Pictura s-a născut aproape simultan cu apariția însăși a umanității. Omul cavernelor a câștigat capacitatea de a merge drept, de a folosi unelte și de a se dota cu o locuință elementară. Odată cu aceasta, a simțit nevoia să înfățișeze lumea din jurul său.

Au fost create aproximativ 30.000 - 10.000 î.Hr. Au fost găsite de arheologi în peșteri din sudul Franței și din Spania. Artiștii antici au pictat ceea ce vedeau în jurul lor - animale, natură, scene de luptă. Deja în acele vremuri se foloseau un pic de vopsele, care erau făcute din materiale naturale și perii din păr de animale.

În esență, aceasta se referă la compoziția vizuală a uleiului pe pânză? De fapt, termenul poate fi aplicat mai larg. Cereți unui critic să definească arta picturii. El sau ea se va opri inevitabil asupra chestiunii formei. În artă, un mediu, cum ar fi o compoziție muzicală, poate fi împărțit în categorii mai mici în funcție de formă, cum ar fi cântecul sau opera. În acest exemplu, compoziția muzicală este mediul, iar cântecul este o formă particulară de expresie artistică. Dar luați în considerare și cum ar fi putut apărea sensul exprimat în cântec dacă artistul ar fi ales o altă formă, cum ar fi o poezie scrisă, de exemplu.

După perioada antichității a venit perioada antică. Pictura a continuat să se dezvolte. La acea vreme, era considerată ca ceva în comun cu alte tendințe estetice - sculptură, arhitectură. Operele de artă au fost folosite pentru decorarea locuințelor, centrelor religioase și funerare. În perioada antichității s-au născut multe tehnici de pictură - o imagine tridimensională, principiul clarobscurului, elemente de perspectivă.

Definiția picturii este, de asemenea, o chestiune de formă. Pictura este realistă sau abstractă? Folosește forme organice sau geometrice? Este subiectul un peisaj sau o persoană și se încadrează într-un gen specific precum suprarealismul? Vopseaua a fost aplicată cu o pensulă sau un burete, sau a fost stropită și aruncată într-un act artistic? Acestea sunt întrebări care vă pot ajuta să înțelegeți forma unui tablou. Deci, ce unește domeniul picturii?

Aspectele definitorii care unesc toate operele de artă din categoria picturii includ utilizarea anumitor materiale. Aceasta înseamnă că o pictură este de obicei definită ca fiind constând dintr-un fel de vopsea aplicată pe un fel de suprafață, de obicei o pânză plată bidimensională. Dar asta nu înseamnă că singurele opere de artă care se consideră picturi vor fi cele realizate din vopsea în ulei pe pânză. În sensul cel mai larg, graffiti este un fel de pictură pentru că este realizat cu vopsea spray. spray cu vopsea- Aplicați pe suprafețe plane, cum ar fi pavajul peretelui sau plăcii.

Următoarea perioadă semnificativă din istoria picturii este Evul Mediu. În această epocă sumbră, orice direcție a artei era asociată cu religia. Cu toate acestea, pânzele pictate la acea vreme ne uimesc și astăzi prin expresia lor, jocul de culoare și expresivitatea contururilor. Simbolismul este, de asemenea, o trăsătură caracteristică a picturii medievale. Artiștii de mai târziu, a căror operă a fost asociată cu pictura de icoane și alte motive religioase, s-au inspirat din această perioadă.

Există multe tipuri de vopsele care sunt adesea folosite, cum ar fi tempera, acril, acuarelă și frescă. Posibilitățile pe care mediul de aplicare a vopselei variază de la hârtie, lemn, piele și altele. Pictura este una dintre cele mai vechi forme de artă. Când societățile au început să facă instrumente și să tragă, au învățat și cum să imagineze lumea. Aceste picturi au fost înregistrate în picturi rupestre care există și astăzi.

