Definiția termenului

În sensul cel mai general, arta se numește măiestrie, al cărei produs dă plăcere estetică. Enciclopedia Britannica dă următoarea definiție: „Utilizarea deprinderii sau a imaginației pentru a crea obiecte, decoruri sau activități estetice care pot fi împărtășite cu alții”. Astfel, criteriul artei este capacitatea de a evoca un răspuns din partea altor persoane. Operele de artă au început să fie create în timpuri preistorice, totuși, unii autori tind să ia în considerare doar arta activitate profesională oameni de artă din țările occidentale moderne. Literatura despre conceptul de artă în sine este extrem de vastă. După cum spunea Theodor Adorno: „În vremea noastră, este general acceptat că din tot ceea ce este într-un fel sau altul legat de artă, nimic nu mai poate fi considerat general acceptat.”

Afirmațiile teoretice conținute în afișe futuriste, în care sunt venerați pentru furia, dinamismul și modernitatea lor, predomină aproape întotdeauna în aplicarea practică. Povestea spusă de triptic se petrece într-o gară, un loc catalizator al trăirilor intense. Cele care rămân un fel de structură filamentoasă verticală par a fi prinse și împiedicate de munca lentă și plictisitoare a preoților, descrisă cu câteva mișcări oblice întunecate. Folosirea aproape monocroma a culorii surprinde perfect senzatia de vid si posomoarea celor care „raman” dupa despartire, cei care vin acasa dupa ce inspecteaza trenul.

Definirea și evaluarea artei ca fenomen este subiect de dezbatere continuă. Natura artei este adesea considerată „cel mai evaziv dintre toate misterele culturii umane”. Unii autori consideră că arta este un mod de exprimare sau de empatizare cu emoțiile și ideile, alții cred că este o modalitate de explorare și evaluare a elementelor formale, iar alții că este mimesis sau reprezentare. Lev Tolstoi a definit arta ca o modalitate de comunicare indirectă între oameni. Benedetto Croce și Robin Collingwood au dezvoltat doctrina idealistă conform căreia arta exprimă emoții și, prin urmare, esența ei este doar în intenția creatorului ei. Teoria artei ca formă își are rădăcinile în filosofia lui Immanuel Kant și a fost dezvoltată la începutul secolului al XX-lea de Roger Fry și Cleve Bell. Viziunea artei ca mimesis sau reprezentarea se întoarce la filosofia lui Aristotel.



Scena este văzută de sus, în centrul tabloului ies în evidență formele a doi oameni care își întind mâinile împreună în motto-ul atracției reciproce. O emoție puternică, frământarea sufletului în momentul retragerii, se realizează printr-un trend ondulat și chinuit de mișcări de pensulă, sugerând fum. mediu inconjurator. De această dată, utilizarea unei game largi de culori face posibilă înțelegerea că combinația de senzații diferite care sunt declanșate în același timp.

În cea de-a doua variantă a acestui tablou, Boccioni elimină figurile umane, înlocuindu-le cu forma unui tren care fumează fum și abur în așteptarea unui semnal stradal.

Cei care merg pe pânză sunt plini de semne rapide ale unei mișcări în diagonală. Această textură reproduce deformarea imaginii din cauza vitezei, așa cum este văzută de la fereastra unui tren, și este suprapusă de copacii peisagistic și casele înclinate văzute în partea de sus. Mișcarea și viteza trenului avertizează și despre curbele roșii pline de vânt și mânere care se repetă ritmic, simulând vizionarea a două momente diferite în același timp.

Arta primitivă era sincretică. Potrivit unor autori, ea își are originea în abilitățile și tehnicile pre-vorbirii de transmitere, percepere și stocare în memorie a informațiilor lingvistice. Utilitatea comunicativă a creativității primitive, alături de dezvoltarea aspectului estetic, se observă clar în perioada folclorică pretipărătoare a culturilor tuturor popoarelor. Există și teorii despre artă ca funcție biologică (instinctul artistic).

La cei care călătoresc, sentimentul de gol rămas în urmă este rapid umplut cu hotărârea de a pleca, entuziasmul și plăcerea călătoriei care urmează. Dacă rețeaua densă de înregistrare marchează o datorie clară față de scindare din ultima poză, găsim totuși toate elementele limbajului futurist din acel dinamism exprimat prin linia diagonală a caselor, în viteză, în ritm și simultaneitate de linii concentrice. .



