze të ngrirë. Së shpejti Bakst iu përkushtua plotësisht punës teatrale dhe skenografike, dhe peizazhet dhe kostumet e tij për baletet e ndërmarrjes Diaghilev, të interpretuara me një shkëlqim të jashtëzakonshëm, virtuoz, artistikisht, i sollën famë botërore. Në hartimin e tij pati shfaqje me Anna Pavlova, balet nga Fokine. Artisti bëri skena dhe kostume për Scheherazade të Rimsky-Korsakov, The Firebird të Stravinsky (të dyja 1910), Daphnis dhe Chloe të Ravelit dhe Pasditja e një Faun në muzikë nga Debussy (të dyja 1912).

Nga brezi i parë i "Botës së Artit" më i riu ishte Evgeniy Evgenievich Lansere (1875-1946), i cili në punën e tij preku të gjitha problemet kryesore të grafikës së librit të fillimit të shekullit të 20-të. (Shihni ilustrimet e tij për librin "Legjendat e kështjellave antike të Brittany", për Lermontovin, kopertinën për "Nevsky Prospekt" të Bozheryanovit etj.). Lansere krijoi një sërë bojërash uji dhe litografish të Shën Petersburgut (Ura Kalinkin, Tregu Nikolsky, etj.). Arkitektura zë një vend të madh në kompozimet e tij historike ("Perandoresha Elizaveta Petrovna në Tsarskoye Selo", 1905, Galeria Shtetërore Tretyakov). Mund të themi se në veprën e Serov, Benois, Lansere u krijua një lloj i ri i pikturës historike - është i lirë nga një komplot, por në të njëjtën kohë rikrijon në mënyrë të përsosur pamjen e epokës, ngjall shumë historike, letrare dhe estetike shoqatat. Një nga krijimet më të mira të Lansere - 70 vizatime dhe bojëra uji për L.N. "Haxhi Murad" i Tolstoit (1912-1915), të cilin Benois e konsideroi "një këngë të pavarur që përshtatet në mënyrë të përkryer me muzikën e fuqishme të Tolstoit". Gjatë epokës sovjetike, Lansere u bë një muralist i shquar.

Grafikat e Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875–1957) përfaqësojnë jo aq shumë Petersburgun e epokës Pushkin ose të shekullit të 18-të, por një qytet modern, të cilin ai ishte në gjendje ta përcillte me ekspresivitet pothuajse tragjik ("Shtëpia e Vjetër", 1905, bojëra uji , Galeria Shtetërore Tretyakov), si dhe një person - një banor i qyteteve të tilla ("Njeriu me syze", 1905–1906, pastel, Galeria Shtetërore Tretyakov: një i vetmuar, në sfondin e shtëpive të shurdhër, një njeri i trishtuar, i cili koka i ngjan një kafke). Urbanizmi i së ardhmes frymëzoi Dobuzhinsky me frikë paniku. Ai gjithashtu punoi gjerësisht në ilustrim, ku seria e tij e vizatimeve me bojë për Netët e Bardha të Dostojevskit (1922) mund të konsiderohet më e shquara. Dobuzhinsky punoi gjithashtu në teatër, i projektuar për Nemirovich-Danchenko Nikolai Stavrogin (një vënie në skenë e demonëve të Dostojevskit), dramat e Turgenev "Një muaj në vend" dhe "The Freeloader".

Nicholas Roerich (1874–1947) zë një vend të veçantë në botën e artit. Njohës i filozofisë dhe etnografisë së Lindjes, një arkeolog-shkencëtar, Roerich mori një arsim të shkëlqyer, fillimisht në shtëpi, pastaj në fakultetet juridike dhe historiko-filologjike të Universitetit të Shën Petersburgut, pastaj në Akademinë e Arteve, në punishte. të Kuinxhit, dhe në Paris në studion e F. Cormon. Herët ai fitoi autoritetin e një shkencëtari. Ai lidhej me “Botën e Artit” nga e njëjta dashuri për retrospektivë, vetëm jo të shekujve 17-18, por të lashtësisë pagane sllave dhe skandinave, me Rusinë e Lashtë; tendencat stilistike, dekorativiteti teatror ("Lajmëtari", 1897, Galeria Shtetërore Tretyakov; "Pleqtë Konvergojnë", 1898, Muzeu Rus; "Sinister", 1901, Muzeu Rus). Roerich ishte më së shumti i lidhur me filozofinë dhe estetikën e simbolizmit rus, por arti i tij nuk përshtatej në kuadrin e tendencave ekzistuese, sepse, në përputhje me botëkuptimin e artistit, u kthye, si të thuash, për të gjithë njerëzimin me një apel. për një bashkim miqësor të të gjithë popujve. Prandaj natyra e veçantë epike e pikturave të tij.