De-a lungul timpului, arta picturii a evoluat de la hieroglifele civilizațiilor antice la picturile clasice și renascentiste care atârnă astăzi în Luvru. Arta picturii a luat câteva întorsături radicale, cu forme moderne de pictură, inclusiv câmpul de culoare și pictura.

Evul Mediu sumbru a fost înlocuit de perioada strălucitoare a Renașterii - Renașterea. În acest moment, există multe tehnici noi și tendințe neobișnuite în pictură. și devin genuri independente. Există noi metode de expresivitate pe care artiștii le folosesc pentru a le afișa pace interioara omul, emoțiile lui.

Să ne uităm la șase artiști celebri ale căror lucrări reprezintă un spectru larg în istoria picturii. Leonardo da Vinci a fost un inventator, pictor și pictor renascentist. Stilul lui Da Vinci a fost copiat și rafinat de artiștii de mai târziu, o mărturie pentru acest adevărat inovator, imitația este cea mai înaltă formă de lingușire. În lucrări precum Mona Lisa, Fecioara pe stânci și Cina cea de taină, Da Vinci și-a folosit cunoștințele de fiziologie pentru a descrie forma umană cât mai exact posibil.

Multe dintre picturile sale descriu decoruri biblice și imagini religioase. Michelangelo Merisi da Caravaggio a fost și un pictor italian a cărui operă reprezintă epoca barocului. El este cunoscut pentru pictura cu clarobscur, un stil de iluminare a scenei în contrast ridicat cu umbre întunecate profunde. Ca și da Vinci, Caravaggio a pictat și scene biblice. Cu toate acestea, spre deosebire de predecesorii săi, el le-a strălucit într-o lumină mai realistă pentru a le dezvălui umanitatea. De exemplu, cina de la Emaus îl înfățișează pe Isus mâncând și bând împreună cu discipolii săi.


Portretul unei femei (Renaștere)

În secolele al XVII-lea și al XVIII-lea, pictura devine o artă și mai serioasă. Aceasta este perioada în care Biserica Catolică își pierde pozițiile. Dominanța sa nedivizată este pusă la îndoială. Artiștii încep să se orienteze din ce în ce mai mult către imagini reale. Ei pictează oameni, natură, scene domestice și evenimente din viața de zi cu zi.

Artistul olandez Jan Vermeer este cunoscut pentru reprezentările sale impecabile ale condițiilor de zi cu zi, inclusiv viața clasei muncitoare și a clasei superioare. Istoricii de artă laudă picturile lui Vermeer, cum ar fi Lecția de muzică și Mikkayma, pentru modul în care a surprins subiecții săi soarele strălucind printr-o fereastră. Cu astfel de culori și detalii vibrante, picturile lui aproape arată ca și cum ar fi fost fotografiate.

Van Gogh, care suferea de o boală mintală, a pictat la sfârșitul vieții un autoportret care îi arată urechea care se autodistruge. Influența pictorului spaniol Pablo Picasso asupra dezvoltării artei secolului XX nu poate fi supraestimată. Opera sa a fost printre primii care au experimentat cu forme abstracte și compoziții nereprezentative. Picasso și contemporanii săi, inclusiv Matisse și Dali, au redefinit sensul picturii și reprezentării.

În acest moment, s-au format o serie de domenii ale picturii de autor - manierism, baroc, rococo, clasicism. Apărea şcoli naţionaleîn Italia, Olanda, Germania, Rusia și alte țări importante.

În secolul al XIX-lea, artele plastice au devenit proprietatea unei societăți dezvoltate. Caracteristicile acestei sau aceleia direcții de pictură depind de starea de spirit a maselor. Apare romantismul - dorinta de ideal si perfectiune. Mai târziu, a fost înlocuit de impresionism - mai realist, imparțial, spectaculos.

