Plan

Introducere

1. Spiritual şi origini artistice Epoca de argint

2. Originalitatea picturii ruse a sfârșitului XIX-- începutul secolul XX

3. Asociații artisticeși rolul lor în dezvoltarea picturii

Concluzie

Literatură

Introducere

Noi, ne stăpânim drumul spre soare, ca Icar, Suntem îmbrăcați cu o mantie de vânturi și flăcări.

(M. Voloshin)

Sistemul vieții spirituale, care a prins contur și a produs fructe neobișnuit de bogate la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, este adesea menționat prin termenul romantic „Epoca de argint”. Pe lângă încărcătura emoțională, această expresie are un anumit conținut cultural și cadru cronologic. A fost introdus activ în uz științific de către criticul S.K. Makovski, poetul N.A. Otsup, filozoful N.A. Berdiaev. Serghei Makovski, fiul artistului K.E. Makovski, deja în exil, a scris cartea „Despre parnasul epocii de argint”, care era destinată să devină cea mai faimoasă carte de memorii despre această perioadă.

Majoritatea cercetătorilor atribuie perioada de 20-25 de ani Epocii de Argint la începutul secolelor XIX-XX. și începeți-l cu evenimente culturale obișnuite, la prima vedere, de la începutul anilor '90. În 1894, a fost publicată prima colecție „Bryusov” de poeți „simboliști”; opera lui M.P. Mussorgsky „Khovanshchina” a văzut scena; mod creativ compozitorul-inovator A.N. Scriabin. În 1898, la Sankt Petersburg a fost înființată o asociație creativă fundamental nouă „Lumea artei”, iar „Anotimpurile rusești” de S.P. a început la Paris. Diaghilev.

Perioada de glorie a culturii Epocii de Argint cade în anii 10. XX, iar sfârșitul său este adesea asociat cu revoltele politice și sociale din 1917-1920. Astfel, cel mai larg cadru cronologic al Epocii de Argint: de la mijlocul anilor '90. secolul al 19-lea până la mijlocul anilor 20. Secolul XX. Adică aproximativ 20-25 de ani la începutul secolului.

Care a fost momentul de cotitură trăit în această perioadă de cultura rusă, și odată cu ea pictura rusă? De ce a primit această perioadă un nume atât de poetic care ne readuce involuntar memoria înapoi la epoca de aur a Renașterii Pușkin? Răspunsurile la aceste întrebări încă entuziasmează mințile oamenilor de știință, scriitorilor și criticilor de artă. Aceasta a determinat relevanța subiectului eseului nostru.

Cumpărarea secolelor 19-20 este un punct de cotitură pentru Rusia. Ușuri și coborâșuri economice, pierdute Războiul ruso-japonez 1904--1905 iar revoluţia din 1905-1907, prima Razboi mondial 1914--1918 și ca o consecință a revoluției din februarie și octombrie 1917, care a răsturnat monarhia și puterea burgheziei... Dar, în același timp, știința, literatura și arta au cunoscut o înflorire fără precedent.

În 1881, ușile unui privat Galerie de artă celebrul negustor și filantrop Pavel Mihailovici Tretiakov, în 1892 l-a donat Moscovei. În 1898 a fost deschis Muzeul Rus al Împăratului Alexandru al III-leaîn Sankt Petersburg. În 1912, la inițiativa istoricului Ivan Vladimirovici Tsvetaev (1847-1913), Muzeul de Arte Frumoase (acum Muzeul de Stat de Arte Plastice Pușkin) și-a început activitatea la Moscova.

Tradițiile realiste ale Rătăcitorilor în pictură, tonul lor narativ și edificator erau de domeniul trecutului. Au fost înlocuite cu stilul modern. Este ușor de recunoscut prin linii flexibile, curgătoare în arhitectură, prin imagini simbolice și alegorice în sculptură și pictură, prin fonturi și ornamente sofisticate în grafică.

Scopul lucrării noastre este de a arăta, în strânsă legătură cu problemele istorice și sociale ale timpului, procesele de dezvoltare a picturii. sfârşitul XIX-lea- din timp secolele XX

Pentru a atinge acest obiectiv, trebuie să îndepliniți următoarele sarcini:

A da caracteristici generale arta sfârşitului secolului al XIX-lea - începutul. secolul XX;

Descrieți opera reprezentanților de seamă ai picturii din acea vreme;

Aflați principalele direcții în Arte Frumoase din această perioadă de timp.

La redactarea rezumatului a fost folosită cartea lui Berezova L.G. „Istoria culturii ruse”, în care autorul a analizat principalele probleme ale istoriei dezvoltării culturii din vremea Rusiei antice până în zilele noastre. Autorul acestei monografii împărtășește punctul de vedere, care este discutat în modern literatura stiintifica. Constă în faptul că cultura este văzută ca structura de susținere a istoriei naționale.

Următoarea carte care a fost folosită atunci când lucra la eseul, „Arta domestică”, autoare Ilyina T.V. Această monografie este dedicată istoriei artelor plastice. Autorul a încercat să ofere o imagine obiectivă, veridică a dezvoltării artei ruse la sfârșitul secolului al XIX-lea începutul secolului al XX-lea, să vorbească despre lucrările acelor artiști ruși ale căror nume sunt tragedie. dezvoltare istorica societatea noastră a fost cufundată în uitare.

În articolul său Sternin G.Yu. "Rusă cultura artistică a doua jumătate a secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea” a încercat să selecteze acele lucrări și să caracterizeze cel mai clar una sau alta direcție maestru artist pentru a crea, pe cât posibil, o viziune holistică asupra trăsăturilor dezvoltării picturii în arta rusă.

Și, de asemenea, în această lucrare, lucrările criticilor de artă Vlasov R.I., Fedorov-Davydov A.A. și alții au fost folosite pentru a analiza munca unor artiști anumiți.

1. Originile spirituale și artistice ale Epocii de Argint

Sfârșitul secolului al XIX-lea a devenit un punct important pentru cultura rusă, momentul căutării unei noi conștiințe de sine. Din punct de vedere al dezvoltării socio-politice și spirituale, părea că totul era înghețat, ascunzându-se în Rusia. Cam la această oră A.A. Block a scris replicile uimitoare:

În acei ani îndepărtați, surd

Somnul și întunericul domnea în inimi.

Învingător asupra Rusiei

Întindeți aripi de bufniță.

Începutul reînnoirii se află în profunzimile conștiinței de sine naționale, unde s-au făcut schimbări subtile în sistemul de valori, în ideile despre lume și om. Ce este matur în adâncul culturii?

Săgeata timpului face, parcă, o abatere, o rupere, un nod. La sfârşitul secolului, acest sentiment de „sfârşit de ciclu”, completarea cercului cultural, s-a dovedit a fi deosebit de puternic. Cuvintele filozofului V.V. Rozanova transmite acest sentiment de anxietate: „Și din punctul de pauză istorică ies colțuri urâte, spini străpungătoare, în general neplăcute și dureroase” Berezovaya L.G. Istoria culturii ruse.-M., 2002 -S.65. Starea de disconfort spiritual a fost resimțită de întreaga cultură de la sfârșitul secolului al XIX-lea.

Tendințele culturale de la începutul secolului sunt uneori menționate de către istoricii de artă cu cuvântul „decadență”. De fapt, decadența în sine a fost doar un simptom artistic al stării sufletului național la momentul „întorsăturii secolelor”. Pesimismul lui nu a fost atât o negare a experienței culturale anterioare, cât o căutare a modalităților de a trece la un nou ciclu. A fost necesar să scăpăm de moștenirea epuizată a secolului trecut. De aici și impresia naturii distructive, distructive a decadenței ruse.

Ar putea fi la fel de bine considerată o punte disperată către un viitor necunoscut. Decadența a precedat Epoca de Argint nu atât în ​​timp cât în ​​atitudine, în sistemul de artă. Negând vechiul, a deschis calea către căutarea noului. În primul rând, aceasta se referă la noi accente în sistemul de valori ale vieții.

La sfârşitul secolului al XIX-lea. omul a simțit pentru prima dată puterea înfricoșătoare a științei și puterea tehnologiei. LA viata de zi cu zi a inclus un telefon și o mașină de cusut, un pix și cerneală din oțel, chibrituri și kerosen, iluminat electric și un motor combustie interna, locomotivă cu abur, radio... Dar odată cu aceasta, au fost inventate dinamita, o mitralieră, o navă, un avion și gaze otrăvitoare.

Prin urmare, potrivit lui Beregovaya, puterea tehnologiei secolului XX viitor. făcut un separat viata umana prea vulnerabil și fragil. Răspunsul a fost atenția specială a culturii pentru sufletul uman individual. Un început personal agravat a intrat în conștiința de sine națională prin romanele și sistemele filozofice și morale ale lui L.N. Tolstoi, F.M. Dostoievski, iar mai târziu A.P. Cehov. Literatura pentru prima dată a acordat cu adevărat atenție vieții interioare a sufletului. Temele familiei, dragostei, auto-valoarea vieții umane au sunat tare.

O astfel de schimbare bruscă a valorilor spirituale și morale ale perioadei decadente a însemnat începutul emancipării creativității culturale. Epoca de Argint nu s-ar fi putut manifesta niciodată ca un impuls atât de puternic către o nouă calitate a culturii ruse dacă decadența s-ar fi limitat la negarea și răsturnarea idolilor. Decadența a construit un suflet nou în aceeași măsură în care l-a distrus, creând pământul Epocii de Argint - un text unic, inseparabil de cultură. Vlasova R.I. Constantin Korovin. Creativitate.- L., 1970.-p.32.

