Renașterea este una dintre cele mai strălucitoare din istoria artei mondiale. Acoperă secolele XIV-XVI. în Italia, secolele XV-XVI. în ţările de la nord de Alpi. Această perioadă de dezvoltare a culturii și-a primit numele - Renaștere (sau Renaștere) - în legătură cu renașterea interesului pentru arta antică, îndreptându-se spre ea ca un ideal frumos, un model. Dar, desigur, noua artă depășește cu mult imitația trecutului.

În epoca romanică, sculptura își asumă un rol proeminent în toată Europa, mai ales cu funcție didactică. Decorarea sculpturală a portalurilor, capitelurilor, amvonurilor bisericilor este de fapt și scopul de a converti credincioșii în cursul corect de acțiune; Astfel, în bisericile romanice este prezentată Judecata Universală, care este să arate lucrul cumplit care se întâmplă cu cei care duc o viață de păcat, sau sunt înfățișate scenele Vechiului și Noului Testament, care spun adevărurile divine credincioase și dați exemple utile de comportament.

Alături de aceste figuri, sculptura romanică confirmă o serie de imagini bizare cu animale și personaje reale, fantastice sau monstruoase, cărora li se atașează o semnificație simbolică. Maimuțe fantomatice, lei diabolici, oameni devastați, sirene seducătoare, centauri bestiali, grifoni, animale cu două capete, oameni cu un picior sau urechi uriașe umplu sculptura romană, pentru că adesea imaginea are mai multă energie decât cuvântul, iar odată cu sugestia, povestea lovește sufletul credincioșilor, împingându-l departe de păcat.

Cultura artistică a Renașterii a luat contur în perioada de ascensiune culturală, de creștere economică rapidă, de apariția unui nou sistem social - descompunerea vechiului mod de viață medieval și apariția relațiilor capitaliste. F. Engels scria despre Renaștere: „A fost cea mai mare răsturnare progresivă dintre toate cele experimentate de omenire până în acel moment, o epocă care avea nevoie de titani și care a dat naștere titanilor în ceea ce privește puterea gândirii, pasiunii și caracterului, în termeni. de versatilitate și bursă.”

Pentru a demonstra succesul acestor figuri în arta romanică, aceasta este vocea uneia dintre cele mai importante personalități religioase ale vremii: Bernardo di Chiaravalle, într-una dintre scrierile sale, se teme că călugării care se plimbă în biserici și mănăstiri provin din aceste ciudate și imagini mai imaginative care distrag atenția care au împins la meditație; Cu toate acestea, în timp ce critică aceste sculpturi fantastice, Bernardo pare să fie în continuare fascinat de ele, evitând cuvinte precum „frumusețe deformată” și „deformare frumoasă”.

Cea mai importantă figură din sculptura romanică este, fără îndoială, Viligelmo, autorul reliefurilor din Istorie. Vechiul Testamentîn Catedrala din Modena, unde o inscripție îl amintește ca „vrednic de cinste” pentru calitatea artei sale. Figurile sale sunt extraordinare pentru modelarea feței, repertoriul de gesturi extins și puterea expresivă. Wiligelmo subliniază apoi din nou importanța spațiului narativ, care, deși nu este prezentat în detaliu, este descris cu detalii eficiente și gesturi semnificative care captează atenția privitorului.

Schimbările economice și sociale radicale au dus la apariția unei noi viziuni progresiste asupra lumii - umanismul (de la cuvânt latin humanus - „om”). Toți umaniștii au fost inspirați de credința în puterile creatoare ale omului, puterea nemărginită a minții umane.

În acest moment, idealul unei persoane active, cu voință puternică se formează și se manifestă în diverse moduri. Este curios, plin de dorință pentru necunoscut, are un simț al frumosului dezvoltat.

Emblematic este episodul creației Evei: peisajul este descris doar prin stâncă, dar spațiul narativ este creat prin ridicarea simbolică a degetului creator al lui Dumnezeu, inerția reală a somnului profund al lui Adam, urmărirea lentă a Evei și contactul semnificativ dintre mâna lui din urmă și creatorul lui care pare să-i umple viața. ! În ceea ce privește stilul lui Wilhelmo, savanții au găsit multe contacte cu sculpturile bisericilor franceze, sugerând că artistul studia în Franța; de fapt mai mult decât o înclinație, este o modernitate culturală, un schimb reciproc care confirmă existența unui limbaj artistic comun în Europa.

Renașterea a ridicat ideea minții umane, capacitatea ei de a cunoaște lumea, la un nivel înalt. Dezvoltarea rapidă a științei este o trăsătură caracteristică acestei perioade. În căutarea unui ideal, umaniștii au acordat o atenție deosebită istoriei omenirii. Cultura antică s-a dovedit a fi cea mai apropiată de aspirațiile lor.

Mulți dintre oamenii educați din acea vreme au arătat indiferență față de religie. Și deși artiștii au pictat în principal pe teme religioase, ei au văzut în imaginile religioase o expresie poetică a acumulatului de-a lungul secolelor. experienta de viata al oamenilor. Ei au umplut vechile mituri creștine cu un conținut nou de viață.

Triumful anticului: Monte Cassino și Roma. O situație foarte specifică, legată de vicisitudinile și istoria Bisericii și a papalității, se găsește la Roma și în împrejurimile. De altfel, încă din secolul al XI-lea, Biserica generează o intensă acțiune de schimbare, o adevărată reformă care vizează înnoirea morală a clerului, iar la nivel politic, restabilirea autonomiei de către puterea seculară; ciocnire care va ieși în curând în lupta pentru investiții.

Așadar, din punct de vedere artistic, în teritoriile asociate papalității, se confirmă arhitectura inspirată din epoca creștină a creștinismului, adică epoca creștină timpurie; de aceea există multe biserici cu bazilică, cu transept, colonade lungi și decorațiuni inspirate din cele antice. Cea mai cunoscută dintre aceste clădiri a fost mănăstirea Montecassino din Lazio, reconstruită la sfârșitul secolului al XI-lea de către starețul Desiderio, care chiar a realizat materiale antice direct din Roma. Maria în Trastevere au fost construite în oraș, decorate cu mozaicuri abside magnifice inspirate de bazilicile creștine timpurii.

Dintre toate domeniile culturii, arta a ocupat primul loc în Italia. A fost o expresie creativă naturală a oamenilor de atunci.

Arta Renașterii, ca și cea a epocilor anterioare, urmărea să dea o idee despre structura lumii, pământească și cerească. Ceea ce era nou a fost că ideile despre divinitate și puterile cerești nu mai sunt interpretate ca un mister înfricoșător de neînțeles și, cel mai important, această artă este impregnată de credința în om, în virtutea minții sale, a abilităților creatoare.

Artă multiculturală: romanic în sudul Italiei. Începând cu mijlocul secolului al XI-lea, sudul Italiei a fost invazia normanzilor, care, smulgând cupolele longobarzilor, bizantinilor și arabilor, au dat naștere unui singur regat în sudul peninsulei. Astfel, arta romanică a devenit conștientă de dezvoltarea neobișnuită în această zonă datorită faptului că noii cuceritori au avut mintea să păstreze în viață și să amestece experiențele artistice și culturale anterioare, în special bizantine și arabe.

Teatrul de excelență pentru această artă multiculturală a fost Sicilia. În neobișnuita Capela Palatină din Palermo, care are o plantă tradițională cu trei coridoare, există mozaicuri bizantine lângă arcade arabe arcuite și în special alveole și un tavan din lemn de stalactită, pictat în fresce cu obiecte tipic arabe islamice; Catedrala din Cefalu combină mozaicuri bizantine cu un arc arab și două turnuri subțiri de aromă normandă pe fațadă. Caracteristicile islamice predomină în clădirile actuale, cum ar fi Ziza, al cărei nume provine din arabă Aziz care înseamnă „magnific”; palatul, de fapt, era cufundat într-o grădină mare cu fântâni, tarabe, plante parfumate și flori strălucitoare.

Viața Renașterii a fost strâns legată de artă. A fost partea sa inseparabilă, nu doar ca obiect de contemplare, ci și ca muncă și creativitate. Arta, așa cum spunea, a căutat nu numai să umple biserici și palate, ci și să își găsească un loc în piețele orașului, intersecțiile străzilor, pe fațadele caselor și în interioarele acestora. Era greu să găsești o persoană indiferentă față de artă. Prinții, comercianții, artizanii, clerul, călugării erau adesea oameni cunoscători în artă, clienți și patroni ai artiștilor. Generozitatea patronilor a fost alimentată de o sete de auto-mărire.

