Introducere

Impresionismul ca fenomen în artă

Impresionismul în pictură

Artiști – impresioniști

3.1 Claude Monet

3.2 Edgar Degas

3.3 Alfred Sisley

3.4 Camille Pissarro

Concluzie

Lista bibliografică

Introducere

Acest eseu este dedicat impresionismului în artă - pictură.

Impresionismul este unul dintre cele mai strălucitoare și mai importante fenomene din arta europeană, care a determinat în mare măsură întreaga dezvoltare a artei contemporane. În prezent, lucrările impresioniștilor, care nu erau recunoscute la acea vreme, sunt foarte apreciate, iar meritul lor artistic este de netăgăduit. Relevanța temei alese se explică prin necesitatea ca fiecare persoană modernă să înțeleagă stilurile de artă, să cunoască principalele repere ale dezvoltării acesteia.

Această mișcare va fi o revoluție pentru pictură și treptat va deveni foarte populară, păstrând pentru totdeauna istoria artei pentru acele subiecte care captează privitorul și luminează peisajele care îl orbiesc. Pictorii impresioniști au fost foarte afectați de tiparul japonez care a fost la modă la Paris de-a lungul anilor. Aceste amprente arată scene Viata de zi cu ziși sunt caracterizate de plăci a colorate felii, modele simple, iar Fotografii vremii foloseau dispozitive portabile pentru a urmări mișcarea subiectului, iar fotografiile prezentau fotografii goale și neumplute. Aceste efecte ar fi imitate de pictorii impresioniști pentru a sugerează spontaneitatea.

Am ales acest subiect pentru că impresionismul a fost un fel de revoluție în artă care a schimbat ideea operelor de artă ca lucruri integrale, monumentale. Impresionismul a adus în prim plan individualitatea creatorului, propria sa viziune asupra lumii, a împins subiectele politice și religioase, legile academice în plan secund. În mod interesant, emoțiile și impresiile, mai degrabă decât intriga și moralitatea, au jucat un rol major în lucrările impresioniștilor.

Lista marilor pictori impresioniști: mișcarea impresionistă și ea cei mai mari artiști. Arta abstractă este un limbaj vizual de forme, culori și linii care creează o compoziție care poate exista complet independent de referințele vizuale clasice.

Arta occidentală a fost întărită de logica perspectivei de la Renaștere până la mijlocul secolului al XIX-lea și de încercarea de a reproduce iluzia realității aparente. Europa a devenit accesibilă și a demonstrat alte moduri de a descrie experiența vizuală a artistului. Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, mulți artiști au simțit nevoia de a crea un nou tip de artă care să îmbrățișeze schimbări fundamentale în tehnologie, știință și filozofie. Sursele din care artiștii individuali își derivă argumentele teoretice sunt variate, reflectând probleme sociale și intelectuale din toate domeniile culturii occidentale la acea vreme.

Impresionismul (fr. impresionism, din impresie- impresie) - o tendință în artă din ultima treime a secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea, care a luat naștere în Franța și apoi s-a răspândit în întreaga lume, ai cărei reprezentanți au căutat să surprindă cât mai natural și imparțial lumea reală în mobilitatea și variabilitatea ei, să transmite impresiile lor trecătoare. De obicei, termenul „impresionism” înseamnă o direcție în pictură, deși ideile sale și-au găsit întruchiparea și în literatură și muzică.

Arta abstractă și arta nefigurativă sunt termeni vag legați, sunt similari, dar poate nu identici ca semnificație, iar abstracția indică o abatere de la realitate în reprezentarea imaginilor în artă poate fi doar parțială, sau poate fi parțială sau chiar completă. Chiar și arta care vizează cel mai înalt grad de probabilitate poate fi considerată abstractă, cel puțin în teorie, deoarece reprezentarea ideală este probabil să fie extrem de dificil de realizat, lucrul care își ia libertăți, de exemplu prin schimbarea culorii și formei, se poate spune că este parțial abstract, iar abstracția deplină nu mai poartă urme de referință la ceva care în abstracția geometrică, de exemplu, cu greu se găsesc referiri la entități naturaliste.

