Asamblare(asamblare franceză - conectare, asamblare, instalare)

Un tip de operă de artă contemporană sau un artefact, care este o compoziție tridimensională compusă din orice obiecte utilitare sau părți și fragmente ale acestora și/sau obiecte special create și închise în spațiul unei cutii sau cutii. EXPRESIONISM ABSTRACT Expresionismul abstract Etapa postbelică (sfârșitul anilor 40-50 ai secolului XX) în dezvoltarea artei abstracte. . În 1929, americanul Barr (A.N. Wagg) l-a folosit pentru a caracteriza lucrările timpurii ale lui Kandinsky, iar în 1947 a numit lucrările lui de Kooning și Pollock „expresioniste abstracte”. De atunci, conceptul de A. e. consolidat în spatele unui câmp destul de larg, pestriț stilistic și tehnic pictura abstracta(și mai târziu sculptura), care a primit o dezvoltare rapidă în anii '50. în SUA, în Europa și apoi în toată lumea. Strămoșii direcți ai lui A. e. sunt considerați Kandinsky timpurii. „Pictură de acțiune”În cadrul abstracționismului american a fost dezvoltată așa-numita „pictură fără formă” a lui Jackson Polok, care a considerat că procesul de creativitate este valoros în sine, iar rezultatul nu a fost important, având sens doar ca amintire a proces creativ rămânând pe pânză. Revenind la primitiv, Polok a transformat pictura în dansul sacru al artistului. Polok a atârnat pânza pe perete sau a așezat-o pe podea, „efectuând” un anumit ritual șamanic în jurul ei, artistul, în cuvintele sale, „a intrat în interiorul tabloului”. A dezvoltat o tehnică numită dripping, care consta în pulverizarea vopselelor dintr-o cutie (paralela franceză – „tachisme” – pictura cu pete.) Metoda artistică a lui Polock a fost numită „pictură de acțiune” în Anglia. În 1952, la o expoziție la Paris, pictura sa a făcut o mare impresie asupra criticilor dornici de un alt cuvânt nou. Mulți au contestat însă originalitatea tehnicii lui Polock, văzând ceva similar în imaginile lui Hartung din 1922. ABSTRACŢIONISM Abstracționismul, arta non-obiectivă, o tendință modernistă care a abandonat fundamental reprezentarea obiectelor reale în pictură, sculptură și grafică. Arta abstractă a apărut în 1910-1913 în timpul stratificării cubismului, expresionismului și futurismului.Primele sale mostre au fost create de V. V. Kandinsky, care a lucrat în Germania, francezul R. Delaunay, spaniolul F. Picabia, cehul F. Kupka, iar unii futuriști italieni (W. Boccioni și alții), în Rusia - K. S. Malevich, M. F. Larionov și N. S. Goncharova, în Olanda - reprezentanți ai neoplasticismului (P. Mondrian, T. van Dusburgh și alții). Ucraineanul A.P. Archipenko, românul K. Brynkushi și alții care au lucrat la Paris s-au orientat ulterior către experimente de sculptură abstractă. După primul război mondial din 1914-18, tendințele artei abstracte s-au manifestat adesea atât în ​​lucrări individuale, cât și în arhitectură, artă decorativă, design... AVANGUARDĂ RUSĂ Avangarda rusă a anilor 1910 prezintă o imagine destul de complexă. Se caracterizează printr-o schimbare rapidă a stilurilor și a tendințelor, o abundență de grupuri și asociații de artiști, fiecare dintre care și-a proclamat propriul concept de creativitate. Ceva similar s-a întâmplat în pictura europeană la începutul secolului. Cu toate acestea, amestecul de stiluri, „mizeria” curentelor și direcțiilor erau necunoscute Occidentului, unde mișcarea către forme noi era mai consistentă. Mulți maeștri ai tinerei generații cu o rapiditate extraordinară au trecut de la stil la stil, de la scenă la scenă, de la impresionism la modernitate, apoi la primitivism, cubism sau expresionism, trecând prin multe etape, ceea ce era complet atipic pentru maeștrii picturii franceze sau germane. . Situația care s-a dezvoltat în pictura rusă s-a datorat în mare măsură atmosferei pre-revoluționare din țară. Ea a exacerbat multe dintre contradicțiile care erau inerente întregii arte europene în ansamblu, pentru că. Artiștii ruși au studiat pe modele europene, erau bine familiarizați cu diverse școli și tendințe picturale. Un fel de „explozie” rusă în viața artistică a jucat astfel un rol istoric. Până în 1913 era arta rusă a atins noi frontiere si orizonturi. A apărut un fenomen complet nou de non-obiectivitate - o linie dincolo de care cubiștii francezi nu au îndrăznit să o treacă. Rând pe rând trec această linie: Kandinsky V.V. Larionov M.F. Malevici K.S. Filonov P.N. Tatlin V.E. Și-au testat puterea: Altman N.I. Glebova T. Goncharova N.S. Konchalovsky P.P. Kuprin A. Lentulov A.V. Mashkov I.I. Puni I.A. Rodcenko A.M. Rozanova O.V. Falk R.R. Chagall M.Z. Exter A.A. În câțiva ani, tehnologia și arta, arta și știința se vor îmbina în opera lui Tatlin. Va spune: „... Cele mai estetice forme sunt cele mai economice. Lucrarea la proiectarea materialului în această direcție este cea mai artă.” Va fi în 1932, când se vor forma noi principii estetice pe baza muncii multor artiști de avangardă. STOC Acțiune (sau artă de acțiune) Un concept generalizat pentru desemnarea practicilor dinamice, procedurale ale artei contemporane (practica artei), POST-cultură (vezi: POST-), în care accentul este mutat de la rezultatul activității artistice la procesul acesteia. Primele A. au fost realizate de dadaiști (vezi: Dada) și suprarealişti (vezi: Suprarealism) încă din anii 1910-1925. și erau, de regulă, de natură sfidător scandaloasă și deconstructivă. Următoarea etapă în transferul conștient al atenției artistului (și, într-o oarecare măsură, a privitorului) de la operă la procesul de creare a acesteia a fost pictura de acțiune, cel mai mare reprezentant al căruia a fost Jackson Pollock. Procesul spontan de vărsare sau stropire a vopselelor pe pânză, care era controlat exclusiv de impulsurile subconștiente profunde ale artistului (vezi: Automatism), a venit aici în prim-plan. Poza care a apărut în sine a fost considerată doar ca un document care confirmă faptul comisiei.

ART DECO ART DECO(art deco franceză, prescurtat de la art „decoratif) - o tendință stilistică în arta țărilor occidentale. Europa și America trimestrul 2. Secolului 20 Și-a luat numele de la Expoziția Internațională de Arte și Industrie Decorative (Paris, 1925), care a fost punctul de plecare pentru distribuția și dezvoltarea sa. O combinație de forme ponderate monumentale cu ornamente sofisticate este caracteristică AD. Centrele AD au fost Franța și SUA. A.D. a combinat elemente ale stilului Art Nouveau. cubismul și expresionismul, au folosit trăsăturile expresive ale designului tehnic avansat (în principal materialele și stilul „formelor raționalizate” la modă împrumutate de la cele mai recente modele de mașini și locomotive). Dezvoltarea sa a fost influențată semnificativ de noile descoperiri ale monumentelor spectaculoase ale artei egiptene antice (inclusiv mormântul lui Tutankhamon, 1922) și civilizațiile antice ale Americii, precum și stilul scenografiei inovatoare din anii 1910-1920. A.D. s-a manifestat cel mai pe deplin în proiectarea și decorarea interioarelor hotelurilor la modă, cluburilor, saloanelor, navelor maritime și clădirilor reprezentative ale marilor afaceri, care au inclus diverse tipuri de lucrări de sculptură, pictură și tot felul de lucrări de finisare. De asemenea, AD a fost reprezentată de produse aplicate ale caselor de modă, publicitate, grafică industrială și de reviste etc. Cele mai mari lucrări sunt Chrysler Building (New York, 1928-1930, arhitect Van Elen) și Rockefeller Center (New York, 1931-1940). , arhitect B. W. Morris). ARTEPOVERA Arte povera (italiană arte povera - artă săracă) O direcție care a prins oficial contur în arta italiană (la Torino) la sfârșitul anilor 60 - începutul anilor. anii 70 și a primit destul utilizare largăîn alte țări europene, deși artefacte asemănătoare ca spirit cu A. p. au mai apărut în arta europeană (lucrările artistei germane Eva Hesse sau ale grecului Vlasio Kapiaris, de exemplu etc.). Se bazează pe crearea de obiecte. și instalații din obiecte simple ale vieții de zi cu zi, ridicate la gropile de gunoi și aparținând, de regulă, vieții de zi cu zi a categoriilor mai sărace ale populației - genți, funii, haine și încălțăminte vechi uzate, ustensile de uz casnic elementare, pământ, nisip , cărbune, cârpe vechi, piele, cauciuc etc. A. p. a apărut ca un fel de reacție la intelectualismul și raționalismul sporit al minimalismului și conceptualismului și la utilizarea materialelor și tehnologiilor scumpe pentru fabricarea obiectelor și a elementelor de instalare în practicile artistice și proiecte care erau în vogă la acea vreme. Artiștii italieni Mario Merz, Michelangelo Pistoletto, Mario Ceroli, Giulio Paolini, Yiannis Kounellis (un grec care a trăit în Italia) au căutat să dezvăluie o poetică modestă aparte a lucrurilor simple în timp ce își creau instalațiile. De exemplu, sunt multe lucrări ale lui J.Kunellis, în care spațiul artistic este creat dintr-o combinație de obiecte ridicate la o groapă de gunoi, saci de cărbune, tencuială de statui antice și focul arzătoarelor cu gaz; sau obiectul lui Luciano Febri, numit „Adu-mi capul lui Ioan Botezătorul pe un platou” și care este un vas mare de sticlă pe o față de masă albă, umplut cu fragmente de sticlă. Acest simbolism are însă un câmp asociativ liber larg și nu pretinde nicio interpretare lipsită de ambiguitate. Pentru artiștii A. p., este important să creeze o anumită atmosferă specială, îmbinând discret lucrurile banale ale existenței umane. BODYART arta corporală(artă corporală - engleză: artă corporală) O direcție artistică care folosește corpul, corporalitatea, postura, gestul ca o „realitate brută” - limbaj non-verbal corp. obiectul lui B. – şi. servește drept corp al modelului, iar fotografiile sale, manechine. Compozițiile sunt create pe principiul picturilor vii. Specificul filosofic și estetic este asociat cu un interes sporit pentru situațiile existențiale limită: viață - moarte, Eros - Thanatos, conștiință - inconștient, artă - non-artă. Un alt dominant este autoidentificarea socială, rasială, națională, sexuală, simbolismul freudian, motivele sadomasochiste. Pictura corporală este arta corpului (piercing-ul pe corp - desen pe corp, tatuare - tatuare sub piele, piercing - „găuri de perforare”, scarificare - scarificare, branding - ardere a stigmatizării), o direcție de avangardă care a apărut în anii 60. ARTĂ VIDEO VIDEOARTĂ(Arta video engleză), o direcție în arta ultimei treimi a secolului XX, folosind posibilitățile tehnologiei video. Spre deosebire de televiziunea în sine, care este destinată difuzării unui public de masă, arta video folosește receptoare de televiziune, camere video și monitoare în evenimente unice și, de asemenea, produce filme experimentale în spiritul artei conceptuale, care sunt prezentate în spații speciale de expoziție. Prin utilizarea electronice moderne arată, parcă, „creierul în acțiune”, o cale clară de la o idee artistică la întruchiparea ei. Principalul fondator al artei video este Nam Joon Paik, un american de origine coreeană. Arta care folosește tehnologia televiziunii - arta video - tocmai a apărut ca urmare a unui protest împotriva dominației culturii de masă, cea mai înaltă întruchipare a cărei întruchipare este televiziunea. „Părinții” artei video, Nam Jung Paik și Wolf Vostel, fiecare în felul său ironic asupra cetățenilor respectabili care se așează în fiecare seară să se relaxeze în fața televizorului. Wolf Vostel a aranjat în anii 60 întâmplări, în care televizoarele erau aruncate cu prăjituri cu cremă, legate cu sârmă ghimpată, îngropate solemn și chiar împușcate din mitraliere. Nam Joon Paik, muzician de pregătire, a fost mai subtil. Începând cu experimentele de „vizualizare a muzicii”, a trecut la crearea unor asemănări ale ființelor vii cu cap, brațe și trunchi de pe monitoare de diferite dimensiuni și imagini corespunzătoare, numindu-le „mamă”, „tată”, „copil”, „Mătușa”, „Unchiul” etc. VORTICISMUL Vorticism O mișcare de avangardă engleză fondată de Wyndham Lewis în 1914. Numele vorticism își datorează originea remarcii futuristului italian Umberto Boccioni că toată creativitatea se naște dintr-un vârtej de sentimente (în italiană<вихрь>- vortizto). La fel ca futurismul, vorticismul, un stil ascuțit, unghiular și foarte dinamic, care s-a răspândit atât în ​​pictură, cât și în sculptură, a căutat să transmită procesul mișcării. Deși vorticismul nu a trăit până la sfârșitul Primului Război Mondial, a jucat un rol important ca etapă în formarea artei abstracte în Anglia. (Bomberg, Lewis) GRAFFITI Așa sunt desemnate lucrările de subcultură (vezi: Cultură de masă), care sunt în principal imagini de format mare pe pereții clădirilor publice, structuri, transport, realizate cu diferite tipuri de pistoale, cutii de aerosoli cu vopsea. De aici și cealaltă denumire „spray art” - Spray-art. Originea sa este asociată cu apariția în masă a lui G. în anii 70. pe vagoanele de metrou din New York și apoi pe pereții clădirilor publice, jaluzelele. Primii autori ai G. au fost în mare parte tineri artiști șomeri ai minorităților etnice, în principal portoricani, așa că unele dintre trăsăturile stilistice ale stilului latino-american au apărut în primul G. arta Folk, iar prin însuși faptul apariției lor pe suprafețe care nu sunt destinate acestui lucru, autorii lor au protestat împotriva poziției lor lipsite de drepturi. Până la începutul anilor 80. s-a format un întreg trend de maeștri aproape profesioniști ai lui G.. Au devenit cunoscute numele lor adevărate, ascunse anterior sub pseudonime (CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Unii dintre ei și-au transferat tehnica pe pânză și au început să expună în galeriile din New York, iar în curând G. a apărut în Europa. Sala expozițională multikilometrică a lui G. a fost a zidul Berlinului din Berlinul de Vest. După distrugerea acestuia, rămășițele conservate ale zidului sunt acum pictate pe ambele părți. G. sunt imagini și inscripții narative, adesea de tip poster, caricaturale sau naive (vezi: Arta naivă) care au un stil specific determinat de tehnica (bidon de aerosoli cu vopsea) imaginii: spontaneitate, rapiditate, imposibilitate de corectare, o anumit sistem de culori.

