boyama nedir?

Resim, bir yüzeye uygulanan boyalar kullanılarak eserleri oluşturulan bir güzel sanat türüdür.
Renoir, "Resim yapmak sadece bir fantezi değildir. Her vicdanlı işçinin yaptığı gibi, vicdanla yapılması gereken bir iştir," dedi.

Resim, mevcut tüm sanat malzemelerini gerçekliğin çeşitli görünür görüntülerine dönüştürmenin inanılmaz bir mucizesidir. Resim sanatında ustalaşmak, herhangi bir mekanda herhangi bir şekil, renk ve malzemeden gerçek nesneleri betimleyebilmek demektir.
Diğer tüm sanat dalları gibi resim sanatının da özel bir yeri vardır. sanatsal dil sanatçının dünyayı yansıttığı şey. Ancak, dünyaya ilişkin anlayışını ifade eden sanatçı, aynı anda düşünce ve duygularını, özlemlerini, estetik ideallerini eserlerinde somutlaştırır, yaşam fenomenlerini değerlendirir, özlerini ve anlamlarını kendi tarzında açıklar.
Ressamlar tarafından yaratılan farklı güzel sanat türlerinin sanat eserlerinde çizim, renk, chiaroscuro, vuruşların anlatımı, doku ve kompozisyon kullanılır. Bu, dünyanın renkli zenginliğini, nesnelerin hacmini, niteliksel malzeme özgünlüğünü, mekansal derinliğini ve aydınlık ortamını uçakta yeniden üretmenizi sağlar.
Resim dünyası zengin ve karmaşıktır, hazineleri binlerce yıldır insanlık tarafından biriktirilmiştir. En eski resim eserleri, bilim adamları tarafından ilkel insanların yaşadığı mağaraların duvarlarında keşfedildi. Şaşırtıcı bir doğruluk ve keskinlikle ilk sanatçılar av sahnelerini ve hayvan alışkanlıklarını tasvir ettiler. Anıtsal resmin özelliklerini taşıyan duvardaki boyaları tasvir etme sanatı böyle ortaya çıktı.
Anıtsal resmin iki ana çeşidi vardır - fresk ve mozaik.
Fresk, taze, nemli sıva üzerine saf veya kireç suyu ile seyreltilmiş boyalarla boyama tekniğidir.
Mozaik - bir toprak - kireç veya çimento tabakasına sabitlenmiş homojen veya farklı malzeme taş, smalt, seramik karo parçacıklarından yapılmış bir görüntü.
Fresk ve mozaik, dayanıklılıkları ve renk haslıkları nedeniyle mimari hacimleri ve düzlemleri (duvar resmi, plafondlar, paneller) süslemek için kullanılan ana anıtsal sanat türleridir.
Şövale resminin (resim) bağımsız bir karakteri ve anlamı vardır. Kapsamın genişliği ve eksiksizliği gerçek hayat doğal çeşitliliği etkiler şövale boyama türler ve türler: portre, manzara, natürmort, ev, tarihi, savaş türleri.
Anıtsal şövale resminden farklı olarak duvar düzlemi ile bağlantılı değildir ve serbestçe sergilenebilir.
Şövale sanatı eserlerinin ideolojik ve sanatsal önemi, sanatsal sesleri maruz kalma koşullarına bağlı olmasına rağmen, bulundukları yere göre değişmez.
Adlandırılmış resim türlerine ek olarak, dekoratif bir tane var - tiyatro sahnesi eskizleri, sinema için sahne ve kostümlerin yanı sıra minyatürler ve ikonografi.
Minyatür veya anıtsal bir sanat eseri yaratmak için (örneğin, bir duvardaki bir resim), sanatçı sadece nesnelerin yapıcı özünü, hacimlerini, materyalliklerini değil, aynı zamanda doğanın resimsel temsilinin kurallarını ve yasalarını da bilmelidir, renk, renk uyumu.


Doğadan resimli bir temsilde, sadece renklerin çeşitliliğini değil, aynı zamanda ışık kaynağının gücü ve rengiyle belirlenen birliğini de hesaba katmak gerekir. Genel renk durumuyla uyumlu hale getirilmeden görüntüye hiçbir renk noktası eklenmemelidir. Hem ışıkta hem de gölgede her nesnenin rengi, renk bütünü ile ilgili olmalıdır. Görüntünün renkleri, aydınlatmanın renginin etkisini yansıtmıyorsa, tek bir renk aralığına tabi olmayacaktır. Böyle bir görüntüde, her renk, belirli bir aydınlatma durumuna yabancı ve yabancı bir şey olarak öne çıkacaktır; rastgele görünecek ve görüntünün renk bütünlüğünü bozacaktır.
Bu nedenle, genel aydınlatma rengiyle renklerin doğal renk birliği, resmin uyumlu bir renk şeması oluşturmanın temelidir.
Renk, resimde kullanılan en etkileyici araçlardan biridir. Sanatçı, gördüğünün renkli zenginliğini, tanıdığı ve etrafındaki dünyayı yansıtan bir renk formu yardımıyla düzlemde aktarır. Doğayı tasvir etme sürecinde, boyaları ana olarak kullanmayı mümkün kılan bir renk duygusu ve birçok tonu gelişir. ifade aracı tablo.
Renk algısı ve sanatçının gözünün 200'den fazla tonunu ayırt edebilmesi, doğanın bir insana bahşettiği en mutlu niteliklerden biri olabilir.
Kontrast yasalarını bilen sanatçı, tasvir edilen doğanın rengindeki, bazı durumlarda neredeyse hiç fark edilmeyen bu değişiklikler tarafından yönlendirilir. Renk algısı, nesnenin bulunduğu ortama bağlıdır. Bu nedenle sanatçı, doğanın rengini aktarırken renkleri birbiriyle karşılaştırır, bunların birbiriyle bağlantılı veya karşılıklı ilişkiler içinde algılanmasını sağlar.
“Işık ve gölge oranlarını almak”, renkler arasındaki açıklık, doygunluk ve ton farkını doğada oluş şekline uygun olarak korumak demektir.
Kontrast (hem ışıkta hem de renkte) özellikle bitişik renk noktalarının kenarlarında fark edilir. Kontrast renkler arasındaki sınırların bulanıklaştırılması, renk kontrastının etkisini artırır ve noktaların sınırlarının netliği onu azaltır. Bu yasaların bilgisi resimdeki teknik olanakları genişletir, sanatçının boyaların renginin yoğunluğunu artırmak, doygunluklarını artırmak, hafifliklerini artırmak veya azaltmak için kontrast kullanmasına izin verir, bu da ressamın paletini zenginleştirir. Böylece, karışımları kullanmadan, sadece sıcak ve soğuk renklerin zıt kombinasyonlarını kullanarak, bir resmin özel bir renksel sonoritesini elde edebilirsiniz.