Termenul de „impresionism” a apărut din mâna ușoară a criticului revistei „Le Charivari” Louis Leroy, care și-a intitulat feuilletonul despre Salonul Les Misérables „Expoziția impresioniștilor”, luând ca bază numele acestui tablou. de Claude Monet.

Arta figurativă și abstracția deplină sunt aproape incompatibile. Dar figurația și reprezentarea artistică conțin adesea abstracție parțială. Cele trei mișcări artistice care au contribuit la dezvoltarea artei abstracte sunt romantismul, impresionismul și expresionismul. Printre numeroasele mișcări artistice care întruchipează abstracția parțială, de exemplu, se vor număra fauvismul, a cărui culoare este schimbată flagrant și deliberat în raport cu realitatea, și cubismul, care schimbă dramatic formele esențelor independenței artistice a artiștilor avansate în timpul secolului al XIX-lea. secolul, patronajul bisericii a scăzut, iar patronatul privat și public a devenit un mijloc de existență pentru artiști.

Auguste Renoir Piscina pentru copii, Muzeul Metropolitan de Artă, New York

origini

În timpul Renașterii, pictorii școlii venețiane au încercat să transmită realitatea vie folosind culori strălucitoare și tonuri intermediare. Spaniolii au profitat de experiențele lor, acest lucru este exprimat cel mai clar de artiști precum El Greco, Velazquez și Goya, a căror activitate a avut ulterior o influență serioasă asupra lui Manet și Renoir.

Postimpresionismul, așa cum este practicat de Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh și Paul Cezanne, a avut un impact uriaș asupra artei secolului al XX-lea. Acest lucru a dus la abstracția secolului al XX-lea. La începutul secolului al XX-lea, Henri Matisse și alți câțiva artiști tineri, inclusiv predibuștiștii Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy și Maurice de Vlaminck, au revoluționat lumea artei din Paris cu picturi pe care criticii le-au numit fauvism. Primul limbaj al culorii dezvoltat de Fows depinde direct de un alt pionier al abstractizării, Wassily Kandinsky.

Că „Prânzul pe iarbă” și „Olympia” de Edouard Manet au stârnit cele mai mari scandaluri din istoria artei! Le auzi, numele păsărilor care zboară din toate direcțiile? Chiar trebuie să fii un pervers ca să îndrăznești să arăți trupul gol al unei tinere alături de bărbați îmbrăcați! Și cum se uită ea la noi, această femeie depravată! Se pare că ne provoacă! „Acest tânăr nu are valoare!” Acest Edouard Manet nu este bun!

În același timp, Rubens realizează umbrele de pe pânzele sale colorate folosind nuanțe intermediare transparente. Potrivit lui Delacroix, Rubens a afișat lumină cu tonuri subtile și rafinate și umbre cu culori mai calde și mai saturate, transmițând efectul de clarobscur. Rubens nu a folosit negrul, care mai târziu avea să devină unul dintre principiile principale ale picturii impresioniste.

Dacă artistul speră la un mic sprijin de presă, va rata! Cu greu este mai blând, iar jurnalistul nu apără această „urâciune”. Doi ani mai târziu, Édouard Manet a prezentat coperta, prezentându-și Olympia, de data aceasta într-un salon oficial. Niciodată nu am văzut un asemenea spectacol și un efect mai cinic.

Proeminențele par disproporționate și Manet este uluit. De ce o asemenea explozie de violență? Edward i-a șoptit la ureche: ar fi marinar. Entuziast în primele zile, nu mai are de gând să-și dedice viața lumii maritime când s-a întors în Franța câteva luni mai târziu. Răspunsul este în fața ochilor lui: în lunile lungi pe mare, a petrecut timp. Și privind în urmă, își dă seama că sunt într-adevăr o mulțime de guri în albumul său.

Édouard Manet a fost influențat de artistul olandez Frans Hals, care a pictat cu linii ascuțite și iubea contrastul culorilor strălucitoare și al negrului.