Un exemplu extrem de artă abstractă, acțiunea acțiunii lui Pollock, care vizează nu înfățișarea unei scene sau obiect de recunoscut, ci actul producției artistice în sine. Definiția unui tablou se referă la forma sa, nu la stilul sau tehnica sa. Aplicarea vopselei pe suprafață unifică forma de vopsire. Adică, arta graffiti și pictura în ulei sunt considerate tipuri de pictură.

Pictura este una dintre cele mai vechi arte care datează din timpuri preistorice. Arta s-a dezvoltat prin lumea anticași Renașterea și a atins noi niveluri de sofisticare în perioada barocului odată cu dezvoltarea diferitelor moduri de reprezentare a luminii.

Odată cu apariția progresului tehnologic în secolul al XX-lea, pictura se schimbă și la nivel global. Tehnica, rigiditatea formelor, o oarecare exagerare – asta e trăsături de caracter direcţii apărute la începutul secolului. Abstracționismul, avangardismul, underground - acestea sunt tendințe care se referă la pictura abstractă.

Peisaje: pictura peisajului

Peisajele sunt opere de artă care prezintă scene ale naturii. Aceasta include munți, lacuri, grădini, râuri și orice fel de vedere pitorească. Peisajele pot fi acuarele, hash, pasteluri sau imprimeuri de orice fel. Peisajele picturale create în olandeză creează lumea naturală din jurul nostru. Tindem să ne gândim la acest gen ca fiind scene de munte maiestuoase, dealuri ușor ondulate și cascade nemișcate.

artele plastice ale Chinei

Cu toate acestea, peisajele pot înfățișa orice fel de peisaj și obiectele din el, cum ar fi clădiri, animale și oameni. Deși există o vedere tradițională asupra peisajelor, de-a lungul anilor artiștii s-au mutat în alte decoruri. De exemplu, peisajele urbane sunt vederi ale zonelor urbane, peisajele marine captează oceanul, iar peisajele acvatice au apa dulce, precum lucrarea lui Monet despre Sena.

Până la sfârșitul secolului al XX-lea și până în prezent, schimbările continuă să apară în pictură. Pe de o parte, aceasta este apariția tehnologiilor digitale inovatoare care vă permit să creați unic opere contemporane. Dar artiștii contemporani nu mai puțin de bunăvoie se îndreaptă către origini - pictura în ulei și acuarelă, deoarece arta clasică, creată cu ajutorul unei pensule de vopsele și pânză, până în prezent nu își pierde relevanța.

În artă, cuvântul peisaj are o altă definiție. „Format peisaj” se referă la ceva care are o lățime mai mare decât înălțimea sa. Este în esență o operă de artă într-o orientare orizontală, nu verticală. Peisajul în acest sens provine cu adevărat din picturile peisagistice. Formatul orizontal este mult mai propice pentru a surprinde perspectivele largi pe care artiștii speră să le înfățișeze în munca lor. Formatul vertical, deși este folosit pentru unele peisaje, tinde să limiteze punctul de vedere al subiectului și poate să nu aibă același impact.

E amabil Arte vizualeîn care imaginile sunt transmise prin aplicarea de vopsele pe orice suprafață (pânză, hârtie, sticlă, tencuială de var, piatră etc.). Există două domenii principale de pictură - șevalet și monumental. Șevalet include lucrări create pe șevalet artistului, adică pe Mașina sa. Iar pictura monumentală include pictura, care este reprodusă în principal pe orice structuri arhitecturale (pictură de biserici, temple, execuție de fresce etc.)

Oricât de populare ar fi astăzi, peisajele sunt relativ noi în lumea artei. Surprinderea frumuseții lumii naturale nu a fost o prioritate în arta timpurie, când accentul era pe subiecte spirituale sau istorice. Deja în secolul al XVII-lea a apărut pictura peisagistică.

Direcții de pictură

Mulți istorici de artă recunosc că în acest moment decorul a devenit subiectul în sine, și nu doar un element din fundal. Aceasta a inclus lucrările pictorilor francezi Claude Lorraine și Nicholas Poussin, precum și ale pictorilor olandezi precum Jacob van Ruyschdael.