Në gjeneratën e dytë të "Botës së Artit" një nga artistët më të talentuar ishte Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927), student i Repin, i cili e ndihmoi atë në punën e tij në "Këshillin e Shtetit". Kustodiev karakterizohet gjithashtu nga stilizimi, por ky është një stilizim i printimit popullor. Që këtej rrjedhin "Panairet", "Shrovetide", "Balagany", pikturat e tij nga jeta borgjeze dhe tregtare, të përcjella me ironi të lehtë, por jo pa admiruar këto bukuroshe me faqe të kuqe, gjysmë të fjetur pas një samovari dhe me disqe në gishta të trashë ("Tregtari", 1915, Muzeu Rus; "Tregtari për çaj", 1918, Muzeu Rus).

A.Ya. Golovin është një nga artistët më të mëdhenj të teatrit të çerekut të parë të shekullit të 20-të; I. Ya. Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedev dhe të tjerët.

"Bota e Artit" ishte një lëvizje e madhe estetike në fund të shekullit, e cila rivlerësoi të gjithë kulturën moderne artistike, miratoi shije dhe probleme të reja, i ktheu artit - në nivelin më të lartë profesional - format e humbura të grafikës së librit dhe teatrit. dhe piktura dekorative, e cila fitoi njohje mbarë-evropiane me përpjekjet e tyre, krijoi kritika të reja arti, e cila promovoi artin rus jashtë vendit, në fakt, madje hapi disa nga fazat e tij, si shekulli rus i 18-të. "Bota e Artit" krijoi një lloj të ri të pikturës historike, portretit, peizazhit me veçoritë e veta stilistike (prirje të dallueshme stilistike, mbizotërim i teknikave grafike ndaj atyre pikturale, një kuptim thjesht dekorativ i ngjyrës, etj.). Kjo përcakton rëndësinë e tyre për artin rus.

Për disa "Bota e Artit", megjithatë, revolucioni i parë rus ishte një revolucion i vërtetë në botëkuptimin e tyre. Lëvizshmëria dhe aksesueshmëria e grafikës shkaktuan aktivitetin e saj të veçantë në këto vite trazirash revolucionare. U ngrit një numër i madh i revistave satirike (380 tituj u numëruan nga 1905 deri në 1917). Revista Sting shquhej për orientimin e saj revolucionar-demokratik, por forcat më të mëdha artistike u grupuan rreth Bogey dhe suplementit të tij Infernal Mail. Refuzimi i autokracisë bashkoi artistë me mendje liberale të tendencave të ndryshme. Në një nga numrat e "Bogey" Bilibin vendos një karikaturë "Gomari në madhësi 1/20 natyrale": në një kornizë me atribute fuqie dhe lavdie, ku zakonisht vendosej imazhi i mbretit, vizatohet një gomar. Lansere në vitin 1906 shtyp karikaturën "Festa": gjeneralët caristë në një festë të zymtë nuk dëgjojnë të këndojnë, por ushtarët ulëritës që qëndrojnë në vëmendje. Dobuzhinsky në foton "Idili i Tetorit" i mbetet besnik temës qytet modern, në këtë qytet shpërthejnë vetëm shenja ogurzeza ngjarjesh: një dritare e thyer nga një plumb, një kukull e shtrirë, syze dhe një njollë gjaku në mur dhe në trotuar. Kustodiev bëri një sërë karikaturash të carit dhe gjeneralëve të tij dhe portrete të ministrave caristë, Witte, Ignatiev, Dubasov dhe të tjerë, të jashtëzakonshëm në mprehtësinë dhe ironinë e tyre keqdashëse, të cilët ai i studioi aq mirë duke ndihmuar Repin në punën e tij për shtetin. Këshilli. Mjafton të thuhet se Witte nën dorën e tij shfaqet si një klloun befasues me një flamur të kuq në njërën dorë dhe flamurin mbretëror në tjetrën.