Reînvierea tradițiilor artistice naționale. În conștiința de sine a oamenilor la sfârșitul secolului al XIX-lea. a fost prins interesul în trecut, în primul rând, pentru propria istorie. Sentimentul de a fi moștenitorii istoriei lor a început cu N.M. Karamzin. Dar la sfârșitul secolului acest interes a primit o bază științifică și materială dezvoltată.

La sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX. icoana rusă „a părăsit” cercul obiectelor de cult și a început să fie privită ca obiect de artă. Administratorul Galeriei Tretiakov s-a transferat la Moscova, I.S. Ostroukhov. Ostroukhov a reușit să vadă întreaga lume sub un strat de „renovări” ulterioare și funingine pictura rusă veche. Cert este că uleiul uscat, care era acoperit cu icoane pentru strălucire, după 80-100 de ani s-a întunecat atât de mult încât pe icoană a fost scrisă o nouă imagine. Ca urmare, în secolul al XIX-lea în Rusia, toate icoanele care datează mai devreme de secolul al XVIII-lea au fost ascunse ferm cu mai multe straturi de vopsea.

În anii 900 restauratorii au reușit să șterge primele icoane. Luminozitatea culorilor maeștrilor antici i-a șocat pe cunoscătorii de artă. În 1904, „Trinitatea” lui A. Rublev a fost descoperită de sub mai multe straturi de înregistrări ulterioare, care fuseseră ascunse de cunoscători timp de cel puțin trei sute de ani. Toată cultura secolelor XVIII-XIX. dezvoltat aproape fără cunoașterea propriei sale moșteniri vechi rusești. Icoana și întreaga experiență a școlii de artă ruse au devenit una dintre sursele importante ale noii culturi a Epocii de Argint.

La sfârșitul secolului al XIX-lea, a început un studiu serios al antichității ruse. A fost publicată o colecție în șase volume de desene cu arme rusești, costume, ustensile bisericești - „Antichități ale statului rus”. Această ediție a fost folosită în Școala Stroganov, care a pregătit artiști, maeștri ai firmei Faberge și mulți pictori. La Moscova au fost publicate publicații științifice: „Istoria ornamentului rusesc”, „Istoria costumului rusesc” și altele. Armeria din Kremlin a devenit un muzeu deschis. Prima lucrare științifică și de restaurare a fost întreprinsă în Lavra Kiev-Pechersk, în Mănăstirea Treime-Serghie, în Mănăstirea Ipatiev din Kostroma. A început studiul istoriei moșiilor provinciale, iar muzeele de istorie locală au început să funcționeze în provincii.

Pe baza înțelegerii vechilor tradiții artistice din Rusia, a început să se formeze una nouă. stil artistic- gazon modern. Caracteristica inițială a noului stil a fost retrospectivismul, adică înțelegerea culturii secolelor trecute de către omul modern. Simbolismul în sferele intelectuale ale culturii și Art Nouveau în domeniile artistice au avut o bază comună de viziune asupra lumii, aceleași puncte de vedere asupra sarcinilor creativității și un interes comun pentru experiența culturală trecută. La fel ca simbolismul, Art Nouveau a fost comun întregii culturi europene. Termenul „modern” în sine provine de la denumirea revistei „Arta contemporană” apărută atunci la Bruxelles. Pe paginile sale a apărut și termenul de „artă nouă”.

Art Nouveau și simbolismul epocii de argint s-au format ca un stil sintetic complex, chiar mai degrabă o fuziune a diferitelor stiluri cu o deschidere fundamentală către moștenirea culturală a tuturor timpurilor și popoarelor. Nu a fost doar o legătură, c. experienţa senzorială a istoriei culturale a omenirii din punct de vedere al omul modern. În acest sens, cu tot retrospectivismul său, Art Nouveau a fost un stil cu adevărat inovator.

Modernitatea rafinată a începutului Epocii de Argint a fost înlocuită de noile tendințe: constructivism, cubism etc. Arta avangardei s-a opus sfidător căutării „înțelesurilor și simbolurilor” cu claritatea constructivă a liniilor și volumelor, pragmatismului culorii. solutii. A doua perioadă a Epocii de Argint a culturii ruse este legată de avangardă. Formarea sa, printre altele, a fost influențată de evenimentele politice și sociale din Rusia și Europa: revoluții, războaie mondiale și civile, emigrație, persecuție, uitare. Avangarda rusă s-a maturizat într-o atmosferă de așteptări catastrofale din ce în ce mai mari în societatea antebelică și prerevoluționară; a absorbit oroarea războiului și romantismul revoluției. Aceste împrejurări au determinat caracteristica inițială a avangardei ruse - efortul său nesăbuit pentru viitor.

„Marea Utopie” a avangardei ruse. Mișcarea de avangardă a început în 1910 cu infama expoziție Jack of Diamonds. Poeții de avangardă, frații Burliuk, au ajutat la organizarea expoziției, iar unul dintre „rebelii” Școlii de Pictură din Moscova, M.F. Larionov. A prezentat lucrări ale artiștilor ruși asemănătoare cubiștilor europeni. Uniți, artiștii au organizat expoziții comune până în 1917. Nucleul „Fărășoarelor diamantelor” a fost P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentulov, A.V. Kuprin, R.R. Falk. Dar toți artiștii de avangardă ruși au trecut cumva prin expozițiile acestei asociații, cu excepția, poate, a unuia - Petersburger P.N. Filonov.

Totodată, în raportul din expoziție, A.N. Benois a folosit pentru prima dată termenul de „avangardă”. Ea a lovit cu adevărat nu numai publicul, ci și artiștii, pentru că pe fundalul extravagantelor „jack of diamonds”, artiștii „World of Art” arătau ca niște academicieni conservatori. Lucrări prezentate de P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkova, R.R. Falka, N.S. Goncharova și alții au fost încântați de gândire și simțire, au dat o imagine diferită a lumii. Picturile au accentuat sentimentul lacom, material al lumii: intensitatea culorii, densitatea și neglijența loviturii, volumul exagerat al obiectelor. Artiștii erau foarte diferiți, dar erau uniți printr-un singur principiu - inovația nestăpânită. Acest principiu a format o nouă direcție artistică.

Adept al lui Cezanne, Pyotr Konchalovsky a combinat în mod bizar materia vie cu cea neînsuflețită în picturile sale. „Portretul lui Yakulov” este un amestec între un interior strălucitor, aproape plin de viață și un bărbat stând nemișcat, asemănător unui idol. Unii critici de artă compară maniera lui de a combina culorile strălucitoare și elasticitatea scrisului cu stilul poetic al lui V.V. Maiakovski. Verde densă viguroasă în picturile lui R.R. Falk din „Seria Crimeea” și materialitatea demonstrativă a „Blue Plums” de I.I. Mashkov arată dragostea deosebită a avangardei timpurii pentru lumea obiectivă, care a ajuns până la a o admira și a se bucura de ea. Istoricii de artă notează un „sunet special al lui Mashkov” din ustensile metalice în picturile artistului.

În lucrările celui mai interesant artist „Jack of Diamonds” A.V. Avangarda Lentulova ajunge în pragul artei non-obiective. Prietenii parizieni l-au numit futurist.Spațiul „fațetat” inventat de el în tablouri, culorile jubilatoare dau impresia unor produse prețioase și strălucitoare („Vasily Blazhenny”, „Moscova” - 1913). |

„Rebeliunea” avangardiştilor împotriva „academicismului” modernităţii i-a determinat să se îndrepte spre folosirea tradiţiilor popularului primitiv, atenţie deosebită la „stilul semnului”, tiparul popular popular, acţiunea de stradă. Cei mai mari rebeli din „Arborele diamantelor” de M.V. Larionov și soția sa N.S. Goncharova s-a străduit pentru o inovație și mai mare - depășind limitele imaginii subiectului în pictură. Cadrul „frănilor de diamante” pentru ei a devenit înghesuit. În 1912-1914. au organizat mai multe expoziţii scandaloase cu nume caracteristice: „Coada măgarului”, „Target” etc.

Participanții la aceste expoziții, în primul rând, ei înșiși; M.V. Larionov și N.S. Goncharov, a subliniat primitivul.; Paradoxul avangardismului a fost acela de a lupta pentru; noutate, artiștii au folosit elemente tradiționale din cultura lor natală: pictura Gorodets, strălucirea ustensilelor din lemn Maidan, linii Khokhloma și Palekh, icoane, populare, imprimeuri populare, semne de oraș, publicitate. Datorită atracției pentru primordial și natural arta Folk M.V. Larionova, N.S. Goncharova și prietenii lor erau uneori numiți „puriști ruși” (purismul este ideea purității morale).

Căutarea unui stil nou a dat însă rezultate diferite. N.S. Goncharova a considerat foarte importantă intrarea motivelor orientale în cultura rusă și ea însăși a lucrat în această direcție. Ea a inventat numele stilului ei: „all-ness” și a susținut că poate scrie același subiect în orice stil și-ar dori. Într-adevăr, picturile ei sunt surprinzător de diverse. Cu diligența sa legendară la expoziția din 1913. ea a arătat 773 de tablouri. Printre acestea s-au numărat primitivistele „Femei cu greblă” și o retrospecție subtilă a artei antice rusești „Motive icon”, și misterioasa „gripă spaniolă”, și constructivistul „Avion peste tren”. M.I. Tsvetaeva a definit artistul cu cuvintele „dar și muncă”. Goncharova a conceput celebra producție Diaghilev a Cocoșului de aur al lui Stravinski.

M.V. Larionov este cunoscut drept inventatorul „raionismului”, un stil care a fost ieșirea artei avangardiste dincolo de limitele lumii materiale. Artistul și-a numit stilul „autodezvoltarea ritmului liniar al lucrurilor. Peisajele sale „radiante” sunt cu adevărat originale și aparțin unei noi versiuni a artei de avangardă – artă neobiectivă sau abstractionism. M. Larionov a conceput cu entuziasm colecții scandaloase ale acelorași avangardişti în poezie - prietenii săi, poeții futuriști Krucheny, Burliuk.