Trecerea picturii la impresionism a fost pregătită și de pictorii englezi. În timpul războiului franco-prusac (1870-1871), Claude Monet, Sisley și Pissarro au călătorit la Londra pentru a-i studia pe marii pictori de peisaj Constable, Bonington și Turner. Cât despre acesta din urmă, deja în lucrările sale ulterioare se observă cum dispare legătura cu imaginea reală a lumii și retragerea în transmiterea individuală a impresiilor.

Fără galerii de pictură care să-și expună picturile, fără loc pentru inovație sau originalitate, nimic! Singura modalitate de a spera să devină un artist recunoscut și să câștige astfel mai mult sau mai puțin bine, viața lui constă într-un singur cuvânt: Salonul oficial. Reglementată de Academia de Arte Frumoase, își deschide porțile publicului o dată pe an. Există un juriu relaxat de imagini sortate după viteza obturatorului. Pentru câteva sute de lucrări care au marea onoare de a le prezenta publicului, câteva mii sunt respinse fără nicio pretenție.

Eugene Delacroix a avut o influență puternică, a distins deja culoarea locală și culoarea dobândită sub influența luminii, acuarelele sale pictate în Africa de Nord în 1832 sau la Etretat în 1835, și mai ales pictura „Marea la Dieppe” (1835) ne permit să vorbesc despre el ca pe un precursor al impresioniştilor.

Ultimul element care i-a influențat pe inovatori a fost arta japoneză. Din 1854, datorită expozițiilor desfășurate la Paris, tinerii artiști descoperă maeștri ai tipografiei japoneze precum Utamaro, Hokusai și Hiroshige. O specială, necunoscută până acum în arta plastică europeană, aranjarea imaginii pe o foaie de hârtie - o compoziție deplasată sau o compoziție cu o înclinație, un transfer schematic de formă, o înclinație pentru sinteza artistică, a câștigat favoarea impresioniștilor și urmașii lor.

Și poți fi sigur că acest juriu al vechiului amărât își ia rolul foarte în serios și susține cu rigiditate valorile artei academice și nu se abate de la drumul bătut. Nu-ți place culoarea în primul rând. Doar aceste nuci romantice sunt destui tocilari pentru a pune culoare in tablourile lor! Dar pentru a fi un bun artist ascultător și academic, trebuie să se abțină de la lucrul în aer liber și să imite arta antică.

Să nu-l închipuiți pe Manet ca fiind un revoluționar ambițios să-i zdrobească pe fesele domnilor emisiunii oficiale. Nu, nu este deosebit de resentit față de această dictatură artistică și pur și simplu încearcă să-și ia locul printre marile nume ale vremii cultivându-și originalitatea fără a îndrăzni să meargă prea departe.

Poveste

Edgar Degas, dansatori albastri, 1897, Muzeul Pușkin im. Pușkin, Moscova

Începutul căutării impresioniștilor datează din anii 1860, când tinerii artiști nu mai erau mulțumiți de mijloacele și scopurile academicismului, drept urmare fiecare dintre ei caută în mod independent alte modalități de a-și dezvolta stilul. În 1863, Edouard Manet a expus pictura „Prânzul pe iarbă” în „Salonul celor respinși” și a vorbit activ la întâlnirile poeților și artiștilor din cafeneaua Guerbois, la care au participat toți viitorii fondatori ai noii mișcări, datorită căruia a devenit principalul apărător al artei moderne.

Doi ani mai târziu, încearcă să reia legătura cu succesul imaginându-și un prânz pe iarbă cu tonuri vii, vesele și frumos contrastate, departe de prosoapele întunecate și bituminoase care fac atunci furori. Desigur, să nu ne păcălim, artistul încearcă să facă tam-tam. Dar reacțiile puternice ale publicului și criticilor i se par cu totul disproporționate și îl vor depăși cu totul! Reacțiile sunt și mai violente decât la prânz!

Toate ușile sunt închise pentru Mane

Nu nuditatea modelului este șocantă în sine, ci felul în care Manet îl plasează într-o scenă într-un mediu prea realist, referindu-se la statutul de simplu voyeur al privitorului. Dar pentru cine este acest tânăr arogant? De data aceasta nu există a doua șansă pentru artist. Toate tablourile pe care le va prezenta ulterior vor fi respinse sistematic, deși Manet, învățând lecția, îi liniștește stilul.