- Genuri de pictură

aceasta tipuri diferite lucrări împărțite după teme și obiecte de imagini.

Se disting următoarele genuri principale:

Portret- un gen în care artistul transmite caracteristicile vizuale ale modelului din imaginea creată. El poate descrie asemănarea completă a liniilor, formelor, culorilor, aspectul real al unei persoane sau poate folosi propria sa viziune și interpretare a imaginii.

Pictura decorativa - arta aplicata

În al patrulea rând, Academia Franceză. Istoria picturii, portretului și au fost considerate mai importante. Natura moartă era considerată mai puțin importantă. El a romanticizat adesea aspectul pictural și a ajuns să domine subiectele de pictură în timp ce artiștii încercau să surprindă ceea ce era în jurul lor pentru ca toți să poată vedea.

Peisajele au dat, de asemenea, prima vedere multor oameni din țări străine. În timp ce peisajele realiste vor fi întotdeauna bucurate de colecționari, artiști precum Monet, Renoir și Cezanne au arătat un nou mod de a privi lumea naturală. De acolo, pictura peisajului a înflorit și este acum unul dintre cele mai populare genuri în rândul colecționarilor. Artiștii au mutat peisajul în locuri diferite cu interpretări noi și multe tradiții.

Ilya Repin. „Portretul lui Modest Mussorgski”

Ivan Vișnyakov. „Portretul lui Sarah Eleonora Fermor”

Natură moartă- un gen care se bazează pe imaginea obiectelor neînsuflețite. Dacă traducem acest cuvânt din limbi diferite, va însemna - Natură moartă sau Viață nemișcată. Acest gen este dedicat reprezentării obiectelor unite într-un grup, un complot. În natura moartă, pe lângă lucrurile neînsuflețite (ulcioare, tacâmuri, figurine etc.), pot fi folosite și lucruri animate, dar acestea sunt deja îndepărtate de mediul lor natural și nu sunt considerate ca atare, de exemplu, peștii de pe așezat masă sau flori adăugate unui buchet. Imaginea ființelor vii în mișcare - păsări, animale, este folosită în cazuri rare și doar ca adaos. Se acordă multă atenție elaborării detaliilor, texturilor.

Un lucru este cert, peisajul domină acum peisajul lumii artei. Biblioteca Hertsian - Institutul de Istoria Artei. Max Planck, Roma. Care sunt legăturile dintre istoria opticii și istoria picturii? proiect de cercetareîn Biblioteca Hertiană din Roma se ocupă de această problemă și se bazează pe sistematica opticii clasice, care din antichitatea târzie a fost împărțită în doctrina vederii și a luminii în trei domenii principale: viziunea directă, bazată pe propagarea directă a razelor de lumină, reflexia pe suprafețele reflectorizante și deviația razelor de lumină pe joncțiunile diferitelor medii dense.


Paul Cezanne. „Natura moarta cu mere si portocale”



Heda, Willem Klas. Natură moartă.

Intern- un gen în care principala este imaginea vieții de zi cu zi a oamenilor. Este folosit și în sculptură și grafică. Originea sa a avut loc în antichitate, când s-a acordat multă atenție vieții și muncii oamenilor de rând. Chiar și atunci, acest gen a fost folosit pentru pictura murală și ceramică.

Fundamental pentru percepția noastră zilnică este viziunea directă și înțelegerea tuturor efectelor asociate cu propagarea directă a luminii. Aceasta include interpretarea umbrelor, care ne permit să înțelegem corect contururile și tridimensionalitatea obiectelor. Dar chiar și în antichitate, contururile și umbrirea erau înțelese ca elemente centrale ale unei reprezentări bidimensionale. În plus, s-a observat deja la acel moment că umbrele pot crea o imagine adevărată a unui obiect iluminat datorită propagării liniare a luminii.