İyi çalışmalarınızı bilgi tabanına gönderin basittir. Aşağıdaki formu kullanın

Bilgi tabanını çalışmalarında ve çalışmalarında kullanan öğrenciler, yüksek lisans öğrencileri, genç bilim adamları size çok minnettar olacaktır.

Yayınlanan http://www.allbest.ru

Bir güzel sanat türü olarak resmin özellikleri

tablo ait diğer sanatlar arasında özel bir yer : belki de başka hiçbir sanat türü, görülen dünya fenomenlerini, insan görüntülerini bu kadar eksiksiz bir şekilde aktaramaz, özellikle de bunu düşündüğünüzde. aldığımız bilgilerin çoğu dış dünya görme yardımı ileşunlar. görsel olarak sanat boyama portre manzara natürmort

İmkansızı yaratmayı başaran resim sanatıydı - fotoğraftan çok önce anı durdurmak: bu tür işler vetasvir edilen bir an aracılığıyla sanat aktarır önceki müteakip, geçmiş ve gelecek, izleyici tarafından tahmin edilir.

Tablo - sanatçının düzenlediği bu gösteri:

Ressam, gerçek imgeleri görünür biçimlerde somutlaştırmasına rağmen, hayatın doğrudan bir kopyası değiller;

Bir resim yaratan sanatçı doğaya güvenir, ama aynı zamanda sosyal ve mesleki deneyimi, becerileri, ustalığı, yaratıcı düşünmesi sonucunda elde ettiği malzeme üzerinde yeniden yaratır.

Bulunabilir resimlerin neden olduğu birkaç ana deneyim türü:

Görme yoluyla kavranan tanıdık nesnelerin tanınması - buna dayanarak, tasvir edilen hakkında belirli dernekler doğar;

· Estetik bir his elde etmek.

Böylece, tablo resimsel, anlatısal ve dekoratif işlevleri yerine getirir.

Resim türleri ve ifade araçları

Boyama aşağıdaki türlere ayrılmıştır:

· Anıtsal - dekoratif - mimari yapıları (duvar resimleri, plafondlar, panolar, mozaikler) tamamlamaya ve tasarlamaya hizmet eder;

· Dekoratif - diğer sanatlarda kullanılır (sinema veya tiyatro);

· Şövale;

· İkonografi;

· Minyatür.

En bağımsız çeşitlilik dır-dir şövale boyama.

Tablo sahip olmak özel ifade araçları:

· Resim;

· Boyama;

· Kompozisyon.

Resim - en önemli ifade araçlarından biri: onun yardımı ve çizimin bileşenleri çizgiler yaratıldı plastik görüntüler. Bazen bu çizgiler şematiktir, sadece hacimlerin yapısını gösterirler.

Renk -resim sanatında önde gelen ifade araçları. Bir kişinin etrafındaki dünyayı tanıdığı renktedir. Renk:

Sıraya girmek biçim tasvir edilen nesneler;

· Modeller Uzayöğeler;

· oluşturur mod;

Belirli bir biçimler ritim.

Renk organizasyon sistemi, ton oranları, hangi görevler çözülür sanatsal görüntü, denir renk:

Dar anlamda, bu bu resmin renk şemalarının tek gerçek organizasyonu;

Geniş bir şekilde - çoğu için ortak insanların renk algılama yasaları,çünkü "sıcak renk", "soğuk renk" vb. diyebilirsiniz.

Resim tarihinin çeşitli dönemlerinde, renk sistemleri.

İlk dönemlerde kullanıldı yerel renk, renk ve gölge oyunları hariç: buradaki renk sanki tek tip ve değişmemiş.

Rönesans döneminde vardı Ton rengi, nerede renklerşartlandırılmışuzaydaki konumu ve aydınlatması. Gösterilen cismin şeklini ışıkla belirleme yeteneğine denir. renkli plastik.

İki tür ton rengi vardır:

· dramatikışık ve gölge kontrastı;

· renk - renk kontrastı.

Bir sanatçı için tekniği kullanma yeteneği çok önemlidir. ışık gölge,şunlar. resimde doğru ışık ve karanlık tonlamasını koruyun,çünkü bu şekilde elde edilir tasvir edilen nesnenin hacmi, aydınlık bir ortamla çevrilidir.

Resimde Kompozisyon en genel anlamda - figürlerin yerleştirilmesi, resmin uzayındaki ilişkileri. Kompozisyon, çok çeşitli ayrıntıları ve unsurları tek bir bütün halinde birleştirir. Nedensel ilişki biçimleri kapalı sistem, hiçbir şeyin değiştirilemeyeceği veya eklenemeyeceği. Bu sistem, gerçek dünyanın, sanatçı tarafından fark edilen ve hissedilen, onun tarafından çeşitli fenomenlerden seçilen bir bölümünü yansıtır.

Aynı zamanda kompozisyon alanında ideolojik ve yaratıcı fikirlerin yoğunlaşması,çünkü onun aracılığıyla kendini gösterir yaratıcının modeline karşı tutumu. Görüntü sanatsal bir fenomen haline gelir sadece ideolojik bir tasarıma tabi olduğunda, çünkü aksi takdirde sadece basit kopyalama hakkında konuşabilirsiniz.