În 1864, Eugene Boudin l-a invitat pe Monet la Honfleur, unde a trăit toată toamna, urmărindu-și profesorul pictând schițe în pasteluri și acuarele, în timp ce prietenul său Jonkind aplica vopsea lucrării sale cu mișcări vibrante. Aici l-au învățat să lucreze în aer liber și să scrie în culori deschise.

În 1871, în timpul războiului franco-prusac, Monet și Pissarro pleacă la Londra, unde se familiarizează cu opera precursorului impresionismului, William Turner.

Nașterea impresioniștilor

Curând devine idolul tuturor artiștilor respinși de salonul oficial care se înghesuiau în jurul lui. „Grupul în Mane”, așa cum li se spune atunci ironic, spumează în barurile orașului. Si astfel „grupul de la Manet” devine „impresionistii”, mai arunca ea un pic!

Poziția lui este destul de ambiguă. Desigur, pare să-și aprecieze prietenii impresioniști și petrece timp nesfârșit în compania lui. Nu se consideră deloc impresionist, iar toată munca pe care o produce o dovedește, dar Presa continuă să-l eticheteze drept liderul celui actual.

Claude Monet. Impresie. Răsărit. 1872, Muzeul Marmottan Monet, Paris.

Apariția numelui

Prima expoziție importantă a impresioniștilor a avut loc între 15 aprilie și 15 mai 1874 în studioul fotografului Nadar. Au fost prezentați 30 de artiști, în total - 165 de lucrări. Canvas Monet - „Impresiune. Soarele răsare" ( Impresie, soleil levant), aflat acum în Musée Marmottin, Paris, scris în 1872, a dat naștere termenului de „impresionism”: obscurul jurnalist Louis Leroy, în articolul său din revista Le Charivari, a numit grupul „impresionişti” pentru a-și exprima disprețul. Artiștii, dintr-o provocare, au acceptat acest epitet, ulterior a prins rădăcini, și-a pierdut sensul negativ inițial și a intrat în uz activ.

Vrei impresionism? La acea vreme, o culoare specială este folosită pentru a reprezenta corpul de apă, un fel de verde tradițional. Atât, și atât, și vai de cei care se abat de la regulă. Au totul după mine! — Nu, dar sincer, de cine râzi? Dar de unde va lua Manet totul? — Seine, albastru? Și de ce nu turcoaz cât suntem acolo? "Doar vopsește iarba în albastru cât suntem acolo!"

Cu toate acestea, din această zi înainte, va exista o schimbare treptată. Din ce în ce mai mulți artiști sunt inspirați de stilul lui Manet. Tabloul se dezvoltă, iar din ce în ce mai puțini artiști se conformează canoanelor estetice ale salonului oficial. Adevărul este că Mane este un credincios și tenace. El crede în pictura lui, ca Delacroix, ca Millet, pentru că Courbet a crezut în ele, pentru că Wagner crede în muzica lui, iar Zola crede în naturalism.

Denumirea „Impresionism” este destul de goală, spre deosebire de denumirea „Școala Barbizon”, unde cel puțin există o indicație a locației geografice a grupului artistic. Există și mai puțină claritate cu unii artiști care nu au fost incluși formal în cercul primilor impresioniști, deși tehnicile și mijloacele lor sunt complet „impresioniste” (Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin etc.) În plus, mijloacele tehnice de impresioniștii erau cunoscuți cu mult înainte de secolul al XIX-lea și au fost (parțial, limitat) folosiți de Titian și Velasquez, fără a se rupe de ideile dominante ale epocii lor.

Sfințirea, boala și palma de la capăt

E frumos, aproape sigur vei avea o lacrimă în ochi. Din păcate, suferind de o boală gravă, sunt considerate zilele lui Manet. El va înceta cu calm să mai existe, cheltuind toată energia rămasă pentru a se dedica picturii sale. Bineînțeles, a reușit să dea un sens real motto-ului pe care și-l atribuia, nu fără umor: „Mane and maneb”. Vă mulțumesc pentru tot sprijinul pe care mi-ați oferit-o acum de 5 ani, Prieteni Cititori!