• Școala nouă din Leipzig (Școala nouă din Leipzig)
• Stuckism
• Jucărie
• Bitterism

anii 1980

• Apt-art (Arta aproprierii)
• Graffiti
  (Arta graffiti)
• Demoscenă
• Suprarealism de masă (Masurrealism)
• Conceptualismul neogeometric
  (Artă conceptuală neo-geo)
• Neoconceptualism (Arta Neo-conceptual)
• Neo-pop Neo-pop Art)
• New Wild (Nouveau Fauves)
• Figurativitate liberă (Figuration Libre)

anii 1970

• Body Art
• Artă video
  (artă video)
• Hipermanierism
• Neoexpresionism (Neoexpresionism)
• Suprarealism pop (Lowbrow)
• Postminimalism
• Sots Art (Land Art)
• Transavangarda (Avangarda trans)
• Feminism (Arta feministă)
• Fotorealism (fotorealism)
• Fluxus (Fluxus)

anii 1960

• Școala Washington (Școala Color Washington)
• Arta conceptuală
• Minimalism
• Arta narativă
  (Figura narativă)
• Neo-Dada (Neo-Dada)
• Op-art (Op Art)
• Artă de performanță
• Pop art (Pop Art)
• Realism Nouveau (Nouveau Realisme)
• Întâmplări
• Computer Art (Computer Art)
• Pictura hard-edge

anii 1950

• Expresionismul abstract
• Abstracția lirică
• Școala din New York
• Mișcarea figurativă Bay Area
• Expresionismul figurativ din New York

Arta contemporană (artă contemporană engleză, artă contemporană) este artă creată în trecutul recent și în prezent.

De-a lungul timpului, odată ce arta contemporană devine proprietatea istoriei. Pe acest moment timp, arta contemporană este considerată a fi lucrări create în perioada anilor 1970 până în prezent. Istoria dezvoltării noilor tendințe în artă din secolul XX poate fi împărțită condiționat în două mari etape: modernismul (arta modernă) - arta din epoca impresionismului (începând aproximativ din 1880) până în anii 1960-1970 și arta contemporană - din anii 70 ai secolului trecut până la timpul prezent.

Anul 1970 marchează un punct de cotitură în istoria artei din două motive. Primul este anul apariției termenilor „postmodern” și „postmodernism”. În al doilea rând, 1970 este ultima piatră de hotar înainte de care mișcările artistice au fost relativ ușor de clasificat. Dacă comparăm numărul mișcărilor artistice din perioada de dinainte de 1970 și de după, este ușor de observat că în timpul modernismului au fost mult mai multe. Și asta în ciuda faptului că în acest moment lucrează mai mulți artiști, iar arsenalul de mijloace și capacități tehnice este mai larg. O altă trăsătură a artei ultimilor 30 de ani este orientarea ei socială, mult mai pronunțată decât în ​​toate epocile precedente.

Limba rusă folosește și termenul de „artă contemporană”, care este în multe privințe similar, dar nu identic ca înțeles, cu termenul de „artă contemporană”. Prin artă contemporană, participanții la procesul artistic din Rusia înseamnă artă contemporană inovatoare (în termeni de idei și/sau mijloace tehnice). Arta contemporană devine rapid învechită, devenind parte din istoria artei moderne în secolul al XX-lea sau al XXI-lea. În multe feluri, participanții la procesul de artă din Rusia înzestrează definiția „artei actuale” cu semnificația care odată a fost atribuită avangardei (inovație, radicalism, utilizarea de noi tehnici și tehnici).

Arta contemporană în forma ei actuală s-a format la începutul anilor 1960 și 1970. Căutările artistice din acea vreme pot fi caracterizate ca o căutare de alternative la modernism (de multe ori acest lucru a dus la negare prin introducerea unor principii direct opuse modernismului). Aceasta s-a exprimat în căutarea de noi imagini, noi mijloace și materiale de exprimare, până la dematerializarea obiectului (performanțe și întâmplări). Putem spune că a existat o trecere de la obiect la proces.

Cele mai vizibile fenomene de la începutul anilor 60-70 pot fi numite dezvoltarea artei conceptuale și a minimalismului. În anii '70, orientarea socială a procesului de artă a crescut considerabil atât în ​​ceea ce privește conținutul (teme ridicate în opera artiștilor), cât și compoziția: cel mai remarcabil fenomen la mijlocul anilor 70 a fost feminismul în artă, precum și o creștere a activitatea minorităților etnice (1980-f) și a grupurilor sociale (de exemplu, „artă din exterior”). Sfârșitul anilor 70 și 80 au fost caracterizați de „oboseala” din arta conceptuală și minimalism și o revenire a interesului pentru figurativitate, culoare și figurativitate (înflorirea unor mișcări precum New Wilds).

La mijlocul anilor 1980 au apărut mișcările care au folosit în mod activ imaginile culturii de masă - campismul, arta East Village, neo-pop-ul câștigă putere. Înflorirea fotografiei în artă datează din aceeași perioadă - tot mai mulți artiști încep să apeleze la ea ca mijloc de exprimare artistică. Începând cu anii 1980, procesul de artă a fost foarte influențat de dezvoltarea tehnologiei - video, audio, computere și Internet - acest lucru a extins semnificativ paleta de instrumente folosite de artiști.

Sculptură uriașă Kaori Kawakami furată

În Italia a avut loc un furt neobișnuit. O sculptură de avangardă de două tone a celebrului sculptor japonez modern Kaori Kawakami, înfățișând simbolic un plug, a fost furată dintr-o zonă de expoziție situată în grădina unei vile de la periferia orașului Napoli Casoria.

Muzeul de Istorie a găzduit o expoziție itinerantă a lui Nikas Safronov

În timpul verii, Nikas Safronov, unul dintre cei mai cunoscuți artiști contemporani ruși din lume, și-a deschis expoziția în Muzeul de Istorie al capitalei. Expoziții ale pictorului au avut loc anterior în capitală și au fost vizitate de un număr mare de moscoviți și turiști, totuși, aici este prezentată pentru prima dată o expoziție de această amploare.

Muzeul din Petersburg s-a transformat într-o închisoare

Inspirat de „Arhipelagul Gulag” al lui Soljenițenski și de materialele despre lagărele de concentrare, artistul stradal de la Ekaterinburg Slava PTRK a realizat un proiect de artă neobișnuit.

Fondatorul tendinței moderne în artă poate fi considerat modernism, care este o definiție generalizată a unor fenomene atât de diverse ale secolului trecut, cum ar fi fauvismul, futurismul, expresionismul, suprarealismul, cubismul etc. Scopul artiștilor de aici este să arate că arta depășește realitatea, în ciuda faptului că lucrările disting mai mult decât înainte, orientarea socială, claritatea socială.

Conceptualismul a apărut în anii 60. ca una dintre tendinţele artei avangardiste. O caracteristică a acestui stil a fost refuzul fundamental de a reduce arta doar la fenomenul conștiinței. Lucrările conceptualiștilor, care credeau că arta este o sursă de comunicare și informare, sunt asociate cu inscripții, documente, texte și orice altceva care are cumva legătură cu domeniul limbajului. Pentru aceasta, s-au folosit diverse tehnici, care au dus la colaje din decupaje din ziare, radiografii medicale, cadre video brute și portrete fotografice neretușate.

În anii 70-80. ale secolului trecut, tendințele în artă se caracterizează printr-o abatere de la conceptualism și o întoarcere la figurativitate și culoare. Din ce în ce mai mulți artiști încep să-și întrupeze ideile nu pe pânză, ci în fotografie. Tehnologii moderne dezvolta, care nu poate decât să influențeze tehnicile și capacitățile maeștrilor.

În același timp și până la începutul anilor 90. Așa-zisa Sots Art a fost prezentă în țara noastră. În lucrările artiștilor din această tendință a artei contemporane, a existat ironie, umor și o atitudine sarcastică față de clișeele ideologice propagandistice, care s-au dizolvat din abundență în poporul sovietic. Putem spune că acest stil a fost un realism socialist întors pe dos.

Pentru anii 80. caracteristice unor astfel de tendințe în artă precum:

1. Apt-art - expoziții ale artiștilor direct în apartamente din cauza imposibilității expunerii lucrărilor în săli. Maeștrii au fost uniți de o atitudine ironică față de viață și artă și au folosit materiale auxiliare pentru a crea imagini. Au rezultat așa-numitele instalații - compoziții spațiale create din produse industriale, articole de uz casnic, fragmente de informații vizuale sau textuale și chiar deșeuri.

2. Graffiti ca un fel de artă stradală. Include diverse direcții, în special bombardarea, etichetarea, scrierea, zgârierea și așa-numitul graffiti „reverse”, care nu folosește vopsele pentru a crea lucrări, ci, dimpotrivă, detergenți, produse chimice de uz casnic. Până în prezent, există o dezbatere acerbă dacă acest stil este artă adevărată sau vandalism obișnuit. Între timp, această direcție este recunoscută ca fiind cea mai dinamică în curs de dezvoltare.

3. Demoscena, care a apărut datorită dezvoltării tehnologiei informatice și a fost un fel de fuziune între creativitate și programare.

4. „New Wild”, bazat pe tradițiile fauvismului și expresionismului. Rezultatul acestei direcții în artă a fost aducerea la limită a principiului spontaneității, a libertății de orice restricții și reguli.

Anii 1990 au văzut apariția jucăriilor, stackismului, jocurilor video și artei web. Și odată cu începutul noului mileniu, am primit relații, fanism, VJ, soft art.