Por më ekspresive në grafikat revolucionare të atyre viteve duhet të njihen si vizatimet e V.A. Serov. Pozicioni i tij ishte mjaft i përcaktuar gjatë revolucionit të vitit 1905. Revolucioni solli në jetë një seri të tërë karikaturash të Serovit: “1905. Pas Pacifikimit” (Nikola II, me raketë nën krah, shpërndan kryqet e Shën Gjergjit për shtypësit); “Të korrat” (pushkat vendosen në duaj në fushë). Përbërja më e famshme në këtë serial është “Ushtarë, fëmijë trima! Ku është lavdia jote? (1905, Muzeu Rus). Pozicioni qytetar i Serovit, aftësia, vëzhgimi dhe lakonizmi i tij i urtë si hartues u shfaq plotësisht këtu. Serov përshkruan fillimin e sulmit të Kozakëve ndaj demonstruesve më 9 janar 1905. Në sfond, demonstruesit jepen në një masë të përgjithshme; përpara, në skajin e fletës, ka figura të mëdha individuale të kozakëve, dhe midis të parës dhe sfondit, në qendër, një oficer që i thërret ata të sulmojnë me kalë, me një saber të tërhequr. Emri, si të thuash, përmban të gjithë ironinë e hidhur të situatës: ushtarët rusë morën armët kundër popullit të tyre. Kështu ishte, dhe kështu kjo ngjarje tragjike u pa jo vetëm nga Serov nga dritarja e punishtes së tij, por edhe (le të themi figurativisht) nga thellësia e ndërgjegjes liberale të inteligjencës ruse në tërësi. Artistët rusë që simpatizuan revolucionin e vitit 1905 nuk e dinin se çfarë kataklizmash të historisë kombëtare ishin në prag. Duke marrë anën e revolucionit, ata preferuan, duke folur relativisht, një bombardues terrorist (nga trashëgimtarët e nihilistëve-raznochintsy, "me aftësitë e tyre në luftën politike dhe indoktrinimi ideologjik i shtresave të gjera të shoqërisë, ”sipas përkufizimit të saktë të një historiani) polici, që qëndron në mbrojtjen e rendit. Ata nuk e dinin se "rrota e kuqe" e revolucionit do të fshinte jo vetëm autokracinë që ata urrenin, por të gjithë mënyrën e jetës ruse, të gjithë kulturën ruse, të cilës i shërbenin dhe që ishte e dashur për ta.

Në vitin 1903, siç u përmend tashmë, u ngrit një nga shoqatat më të mëdha të ekspozitës së fillimit të shekullit, Unioni i Artistëve Ruse. Në fillim, pothuajse të gjitha figurat e shquara të "Botës së Artit" hynë në të - Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, Vrubel, Borisov-Musatov ishin pjesëmarrës në ekspozitat e para. Iniciatorët e krijimit të shoqatës ishin artistë të Moskës të lidhur me "Botën e Artit", por të rënduar nga estetika programore e Petersburgasve. Fytyra e "Bashkimit" u përcaktua kryesisht nga piktorët e Moskës të drejtimit Itinerant, studentët e Shkollës së Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë, trashëgimtarët e Savrasov, studentët e Serov dhe K. Korovin. Shumë ekspozuan në të njëjtën kohë në ekspozita udhëtuese. Ekspozuesit e "Bashkimit" ishin artistë të botëkuptimeve të ndryshme: S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, vëllezërit Korovin, L. Pasternak. Punët organizative ishin në krye të A.M. Vasnetsov, S.A. Vinogradov, V.V. Lidhës. Shtyllat e përhumbur V.M. Vasnetsov, Surikov, Polenov ishin anëtarët e saj. K. Korovin konsiderohej udhëheqës i “Bashkimit”.

Peizazhi kombëtar, pikturat e pikturuara me dashuri të Rusisë fshatare, është një nga zhanret kryesore të artistëve të Unionit, në të cilin "impresionizmi rus" u shpreh në një mënyrë të veçantë, me motivet e tij kryesisht rurale dhe jo urbane. Pra, peizazhet e I.E. Grabar (1871-1960) me gjendjen e tyre lirike, me nuancat më të bukura piktoreske që pasqyrojnë ndryshime të menjëhershme në natyrën e vërtetë, është një lloj paralele në tokën ruse me peizazhin impresionist francez ("Snow shtatori", 1903, Galeria Shtetërore Tretyakov). Në automonografinë e tij, Grabar kujton këtë peizazh të thjeshtë: “Speksioni i borës me gjeth të verdhë të ndezur ishte aq i papritur dhe në të njëjtën kohë aq i bukur sa u vendosa menjëherë në tarracë dhe pikturova ... një foto në tre ditë. ” Interesi i Grabarit për zbërthimin e ngjyrës së dukshme në ngjyrat spektrale dhe të pastra të paletës e bën atë të lidhur edhe me neo-impresionizmin, me J. Seurat dhe P. Signac ("Mars Snow", 1904, Galeria Shtetërore Tretyakov). Loja e ngjyrave në natyrë, efektet komplekse koloristike bëhen objekt i studimit të ngushtë të "Aleatëve", të cilët krijojnë në telajo një botë figurative piktoreske dhe plastike, pa rrëfim dhe ilustrim.