Câteva note despre impresionism

De la mișcare picturală la variații muzicale

Impresionismul se caracterizează, în special, prin tendința de a celebra impresiile trecătoare, mobilitatea fenomenelor climatice mai degrabă decât aspectul stabil și conceptual al lucrurilor și de a le raporta direct pe pânză. Acest curent estetic a avut o mare influență și asupra artei perioadei, picturii desigur, dar și literaturii, muzicii sau modei. Ceea ce este cel mai caracteristic impresionismului, fie el pictural, muzical sau de altă natură, este mai presus de toate poziționarea artistică, care confirmă ruptura cu academicismul vremii și ierarhia sa de genuri, ruptura cu locurile oficiale de reprezentare artistică, opoziția față de sistematizarea temelor tradiționale, reînnoirea obiectelor și nevoia de a crea o artă originală și personală.

A existat un alt articol (autorul lui Emile Cardon) și un alt titlu – „Expoziția rebelă”, absolut dezaprobator și condamnător. Acesta a reprodus cu acuratețe atitudinea dezaprobatoare a publicului burghez și critica față de artiști (impresionişti), care au dominat ani de zile. Impresioniştii au fost acuzaţi imediat de imoralitate, stări rebele, nerespectare. În acest moment, acest lucru este surprinzător, pentru că nu este clar ce este imoral în peisajele lui Camille Pissarro, Alfred Sisley, scenele cotidiene ale lui Edgar Degas, naturile moarte ale lui Monet și Renoir.

Au trecut decenii. Iar o nouă generație de artiști va ajunge la un adevărat colaps al formelor și la sărăcirea conținutului. Apoi, atât critica, cât și publicul au văzut în impresioniștii condamnați - realiști, iar puțin mai târziu, pe clasicii artei franceze.

Impresionismul ca fenomen în artă

Impresionismul, una dintre cele mai izbitoare și interesante tendințe din arta franceză din ultimul sfert al secolului al XIX-lea, s-a născut într-un mediu foarte dificil, caracterizat prin variații și contraste, care a dat impuls apariției multor tendințe moderne. Impresionismul, în ciuda duratei sale scurte, a avut un impact semnificativ asupra artei nu numai a Franței, ci și a altor țări: SUA, Germania (M. Lieberman), Belgia, Italia, Anglia. În Rusia, influența impresionismului a fost experimentată de K. Balmont, Andrei Bely, Stravinsky, K. Korovin (cel mai apropiat în estetică de impresioniști), începutul V. Serov, precum și I. Grabar. Impresionismul a fost ultima mișcare artistică majoră din Franța în secolul al XIX-lea, trasând granița dintre arta modernă și cea modernă.

Potrivit lui M. Aplatov, „impressionismul pur probabil nu a existat. Impresionismul nu este o doctrină, nu ar putea avea forme canonizate... Artiștii impresioniști francezi, în diferite grade, au una sau alta dintre trăsăturile sale. De obicei, termenul „impresionism” înseamnă o direcție în pictură, deși ideile sale și-au găsit întruchiparea în alte forme de artă, de exemplu, în muzică.

Impresionismul este, în primul rând, arta de a observa realitatea, de a transmite sau de a crea o impresie, care a ajuns la un rafinament fără precedent, o artă în care intriga nu este importantă. Aceasta este o realitate artistică nouă, subiectivă. Impresioniștii și-au propus propriile principii de percepție și afișare a lumii înconjurătoare. Au șters linia dintre obiectele principale demne de înaltă artă și obiectele secundare.

Un principiu important al impresionismului a fost plecarea de la tipicitate. Trecerea, un look casual a intrat în artă, se pare că pânzele impresioniștilor au fost scrise de un simplu trecător care se plimba pe bulevarde și se bucură de viață. A fost o revoluție în viziune.