Tendințele moderne în artă evoluează constant, reflectând acele multe procesele sociale care au loc în societatea noastră. Artiștii, fotografi, sculptorii reflectă în lucrările lor propria viziune asupra vieții, atitudinea față de evenimentele care au loc în ea. Ei bine, mijloacele tehnice moderne și noile tendințe doar ajută arta să se dezvolte, să devină mai mare, mai accesibilă și mai populară.

Există o mare varietate de stiluri și tendințe în artele vizuale. Adesea nu au granițe clar definite și se deplasează lin de la unul la altul, fiind în continuă dezvoltare, amestecare și opoziție. În cadrul unui stil artistic istoric, apare întotdeauna unul nou, care, la rândul său, trece în următorul și așa mai departe. Multe stiluri coexistă în același timp și, prin urmare, nu există „stiluri pure” deloc.

Stiluri și tendințe în artă bazate pe Wikipedia - o listă.

Expresionismul abstract
Abstracţionism
Art Nouveau
art deco
Feminismul artistic
Outsider Art (Art Brut)
Stil baroc
Arta bizantină
Înalta Renaștere
Arta Gotica
Dadaismul
De Stijl (Neoplasticism)
Impresionism
Informal
Arta cinetică
Constructivismul
Conceptualismul
Cubism
cubofuturism
raism
Realism magic
Manierism (Renașterea târzie)
pictura metafizică
Minimalism
Modernism
muralism
Mail art
Artă naivă (primitivism)
Naturalism
Neo-Geo
Neo-dadaismul
Neoclasicismul
Neo-Pop
neoromantismul
Arta neofigurativa
Neoexpresionismul
Noua materialitate (Neue Sachlichkeit)
Noul realism
Op Art
Orfism (Simultanism)
Arta pop
Abstracție post-pictură
Post impresionism
Precisionism
Proto-Renaștere
Renașterea timpurie
Realism
Regionalism
Rococo
Romantism
Renașterea de Nord
secesiune
Simbolism
Realism socialist (realism social)
Spațialismul
Suprematism
Suprarealism
Tahism
Tonalism
transavangarda
Fotorealism (hiperrealism)
Futurism
Expresionism
Estetism
Arta Academică
Arte Povera
Artă concretă (concretism)
Kitsch
letrism

Expresionismul abstract

Engleză Expresionismul abstract este o școală (mișcare) de artiști care pictează rapid și pe pânze mari, folosindu-se lovituri negeometrice, pensule mari, uneori picurând vopsea pe pânză, pentru a dezvălui pe deplin emoțiile. Metoda expresivă de pictură aici este adesea la fel de importantă ca și pictura în sine. Scopul artistului cu o astfel de metodă creativă este exprimarea spontană a lumii interioare (subconștientului) în forme haotice, neorganizate de gândirea logică.

Abstracţionism

Lat. abstractio - îndepărtare, distragere - direcția artei non-figurative, care a abandonat reprezentarea formelor apropiate de realitate în pictură și sculptură. Unul dintre scopurile abstractionismului este realizarea „armonizării”, crearea anumitor combinații de culori și forme geometrice pentru a evoca în contemplator diverse asocieri. Fondatori: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova și Mihail Larionov, Piet Mondrian.

Art Nouveau

Acest termen are alte sensuri, a nu fi confundat cu modernismul.

Modern (din franceză moderne - modern), Art Nouveau (art nouveau francez, lit. „artă nouă”), Jugendstil (germană Jugendstil - „stil tânăr”) - direcție artisticăîn artă, cel mai frecvent în ultimul deceniu al secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea (înainte de începerea primului război mondial). Caracteristicile sale distinctive sunt respingerea liniilor drepte și a unghiurilor în favoarea unor linii mai naturale, „naturale”, interesul pentru noile tehnologii (de exemplu, în arhitectură), înflorirea artei aplicate.

art deco

Art Deco, de asemenea „Art Deco” (art franceză de „co lit. „artă decorativă”, de la Exposition Internationale des Arts De „coratifs et Industriels Modernes - „Expoziția Internațională de Arte Moderne Decorative și Industriale” 1925, Paris ) - o tendință în artele decorative din prima jumătate a secolului XX, manifestate în arhitectură, modă și pictură. A fost o sinteză a modernului și a neoclasicismului.

Caracteristicile distinctive sunt regularitatea strictă, modelele geometrice etnice, materialele luxoase, cochete, scumpe, moderne (fildeș, piele de crocodil, aluminiu, lemn rare, argint). În SUA, Țările de Jos, Franța și alte câteva țări, Art Deco a evoluat treptat către funcționalism.

Feminismul artistic

Sau artă feministă, engl. Arta feministă este artă creată în mod conștient în contextul teoriei artei feministe. La începutul anilor șaptezeci, criza de încredere în cultura modernismului, care era dominată de bărbați, s-a exprimat cel mai pe deplin în rândul artiștilor care profesau feminismul sau varietățile sale de atunci. Ca mișcare, feminismul artistic a apărut la sfârșitul anilor 1960 și începutul anilor 1970. Nu a fost asociat cu niciun stil sau media anume, ci a fost caracterizat printr-o serie de eforturi pentru a oferi femeilor un loc în lume, în special în lumea artei. Feminismul artistic este una dintre cele mai semnificative transformări în artele vizuale din a doua jumătate a secolului XX.

Outsider Art (Art Brut)

Artă brută, aici - artă brută, netăiată) - termen introdus de artistul francez Jean Dubuffet (1945) pentru a descrie colecția de picturi, desene și sculpturi pe care le-a asamblat, create de meșteri neprofesioniști care sunt marginalizați atât social, cât și mental ( bolnavi mintal, handicapatii, prizonierii, singuraticii excentrici, mediumii etc.). Munca lor este foarte spontană și în mare măsură independentă de tiparele culturale. În special, Art Brut nu ține cont de convențiile de plauzibilitate, perspectiva picturală și scara convențională, nu recunoaște distincția dintre real și fantastic, ierarhia materialelor etc.

Ca echivalent în literatura de limbă engleză, este folosit termenul outsider art (english outsider art, vezi: en: Category: Outsider artists), care a fost introdus în 1972 de către istoricul de artă Roger Cardinal. Fenomene similare sunt arta marginală, arta naivă, arta vizionară sau intuitivă, arta populară, noua invenție (fr. Neuve Invention), primitivismul.

Stil baroc

Italiană barocco - „bizar”, „ciudat”, „excesiv”, port. perola barroca - „perlă de formă neregulată” (literal „perlă cu un defect”); există și alte presupuneri despre originea acestui cuvânt) - o caracteristică a culturii europene a secolelor XVII-XVIII, al cărei centru era Italia. Stilul baroc a apărut în secolele XVI-XVII în orașele italiene: Roma, Mantua, Veneția, Florența. Epoca barocului este considerată a fi începutul procesiunii triumfale a „civilizației occidentale”. Barocul s-a opus clasicismului și raționalismului.

Arta bizantină

Arta bizantină este un tip de artă istorico-regional inclus în tipul istoric al artei medievale.

În anul 330, din cauza conflictelor civile și a tulburărilor care au cuprins vastul Imperiu Roman, împăratul Constantin I cel Mare și-a mutat capitala în orașul Bizanț (din secolul I d.Hr., parte a Imperiului Roman) și l-a redenumit Constantinopol. În Evul Mediu, Bizanțul se numea România, bizantinii înșiși se numeau romani, iar cultura lor - romană. Împăratul – „Basileus al Romanilor” – s-a declarat și mare preot. Acest lucru s-a reflectat în arta oficială a Constantinopolului, care exprima ideile cultului „basileusului romanilor” ca pantocrator (din greacă – „titular”, conducător al universului). De atunci, a fost centrul vieții civile și spirituale a lumii greco-romane. Imperiul Bizantin a dat naștere unei culturi speciale, numită bizantism în știință.

Înalta Renaștere

Renașterea, sau Renașterea (Renașterea franceză, italiană Rinascimento; de la „ri” – „din nou” sau „renăscut”) – o epocă din istoria culturii europene, care a înlocuit cultura Evului Mediu și a precedat cultura timpurilor moderne. Cadrul cronologic aproximativ al epocii este începutul secolului XIV - ultimul sfert al secolului XVI, iar în unele cazuri - primele decenii ale secolului XVII (de exemplu, în Anglia și, mai ales, în Spania). Trăsătură distinctivă Renaștere - natura seculară a culturii și antropocentrismul acesteia (adică interesul, în primul rând, pentru o persoană și activitățile sale). Există un interes pentru cultura antică, există un fel de „renaștere” a acesteia – și așa a apărut termenul.

Arta Gotica

Goticul este o perioadă în dezvoltarea artei medievale în vestul, centrul și parțial estul Europei, din secolele al XII-lea până în secolele XV-XVI. Goticul a venit să înlocuiască stilul romanic, înlocuindu-l treptat. Termenul „gotic” este cel mai adesea aplicat unui stil bine-cunoscut de structuri arhitecturale care poate fi descris pe scurt drept „în mod ciudat de maiestuos”. Dar goticul acoperă aproape toate lucrările Arte vizuale perioada: sculptura, pictura, carte in miniatura, vitralii, frescă și multe altele.

Goticul a apărut la mijlocul secolului al XII-lea în nordul Franței, în secolul al XIII-lea s-a răspândit pe teritoriul Germaniei moderne, Austriei, Republicii Cehe, Spaniei și Angliei. Goticul a pătruns în Italia mai târziu, cu mare dificultate și o puternică transformare, ceea ce a dus la apariția „goticului italian”. La sfârșitul secolului al XIV-lea, Europa a fost cuprinsă de așa-zisul gotic internațional. Goticul a pătruns în țările din Europa de Est mai târziu și a durat acolo puțin mai mult - până în secolul al XVI-lea.

Pentru clădirile și operele de artă care conțin elemente gotice caracteristice, dar create în perioada eclectică (mijlocul secolului al XIX-lea) și ulterior, se folosește termenul de „neogotic”.

LA începutul XIX secolul, termenul „roman gotic” a început să desemneze genul literar al epocii romantice – literatura secretelor și ororilor (acțiunea unor astfel de lucrări desfășurată adesea în castele sau mănăstiri „gotice”). În anii 1980, termenul „gotic” a început să fie folosit pentru a se referi la genul muzical care a apărut la acea vreme („rock gotic”), iar apoi la subcultura care s-a format în jurul lui („subcultura gotică”).

Dadaismul

Dadaismul, sau Dada, este o mișcare modernistă în literatură, arte plastice, teatru și cinema. A luat naștere în timpul Primului Război Mondial în Elveția neutră, la Zurich (Cabaret Voltaire). A existat din 1916 până în 1922.

În anii 1920, dada francez a fuzionat cu suprarealismul și, în Germania, cu expresionismul.

Fondatorul mișcării, poetul Tristan Tzara, a descoperit cuvântul „dada” în dicționar. „În limba tribului negru Kru”, a scris Tzara într-un manifest din 1918, „înseamnă coada unei vaci sacre, în unele zone din Italia acesta este numele mamei, poate fi denumirea unui copil. cal de lemn, doică, o dublă declarație în rusă și română. Ar putea fi, de asemenea, o reproducere a balbuirii incoerente ale sugarului. În orice caz, ceva complet lipsit de sens, care de acum încolo a devenit cel mai de succes nume pentru întregul trend.

De Stijl (Neoplasticism)

Neoplasticismul este desemnarea direcției de artă abstractă introdusă de Piet Mondrian, care a existat în anii 1917-1928. în Olanda și artiști uniți grupați în jurul revistei „De Stijl” („Stil”). „Stilul” se caracterizează prin forme dreptunghiulare clare în arhitectură („stil internațional” de P. Auda) și pictură abstractă în dispunerea unor planuri dreptunghiulare mari pictate în culorile primare ale spectrului (P. Mondrian).

În practica sa artistică, Mondrian a pornit de la cubismul analitic, dar respingând toate elementele figurative, l-a redus la o „expresie a plasticității pure” - linii drepte, planuri goale și dreptunghiuri de „culori de bază” (roșu, galben, albastru) pe un fundal neutru (alb, gri, negru). Ideile artiștilor Style au avut un impact uriaș nu numai asupra arhitecturii și picturii, ci și asupra designului interior și al mobilierului (vezi Bauhaus), precum și asupra tipografiei.