Cu acest tablou, Boccioni afirmă că vrea să „aducă la viață un nou altar modern, vibrant de dinamică, la fel de pur și sublim precum cei care au fost ridicați de la contemplația religioasă la misterul divin”. Tabloul se referă la un eveniment real, la un site de la periferia Milanului și, nu numai plan general, la extinderea zonelor urbane, cu însuşirea urbanistică a spaţiului ocupat de sat, şi cucerirea cerului prin construirea de clădiri tot mai înalte. Palatele și pădurile sunt vizibile în fundal, la fel și coșurile de fum ale industriilor și noul tramvai electric.

Arta în lumea antică

Portretul brutarului Terence Neon și al soției sale. Pompeii (Casa lui Terence Neon, VII, 2, 6). Inv. Nu. 9058. Napoli, Muzeul Național de Arheologie.

Bazele artei în sensul modern al cuvântului au fost puse de civilizații antice: egipteană, babiloniană, persană, indiană, chineză, greacă, romană, precum și arabă (vechiul Yemen și Oman) și altele. Fiecare dintre centrele menționate ale civilizațiilor timpurii și-a creat propriul stil de artă unic, care a supraviețuit secolelor și a influențat culturile ulterioare. Au lăsat și primele descrieri ale operei artiștilor. De exemplu, maeștrii greci antici i-au depășit în multe privințe pe alții în imagine corpul umanși au putut să arate mușchii, postura, proporțiile corecte și frumusețea naturii.

Caii în galop domină primul plan, traulerele au devenit simboluri ale vitalității și dinamismului universal. Dinamism care investește și trage oamenii. Culorile luminoase și intense vin cu mișcări vibrante de pensulă. Figurile nu sunt conturate, liniile de culoare ale fiecăreia dintre ele se îmbină cu nuanțele altor figuri și ale mediului.

Trupurile noastre intră în canapele și canapele intră în noi, la fel cum intră un tramvai care trece în case, care la rândul lor se poticnesc și se contopesc cu tramvaiul. Cu această lucrare, Boccioni afirmă că vrea să reia arta mumificată a sculpturii. Personajul principal este încă dinamismul. Marele Bronz este de fapt o persoană, poate un atlet, într-o cursă care sugerează avansare eroică, o atitudine de încredere și de cucerire a ceea ce urmează, deci voința și curajul de a înfrunta viitorul.

Artele în Evul Mediu

Vezi și Renașterea carolingiană

Modernismul cu căutarea idealistă a adevărului în a doua jumătate a secolului XX. a deschis calea pentru realizarea propriei sale imposibilități. Relativitatea a fost acceptată ca un adevăr incontestabil, care a marcat apariția perioadei artei moderne și a criticii postmoderne. Cultura mondială iar istoria au devenit, de asemenea, categorii relative și trecătoare, care au început să fie tratate cu ironie, iar estomparea granițelor culturilor regionale a dus la înțelegerea lor ca părți ale unei singure culturi globale.

Pentru a descrie membrele posterioare, mușchii, ligamentele și artistul folosește și o linie curbă, capabilă să sugereze mișcare, exacerbată și mai mult de alternanța suprafețelor concave și convexe, care, respectiv, rețin și reflectă lumina. Avangarda, în sens cultural, este o serie de limbi noi care apar și se instalează în Europa la începutul secolului al XX-lea. Este vorba despre grupuri organizate de artiști și intelectuali care, prin alcătuirea de afișe de program, intenționează să urmeze o linie comună. Futurismul Futurismul tiparului, aflat în fruntea secolului al XX-lea, se caracterizează printr-o dorință reînnoită pentru o revoltă a sentimentelor față de tradiția culturii clasice a încrederii necondiționate în posibilitățile viitorului și în inovațiile sale tehnice de a lupta pentru „ "munca" ideala arta generala”, care poate cuprinde toate simțurile și domeniile cercetării intelectuale. Apariția războiului ca singura salubritate a lumii. Manifestul Artiștilor Futuristi, adresat tinerilor artiști italieni, încurajându-i să se revolte împotriva tradiției, împotriva instituțiilor, împotriva profesorilor și criticilor, Manifestul Tehnic al Picturii Futuriste, în care cele două concepte fundamentale ale limbajului pictural futurist sunt: ​​dinamism și întrepătrundere.