Arta romanică, arta romană și limbile romanice: originea numelui. Aceasta nu este tocmai o paralelă, deoarece limbile romanice sunt vorbite numai în teritoriile unificate ale imperiului, romanice limbaj artistic răspândită pe o zonă mult mai largă.

Termenul romanic se referă și la clădirile ridicate între secolele XI și XII fiind inspirate din modele și tehnici structurale. Roma antică; de fapt, însă, nu a existat niciodată o imitație completă sau totală a formelor clasice în arta romanică. Deși arta romanică nu este pe deplin adecvată, acum a devenit obișnuită.

Dezvoltarea artei a fost mult facilitată de faptul că în orase mari bogăție acumulată rapid. Dar succesul ușor nu i-a stricat nici pe cei mai pasionați artiști pentru faimă și profit, deoarece bazele stricte ale organizării breslei a muncii artistice erau încă puternice. Tinerii au fost instruiți lucrând ca asistent al unui maestru matur. Prin urmare, mulți artiști cunoșteau atât de bine meșteșugul artei. Opere de artă din secolul XV. făcut cu grijă și dragoste. Chiar și în cazurile în care nu poartă amprenta talentului sau a geniului, suntem invariabil admirați de bunul măiestrie.

Această „renaștere” a fost neobișnuită utilizare largă si continuitate. Nu întâmplător conceptul de „pauză” între lumea modernăşi antichitatea. Trecutul clasic este explorat pentru a picta un tablou cât mai autentic și adevărat, pentru a urma exemplul pentru a crea noi creații.

Florența și arta Renașterii. În Renaștere, a existat un mare obiectiv - restaurarea canoanelor clasice, care ar trebui să servească drept exemplu pentru modificări noi și originale. Asemenea artei clasice, arta renascentista a atins si cel mai perfect naturalism: a fost, de fapt, o realitate care, in frumusetea ei, este o informatie exacta despre ceea ce este infatisat. Cea mai mare inovație în arta Renașterii, creuzetul altor inovații, a fost designul, care este considerat un instrument autorizat pentru a-și aduce ideile la viață.

Dintre toate formele de artă, primul loc îi aparținea Arte Frumoase si arhitectura. Nu e de mirare numele marilor pictori ai secolului XV. cunoscut oricărei persoane educate.

Renașterea a durat câteva secole. Stadiul său timpuriu în Italia datează din prima jumătate a secolului al XV-lea, dar a fost pregătit de întregul curs de dezvoltare a artei în a doua jumătate a secolelor XIII-XIV.

Apoi designul a devenit un instrument de design, le-a materializat ideile, le-a corectat și l-a adus la perfecțiune. După ce am admirat desenele lui Leonardo, putem înțelege cum designul a devenit principalul instrument al artistului renascentist pentru a cumpăra Levitra, folosit pentru a proiecta lucrări de artă, inginerie, mecanică, hidraulică, arhitectură și armata. Tehnicile artistice și picturale ale Renașterii italiene au fost confirmate ca fiind cele mai avansate și precise.

În timpul „atelierelor” artiștii au fost instruiți la Florența. Acest lucru indică faptul că artistul izolat care a lucrat singur în singurătatea cercetărilor sale nu a existat. Elevii atelierelor Renașterii au fost nevoiți să facă o tobă lungă înainte de a primi titlul de artist sau meșter. Atelierele artiștilor nu diferă ca structură și organizare de alți maeștri. Amplasată de obicei la nivelul drumului și conectată printr-o ușă de casa proprietarului, lucrarea care a fost realizată a fost creată după o metodă de producție care prevedea o defalcare clară a sarcinii între profesori, asistenți și ucenici. Multe magazine erau specializate într-un anumit fel. a măiestriei artistice.

Florența a devenit locul de naștere al Renașterii. „Părinții” Renașterii se numesc pictorul Masaccio, sculptorul Donatello, arhitectul F. Brunelleschi. Fiecare în felul lui, dar împreună pun bazele unei arte noi. Masaccio, la vârsta de aproximativ 25 de ani, a început să picteze Capela Brancacci din biserica Santa Maria del Carmine din Florența. Imaginile pe care le-a creat sunt pline de demnitate umană, înzestrate cu forță fizică, frumusețe. Principalul mijloc artistic al lui Masaccio este un claro-obscur puternic, o înțelegere dezvoltată a volumului. Artistul a murit înainte de a împlini vârsta de 30 de ani, dar studenții și adepții săi au continuat să caute ceva nou în domeniul picturii monumentale, perspectivei, culorii.

Astfel, pe lângă realizarea unei performanțe live de o calitate tehnică foarte înaltă, a existat o simplificare semnificativă în ceea ce privește managementul și managementul afacerilor. La Florența s-au născut artiști pre-Renaștere și Renaștere precum Giotto, Cimabue, Brunelleschi, Arnolfo, Donatello, Botticelli, Ghiberti, Masaccio, Beato Angelico, Verrocchio, Andrea Castagno, Lippi, Robbia, Michelangelo. La seminarul lui Andrea del Verrocchio s-au format studenți precum Leonardo da Vinci, Botticelli, Perugino, Domenico Ghirlandaio, Francesco Botticini, Francesco di Simone Ferrucci.

În arta italiană a secolului al XV-lea. se dezvoltă o înțelegere particulară a adevărului artistic. Pictorii continuă să-și tragă subiectele din legendele bisericești, pereții bisericilor sunt decorați exclusiv cu scene biblice, dar aceste scene sunt transferate în piețele și străzile orașelor italiene, având loc ca în fața ochilor contemporanilor și datorită acestui fapt, viața de zi cu zi în sine capătă un caracter istoric elevat. Artiștii includ portrete ale clienților și chiar autoportrete în scene legendare. Uneori străzi cu trecători obișnuiți, piețe cu aglomerație zgomotoasă, oameni în costume moderne alături de oameni sacri intră în compoziția pitorească.

Au locuit în oraș cu principalii exponenți ai poeziei vremii; nume importante în literatură precum Dante, Boccaccio, Villani, Gicciardini, Poliziano și Machiavelli. Din memoriile marilor artiști ai Renașterii, Florența reamintește amintirea fie în numele unei piețe, fie al unui palat, al unui pod sau al unei străzi. Multe plăci de piatră sunt afișate în fiecare colț al străzilor, turnurilor, bisericilor și palatelor Orașului Vechi.

Dacă Italia este casa Renașterii, Florența este orașul care a întruchipat cel mai mult esența. Un laborator în aer liber unde arta, știința și literatura ies din anii întunecați ai Evului Mediu. Renașterea a fost o experiență inovatoare care își găsește reflectarea în întoarcerea la rădăcini și redescoperirea lumii clasice, grecești și romane.

Acasă semn distinctiv pictura a devenit o perspectivă bazată științific. Artiștii erau mândri de ea ca descoperire și disprețuiau predecesorii lor care nu o cunoșteau. Ei ar putea construi compoziții complexe, cu mai multe figuri în spațiu tridimensional, cu precizie matematică. Adevărat, pictorii florentini s-au limitat la perspectiva liniară și cu greu au observat rolul mediului aerian. Cu toate acestea, semnificația istorică a descoperirii perspectivei a fost enormă. În mâinile marilor pictori, ea a devenit Puternică mediu artistic, a ajutat la extinderea gamei de fenomene supuse întruchipării artistice, pentru a include spațiul, peisajul, arhitectura în pictură.

În mod tradițional, istoricii coincid cu sfârșitul Evului Mediu cu descoperirea Americii de către Cristofor Columb. De fapt, schimbarea în lumea occidentală începuse deja de câteva decenii, între sfârșitul Imperiului Bizantin și erupția reformei protestante. În toate acestea, Florența a cunoscut o perioadă de creștere lentă, condusă de familiile burgheze ale orașului. Singura amenințare la adresa păcii florentinilor a fost cauzată de întinderea Visconti, domnii din Milano. Descoperirea a venit odată cu preluarea puterii de către familia Medici. Mai întâi Cosimo și apoi Lorenzo, cunoscut sub numele de Magnificul, au garantat o perioadă de pace și prosperitate prin finanțarea lucrărilor unora dintre cei mai mari artiști și gânditori din istorie.