Spre deosebire de pandanusul său rusesc, constructivismul, care se baza pe viziunea tehnică a artiștilor-ingineri, neoplasticismul se baza pe un sistem filozofic de „două contradicții de bază care formează Pământul nostru și tot ce este pământesc. Este orizontal linia de câmp Pământul în jurul Soarelui și linia verticală de forță a pământului, care își are originea în centrul Soarelui. Aceasta este doctrina a structura matematica Universul, dezvoltat de teosoful olandez Schoenmackers (niderl. Schoenmackers), a devenit fundamentul esteticii „Stilului” și astfel neoplasticismului.

Impresionism

Impressionism?zm (impressionnisme francez, de la impresie - impresie) - o tendință în artă din ultima treime a secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea, care și-a luat naștere în Franța și apoi s-a răspândit în întreaga lume, ai cărei reprezentanți au căutat să dezvolte metode și tehnici care au făcut este posibil să surprindă cel mai natural lumea reală în mobilitatea și variabilitatea ei, pentru a transmite impresiile lor trecătoare. De obicei, termenul „impresionism” se referă la o direcție în pictură (dar aceasta este, în primul rând, un grup de metode), deși ideile sale au fost întruchipate și în literatură și muzică, unde impresionismul a apărut și într-un anumit set de metode. și tehnici de creare a operelor literare și muzicale, în care autorii au căutat să transmită viața într-o formă vie, directă, ca o reflectare a impresiilor lor.

Termenul de „impresionism” a apărut din mâna ușoară a criticului revistei „Le Charivari” Louis Leroy, care și-a intitulat feuilletonul despre Salonul Les Misérables „Expoziția impresioniștilor”, luând ca bază titlul tabloului. "Impresie. Soarele răsare” de Claude Monet.

Informal

Informalismul, informel (fr. art informel) este o tendință în artă care a apărut în a doua jumătate a anilor 40 a secolului XX în Franța (la Paris). De obicei, sub acest concept, sunt combinate diverse tendințe în arta abstractă apărute în Europa postbelică.
Definiție

Conceptul de „informalism” este aplicabil ca termen colectiv pentru numeroase tendințe ale abstractionismului din anii '50. De exemplu, tachismul este considerat atât ca o categorie a informalismului, cât și ca o mișcare artistică care s-a dezvoltat din acesta. „Informalismul” este un concept la fel de încăpător ca și abstracția lirică care a apărut cam în același timp.

Arta cinetică

Artă cinetică, cinetism (greacă kinetikos - mișcare care se pune în mișcare) - direcție în artă contemporană, învingând efectele mișcării reale a întregii opere sau a componentelor sale individuale. Cinetismul se bazează pe ideea că lumina și mișcarea pot crea o operă de artă. Obiectele sunt instalații în mișcare care produc combinații interesante de lumină și umbră pe măsură ce se mișcă, uneori sunând. Aceste dispozitive atent construite din metal, sticlă sau alte materiale, conectate la dispozitive cu lumină intermitentă, au fost numite „mobile”.

Constructivismul

Constructivismul este o metodă (direcție) de avangardă sovietică în arte plastice, arhitectură, fotografie și arte decorative și aplicate, care a fost dezvoltată în anii 1920 - prima jumătate a anilor 1930.

Se caracterizează prin rigoare, geometrie, concizie a formelor și aspect monolit. În arhitectură, principiile constructivismului au fost formulate în discursurile teoretice ale lui A. A. Vesnin și M. Ya. Ginzburg, acestea fiind practic întruchipate pentru prima dată în proiectul Palatului Muncii pentru Moscova creat de frații A. A., V. A. și L. A. Vesnin (1923 ) cu planul său clar, rațional și baza constructivă a clădirii (cadru din beton armat) identificată în aspectul exterior. În 1926, a fost creată organizația oficială de creație a constructiviștilor, OCA ( organizatie sociala, fondată în 1924 de membrii LEF). Această organizație a fost dezvoltatorul așa-numitei metode de proiectare funcțională, bazată pe analiza științifică a caracteristicilor de funcționare a clădirilor, structurilor, ansamblurilor urbane. Monumente caracteristice ale constructivismului sunt fabricile de bucatarii, palatele muncii, cluburile muncitorilor, casele comunale.

În legătură cu arta străină, termenul „constructivism” este în mare măsură arbitrar: în arhitectură denotă o tendință în cadrul funcționalismului care a căutat să sublinieze expresia structurilor moderne; . Pevzner)

În această perioadă, mișcarea literară constructivistă a existat și în URSS.

Conceptualismul

Conceptual?zm (din lat. conceptus - gândire, concept) - direcția filozofiei școlare; doctrina conform careia cunoasterea se manifesta prin experienta, dar nu porneste din experienta.

Reprezentanți - Pierre Abelard, John of Salisbury, John Duns Scotus și alții.În timpurile moderne, John Locke era aproape de pozițiile conceptualismului.

În disputa despre universali, conceptualiştii, ca şi nominaliştii, respingând învăţătura realismului, au negat existenţa reală a generalului indiferent de lucrurile individuale, dar spre deosebire de nominalişti, ei au recunoscut existenţa în minte. concepte generale, concepte ca formă specială de cunoaștere a realității.

Cu alte cuvinte, ideile noastre generale apar despre anumite experiențe: de exemplu, conceptul universal de dreptate poate apărea în contemplarea unei anumite nedreptăți, deși tocmai această idee exista deja într-un mod ascuns în mintea noastră chiar înainte de această experiență.

Conceptualismul este ceva ca o sinteză a empirismului și raționalismului.

Cubism

Cubismul (Cubisme francez) este o tendință modernistă în artele vizuale, în primul rând în pictură, care a apărut la începutul secolului al XX-lea și se caracterizează prin folosirea unor forme condiționate geometrizate emfatic, dorința de a „împărți” obiectele reale în primitive stereometrice. .

Apariția cubismului este în mod tradițional datată în anii 1906-1907 și este asociată cu opera lui Pablo Picasso și Georges Braque. Termenul de „cubism” a fost inventat în 1908, după ce criticul de artă Louis Vaucelle a numit noile picturi ale lui Braque „ciudații cubice”. (Bizarreries cubiques franceze).

Începând cu 1912, s-a născut o nouă ramură a cubismului, pe care criticii de artă au numit-o „cubism sintetic”. Este destul de dificil să faci o simplă declarație a principalelor scopuri și principii ale cubismului; în pictură se pot distinge trei faze ale acestei tendințe, reflectând diferite concepte estetice și fiecare poate fi considerată separat: cubismul Cezanne (1907-1909), analitic (1909-1912) și sintetic (1913-1914).

cubofuturism

Cubofuturismul este o tendință în arta avangardă la începutul secolului XX, în pictură combinând realizările futuriștilor italieni (de exemplu, Boccioni) și ale cubiștilor francezi.

Pictura - cubo-futurismul a fost deosebit de popular în avangarda rusă, atât în ​​pictură, cât și în poezie. În diferite perioade ale muncii lor, artiștii Malevich, Burliuk, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter, Bogomazov și alții au lucrat în stilul cubo-futurismului.

Poezia futurismului și pictura cubo-futurismului (acest termen a fost anunțat public în 1913 de Korney Chukovsky) sunt strâns împletite în istorie. În Rusia, „cubo-futurismul” a fost, de asemenea, unul dintre denumirile de sine ale grupului poetic „Gilea”, punându-l în contrast cu ego-futurismul lui Igor Severyanin și a adepților săi (și mai târziu alte grupuri futuriste, cum ar fi „Mezanine of Poetry”. " și "Centrifugă"). Printre poeții cubo-futuristi s-au numărat Velimir Khlebnikov, Elena Guro, David și Nikolai Burliuk, Vasily Kamensky, Vladimir Mayakovsky, Alexei Krucenykh, Benedict Livshits. Mulți dintre ei au acționat și ca artiști.

raism

Raionismul (Luchismul) este o artă abstractă, o direcție în pictură în arta rusă a anilor 1910, bazată pe deplasarea spectrelor luminii și transmisia luminii. El sa bazat și pe ideea apariției spațiilor, forme din „încrucișarea razelor reflectate diverse articole„, deoarece o persoană percepe de fapt nu obiectul în sine, ci „suma razelor care provin de la sursa de lumină, reflectate de obiect și prinse în câmpul nostru vizual”. Razele de pe pânză sunt transmise folosind linii colorate. Mikhail Le-Dantyu și alți artiști ai Cozii Măgarului au lucrat în raionism. Dezvoltare specială raionismul a primit în opera lui S. M. Romanovich, care a făcut din ideile de culoare ale raionismului baza „spațialității” stratului colorat al unui tablou figurativ.

Semnificația picturii, Mihail Larionov, a declarat nu reprezentarea obiectelor, ci ilustrarea razelor de culoare reflectate din acestea, care, potrivit autorului, este mai apropiată de modul în care obiectele sunt văzute de ochi. Adică, conform teoriei, ilustrația se apropie de „planul simbolic” al tabloului. Raionismul șterge granițele care există între natură și planul tabloului.

Fondatorul curentului, Mihail Larionov, credea că fasciculul ar trebui să fie reprezentat în mod convențional printr-o linie colorată pe un avion. Raionismul este considerat una dintre varietățile timpurii ale picturii abstracte, dar are și alte aspecte, mai largi, precum separarea subiectului de percepția sa optică. De aceea artistul nu ar trebui să înfățișeze obiectul, ci doar razele care cad pe el. Dar, deoarece ochii noștri sunt afectați de razele care cad nu numai asupra unui obiect dat, ci și asupra obiectelor din apropiere, prin urmare, artistul trebuie să înțeleagă „mental”, să-și imagineze și, în consecință, să descrie, ca să spunem așa, aspectul radiant al obiectului. „Acesta este aproape același”, spune Larionov, „că un miraj care se ridică în aerul fierbinte al deșertului, atrăgând orașe îndepărtate, lacuri, oaze pe cer - raionismul șterge granițele care există între planul tabloului și natură”. În tabloul „radiant”, obiectele lumii reale nu au nicio semnificație, cu excepția, așa cum îl numește Larionov, „raionismul realist”, unde obiectul servește ca punct de plecare. Fasciculul este reprezentat condiționat ca o linie colorată și astfel, susține Larionov, esența picturii în sine poate fi cel mai bine dezvăluită - „o combinație de culoare, saturația sa, raportul dintre masele de culoare, adâncimea, textura pe toate acestea... ".

Rayonismul a fost unul dintre primele exemple de pictură abstractă. Expoziția lui Turner, pe care Larionov a văzut-o la Londra în 1906, îl determină să se gândească la culoare în pictură, iar artistul începe să perceapă forma ca raze de lumină, din care provine termenul de „raionism”. Luchismul Larionov a făcut furori în timpul său ca unul dintre numeroasele fenomene senzaționale care erau atunci la modă în artă. Aceia au fost anii în care în Rusia, și mai ales la Moscova, potrivit lui S. Diaghilev, „lună s-au născut douăzeci de școli: futurism, cubism - asta este antichitate, preistorie... Expozițiile sunt organizate în palate și în pod... "

Realism magic

Realismul magic este o metodă artistică în care elementele magice sunt incluse într-o imagine realistă a lumii.

LA sens modern termenul este mai mult descriptiv decât precis. Termenul „realism magic” a fost folosit inițial de criticul german Franz Roch pentru a descrie o pictură care descrie o realitate alterată.

Manierism (Renașterea târzie)

Manierismul (din italianul maniera, manieră) este un stil literar și artistic vest-european din secolul al XVI-lea - prima treime a secolului al XVII-lea. Se caracterizează prin pierderea armoniei renascentiste între fizic și spiritual, natură și om. Unii cercetători (în special criticii literari) nu sunt înclinați să considere manierismul ca un stil independent și să-l vadă ca o fază timpurie a barocului. Există și o interpretare extinsă a conceptului de „manierism”, ca expresie a începutului formativ, „pretențios” în artă în diferite stadii de dezvoltare culturală – din antichitate până în prezent.

pictura metafizică

Pictura metafizică (în italiană: Pittura metafisica) este o tendință în pictura italiană la începutul secolului al XX-lea.

În pictura metafizică, metafora și visul devin baza pentru ca gândirea să depășească logica obișnuită, iar contrastul dintre un obiect descris cu acuratețe realist și atmosfera ciudată în care este plasat a sporit efectul suprarealist.