  • Avangardă.
  • Înlocuirea miturilor din trecut cu cele ale prezentului și viitorului.
Căutarea sublimului în pictura contemporană influențează manifestarea acestuia în artele vizuale contemporane, așa cum artiștii de avangardă și conceptuali se străduiesc mai mult să-și exprime ideile, idealurile, filozofiile, emoțiile, impulsurile subconștiente, gândurile subconștiente - lucruri care nu pot fi văzute, adică. e. exprimate realist.

Clasificare

Arta poate fi clasificată după diferite criterii. subiectul afișat Arte vizuale este realitatea externă, în timp ce artele non-picturale întruchipează lumea interioară. În funcție de tipul de expresie și percepție, artele non-fine sunt împărțite în muzicale, dans și literare, sunt posibile și tipuri mixte. Tipuri variate Arta se caracterizează prin diferențierea genurilor.

Se conturează direcția căutării și schimbării lor în artele vizuale spre forme mai abstracte, până când se ajunge la negația culorii în pictură și la respingerea picturii în sine. La toate acestea se adaugă și încrederea artiștilor că opera ar trebui să fie contemplată și percepută de privitor, nu a spus autorul. Aceasta, la rândul său, este una dintre principalele caracteristici ale sublimului ca categorie estetică.




Cum să înțelegeți pictura ca artă temporară și care este relația factorului timp în raport cu pictura, pictura și arta plastică. Pictura nu este artă-timp în raport cu dezvoltarea artei în sine, dar factorul timp este o parte integrantă a picturii, picturii și artei plastice.

În funcție de dinamica artei, poate fi împărțit în spațial și temporal. După utilitatea lor, artele se împart în aplicate și elegante (pure).

În funcție de materiale, arta poate fi împărțită în tipuri folosind

  • materiale tradiționale și moderne (vopsele, pânză, lut, lemn, metal, granit, marmură, ipsos, materiale chimice, produse din industria de serie etc.)
  • modalități moderne de stocare a informațiilor (inginerie electrică modernă, calculatoare digitale)
Artă media: artă pe computer, pictură digitală, artă web etc.
  • sunet (vibrații audibile ale aerului)
Muzică: clasică, academică, electronică (vezi genuri și stiluri muzicale)
  • cuvânt (unitate lingvistică)
caligrafie, cântece, literatură (proză, poezie)
  • intermediar uman (interpret: actor, cântăreț, clovn etc.)

În funcție de sentimentele și emoțiile exprimate, arta poate fi împărțită în genuri și stiluri: dramă, tragedie, comedie, farsă etc.




Care este impulsul creator pentru pictură, crearea unei opere de artă și cultivarea ca artist. Cel mai simplu mod de a pune un impuls creativ este impulsul interior al autorului de a crea, de a crea, de a-și deschide imaginația, de a vorbi prin expresia artei.

Pictura cu acuarele - natură și scop. Diferența dintre desen și acuarelă




Esența picturii cu acuarelă este aceeași cu esența picturii în general, în ceea ce privește principalele sale funcții, dar diferă în tehnica cu care a fost realizată. Principala și cea mai importantă diferență între desen și pictura în acuarelă este stabilită de artistul care vizează creația.

~ Artele Static Dinamic
Amenda pictură, grafică (desen, printmaking), arte și meserii, sculptură, fotografie, graffiti, benzi desenate film mut
teatru, operă, muzică pop, circ, cinematografie, jocuri video
non-pictural (expresiv) arhitectura, literatura muzică, coregrafie, balet, artă radio

Orice tip de activitate poate fi numit în mod condiționat artă dacă interpretul își pune sentimentele într-o nouă formă originală și semnificativă. Deci, de exemplu, ikebana, artele marțiale etc. pot fi clasificate ca artă pe baza percepției estetice a elementelor acestei activități asociate cu grafica, sunetul, mișcarea și conform principiului gradului de stăpânire a execuției. .

Descompunerea mucegaiului și sinteza imaginilor în pictura cubistă și cubistă




Aplicarea lor în pictură este diferită - fiecare dintre ele are propriul său sens pentru dezvoltarea unei idei în procesul unui act creativ.


caracteristica principală curenti in artă contemporană numit cubism este o descompunere a formei detaliilor care sunt pictate parcă observate din puncte diferite viziunea in acelasi timp. Se bazează pe conceptul acestui stil - ochii văd obiectul dintr-un punct de vedere, dar mintea îl percepe ca fiind complet - din toate părțile sale și toate trăsăturile sale, în același timp.