Pictura italiană din secolul al XV-lea - în mare parte monumentale. A fost realizată pe pereți folosind tehnica frescei și, prin natura sa, a fost concepută pentru percepția de la distanță. Maeștrii italieni au reușit să dea imaginilor lor un caracter general semnificativ. Au aruncat fleacurile și detaliile și au privit lumea prin ochii oamenilor care pot vedea esența unei persoane în gestul său, mișcarea corpului, postură.

Renașterea își are rădăcinile în depășirea ideologiei medievale. În centrul fiecărui discurs se afla o persoană, un subiect capabil de autodeterminare și să domine natura prin voința sa. Căutarea plăcerii și a fericirii nu mai părea jalnică. Așa cum comparația și participarea socială au fost înțelese ca modalități de îmbunătățire a condiției umane.

Amprenta pe care perioada Renașterii a lăsat-o în Florența se remarcă mai ales în domeniul arhitectural. O plimbare prin biserici și prin cele mai frumoase palate din oraș mărturisește semnele stilului secolului al XV-lea, când redescoperirea armoniei și a formelor geometrice ale matriței romane a închis în cele din urmă experiența gotică. Primul mare arhitect al New Deal a fost Filippo Brunelleschi, care deja în Casa Catedralei a anticipat unele dintre elementele schimbării.

Fondatorul sculpturii renascentiste a fost Donatello. Unul dintre principalele sale merite este renașterea așa-numitei statui rotunde, care a pus bazele dezvoltării sculpturii din perioada ulterioară. Cea mai matură lucrare a lui Donatello este statuia lui David (Florența).

Brunelleschi a jucat un rol decisiv în dezvoltarea arhitecturii renascentiste. El reînvie înțelegerea străveche a arhitecturii, fără a abandona în același timp moștenirea medievală.

Brunelleschi a reînviat ordinea, a ridicat importanța proporțiilor și a făcut din ele baza noii arhitecturi. Pentru a realiza toate acestea, a fost ajutat de studiul ruinelor romane, pe care le-a măsurat cu grijă și le-a copiat cu dragoste. Dar aceasta nu a fost o imitație oarbă a antichității. În clădirile construite de Brunelleschi (Orfelinatul, Capela Pazzi din Florența etc.), arhitectura este plină de acea spiritualitate necunoscută anticilor.

Italienii aveau un mare interes pentru proporții în artă, în primul rând pentru arhitectură. Creațiile lor încântă privitorul cu proporționalitatea formelor. Catedrala gotică este deja greu de văzut din cauza dimensiunilor sale gigantice; Clădirile renascentiste par a fi îmbrățișate de o singură privire, ceea ce face posibilă aprecierea proporționalității uimitoare a părților lor.

Masaccio, Donatello, Brunelleschi au fost departe de a fi singuri în căutarea lor. În același timp, mulți artiști excelenți au lucrat cu ei. Următoarea generație de artiști renascentiste în a doua jumătate a secolului al XV-lea. îmbogățește noua artă și promovează răspândirea ei pe scară largă. Pe lângă Florența, unde S. Botticelli a fost cel mai important maestru al acelui timp, au apărut noi centre de artă și școli locale din Umbria, Italia de Nord și Veneția. Aici au lucrat mari maeștri precum Antonello da Messina, A. Mantegna, Giovanni Bellini și mulți alții.

Monumentele create în Italia la începutul secolelor XV-XVI se remarcă prin perfecțiune și maturitate. Această perioadă de cea mai mare înflorire a artei italiene este numită în mod obișnuit Înalta Renaștere. Printre numeroasele armate de maeștri talentați din acest moment, există cei care sunt numiți pe bună dreptate genii. Aceștia sunt Leonardo da Vinci, Rafael Santi, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, Giorgione, Titian, A. Palladio acționează ceva mai târziu. Istoria acestei perioade este în mare măsură istoria muncii acestor maeștri.

Ultimele două treimi ale secolului al XVI-lea numit renașterea târzie. Aceasta este o perioadă de reacție feudală sporită. Biserica Catolică anunță o campanie împotriva umanismului în toate manifestările sale. Criza a cuprins și artele. Artiștii, de regulă, se limitează la a împrumuta motivele și tehnicile marilor maeștri. Există multă rafinament, ascuțime, grație în lucrările lor, dar uneori apare amărăciune, indiferență, le lipsește căldura și naturalețea. La sfârşitul secolului al XVI-lea. criza se intensifică. Arta devine mai reglementată, curtean. Și pe atunci lucrau mari artiști - Titian, Tintoretto, dar nu erau decât mari singuratici.

Criza culturii Renașterii, desigur, nu a însemnat că moștenirea Renașterii s-a pierdut; a continuat să servească drept exemplu și măsură de cultură. Influența artei renascentiste italiene este enormă. Găsește un răspuns în Franța, Spania, Germania, Anglia, Rusia.

În Olanda, Franța și Germania, secolele XV-XVI au fost marcate și de ascensiunea artei, în special a picturii. Aceasta este perioada așa-numitei Renașteri de Nord.

Deja în secolele XIII-XIV. Aici s-au dezvoltat liber schimb și orașe meșteșugărești, comerțul se dezvoltă. La sfârşitul secolului al XV-lea. centrele culturale din Nord își întăresc legăturile cu Italia. Artiștii au găsit modele aici. Dar chiar și în Italia, maeștrii olandezi au lucrat și au fost foarte apreciați. Italienii au fost atrași în mod deosebit de noua pictură în ulei și gravurile în lemn.

Influența reciprocă nu exclude originalitatea care distinge arta Renașterii de Nord. Aici, vechile tradiții ale artei gotice sunt mai ferm păstrate. Lupta pentru idealuri umaniste a fost mai acută în aceste țări. Războiul țărănesc din Germania de la începutul secolului al XVI-lea, care a răscolit întreaga Europă de Vest, a contribuit la faptul că arta din Nord a căpătat o amprentă mai vizibilă a oamenilor. Renașterea italiană și nordică, cu toate diferențele lor, sunt, parcă, două canale ale aceluiași flux.

Cel mai mare pictor olandez al secolului al XV-lea. — Jan van Eyck. Maeștri cu adevărat talentați au fost Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes, Memling, Luke of Leiden. Opera lui Pieter Brueghel cel Bătrân este punctul culminant al artei Renașterii de Nord la mijlocul secolului al XVI-lea.

În Germania, cel mai mare exponent al Renașterii germane a fost Albrecht Dürer. Dar nu singurul. Aici au lucrat artiști remarcabili precum Mathis Nithardt, Lucas Cranach cel Bătrân, Hans Holbein cel Tânăr și alții.

Revoluția făcută în Renaștere în domeniul culturii și artei spirituale a avut o mare semnificație istorică. Niciodată înainte Europa de Vest arta nu a ocupat un loc atât de proeminent în societate. În următoarele trei secole, arta europeană s-a dezvoltat pe baza principiilor adoptate și legitimate de artiștii Renașterii. Arta Renașterii își păstrează puterea atractivă și astăzi.

Introducere

Renașterea este una dintre cele mai strălucitoare perioade din istoria dezvoltării culturii europene.

Renașterea - o întreagă eră culturală în procesul de tranziție de la Evul Mediu la noul timp, în timpul căreia a avut loc o răsturnare culturală (un punct de cotitură, o schimbare). Schimbările fundamentale sunt asociate cu eradicarea viziunii mitologice creștine antice asupra lumii. În ciuda originii termenului „Renaștere”, strict vorbind, nu a existat și nu putea exista o renaștere a antichității. Omul nu se poate întoarce la trecutul său. Renașterea, folosind lecțiile antichității, a introdus inovații. Nu a readus la viață toate genurile străvechi, ci doar pe cele care erau în ton cu aspirațiile timpului și culturii sale. Renașterea a combinat o nouă lectură a antichității cu o nouă lectură a creștinismului. Renașterea a apropiat aceste două principii fundamentale ale culturii europene.

Originile Renașterii

Conceptul de „Renaștere” are mai multe fațete. Cei care s-au certat în privința asta nu au ajuns la o părere comună. Unii îl consideră „păgânism”, „anticreștinism”, în timp ce alții, dimpotrivă, văd în el elemente creștin-catolice, căutându-și rădăcinile în cultura creștină. Atitudinea față de această problemă dezvăluie viziunea asupra lumii a cercetătorilor înșiși. Sensul anti-creștin în cultura Renașterii este investit de cei care identifică creștinismul cu asceza și negarea lumii.