Din această nouă abordare a picturii s-a născut mișcarea metafizică, iar în 1916-1922 a unit artiști și scriitori în jurul revistei „Valori Plastici”, în care a apărut seria. lucrări teoretice De Chirico și Savinio, dedicat picturii metafizice. În lucrarea sa „Anadiomene” Alberto Savinio formulează două principii de bază ale poeticii metafizice: „iluzia” și „ironia”. Tema „manechin”, care devine laitmotivul picturilor lui De Chirico și Carr, a apărut și ea pentru prima dată în însemnările lui Savinio. Pictura metafizică s-a bazat pe imaginile artei anterioare și a inclus diverse elemente culturale din trecut. Savinio și De Chirico au fost în mod clar influențați de pictura neoclasică a lui Arnold Böcklin; Carlo Carra, care s-a îndepărtat de experimentele futuriste, a revenit la vechea tradiție clasică - pictura trecento și quattrocento (asta se vede în perspectivele sale în peisaje). Cunoscutul critic de artă italian Roberto Longhi a remarcat odată cu inteligență că „quattrocento a devenit o scenă de operă pentru păpuși metafizici și invitați de piatră”. Artiștii au căutat să găsească o linie metafizică între lumea celor vii și a celor neînsuflețite, prin urmare, în picturile lor, viu este asemănător cu neînsuflețitul, iar obiectele neînsuflețite își trăiesc propria lor viață secretă. În general, „secretul” - cuvântul preferat Giorgio De Chirico.

Minimalism

Minimal art (ing. Minimal art), și Minimal? zm (ing. Minimalism), ABC art (ing. ABC Art) este o mișcare de artă care a apărut la New York în anii 1960. În teoria artei, este de obicei văzută ca o reacție la formele de artă ale expresionismului abstract, precum și la discursul, instituțiile și ideologiile asociate cu acesta. Arta minimală includea de obicei forme geometrice lipsite de orice simbolism și metaforă, repetare, suprafețe neutre, materiale industriale și tehnici de fabricație.

Artiștii minimali includ Carl Andre, Dan Flavin, Saul LeWitt, Donald Judd, Robert Morris și uneori creditat Frank Stella.

Modernism

Modernismul (modernismo italian - „tendință modernă”; din latină modernus - „modern, recent”) este o tendință în arta secolului al XX-lea, caracterizată printr-o ruptură cu experiența istorică anterioară a creativității artistice, dorința de a stabili noi non-uri. -începuturi tradiţionale în artă, reînnoire continuă forme de artă, precum și convenționalitatea (schematizarea, abstractizarea) stilului. Paradigma modernistă a fost una dintre cele mai importante în civilizația occidentală în prima jumătate a secolului XX; în a doua jumătate a secolului, a fost supusă unor critici ample.

În estetica rusă, „modern” înseamnă un stil artistic care a precedat istoric modernismul. sfârşitul XIX-lea- începutul secolului al XX-lea (modern rusesc, art nouveau, art nouveau, secesiune etc.), deci este necesar să se facă distincția între aceste două concepte pentru a evita confuziile.

Modernismul în artele vizuale
Modernismul - un set de tendințe artistice în arta celei de-a doua jumătate a secolului al XIX-lea - mijlocul secolului al XX-lea. Cele mai semnificative tendințe moderniste au fost Impresionismul, Art Nouveau, Expresionismul, Neo- și Post-impresionismul, Fauvismul, Cubismul, Futurismul. La fel și tendințele ulterioare - artă abstractă, dadaism, suprarealism. În sens restrâns, modernismul este văzut ca o etapă timpurie a avangardei, începutul unei revizuiri a tradițiilor clasice. Data nașterii modernismului este adesea numită 1863 - anul deschiderii la Paris a „Salonului respinsăților”, unde au fost acceptate lucrările artiștilor. În sens larg, modernismul este „o altă artă”, al cărei scop principal este crearea de lucrări originale bazate pe libertatea interioară și o viziune specială asupra lumii de către autor și purtătoare de noi mijloace de exprimare limbaj pictural.

Modernismul în literatură
În literatură, modernismul a înlocuit romanul clasic. În locul unei biografii, cititorului a început să i se ofere interpretări literare ale diverselor concepte filozofice, psihologice și istorice, a apărut un stil, numit Fluxul conștiinței, caracterizat printr-o pătrundere profundă în lumea interioară a personajelor. Un loc important în literatura modernismului îl ocupă tema înțelegerii războiului, a generației pierdute.

Principalii precursori ai modernismului au fost: Dostoievski (1821-81) (Crimă și pedeapsă (1866), Frații Karamazov (1880); Whitman (1819-92) (Frunze de iarbă) (1855-91); Baudelaire (1821-67). ) (Florile răului), A. Rimbaud (1854-91) (Iluminații, 1874), Strindberg (1849-1912), în special piesele sale ulterioare. Filosofii care au influențat scriitorii moderniști au fost Friedrich Nietzsche, Henri Bergson, William James și alții De asemenea, Sigmund Freud.

Modernismul a eliminat vechiul stil în primele trei decenii ale secolului XX și a redefinit radical forme literare.

muralism

În pictura latino-americană a secolului al XX-lea, este deosebit de necesar să evidențiem școala mexicană de neorealism - muralism, a cărei esență a fost proiectarea clădirilor publice cu cicluri de fresce din istoria țării, viața oameni și lupta lor. Monumentaliștii au recreat arta aztecilor, Maya, s-a îndreptat către arta monumentală a Renașterii. Personajul principal al acestor fresce sunt oamenii. Generalizând filozofic fenomenele sociale și evenimentele istorice, pătrunzând în sensul lor profund, artiștii acestei școli au pus bazele artei naționale democratice (D. Rivera, D. Siqueiros, X. Orozco, R. Guttuso).

Bazat pe tradiția picturii murale precolumbiene și pe mișcarea de protest social venită de la revoluția din 1910, muralismul mexican și-a stabilit ca scop „crearea unei arte monumentale și eroice, umane și populare” (Siqueiros).

Apelul la conștiința națională prin trecutul prehispanic și eroii independenței a oferit teme didactice pentru lucrări puternice, adesea baroc sau expresioniste, destinate decorarii clădirilor publice (Orozco, Rivera, Siqueiros).

Muralismul, născut în anii 1920 (frescele colective în National scoala pregatitoareîn Mexico City în 1922-1925) a continuat după cel de-al Doilea Război Mondial (picturi murale în campusul universitar din Mexico City în 1952).

Mail art

Arta poștală (artul poștal în engleză) este un tip de artă plastică modernă care utilizează timbre poștale și alte materiale poștale ca mijloace vizuale.

Conceptul de artă poștală se referă de obicei la arta comunicării artistice folosind poșta, internetul, comunicațiile mobile și comunicarea personală directă. Inițial, în acest scop a fost folosită poșta obișnuită, care a servit ca un impuls pentru dezvoltarea artei snail mail (din engleza snail mail - „snail mail”) și a întregii direcții descrise.

Apărând ca urmare a nevoii de a comunica la distanță, arta poștală a început să fie recunoscută ca o direcție separată în artă de la sfârșitul anilor 1950.

Artă naivă (primitivism)

Primitivismul este un stil de pictură care își are originea în secolul al XIX-lea, care conține o simplificare deliberată a tabloului, făcând formele sale primitive, precum opera unui copil sau desenele din timpurile primitive. Potrivit unor [cine?] istorici de artă, conceptul arta naiva nu se încadrează în termenul de „primitivism”, întrucât primul înseamnă pictura neprofesioniştilor, al doilea - pictura stilizată a profesioniştilor.

Cei mai cunoscuți reprezentanți ai primitivismului: Henri Rousseau, Niko Pirosmani.

Naturalism

Naturalismul (din lat. natura - „natura”) este o etapă târzie în dezvoltarea picturii realiste franceze, care a avut loc în anii 1870. Naturaliștii au fost foști artiști academicieni care au căutat să surprindă cât mai fidel realitatea modernă, fotografic, în special, viața de zi cu zi a țărănimii și a clasei muncitoare.

În comparație cu lucrările lui Courbet, componentele socio-critice și satirice din operele naturaliștilor au trecut în plan secund. Înainte de apariția termenului „impresionism”, reprezentanții săi erau clasificați ca naturaliști (de exemplu, Zola face acest lucru în eseul din 1868 „Naturalisti”). Pe măsură ce impresioniștii câștigau din ce în ce mai multă recunoaștere, interesul pentru naturalism a dispărut. Sarcinile de fixare nepasională a realității, pe care artiștii din această direcție și-au propus, au fost îndeplinite cu succes de fotografie.

Abordarea naturalistă a artei nu trebuie confundată cu naturalismul literar, o tendință în literatura de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, care, pe lângă Zola, a fost reprezentată de Guy de Maupassant și Theodore Dreiser.

Neo-Geo

Neo-geo (conceptualismul neo-geometric, engleză Neo-Geo) este una dintre tendințele artei abstracte ale secolului al XX-lea. Stilul neo-geo își are originea în arta americană la începutul anilor 80 și este adesea văzut ca o continuare a tradițiilor, nu atât a abstractizării geometrice clasice din prima jumătate a secolului al XX-lea, cât și a artei pop. Neo-geo este o abstractizare a erei postmodernismului, care a abandonat atât ambițiile utopice ale lui Malevich sau Mondrian, cât și începutul extrem de personal și dramatic al expresionismului abstract.

Fondatorul și teoreticianul neo-geo-ului Peter Halley se gândește la propriile picturi nu ca la un model ideal al universului supraomenesc, dar nici ca la o stropire a propriului său subconștient. În picturile sale, el își propune să nu vedem nici măcar construcții abstracte, ci un fel de scheme și grafice ale societății moderne: pătratele și dreptunghiurile - ca tot felul de „celule ale societății”, linii - ca legături sociale și rețele de comunicare. După cum se cuvine unui postmodernist, în viziunea sa asupra modernității, Peter Halley este inspirat de ideile filosofului francez Jean Baudrillard, în special, de conceptul de hiperrealitate media care a înlocuit realitatea fizică.

Neo-dadaismul

Neodada este un termen care desemnează diverse stiluri, tendințe și opere de artă în care sunt ghicite idealurile sau metodele reînviate ale dadaismului. Este folosit, de exemplu, ca sinonim pentru arta pop și poate identifica operele lui Jasper Johns.

Termenul a fost inventat de Barbara Rose.

Neoclasicismul

Neoclasicismul este un termen folosit în critica de artă rusă pentru a se referi la fenomenele artistice din ultima treime a secolului al XIX-lea și primul sfert al secolului al XX-lea, care se caracterizează printr-un apel la tradițiile artei antichității, arta Renașterii sau clasicism (în muzică, și epoca barocului). În critica de artă străină, neoclasicismul este numit clasicism în arhitectură și arte plastice din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea - prima treime a secolului al XIX-lea, în contrast cu clasicismul unei perioade anterioare.

Neo-Pop

Neo-pop (și uneori există și definiții ale neo-pop art sau post-pop, engleză Neo-pop, Post-Pop) este o direcție care a apărut în anii 80 ai secolului XX ca reacție la conceptualism și minimalism.

Neo-pop nu este o mișcare artistică fundamental nouă, ci mai degrabă o evoluție a artei pop cu interesul său pentru bunurile de larg consum și celebritățile lumii culturii populare, doar cu icoane și simboluri ale noului timp (Michael Jackson, Madonna, Britney Spears). , Paris Hilton și etc.).

Exemple frumoase de neo-pop sunt sculpturile lui Katharina Fritsch „Rat-King” (1993) și Jeff Koons „Michael Jackson and Bubbles” (1988). Neo-pop se bazează foarte mult pe mass-media, atât ca sursă de inspirație, cât și ca vehicul de promovare (un exemplu este lucrarea lui Daniel Edwards cu sculpturile sale controversate de nud de celebrități).

În opera multor artiști neo-pop, pe lângă arta pop, se poate detecta influența minimalismului, artei conceptuale și fotorealismului.

neoromantismul

Neoromantismul este o tendință în artă (în primul rând în literatură) la începutul secolelor XIX-XX, care a apărut ca o reacție la tendințele realiste și naturaliste din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. În sensul general al cuvântului, poate fi definit ca renașterea dispoziției literare din prima jumătate a secolului al XIX-lea în Europa (romantismul). Poate fi înțeles ca o fază timpurie sau una dintre aripile modernismului.