Manifestarea talentului antreprenorial se manifestă în arta de a construi un sistem de afaceri. Crearea unei noi afaceri nu poate fi redusă la o secvență predeterminată de acțiuni și a fost mult timp recunoscută ca un tip de artă special în mediul socio-economic.

Uneori în loc de termen artă folosiți un sinonim de origine străină artă: pixel art, ORFO art, terapie prin artă, body art (unul dintre tipurile de artă avangardă), artă video, artă sonoră, net art.

Pictura, arta, creativitatea personala - desen care se dezvolta la copii

Prin urmare, atunci când obiectele cubismului par a fi desenate pe un plan, se pot vedea puncte de vedere diferite în același timp.


Desenul copiilor, pictura, arta, creativitatea personala, pictura nu este doar un mijloc de comunicare la copii, ci este important pentru dezvoltarea creativitatii, imaginatiei, a capacitatii de a percepe arta si lumea din jurul ei. Creativitatea și imaginația, la rândul lor, nu sunt doar atributele unui artist și ale unui artist - acestea sunt proprietățile fiecărei persoane, iar bogăția lor poate ajuta o persoană să rezolve probleme în toate aspectele vieții și să găsească soluții inovatoare în toate domeniile dezvoltării profesionale. .

Artă și critică

teoriile artei

Încă din antichitate, arta a fost subiect de studiu ca practică a filozofiei. În secolul al XIX-lea, arta era văzută în principal ca produsul unei interacțiuni între adevăr și frumos. De exemplu, teoreticianul esteticii John Ruskin, analizând opera lui Turner, a remarcat că sensul artei este de a crea acces la adevărul ezoteric conținut în natură folosind metode artistice.

De ce "pictură desen pentru copii?" Pentru că culoarea este principalul mijloc de exprimare la copii. Ei percep lumea cu un nivel de emoție și spontaneitate, așa că alegerea culorilor este o parte importantă a muncii lor.


Pictura modernă și de avangardă de la începutul secolului al XX-lea provine din refuzul artistului de a imita natura și din dorința lor de a exprima lumea ideilor, folosind mijloacele de exprimare care le rezistă cel mai bine și folosind realizările științei și tehnologiei doar pentru să înțeleagă lumea, dar și să creeze artă și pictură, care sunt mai puțin impresionante și mai conceptuale.

Funcțiile tehnicii descrise mai sus nu se exclud reciproc și se pot suprapune. De exemplu, arta pentru divertisment poate fi asociată cu un produs, un film sau o reclamă pentru jocuri video. Unul dintre trasaturi caracteristice arta postmodernă (după anii 1970) - creșterea utilitarismului, funcționalității, concentrarea pe comercializare, în timp ce arta nemotivată sau utilizarea ei în scopuri simbolice și rituale devine din ce în ce mai rară.

Artă, structură socială și valori

Adesea, arta este văzută ca un atribut al unor pături sociale selectate, străine altor pături ale populației. În acest sens, căutarea artei este în general văzută ca aparținând claselor superioare, asociată cu bogăția, capacitatea de a cumpăra lucruri frumoase, dar inutile și o înclinație pentru lux. Ca exemplu, susținătorii unor astfel de vederi pot cita Palatul Versailles sau Ermitajul din Sankt Petersburg cu colecțiile lor extinse, adunate de cei mai bogați monarhi din Europa. Doar oamenii foarte bogați, guvernele sau organizațiile își pot permite astfel de colecții.

Ultimele decenii au arătat că noile tendințe nu au reușit să pună o barieră în comercializarea artei: au intrat pe piață DVD-uri cu videoclipuri ale spectacolelor acționiste, invitații la spectacole exclusive, precum și obiecte lăsate de conceptualiști în expozițiile lor. Multe spectacole au fost acțiune, al cărei sens este clar doar pentru intelectualii educați, o elită de alt fel. Înțelegerea artei a devenit un nou simbol al apartenenței la o elită, în loc să dețină operele în sine, și deoarece cunoașterea istoriei și teoriei artei necesită nivel inalt educație, arta este încă un semn de apartenență la clasa superioară. „Odată cu apariția tehnologiei DVD în anii 2000, artiștii și galeriile care profită din vânzări și expoziții de opere de artă au preluat controlul pieței pentru imagini video și computerizate, care sunt disponibile pentru colecționari în cantități limitate”.