Printre definițiile fenomenului cultural al Renașterii, nu există una universal recunoscută. Criticii de artă, istoricii, gânditorii, scriitorii își oferă explicațiile pentru acest fenomen, acordând atenție diverselor trăsături. Dacă grupăm multe dintre cele mai comune caracteristici, putem înțelege semnificația culturală a Renașterii ca:

Înflorirea culturii;

Revoluție în cultură;

Etapa culturală de tranziție;

Restaurarea antichității.
Fiecare dintre aceste semne se poate manifesta independent de Renaștere, dar numai complexul lor formează o etapă calitativ nouă a culturii. Renașterea europeană - o perioadă de înflorire culturală puternică și de restaurare a multor tradiții culturale ale antichității greco-romane; o restructurare culturală decisivă și o etapă de tranziție către un nou timp din istoria civilizației europene.

Perioada de glorie se caracterizează prin creșterea energiei activității culturale, crearea și implementarea de noi stimulente pentru creativitatea culturală. În acest sens, Renașterea poate fi comparată în istoria culturii mondiale cu „miracolul grecesc” din secolele VIII-V. î.Hr. Comparația se bazează pe:

Intensitatea deosebită a vieții culturale, existența multor centre ale acesteia;

Varietate de manifestări ale creativității, libertate creativă;

Combinație de vitalitate și estetică;

Exces de energie spirituală;

O concentrare uimitoare pe un mic interval spațiu-timp de oameni grozavi, talentați universal, care au ales noi moduri de creativitate. Numele lui Petrarh, Boccaccio, Brunelleschi, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo pot fi proclamate simboluri ale culturii renascentiste.

BAZELE RENAVIZĂRII
CULTURILE

Principalul lucru în Renaștere este promovarea și stabilirea personalității umane în cultură și societate, ceea ce are ca rezultat diverse forme de antropocentrism revivalist.

În ea se formează fundamentele Noului European
sentimentele unei personalități - o personalitate individualistă autonomă, conștientă de propria sa valoare, activă și care are nevoie de libertate. Din acest moment, personalitatea umană, și nu lumea, nu întregul, devine pentru prima dată punctul de plecare pentru formarea unui sistem de percepere a lumii. Acest punct de cotitură grandios în cultură se întâmplă tocmai în Renaștere - un nou mod de viziune asupra lumii se formează în Italia în prima jumătate a secolului al XV-lea. Există o afirmare a personalității umane în cultură. Pentru prima dată a existat o izolare a acestei personalități, separarea ei de lume.

Ca rezultat, a avut loc o dezintegrare a lumii întregi în lucruri individualizate separate care au început să se închidă în sine. Cu toate acestea, în Renaștere acest proces nu a fost încă finalizat, fiind limitat în principal la om și mult mai puțin răspândindu-se la alte lucruri din lume.

Rezultatul a fost mișcarea omului către centrul lumii materiale, crescând treptat și umbrind lumea cerească și, în consecință, lumea materială a fost adusă în prim-plan și omul însuși a devenit o forță creatoare activă în ea. Antropocentrismul în prima jumătate a secolului al XV-lea. adus în prim-plan nu doar o persoană, ci o persoană ca principiu activ, activ.

În acest sens, s-a pus ascuțit problema demnității unei persoane, care se afirmă în cadrul acesteia fără compromisuri tocmai în planul material. Una dintre principalele valori de renaștere a fost conceptul de „glorie” ca scop spre care o persoană ar trebui să se îndrepte.

Ca rezultat al acestei afirmări a unui principiu material creativ, activ, a început treptat să apară o nouă imagine a unei persoane, un nou tip de ea - „homofaber” - „om-creator”, „om-creator”, „omul”. -producător”, a cărui esență a rezultat în cele din urmă într-o formulă aforistică încăpătoare: „omul este fierarul propriei fericiri”.


Omenirea are propria sa biografie: copilărie, adolescență și maturitate. Epoca, care se numește Renașterea, este cel mai probabil să fie asemănată cu perioada de început a maturității cu romantismul său inerent, căutarea individualității, lupta împotriva prejudecăților trecutului. Fără Renaștere, nu ar exista civilizație modernă. Arta Renașterii a luat naștere pe baza umanismului (din lat. -
„uman”) - o tendință de gândire socială care a apărut în secolul al XIV-lea în Italia, iar apoi în a doua jumătate a secolelor XV-XVI. răspândit la altul tari europene Oh. Toate
principalele tipuri de artă - pictură, grafică, sculptură, arhitectură - s-au schimbat enorm.

Principiile revizuite creativ ale sistemului antic de ordine au fost stabilite în arhitectură și s-au format noi tipuri de clădiri publice. Pictura a fost îmbogățită cu o perspectivă liniară și aeriană, cunoștințe de anatomie și proporții corpul uman. Conținutul pământesc a pătruns în temele religioase tradiționale ale operelor de artă. Interes crescut pentru mitologia și istoria antică. scene cotidiene, peisaj, portret. Odată cu picturile monumentale murale care împodobesc structurile arhitecturale, a apărut un tablou, a apărut pictura în ulei.

Arta nu s-a desprins încă complet de meșteșug, dar individualitatea creativă a artistului, a cărui activitate la acea vreme era extrem de diversă, a ocupat deja primul loc. Talentul universal al maeștrilor Renașterii este uimitor - au lucrat adesea în domeniul arhitecturii, sculpturii, picturii, și-au combinat pasiunea pentru literatură.

poezia şi filosofia cu studiul ştiinţelor exacte
Conceptul de bogată din punct de vedere creativ sau „personalitate renascentist” a devenit ulterior un cuvânt de uz casnic.

În arta Renașterii, căile de înțelegere științifică și artistică a lumii și a omului erau strâns împletite. Semnificația sa cognitivă era indisolubil legată de frumusețea poetică sublimă; în efortul său pentru naturalețe, nu a coborât la viața de zi cu zi meschină. Arta a devenit o nevoie spirituală universală.

Formarea culturii Renașterii în Italia a avut loc în orașe independente din punct de vedere economic. În ascensiunea și înflorirea artei renascentiste, Biserica și curțile magnifice ale suveranilor neîncoronați (familii bogate conducătoare) - cei mai mari patroni și clienți ai lucrărilor de pictură, sculptură și arhitectură - au jucat un rol important.
Principalele centre ale culturii renascentiste au fost la inceput orasele Florenta, Siena, Pisa, apoi Padova. Ferrara, Genova. Milano și mai târziu, în a doua jumătate a secolului al XV-lea, a fost o bogată negustor Veneția. Roma a devenit capitala Renașterii italiene în secolul al XVI-lea. De atunci, centrele de artă locale. cu excepția Veneției, și-au pierdut semnificația anterioară.

PROTORENSAnță

LA cultura italiană secolele XIII-XIV pe fundalul tradițiilor bizantine și gotice încă puternice, au început să apară trăsături ale unei arte noi - arta viitoare a Renașterii. Prin urmare, această perioadă a istoriei sale a fost numită Proto-Renaștere (adică a pregătit ofensiva Renașterii: din greacă„protos” - „primul”).

Nu a existat o perioadă de tranziție similară în niciuna dintre cele europene
ţări. În Italia însăși, arta proto-Renașterii a existat doar
în Toscana şi Roma.

În cultura italiană, trăsăturile vechiului și noului erau împletite. „Ultimul poet al Evului Mediu” și primul poet al noii ere Dante Alighieri a creat un italian limbaj literar. Ceea ce a început Dante a fost continuat de alți mari florentini ai secolului al XIV-lea - Francesco Petrarca (1304-1374), fondatorul liricii europene și Giovanni Boccaccio (1313-1375), fondatorul genului de roman (nuvela) în lume. literatură. Mândria epocii sunt
arhitecții și sculptorii Niccolo și Giovanni Pisano, Arnolfodi Kam-
bio și pictorul Giotto di Bondone.