"Aleatët", ndryshe nga Peterburgerët - grafistët e "Botës së Artit" - janë kryesisht piktorë me një sens të shtuar dekorativ të ngjyrave. Një shembull i shkëlqyer i kësaj janë pikturat e F.A. Malyavin.

Midis pjesëmarrësve të "Bashkimit" kishte artistë që ishin afër "Botës së Artit" nga vetë tema e krijimtarisë. Pra, K.F. Yuon (1875-1958) u tërhoq nga pamja e qyteteve të lashta ruse, panorama e Moskës së vjetër. Por Yuon është larg nga admirimi estetik i motiveve të së kaluarës, peizazhit arkitektonik fantazmë. Këto nuk janë parqe të Versajës dhe barok Tsarskoye Selo, por arkitektura e Moskës së vjetër në maskën e saj të pranverës ose dimrit. Fotografitë e natyrës janë plot jetë, ata ndjejnë një përshtypje natyrore, nga e cila artisti u zmbraps kryesisht (Dielli i Marsit, 1915, Galeria Shtetërore Tretyakov; Trinity Lavra në dimër, 1910, Muzeu Rus). Gjendjet delikate të ndryshimit të natyrës përshkruhen në peizazhet e një anëtari tjetër të Soyuz dhe në të njëjtën kohë një anëtar i Shoqatës ekspozita udhëtuese- S.Yu. Zhukovsky (1873-1944): pafundësia e qiellit, ndryshimi i ngjyrës së tij, lëvizja e ngadaltë e ujit, shkëndija e dëborës nën hënë ("Nata e dritës së hënës", 1899, Galeria Shtetërore Tretyakov; "Diga", 1909, Shteti Ruse Muzeu). Shpesh ai ka edhe motivin e një pasurie të braktisur.

Në pikturën e piktorit të shkollës së Shën Petersburgut, një anëtar besnik i "Unionit të Artistëve Rus" A.A. Rylov (1870-1939), "Zhurma e Gjelbër" (1904), mjeshtri arriti të përcjellë, si të thuash, frymën e një ere të freskët, nën të cilën pemët lëkunden dhe velat fryhen. Ka disa parandjenja të gëzueshme dhe shqetësuese në të. Këtu ndikuan edhe traditat romantike të mësuesit të tij Kuindzhi.

Në tërësi, Aleatët gravituan jo vetëm drejt studimeve të thjeshta, por edhe drejt formave pikturale monumentale. Nga viti 1910, koha e ndarjes dhe formimit dytësor të "Botës së Artit", në ekspozitat e "Unionit" mund të shihej një peizazh intim (Vinogradov, Petrovichev, Yuon, etj.), Duke pikturuar afër divizionizmit francez. (Grabar, Larionov i hershëm) ose simbolikë e afërt (P. Kuznetsov, Sapunov, Sudeikin); morën pjesë edhe artistët e "Botës së Artit" të Diaghilev - Benois, Somov, Bakst, Lansere, Dobuzhinsky.

Vitet midis dy revolucioneve karakterizohen nga intensiteti i kërkimeve krijuese, ndonjëherë duke përjashtuar drejtpërdrejt njëri-tjetrin. Në 1907, në Moskë, revista Golden Fleece organizoi ekspozitën e vetme të artistëve pas Borisov-Musatov, të quajtur Trëndafili Blu. P. Kuznetsov u bë artisti kryesor i Trëndafilit Blu. Rreth tij gjatë viteve të studimit u grupuan M. Saryan, N. Sapunov, S. Sudeikin, K. Petrov-Vodkin, A. Fonvizin, skulptori A. Matveev. "Arinjtë Blu" janë më afër simbolizmit, i cili u shpreh kryesisht në "gjuhën" e tyre: paqëndrueshmëria e humorit, muzikaliteti i paqartë, i papërkthyeshëm i shoqatave, përsosja e marrëdhënieve të ngjyrave. Në artin rus, simbolika ka shumë të ngjarë të formohet në letërsi; në vitet e para të shekullit të ri, emra të tillë si A. Blok, A. Bely, V. Ivanov, S. Solovyov tashmë tingëlluan. Elementë të veçantë të "simbolizmit piktural" u shfaqën gjithashtu në veprën e Vrubel, siç u përmend tashmë, Borisov-Musatov, Roerich, Chiurlionis. Në pikturën e Kuznetsov dhe bashkëpunëtorëve të tij, kishte shumë pika kontakti me poetikën e Balmont, Bryusov, Bely, vetëm ato u lidhën me simbolikën përmes operave të Wagner, dramave të Ibsen, Hauptmann dhe Maeterlinck. Ekspozita "Trëndafili Blu" ishte një lloj sinteze: në të performuan poetë simbolistë, u shfaq muzika moderne. Platforma estetike e pjesëmarrësve të ekspozitës pati një efekt edhe në vitet në vijim, dhe emri i kësaj ekspozite u bë një emër i njohur për një prirje të tërë në art në gjysmën e dytë të viteve 900. E gjithë veprimtaria e "Trëndafilit Blu" mban gjithashtu gjurmën më të fortë të ndikimit të stilit Art Nouveau (stilizim rrafsh-dekorativ i formave, ritme të çuditshme lineare).