Sensul și soarta avangardei ruse. Expoziții ale „Coada măgarului” și căutarea M.V. Larionov și P.S. Goncharova a însemnat dezvoltarea avangardei ruse după principiul „ventilatorului”, adică crearea multor variante de inovație. Deja în anii 10. în varietatea extraordinară a tendințelor avangardiste au fost conturate trei direcții predominante ale căutărilor inovatoare. Niciuna dintre ele nu a fost finalizată, așa că le vom desemna condiționat.

1. Direcția expresionistă a avangardei a subliniat strălucirea deosebită a impresiei, expresiei și decorativității limbaj artistic. Cel mai indicativ tablou este un artist foarte „vesel” - M.Z. Chagall.

2. Calea către non-obiectivitate prin cubism - identificarea maximă a volumului obiectului, a structurii sale materiale. K. S. Malevich a scris în acest fel.

3. Dezvăluirea construcției liniare a lumii, tehnizarea imagini artistice. Creativitatea constructivistă a lui V.V. Kandinsky, V.E. Tatlin. Avangarda rusă a alcătuit o pagină separată și glorioasă în pictura europeană. Direcția care a respins experiența trecută a păstrat aceeași pasiune a sentimentelor, dragostea pentru

Expresionismul - (din lat. Ehrgezzu - expresie) - o direcție artistică care se concentrează pe sentimente puternice, o viziune contrastantă asupra lumii, expresivitatea supremă a limbajului artistic cu culori bogate și visare care disting cultura rusă în ansamblu.

Această „rusitate” se manifestă chiar și în cel mai „european” artist de avangardă Wassily Kandinsky, care poate fi numit atât artist rus, cât și german. Kandinsky a condus asociația Blue Rider din Germania, a lucrat mult în străinătate. Apogeul operei sale a venit în 1913-1914, când a scris mai multe cărți despre teoria picturii noi („Pași. Textul artistului”). Calea proprie către non-obiectivitate este exprimată prin formula: „criptați mediul obiectiv, apoi rupeți cu el”. El face așa. Lucrările sale „Barci” și „Lac” sunt criptate, cu greu ghicite mediul natural, iar numeroasele sale „Compoziții” și „Im Provisions” sunt deja libere de ele.

Non-obiectivitatea în dezvoltarea picturii a reflectat haosul în creștere în autoidentificarea individuală și națională. Maturarea ideii naționale a rămas dincolo de orizont, iar sentimentul vârtejului năprasnic al timpului, confuzia de obiecte, sentimente, idei, presimțirea unei catastrofe - în ființa prezentă.

Vedem acest amestec ciudat la prima vedere de obiectivitate și irealitate a lumii în poze naive M.Z. Shaga-la, în energia dură K.S. Malevici. Nu a fost întâmplător ca P.N. Filonov cu ideile unuia dintre cei mai misterioși filozofi ruși N.F. Fedorov (oameni mari, pământ mare, soartă, soartă). V.V. Kandinsky era angajat în filosofia indiană, era interesat de ideile lui E. Blavatsky. Artiștii abstracti erau pasionați de întreaga gamă de artă populară: jucării rusești, măști și culte africane, sculpturi ale Insulei Paștelui.

O influență notabilă asupra avangardei ruse din anii 10-20. s-a dovedit a fi o pasiune pentru capacitățile tehnice ale omenirii și romantismul revoluționar în anticiparea unei lumi noi. Era o imagine a secolului XX. cu psihologia sa mașină, plasticitatea liniară a industrialismului. La expoziția cu denumirea matematică „0,10” Malevici a expus „Pătratul Negru” care a uimit pe toată lumea.

Bineînțeles, aici a fost și un moment de scandal – până la urmă, conform „regulilor jocului” boeme nu se putea declara decât prin șoc. Dar nu întâmplător unul dintre „pătratele” sale decorează mormântul celebrului inovator. Malevici a făcut un pas spre „ilogismul” complet al artei. În „Manifestul” său din 1915. el explică descoperirea sa.

Comentând „Pătratul negru” al său, Malevich a declarat că „atunci când obiceiul conștiinței de a vedea o imagine în imagini dispare... abia atunci vom vedea o lucrare pur picturală. În opinia sa, doar „lașitatea și slăbiciunea” constiinta umana ne leagă pe toți – „de la sălbatic la academician” – de lumea obiectivă.

Așadar, pictura rusă, în pasiunea ei de a ajunge la ultima „cărămidă”, până la ultimul atom din cunoașterea ființei, a ajuns la fund. La urma urmei, „Pătratul Negru” de K.S. Malevici este fundul, finalul cunoașterii de sine. Culoarea neagră nu este deloc o culoare, este mormântul tuturor culorilor și în același timp posibilitatea renașterii lor de sub suprafața neagră. Noua cultură trebuia să cunoască lumea până la capăt, distrugând toate convențiile și miturile conștiinței. Expunerea completă a sufletului - pentru acceptarea unui nou suflet al viitorului. Aspirația patetică futuristă a lui Malevici a făcut experimentul său artistic nemuritor. Un experiment de recodificare semantică a lumii, un impuls romantic spre viitor, nu a hrănit doar pictura. Aceasta a fost tendința generală a culturii ruse în ajunul evenimentelor teribile ale despărțirii naționale din 1917-1920.

Propriul său „pătrat negru” a apărut în alte zone ale culturii din acest timp. În vara anului 1913, a avut loc un congres al futuriștilor, la care a fost creat un nou teatru „Budetlyanin”. Chiar și în numele său se poate auzi aspirația către viitor. Imaginea fizică a „pătratului negru” a apărut pe scena teatrului în producția operei de avangardă „Victoria asupra Soarelui”, care a glorificat victoria mașinilor asupra elementelor naturii.

Avangarda rusă a avut ghinion în literatura de istorie a artei. Părea fie un pitic urât, fie un uriaș înfricoșător în pictura rusă. Oricare ar fi impresia estetică asupra fiecăruia dintre noi ar putea fi produsă de picturile uimitoare ale artiștilor din această direcție, ei au fost scandalos de avangardă pentru contemporanii lor, iar pentru noi sunt istoria culturii ruse la una dintre cele mai dificile cotituri ale ei. dezvoltare. Despre ei a scris profetic A.N. în 1912. Benois că „sperioarele actuale” vor „deveni în cele din urmă clasice”. Și din acest punct de vedere, avangarda este o formă de autoconștiință națională (autoidentificare) în fața noului secol.

Concepte cheie

Avangardismul este un nume convențional pentru toate cele mai recente viziuni și tendințe experimentale în artă, care pun căutarea noului mai presus de orice. Avangarda este un termen atașat mișcării inovatoare din anii 1910-1920. (futurism, cubism, cubo-futurism, primitivism, suprematism, constructivism, abstractionism etc.).

Art Nouveau - un stil artistic în Europa și Rusia la începutul secolelor XIX-XX. Art Nouveau este format din mai multe tendințe stilistice, care s-au bazat pe dorința de a generaliza și regândi experiența estetică a omenirii. Din acest motiv, Art Nouveau a apărut adesea ca o retrospecție a unei vechi tradiții culturale (stil neogotic, neo-rus, neoclasic etc.).

Urbanism - (din latină - urban) - procesul de concentrare a populației, industriei și culturii în marile orașe; inerente unui oraș mare. Însoțită de apariția culturii urbane de masă.

2. Originalitatea picturii rusești de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX

Odată cu criza mișcării populiste, în anii 90, „metoda analitică a realismului secolului al XIX-lea”. Lapshina N. „Lumea artei”. Eseuri despre istorie și practică creativă. M., 1977.- P.86. , așa cum este numit în știința domestică, devine învechit. Mulți dintre rătăcitori au experimentat un declin creativ, au intrat în „lumea mică” Turchin V. S. Epoca romantismului în Rusia. M., 1981.-S.90 pictură de gen distractivă. Tradițiile lui Perov s-au păstrat mai ales în Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova datorită activităților didactice ale unor artiști precum S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov și alții.

Ilyina T.V. consideră că în această perioadă dificilă pentru țară, pentru pictorii de la începutul secolului, au devenit caracteristice alte moduri de exprimare, alte forme de creativitate artistică - în imagini contradictorii, complicate și reflectând modernitatea fără ilustrativitate și narațiune. Artiștii caută dureros armonia și frumusețea într-o lume care este fundamental străină atât de armonie, cât și de frumusețe. De aceea mulți și-au văzut misiunea de a cultiva simțul frumuseții. De data aceasta a „kanunov”, așteptarea schimbărilor în viața publică, a dat naștere multor tendințe, asociații, grupări, o ciocnire de viziuni și gusturi diferite asupra lumii. Dar a dat naștere și universalismului unei întregi generații de artiști care s-au prezentat după Wanderers „clasici”. Este suficient să numim doar numele lui V.A. Serov și M.A. Vrubel. Sarabyanov D.V. Istoria artei ruse în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. M., 1989.- P.100

Istoricii de artă notează că pictura de gen s-a dezvoltat în anii 90, dar s-a dezvoltat oarecum diferit. Astfel, tema țărănească se dezvăluie într-un mod nou. Diviziunea în comunitatea rurală este în mod accentuat acuzatoare portretizată de Serghei Alekseevich Korovin (1858--1908) în tabloul „Despre lume” (1893, Galeria de stat Tretiakov). Abram Efimovici Arkhipov (1862-1930) a reușit să arate deznădejdea existenței în munca grea și epuizantă în pictura „Spălătorie” (1901, Galeria de stat Tretiakov). El a reușit acest lucru în într-o mare măsură grație noilor descoperiri picturale, o nouă înțelegere a posibilităților culorii și luminii, Ibid., p.101..

inconsecvență; „subtext”, un detaliu expresiv bine găsit face și mai tragică tabloul lui Serghei Vasilievici Ivanov (1864-1910) „Pe drum. Moartea unui colonist” (1889, Galeria de stat Tretiakov). Arborele care ies în afară, parcă ar fi ridicate într-un strigăt, dramatizează acțiunea mult mai mult decât mortul înfățișat în prim plan sau femeia care urlă peste el. Ivanov deține una dintre lucrările dedicate revoluției din 1905 - „Execuția”. Tehnica impresionistă a „compoziției parțiale”, parcă smulsă accidental din cadru, se păstrează și aici: se conturează doar un șir de case, un șir de soldați, un grup de manifestanți, iar în prim plan, într-o piață iluminată de soarele, figura unui câine mort care fuge din împușcături. Ivanov se caracterizează prin contraste puternice de lumină și umbră, un contur expresiv al obiectelor și o planeitate binecunoscută a imaginii. Limba lui este lapidară.