Estetica impresionismului s-a conturat parțial ca o încercare de a ne elibera decisiv de convențiile artei clasice, precum și de simbolismul persistent și chibzuința picturii romantice târzii, care oferea să vedem semnificații criptate în tot ceea ce avea nevoie de o interpretare atentă. Impresionismul afirmă nu numai frumusețea realității cotidiene, ci face și semnificativă artistic variabilitatea percepută a lumii înconjurătoare, naturalețea unei impresii spontane, imprevizibile, aleatorii. Impresioniștii se străduiesc să surprindă atmosfera sa plină de culoare fără a o detalia sau interpreta.

Ca mișcare artistică, impresionismul, în special în pictură, și-a epuizat rapid posibilitățile. Impresionismul clasic francez a fost prea îngust și puțini au rămas fideli principiilor sale toată viața. În procesul de dezvoltare a metodei impresioniste, subiectivitatea percepției picturale a depășit obiectivitatea și s-a ridicat la un nivel formal din ce în ce mai înalt, deschizând calea tuturor curentelor postimpresionismului, inclusiv simbolismul lui Gauguin și expresionismul lui Van Gogh. Dar, în ciuda intervalului de timp îngust - aproximativ două decenii, impresionismul a adus arta la un nivel fundamental diferit, având un impact semnificativ asupra tuturor: pictura modernă, muzică și literatură, precum și cinema.

Impresionismul a introdus noi teme; lucrările de un stil matur se remarcă prin vitalitatea lor luminoasă și spontană, descoperirea de noi posibilități artistice de culoare, estetizarea unei noi tehnici picturale, însăși structura operei. Aceste trăsături care au apărut în impresionism sunt dezvoltate în continuare în neo-impresionism și post-impresionism. Influența impresionismului ca abordare a realității sau ca sistem de tehnici expresive s-a întâlnit în aproape toate școlile de artă de la începutul secolului XX; a devenit punctul de plecare pentru dezvoltarea mai multor tendințe, până la abstractionism. Unele dintre principiile impresionismului - transmiterea mișcării instantanee, fluiditatea formei - s-au manifestat în diferite grade în sculptura anilor 1910, de E Degas, pr. Rodin, M. Golubkina. Impresionismul artistic a îmbogățit în mare măsură mijloacele de exprimare în literatură (P. Verlaine), muzică (C. Debussy) și teatru.

2. Impresionismul în pictură

În primăvara anului 1874, un grup de tineri pictori, printre care Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cezanne și Berthe Morisot, au neglijat Salonul oficial și și-au amenajat propria expoziție, devenind ulterior figurile centrale ale noii direcții. A avut loc între 15 aprilie și 15 mai 1874 în studioul fotografului Nadar din Paris, pe Bulevardul Capucines. Au fost prezentați 30 de artiști, în total - 165 de lucrări. Un astfel de act a fost în sine revoluționar și s-a rupt de baze vechi, în timp ce picturile acestor artiști la prima vedere păreau și mai ostile tradiției. Au trecut ani de zile până când acești clasici ai picturii, recunoscuți mai târziu, au putut să convingă publicul nu numai de sinceritatea lor, ci și de talentul lor. Toți acești artiști foarte diferiți au fost uniți printr-o luptă comună împotriva conservatorismului și academicismului în artă. Impresioniştii au organizat opt expoziţii, ultima în 1886.

La prima expoziție din 1874 la Paris a apărut un tablou de Claude Monet, înfățișând un răsărit. Ea a atras atenția tuturor cu un titlu neobișnuit: „Impresie. Răsărit". Dar pictura în sine era neobișnuită, transmitea acel joc aproape evaziv, schimbător de culori și lumină. Acesta a fost numele acestui tablou – „Impresie” – grație batjocorului unuia dintre jurnaliști, care a marcat începutul unei întregi tendințe în pictură, numită impresionism (de la cuvântul francez „impresie” – impresie).