Veprat e Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878-1968) pasqyrojnë parimet themelore të Arinjve Blu. Vepra e tij mishëron konceptin neo-romantik të "qartësisë së bukur" (shprehje e poetit M. Kuzmin). Kuznetsov krijoi një panel-fotografi dekorative në të cilën ai kërkoi të abstragonte nga konkretiteti i përditshëm, të tregonte unitetin e njeriut dhe natyrës, stabilitetin e ciklit të përjetshëm të jetës dhe natyrës, lindjen e shpirtit njerëzor në këtë harmoni. Prandaj dëshira për forma monumentale të pikturës, ëndërrimtare-kontemplative, e pastruar nga çdo gjë e çastit, universale, nota të përjetshme, një dëshirë e vazhdueshme për të përcjellë spiritualitetin e materies. Një figurë është vetëm një shenjë që shpreh një koncept; ngjyra shërben për të përcjellë ndjenjat; ritëm - për të futur në një botë të caktuar ndjesish (si në pikturën e ikonave - një simbol i dashurisë, butësisë, pikëllimit, etj.). Prandaj pritja e një shpërndarje uniforme të dritës në të gjithë sipërfaqen e kanavacës si një nga themelet e efektit dekorativ të Kuznetsov. Serov tha se natyra e P. Kuznetsov "merr frymë". Kjo shprehet në mënyrë të përkryer në suitat e tij Kirgize (Stepë) dhe Buhara, në peizazhet e Azisë Qendrore. (“Fjetja në vathë delesh” e vitit 1911, siç shkruan A. Rusakova, studiuese e veprës së Kuznetsovit, është një imazh i një bote ëndërrimtare stepë, paqeje, harmonie. Gruaja e paraqitur nuk është një person specifik, por një grua kirgize në gjeneral, shenjë e racës mongole.) Qielli i lartë, shkretëtira e pakufishme, kodrat e buta, tendat, tufat e deleve krijojnë një imazh të një idili patriarkale. Ëndrra e përjetshme, e paarritshme e harmonisë, e shkrirjes së njeriut me natyrën, e cila në çdo kohë shqetësonte artistët (Mirage in the Steppe, 1912, Galeria Shtetërore Tretyakov). Kuznetsov studioi teknikat e pikturës së lashtë ruse të ikonave, Rilindjes së hershme italiane. Ky apel për traditat klasike të artit botëror në kërkim të stilit të vet madhështor, siç është vënë në dukje saktë nga studiuesit, ishte me rëndësi thelbësore në një periudhë kur çdo traditë shpesh mohohej fare.

Ekzotizmi i Lindjes - Irani, Egjipti, Turqia - mishërohet në peizazhet e Martiros Sergeevich Saryan (1880-1972). Lindja ishte një temë e natyrshme për artistin armen. Saryan krijon në pikturën e tij një botë plot dekorativitet të ndritshëm, më pasionante, më tokësore se ajo e Kuznetsovit dhe zgjidhja piktoreske bazohet gjithmonë në marrëdhënie ngjyrash të kundërta, pa nuanca, në krahasim të mprehtë në hije ("Date Palm, Egjipt", 1911 , harta. , tempera, GTG). Vini re se veprat orientale të Saryan me kontrastet e tyre të ngjyrave shfaqen para veprave të Matisse, të krijuara prej tij pas udhëtimit në Algjeri dhe Marok.

Imazhet e Saryan janë monumentale për shkak të përgjithësimit të formave, planeve të mëdha shumëngjyrëshe, lapidaritetit të përgjithshëm të gjuhës - ky është, si rregull, një imazh i përgjithësuar i Egjiptit, qoftë Persia, Armenia vendase, duke ruajtur natyralitetin jetësor, si nëse shkruhet nga jeta. Kanavacat dekorative të Saryan janë gjithmonë të gëzuara, ato korrespondojnë me idenë e tij për krijimtarinë: "... një vepër arti është vetë rezultati i lumturisë, domethënë puna krijuese. Rrjedhimisht, ajo duhet të ndezë flakën e djegies krijuese te shikuesi, të kontribuojë në identifikimin e dëshirës së tij natyrore për lumturi dhe liri.