Deci, omul de știință roman Pliniu cel Bătrân în Chr. In a lui " istoria naturala” spune legenda că pictura a fost inventată când a început să urmărească astfel de umbre ale oamenilor și să fie constant fixată. Ea combină pictura într-o imagine mitico-alegorică cu o imagine în oglindă pe care băiatul Narcis a văzut-o în sursă. În această interpretare a legendei lui Narcis, Ovidiu Alberti s-a ghidat după argumente filosofice, dar a plasat-o în același timp în cadrul celei de-a doua părți a opticii, care se ocupă de fenomenele de reflecție.


Vasili Perov. "Troica"



Vasili Vereșchagin. „Vizită la un prizonier de către familia lui în Italia”

Mitologic- acest gen este dedicat reprezentării eroilor, diverse scene din mitologie. Mituri și legende au existat dintotdeauna și există printre popoarele lumii și aceasta este o sursă foarte valoroasă pentru creativitate. Baza genului este că artistul poate interpreta liber subiecte mitice.

Oglinda ca nou standard de fidelitate picturală a corespuns cu dezvoltarea perspectivei și a naturalismului în pictura italiană și olandeză. Într-adevăr, într-un alt pasaj al tratatului său, Alberti s-a referit la oglindă drept judecătorul lucrării terminate și a cerut în practică ca lucrurile scrise după natură să fie încă îmbunătățite prin „judecarea oglinzii”. Cu un asemenea control asupra imaginii pictate de către o oglindă introdusă în calea vizuală, arhitectul și sculptorul italian Filippo Brunelleschi dovedise cu doar câțiva ani mai devreme la Florența că perspectiva liniară pe care o dezvoltase într-un experiment public era „corectă”.


Sandro Botticelli. „Nașterea lui Venus”



Titian. „Bacchus și Ariadna”

animalistic- gen, tema principală care este imaginea animalelor separat, sau pe fundalul naturii, scene de vânătoare. A început din timpurile primitive, când mormintele, vazele, templele erau pictate cu imagini de animale. Lucrările artiștilor animale sunt adesea folosite pentru a ilustra opere literare.


Paulus Potter. „Tânărul taur”



Jan Soarta. „Peisaj cu păun”

Luptă- acest gen este dedicat reprezentării bătăliilor militare, maritime sau terestre, campaniilor militare. Artiștii încearcă să surprindă scenele cheie și eroii principali ai bătăliei în munca lor. De asemenea, ele descriu adesea scene din viața militară.


Vasili Vereșchagin. „Apoteoza războiului”



Bogdan Willewald. „Isprava regimentului de cavalerie în bătălia de la Austerlitz din 1805”

Peisaj- un gen în care rolul principal este atribuit imaginii naturii primordiale sau naturii modificate de om. Artiștii acestui gen transferă, de asemenea, parcele ale mediului urban și industrial pe pânzele lor. În imaginea peisajului este foarte importantă transmiterea atmosferei, modificarea valorii luminii, schimbarea acesteia.


Ivan Șișkin. "Polesie"

Istoric- un gen, a cărui esență este să înfățișeze tot felul de evenimente din trecutul istoric, scene din viața oamenilor.


Ilya Repin. „Ivan cel Groaznic își ucide fiul”



Nicolae Ge. „Petru I îl interoghează pe țareviciul Alexei Petrovici la Peterhof”

Marina - gen, care este un fel de peisaj. Rolul principal în ea este ocupat de imaginea vederilor la mare, a bătăliilor și a tuturor evenimentelor care sunt asociate cu marea. Artiștii care scriu în acest gen sunt numiți pictori marini.