În anii 90 ai secolului al XIX-lea. un artist intră în artă, care face din muncitor protagonistul lucrărilor sale. În 1894, un tablou de N.A. Kasatkina (1859--1930) „Miner” (TG), în 1895 - „Mineri de cărbune. Schimbare",. S. V. Ivanov. "Pe drum",. „Moartea unui colonist”. 1889 1TG 237

La începutul secolului, o cale de dezvoltare ușor diferită de cea a lui Surikov este conturată în tema istorică. Deci, de exemplu, Andrei Petrovici Ryabushkin (1861--1904) lucrează mai mult în genul istoric decât în ​​genul pur istoric. „Femeile ruse ale secolului al XVII-lea în biserică” (1899, Galeria de stat Tretiakov), „Trenul de nuntă la Moscova. Secolul al XVII-lea” (1901, Galeria de stat Tretiakov), „Vin. (Poporul Moscovei în timpul intrării unei ambasade străine la Moscova la sfârșitul secolului al XVII-lea) ”(1901, Muzeul Rusiei),„ Strada Moscovei din secolul al XVII-lea într-o vacanță ”(1895, Muzeul Rusiei), etc. - acestea sunt scene cotidiene din viața Moscovei din secolul al XVII-lea. Ryabushkin a fost deosebit de atras de acest secol, cu eleganța sa turtă dulce, policromă, cu model. Artistul admiră estetic lumea trecută a secolului al XVII-lea, ceea ce duce la o stilizare subtilă, departe de monumentalismul lui Surikov și de aprecierile sale asupra evenimentelor istorice.

Apolinar Mihailovici Vasnețov (1856-1933) acordă și mai multă atenție peisajului în compozițiile sale istorice. Subiectul lui preferat este și secolul al XVII-lea, dar nu scenele de zi cu zi, ci arhitectura Moscovei. („Strada din Kitay-gorod. Începutul secolului al XVII-lea”, 1900, Muzeul Rus). Tabloul „Moscova la sfârșitul secolului al XVII-lea. În zorii de la porțile învierii (1900, Galeria de stat Tretiakov) poate să fi fost inspirată de introducerea operei Hovanshchina a lui Mussorgsky, pentru care Vasnețov proiectase decorul cu puțin timp înainte.

Un nou tip de pictură, în care tradițiile artistice folclorice au fost stăpânite într-un mod cu totul special și traduse în limbajul artei moderne, a fost creat de Philip Andreevich Malyavin (1869--1940), care în tinerețe s-a angajat în pictura de icoane în Mănăstirea Athos și apoi a studiat la Academia de Arte sub Repin. Imaginile sale cu „femei” și „fete” au o anumită semnificație simbolică - un pământ sănătos al Rusiei. Picturile sale sunt întotdeauna expresive și, deși acestea sunt, de regulă, lucrări de șevalet, ele primesc o interpretare monumentală și decorativă sub pensula artistului. „Râsul” (1899, Muzeul de Artă Modernă, Veneția), „Vârtejul” (1906, Galeria de stat Tretiakov) este o reprezentare realistă a fetelor țărănești, care râd zgomotos sau se grăbesc necontrolat într-un dans rotund, dar acest realism este diferit de cel din a doua jumatate a secolului . Pictura este măturatoare, schițată, cu o contur texturat, formele sunt generalizate, nu există adâncime spațială, figurile, de regulă, sunt situate în prim-plan și umplu întreaga pânză. Lebedev G.E. Ilustrație de carte rusească a secolului al XIX-lea. M., 1952.-S.60.

Malyavin a combinat în pictura sa decorativismul expresiv cu fidelitatea realistă față de natură.

Mihail Vasilievici Nesterov (1862-1942) abordează tema Rusiei antice, ca un număr de maeștri înaintea lui, dar imaginea Rusiei apare în picturile artistului ca un fel de lume ideală, aproape fermecată, în armonie cu natura, dar dispărută. pentru totdeauna ca un oraș legendar Kitezh. Acest sentiment acut al naturii, încântarea în fața lumii, în fața fiecărui copac și fir de iarbă este deosebit de pronunțat într-una dintre cele mai lucrări celebre Nesterov perioada prerevoluționară-- „Viziunea pentru tineretul Bartolomeu” (1889--1890, Galeria de Stat Tretiakov).

Înainte de a trece la imaginea lui Sergius de Radonezh, Nesterov și-a exprimat deja interesul pentru tema Rusiei antice cu lucrări precum „Mireasa lui Hristos” (1887, locație necunoscută), „Pustnicul Nick” (1888, Muzeul Rus; 1888). --1889, Galeria de Stat Tretiakov), creând imagini de înaltă spiritualitate și contemplare liniștită. I-a dedicat mai multe lucrări lui Serghie de Radonezh însuși („Tinerețea Sfântului Serghie”, 1892-1897, Galeria de Stat Tretiakov; triptic „Opere ale Sfântului Serghie”, 1896-1897, Galeria de Stat Tretiakov; „Serghie de Radonezh”, 1891-1899, Muzeul Rus).

În dorința artistului de o interpretare plată a compoziției, eleganță, ornamentalitate, sofisticare rafinată a ritmurilor plastice, s-a manifestat influența incontestabilă a Art Nouveau.

Stilizarea, în general, atât de caracteristică acestui timp, a atins în mare măsură lucrările de șevalet ale lui Nesterov. Acest lucru poate fi văzut într-una dintre cele mai bune pânze dedicate destinului femeilor - „Marea tonsura” (1898, Muzeul Rus): figuri de călugărițe în mod deliberat plate, „chernitsa” și „belitsa”, siluete generalizate, ca și cum ar fi încetinit ritmul ritual al pete deschise și întunecate – figuri și un peisaj cu mesteacănii săi ușori și brazi aproape negri. Și, ca întotdeauna cu Nesterov, peisajul joacă unul dintre rolurile principale. Genul peisagistic în sine se dezvoltă la sfârșitul secolului al XIX-lea și într-un mod nou. Levitan, de fapt, a finalizat căutarea Rătăcitorilor în peisaj. Un cuvânt nou la începutul secolului urma să fie spus de K.A. Korovin, V.A. Serov și M.A. Vrubel.

Deja în peisajele timpurii ale lui Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939) sunt rezolvate probleme pur picturale - pentru a scrie gri pe alb, negru pe alb, gri pe gri. Un peisaj „conceptual” (termenul lui M.M. Allenov), precum Savrasovski sau Levitanovski, nu-l interesează.

Pentru strălucitul colorist Korovin, lumea apare ca o „răvălită de culori”. Dăruit cu generozitate de natură, Korovin s-a angajat atât în ​​portrete, cât și în natura moartă, dar nu ar fi o greșeală să spunem că peisajul a rămas genul său preferat. A adus în artă tradițiile puternice realiste ale profesorilor săi de la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova - Savrasov și Polenov, dar are o altă viziune asupra lumii, își stabilește alte sarcini.

Darul generos al lui Korovin pentru pictură s-a manifestat cu brio în pictura teatrală și decorativă. Ca pictor de teatru, a lucrat pentru Teatrul Abramtsevo (iar Mamontov a fost aproape primul care l-a evaluat drept artist de teatru), pentru Teatrul de Artă din Moscova, pentru Opera Privată Rusă din Moscova, unde și-a început prietenia de o viață cu Chaliapin, pentru întreprinderea Diaghilev. Korovin a ridicat peisajul teatral și semnificația artistului în teatru la un nou nivel, a făcut o întreagă revoluție în înțelegerea rolului artistului în teatru și a avut o mare influență asupra contemporanilor săi cu peisajul său colorat, „spectaculos”, dezvăluind însăși esența unui spectacol muzical.

Potrivit lui Sternin G.Yu., unul dintre cei mai mari artiști, un inovator al picturii ruse la începutul secolului, a fost Valentin Aleksandrovich Serov (1865--1911). „Fata cu piersici” (portretul lui Verușa Mamontova, 1887, Galeria de stat Tretiakov) și „Fata luminată de soare” (portretul lui Masha Simanovici, 1888, Galeria de stat Tretiakov) reprezintă o etapă întreagă în pictura rusă. Serov a fost crescut printre figuri proeminente ale culturii muzicale ruse (tatăl său este un compozitor celebru, mama sa este pianistă), a studiat cu Repin și Chistyakov, a studiat cele mai bune colecții muzeale din Europa și, la întoarcerea din străinătate, a intrat în mediul cercul Abramtsevo.