Lumea literaturii neoromantice este plină de surprize, aventuri și pericole, dar cele mai multe oameni normali. Eroismul acțiunilor este dorința de a trăi viața cu strălucire, fără a pierde respectul față de sine („Treasure Island” de R. L. Stevenson, „Captain Rip-Head” de L. Bussenard).

Neoromantismul s-a dovedit a fi o tendință literară foarte fructuoasă. În secolul al XX-lea au continuat să fie create lucrări neoromantice („Odiseea căpitanului sânge” de R. Sabatini și „Moștenitorul din Calcutta”).

Arta neofigurativa

Pentru a evita denumirea excesiv de limitată<абстракция>, mulți artiști postbelici au ajuns la definiția unui nou concept estetic, introducând termenul de „artă nefigurativă” în dicționarul artei moderne. Noua expresivitate a non-figurativității părea a fi opusă abstractizării, care a servit la reconstrucția sistematică a naturii, bazată pe scheme (de exemplu, geometrice).
kikh) reguli dictate de rațiune și au sterilizat orice creație de dragul speculației pur intelectuale. Îmbogățiți cu libertatea extremă moștenită de la pionierii artei abstracte, acestor artiști nu le mai pasă de asemănare și
oferă-ne un simț direct și nou al naturii. Arta nonfigurativă marchează trecerea de la natura pasivă „dată” a artei figurative (sau imitative) la „natura în acțiune”, atunci când privitorul, la fel ca artistul-creator, descoperă în unirea elementelor primare (pământ, aer). , apa, foc) viata secreta a lucrurilor si a vietuitoarelor.creaturi.

Odată cu respingerea imitației iluzorii lucrurilor, imaginea figurativă este și ea distrusă și
non-figurativ – restaurează natura, din care omul nu este niciodată exclus. De fapt, arta non-figurativă nu este doar o reacție la abstractul rece
este atât dovada unei noi relații cu lumea exterioară, cât și, în cuvintele lui Manessier, „șansa modernității, cu ajutorul căreia artistul poate reveni la realitatea sa și reda credința în ceea ce este fundamental în el. ."

Neoexpresionismul

Neoexpresionismul este o tendință în pictura contemporană care a apărut la sfârșitul anilor 1970 și a dominat piața de artă până la mijlocul anilor 1980. Neoexpresionismul a apărut în Europa ca o reacție la arta conceptuală și minimalistă a anilor 1970. Neoexpresioniştii s-au întors la imagini, figurativitate, manieră plină de viaţă şi emoţională, culori strălucitoare saturate.

Noua materialitate (Neue Sachlichkeit)

Nouă materialitate, de asemenea nouă obiectivitate, nouă materialitate (germană: Neue Sachlichkeit) este o mișcare artistică din Germania în anii 1920 care a îmbrățișat pictura, literatura, arhitectura, fotografia, cinematografia și muzica.

Opus romantismului târziu și expresionismului. Epuizat până în 1933, odată cu apariția nazismului la putere și stabilirea unui singur politici publiceîn domeniul art. Numele de materialitate nouă a fost inventat în 1923 de Gustav Hartlaub, directorul Muzeului de Artă din Mannheim, în încercarea de a defini noul realism în pictură.

Noul realism

Noul realism (fr. Nouveau Re „alisme) este o mișcare care unește artiști care, împreună cu criticul și teoreticianul Pierre Restany, au semnat un manifest la 27 octombrie 1960 la Paris.

Membrii și-au propus obiectivul de a integra realitatea Viata de zi cu ziîn artă, folosind noi metode și materiale. Procedând astfel, ei au adus o contribuție semnificativă la dezvoltarea artei obiectului și a formelor timpurii de acționism.

Op Art

Arta optică (op art - o versiune prescurtată a artei optice engleze - arta optică) este o mișcare artistică din a doua jumătate a secolului al XX-lea care folosește diverse iluzii optice bazate pe percepția figurilor plate și spațiale.

Curentul continuă linia raționalistă a tehnicismului (un fel de modernism). Se întoarce la așa-numitul abstractionism „geometric”, al cărui reprezentant a fost Victor Vasarely (din 1930 până în 1997 a lucrat în Franța), fondatorul op art. Direcția op art (arta optică) și-a luat naștere în anii 50 în cadrul abstracționismului, mai exact, varietatea sa - abstracția geometrică. Distribuția sa ca curent datează din anii 60. Secolului 20

Orfism (Simultanism)

În adâncul cubismului în anii 1912-1913 s-a format o mișcare de opoziție, care, datorită poetului Guillaume Apollinaire, a primit numele de „Orfism”. Creatorii săi - artiștii Robber Delaunay și soția sa Sonia Turk-Delaunay au fost fascinați de lucrarea cu ritm abstract de culoare.

Una dintre primele lucrări ale orfismului a fost compoziții care semănau cu discuri colorate, tranzițiile de culoare strălucitoare ale acestor cercuri concentrice dădeau întregii compoziții o energie extraordinară. Pentru artiști, aceste cercuri concentrice pulsatorii erau simboluri ale energiei cosmice. Simultanismul este o tehnică care a fost folosită și de artiștii orfiști. Apropo, admirația pentru realizările tehnologiei i-a adus mai aproape de futuriști.

Arta pop

Pop art (în engleză pop-art, prescurtare pentru arta populară) este o tendință în artele vizuale din anii 1950 și 1960 care a apărut ca reacție la expresionismul abstract, folosind imagini ale produselor de consum.

Imaginea împrumutată în cultura populară este plasată într-un context diferit:

Schimbări de scară și materiale;
- este expusă o tehnică sau o metodă tehnică;
- se detectează interferențe informaționale etc.

Abstracție post-pictură

Abstracția postpictrică, abstracția cromatică este o tendință în pictură care a apărut în America în anii 1950. Termenul a fost inventat de criticul Clement Greenberg pentru a se referi la mișcarea prezentată în expoziția din 1964 pe care a curatat-o ​​la Muzeul de Artă din Los Angeles (mai târziu la Walker Art Center și la Galeria de Artă din Ontario din Toronto).

Abstracția postpictrică se bazează pe expresionismul abstract, fauvism și postimpresionism. Principalele caracteristici: margini clare, contur liber, armonie (sau contrast) de forme simple, monumentalitate, depozit contemplativ-melancolic de pictură, asceză. Abstracția postpictrică este, de asemenea, un descendent al Abstracției geometrice, rotunjind-o și înmoaie.

Post impresionism

pr. postimpressionisme) este o direcție în artele vizuale. A apărut în anii 80 ai secolului al XIX-lea. Artiștii acestei tendințe nu au aderat doar la impresiile vizuale, ci au căutat să transmită liber și în general materialitatea lumii, au recurs la stilizarea decorativă. Reprezentanții de seamă ai postimpresionismului în pictură includ Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec, Gaston La Touche, Rene Schutzenberger.

Începutul postimpresionismului cade pe criza impresionismului de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Apoi a avut loc ultima expoziție a impresioniștilor și a fost publicat „Manifestul simbolismului” (1886) al poetului francez Jean Moréas. Postimpresioniştii, dintre care mulţi s-au alăturat anterior impresionismului, au început să caute metode de exprimare nu numai momentană şi trecătoare - în fiecare moment, au început să înţeleagă stările pe termen lung ale lumii din jurul lor.

Postimpresionismul se caracterizează prin diferite sisteme și tehnici creative care au influențat dezvoltarea ulterioară a artelor plastice. Opera lui Van Gogh a anticipat apariția expresionismului, Gauguin a deschis calea pentru simbolism și Art Nouveau.

Precisionism

Precisionism, sau Precisionism (ing. Precizie - acuratețe, claritate) - o direcție caracteristică picturii americane a anilor 30, un fel de realism magic.

Principalul complot pentru precisioniști este imaginea orașului, vizualizarea sa plastică în forme geometrice clare. De aici, personajele principale ale picturilor: poduri (Joseph Stella „Brooklyn Bridge”), zgârie-nori (Georgia O'Keeffe „Noapte”), fabrici, lifturi (Charles Demuth „Egiptul meu”) și alte realizări industriale ale civilizației.

Limbajul formelor prezidziniștilor este verificat geometric, mecanicist până la limită. Spațiul picturilor este steril, se pare că aerul este pompat afară din ele („Freeway”) a lui Crawford, nu este nimeni în el. În același timp, un astfel de gol subliniază natura atemporală a imaginii. subiectul principal- estetica mecanicistă - face pe precisiști ​​înrudiți cu futuriștii italieni.

După expoziția de realizări tehnice „New Age” (1926), președinții primesc statutul de mișcare recomandată oficial de către stat.

Proto-Renaștere

Proto-Renaștere (din altă greacă ?????? - "prima" și Renașterea franceză - "Renașterea") - o etapă din istoria culturii italiene premergătoare Renașterii, care se încadrează în ducento (1200) și trecento (1300-). e). Este considerată o perioadă de tranziție de la Evul Mediu la Renaștere. Termenul a fost introdus pentru prima dată de istoricul elvețian J. Burckhardt.

LA cultura italiană secolele XIII-XIV pe fundalul tradițiilor bizantine și gotice încă puternice, au început să apară trăsături ale unei arte noi - arta viitoare a Renașterii. Prin urmare, această perioadă a istoriei sale a fost numită Proto-Renaștere. Nu a existat o perioadă de tranziție similară în niciunul dintre tari europene. În Italia însăși, arta proto-Renașterii a existat doar în Toscana și Roma. În cultura italiană, trăsăturile vechiului și noului erau împletite. „Ultimul poet al Evului Mediu” și primul poet al noii ere, Dante Alighieri (1265-1321) a creat italianul limbaj literar. Ceea ce a început Dante a fost continuat de alți mari florentini ai secolului al XIV-lea - Francesco Petrarca (1304-1374), fondatorul Europei. poezie lirică, și Giovanni Boccaccio (1313-1375), fondatorul genului nuvelă în literatura mondială. Mândria epocii sunt arhitecții și sculptorii Niccolo și Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio și pictorul Giotto di Bondone.

Renașterea timpurie

Renaissance, sau Renaissance?ns (Renașterea franceză, italiană Rinascimento; de la „ri” – „din nou” sau „renăscut”) – o epocă din istoria culturii europene, care a înlocuit cultura Evului Mediu și a precedat cultura modernă. ori. Cadrul cronologic aproximativ al epocii este începutul secolului XIV - ultimul sfert al secolului XVI, iar în unele cazuri - primele decenii ale secolului XVII (de exemplu, în Anglia și, mai ales, în Spania). O trăsătură distinctivă a Renașterii este natura seculară a culturii și antropocentrismul acesteia (adică interesul, în primul rând, pentru o persoană și activitățile sale). Există un interes pentru cultura antică, există un fel de „renaștere” a acesteia și așa a apărut termenul.

Termenul Renaștere se găsește deja printre umaniștii italieni, de exemplu, la Giorgio Vasari. În sensul său modern, termenul a fost inventat de istoricul francez din secolul al XIX-lea Jules Michelet. În zilele noastre, termenul de Renaștere a devenit o metaforă a înfloririi culturale: de exemplu, Renașterea carolingiană sau Renașterea din secolul al XII-lea.

Realism

Poziția estetică, conform căreia sarcina artei este să surprindă realitatea cât mai precis și obiectiv posibil. În câmp activitate artistică sensul realismului este foarte complex și contradictoriu. Granițele sale sunt schimbătoare și nedefinite; stilistic este multifațetat și multivariat.

Diverse fațete ale realismului în pictură sunt iluzionismul baroc al lui Caravaggio, Vermeer și Velasquez, impresionismul lui Manet și Degas, lucrările Nyunen ale lui Van Gogh, precizia lui Edward Hopper.

Realismul în sens restrâns este înțeles ca pozitivism ca tendință în artele plastice din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Termenul de „realism” a fost folosit pentru prima dată de criticul literar francez J. Chanfleury în anii '50. al XIX-lea pentru a desemna arta care se opune romantismului și academismului.

Regionalism

Regionalism, regionalism (ing. Regionalism from regional - local) - o tendință în pictura americană a anilor 1930.

Mișcarea sa îndreptat către reprezentarea de imagini și episoade din viața Midwestului american. Termenul este adesea folosit în același sens ca pictura de gen americană, dar regionalismul este o ramură occidentală a acestei mișcări mai generale.