Kuznetsov dhe Saryan krijuan një imazh poetik të një bote plot ngjyra dhe të pasur në mënyra të ndryshme, njëra bazuar në traditat e artit të ikonave të lashta ruse, tjetra në miniaturat e lashta armene. Gjatë periudhës së Trëndafilit Blu, ata u bashkuan edhe nga një interes për motivet dhe tendencat simbolike orientale. Një perceptim impresionist i realitetit nuk ishte karakteristik për artistët e Trëndafilit Blu.

“Goluborozitët” punuan shumë dhe frytdhënës në teatër, ku ranë në kontakt të ngushtë me dramaturgjinë e simbolizmit. N.N. Sapunov (1880–1912) dhe S.Yu. Sudeikin (1882-1946) projektoi dramat e M. Maeterlinck, një Sapunov - G. Ibsen dhe "Balaganchik" të Blokut. Sapunov gjithashtu e transferoi këtë fantazi teatrale, stilizimin lubok të panairit në veprat e tij të kavaletit, natyra të gjalla dekorative me lule letre në vazo të hollë prej porcelani ("Peonies", 1908, tempera, Galeria Shtetërore Tretyakov), në skena të zhanrit grotesk në të cilat realiteti përzihet me fantazmagorinë (“Maskarade”, 1907, Galeria Shtetërore Tretyakov).

Në vitin 1910, një numër artistësh të rinj - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova dhe të tjerë - u bashkuan në organizatën Jack of Diamonds, e cila kishte statutin e vet, organizoi ekspozita dhe botoi koleksionet e veta të artikujve. "Jack of Diamonds" ekzistonte në të vërtetë deri në vitin 1917. Meqenëse postimpresionizmi, kryesisht Cezanne, ishte një "reagim ndaj impresionizmit", kështu që "Jack of Diamonds" kundërshtoi paqartësinë, papërkthyeshmërinë, nuancat më delikate të gjuhës simbolike të " Trëndafili blu” dhe stilizmi estetik i “Botës së Artit”. "Trapa e Diamanteve", e rrëmbyer nga materialiteti, "materialiteti" i botës, shpalli një ndërtim të qartë të tablosë, theksoi objektivitetin e formës, intensitetit, plotësinë e ngjyrës. Nuk është rastësi që jeta e qetë bëhet një zhanër i preferuar i "Valetovitëve", ashtu siç peizazhi bëhet një zhanër i preferuar i anëtarëve të Unionit të Artistëve Ruse. Ilya Ivanovich Mashkov (1881-1944) në jetën e tij të qetë ("Kumbulla blu", 1910, Galeria Shtetërore Tretyakov; "Një jetë e qetë me Camellia", 1913, Galeria Shtetërore Tretyakov) shpreh plotësisht programin e kësaj shoqate, siç Pyotr Petrovich Konchalovsky ( 1876-1956) - në portrete (portreti i G. Yakulov, 1910, Muzeu Rus; "Matador Manuel Hart", 1910, Galeria Shtetërore Tretyakov). Hollësitë në përcjelljen e ndryshimit të gjendjeve shpirtërore, psikologizmi i karakteristikave, nënvlerësimi i gjendjeve, çmaterializimi i pikturës së "Bartësve të kaltër", poezia e tyre romantike hidhen poshtë nga "valetovitët". Ato kundërshtohen nga festa thuajse spontane e ngjyrave, shprehja e vizatimit të konturit, mënyra e gjerë e të shkruarit me lëng paste, të cilat përcjellin një vizion optimist të botës, duke krijuar një humor pothuajse farsë, katror. Konchalovsky dhe Mashkov në portretet e tyre japin një karakterizim të gjallë, por njëdimensional, duke e mprehur një tipar pothuajse deri në pikën e groteskut; në jetën e qetë, ata theksojnë rrafshin e kanavacës, ritmin e njollave me ngjyra ("Agave", 1916, Galeria Shtetërore Tretyakov, - Konchalovsky; portret i një zonje me një fazan, 1911, Muzeu Rus, - Mashkov). "Thaka e diamanteve" lejon thjeshtime të tilla në interpretimin e formës, të cilat janë të ngjashme me një printim popullor, një lodër popullore, pllaka pikture, një tabelë. Dëshira për primitivizëm (nga latinishtja primitivus - primitive, fillestare) u shfaq në artistë të ndryshëm që imituan format e thjeshtuara të artit të të ashtuquajturave epoka primitive - fise dhe kombësi primitive - në kërkim të fitimit të menjëhershmërisë dhe integritetit të perceptimit artistik. "Jack of Diamonds" i tërhoqi perceptimet e tij nga Cezanne (prandaj nganjëherë emri "Cezanneism rus"), ose më mirë, nga versioni dekorativ i Cezanneism - Fauvism, aq më tepër - nga kubizmi, madje edhe nga futurizmi; nga kubizmi "zhvendosja" e formave, nga futurizmi - dinamika, modifikime të ndryshme të formës, si në pikturën "Unaza. Kambanorja e Ivanit të Madh” (1915, Galeria Shtetërore Tretyakov) nga A.V. Lentulov (1884–1943). Lentulov krijoi një imazh shumë ekspresiv, të ndërtuar mbi motivin e arkitekturës së vjetër, harmonia e së cilës prishet nga perceptimi nervor, i mprehtë i njeriut modern, për shkak të ritmeve industriale.