Imaginile Verei Mamontova și Masha Simanovich sunt impregnate cu un sentiment al bucuriei vieții, un sentiment luminos de a fi, o tinerețe strălucitoare victorioasă. Acest lucru a fost realizat prin pictura impresionistă „ușoară”, pentru care „principiul hazardului” este atât de caracteristic, o formă sculptată cu o perietură dinamică, liberă, care creează impresia unui mediu complex de lumină-aer. Dar spre deosebire de impresioniști, Serov nu dizolvă niciodată obiectul în acest mediu astfel încât să se dematerializeze, compoziția sa nu își pierde niciodată stabilitatea, masele sunt mereu în echilibru. Și cel mai important, nu pierde caracteristicile integrale generalizate ale modelului. Pictura de gen rusesc din secolul al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. eseuri. M., 2004 -p.28.

Serov scrie adesea reprezentanți ai intelectualității artistice: scriitori, artiști, artiști (portrete ale lui K. Korovin, 1891, Galeria de stat Tretiakov; Levitan, 1893, Galeria de stat Tretiakov; Yermolova, 1905, Galeria de stat Tretiakov). Toate sunt diferite, el le interpretează pe toate profund individual, dar lumina exclusivității intelectuale și a vieții creative inspirate strălucește asupra tuturor. Coloana antică, sau mai bine zis, statuia clasică, amintește de figura lui Yermolova, care este sporită și mai mult de formatul vertical al pânzei. Dar principalul rămâne fața - frumoasă, mândră, desprinsă de tot ce este meschin și zadarnic. Colorarea se decide doar pe o combinație de două culori: negru și gri, dar într-o varietate de nuanțe. Acest adevăr al imaginii, creat nu prin mijloace narative, ci pur picturale, corespundea însăși personalității lui Yermolova, care, cu jocul ei reținut, dar profund pătrunzător, a zguduit tinerețea în anii tulburi ai începutului de secol XX.

Portretul ușii din față Yermolova. Dar Serov este Mare maestru că, prin alegerea unui alt model, în același gen de portret formal, de fapt, cu același mijloace de exprimare ah a fost capabil să creeze o imagine cu un caracter complet diferit. Deci, în portretul Prințesei Orlova (1910-1911, „RMS”) exagerarea unor detalii (pălărie uriașă, spate prea lung, colt ascutit genunchi), a subliniat atenția pentru luxul interiorului, transmis doar fragmentar, ca un cadru smuls (parte a unui scaun, tablouri, colț de masă), permit maestrului să creeze o imagine aproape grotesc a unui aristocrat arogant. Dar aceeași grotescitate din faimosul său „Petru I” (1907, Galeria de stat Tretiakov) (Petru din imagine este pur și simplu gigantic), permițându-i lui Serov să înfățișeze mișcarea impetuoasă a țarului și a curtezanilor care se repezi absurd după el, duce la o imagine asta nu este ironic, ca în portretul lui Orlova, ci simbolic, dând sensul unei întregi epoci. Artistul admiră originalitatea eroului său.

Portret, peisaj, natură moartă, pictură domestică, istorică; ulei, guașă, tempera, cărbune - este greu de găsit atât genuri picturale, cât și grafice în care Serov nu ar lucra și materiale pe care nu le-ar folosi.

O temă specială în opera lui Serov este țăranul. În genul său țărănesc nu există o acuratețe socială itinerantă, dar există un sentiment al frumuseții și armoniei vieții țărănești, admirație pentru frumusețea sănătoasă a poporului rus („În sat. O femeie cu cal”, pastel, 1898). , Galeria de Stat Tretiakov). Peisajele de iarnă sunt deosebit de rafinate cu gama lor de culori argintii-perle. Serov a interpretat tema istorică în felul său:

„Vânătoarele regale” cu plimbări de plăcere ale Elisabetei și Ecaterinei a II-a au fost transmise de artistul noului timp, ironic, dar și admirând invariabil frumusețea vieții secolului al XVIII-lea. Interesat de secolul al XVIII-lea a apărut din Serov sub influența „Lumii artei” și în legătură cu lucrarea de publicare a „Istoriei Marelui Duce, vânătoarea regală și imperială în Rusia”.

Este greu de crezut imediat că portretul lui Verusha Mamontova și Răpirea Europei au fost pictate de același maestru, Serov este atât de versatil în evoluția sa de la autenticitatea impresionistă a portretelor și a peisajelor din anii 80 și 90 la Art Nouveau în istoric. motive și compoziții din mitologia antică.

Drumul creator al lui Mihail Alexandrovici Vrubel (1856-1910) a fost mai direct, deși în același timp extrem de complex. Înainte de Academia de Arte (1880), Vrubel a absolvit Facultatea de Drept a Universității din Sankt Petersburg. În 1884, a mers la Kiev pentru a supraveghea restaurarea frescelor din Biserica Sf. Chiril și a creat el însuși mai multe compoziții monumentale. Realizează schițe în acuarelă ale picturilor murale ale Catedralei Vladimir. Schițele nu au fost transferate pe pereți, clientul fiind speriat de necanonicitatea și expresivitatea lor.

În anii 90, când artistul s-a stabilit la Moscova, s-a format stilul de scris al lui Vrubel, plin de mister și putere aproape demonică, care nu poate fi confundat cu niciunul. El sculptează forma ca un mozaic, din piese ascuțite „fațetate” de diferite culori, parcă strălucind din interior („Fata pe fundalul unui covor persan”, 1886, RMN; „Ghicătoarea”, 1895, Galeria de Stat Tretiakov) . Combinațiile de culori nu reflectă realitatea relației de culori, ci au o semnificație simbolică. Natura nu are putere asupra lui Vrubel. El o cunoaște, o stăpânește perfect, dar își creează propria lume fantastică, care seamănă puțin cu realitatea. În acest sens, Vrubel este antitetic impresioniștilor (despre care nu se spune întâmplător că sunt la fel ca naturaliștii în literatură), pentru că nu se străduiește în niciun fel să fixeze o impresie directă a realității. Gravitează spre subiecte literare, pe care le interpretează abstract, străduindu-se să creeze imagini eterne de mare putere spirituală. Deci, după ce a luat ilustrații pentru Demonul, el se îndepărtează curând de principiul ilustrației directe („Dansul Tamara”, „Nu plânge, copile, nu plânge degeaba”, „Tamara în sicriu”, etc.) și deja în același 1890 creează „Demonul așezat” al său - o lucrare, de fapt, lipsită de complot, dar imaginea este eternă, precum imaginile lui Mefistofel, Faust, Don Juan. Imaginea Demonului este imaginea centrală a întregii opere a lui Vrubel, tema sa principală. În 1899, a scris „Demonul care zboară”, în 1902 – „Demonul oprit”. Demonul lui Vrubel este, în primul rând, o creatură suferindă. Suferința prevalează asupra răului în ea, iar aceasta este particularitatea interpretării naționale rusești a imaginii. Contemporanii, după cum s-a menționat pe bună dreptate, au văzut în „Demonii” săi un simbol al destinului unui intelectual - un romantic, care încearcă să iasă rebel din realitatea lipsită de armonie într-o lume ireală a viselor, dar cufundat în realitatea brută a pământului. . Această tragedie a viziunii artistice asupra lumii determină și caracteristicile portretistice ale lui Vrubel: discordie spirituală, cădere în autoportrete, vigilență, aproape frică, dar și forță maiestuoasă, monumentalitate - în portretul lui S. Mamontov (1897, Galeria de Stat Tretiakov) , confuzie, anxietate - într-un mod fabulos imaginea „Prițesa Lebedei” (1900, Galeria de Stat Tretiakov), chiar și în panourile sale decorative „Spania” (1894, Galeria de Stat Tretiakov) și „Veneția” (1893, Muzeul Rus) executate pentru E.D. Dunker, nu există pace și liniște. Vrubel însuși și-a formulat sarcina - „să trezească sufletul cu imagini maiestuoase din lucrurile mărunte ale vieții de zi cu zi” Fedorov-Davydov A.A. I.I. Levitan. Viața și creația. M., 1966.- P.56 .

Vrubel și-a creat cele mai mature picturi și lucrări grafice la începutul secolului - în genul peisajului, portretului, ilustrației de carte. În organizarea și interpretarea decorativ-plană a pânzei sau foii, în îmbinarea realului și a fantasticului, în angajamentul pentru soluții ornamentale, complexe ritmic în lucrările sale din această perioadă, trăsăturile modernității se afirmă tot mai mult.

La fel ca K. Korovin, Vrubel a lucrat mult în teatru. Cele mai bune decoruri ale lui au fost interpretate pentru operele lui Rimski-Korsakov Fecioara zăpezii, Sadko, Povestea țarului Saltan și altele pe scena Operei private din Moscova, adică pentru acele lucrări care i-au oferit ocazia de a „comunica” cu folclorul rus. , basm, legendă.

Universalismul talentului, imaginația nemărginită și pasiunea extraordinară pentru afirmarea idealurilor nobile îl disting pe Vrubel de mulți dintre contemporanii săi.

Opera lui Vrubel mai clar decât altele reflecta contradicțiile și aruncările dureroase ale erei de hotar. În ziua înmormântării lui Vrubel, Benois a spus: „Viața lui Vrubel, așa cum va rămâne acum în istorie, este o minunată simfonie patetică, adică cea mai completă formă de existență artistică. Generațiile viitoare... vor privi în urmă la ultimele decenii ale secolului al XIX-lea ca la „era Vrubel”... În ea timpul nostru a fost exprimat în cel mai frumos și mai trist lucru de care a fost capabil ” 7 .