N.N. Volkov dikkat çekiyor "yapı", "inşaat" ve "kompozisyon" kavramları arasındaki fark:

· Yapı belirlenen elemanlar arasında tek bir bağlantı karakteri, tek bir şekillendirme yasası. Bir sanat eseriyle ilgili olarak yapı kavramı, bir sanat eserinin çok katmanlılığı ile ilişkilidir, yani bir resmi algılama sürecinde onun yapısının daha derin katmanlarına nüfuz edebiliriz;

· İnşaat - elemanların işlevsel olarak ilişkili olduğu bir yapı türüdür, çünkü bütünlüğü işlevin birliğine bağlıdır. Resimle ilgili olarak, resimdeki yapıcı bağlantıların işlevinin anlamsal bağlantıların yaratılması ve güçlendirilmesi olduğunu söyleyebiliriz, çünkü genellikle yapıcı merkez çoğunlukla anlamsal düğümdür;

· Sanat eseri kompozisyonu bir anlam birliği ile birbirine bağlanan sabit unsurlardan oluşan kapalı bir yapıdır.

Kompozisyonun ana yasalarından biribir sınırlamadır Görüntüler, Bu, resmin amacını ifade etmede en önemlisi için fırsatlar sağlar.

Kısıtlama formu ayrıca önemli bir rol oynar - sanatsal uygulamada, basit şekiller:

· Dikdörtgen.

Sınırlama şunlar için de geçerlidir: ne tasvir edilebilir, yani renklerdeki dış benzerlikleri, düzlemdeki çizgileri bulun nesneler, kişiler, görünür alan vb.

Güzel sanatlar pratiğinde, aşağıdaki kompozisyon türleri bilinmektedir:

· Kararlı (statik) - ana kompozisyon eksenleri, işin merkezinde dik açılarda kesişir;

· Dinamik - baskın köşegenler, daireler ve ovaller ile;

Açık - kompozisyon çizgileri merkezden ayrılıyor gibi görünüyor4

· Kapalı - merkeze doğru bir daralma var.

Kararlı ve kapalı kompozisyon şemaları sanatsal pratiğin özelliği Rönesans,dinamik ve açık - için barok dönemi.

Resim teknikleri ve ana türleri

Resmin ifadesi ve sanatsal amacın somutlaşması, sanatçı tarafından hangi boyama tekniğinin kullanıldığına bağlıdır.

Ana boyama teknikleri türleri:

· Yağlı boya;

· Suluboya;

· Tempera;

· Pastel;

Fresk.

Yağlı boya elde etmek için kullanılabilecekleri gerçeğiyle karakterize edilir. karmaşık renk çözümleri - Yağlı boyaların viskozitesi ve uzun kuruma süresi, boyaların karıştırılmasını ve çeşitli kombinasyonlarının elde edilmesini mümkün kılar.

Yağlı boyanın olağan temeli, keten bir tuvaldir. yarı yağlı toprak.

Diğer yüzeyler de mümkündür.

Suluboya diğer tekniklerden farklı şeffaflık ve renk tazeliği. Beyaz kullanmaz ve görevlerini yerine getiren astarsız beyaz kağıt üzerinde kullanılır.

Ham kağıt üzerine yapılmış ilginç suluboya.

Tempera, kazein yağı, yumurta veya sentetik bağlayıcı ile hazırlanan en eski boyama tekniklerinden biridir.

Tempera, yeterince çabuk kuruması ve karıştırılamaması, ayrıca kuruyunca renk değiştirmesi nedeniyle sanatçının işini zorlaştırıyor. sıcaklıkta renközellikle güzel - sakin, kadifemsi, pürüzsüz.

Pastel - renkli boya kalemleri ile boyama.

Yumuşak, nazik tonlar verir. Ham kağıt veya süet üzerine yapılır.

Pastel ile yapılan çalışmalar akışkanlık özelliğinden dolayı maalesef muhafazası zordur.

Sulu boya, pastel ve guaj bazen atıfta bulunulan grafik, bu boyalar astarlanmamış kağıda uygulandığından, ancak büyük ölçüde resmin ana özel özelliğine sahiptirler - renk.

fresk boyama aşağıdaki gibi gerçekleştirilir: renkli pigmentin tozu su ile seyreltilir ve boya tabakasını sıkıca tutan ıslak sıvaya uygulanır.

Uzun bir geçmişi var.

Özellikle sıklıkla bu teknik, binaların duvarlarını süslemek için kullanılır.

Resmin, gerçek hayatın neredeyse tüm fenomenlerini yansıtabilmesine rağmen, çoğu zaman temsil eder. insan resimleri, canlı ve cansız doğa.

Bu yüzden Ana resim türleri düşünülebilir:

· Vesika;

· Manzara;

· Natürmort.

Vesika

Vesika en genel anlamda şu şekilde tanımlanır gerçekte var olan veya var olan bir kişi veya insan grubunun görüntüsü.

Genellikle bunlar belirtilir portre özellikleri içinde güzel Sanatlar:

modelle benzerlik;

Sosyal ve etik özelliklerin onun üzerinden yansıması.

Ama elbette portre sadece bunu değil, aynı zamanda sanatçının resmedilen kişiye özel tutumu.

Rembrandt'ın portrelerini asla Velazquez, Repin ile Serov veya Tropinin'in eserleriyle karıştırmayın, çünkü portrede iki karakter temsil edilir - sanatçı ve modeli.

tükenmez portrenin ana teması -insan. Ancak sanatçının resmedilen kişiye ilişkin algısının özelliklerine bağlı olarak, sanatçının iletmek istediği bir fikir ortaya çıkar.

Bir portre fikrine bağlı olarak aşağıdakiler belirlenir:

· Kompozisyon çözümü;

· Boyama tekniği;

· Boyama, vb.

İşin fikri, bir portre görüntüsüne yol açar:

· Belgesel-anlatı;

Duygusal olarak şehvetli;

· Psikolojik;

Felsefi.

İçin belgesel-anlatı çözümü görüntü çekicilik ile karakterizedir portrenin doğru özellikleri.

Buradaki belgesel benzerlik arzusu, yazarın vizyonuna üstün gelir.