Aivazovsky „Marea furtunoasă noaptea”



Thomas Moran„Apus de soare pe mare”

- Direcții de pictură

1. Expresionismul abstract

Expresionismul abstract este într-un fel legat de suprarealism, ele sunt similare prin faptul că lucrările sunt create fără o înțelegere exactă a intrigii. În lucrările sale, artistul își poate exprima toate emoțiile și sentimentele, desenând rapid, folosind pensule mari, lovituri, uneori picurând vopsea pe pânză. Foarte des, imaginea este creată chiar în fața privitorului, ca un mic spectacol, dezvăluind întreaga gamă de expresii. Această direcție i s-a dat un alt nume, destul de caracterizator, „Action Painting”

Maeștrii expresionismului abstract sunt: ​​Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline, Lee Krasner.


Jackson Pollock"Figura scurtă"

2. Artă abstractă

Abstracționismul poate fi considerat în siguranță o artă asociativă. Lucrările acestei direcții sunt departe de a înfățișa realitatea și sunt o expresie a înțelegerii de către artist a lumii din jurul său. Locul principal în astfel de lucrări este acordat elementelor formale: linii, pete de culoare, figuri abstracte. Unul dintre scopurile abstractionismului este realizarea armoniei prin crearea anumitor combinații geometrice și de culori care vor evoca diverse asocieri în privitor.

Principalii reprezentanți ai direcției au fost: Wassily Kandinsky, Pablo Picasso


Wassily Kandinsky: „Galben-roșu-albastru”



Pablo Picasso: „Guernica”

3. Avangardă

avangarda este denumirea comună curente experimentale, începuturi de secol XX, care au negat abordările și metodele tradiționale ale desenului academic. Scopul lor principal a fost dorința de a se elibera de cadrul și formele stabilite, crearea unei arte complet noi. În lucrări, se realizează adesea imitarea lumii reale în tehnologia primitivă, negarea semnificației existenței umane.

4. Academicismul

Această direcție a fost fondată în momentul creării unor grupuri creative și academii care au căutat să creeze reguli și cadre pentru creativitate și să devină un loc învăţământul profesional. Sistemul unui astfel de antrenament era foarte strict și concentrat pe evenimentele semnificative ale epocilor. Pe de o parte, academismul a păstrat tradiții clare ale picturii, pe de altă parte, a interferat cu dezvoltarea talentelor originale care ar avea propria lor viziune. Desenul academic nu a fost controversat și sfidător, prin urmare s-a înțeles ușor cu toate schimbările de stat.

Karl Bryullov „Călăsătoarea”



Jean-Leon Gerome« După-amiază de vară pe lac

5. Suprarealism

O direcție în artă care s-a format în anii 1920 în Franța. Odată cu apariția sa, suprarealismul și-a dorit să realizeze un nou mod de a gândi, să descopere un nou tip de cunoaștere a lumii. În lumea artei, el a introdus existența în afara realității, în vise și visări. Pentru această direcție, lucrările lui Sigmund Freud asupra inconștientului joacă un rol foarte important. Analizându-le, artiștii au extras diverse imagini și sentimente din visele lor și le-au transferat pe pânze. Este foarte greu să găsești logica și să înțelegi totul în lucrările acestei direcții, așa că trebuie doar să fie percepuți așa cum sunt, cu ciudatenia lor inerentă.

Cel mai strălucit reprezentant al suprarealismului este Salvador Dali.


Salvador Dali „Pianjenul de seară aduce speranță”

6. Fauvism

Aceasta este o direcție în pictură care a apărut în secolul al XX-lea. Opera sa s-a remarcat întotdeauna prin simplitate și emotivitate. Fauvismul poate fi comparat cu manifestarea artei în timpurile primitive. Artiștii descriu obiecte plate, folosind combinații de culori pure strălucitoare. Există o respingere a perspectivei și jocul de lumini și umbre. Fauviștii au luat întotdeauna combinații de culori și motive pentru intriga din fauna sălbatică, dar le-au interpretat pe pânză cu un contrast extrem, pete mari luminoase (puțin sălbatice).

Reprezentanții de frunte ai direcției pot fi numiți Henri Matisse și Andre Derain.