Odată cu Vrubel, intrăm într-un nou secol, epoca „Epocii de Argint”, ultima perioadă a culturii din Sankt Petersburg Rusia, care este ruptă atât de „ideologia revoluționismului” (P. Sapronov), cât și de „cu autocrația care a încetat de mult să mai fie o forță culturală și statul”. Ascensiunea gândirii filozofice și religioase ruse, cel mai înalt nivel al poeziei este asociată cu începutul secolului (e suficient să numim Blok, Bely, Annensky, Gumilyov, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub); teatru și teatru muzical, balet; „descoperirea” artei ruse a secolului al XVIII-lea (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), pictura antică icoană rusă; cel mai fin profesionalism al picturii și graficii de la începutul secolului. Dar „Epoca de Argint” a fost neputincioasă în fața evenimentelor tragice iminente din Rusia, care se îndrepta spre o catastrofă revoluționară, continuând să rămână în „turnul de fildeș” și în poetica simbolismului.

Dacă opera lui Vrubel poate fi corelată cu direcția generală a simbolismului în artă și literatură, deși, ca orice mare artist, a distrus granițele direcției, atunci Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) este un exponent direct al simbolismului pictural. și unul dintre primii retrospectiști în artele plastice ale Rusiei de frontieră. Criticii vremii l-au numit chiar „visătorul retrospectivismului”. După ce a murit în ajunul primei revoluții ruse, Borisov-Musatov s-a dovedit a fi complet surd la noile dispoziții care prindeau rapid viață. Lucrările sale sunt o tristețe elegiac pentru vechile „cuiburi nobiliare” goale și „livezi de cireși” muribunde, pentru femei frumoase, spiritualizate, aproape nepământene, îmbrăcate în un fel de costume atemporale care nu poartă semne exterioare ale locului și timpului.

3. Asociațiile de artă și rolul lor în dezvoltarea picturii

„LUMEA ARTEI”

Asociația artistică „World of Art” s-a anunțat prin apariția unei reviste cu același nume la începutul secolelor XIX-XX. Publicarea primului număr al revistei „World of Art” la Sankt Petersburg la sfârșitul anului 1898 a fost rezultatul a zece ani de comunicare între un grup de pictori și graficieni condus de Alexandru. Nikolaevici Benois (1870-1960).

Scopul principal al creativității artistice a fost declarat a fi frumusețea, iar frumusețea în înțelegerea subiectivă a fiecărui maestru. O astfel de atitudine față de sarcinile artei i-a oferit artistului libertate absolută în alegerea temelor, imaginilor și mijloacelor de exprimare, ceea ce era destul de nou și neobișnuit pentru Rusia.

Lumea artei a deschis publicului rus multe fenomene interesante și necunoscute anterior ale culturii occidentale, în special pictura finlandeză și scandinavă, artiștii prerafaeliți englezi și graficianul Aubrey Beardsley.

O trăsătură distinctivă a artiștilor din „Lumea artei” a fost versatilitatea. Ei erau angajați în pictură și proiectarea de producții teatrale și arte și meșteșuguri. Cu toate acestea, cel mai important loc din moștenirea lor aparține graficii.

Cele mai bune lucrări ale lui Benois sunt grafice; printre acestea, sunt deosebit de interesante ilustrațiile pentru poezia lui A. S. Pușkin „Călărețul de bronz” (1905-1922). Petersburg a devenit principalul „erou” al întregului ciclu: străzile, canalele, capodoperele arhitecturale ale acestuia apar fie în severitatea rece a liniilor subțiri, fie într-un contrast dramatic de puncte luminoase și întunecate. În punctul culminant al tragediei, când Eugenie fuge de formidabilul uriaș care galopează în spatele lui - monumentul lui Petru, maestrul pictează orașul cu culori întunecate și sumbre.

Lucrarea lui Benois este aproape de ideea romantică de a se opune unui erou singuratic suferind și lumii, indiferent față de el și, astfel, uciderea lui.

Designul spectacolelor de teatru este cea mai strălucitoare pagină din opera lui Lev Samuilovich Bakst (numele real Rosenberg; 1866-1924). Cele mai interesante lucrări ale sale sunt asociate cu producțiile de operă și balet ale anotimpurilor rusești din Paris 1907-1914. - un fel de festival de artă rusă, organizat de Dyagi-lev. Bakst a realizat schițe de decor și costume pentru opera „Salo-meya” de R. Strauss, suita „Sheherazade” de N. A. Rimsky-Korsakov, baletul „Apter-amiaza unui faun” pe muzica lui C. Debussy și alte spectacole. Mai ales remarcabile sunt schițele de costume, care au devenit lucrări grafice independente. Artistul a modelat costumul, concentrându-se pe sistemul de mișcări al dansatorului, prin linii și culoare, a căutat să dezvăluie tiparul dansului și natura muzicii. În schițele sale, claritatea viziunii imaginii, o înțelegere profundă a naturii mișcărilor de balet și grația uimitoare sunt izbitoare.

Una dintre temele principale pentru mulți maeștri ai „Lumii Artei” a fost apelul la trecut, tânjul după lumea ideală pierdută. Epoca preferată a fost secolul al XVIII-lea și mai ales perioada rococo. Artiștii nu numai că au încercat să reînvie de această dată în munca lor - au atras atenția publicului asupra adevăratei arte a secolului al XVIII-lea, de fapt, redescoperind opera pictorilor francezi Antoine Watteau și Honore Fragonard și a compatrioților lor Fyodor Rokotov și Dmitry Levitsky. .

Imaginile „epocii galante” sunt asociate cu lucrările lui Benois, în care palatele și parcurile din Versailles sunt prezentate ca o lume frumoasă și armonioasă, dar abandonată de oameni. Evgeny Evgenievich Lanceray (1875---1946) a preferat să înfățișeze imagini ale vieții rusești în secolul al XVIII-lea.

Cu o expresivitate deosebită, motivele rococo au apărut în lucrările lui Konstantin Andreevich Somov (1869--1939). S-a alăturat devreme în istoria artei (tatăl artistului a fost curatorul colecțiilor Hermitage). După absolvirea Academiei de Arte, tânărul maestru a devenit un mare cunoscător al picturii vechi. Somov a imitat cu brio tehnica ei în picturile sale. Genul principal al operei sale ar putea fi numit variații pe tema „scenei galante”. Într-adevăr, pe pânzele artistului, personajele lui Watteau par să prindă din nou viață - doamne în rochii și peruci magnifice, actori ai comediei măștilor. Flirtează, flirtează, cântă serenade pe aleile parcului, înconjurați de strălucirea mângâietoare a luminii apusului.

Somov a reușit să-și exprime admirația nostalgică pentru trecut mai ales subtil prin imagini feminine. Celebra lucrare „Lady in Blue” (1897-1900) este un portret al unui contemporan al maestrului artist E. M. Martynova. Ea este îmbrăcată la modă veche și este înfățișată pe fundalul unui parc peisagistic poetic. Felul de a picta imită strălucit stilul Biedermeier. Dar morbiditatea evidentă a înfățișării eroinei (Martynova a murit în curând de tuberculoză) trezește un sentiment de dor acut, iar moliciunea idilică a peisajului pare ireală, existând doar în imaginația artistului.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) și-a concentrat atenția în principal asupra peisajului urban. Sankt-Petersburgul său, spre deosebire de Sankt-Petersburgul lui Benois, este lipsit de un halou romantic. Artistul alege cele mai neatractive, priveliști „gri”, arătând orașul ca un mecanism uriaș care ucide sufletul uman.

Compoziția picturii „Omul cu ochelari” („Portretul lui K. A. Syunnerberg”, 1905-1906) se bazează pe opoziția eroului și a orașului, care este vizibilă printr-o fereastră largă. La prima vedere, șirul pestriț de case și figura unui bărbat cu chipul cufundat în umbră par izolate una de cealaltă. Dar există o legătură interioară profundă între aceste două planuri. În spatele strălucirii culorilor se află tocimea „mecanică” a caselor din oraș. Eroul este detașat, cufundat în sine, în fața lui nu există decât oboseală și gol.

UNIUNEA ARTISTILOR RUSI

Uniunea Artiștilor Ruși este o asociație care a apărut în 1903 la Moscova. Nucleul său a fost Konstantin Yuon, Abram Arkhipov. Igor Grabar, Arkady Rylov. Lumea artei a jucat un rol important în apariția Unirii, deși maeștrii moscoviți au căutat în multe feluri să se opună petetersburgenilor. Erau departe de simbolism și idei conexe. Stilul lor a combinat tradițiile realiste ale Wanderers și experiența impresionismului în transmiterea aerului și a luminii. Fiind oarecum influențați de opera lui Konstantin Korovin, care a participat adesea la expozițiile Uniunii, acești artiști au gravitat spre pictura de peisaj și gen.

Cel mai interesant pictor peisagist a fost Konstantin Fedorovich Yuon (1875-1958). Cel mai bine, a reușit în peisaje lirice de iarnă („Soarele de martie”, 1915; „Soarele de iarnă”, 1916), în care a transmis subtil jocul de lumină pe zăpada topită, albastrul blând al cerului. Iar în priveliștile Lavrei Trinity-Sergius (cea mai bună dintre ele a fost pictată în 1910), contrastul zăpezii albe și al clădirilor viu colorate, figurile umane capătă o frumusețe pur decorativă, aducând aceste lucrări mai aproape de Art Nouveau.

Căutări curioase au marcat opera lui Igor Emmanuilovich Grabar (1871-1960). Peisajul său blând și poetic „February Blue” (1904) mărturisește cunoașterea artistului nu numai cu impresionismul, ci și cu tendințele de mai târziu în pictura franceză. Trunchiurile și ramurile mesteacănilor, cufundate în strălucirea soarelui rece al iernii, sunt pictate în linii scurte și seamănă cu tehnica puntilistă. Aceeași manieră este vizibilă și în excelenta pictură cu natură moartă „The Untidy Table” (1907), în care, datorită unui sistem de reflexe (lumini de culoare), toate obiectele sunt combinate cu măiestrie într-un întreg coloristic.