Regionaliștii au căutat să creeze artă americană autentică și s-au orientat către teme locale. Regionaliștii au fost mânați de sentimente nostalgice pentru „America adevărată”, dorința de a surprinde viața satului american și a orașelor mici, ceea ce a devenit motivul marii lor popularități. Perioada de cea mai mare prosperitate a mișcării este asociată cu Marea Depresiune, când, pe fundalul unei nesiguranțe naționale profunde, artiștii au reînviat încrederea în sine a Americii, dezvoltând ideea de excepționalism național și originalitatea dezvoltării.

Rococo

Rococo (rococo francez, din franceză rocaille - piatră zdrobită, coajă decorativă, coajă, rocaille, mai rar rococo) - un stil în artă (în principal în design interior), care a apărut în Franța în prima jumătate a secolului al XVIII-lea (în timpul regența lui Philip Orleansky) ca o dezvoltare a stilului baroc. trasaturi caracteristice Rococo sunt rafinament, mare încărcare decorativă de interioare și compoziții, ritm ornamental grațios, mare atenție la mitologie, confort personal. cea mai mare dezvoltareîn stil arhitectural primit în Bavaria.

Termenul „rococo” (sau „rocaille”) a intrat în uz la mijlocul secolului al XIX-lea. Inițial, „rocaille” este un mod de a decora interioarele grotelor, castroanelor de fântână etc. cu diverse fosile care imită formațiuni naturale (naturale), iar un „rocaille” este un maestru care realizează astfel de decorațiuni. Ceea ce numim acum „rococo” a fost numit cândva „gust pitoresc”, dar în anii 1750. critica a tot ceea ce „întorce” și „torturat” a devenit mai activă, iar denumirea „gustului stricat” a început să apară în literatură. Enciclopediștii au avut un succes deosebit în critică, potrivit cărora nu a existat un început rezonabil în „gustul stricat”.

Elementele principale ale stilului: rocaille - o buclă și cartel - un termen acum uitat folosit pentru a denumi cartușurile rocaille. Unul dintre cele mai timpurii cazuri de utilizare a acestor termeni este „Cea de-a treia carte a formelor Rocaille și Cartel” a lui Mondon-son din 1736 (vezi ilustrațiile de mai jos). Le găsim și într-o scrisoare (7 aprilie 1770) a maestrului Roetier (care a făcut o slujbă de argint pentru Ecaterina a II-a la sfârșitul anilor 1760, cunoscută mai târziu sub numele de Serviciul Oryol, obiectele supraviețuitoare sunt păstrate în Muzeul Ermitaj de Stat). Această scrisoare a reflectat și schimbarea gusturilor care a avut loc la cumpăna anilor 1760-70: „... din moment ce E.I.V. dorește ca tot felul de figuri și carteluri să fie abandonate, vom depune toate eforturile pentru a le înlocui cu bijuterii antice și urmând cel mai bun gust, conform dorințelor...” (citat dintr-un document de la RGIA).

Romantism

Romantismul (fr. romantisme) este un fenomen al culturii europene în secolele XVIII-XIX, care este o reacție la Iluminism și la progresul științific și tehnologic stimulat de acesta; direcția ideologică și artistică în cultura europeană și americană de la sfârșitul secolului al XVIII-lea - prima jumătate a secolului al XIX-lea. Se caracterizează prin afirmarea valorii intrinseci a vieții spirituale și creatoare a individului, imaginea pasiunilor și caracterelor puternice (deseori rebele), a naturii spiritualizate și vindecătoare. S-a răspândit în diferite sfere ale activității umane. În secolul al XVIII-lea, tot ceea ce era ciudat, fantastic, pitoresc și existent în cărți, și nu în realitate, era numit romantic. La începutul secolului al XIX-lea, romantismul a devenit desemnarea unei noi direcții, opusă clasicismului și iluminismului.

Renașterea de Nord

Renașterea de Nord este un termen folosit pentru a descrie Renașterea din nordul Europei sau, în general, toată Europa în afara Italiei, la nord de Alpi. Renașterea de Nord este strâns legată de Renașterea italiană, dar există o serie de diferențe caracteristice.

Ca atare, Renașterea de Nord nu a fost omogenă: în fiecare țară avea anumite trăsături specifice. Astfel, studiile culturale împărtășesc Renașterea germană, olandeză, franceză, spaniolă, engleză, poloneză etc.

Trezirea spirituală a Europei, care a început la sfârșitul secolului al XII-lea, a fost rezultatul ascensiunii culturii urbane medievale și s-a exprimat în noi forme de activitate - intelectuală și culturală. În special, înflorirea științei scolastice, trezirea interesului pentru antichitate, manifestarea conștiinței de sine a individului în sfera religioasă și seculară, în artă - stilul gotic.

secesiune

Secesiunea Vienei (germană: Wiener Secession/Sezession) este o asociație de artiști vienezi din epoca Fin de sie`cle (Art Nouveau). Datorită lui, versiunea vieneză a lui Jugendstil este numită și Secesiunea Vienei.

Simbolism

Simbolismul (fr. Symbolisme) este una dintre cele mai mari tendințe în artă (în literatură, muzică și pictură), care a apărut în Franța în anii 1870 și 80. și a atins cea mai mare dezvoltare la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea, în primul rând în Franța, Belgia și Rusia. Simboliștii au schimbat radical nu numai diferite tipuri de artă, ci și atitudinea față de aceasta. Natura lor experimentală, dorința de inovare, cosmopolitismul și gama largă de influențe au devenit un model pentru majoritatea tendinte moderne artă. Simboliștii au folosit simbolismul, subestimarea, indicii, misterul, misterul. Principala dispoziție captată de simboliști a fost pesimismul, ajungând până la disperare. Tot ceea ce „natural” era prezentat doar ca „aspect”, care nu avea nicio valoare artistică independentă.

Poezia simbolică este dușmanul preceptelor, al retoricii, al falsei sensibilități și al descrierilor obiective; ea caută să îmbrace Ideea într-o formă senzual de înțeles.

Realism socialist (realism social)

Realismul socialist (realismul socialist) este principala [sursă?] metodă ideologică a creativității artistice folosită în artă Uniunea Sovieticăîncă din anii 1920 [sursa?], și apoi în alte țări socialiste, introduse în creativitatea artistică prin intermediul politicii de stat, inclusiv a cenzurii, și răspunzând la soluționarea sarcinilor de construire a socialismului. A fost aprobat oficial în 1932 de către organele de partid în literatură și artă. În paralel, a existat arta neoficială.

Lucrările realismului socialist se caracterizează prin reprezentarea evenimentelor epocii, „schimbându-se dinamic în dezvoltarea lor revoluționară”. Conținutul ideologic al metodei a fost stabilit de marxism-leninism. Metoda a acoperit toate domeniile de activitate artistică (literatură, teatru, cinema, pictură, sculptură, muzică și arhitectură).

Aplicarea sa a afirmat următoarele principii:
- reprezentarea artistică a realității „cu acuratețe, în concordanță cu evoluția revoluționară istorică specifică”;
- coordonarea creativităţii artistice cu ideile marxism-leninismului, implicarea activă a oamenilor muncii în construcţia socialismului, afirmarea rolului conducător al Partidului Comunist.

Spațialismul

Spațialismul (în italiană Movimento spaziale, din italiană spazio - spațiu) este o direcție în artă care consideră pictura și sculptura ca o formă de artă care combină culoarea, sunetul, spațiul, mișcarea și timpul. Spațialismul combină elemente de concretism, dadaism și tahism. Fondatorul spacialismului este artistul și sculptorul italian Lucio Fontana, care a apărat principiile sintezei artei bazate pe realizările științifice și tehnologice moderne în „Manifestul alb” (în spaniolă: Manifiesto blanco, 1946) și a pus baza teoretica o nouă tendință în lucrarea „Manifestul tehnic al spațialismului” (în italiană: Manifesto tecnico dello Spazialismo).

Cel mai lucrări notabileîn stilul spacialismului - o serie de picturi de Fontana „Concepte spațiale”, care folosea tehnica aplicării tăieturilor, rupturii, găurilor și zgârieturilor pe pânză, care, conform intenției autorului, asigurau accesul în spațiul înconjurător și surprindea energia mișcării artistului.

Suprematism

Suprematismul (din latină supremus - cel mai înalt) este o tendință în arta de avangardă, fondată în prima jumătate a anilor 1910. K. S. Malevici. Fiind un fel de artă abstractă, Suprematismul s-a exprimat în combinații de planuri multicolore ale celor mai simple contururi geometrice (în formele geometrice ale unei linii drepte, pătrat, cerc și dreptunghi). Combinația de figuri geometrice multicolore și de dimensiuni diferite formează compoziții suprematiste asimetrice echilibrate, impregnate de mișcare interioară.

În stadiul inițial, acest termen, revenind la rădăcina latină suprem, însemna dominație, superioritatea culorii asupra tuturor celorlalte proprietăți ale picturii. În pânzele neobiective, vopseaua, potrivit lui K. S. Malevich, a fost pentru prima dată eliberată de un rol auxiliar, de a servi altor scopuri - picturile suprematiste au devenit primul pas al „creativității pure”, adică un act care a egalat creativitatea. puterea omului și a Naturii (Dumnezeu).

Suprematismul a devenit unul dintre fenomenele centrale ale avangardei ruse. Începând cu 1915, au fost expuse primele lucrări abstracte ale lui Malevich, inclusiv Piața Neagră, iar mulți artiști au fost influențați de suprematism.

Suprarealism

Suprarealismul (franceză surre "alisme - super-realism) este o tendință în artă care s-a format la începutul anilor 1920 în Franța. Se remarcă prin utilizarea aluziilor și a combinațiilor paradoxale de forme.

Scriitorul și poetul Andre Breton este considerat fondatorul și ideologul suprarealismului. În 1917, Guillaume Apollinaire a numit una dintre piesele sale sub titlul „dramă suprarealistă”.

Conceptul principal al suprarealismului, suprarealitatea este combinația dintre vis și realitate. Pentru a face acest lucru, suprarealiştii au oferit o combinaţie absurdă, contradictorie, de imagini naturaliste prin colaj şi tehnologie gata făcută. Suprarealistii s-au inspirat din ideologia de stanga radicala, dar si-au propus sa inceapa revolutia din propria lor constiinta. Arta a fost concepută de ei ca principalul instrument de eliberare.

Tahism

Tachisme (în franceză Tachisme, din Tache - spot) este o tendință în abstractionismul vest-european din anii 1950 și 60, care a fost cel mai răspândită în Statele Unite. Este un tablou cu pete care nu recreează imagini ale realității, ci exprimă activitatea inconștientă a artistului. Mișcări, linii și pete în tachisme sunt aplicate pe pânză cu mișcări rapide ale mâinii fără un plan premeditat. Grupul european „COBRA” și grupul japonez „Gutai” sunt aproape de Tachismo. Unul dintre sinonimele complete ale Tachisme în ceea ce privește metoda creativă și ideologia este expresionismul abstract, cu toate acestea, momentul apariției, geografia distribuției și compoziția personală a acestor mișcări nu coincid complet.

Tonalism

Tonalismul - o tendință în arta americană de la sfârșitul secolului al XIX-lea, originară și principalele tradiții din școala Barbizon, a apărut atunci când artiștii au început să înfățișeze peisaje cu un ton general de atmosferă colorată sau ceață.