Duygusal figüratif çözüm ulaşıldı dekoratif resimsel araçlar ve burada belgesel özgünlük gerekli değildir.

Rubens'in kadınlarının prototiplerine nasıl benzediği o kadar da önemli değil. Ana şey, sanatçıdan izleyiciye aktarılan güzelliği, sağlığı, duygusallığı için hayranlıktır.

çeşitliliğe felsefi portre Rembrandt'ın "Kırmızılı Yaşlı Bir Adamın Portresi"ne (c. 1654) atfedilebilir. Yaratıcı olgunluğu sırasında, yaşlıların bu tür portreleri-biyografileri çok yaygındı; sanatçının felsefi yansıması o dönem hakkında insan hayatı uzun ve zor bir yaşamın tuhaf sonuçları özetlendiğinde.

Sanatçılar genellikle kendine bir model olarak bu yüzden çok yaygın kendi portresi.

İçinde sanatçı, kendisini bir kişi olarak dışarıdan değerlendirmeye, toplumdaki yerini belirlemeye, sadece gelecek nesiller için kendini yakalamaya çalışır.

Dürer, Rembrandt, Velazquez, Van Gogh kendileriyle ve aynı zamanda izleyiciyle içsel bir konuşma yaparlar.

Resimde özel bir yer kaplar. grup portresi.

ilginç çünkü öyle genel portre, ve bir tuvalde tasvir edilen birkaç belirli kişiliğin portreleri değil.

Böyle bir portrede, elbette, her karakterin ayrı bir özelliği vardır, ancak aynı zamanda, bir ortaklığa, sanatsal görüntünün birliğine dair bir izlenim yaratılır (F. . Haller).

Eski ustalar genellikle eylem halindeki insan gruplarını tasvir ettiğinden, grup portresi ile diğer türler arasında bir çizgi çekmek bazen çok zordur.

Manzara

Manzara türünün tasvirinin ana konusu doğadır -ya doğal ya da insan yapımı.

Bu tür diğerlerinden çok daha genç. Heykel portreleri MÖ 3.000 kadar erken bir tarihte yaratılmışsa ve resimli portrelerin yaklaşık 2.000 yıllık bir geçmişi varsa, o zaman manzara biyografisinin başlangıcı 6. yüzyıla kadar uzanıyor. AD ve Doğu'da, özellikle Çin'de yaygındı.

Avrupa manzarasının doğuşu 16. yüzyılda meydana geldi ve türün bağımsızlığını ancak 17. yüzyılın başından itibaren kazandı.

Peyzaj türü, diğer eserlerin kompozisyonundaki dekoratif ve yardımcı bir unsurdan, doğal çevreyi betimleyen bağımsız bir sanatsal fenomene geçerek oluşturuldu.

Olabilir doğanın gerçek veya hayali görüşleri. Bazılarının kendi isimleri vardır:

Kentsel mimari peyzaj denir şüphe ( K. Pissarro'dan "Opera Drive";

Deniz manzaraları - yat Limanı ( manzaralar I. Aivazovsky).

manzara türü sadece doğanın bir yansıması değil, aynı zamanda belirli bir sanatsal fikri ifade etme aracı.

Ayrıca, en sevdiği konuların doğası gereği, bir dereceye kadar sanatçının duygusal yapısını ve eserinin üslup özelliklerini yargılayabilir.

Seçimden doğal görünüm işin mecazi anlamı bağlıdır:

· epik başlangıç orman mesafeleri, dağ manzaraları, sonsuz ovalar (A. Vasnetsov'un “Kama”) görüntüsünde yer alır.

Fırtınalı deniz veya aşılmaz vahşi doğa gizemli bir şey bazen şiddetli (J. Michel "Fırtına");

· lirik karla kaplı patika türleri, orman kenarları, küçük göletler;

Güneşli sabah veya öğlen bulaşabilir neşe ve huzur hissi C. Monet tarafından "Beyaz nilüferler", V. Polenov tarafından "Moskova avlusu").

İlkel doğa, kademeli olarak insan tarafından aktif müdahaleye tabi tutulduğundan, manzara ciddi bir tarihi belgenin özelliklerini alır.

Manzara bazılarını bile somutlaştırabilir dönemin toplumsal duyumları, toplumsal düşüncenin seyri: 19. yüzyılın ortalarında, romantik ve klasik peyzajın estetiği yavaş yavaş yerini genellikle sosyal bir anlam kazanan ulusal peyzaja bırakır; manzarada ve yeni bir teknik çağın başlangıcında kaydedildi ("Yeni Moskova Yu. Pimenova", "Berlin-Potsdam Demiryolu» A. Menzel).

Manzara sadece değil bir doğa bilgisi nesnesi, bir sanat anıtı, aynı zamanda belirli bir dönemin kültür durumunun bir yansıması.

Natürmort

Bir natürmort, bir insanı çevreleyen, gerçek bir ev ortamında bütünleşik bir kompozisyona yerleştirilmiş ve organize edilmiş şeylerin dünyasını tasvir eder.

Sadece böyle şeyleri organize etmek türün figüratif sisteminin bir bileşenidir.

Natürmort olabilir bağımsız değer, ve olabilir başka bir türün bir kompozisyonunun parçası,örneğin B. Kustodiev'in "Tüccar", V. Polenov'un "Hasta", V. Serov'un "Şeftali Kız" resimlerinde olduğu gibi, çalışmanın anlamsal içeriğini daha tam olarak ortaya çıkarmak için.

Konulu resimlerde, natürmort, önemli olmasına rağmen ikincil öneme sahiptir, ancak bağımsız bir sanat türü olarak, büyük ifade gücü. Sadece nesnelerin dışsal, maddi özünü değil, aynı zamanda mecazi bir biçimde sunar. hayatın temel yönleri aktarılır, çağ ve hatta önemli tarihi olaylar yansıtılır.

Natürmort iyidir yaratıcı laboratuvar, sanatçının becerilerini geliştirdiği, bireysel el yazısı,

Natürmort, düşüş ve gelişme dönemlerine sahipti.

oluşumunda önemli rol oynamıştır. 16.-17. yüzyıl Hollandalı ressamları.

geliştirdiler temel, sanatsal ilkeler:

· Gerçekçilik;

· Hayatın ince gözlemleri;

· Tanıdık şeylerin estetik değerini aktarmanın özel bir hediyesi.