Henri Matisse "Dansul"



Andre Derain "Podul Charing Cross"

7. Cubismul.

În artele vizuale, cubismul a apărut la începutul secolului XX. Baza sa este descompunerea obiectului reprezentat în forme geometrice, planuri interconectate, dorința de fragmentare. Nu există nici un sentiment de lumină și spațiu în lucrări, principalul mijloc de exprimare este multicolor. În primul rând, artistul încearcă cu lucrările sale să transmită privitorului mai mult informatii complete despre obiect, nu punctul tău de vedere asupra lui.

Cele mai cunoscute produse cubice sunt

Juan Gris „Omul într-o cafenea”

Pablo Picasso "Vioara si chitara"

8. Anacronismul

Anacronismul este o direcție a picturii în care artiștii caută inspirație în artele vizuale din trecut, regândind-o într-un mod nou și parodiând-o în unele momente. Ei încearcă să interpreteze operele clasice în felul lor, să le apropie de arta contemporană.

Carlo Maria Mariani: „Zborul zeilor”



Gerard Garouste: „Valaam”

9. Subteran

Aceasta este o direcție care unește tipurile de creativitate contemporană, care neagă toate standardele celor acceptate, șocând astfel publicul. Aceasta este o artă care este concepută pentru auto-exprimare și nu pentru a câștiga bani. Underground-ul a devenit un oponent al acelor cadre și tendințe în care artiștii, poeții și scriitorii au fost conduși. În perioada sovietică, toată arta care a fost interzisă poate fi numită prin această definiție.


Graffiti în orașul Olinda, Brazilia.



10. Impresionism

Cuvântul impresionism în franceză înseamnă „impresie”. Această direcție de pictură își are originea în Franța în secolul al XIX-lea și a devenit așa numită după expoziția de la Paris, care a prezentat opera lui Claude Monet „Impresiune”. Cei mai semnificativi reprezentanți ai curentului sunt: ​​Renoir, Sisley, Monet, Cezanne. Ei au căutat întotdeauna să arate adevărata frumusețe a lucrurilor de zi cu zi.

Impresionismul este direcția care a fost prima care a arătat tot culoarea și autenticitatea vieții și a lumii din jurul nostru, versatilitatea vieții și aspectul oamenilor. Cea mai comună temă pentru imagine este peisajul, dar, în același timp, puteți găsi scene din viață: femei cu copii, balerini dansatori și nu numai.


Claude Monet „Impresie”



Paul Cezanne"Câmpia de la Muntele Sainte-Victoire"

11. Divizionism (Pointillism)

Aceasta este o metodă de pictură, în care principalul lucru este că artistul descompune tonul de culoare în culori individuale și le aplică pe pânză cu puncte de diferite forme. Când ia în considerare o astfel de lucrare de către privitor, el vede o imagine întreagă.

Maeștri de seamă ai acestui trend sunt: ​​Paul Signac, Giovanni Segantini, Georges Lemmen, Henri Edmond Cross.


Paul Signac "Pin"



Georges Lemmen „Plaja de la Heist”

12. Simbolism

Simbolismul este una dintre cele mai mari tendințe care a schimbat foarte mult atitudinea față de artă. Tradus din greacă, înseamnă „simbol, semn”. Simboliștii au încercat să experimenteze, s-au străduit pentru inovație, ceea ce a influențat într-o oarecare măsură vederi moderne artă.

Artiștii simbolismului fac apel la invizibil, lumi paralele care există în realitate (principalul este să le poți vedea și interpreta) și să înfățișeze aceste imagini în lucrări cu ajutorul semnelor.

Maeștri ai simbolismului sunt: ​​Gustave Moreau, Pierre Puvis de Chavannes, Odilon Redon, Felicien Rops, John Everett Milles, Victor Borisov-Musatov, Mikhail Vrubel, Hugo Simberg.