ARHITECTURĂ

Arhitectura italiană a urmat mult timp tradițiile medievale,
care s-a exprimat mai ales prin folosirea multor motive gotice.
În același timp, goticul italian în sine nu semăna cu cel nordic: gravita spre forme mari calme, chiar ușoare, orizontale.
articulații ale arhitecturii, suprafețe largi de pereți. Biserica Santa Croce, una dintre cele mai mari din Florența, a fost începută de Arnolfo di Cambio la sfârșitul secolului al XIII-lea. (fațada a fost creată în secolul al XIX-lea). Templul se remarcă prin deschideri largi, un singur spațiu interior luminos, în loc de bolți gotice complexe, folosește un tavan din lemn. În 1296 în
Florența a început să construiască Catedrala Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio a vrut să încununeze altarul catedralei cu o cupolă imensă. Cu toate acestea, după moartea arhitectului în 1310, construcția a fost amânată, s-a finalizat doar în perioada renașterea timpurie. În 1334, conform proiectului lui Giotto, s-a început construcția clopotniței catedralei, așa-numitul campanil - un turn dreptunghiular zvelt, cu împărțiri orizontale pe podea și ferestre gotice frumoase, formă arcuită de lancet.
care s-au păstrat multă vreme în arhitectura italiană.

Printre cele mai cunoscute palate ale orașului se numără Palazzo della Signoria din Florența. Se crede că a fost construit de Arnolfo di Cambio. Acesta este un cub greu cu un turn înalt, căptușit cu piatră brută. Pe fațadă - ferestre de diferite dimensiuni, o intrare discretă este situată pe lateral. Clădirea definește aspectul centrului vechi al orașului, invadând piața cu un volum dur. Puternicul palat a servit drept simbol al independenței Florenței.


SCULPTURĂ

Mai devreme decât în ​​arhitectură și pictură, în sculptură s-au conturat noi căutări artistice și, mai ales, în școala pisană, al cărei fondator a fost Niccolo Pisano (aproximativ 1220 - între 1278 și 1284). Opera sa s-a dezvoltat sub influență tradiție străveche, a studiat fără îndoială decorarea sculpturală a sarcofagelor romane târzii și creștine timpurii. Amvonul hexagonal de marmură (1260), realizat de el pentru baptisteriul din Pisa, a devenit o realizare remarcabilă a sculpturii renascentiste și a influențat formarea ulterioară a acesteia. Amvonul, din marmură albă, roz-roșu și verde închis, este o întreagă structură arhitecturală, ușor vizibilă din toate părțile.

Niccolo Pisano a folosit aici comploturi și motive tradiționale, dar amvonul aparține unei noi ere. Principala realizare a sculptorului este că el gestionate a da volum formelor si
expresivitate, iar fiecare imagine are putere corporală. Imaginile lui Pisano sunt statice, maiestuoase și impasibile. Maica Domnului seamănă cu zeița romană Juno, o alegorie a Forței sub forma unui atlet gol - eroul antic Hercule.

Un loc special în istoria sculpturii italiene de la sfârșitul secolului XIII - începutul secolului XIV. aparține lui Giovanni Pisano (1245 sau 1250 - după 1314). Student și asistent al lui Nicolò Pisano, a devenit un maestru mult mai faimos decât celebrul său tată. În lucrările lui Giovanni au existat multe lucruri noi și neobișnuite. Aproape de aceeași vârstă cu Giotto, el era exact opusul reținerii înțeleapte a contemporanului său florentin.

Cele mai cunoscute sunt amvonurile create de Giovanni Pisano în Catedrala din Pisa și Biserica Sant'Andrea din Pistoia, precum și statui de sfinți, profeți, Madone.

Reliefuri complexe cu mai multe figuri care decorează amvonul din catedrală
Pisa și bisericile Sant'Andrea din Pistoia se află într-un trafic intens. Figurile, care și-au pierdut calmul imaginilor lui Niccolo Pisano, par să se străduiască să iasă din piatră. Gesturile lor sunt naturale, fețele lor sunt expresive. Deosebit de expresive sunt scene dramatice precum „Răstignirea” și „Masacrul inocenților”.


RENAȘIRE TIMPURIE

În secolul XV. arta Italiei a ocupat o poziţie dominantă în viaţa artistică a Europei. Bazele unei culturi umaniste seculare (adică nu ecleziastice) au fost puse la Florența, ceea ce a împins Siena și Pisa în plan secund. Florența din acea vreme a fost numită „floarea Italiei, rivala glorioasă a orașului Roma. din care a izvorât şi a cărui măreţie o imită. Puterea politică de aici aparținea negustorilor și
artizani, câteva dintre cele mai bogate familii au avut o influență deosebită asupra treburilor orașului. Au concurat constant între ei. Această luptă s-a încheiat la sfârșitul secolului al XIV-lea. victoria casei bancare Medici. Capul său, Cosimo de' Medici, a devenit conducătorul nerostit al Florenței. La Curtea lui Cosimo
Medicii (și mai târziu nepotul său Lorenzo, supranumit Magnificul) s-au înghesuit cu scriitori, poeți, oameni de știință, arhitecți și artiști. O adevărată revoluție a avut loc în arhitectură la acea vreme. În Florența s-a desfășurat o construcție extinsă, schimbând fața orașului în fața ochilor noștri.


ARHITECTURĂ

Originar din Florența a fost Philippe Brunelleschi (1377-1446), fondatorul arhitecturii renascentiste a Italiei, unul dintre fondatorii teoriei științifice a perspectivei (a ridicat clădiri pe baza unor calcule matematice precise). Versatil dotat, pe scară largă
educație umanistă, a lucrat inițial ca sculptor și a participat (dar nu a câștigat) la un concurs în 1401 pentru cel mai bun proiect reliefuri din bronz pentru ușile baptisteriului florentin. Clădirea timpurie a lui Brunelleschi este cupola Catedralei Santa Maria del Fiore din Florența; acesta este un exemplu de soluție genială din plastic (spațială) și de inginerie. Brunelleschi a trebuit să blocheze deschiderea uriașă a cupolei (diametrul bazei patruzeci și doi de metri) fără a ridica schele. Arhitectul a inventat un design neobișnuit de complex pentru timpul său: o cupolă ușoară goală avea o carcasă dublă și un cadru de opt nervuri,
care erau înconjurate de inele. Domul grandios, acoperit cu plăci roșu închis, legat cu nervuri albe puternice și încoronat cu un luminator elegant de marmură albă, se înalță solemn asupra orașului ca o imagine maiestuoasă a Florenței. Marele arhitect italian Leon Battista Alberti, dedicându-i lui Brunelleschi tratatul său de pictură, scria că această „mare clădire care se ridică spre ceruri umbrește toate pământurile toscane”. Creația lui Brunelleschi este precursorul numeroaselor temple cu cupole din Italia și din alte țări europene.

Brunelleschi a inițiat crearea unui templu cu cupolă pe
baza ordinii antice. În 1421-1428. a construit capela laterală a Bisericii San Lorenzo din Florența. Principiile arhitecturale folosite de Brunelleschi în această clădire au fost dezvoltate în continuare în celebra sa Capelă Pazzi (1429-1443) - o adevărată perlă a Renașterii timpurii. Situat în adâncime
Curtea îngustă a Bisericii Santa Croce, capela bogatei familii florentine Pazzi primește porticul grațios cu șase coloane, cu o deschidere mare arcuită centrală. Conform datelor arhivei recente, porticul ridicat de Brunelleschi a fost ulterior reconstruit. Cu toate acestea, este greu de presupus că noua structură nu a reflectat figurativul general
ideea unui mare arhitect. Capela Pazzi în sine, inundată de lumină, este mică, în plan dreptunghiular și captivează prin frumusețea proporțiilor, echilibrul părților și puritatea liniilor. Planurile pereților gri sidefat par a fi căptușite cu dungi de baghete arhitecturale din piatră gri închis, dreptunghiuri, cercuri, arce de arcade. Decorul pereților este perceput ca un element de arhitectură, dând impresia de lejeritate și spiritualitate.

La începutul anilor 30. secolul 15 Brunelleschi, împreună cu prietenul său,
sculptorul Donatello. a vizitat Roma. În stadiile incipiente ale
naştere.cunoaşterea societăţii italiene cu cultura antică
s-a datorat studiului supravieţuirii monumente de arhitectură antichități și manuscrise descoperite - au fost adunate, studiate și copiate. În timpul călătoriei, Brunelleschi și Donatello au participat la săpături, au măsurat, examinat și clasificat monumente antice. Influența clasicilor romani s-a reflectat în clădirile mari de mai târziu din Brunelleschi - bisericile florentine San Lorenzo (1442-1444) și Santo Spirito (început de el în 1444; finalizat după moartea sa în 1487.

Crearea unui nou tip de palate ale orașului, care a servit drept model
pentru clădirile publice de mai târziu, a devenit una dintre sarcinile principale ale arhitecturii italiene a secolului al XV-lea.