Favori "kahvaltılarda" ve "dükkanlarda" nesnelerin malzemesi büyük bir ustalıkla aktarıldı; meyve, sebze, oyun, balık yüzey dokusu.

özellikle önemlidir Natürmort, insanın nesneler dünyasıyla ayrılmaz bağlantısını vurgular.

empresyonist ressamlar pitoresk bir natürmort yaratıcı problemini biraz farklı bir şekilde çözdü.

Burada asıl şey, nesnelerin özelliklerinin, somutluklarının bir yansıması değildi. ANCAK ışık oyunu, renk, renk tazeliği (Fransız izlenimciliğinin Rus şubesinin ustaları K. Monet'in natürmortları K. Korovin ve I. Grabar).

Nesnelerin dünyasının kağıt veya tuval üzerindeki her tasviri bir natürmort olarak kabul edilmeyecektir. Her nesnenin kendi doğal yaşam alanı ve amacı olduğundan, onu başka koşullara yerleştirmek görüntünün sesinde uyumsuzluğa neden olabilir.

Ana şey, natürmort kompozisyonunda birleştirilen şeylerin, uyumlu duygusal açıdan zengin sanatsal görüntü.

Diğer resim türleri

Resim sanatında türler önemli bir yer tutar:

· Ev;

· Tarihi;

· Savaş;

· Hayvansal.

ev tipi tasvir eder günlük özel ve kamusal yaşam, genellikle, çağdaş sanatçı.

Bu türün resimleri, insanların emek faaliyetlerini temsil eder (“D. Velasquez'in “İplikçiler”, A. Venetsianov'un “Hasatta”), tatilleri (“Köylü Dansı” P. Brueghel), dinlenme anlarını, boş zamanları temsil eder ( T. Gaysborough'nun “Parktaki Genç Çift”, O. Daumier'in "Satranç Oyuncuları", ulusal lezzet (E. Delacroix'in "Cezayirli kadınlar kendi odalarında".

Tarihsel tür - önemli tarihi olayları yakalamak. Bu tür içerir efsanevi ve dini hikayeler.

Resimler arasında tarihsel tür K.T. tarafından "Sezar'ın Ölümü" olarak adlandırılabilir. von Piloty, “Breda'nın Teslimi”, D. Velazquez, “Hector'un Andromache'ye Vedası”, A. Losenko, “Sbinyanok”, Zh.L. David, E Delacroix ve diğerleri tarafından "Halka Önderlik Eden Özgürlük".

Resim konususavaş türü vardır askeri kampanyalar, şanlı savaşlar, silah başarıları, savaş ( Leonardo da Vinci'nin “Angyari Savaşı”, M. Grekov'un “Tachanka”, A. Deineka'nın “Sivastopol Savunması”. Bazen tarihi resmin kompozisyonuna dahil edilir.

Resimlerdehayvan türü görüntülenen hayvan dünyası (" Kümes Hayvanları”, M. de Hondekuter, “Sarı Atlar”, F. Mark).

Allbest.ru'da barındırılıyor

...

Benzer Belgeler

17. yüzyılda Hollanda sanatının kökeni ve gelişimi. Hollandalı ve Hollandalı türün ve manzara resminin en büyük ustalarının çalışmalarının incelenmesi. gibi türlerin belirli özelliklerinin incelenmesi ev tipi, portre, manzara ve natürmort.

test, 12/04/2014 eklendi


18. yüzyıldan beri yurtdışında ve Rusya'da yağlı boya tekniklerinin gelişim tarihi. Güzel sanatların bir türü olarak peyzajın gelişim aşamaları. Mevcut durum Başkurdistan'da yağlı boya. Yağlı boya tekniklerini kullanarak manzara uygulama teknolojisi.

tez, eklendi 09/05/2015


Resimde bir tür olarak portre. Portre tarihi. Rus resminde portre. Portre kompozisyonunun yapımı. Yağlı boya tekniği. Boyama için temel. Yağlı boya ve fırçalar. Boya paleti ve boyaların karıştırılması.

tez, eklendi 05/05/2015


Bağımsız bir sanat formu olarak şövale resmi kavramı. Goguryeo döneminin Kore resmi. Silla'nın güzel sanatlar ve mimarisi. Tanınmış Sanatçılar ve onların kreasyonları. Kore halk resminin içeriğinin özellikleri.

özet, eklendi 06/04/2012


Güzel sanat türlerinden biri olarak natürmort, resimsel performansın beceri ve yetenekleriyle tanışma. Sıvı akrilik boyaların kullanım özellikleri. Resim görevleriyle tanışma. Bizans'ın yoğun çileci sanatının analizi.

dönem ödevi, eklendi 09/09/2013


Rus resminin gelişimindeki eğilimler, sanatçılar tarafından doğrusal perspektifte ustalaşma. Yağlı boya tekniklerinin yaygınlaşması, yeni türlerin ortaya çıkması. Portre için özel bir yer, 18. yüzyılın Rus resminde gerçekçi bir eğilimin gelişimi.

sunum, 30.11.2011 eklendi


Genel özellikleri, gerçek sanat türlerinden biri olarak peyzajın sınıflandırılması ve türleri. Resim, fotoğraf, film ve televizyonda peyzaj türünün özellikleri, ilişkileri. On dokuzuncu ve yirminci yüzyılların başında fotoğrafın ortaya çıkış tarihi.