Portrete P.P Falk (1886-1958), i cili i qëndroi besnik kubizmit në kuptimin dhe interpretimin e formës (nuk është më kot që flasin për "kubizmin lirik" të Falk-ut), u zhvillua në harmoni delikate ngjyra-plastike që përcjellin një gjendje të caktuar të modelit.

Në natyrat e qeta dhe peizazhet e A. V. Kuprin (1880-1960), ndonjëherë shfaqet një notë epike, ka një tendencë për përgjithësim ("Faturë e qetë me një kungull, një vazo dhe xhufkë", 1917, Galeria Shtetërore Tretyakov, e quajtur me të drejtë nga studiuesit “një poezi që lavdëron veglat e piktorit”) . Fillimi dekorativ i Kuprinit kombinohet me një pasqyrë analitike në natyrë.

Thjeshtimi ekstrem i formës, lidhja e drejtpërdrejtë me artin e sinjalistikës vihet re veçanërisht te M.F. Larionov (1881-1964), një nga themeluesit e "Jack of Diamonds", por tashmë në 1911 u nda me të dhe organizoi ekspozita të reja: "Bishti i gomarit" dhe "Target". Larionov pikturon peizazhe, portrete, natyra të qeta, punon si artist teatri i ndërmarrjes Diaghilev, pastaj kthehet në pikturën e zhanrit, tema e tij është jeta e një rruge provinciale, kazermat e ushtarëve. Format janë të sheshta, groteske, sikur të stilizuara qëllimisht si vizatim i një fëmije, printe popullore apo tabelë. Më 1913, Larionov botoi librin e tij "Luchism" - në fakt, i pari nga manifestet e artit abstrakt, krijuesit e vërtetë të të cilit në Rusi ishin V. Kandinsky dhe K. Malevich.

Artisti N.S. Goncharova (1881–1962), gruaja e Larionovit, zhvilloi të njëjtat prirje në pikturat e saj të zhanrit, kryesisht në një temë fshatare. Në vitet në shqyrtim, në punën e saj, më dekorative dhe plot ngjyra se arti i Larionov, monumental në forcën dhe lakonizmin e tij të brendshëm, ndihet fort një pasion për primitivizmin. Duke përshkruar veprën e Goncharova dhe Larionov, shpesh përdoret termi "neo-primitivizëm". Gjatë këtyre viteve pranë tyre janë A. Shevchenko, V. Chekrygin, K. Malevich, V. Tatlin, M. Chagall për nga botëkuptimi artistik, kërkimi i një gjuhe shprehëse. Secili prej këtyre artistëve (përjashtimi i vetëm është Chekrygin, i cili vdiq shumë herët) shpejt gjeti rrugën e tij krijuese.

M.Z. Chagall (1887–1985) krijoi fantazi të transformuara nga përshtypjet e mërzitshme të jetës së qytetit të vogël të Vitebsk dhe të interpretuara në një frymë naive-poetike dhe groteske-simbolike. Me hapësirën surreale, ngjyra të ndritshme, primitivizimin e qëllimshëm të formës, Chagall rezulton të jetë afër ekspresionizmit perëndimor dhe artit popullor primitiv ("Unë dhe fshati", 1911, Muzeu i Artit Bashkëkohor, Nju Jork; "Mbi Vitebsk", 1914 , koll. Zak. Toronto; "Dasma", 1918, Galeria Shtetërore Tretyakov).