Discuții de clasificare

Istoria artei cunoaște multe discuții despre semnificația unei anumite lucrări. Pe parcursul secolului trecut, această întrebare a devenit direct legată de înțelegerea sensului termenului de artă în sine.

Filosofii greci antici au dezbătut dacă etica este „arta unei vieți virtuoase”. În secolul al XX-lea, discuțiile despre apartenența la artă au apărut adesea în jurul operei cubiștilor și impresioniștilor, a Fântânii lui Marcel Duchamp, a cinematografiei, a imaginilor mărite de bancnote, a propagandei și chiar a unui crucifix scufundat în urină. În cadrul artei conceptuale, sunt adesea create în mod deliberat lucrări care se află la limita a ceea ce este înțeles prin artă. Noile media, precum jocurile video, sunt incluse treptat de către artiști și critici în categoria de artă, deși aceste schimbări de clasificare nu sunt recunoscute peste tot și nu de către toată lumea.

Filosoful David Novitz credea că dezacordurile cu privire la definiția artei nu sunt în general semnificative. Mai degrabă, „opiniile și interesele partizane ale oamenilor în viața lor publică formează o parte semnificativă a tuturor discuțiilor despre clasificarea artei” (Novitz, 1996). Potrivit lui Novitz, acestea sunt de obicei discuții despre valorile noastre și despre modul în care societatea se dezvoltă, nu despre teorii. De exemplu, când Daily Mail critică opera lui Hirst și Emin: „De o mie de ani, arta a fost una dintre forţe motrice civilizaţie. Astăzi, oile murate și un pat de sare ne pot face pe toți barbari”, aceasta nu este o definiție sau o teorie a artei, ci doar o chestionare a valorii artistice a unei anumite opere. În 1998, Arthur Danto a propus un experiment de gândire care arată că „statutul unui artefact ca operă de artă depinde mai mult de opiniile societății despre artă decât de propriile sale trăsături fizice sau senzoriale. Interpretarea în cadrul unei culturi date (într-un fel, teoria artei) determină, așadar, apartenența unui obiect la artă.

Arta si stiinta

Arta și aspectele sale individuale fac obiectul cercetării științifice. Știința care studiază arta în general și fenomenele conexe este istoria artei. Ramura filozofiei care se ocupă de studiul artei este estetica. Fenomenele legate de artă sunt tratate și în alte științe sociale și umaniste, cum ar fi studiile culturale, sociologia, psihologia, poetica și semiotica.

Pentru prima dată, Aristotel (384-322 î.Hr.) s-a orientat către studiul sistematic al artei în lucrarea sa Poetica. Interesant este că în alte scrieri, Aristotel a inițiat și sistematizarea cunoștințe științificeși metoda științifică.

In zilele de azi rol deosebit semiotica joacă în studiul artei. Această știință, apărută la sfârșitul secolului al XIX-lea, are în vedere o gamă largă de probleme din punctul de vedere al sistemelor de comunicare și semne. Yuri Lotman (1922-1993), un remarcabil culturolog și semiotician sovietic, a propus în lucrările sale o abordare semiotică a culturii și a descris un model de comunicare pentru studiul unui text literar. Prin această abordare, arta este privită ca un limbaj, adică un sistem de comunicare care folosește semne ordonate într-un mod special.

Există o ipoteză că arta a apărut înaintea științei și a absorbit-o mult timp. Atât arta, cât și știința sunt sisteme simbolice ale cunoașterii omului despre natură și despre sine, iar pentru aceasta folosesc experimente, analiză și sinteză.

Diferențele dintre artă și știință:

  • știința și tehnologia au o influență mai mare asupra lucrurilor, iar arta asupra psihologiei;
  • știința atinge obiectivitatea, în timp ce autorii operelor de artă se investesc, sentimentele lor în ele;
  • metoda științifică este strict rațională, în timp ce în artă este întotdeauna loc pentru intuitivitate și inconsecvență;
  • fiecare operă de artă este unică și completă, fiecare tratat- doar o verigă în lanțul de predecesori și adepți;

Trebuie avut în vedere că aceste diferențe sunt adevărate doar cu o examinare superficială a esenței lor. Fiecare articol este un subiect separat de discuție.