özet, 26/01/2014 eklendi


Manzara resminin sanatsal ve tarihsel temelleri. Rus manzarasının tarihi. Bir tür olarak peyzajın özellikleri, yolları, araçları. Kompozisyon özellikleri ve rengi. En yaygın resim türlerinden biri olarak yağlı boya için ekipman ve malzemeler.

tez, eklendi 10/14/2013


Natürmortun ortaya çıkışı ve sanatta ve pedagojik alanda natürmort resim öğretimi Eğitim Kurumları. Bir resim türü olarak natürmortun bağımsız anlamı. Rus sanatında natürmort. Çiçek resmine dayalı renk bilimi öğretimi.

tez, eklendi 02/17/2015


Natürmort gelişiminin tarihi, ünlü ressamlar. Yürütme modeli, tasvir edilen nesneler, türün kompozisyon özellikleri. Yağlı boyanın rengi, araçları, teknikleri ve teknolojisi. Boyalarla çalışmak için temel kurallar. Tema seçimi, tuval ve karton ile çalışma.

resim tarihi Bir kişinin ilk kez boya yardımıyla karşısına çıkan ilk yüzeyde bir şey tasvir etmesiyle başladı. Büyük olasılıkla, bu kendini bir erkek olarak tam olarak anlamadan önce bile oldu. Ve insanlığın geliştiği her zaman, resim eşlik etti, o zaman tüm resim tarihini kısa bir makalede anlatmak, karmaşıklığı imkansız olan bir görevdir. Bu nedenle, bu makale hiçbir şekilde dünya resim tarihini kapsama iddiasında değildir. Aşağıdakiler okuyucuda çeşitli mevcut literatürlerin yardımıyla tatmin edebileceği samimi bir ilgi uyandırırsa, mütevazı amacımıza ulaşılmış olacaktır.

Tablo

Ancak tarihin iniş çıkışlarını anlamadan önce resmin ne olduğunu öğrenelim.

TSB aşağıdaki tanımı verir:

Resim bir güzel sanat türüdür, Sanat Eserleri, herhangi bir katı yüzeye uygulanan boyalar kullanılarak oluşturulur.

Rus dili Ushakov'un açıklayıcı sözlüğü kısadır:

Resim, nesneleri renklerle tasvir etme sanatıdır.

Brockhaus ve Efron'un küçük ansiklopedik sözlüğü, aksine, ayrıntılıdır:

Resim, izleyiciyi gerçek doğa nesnelerinden alacağına benzer şekilde etkilemek amacıyla, aynı zamanda tasvir edilen nesnelerin bütünlüğü ve doğasıyla da belirli bir ruh hali uyandırmak amacıyla yüzeydeki nesneleri boyalarla tasvir etme sanatıdır. İzleyici veya herhangi bir sanatsal fikri ifade edin.

Eh, ayrıntılara girmezseniz (ve bunun hakkında sanat eleştirmenleriyle konuşmazsanız), resim, sağlam bir şey üzerinde boyalarla tasvir edilen ve en azından bir tür sanatsal değeri temsil eden her şeydir. Son madde, çitin üzerine boyanmış müstehcenliğin ne yazık ki resim olarak kabul edilemeyeceğini söylüyor.

petroglifler

Başta da söylediğimiz gibi, resim, ilk insanlığın ilk kez bir şeyi katı bir yüzey üzerinde resmettiği anda ortaya çıktı. İnsanlar gelişmelerinin başlangıcında mağaralarda ve kayalarda yaşadıklarından, doğaçlama araçlar kullanılarak ilk resim çalışmaları burada yapılmıştır.

Bu tür görüntülere kaya sanatı veya petroglifler denir. İlkel sanatçıların tekniği ilkel görünebilir, ancak öte yandan, onları boyayanların homo sapiens'in ataları olabileceğini ve bu nedenle kaya sanatının da insan evriminin bir örneği olduğunu unutmamak gerekir. Boya olarak mineral boyalar kullanıldı - çoğunlukla çok renkli hardal sarısı ve manganez oksitler.

Petroglifler, avcılıktan ritüel ve anma motiflerine kadar çok çeşitli konulara yansımaktadır. Hayvanların en yaygın görüntüleri.

1. Kaya sanatı İspanya, Altamira mağarası

Eski Mısır Resmi

Ancak zaman geçtikçe ve geliştikçe insan toplumu. İlkel olandan sonraki gelişme aşaması, dünya resim tarihine paha biçilmez bir katkı yapan eski Mısır uygarlığıydı.

Resmin çarpıcı bir özelliği Antik Mısır ataların geleneklerine bağlılık ve belirli sanatsal ilkelere bağlılık vardı. resim tarihi Eski Mısır büyük ölçüde dinden etkilenmiştir. Ayrıca, o zamanın sanatını dinden ayırmak genellikle zordur ve Mısır resminin hayatta kalan anıtlarının çoğunun dini bir amacı vardı. Bu nedenle, yazarları, bir dizi ilkel sanat geleneğinden gelen belirli yerleşik kuralları takip etmek zorunda kaldılar.

Bunun örnekleri, ne izleyicinin ne de sanatçının göremediği, ancak belirli bir sahnede kesinlikle bulunabilen nesnelerin ve hayvanların görüntüleridir (örneğin, su altındaki balıklar ve timsahlar); parçalarının şematik bir numaralandırmasını kullanan bir nesnenin görüntüsü (geleneksel olarak düzenlenmiş bir dizi yaprak şeklinde ağaç yaprakları veya tek tek tüyler şeklinde kuş tüyleri); aynı sahnede farklı açılardan alınan nesnelerin görüntülerinin bir kombinasyonu (örneğin, profilde bir kuş tasvir edildi ve kuyruk üstte; insan figürünün başı profilde, önde bir gözü, omuzları ve kolları içeride ön ve bacaklar profilde).

Elbette, böylesine katı bir kanunlar sisteminin varlığı, birkaç bin yıl içinde "sanatçının el kitabı" olarak adlandırılacak olan şeyin yaratılmasını gerektiriyordu. Ve bu tür yazılı kanıtlar gün ışığına çıktı. Bununla birlikte, daha sonra kanonların gözetilmesi, gerçekçi eğilimlerin gelişimini engelleyen muhafazakar, engelleyici bir rol oynadı.

2. Tutankhamun'un mezarının resminin bir parçası. Mısır, yaklaşık MÖ 1450

Antik Yunanistan'ın resmi

Zaman geçti ve Mısır uygarlığı çürümeye başladı. Herkesin çok iyi hatırladığı gibi, yerini eski Yunan aldı ve bu dünya resim tarihini etkileyemedi.