Mihail Vrubel « Prințesa lebădă»



Hugo Simberg„Înger rănit”

13. Intimism

Cuvântul intimism, tradus din latină, înseamnă (secret, intim, sincer). Aceasta este o direcție a picturii care a apărut la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea. Tema principală a artiștilor din această direcție a fost imaginea vieții private a oamenilor. Culoarea și specificul compoziției au ieșit în prim-plan în lucrări. Un rol important l-a jucat imaginea luminii din complot, care a oferit o confort deosebit și un sentiment de atmosferă acasă. Pentru intimiști, o imagine detaliată a interiorului, o combinație de culoare și formă a fost importantă, în timp ce oamenii au jucat un rol secundar.

Maeștri ai intimismului sunt: ​​Pierre Bonnard, Edouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Felix Vallotton.



Edouard Vuillard „Interior”



Pierre Bonnard"Masa de pranz»

- Funcții de pictură

Pictura, ca multe alte forme de artă, poartă un caracter cognitiv, filozofic și mai ales functie estetica. Pictura reflectă opiniile și conținutul spiritual al unei anumite epoci, dezvoltarea ei în termeni sociali. Multe lucrări au valoare documentară. Pictura afectează gândurile și sentimentele privitorului, te face să experimentezi intriga descrisă de autor. Este un fel de educație estetică pentru societate.

- Istoria picturii

Pictura este una dintre cele mai vechi forme de artă. Ea provine din timpul picturilor rupestre. În dezvoltarea diferitelor tehnici și genuri de pictură, s-au acumulat o întreagă moștenire, comori spirituale.

Antichitatea a arătat înclinația oamenilor de a arăta viața și lumea așa cum sunt, reale. Atunci s-au născut principii de expresivitate precum clarobscurul și perspectiva. Toate acestea au fost folosite pentru decorarea lăcașurilor de cult și a locuințelor.

Evul Mediu a adus picturii ceva complet nou, reflectând în principal motive religioase. Simbolismul culorii folosite a jucat un rol important. Pentru fundalul frescelor și pânzelor, au folosit neutru (abstract) sau auriu, care simboliza intenția divină a tabloului.

În Renaștere, rolul picturii a crescut, a folosit un sistem mai bazat de clarobscur, perspectivă liniară și aeriană. Acest lucru a primit un răspuns în documentele despre subiecte de zi cu zi, în portrete, subiecte religioase și mitologice.

Leonardo da Vinci „Madona în stânci”

În secolele 17-18. Pictura europeană devine din ce în ce mai complexă. Se îndreaptă noi idealuri sociale, reflectarea conflictului individului cu lumea exterioară începe să apară în tablouri. În această epocă, se formează genuri de pictură.

În secolul 19 Există o nouă direcție - romantismul, dorul de ceva nou. În pictura romantismului, se pune accent pe imaginea evenimentelor dramatice ale istoriei și prezentului, există un contrast de lumină și umbră, culoare bogată.

O revoluție în pictură are loc odată cu apariția impresionismului. Această direcție se caracterizează printr-o imagine mai reală a lumii, variabilitatea ei, imaginea impresionistă a impresiilor lor. În lucrările lor, ei amestecă în mod activ culorile pure și transmit textura obiectelor. În această epocă, artiștii încep să meargă în aer liber.

La cumpăna dintre secolele XIX-XX. apare pictura abstracta. Există un refuz al artiștilor de la figurativitate, apariția unei atitudini mai autorale față de muncă, identificarea atitudinii lor față de lumea din jurul lor. Abstracționismul folosește forme geometrice, culori condiționate, asocieri de compoziții și forme exagerate, modificate.

În secolele 20 și 21 pictura se străduiește pentru o exprimare de sine din ce în ce mai mare, cauzată de dezvoltarea progresului tehnologic. Lucrările sunt create folosind tehnologii digitale.

Toate acestea ar trebui să conducă cu siguranță la apariția de noi tendințe, dar pictura clasică în ulei este în prezent una dintre tehnicile preferate ale maeștrilor.