Peisajele lui Arkady Alexandrovich Rylov (1870-1939), elev al lui A. I. Kuindzhi, sunt foarte emoționante. În pictura „Green Noise” (1904), frunzișul, legănându-se sub o rafală de vânt, este scris în mișcări suculente, iar panorama care merge în depărtare pare la fel de strălucitoare ca primul plan, ceea ce creează un sentiment de decorativitate.

Artistul Abram Efimovici Arkhipov (1862--1930) a studiat cu celebrii Rătăcitori - V. G. Perov și V. D. Polenov. Picturile sale de gen sunt caracterizate atât de conținut realist, cât și de o orientare socială ascuțită. Cu toate acestea, nu sunt atrași atât de mult de acest lucru. câte chi-sute de virtuţi pitoreşti. Așa este imaginea „Spălătoriilor” (sfârșitul anilor 90 ai secolului al XIX-lea). Compoziția ei, care include doar o mică parte a încăperii, este construită în spiritul lucrărilor timpurii ale lui Edgar Degas pe aceeași temă. Aburul învolburat dizolvă contururile figurilor și contururile fețelor, iar combinația de culori a nuanțelor de gri, galben, maro și liliac este surprinzător de bogată în nuanțe.

Opera maeștrilor Uniunii Artiștilor Ruși, cu tot farmecul și un nivel tehnic ridicat, s-a remarcat printr-un conservatorism destul de puternic. Rădăcinile realiste puternice nu au permis pictorilor să intre în căutarea de noi forme și mijloace de exprimare. Poate de aceea mulți membri ai Uniunii Artiștilor Ruși se încadrează perfect în imaginea dezvoltării artei oficiale a perioadei sovietice, formând, totuși, partea cea mai demnă a acesteia.

"TRANDAFIR ALBASTRU"

În martie 1907, la inițiativa patronului, colecționarului și artistului amator Nikolai Pavlovich Ryabushinsky (1877-1951), a fost deschisă la Moscova o expoziție a unui grup de pictori numită „Trandafir albastru”. Principalii săi participanți - Pavel Kuznetsov, Serghei Sudeikin, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan și alții - au fost absolvenți ai Școlii de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova. La începutul secolului XX. erau uniți de o pasiune profundă pentru ideile de simbolism. Unii dintre ei au colaborat la revistele simboliste din Moscova Libra și Lână de Aur. Dar cea mai puternică a fost influența lui V. E. Borisov-Musatov. Pe baza stilului său pictural tinerii artiști simboliști și-au determinat sarcina principală a muncii lor: scufundarea în lumea celor mai subtile, evazive sentimente, a trăirilor interioare ascunse și complexe, care nu pot fi explicate în cuvinte.

Spre deosebire de alte grupuri de artă, pentru care prima expoziție comună a devenit începutul drumului, pentru simboliștii moscoviți s-a dovedit a fi sfârșitul: la scurt timp după aceea, comunitatea a început să se dezintegreze. Cu toate acestea, stilul „Trandafirului albastru” a determinat în mare măsură munca ulterioară a fiecăruia dintre ei.

Dintre cei șaisprezece expozanți, Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878-1968) prezintă, fără îndoială, un interes deosebit. Până la începutul anilor 10. Secolului 20 opera artistului a fost apropiată de maniera profesorului său Borisov-Musatov și a simboliștilor francezi ai grupului Nabis. Peisajele din Kuznetsov din 1904-1905, de exemplu, „Fântâna”, „Dimineața”, sunt concepute în culori reci: gri-albastru, liliac pal. Contururile obiectelor sunt vagi, imaginea spațiului tinde să fie decorativă. Maestrul a acordat o mare atenție transmiterii deosebite a luminii, dând peisajului o senzație de moliciune și, în același timp, un sentiment de tristețe pătrunzătoare. În lucrările lui Kuznetsov din anii 10, în special în așa-numita „Seria de Est”, stilul creativ unic al maestrului matur este deja vizibil în mod clar. Pictura „Miraj în stepă” (1912) la prima vedere este extrem de simplă în conținut: stepă, corturi singuratice, oameni care merg încet sau vorbesc, care nu observă strălucirea magnifică care umplea cerul. Imaginea este din nou rezolvată în culori reci, iar petele luminoase (corturi, figuri umane) nu fac decât să sublinieze dominația absolută a gamei gri-albastru. Strălucirea blândă a unui miraj este principalul lucru care atrage în imagine: el este cel care pare a fi o realitate adevărată, iar oamenii și casele lor sunt percepute ca un miraj.

O pagină remarcabilă din istoria simbolismului de la Moscova este lucrarea timpurie a pictorului armean Martiros Sergeevich Saryan (1880-1972). El a putut demonstra perfect subtilitatea senzațiilor și subestimarea simbolistă, ca, de exemplu, în lucrarea „Lacul Zânelor” (1906), care este construită pe jocul tonurilor reci tipice „Trandafirului albastru”. Cu toate acestea, adevăratul element al artistului este lumea Orientului cu temperamentul și strălucirea arzătoare a paletei. În imagini precum „Street. Amiază. Constantinopol "(1910)," Date Palm "(1911), artistul pictează forma cu culori bogate și lovituri energice.

În lucrările lui Nikolai Nikolaevich Sapunov (1880--1912), elemente de simbolism și primitivism sunt împletite. Pânza sa „Carusel” (1908), s-ar părea, este un „tablo fair-rock” tipic primitivist. Cu toate acestea, mișcări ușoare scurte, combinații complexe de vopsele pure (adică, nu amestecate pe paletă) fac să ne amintim de maniera rafinată a maeștrilor francezi. Și asta transformă scena farsă într-o „viziune” simbolică.

Imaginile epocilor trecute au avut o importanță considerabilă pentru Sapunov, ceea ce îl aduce mai aproape de maeștrii din Sankt Petersburg ai Lumii Artei. Acesta este tabloul „Ball” (1910). reînviind în memorie scena balului provincial din vremurile lui Puşkin.

Dispoziții nostalgice mult mai puternice se simt în opera lui Serghei Yuryevich Sudeikin (1882-1946). Acțiunea picturilor artistului, în special lucrarea „În parc” (1907), se desfășoară de obicei în parcuri englezești, printre frunziș dens și foișoare ușoare pierdute în el. Cuplurile îndrăgostite izolate în bărci și pe aleile parcului par să se dizolve într-o ceață blândă aerisit, figurile lor minuscule devin o parte organică a naturii. Lumina mohorâtă difuză conferă acestor „scene ale vremurilor sentimentalismului” un sentiment de visare și un dor acut de irealizabil.

Expoziția „Trandafir albastru” nu a condus la crearea unei puternice asociații artistice a simboliștilor din Moscova. Dar numele său s-a transformat ulterior într-o metaforă care definește principalele trăsături ale stilului lor: intimitate, dorință de reflecție

Așadar, la începutul secolului, în Rusia au apărut multe asociații artistice: „Lumea artei”. Uniunea Artiștilor Ruși și alții au reunit sub un singur acoperiș pictori inspirați de ideea de a renaște cultura populară.

Concluzie

Apariția unui nou model de pictură la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea, care se numește Epoca de Argint, s-a datorat schimbărilor profunde ale atitudinii și valorilor naționale ale vieții spirituale. Criza de conștiință s-a manifestat în decadență, într-un efort de a scăpa de stereotipurile și dogmele epocii iluminismului. Schimbarea fundamentelor culturii naționale a mers pe trei direcții. În primul rând, a existat o tranziție de la o imagine raționalistă a lumii la încercările de a înțelege lumea în integritatea ei inseparabilă prin combinarea cunoștințelor, credinței și sentimentelor. În al doilea rând, elementele filozofiei religioase seculare au fost formate ca o nouă viziune asupra culturii. În al treilea rând, cultura a scos povara „învățăturii” și a activat rolul profetic și creator al creativității artistice.

Schimbări în fundamentele viziunii asupra lumii la începutul secolelor XIX-XX. combinate cu căutări creative în domeniul limbajului artistic. Rezultatul cel mai cu drepturi depline al schimbărilor a fost exprimat în formarea sistemului estetic al simbolismului, care a devenit impulsul pentru reînnoirea tuturor sferelor culturii.

La începutul secolului, pictura rusă a depășit granițele naționale și a devenit un fenomen de clasă mondială. Ea a folosit toată bogăția lumii și propriile tradiții culturale pentru formarea versiunii domestice a modernității.

Sursele importante ale formării bazei spirituale a Epocii de Argint au fost cultura provinciilor și orașelor mici. Art Nouveau, simbolismul și avangarda au jucat rolul unui fel de „motor” care a dat accelerare dezvoltării spirituale a națiunii, „împingând-o” literal în noul secol al XX-lea.

Literatură

1. Berezovaya L.G.Istoria culturii ruse.-M., 2002 -431s.

2. Borisova E.A., Sternin G.Yu. Rusă modernă - . M., 2000.-261s.

3. Vlasova R.I. Constantin Korovin. Creativitate.- L., 1970.-132p.

4. Volkov N.N. Compoziţie în pictură.- M., 1977.- 174p.

5. Ilyina T.V. Istoria artelor-M., 2003- 407s.

6. Lapshin V. „Uniunea Artiștilor Ruși” - M., 1971. - 206p.

7. Lapshina N. „Lumea artei”. Eseuri despre istorie și practică creativă. M., 1977.- 186s.

8. Lebedev G.E. Ilustrație de carte rusească a secolului al XIX-lea. M., 1952.-160.

9. Eseuri despre istoria portretului rusesc din a doua jumătate a secolului XIX / Ed. N.G. Mashkovtseva. M., 1963.

10. Eseuri despre istoria portretului rusesc de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX / Ed. N.G. Mashkovtsev și N.I. Sokolova. M., 1964.