SCULPTURĂ

În secolul XV. Sculptura italiană a înflorit. Ea a dobândit
independent, independent de sensul arhitecturii, au apărut noi genuri în ea. Practica vieții artistice a început să includă comenzi de la negustori și meșteri înstăriți de a decora clădirile publice; concursurile de artă au căpătat caracterul de evenimente publice larg. Evenimentul care
deschide o nouă perioadă în dezvoltarea sculpturii renascentiste italiene, se consideră că concursul desfășurat în 1401 pentru fabricarea
bronzuri ale celei de-a doua uși nordice ale baptisteriului florentin. Printre participanții la concurs s-au numărat tineri maeștri - Philippe Brunelleschi și Lorenzo Ghiberti (circa 1381-1455).

Genialul desenator Ghiberti a câștigat concursul. Unul dintre cei mai educați oameni ai timpului său, primul istoric al artei italiene, Ghiberti, în a cărui operă principalul era echilibrul și armonia tuturor elementelor imaginii, și-a dedicat viața unui tip de sculptură - relieful. Căutarea lui a atins culmea
la fabricarea ușilor de est ale baptisteriului florentin (1425-1452), pe care Michelangelo le-a numit „Porțile Paradisului”. cele zece compoziții pătrate din bronz aurit care le fac să transmită adâncimea spațiului în care figurele, natura și arhitectura se îmbină. Sunt expresive tablouri pitorești. Atelierul lui Ghiberti a devenit o adevărată școală pentru o întreagă generație de artiști. În atelierul său, tânărul Donatello, marele reformator al sculpturii italiene, a lucrat ca asistent.

Donato diNiccolodiBettoBardi, care se numea Donatello
(circa 1586-1466), s-a născut la Florența în familia unui pieptănător
lână. A lucrat la Florența. Siena, Roma, Padova. Cu toate acestea, faima uriașă nu i-a schimbat modul simplu de viață. Se spunea că abnegatul Donatello a atârnat o poșetă cu bani la ușa atelierului său, iar prietenii și studenții săi au luat din poșetă cât au avut nevoie.

Pe de o parte, Donatello tânjea după adevărul vieții în artă. Pe de altă parte, el a dat lucrărilor sale trăsăturile eroismului sublim. Aceste calități au apărut deja în lucrările timpurii ale maestrului - statui de sfinți destinate nișelor exterioare ale fațadelor Bisericii Or San Michele din Florența și profeții Vechiului Testament ai campanilului florentin. Statuile se aflau în nișe, dar au atras imediat atenția prin expresivitatea lor severă și Forta interioara imagini.
Mai ales celebru este „Sfântul Gheorghe” (1416) - un tânăr războinic cu scut
volum în mână. Are o privire concentrată, profundă; el stă ferm pe
pământ cu picioarele larg depărtate. În statuile profeților se află în special Donatello
le-a subliniat trăsături de caracter, uneori nepoliticos, ne-
pictat, chiar urat, dar viu si natural. Profeții lui Donatello Ieremia și Habacuc sunt naturi întregi și bogate din punct de vedere spiritual. Lor
figurile puternice sunt ascunse de falduri grele de mantie. Viața a brăzdat fața decolorată a lui Avvakum cu riduri adânci;
chel, pentru care a fost supranumit Zuccone (Dovleac) în Florența.

În 1430, Donatello a creat „David” - prima statuie nudă din
Sculptura italiană a Renașterii. Statuia a fost destinată unei fântâni în curte Palatul Medici. Păstorul biblic, câștigătorul gigantului Goliat, este una dintre imaginile preferate ale Renașterii. Înfățișând corpul său tânăr, Donatello a pornit, fără îndoială, de la mostre antice, dar le-a reelaborat în spiritul timpului său. David gânditor și calm, într-o pălărie de cioban care îl umbrește
chip, călcând cu piciorul capul lui Goliat și parcă nu ar fi conștient de isprava pe care o înfăptuise încă.

O călătorie la Roma cu Brunelleschi a extins foarte mult posibilitățile artistice ale lui Donatello, opera sa s-a îmbogățit cu imagini și tehnici noi, care au afectat influența antichității.
O nouă perioadă a început în munca maestrului. În 1433 a finalizat amvonul de marmură al catedralei florentine. Întregul câmp al amvonului este ocupat de un dans rotund jubilat de dansatori putti - ceva de genul cupidonilor antici
și, în același timp, îngeri medievali sub formă de băieți goi,
uneori înaripat, înfățișat în mișcare. Acesta este un motiv preferat în sculptura Renașterii italiene, care apoi s-a răspândit în
arta secolelor XVII-XVIII.

Timp de aproape zece ani, Donatello a lucrat la Padova, vechiul oraș universitar, unul dintre centrele culturii umaniste, patria.
profund venerat în Biserica Catolică Sfântul Antonie de Padova. Pentru catedrala orașului dedicată Sfântului Antonie, Donatello a fost finalizată în 1446-1450. un uriaș altar sculptat cu multe statui și reliefuri. Locul central de sub baldachin era ocupat de statuia Fecioarei cu Pruncul, pe ambele părți ale căreia se aflau șase statui de sfinți. La sfârşitul secolului al XVI-lea. altarul a fost demolat. Doar o parte din ea a supraviețuit până în zilele noastre, iar acum este greu de imaginat cum arăta inițial.

Patru reliefuri de altar existente înfățișând faptele miraculoase ale Sfântului Antonie ne permit să apreciem tehnicile neobișnuite folosite de maestru. Acesta este un tip de plat, parcă aplatizat
relief. Scenele aglomerate sunt prezentate într-o singură mișcare într-un cadru real. Pe fundal sunt un oraș imens
cladiri si arcade. Prin transferul de perspectivă apare impresia adâncimii spațiului, ca
în tablouri.

În ultimii ani petrecuți la Florența, Donatello a cunoscut o criză spirituală, imaginile sale au devenit din ce în ce mai dramatice. A creat un grup complex și expresiv „Judith și Holofernes” (1456-1457); statuia „Mariei Magdalena” (1454-1455)
sub forma unei bătrâne decrepite, un pustnic slăbit într-o piele de animal; reliefuri pentru biserica San Lorenzo, tragică în dispoziție, deja finalizate de studenții săi ai atelierului, iar prietenii și studenții săi au luat din poșetă cât au avut nevoie.

Pe de o parte, Donatello tânjea după adevărul vieții în artă. Pe de altă parte, el a dat lucrărilor sale trăsăturile eroismului sublim.

Pictura

Un loc special în pictura Renașterii timpurii îi aparține lui Sandro Botgicelli, un contemporan al lui Leonardo da Vinci și al tânărului Michelangelo.

Alessandro Filipepi, supranumit Botticelli (1445-1510), s-a născut la Florența. A studiat pictura cu Filippo Lippi, a urmat
atelierul celebrului sculptor și pictor Verrocchio, unde a reunit
Xia cu Leonardo, care a fost și elev al lui Verrocchio.

Numele său a devenit cunoscut datorită picturii „Adorația Magilor”

(1476), care a atras atenția familiei Medici. În imaginea
au fost înfățișați trei generații ale acestor conducători neîncoronați ai Florenței. Botticelli a început să lucreze la curtea Medici.

Arta rafinată a lui Botticelli cu elemente de stilizare, adică generalizarea imaginilor folosind tehnici convenționale - simplificarea formei, culorii și volumului, s-a bucurat de un mare succes în rândul florentinilor cu o educație ridicată. În arta lui Botticelli, spre deosebire de majoritatea maeștrilor Renașterii timpurii, experiența personală a maestrului a prevalat. Excepțional de sensibil și sincer, artistul a parcurs un drum dificil și tragic de căutare creativă - de la o percepție poetică a lumii în tinerețe până la un pesimism dureros la maturitate.

Picturile sale celebre din perioada maturii „Primăvara” (circa 1477-
1478) și Nașterea lui Venus (1483-1484) sunt inspirate din poeziile remarcabilului umanist Angelo Poliziano, poet de curte al familiei Medici. Tabloul alegoric „Primăvara”, scris pentru a decora Vila Medici, este una dintre cele mai complexe lucrări ale lui Botticelli.