Artă și religie

Este imposibil să separăm nașterea artei de nașterea religiei. Din punctul de vedere al unei religii consacrate, arta este doar o modalitate simbolică de a transmite adevărurile superioare predicate de o anumită religie. Pentru o lungă perioadă de timp, de la perioada de glorie a creștinismului și până la Renaștere în lumea europeană, arta a fost comandată în principal de către biserică.

Vezi si

Note

Literatură

Portal "Artă"
Artăîn Wikţionar
Artă la Wikibooks

Forma primară de artă a fost una specială sincretic complex (nedivizat) de activitate creativă. Totul a fost îmbinat într-o singură acțiune rituală. Mai târziu, din această acțiune sincretică a început să iasă în evidență anumite tipuri artă.

Tipuri de artă- sunt forme consacrate istoric de reflectare artistică a lumii, folosind mijloace speciale pentru a construi o imagine - sunet, culoare, mișcare a corpului, cuvânt etc. Fiecare tip de artă are propriile sale varietăți speciale - genuri și genuri, care împreună oferă o varietate de atitudini artistice față de realitate. Să luăm în considerare pe scurt principalele tipuri de artă și unele dintre soiurile lor.

Literatură folosește mijloace verbale și scrise pentru a construi imagini. Există trei tipuri principale de literatură - dramă, epopee și versuri și numeroase genuri - tragedie, comedie, roman, poveste, poezie, elegie, nuvelă, eseu, feuilleton etc.

Muzică folosește audio. Muzica este împărțită în vocală (destinată cântării) și instrumentală. Genuri de muzică - operă, simfonie, uvertură, suită, romantism, sonată etc.

Dans folosește mijloace de mișcări plastice pentru a construi imagini. Alocați ritualuri, populare, sală de bal,

dansuri moderne, balet. Direcții și stiluri de dans - vals, tango, foxtrot, samba, poloneză etc.

Pictura afișează realitatea pe un plan prin intermediul culorii. Genuri de pictură - portret, natură moartă, peisaj, precum și genuri de zi cu zi, animalistic (imaginea animalelor), genurile istorice.

Arhitectură formează un mediu spațial sub formă de structuri și clădiri pentru viața umană. Este împărțit în rezidențial, public, grădinărit peisagistic, industrial etc. Alocați de asemenea stiluri arhitecturale- gotic, baroc, rococo, art nouveau, clasicism etc.

Sculptură creează opere de artă având volum și formă tridimensională. Sculptura este rotundă (bust, statuie) și în relief (imagine convexă). Mărimea este împărțită în șevalet, decorativ și monumental.

Arte și Meserii legate de nevoile aplicației. Acestea includ obiecte de artă care pot fi folosite în viața de zi cu zi - vase, țesături, unelte, mobilier, haine, bijuterii etc.

Teatru organizează o acţiune scenă specială prin jocul actorilor. Teatrul poate fi dramatic, operă, păpuși etc.

Circul prezintă o acțiune spectaculoasă și distractivă cu numere neobișnuite, riscante și amuzante într-o arenă specială. Acestea sunt acrobații, act de echilibru, gimnastică, călărie, jongla, trucuri de magie, pantomimă, clown, dresaj de animale și așa mai departe.

Film este dezvoltarea acţiunii teatrale bazată pe mijloace audiovizuale tehnice moderne. Tipurile de cinematografie includ ficțiune, filme documentare, animație. După gen, se disting comedii, drame, melodrame, filme de aventură, detectivi, thrillere etc.

Fotografie fixează imagini vizuale documentare cu ajutorul mijloacelor tehnice - optice și chimice sau digitale. Genurile de fotografie corespund genurilor picturii.

Etapă include mici forme de arte spectacolului - dramaturgie, muzică, coregrafie, iluzii, spectacole de circ, spectacole originale etc.

Proiecta este o activitate de design care vizează îmbunătățirea vieții fiecărei persoane prin crearea unei imagini ergonomice constructive a unui mediu holistic, estetic și a obiectelor care alcătuiesc acest mediu. Designul este proiectarea obiectelor în care forma corespunde scopului lor.

La tipurile de artă enumerate pot fi adăugate grafică, artă radio etc.

Fiecare specie, gen sau gen prezintă o latură sau o fațetă specială viata umana, dar luate împreună, aceste componente ale artei oferă o cuprinzătoare tablou de artă pace.

Nevoia de creație artistică sau de bucurie de opere de artă crește odată cu creșterea nivelului cultural al unei persoane. Arta devine cu atât mai necesară, cu cât o persoană este separată de starea animală.