Antik Yunan sanatının özgünlüğü, kısmen Yunanlıların resim için seramik ürünleri kullanmayı tercih etmelerinde yatmaktadır. Bu nedenle, genellikle eski Yunan resmine vazo resmi de denir.

Eski Yunanlılar, gerçekçi resim yönünde çok ilerlediler. Onlar tarafından keşfedilen chiaroscuro sanatı, resim eserlerini benzeri görülmemiş bir hacim ve duygusallıkla doldurmayı mümkün kıldı ve resmin gelişim tarihi üzerinde büyük bir etkisi oldu.

Yeni tekniği ilk kullanan Atinalı Apollodorus'tur ve kendisine Gölge Yazar lakabı verilmiştir. Onu bu tekniği uygulayan diğer ünlü ressamlar izledi: Zeuceis, Parrhasius ve Timanf. Çalışmaları, sıradan grafiklere kıyasla duygusallıkla doludur, ancak buna rağmen, anıtsal resim vazo resmi gibi bir dağıtım almamıştır.

Vazo boyama tekniği oldukça basitti: kil eşyalar süs eşyaları ve çeşitli konularla kaplandı. Başlangıçta, yalnızca kırmızı bir arka plan (pişmiş kil) üzerinde siyah görüntülerden oluşan siyah figür stili kullanıldı. Daha sonra, resimler arasındaki arka planın siyah vernikle uygulandığı ve figürlerin kendilerinin hepsinin tasvir edildiği kilin rengi olarak kaldığı kırmızı figür (siyah cila) tarzı ortaya çıktı.

Tüm çizimler düzlemsel, grafik karakterliydi. Vazolardaki çizimler, Yunan sanatına, iç mekanlara, günlük hayata, insanların kıyafetlerine ve dünyayı görmenin özelliklerine dair anlayışımızı genişletiyor.

3. Siyah figürlü Attika amfora Antik Roma Tablosu.

Dünya resim tarihinden bahsetmişken, Antik Roma sanatından bahsetmemek mümkün değil.

Roma siyasetinin saldırgan doğası, birçok halkın sanatsal geleneklerinin antik Roma sanatında iç içe geçmesine neden oldu. Ayrıca, Yunanlıların aksine, pragmatik Romalılar sanat konusunda daha sıradandı. Roma sanatının bir özelliği, yaşamla en yakın bağlantısıdır.

Roma evlerinde ve villalarında vurgunun iç mekana ve tören odalarının görünümüne aktarılmasıyla birlikte, Yunan geleneği temelinde son derece sanatsal bir duvar resimleri sistemi geliştirildi. Pompei resimleri, antik fresklerin ana özelliklerini tanıtır. Romalılar ayrıca cepheleri süslemek için boyayı kullandılar, bunları ticari tesisler veya zanaat atölyeleri için işaretler olarak kullandılar. Resim tarihinde, Pompeian resimleri genellikle şartlı olarak stil adı verilen 4 gruba ayrılır. İlk stil, kakma, 2. yüzyılda yaygındı. M.Ö e. Çok renkli mermer veya jasper karelerle duvar kaplamasını taklit eder.

1980'lerden beri M.Ö e. ikinci stil kullanıldı - mimari ve umut verici. Duvarlar pürüzsüz kaldı ve pitoresk bir şekilde - yanıltıcı bir şekilde yapılmış sütunlar, pilastrlar, kornişler ve revaklarla bölündü. İç mekan, sütunların arasına sık sık büyük bir çok figürlü kompozisyonun yerleştirilmesi ve ünlü Yunan sanatçıların eserlerinden mitolojik temalar üzerindeki arazileri gerçekçi bir şekilde yeniden üretmesi nedeniyle ihtişam kazandı. Romalıların doğasında var olan doğa çekiciliği, onları sahnelerde doğrusal ve hava perspektifleri kullanarak yanıltıcı bir şekilde yeniden üretmeye ve böylece odanın iç alanını genişletmeye teşvik etti.

Üçüncü üslup, oriteleştirme, imparatorluk çağının karakteristiğidir. İkinci stilin ihtişamının aksine, üçüncü stil titizlik, zarafet ve orantı duygusu ile ayırt edilir. Dengeli kompozisyonlar, doğrusal süsleme, parlak bir arka plan üzerinde duvarın düzlemini vurgular. Bazen, bazı ünlü eski ustaların resimlerinin yeniden üretildiği duvarın merkezi alanı öne çıkıyor.

Dördüncü dekoratif stil, 1. yüzyılın ortalarında yayılır. AD Mekansal ve mimari çözümün görkemi ve dekoratifliği ile ikinci tarzın geleneğini sürdürüyor. Aynı zamanda süsleme motiflerinin zenginliği üçüncü üslubun duvar resimlerini andırmaktadır.

4. Antik Roma freski.

Rus resminin tarihi

Resmin gelişim tarihinden bahsetmişken, Rus resminden bahsetmemek mümkün değil. Araştırmacılar, Rus resminin köklerinin, 6. yüzyılda Avrupa'da iyi tanınan Doğu Slav halkının geleneğinde yattığına inanıyor. Ve buna ante denirdi.

Avrupa'nın diğer tüm devletleri gibi, 11. yüzyılın ikinci yarısında Rusya da bir ulusal parçalanma dönemi yaşadı ve o zaman oldu. Rus sanatı benzersizliğini elde etti karakter özellikleri. Sanat Kiev Rus yeterliydi yüksek seviye Bununla birlikte, orijinal olarak adlandırılamaz, çünkü 10. yüzyılda vaftiz edilen Prens Vladimir, aynı zamanda, pagan sanat ilkeleriyle karmaşık bir şekilde iç içe geçmiş olan Bizans'ın sanatsal geleneklerini ödünç aldı. Tabii ki, Doğu Slavları oldukça gelişmiş bir kültüre sahipti ve bu nedenle Bizans gelenekleri orijinal Ruslara göre hızla değişti.