11. Pictura de gen rusesc XIX - începutul secolului XX. eseuri. M., 2004 -208 ani..

12. Sarabyanov D.V. Pictura rusă a secolului al XIX-lea. printre școlile europene. M., 1980.

13. Sarabyanov D.V. Istoria artei ruse în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. M., 1989.

14. Sternin G.Yu. Viața artistică a Rusiei la începutul secolelor XIX-XX - M. 1999-68...

15. Turchin V. S. Epoca romantismului în Rusia. M., 1981.

16. Fedorov-Davydov A.A. I.I. Levitan. Viața și creația. M., 1966.

În istoria țării noastre, cumpăna dintre secolele XIX și XX este saturată de un conținut socio-istoric enorm. A fost momentul în care, conform definiției lui V. I. Lenin, a început o „furtună”, „mișcarea maselor înseși” - o nouă etapă proletariană. libertate de mișcare, marcată de trei revoluții, ultima dintre acestea, Marea Revoluție Socialistă din Octombrie, a deschis o nouă eră în istoria Rusiei și în istoria întregii omeniri. Dar calea care a dus la Revoluția din octombrie a fost una vagă.
Sfârșitul secolului al XIX-lea și primii ani ai secolului al XX-lea au fost, pe de o parte, o perioadă de reacție politică violentă, de suprimare a oricărei gândiri libere; pe de altă parte, acesta este momentul începerii luptei organizate a clasei muncitoare, răspândirea marxismului în Rusia, momentul în care Lenin a pus bazele partidului muncitoresc revoluționar marxist.
În acești ani a început o nouă ascensiune socială, care se afla sub semnul pregătirii primei revoluții ruse.
Se apropia primul asalt al furtunii populare. Centrul mișcării revoluționare mondiale s-a mutat în Rusia.
Întărirea mișcării de eliberare s-a reflectat în toate domeniile vieții publice. Cultura democratică rusă, inspirată de eliberarea nobilă și ideile patriotice, a primit și ea o dezvoltare ulterioară. Știința, literatura și arta au obținut noi succese strălucitoare.
În anii 1890, cei mai mari maeștri care și-au început călătoria în perioada anterioară au continuat să lucreze - Repin, Surikov, Shishkin, Vasnetsov, Antokolsky și alții.
Artiștii progresiști, loiali poporului lor, strâns legați de viața acestuia, nu au stat deoparte de ascensiunea generală. Noile idealuri sociale progresiste au găsit un răspuns viu în munca lor și le-au permis să îmbogățească tezaurul culturii ruse cu noi lucrări remarcabile.
Continuând cele mai bune tradiții democratice ale școlii naționale de artă, acești maeștri remarcabili le-au dezvoltat în continuare în conformitate cu noile cerințe ale vremii. Ei au perceput cu sensibilitate și prin mijloacele artei lor au reflectat noile probleme sociale apărute asociate cu trezirea forțelor populare, au prezentat teme și imagini noi și au introdus conținut nou în lucrările lor.
Deci, deja în anii nouăzeci, arta noastră s-a îmbogățit de o serie de lucrări marcate de trăsături fundamental noi. Acestea sunt pânze de un stil monumental, eroic, în care imaginile tipice ale eroilor populari sunt întruchipate cu mare putere și sunt exprimate idei patriotice naționale - mândrie pentru țara rusă și poporul rus, trecutul său glorios și marele său rol istoric. Astfel sunt „Bogatirii” (1881 - 1898) de V. Vasnețov și „Cazacii” (1878-1891) de Repin, „Cucerirea Siberiei” (1895) și „Trecerea Alpilor lui Suvorov” (1899) de Surikov; aceste picturi sunt impregnate de convingerea artiștilor că istoria nu este creată de indivizi, ci de masele de oameni, că oamenii sunt eroul și interpretul isprăvilor istorice. V.V. Vereshchagin vorbește și despre isprava oamenilor într-o serie mare de pânze istorice pe această temă Războiul Patriotic 1812 (1889-1900), unde Napoleon și armata sa li se opune poporul rus, care s-a ridicat pentru a lupta pentru independența lor națională. Unul dintre tablourile din serie, intitulat „Nu blocați, lăsați-mă să vin...” (1895), înfățișează o ambuscadă a țăranilor partizani, acei patrioți simpli și obscuri, ale căror mâini au dat o lovitură de moarte invadatorilor străini.
Toate aceste lucrări sunt unite de un singur sentiment, de o idee care le stă la baza - ideea de a glorifica patria, oamenii. Masa multiplă a poporului apare în ei nemaiasuprită și asuprită: este însuși elementul poporului, care s-a ridicat la fapte mari și, plin de putere eroică și forță morală, hotărăște soarta patriei sale.
Aceste picturi li se alătură peisajele monumentale din Siberia și Ural ale lui A. Vasnetsov, creând o imagine maiestuoasă a naturii rusești, precum și unele lucrări ulterioare ale lui I. Shishkin („Ship Grove”, 1898), statuia „Ermak” de M. Antokolsky (1891) și alții.
Este clar că doar într-o țară în care se făcea o revoluție populară, unde, mărturisind trezirea maselor de oameni la luptă, „marea mare a poporului, agitată până în adâncuri”, ar fi putut tema tema. a oamenilor să fie astfel pozați în artă și să obțină o astfel de soluție. Captând cu sensibilitate aceste zgomote îndepărtate ale furtunii revoluționare care se apropie, artiștii ruși progresiști ​​au experimentat o încredere din ce în ce mai mare în puterea poporului și și-au atras optimismul social din această încredere, care a dat o culoare complet nouă viziunii lor creative asupra lumii. Democrați în convingerile lor, strâns legați de popor, observatori pasionați ai vieții, acești maeștri ai artei ruse au simțit profund pulsul modernității și, dacă ei înșiși uneori nu și-au dat seama de legătura dintre conținutul operelor lor și această modernitate, ea totuși. a primit reflecție în pânzele pe tema istorică și chiar – într-un anumit sens – în peisaje. A fost o prevestire a unor mari schimbări, însăși așteptarea unei mari furtuni, care a fost exprimată de A.P.Cehov în cuvintele unuia dintre personajele sale: „A venit timpul, o masă se apropie de noi toți, una sănătoasă este. pregătirea, Furtună violentă, care vine, este deja aproape și în curând va zdrobi lenea, indiferența, prejudecățile față de muncă, plictiseala putredă din societatea noastră...”
O reflectare mai directă și mai imediată a noii etape a luptei sociale a fost găsită în opera unui alt grup de artiști care au apelat la scene din viața proletariatului și a țărănimii cele mai sărace; Pensiile lor au fost cele care au deținut primele imagini ale bătăliilor de clasă în oraș și peisajul rural de la periferia primei revoluții ruse, ei reflectând evenimentele din 1905 în lucrările lor.
Continuând tradiția rătăcitorilor, artiștii din așa-numita generație mai tânără de rătăcitori - S. Korovin, S. Ivanov, A. Arkhipov, N. Kasatkin și alții - au acoperit cu adevărat viața satului rusesc din perioada anterioară anului 1905. revoluţie. Cunoașterea profundă a vieții oamenilor, compasiunea spirituală pentru dezastrele și greutățile săracilor din mediul rural i-au ajutat să creeze lucrări pline de mare: adevărul vieții și rezonanța socială ascuțită.
Așadar, în tabloul de S. Korovin „Despre lume” (1893), pentru prima dată în pictura noastră, este prezentat un conflict acut, tipic pentru satul rusesc de atunci: la o adunare rurală, un țăran sărac, un fost iobag, ruinat de reforme, încearcă în zadar să obțină o soluție justă a cazului în beneficiul său; moșierul, pe care nimeni nu îndrăznește să-l contrazică, râde batjocoritor de el...
S. Ivanov și-a dedicat primele tablouri coloniștilor țărani. Cu aspră sinceritate, el înfățișează soarta teribilă a săracilor, pe care foamea îi alungă din loturile lor cerșetoare și îi face să rătăcească prin țară în căutarea unei bucăți de pâine. Situația disperată a coloniștilor, moartea coloniștilor în stepă, prizonierii în închisoare, condamnații fugari - acestea sunt comploturile picturilor sale. Dar în curând S. Ivanov începe să vadă altceva - începutul fermentului revoluționar, îmbrățișând din ce în ce mai mult păturile inferioare ale oamenilor. Artistul înfățișează un agitator populist care distribuie în secret literatură ilegală țăranilor; schițează tulburările studenților de la Universitatea din Moscova. De asemenea, deține primele imagini ale unei revolte țărănești în pictura rusă („Revoltă în sat”, 1889) și lupta de clasă a proletariatului: „Fuga directorului din fabrică în timpul grevei” (sfârșitul anilor 1880) și „ Grevă” (1903). Desigur, S. Ivanov s-a dovedit mai târziu a fi printre acei artiști care, în zilele memorabile ale anului 1905, au surprins evenimentele primei revoluții ruse.
A. E. Arkhipov, un pictor excelent, a stăpânit cu măiestrie maniera scrisului amplu, suculent și colorat și a lucrat în tradițiile scriitorilor Wanderers-viață. Arkhipov, în picturile sale din viața celor mai sărace țărănimii, a interpretat acest subiect cu mare pătrundere și căldură („Pe Volga”, 1888-1889; „Pe râul Oka”, 1889; „Gheața a trecut”,
1894-1895). Mulțimea fără bucurie a femeilor muncitoare - așa este conținutul tabloului „Zilieri la turnătoria de fier” (1895-1896). Pictura lui Arkhipov „Spălătorie” (sfârșitul anilor 1890), odată văzută, este greu de uitat, cu o putere atât de impresionantă înfățișând imaginile femeilor muncitoare, epuizate de surmenaj în mahalalele unui oraș capitalist. Vocea de protest a artistului-democrat sună clar aici.