Încercând să-și exprime impresiile imediate despre lucruri cât mai precis posibil, impresioniștii au creat o nouă metodă de pictură. Esența sa a fost de a transmite impresia exterioară a luminii, umbrei, reflexelor pe suprafața obiectelor cu mișcări separate de culori pure, care au dizolvat vizual forma în mediul înconjurător de lumină-aer.

Credibilitatea a fost sacrificată percepției personale - impresioniștii, în funcție de viziunea lor, puteau scrie cerul verde și iarba albastră, fructele din naturile lor moarte erau de nerecunoscut, figurile umane erau vagi și incomplete. Ceea ce era important nu era ceea ce era descris, ci „cum” era important. Obiectul a devenit un prilej de rezolvare a problemelor vizuale.

Concizia, studiul metodei creative a impresionismului este caracteristică. La urma urmei, doar un scurt studiu a făcut posibilă înregistrarea cu acuratețe a stărilor individuale ale naturii. Ceea ce anterior era permis doar în schițe a devenit acum principala caracteristică a pânzelor finalizate. Artiștii impresioniști au încercat cu toată puterea să depășească natura statică a picturii, să surprindă pentru totdeauna tot farmecul unui moment evaziv. Au început să folosească compoziții asimetrice pentru a evidenția mai bine pe cei de care erau interesați. actoriși articole. În unele metode de construcție impresionistă a compoziției și spațiului, influența pasiunii pentru vârsta cuiva este palpabilă - nu antichitatea ca înainte, gravura japoneză (de către maeștri precum Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro) și parțial fotografia, prim-planurile și noi puncte de vedere.

Impresioniștii au actualizat și colorarea, au abandonat vopselele și lacurile întunecate, pământești și au aplicat culori pure, spectrale, pe pânză, aproape fără să le amestece mai întâi pe paletă. Întunericul condiționat, „muzeu” din pânzele lor lasă loc jocului de umbre colorate.

Datorită inventării tuburilor metalice de vopsea gata de transportat, care au înlocuit vechile vopsele realizate manual din ulei și pigmenți sub formă de pulbere, artiștii au putut să-și părăsească studiourile pentru a lucra în aer liber. Au funcționat foarte repede, pentru că mișcarea soarelui a schimbat iluminarea și culoarea peisajului. Uneori strângeau vopseaua pe pânză direct din tub și obțineau culori strălucitoare pure cu efect de pensulă. Așezând o bucată de vopsea lângă alta, acestea au lăsat adesea suprafața picturilor aspră. Pentru a păstra prospețimea și varietatea culorilor naturii din imagine, impresioniștii au creat un sistem pictural care se distinge prin descompunerea tonurilor complexe în culori pure și întrepătrunderea unor linii separate de culoare pură, parcă s-ar amesteca în ochi. a privitorului, cu umbre colorate si percepute de privitor dupa legea culorilor complementare.

Luptandu-se pentru o maxima imediatate in transferul lumii inconjuratoare, impresionistii pentru prima data in istoria artei au inceput sa picteze mai ales in aer liber si au ridicat importanta unei schite din natura, care aproape a inlocuit tipul traditional de pictura, creat cu grijă și încet în studio. În virtutea însăși metodei de lucru în aer liber, peisajul, inclusiv peisajul urban pe care l-au descoperit, a ocupat un loc foarte important în arta impresioniștilor. Tema principală pentru ei a fost lumina tremurătoare, aerul, în care oamenii și obiectele sunt, parcă, scufundate. În picturile lor, se simțea vântul, pământul umed, încălzit de soare. Au căutat să arate bogăția uimitoare a culorilor din natură.

Impresionism a introdus noi teme în artă - viața de zi cu zi a orașului, peisaje stradale și divertisment. Gama sa tematică și intriga a fost foarte largă. În peisajele, portretele și compozițiile cu mai multe figuri, artiștii se străduiesc să păstreze imparțialitatea, puterea și prospețimea „primei impresii”, fără a intra în detalii individuale, unde lumea este un fenomen în continuă schimbare.

Impresionismul se distinge prin vitalitatea sa strălucitoare și imediată. Se caracterizează prin individualitatea și valoarea estetică a pânzelor, aleatoritatea și incompletitudinea lor deliberată. În general, lucrările impresioniștilor se remarcă prin veselie, pasiune pentru frumusețea senzuală a lumii.