Numele este legat de al lui caracteristica principală: un singur ton predomină în imagine, el este cel care domină întreaga compoziție și creează o atmosferă și o stare de spirit deosebită. A fost în mare parte pictură de peisaj. Originile acestei mișcări pot fi urmărite până la pictura de peisaj a școlii de la Barbizon, cu combinația sa de realism și tendința spre vivacitatea impresionistă. Principalii reprezentanți ai Tonalismului sunt marele pictor anglo-american James Abbott Whistler și foarte interesantul artist american George Innes. Treptat, tonalismul a fost înlocuit de impresionism, iar în jurul anului 1915 a ajuns la nimic.

transavangarda

O tendință în arta europeană. Termenul a fost introdus în 1979 de criticul italian Achille Bonito Oliva și însemna literal „după avangardă”. Conceptul de transavangardă a fost primul care a definit opera artiștilor italieni care au lucrat într-o manieră neoexpresionistă. Dar ideea a câștigat rapid recunoaștere în întreaga lume. În lucrarea „Transavangarda internațională”, scrisă la începutul anilor 1980. în colaborare cu critici de artă europeni și americani, A. Bonito Oliva a unit sub acest nume neoexpresionismul german, noua imagine argentiniană, figurativitatea liberă franceză. A. Bonito Oliva spune că transavangarda este „o atmosferă culturală în care există arta ultimei generații artistice”; „transavangarda este singura avangardă posibilă astăzi”. Credo-ul estetic al transavangardei constă în stabilirea unui nou pitoresc, expresivitate, figurativitate, fizicitate, un principiu personal puternic pronunțat. Combinație gratuită de oricare stiluri artistice trecutul şi libertatea asociaţiilor istorice şi culturale nu împiedică în estetica sa dorinţa de autenticitate. Spre deosebire de postmoderni, transavangardiştii moderni au o sarcină serioasă de a înţelege fiinţa.

Transavangarda este post-avangardă cronologic, dar este o astfel de „post” încât: - există într-o situație de indestructibil pluralism artistic (și pluralism de mijloace de exprimare, mijloace de subzistență); - prin urmare, se adresează destul de organic la o varietate de tradiții și se inspiră din diverse proiecte, inclusiv în niciun caz tradiții avangardiste de mare amploare (realism, romantism etc.); - în principiu nu refuză niciun mijloc al avangardei tradiționale (inclusiv, de exemplu, suprarealismul, dada etc.); - respinge în primul rând paradigma conceptualismului care l-a precedat imediat, în care arta a pierdut legătura cu viata umanaşi redusă la un joc de imaginare mentale.

Fotorealism (hiperrealism)

Hiperrealismul este un termen care este folosit pentru a se referi la: a) tendințele în arta contemporană (pictură și sculptură) din anii 1990-2000, b) opera fotorealiştilor europeni din anii 1970.

Cuvântul „hiperrealism” a fost inventat de Isy Brachot în 1973 ca sinonim francez pentru „fotorealism”. „Hiperrealismul” a devenit titlul unui mare catalog și expoziție la Bruxelles în același 1973. Expoziţia a prezentat în principal lucrări ale fotorealiştilor americani, dar a inclus şi lucrări ale unor artişti europeni importanţi precum Gnoli, Gerhard Richter, Klapheck şi Delcol. Aproape treizeci de ani mai târziu, termenul a început să fie folosit pentru a defini creativitatea grup nou artiștilor.

Hiperrealismul modern se bazează pe principiile estetice ale fotorealismului, dar, spre deosebire de acesta din urmă, nu caută să copieze literalmente realitatea cotidiană. Obiectele și scenele din pictura hiper-realistă sunt detaliate pentru a da iluzia realității, dar nu este suprarealist, deoarece reprezentarea ar fi putut foarte bine să se întâmple.

Futurism

Futurism (latină futurum - viitor) - denumirea comună mișcările artistice de avangardă din anii 1910 - începutul anilor 1920, în primul rând în Italia și Rusia. Futuristii erau interesați nu atât de conținut, cât de forma versificației. Au venit cu cuvinte noi, au folosit vocabular vulgar, jargon profesional, limbajul documentului, afiș și postere.

Expresionism

Expresionismul (din latinescul expresio, „expresie”) este o tendință în arta europeană din epoca modernistă, care s-a dezvoltat cel mai mult în primele decenii ale secolului al XX-lea, în principal în Germania și Austria. Expresionismul caută nu atât să reproducă realitatea, cât să exprime stare emotionala autor. Este reprezentat într-o varietate de forme de artă, inclusiv pictură, literatură, teatru, arhitectură, muzică și dans. Aceasta este prima mișcare artistică care s-a manifestat pe deplin în cinema.

Expresionismul a apărut ca o reacție ascuțită și dureroasă la diformitățile civilizației capitaliste, Prima razboi mondialși mișcări revoluționare. Generația traumatizată de masacrul Războiului Mondial (care a ucis asemenea mari maeștri precum August Macke și Franz Marc) a perceput realitatea într-un mod extrem de subiectiv, prin prisma unor emoții precum dezamăgirea, anxietatea, frica. Ei au contrastat estetismul și naturalismul generației mai în vârstă cu ideea unui impact emoțional direct asupra publicului. Pentru expresionişti mai presus de toate subiectivitatea actului creator. Principiul expresiei prevalează asupra imaginii. Motivele durerii și țipetele sunt foarte frecvente.

Estetism

Esteticismul, sau mișcarea estetică, este o mișcare europeană în literatură, arte plastice și decorative și design interior în secolul al XIX-lea, care a subliniat predominanța valorilor estetice asupra problemelor etice și sociale. În esență, estetismul exprimă tendințele decadenței europene, așa că este văzut ca o ramură a acestui fenomen în Anglia. Rădăcinile estetismului se întorc la romantism, dar el însuși a fost o reacție la epoca victoriană, anticipând astfel modernismul. A fost larg răspândită în a doua jumătate a secolului al XIX-lea, aproximativ în 1868-1901, și este general acceptat că dispariția sa este asociată cu procesul lui Oscar Wilde (1895).

Arta Academică

Academismul (fr. academisme) este o tendință în pictura europeană din secolele XVII-XIX. Academismul a crescut urmând formele exterioare ale artei clasice. Adepții au caracterizat acest stil ca o reflecție asupra formei de artă a antichității antice și a Renașterii.

Academismul a ajutat la aranjarea obiectelor în educația artistică, a întruchipat tradițiile artei antice, în care imaginea naturii a fost idealizată, compensând în același timp norma frumuseții.

Arte Povera

Arte Povera (în italiană Arte Povera - artă săracă) este un termen introdus în 1967 de criticul și curatorul de artă Germano Celant pentru a defini mișcarea artistică care a reunit artiști din Roma, Torino, Milano și Genova în a doua jumătate a anilor 1960 - 1970. Artiștii Arte Povera au vizualizat un dialog între natură și industrie folosind materiale industriale sau non-artistice, au dorit să elibereze creativitatea de constrângerile formelor de artă tradiționale și ale spațiului artistic și s-au jucat cu dimensiunea politică a materialelor industriale. Mișcarea a devenit un fenomen proeminent pe scena artistică internațională, în opoziție și dialog cu minimalismul din America, care folosea și materiale industriale. Din punctul de vedere al artiștilor arte povera, minimalismul s-a preocupat de aspecte ale formei și nu a abordat problemele poetice, politice și istorice care erau importante pentru arte povera. Arte Povera nu era o asociație de artiști cu propriul manifest. A fost înainte de toate o mișcare care, cu ajutorul unui curator și al unui critic, a fost recunoscută și clasificată în întregime. Unii dintre artiștii arte povera, care aparțineau unor generații diferite, erau deja bine cunoscuți în cercurile artistice din Italia.

Artă concretă (concretism)

Arta concretă (germană Konkrete Kunst, engleză Concrete art, franceză Art concret) este una dintre zonele centrale ale artei avangardiste europene care a apărut în prima jumătate a secolului al XX-lea și și-a găsit expresia în pictură, sculptură, fotografie și, de asemenea, în poezie.

Conceptul de artă concretă a fost proclamat de artistul olandez Theo van Doesburg în 1924, iar în 1930 a fost introdus în program în același an al grupului de artă format Art concret. S-a avut în vedere că, în cazul ideal, arta pur concretă ar trebui să se bazeze exclusiv pe parametri matematici și geometrici. Nu este abstractă în adevăratul sens al cuvântului, deoarece nu abstrage realitatea materială, ci mai degrabă materializează principii ideale, spirituale. Arta concretă nu are nici un sens simbolic propriu, ea generează mai degrabă construcții pur geometrice, speculative pentru maestru.

Kitsch, kitsch (germană Kitsch - hack, bad taste, „ieftin”) este unul dintre fenomenele culturii de masă, sinonim pentru pseudo-artă, în care atenția principală este acordată extravaganței aspectului exterior, zgomotului elementele sale. A primit distribuție specială în diverse forme de decorațiuni casnice standardizate. Ca element al culturii de masă, este punctul de plecare maximă de la valorile estetice elementare și, în același timp, una dintre cele mai agresive manifestări ale tendințelor de primitivizare și vulgarizare în arta populară.

Deoarece cuvântul a intrat în uz ca răspuns la corpul mare de lucrări de artă din secolul al XIX-lea care confunda calitățile estetice cu sentimentalismul exagerat sau melodrama, kitsch-ul este cel mai strâns asociat cu arta care este sentimentală, stânjenitoare sau plină de lacrimi, dar cuvântul poate fi aplicat la un obiect de artă, orice fel, defect din motive similare. Fie că este sentimental, spectaculos, pompos sau creativ, kitsch-ul a fost numit o exagerare care imită partea exterioară a artei. Se spune adesea că kitsch-ul se bazează doar pe repetarea convențiilor și tiparelor și este lipsit de creativitatea și autenticitatea expuse de adevărata artă.

letrism

Letrismul (fr. lettrisme) este o mișcare de avangardă franceză fondată de imigrantul român Isidore Izu la mijlocul anilor 1940 la Paris. Baza letrismului este sistematizarea și clasificarea literei (letre) în toate sferele culturii și creativității. Cel mai adesea, letrismul se referă la crearea de imagini asemănătoare fonturilor, precum și la compoziții bazate pe acestea; a cărei formă acustică paralelă a fost poezia sonoră (poezia sonoră), care explorează fundamentele fonetice ale vorbirii. Rădăcinile mișcării pot fi găsite în dadaism și suprarealism.

Atingând fundamentele culturii europene de carte, letrismul a căpătat o colorare socio-politică. Acțiunea din 1952, în care aripa stângă a litriștilor a făcut scandal la o conferință de presă a lui Charlie Chaplin la Paris, a dus la o scindare în mișcare: un număr de lideri ai mișcării (Jean-Louis Brau, Gil J. Wolman, Francois Dufrene) a trecut la ideologia ultraletrismului. Internaționala Litristă, care s-a format mai târziu, a devenit un pas în tranziția de la letrism la situaționism.

Trimiteți-vă munca bună în baza de cunoștințe este simplu. Utilizați formularul de mai jos

Studenții, studenții absolvenți, tinerii oameni de știință care folosesc baza de cunoștințe în studiile și munca lor vă vor fi foarte recunoscători.

Documente similare

Pictura ca formă de artă. Un fel de artă plastică - grafică. Forma de artă antică - sculptură. Arhitectura este arta de a proiecta și de a construi. Principalele direcții și tehnici ale artei contemporane. Artă cinetică și de avangardă.

lucrare de termen, adăugată 05/11/2007


Pictura ca formă de artă. Principalele direcții și tehnici ale artei contemporane. Avangardism, realism, suprarealism, asamblare, minimalism, abstracție, instalație. Sculptură și arhitectură. Sistematizarea tendințelor artei moderne.

lucrare de termen, adăugată 16.09.2012


Tendințe în arta contemporană. Comparație între momentul creării unei noi direcții și tehnica figurilor de asamblare. Motivele ideologice ale autorului de a crea opere. Consecințe pentru dezvoltarea artei moderne în legătură cu inventarea noii tehnologii.

teză, adăugată 07.12.2013


Originea artei și semnificația ei pentru viața umană. Morfologia activității artistice. Imagine artisticăși stilul ca modalități de a fi artă. Realism, romantism și modernism în istoria artei. Arta abstractă, arta pop în arta contemporană.

rezumat, adăugat 21.12.2009


Cinetismul ca tendință în arta contemporană. Nașterea artei cinetice. Crearea unei opere de artă folosind lumină și mișcare. Elemente de cinetism sub formă de trucuri care au dat viață sculpturilor, în arte aplicate, scenografia teatrală.

prezentare, adaugat 18.05.2015


Locul artei în cultură. Ideea de artă în cultură în ansamblu. Exprimarea pasiunilor umane. Arta ca activitate estetică în contextul culturii. Principalele funcții ale art. Modalități de a reproduce realitatea înconjurătoare.

rezumat, adăugat 17.05.2011


Originea artei în epoca peșterilor. Dezvoltarea artei în Grecia anticăși Roma. Caracteristici ale dezvoltării picturii în Evul Mediu, Renaștere și Baroc. Tendințele artistice în arta contemporană. Esența frumuseții din punct de vedere moral.