Pe fundalul verdeață întunecată a unei grădini fantastice, figuri flexibile și zvelte apar ca siluete grațioase. Lunca înflorită de sub picioarele lor seamănă cu un covor strălucitor. În profunzimea compoziției, Venus într-o rochie inteligentă stă într-o gândire melancolică. Este înconjurată de o suită obligatorie: un cupidon cu arc plutește deasupra capului, trei tinere grații conduc un dans rotund, o nimfă fuge dintr-un crâng urmărită de un faun. În prim plan este Primăvara, sau zeița Flora, în
o coroană și o rochie țesute cu flori mărșăluiesc repede și atât de ușor,
care abia atinge pământul cu picioarele goale. În colțul din stânga este figura unui tânăr, care este de obicei numit Mercur. Ritmul liniilor curgătoare
unește compoziția într-un singur întreg, creează o armonie sofisticată a culorilor. Artistul a aplicat o tehnică arhaică pentru timpul său - cea mai fină nuanță cu auriu a unor detalii, printre care - flori, fructe, raze, coroane, modele de țesături. Figurile individuale și grupurile sunt încântătoare, în special cele trei haruri de dans. Cucerește farmecul contururilor figurilor lor, hainelor, parcă țesute din aer, mișcări ale mâinii, atingeri ale degetelor.
Pătrunsă de ritmul muzical al dansului, de tremurul replicilor, imaginea celor trei haruri gloriifică primăvara care vine, o sărbătoare a naturii și a sentimentelor umane. Dar în tabloul lui Botticelli se simte o nuanță de tristețe, o detașare rece, caracteristică artei sale. Personajele sunt absorbite de sine, singure în interior.

Mai direct percepută este pictura „Nașterea lui Venus”, care nu este atât de puternic asociată cu tonuri alegorice. Aceasta este una dintre cele mai captivante creații ale picturii mondiale. Tabloul o înfățișează pe Venus, zeița iubirii și a frumuseții, plutind pe o cochilie mare. „Barca” este condusă la țărm de zeul și zeița vântului, zburând, împletite în brațele lor. Pe mal, o nimfă o așteaptă pe Venus, care se grăbește să-i arunce pe umeri un văl purpuriu ușor țesut cu flori. Maestrul aurește părul suflat de vânt al lui Venus, iar acest lucru îi conferă aspectului feminin ceva nepământesc. Aspectul unei zeități departe de realitate se reflectă și în gama de culori reci, transparente, deschise.

În pictura Renașterii timpurii, printre multele chipuri - frumoase și aproape urâte, dar întotdeauna semnificative - imaginile de femei, fete, băieți și copii, aparținând pensulei lui Botticelli, sunt imediat recunoscute. Ele se disting nu prin corectitudinea clasică a trăsăturilor, nu prin frumusețe, ci prin farmecul purității fără păcat, al lipsei de apărare, al tristeții nerostite. Imaginea lui Venus este cea mai înaltă întruchipare a acestui ideal. Patru secole mai târziu, oamenii se uită la trăsăturile ei clare și găsesc ceva interesant în ele.
si atractiv. La începutul anilor 90. Secolul al XV-lea în opera lui Botticelli a existat un punct de cotitură decisiv. A fost puternic influențat de predicile pasionate ale călugărului dominican Savonarola, care a denunțat papalitatea, aristocrația, cultura bogată și umanistă.

REVIERE ÎNALTĂ

Înalta Renaștere, care a dat omenirii atât de mari maeștri precum Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, acoperă o perioadă relativ scurtă - de la sfârșitul secolului al XV-lea. până la sfârşitul celui de-al doilea deceniu al secolului al XVI-lea. Numai la Veneția înflorirea artei a continuat până la mijlocul sec.

Schimbările fundamentale asociate cu evenimente decisive din istoria lumii, succesele gândirii științifice avansate, au extins la infinit ideile oamenilor despre lume - nu numai despre pământ, ci și despre Cosmos. Percepția asupra lumii și asupra personalității umane păreau a fi lărgite; în creativitatea artistică, acest lucru s-a reflectat nu numai în scara maiestuoasă a structurilor arhitecturale, a monumentelor, a ciclurilor solemne de frescă și a picturilor, ci și în conținutul lor, expresivitatea imaginilor. Limbajul pictural, care, după definiția unor cercetători, la începutul Renașterii putea părea prea „vorbăreț”, a devenit generalizat și restrâns. Arta Înaltei Renașteri este un proces artistic plin de viață și complex, cu creșteri uluitor de strălucitoare și crize ulterioare.

LEONARDO DA VINCI

În istoria omenirii nu este ușor să găsești un altul la fel de strălucit
personalitate ca fondator al artei înaltei Renașteri Leonardo
da Vinci (1452-1519). Natura cuprinzătoare a activităților acestui mare artist și om de știință a devenit clară numai atunci când manuscrisele împrăștiate din moștenirea sa au fost examinate. Literatura colosală este dedicată lui Leonardo. viața lui a fost studiată în detaliu. Cu toate acestea, multe din opera sa rămân misterioase și continuă să emoționeze mințile oamenilor.

Printre lucrările sale timpurii se numără pictura „Madona cu floare” (1472). Spre deosebire de maeștrii secolului al XV-lea. Leonardo a refuzat narațiunea, utilizarea detaliilor care distrag atenția privitorului, saturate de imagini de fundal. Imaginea este percepută ca o scenă simplă și lipsită de artă a maternității fericite a tinerei Maria. Două figuri mari umplu întregul spațiu al imaginii, doar în afara ferestrei din peretele întunecat se vede un cer albastru și rece. Este surprins un moment specific: mama, ea însăși încă o fată afectuoasă și plină de viață, îi întinde o floare copilului ei, zâmbind și urmărește cum un copil serios examinează cu atenție un obiect necunoscut. Floarea leagă ambele figuri.


Donatello și Monumentul lui Verrocchio a fost supranumit Marele Colos.

Picturile lui Leonardo din perioada Milano au supraviețuit până în vremea noastră. Primul retablo al Înaltei Renașteri a fost Madonna in the Grotto (1483-1494). Pictorul s-a îndepărtat de tradițiile secolului al XV-lea, în ale căror picturi religioase a prevalat rigiditatea solemnă.În retabloul lui Leonardo sunt puține figuri: Maria feminină, Pruncul Hristos care binecuvântează pe micuțul Ioan Botezătorul și un înger îngenuncheat, ca și cum privea afară din fotografia. Imaginile sunt perfect frumoase, conectate în mod natural cu mediul lor. Acesta este un fel de grotă printre stâncile de bazalt întunecate, cu un decalaj în adâncuri - un peisaj tipic lui Leonardo: în general, fantastic de misterios, dar în special - în imaginea fiecărei plante, a fiecărei floare printre iarba densă - realizat cu o precizie. cunoaşterea formelor naturale. Figurile și fețele sunt învăluite într-o ceață aerisită, dându-le o moliciune deosebită. Italienii au numit această tehnică Leonardo sfumato.

La Milano, se pare, maestrul a creat pânza „Madonna and Child” („Madonna Litta”). Aici, spre deosebire de Madona cu floare, el
s-a străduit pentru o mai mare generalizare și idealitate a imaginii. Înfățișează nu un moment anume, ci un fel de stare de lungă durată de bucurie calmă, în care este scufundată o tânără frumoasă, care alăptează un copil. Expresivă este claritatea compoziției echilibrate cu două ferestre situate simetric, între care este înscrisă o silueta plină de viață și flexibilă a unei jumătăți de figură feminină. O lumină rece, clară, îi luminează chipul subțire, ușor sculptat și un zâmbet ușor, abia perceptibil. Tabloul este pictat în tempera, dând sonoritate tonurilor mantiei albastre și rochiei roșii a Mariei. Părul pufos și creț auriu închis al Bebelușului este uimitor de scris, privirea lui atentă îndreptată spre privitor nu este copilăresc de serioasă.

O dispoziție diferită, dramatică, distinge pictura monumentală a lui Leonardo „Cina cea de taină”, interpretată de el în 1495-1497. comandat de Lodovico Moro pentru biserica trapezoială Santa Mariadella Grazie din Milano. Soarta acestei opere celebre a lui Leonardo este tragică. Mai multîn timpul vieții maestrului, vopseaua a început să se prăbușească. În HUL a fost spartă o ușă în peretele trapezei, care a distrus o parte din compoziție, iar în secolul al XVIII-lea. Clădirea a fost transformată într-un depozit de fân. Restaurările inepte au cauzat mari pagube frescei. LA
În 1908 s-au efectuat lucrări de curățare și întărire a picturii murale.
În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, tavanul și peretele sudic al trapezei au fost distruse de o bombă. Restaurarea întreprinsă în 1945 a salvat pictura de la distrugerea ulterioară, rămășițele picturii lui Leonardo au fost identificate și securizate. Cu toate acestea, doar ideea cea mai generală se poate forma acum despre marea creație a maestrului.