Shumë nga mjeshtrit e përmendur më lart, afër Jack of Diamonds, ishin anëtarë të organizatës së Shën Petersburgut Youth Union, e cila u formua pothuajse njëkohësisht me Jack of Diamonds (1909). Përveç Chagall, në Soyuz ekspozuan P. Filonov, K. Malevich, V. Tatlin, Yu. Annenkov, N. Altman, D. Burliuk, A. Exter dhe të tjerë. Në të rolin kryesor e luajti L. Zheverzheev. Ashtu si "valetovtsy", anëtarët e "Bashkimit të Rinisë" botuan koleksione teorike. Deri në rënien e shoqatës në 1917. "Bashkimi i Rinisë" nuk kishte një program të caktuar, duke rrëfyer simbolikën dhe kubizmin, dhe futurizmin dhe "joobjektivitetin", por secili prej artistëve kishte fytyrën e tij krijuese.

Më e vështira për t'u karakterizuar P.N. Filonov (1883–1941). D. Sarabyanov e përkufizoi saktë veprën e Filonov si "të vetmuar dhe unike". Në këtë kuptim, ai me të drejtë e vendos artistin në të njëjtin nivel me A. Ivanov, N. Ge, V. Surikov, M. Vrubel. Sidoqoftë, figura e Filonov, pamja e tij në rusisht kulturës artistike 10 të shekullit XX. natyrore. Me fokusin e tij në “një lloj lëvizjeje vetëzhvilluese të formave” (D. Sarabyanov), Filonov është më afër futurizmit, por ai është larg tij me problemet e punës së tij. Përkundrazi, është më afër jo me piktoresk, por me futurizmin poetik të Khlebnikov me kërkimin e tij për kuptimin origjinal të fjalës. "Shpesh duke filluar të pikturojë një pikturë nga çdo skaj, duke transferuar ngarkesën e tij krijuese në forma, Filonov u jep atyre jetë dhe më pas, sikur jo me vullnetin e artistit, por me lëvizjen e tyre, ato zhvillohen, ndryshojnë, rinovohen. , rriten. Ky vetë-zhvillim i formave nga Filonov është vërtet i mahnitshëm” (D. Sarabyanov).

Arti i viteve para-revolucionare në Rusi karakterizohet nga kompleksiteti dhe mospërputhja e jashtëzakonshme e kërkimeve artistike, pra grupimet e njëpasnjëshme me cilësimet e tyre programore dhe simpatitë stilistike. Por së bashku me eksperimentuesit në fushën e formave abstrakte në artin rus të asaj kohe, "Bota e Artit" dhe "Goluborozitët", "aleatët", "thika e diamanteve" vazhduan të funksionojnë në të njëjtën kohë. një rrymë e fuqishme rrymash neoklasike, shembull i së cilës mund të jetë puna e një anëtari aktiv të "Artit Mir" në "gjeneracionin e dytë" të tij Z.E. Serebryakova (1884–1967). Në kanavacat e saj të zhanrit poetik me vizatimin e tyre lakonik, modelimin plastik dukshëm sensual dhe ekuilibrin e kompozicionit, Serebryakova vjen nga traditat e larta kombëtare të artit rus, kryesisht Venetsianov dhe akoma më tej nga arti i lashtë rus ("Fshatarët", 1914, Muzeu Rus; "Harvest", 1915 , Muzeu i Artit Odessa; "Zbardhja e kanavacës", 1917, Galeria Shtetërore Tretyakov).

Më në fund, dëshmi e shkëlqyer e vitalitetit të traditave kombëtare, pikturës së madhe të lashtë ruse, është vepra e Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878–1939), një artist-mendimtar që më vonë u bë mjeshtri më i shquar i artit të periudhës sovjetike. Në pikturën e famshme Bathing the Red Horse (1912, e Premte), artisti iu drejtua një metafore figurative. Siç u vu re saktë, i riu mbi një kalë të kuq të ndezur ngjall shoqata me imazhin popullor të Shën Gjergjit Fitimtar ("Saint Yegory") dhe siluetën e përgjithësuar, përbërjen ritmike, kompakte, ngopjen e njollave me ngjyra të kundërta. tingulli në fuqi të plotë dhe rrafshimi në interpretimin e formave çojnë në kujtim të një ikone të lashtë ruse. Një imazh i ndriçuar në mënyrë harmonike është krijuar nga Petrov-Vodkin në pikturën monumentale "Vajzat në Vollgë" (1915, Galeria Shtetërore Tretyakov), në të cilën ai gjithashtu ndjen orientimin e tij drejt traditave të artit rus, duke e çuar mjeshtrin në një kombësi të vërtetë.

Piktura ruse e XX-it të vonë në fillim të XX

Dërgoni punën tuaj të mirë në bazën e njohurive është e thjeshtë. Përdorni formularin e mëposhtëm

Dokumente të ngjashme

Artikuj të ngjashëm