Impresionismul (impressionnisme) este un stil de pictură apărut la sfârșitul secolului al XIX-lea în Franța și apoi răspândit în întreaga lume. Ideea însăși a impresionismului constă în numele său: impresie – impresie. Artiștii care s-au săturat de tehnicile tradiționale de pictură academică, care, în opinia lor, nu transmiteau toată frumusețea și vivacitatea lumii, au început să folosească tehnici și metode de reprezentare complet noi, care trebuiau să exprime în cea mai accesibilă formă nu. un aspect „fotografic”, dar o impresie din ceea ce vezi. În pictura sa, artistul impresionist, folosind natura liniilor și a paletei de culori, încearcă să transmită atmosfera, căldură sau frig, vânt puternic sau liniște pașnică, dimineață ploioasă ceață sau după-amiază însorită strălucitoare, precum și experiențele sale personale din ceea ce el a văzut.

Impresionismul este o lume de sentimente, emoții și impresii trecătoare. Nu realismul exterior sau naturalețea se pune în valoare aici, ci realismul senzațiilor exprimate, starea interioară a imaginii, atmosfera ei, profunzimea. Inițial, acest stil a fost puternic criticat. Primele tablouri impresioniste au fost expuse la Salon des Les Misérables din Paris, unde au fost expuse lucrările artiștilor respinși de Salonul de Artă oficial din Paris. Termenul de „impresionism” a fost folosit pentru prima dată de criticul Louis Leroy, care a scris o recenzie denigratoare în revista Le Charivari despre o expoziție de artiști. Ca bază pentru termen, el a luat tabloul de Claude Monet „Impresiune. Soarele răsare". El a numit toți artiștii impresioniști, ceea ce poate fi tradus aproximativ ca „impresionişti”. La început, picturile au fost într-adevăr criticate, dar în curând au început să vină în salon tot mai mulți fani ai noii direcții în artă, iar genul în sine s-a transformat dintr-un proscris într-unul recunoscut.

De menționat că artiștii sfârşitul XIX-lea secole în Franța, au venit cu un stil nou, nu de la zero. Au luat ca bază tehnicile pictorilor din trecut, inclusiv ale artiștilor Renașterii. Pictori precum El Greco, Velasquez, Goya, Rubens, Turner și alții, cu mult înainte de apariția impresionismului, au încercat să transmită starea de spirit a imaginii, vivacitatea naturii, expresivitatea deosebită a vremii cu ajutorul diverselor tonuri intermediare. , trăsuri luminoase sau invers, plictisitoare, care păreau lucruri abstracte. În picturile lor, l-au folosit destul de puțin, așa că tehnica neobișnuită nu era evidentă pentru privitor. Impresioniştii, pe de altă parte, au decis să ia aceste metode de reprezentare ca bază pentru lucrările lor.

O altă trăsătură specifică a operelor impresioniștilor este un fel de cotidian superficial, care, totuși, conține o profunzime incredibilă. Ei nu încearcă să exprime teme filozofice profunde, sarcini mitologice sau religioase, evenimente istorice și importante. Picturile artiștilor din această direcție sunt în mod inerent simple și cotidiene - peisaje, naturi moarte, oameni care merg pe stradă sau își fac lucrurile obișnuite și așa mai departe. Tocmai astfel de momente în care nu există o tematică excesivă care distrage atenția unei persoane, sentimentele și emoțiile de la ceea ce văd ies în prim-plan. De asemenea, impresioniștii, cel puțin la începutul existenței lor, nu au înfățișat subiecte „grele” – sărăcia, războaiele, tragediile, suferința etc. Picturile impresioniste sunt cel mai adesea cele mai pozitive și vesele lucrări, unde există multă lumină, culori strălucitoare, clarobscur netezit, contraste netede. Impresionismul este o impresie plăcută, bucuria vieții, frumusețea fiecărui moment, plăcerea, puritatea, sinceritatea.

Pierre Auguste Renoir - Broasca