Este imposibil de imaginat că Leonardo da Vinci ar putea trăi și crea într-o altă epocă. Și totuși personalitatea lui și-a depășit timpul, s-a ridicat deasupra lui. Opera lui Leonardo înainte de Vinci este inepuizabilă. Amploarea și unicitatea talentului său pot fi judecate după desenele maestrului, care ocupă unul dintre locurile de onoare în istoria artei mondiale. Cu desenele lui Leonardo da Vinci, schițele, schițele, diagramele, nu numai manuscrisele dedicate științelor exacte, ci și lucrările despre teoria artei sunt indisolubil legate.

Arta lui Leonardo da Vinci, științifice și studii teoretice, unicitatea personalității sale a trecut prin întreaga istorie a culturii mondiale, a avut un impact uriaș asupra acesteia.

Ideea de frumusețe și armonie sublimă este asociată cu opera lui Rafael (1483-1520) în istoria artei mondiale.
Este în general acceptat că în constelația maeștrilor străluciți ai Înaltei Renașteri, în care Leonardo personifica intelectul, iar Michelangelo personifica puterea, Rafael a fost principalul purtător al armoniei. Desigur, într-o măsură sau alta, fiecare dintre ei poseda toate aceste calități. Totuși, nu există nicio îndoială că străduința necruțătoare pentru un început luminos și perfect pătrunde în toată opera lui Rafael și constituie sensul ei interior.

Rafael a studiat inițial la Urbino cu tatăl său, apoi cu localnic
celebrul pictor Timoteo Vite. În 1500, s-a mutat la Perugia, capitala Umbriei, pentru a-și continua educația în atelierul celebrului
al-lea pictor, conducătorul școlii din Umbria Pietro Perugino. Tânărul maestru și-a depășit rapid profesorul.

Imaginea preferată a lui Rafael este Madona cu Pruncul. În istoria artei, „Madona Sixtina” este o imagine de o frumusețe desăvârșită. Acest
un tablou mare de altar o înfățișează nu doar pe Mama Divină
cu Pruncul Divin și miracolul apariției Reginei Cerești,
supă poporului Fiului Său ca jertfă ispășitoare. Încadrat de verde
Pe norii strălucitori stă Maria cu Pruncul în brațe. Privirea ochilor ei întunecați, fără strălucire, este îndreptată spre trecut și, parcă, prin privitor. Acel aspect este disponibil. ceea ce este ascuns altora. În chipul lui Hristos, un copil mare și frumos, se ghicește ceva care nu este copilăresc tensionat și vizionar. Aici artistul a realizat un echilibru dinamic rar: simplitatea aparentă clară, trăsăturile idealității abstracte, divinitatea unui miracol și greutatea reală a formelor se împletesc, se completează și se îmbogățesc reciproc.
prieten. În stânga Madonei, Papa Sixtus al IV-lea în rugăciune tandrețe
contempla un miracol. Sfânta Barbara, coborându-și cu evlavie privirea, care, ca și Maria, este a cerului, se înalță ușor în nori. Doi îngeri, sprijiniți de parapet, ridică privirea și readuc atenția privitorului asupra imaginii centrale.

Michelangelo

Michelangelo Bounarroti (1475-1564) - cel mai mare maestruÎnalta Renaștere, care a creat lucrări remarcabile de sculptură, pictură, arhitectură. Michelangelo a executat o statuie colosală de marmură a lui David. Statuia atinge cinci metri și jumătate înălțime. Ea personifică puterea nelimitată a omului. David tocmai se pregătește să lovească inamicul cu o piatră trasă dintr-o praștie, dar deja se simte că acest lucru viitor un cuceritor, plin de conștiință a puterii sale fizice și spirituale. Chipul eroului exprimă o voință de neclintit.

Realizată din ordinul Republicii Florentine, statuia a fost instalată la intrarea în Talazzo Vskchio. Deschiderea monumentului în 1504 s-a transformat într-o sărbătoare națională. „David” a decorat piața timp de mai bine de trei secole și jumătate. În 1873, monumentul a fost instalat în Galeria Academiei de Arte Frumoase din Florența. În vechiul loc unde însuși Michelangelo a așezat statuia, există acum o copie de marmură.

SEMNIFICAȚIA CULTURII
EPOCA RENAŞTERII

Astfel, în efortul de a învăța cultura Renașterii, secretele artei sale, este necesar să se analizeze tradițiile nu numai ale Italiei, ci și ale altor țări occidentale, doar pentru o astfel de asociație, legată de aceleași idei și vederi, va oferi o imagine completă a Renașterii.

Semnificația revoluționară a Renașterii este importantă pentru toate timpurile ulterioare, deoarece în această perioadă au fost puse principalele opinii umaniste, a căror dezvoltare este relevantă pentru întreaga omenire de astăzi.

În perioadele de apogeu ale dezvoltării culturii, un exemplu al căruia este Renașterea, de regulă, se dezvăluie contradicții profunde, depășind care apar noi tradiții și tehnici. Și alături de cele mai revoluționare pretenții în domeniul gândirii și voinței, care au dus la cele mai îndrăznețe postulate în domeniul moralității, științei și artei, alături de îndrăzneala nemărginită de a distruge vechiul și a crea noul, dând uneori impresia. a ceva foarte modern, supraviețuirea unor vederi vechi.

Și cele mai creative și productive gânduri sunt testate tocmai în îmbunătățirea și dezvoltarea ideilor vechi.

Renașterea a inaugurat o eră a unui om complet nou în istoria civilizației europene. Acest lucru s-a reflectat în primul rând în viziunea asupra lumii, credințe, în toate domeniile activității individului, precum și în sfera sentimentelor și emoțiilor sale. În această epocă, voința și acțiunea au mers împreună, vechi și nou, unindu-se, au dat naștere la idei, imagini și lucrări strălucitoare; perfecțiunea creativității unui individ era la fel de semnificativă ca și activitățile școlilor și perioadelor. Gânditori umaniști, oameni de artă și-au propus sarcini eroice și le-au rezolvat cu succes. Cei care au văzut rezolvarea tuturor problemelor în îmbunătățirea ideilor de ordine socială, au mers la moarte și la privare de dragul binelui comun al omenirii și au creat condițiile prealabile pentru activitatea grandioasă a generațiilor următoare.

În domeniul filozofiei și al științelor (atât umanitare, cât și matematice) s-a înregistrat un salt semnificativ în dezvoltare, caracterizat prin idei umaniste, o nouă privire asupra omului și capacităților sale.

În domeniul artei, sarcinile unei persoane au fost lăsate moștenire viitorului într-o formă degradată, deoarece tehnicile și principiile de bază sunt clare pentru noi, dar modul în care se realizează impresia de ansamblu a unei opere este un mister, mai ales în domeniul artistic. reprezentarea unei persoane, a frumuseții și a sublimității sale.

Această eră a dat omenirii un număr imens de personalități cuprinzătoare, titanice, misterioase - Petrarh, Shakespeare, Giotto, Rafael, Tițian, Michelangelo, sunt necesare secole pentru a le înțelege creativitatea și personalitatea umană.

Antropocentrismul Renașterii se manifestă în noua colorare semantică microcosmicitatea - pe care o persoană o transformă în macrocosmos într-una dintre cele mai multe în viaţăși forte active. Prin urmare, nu uitați că Renașterea nu este doar epoca lui Leonardo și Michelangelo, ci și epoca Paracelsus(1493-1541) și Nostradamus (1503-1566).


Concluzie

Rezultatul principal și principal cucerire Renaștere - afirmarea unei personalități umane active, potențialul său optimist și creativitatea, care au dus la multe realizări mari ale omenirii, facilități, confort și calitate îmbunătățită a vieții - până la sfârșitul secolului al XV-lea. nu se potrivește bine cu fondurile de ten tradiționale cultura medievalăși viața, amenință să se transforme într-un conflict ascuțit cu ea și într-o ruptură completă cu întregul medieval.

Toate acestea au exacerbat și mai mult contradicțiile Renașterii, transformându-le într-un conflict acut atât în ​​interiorul personalității Renașterii în sine, cât și între straturile culturale ale epocii, dar, în același timp, Renașterea a fost imboldul pentru crearea unei noi culturi - cultura New Age.