Rus sanatı, Kiev Rus'un Bizans-Rus sanatından gelişmiştir. Ayrıca Galiçya-Volyn, Rostov-Suzdal ve Novgorod topraklarından ayrılan bireysel prensliklerin sanatı olarak gelişti. On ikinci yüzyılda, Rus sanatının tamamen oluştuğu kabul edilebilir. Ne yazık ki, üç yüz yıldan fazla süren ağır Tatar boyunduruğu nedeniyle Rus resminin gelişimi ciddi şekilde yavaşladı.

Rus resim tarihinde yeni bir yükseliş, toprakların çoğunun Moskova çevresinde birleştiği 15. yüzyılda başladı. Bu çağa genellikle eski Rus sanatının altın çağı denir. Şu anda, Moskova okulunun klasik örnekleri haline gelen eserler yaratıldı. Rus kültürünün gelişimi, Avrupa ülkeleri için ortak bir yol boyunca gerçekleşti. Hem Batı'da hem de Doğu'da resim, her şeyden önce kilise resmiydi, bu nedenle, her şeyden önce, ikon resmi ve anıtsal resim - fresklerdi.

Rus ikon resmi, Bizans ustalarının tekniklerini miras aldı. Aynı zamanda, kendi gelenekleri Rusya'da doğdu. Rus ikonları sadece taklit değildi, kendi tarzlarına sahipti ve Andrei Rublev gibi ustalar ikon resminin seviyesini yeni zirvelere çıkardılar.

İlk gerçekçi portreler 17. yüzyılda Rusya'da ortaya çıktı; 18. yüzyılın ortalarından sonuna kadar, Levitsky ve Borovikovsky gibi büyük ressamlar Rusya'da ortaya çıktı.

O zamandan beri, Rus resminin tarihi küresel eğilimleri takip etti. 19. yüzyılın ilk yarısının seçkin sanatçıları Kiprensky, Bryullov, Ivanov (“İsa'nın İnsanlara Görünüşü”) idi.

19. yüzyılın ikinci yarısında realist resim gelişti. Rus sanatçıların yaratıcı derneği "Gezginler Derneği" kuruldu. sanat sergileri Vasnetsov, Kramskoy, Shishkin, Kuindzhi, Surikov, Repin, Savrasov gibi büyük sanatçıları içeren (Gezginler).

5. Vasnetsov'un "Bogatyrs" tablosu.

Elbette sanat tarihi anlattıklarımızla sınırlı değil. Zaman geçti ve tarih değişti. İnsan uygarlığı gelişti ve onunla birlikte resim de gelişti. Ortaçağ, Rönesans, Reform, Yeni ve En yeni zaman resme birçok yeni stil ve trend getirdi. Neyse ki, bu büyük dönemlerin her birinin ayrıntılı bir açıklamasını bulabileceğiniz çok sayıda literatür var.

http://www.vlasta-tula.ru/articles/show-15.htm

Gördüğünüz resimlerin çoğu şövale resimleri. Bu terim, resimlerin özel bir şövale üzerine boyandığı anlamına gelir. Çerçevelenebilir, duvara asılabilir veya hediye olarak verilebilir. Başka bir deyişle, bir şövale resmi, düz bir arka plan üzerine boyanmış bir resimdir: kağıt, tuval, tahta. Bu resim türüne yağlı boya tablolar hakimdir, ancak diğer malzemelerin kullanıldığı resimler de vardır - guaj ve suluboya, pastel, mürekkep, karakalem, akrilik boyalar, renkli kalemler vb.

Uygulanan şövale boyama türlerinden biri, tiyatro ve dekoratif boyamadır - kahramanlar ve mizansenler için kostüm eskizleri.

Anıtsal boyama - binaların boyanması

Anıtsal resim, yapıldığı yerden ayrı olarak var olamaz. Bu resim türü, görkemli tapınakların inşa edildiği 16. ve 19. yüzyıllarda çok popülerdi. en iyi sanatçılar kasalarını boyadı. Anıtsal resmin en yaygın türü, ıslak sıva üzerine su bazlı boyalarla yapılan fresktir.

Kuru sıva - secco - üzerine boyamak da yaygındı, ancak bu tür işler zamanımıza göre daha kötü durumda kaldı. Anıtsal resmin en ünlü örneği, Michelangelo'nun yer aldığı Sistine Şapeli'nin büyük ölçekli resmidir. Eleştirmenlere göre, şapelin freskleri Dünyanın Sekizinci Harikası ile eşitlenebilir.

Anıtsal resmin en eski eserleri, ilk insanların kaya resimleridir.

Dekoratif boyama - uygulamalı sanat

Dekoratif resim sanat ve el sanatları ile yakından ilgilidir. Dekorasyonda oldukça destekleyici bir rol oynuyor. çesitli malzemeler. Dekoratif boyama, ev eşyalarını, mobilyaları, mimariyi süsleyen çeşitli desen ve süs eşyalarıdır. Bu tür resimlerin yazarları bilinmiyor olabilir - basit köylü evleri ve mobilya resimleri de bu türe aittir.

Minyatür boyama - sevimli küçük şeyler

Başlangıçta minyatür resim, kitap tasarımı sanatıydı. Eski kitaplar büyük bir özenle yapılmıştı ve çok pahalıydı. Dekorasyonları için, bölümler arasındaki büyük harfleri, kapakları ve ekran koruyucuları güzelce tasarlayan özel ustalar tutuldu. Bu yayınlar gerçek bir sanat eseriydi. Minyatür resminin katı kurallarına bağlı kalan birkaç okul vardı.

Daha sonra minyatürlere küçük ölçekli resimler denilmeye başlandı. Hatıralık ve unutulmaz hediyeler olarak kullanıldılar. Küçük boyutuna rağmen, bu tür bir resim büyük bir hassasiyet ve beceri gerektiriyordu. Hediyelik eşya minyatürleri için en popüler malzemeler ahşap, kemik, taş ve metal levhalardı.

Tavsiye 2: Şövale türleri nelerdir: temel ve popüler

Çizim, yaratıcılığın en ilginç yönlerinden biridir. Ancak bir resim yapmak için sadece fırçaları ve boyaları değil, aynı zamanda bir şövale de doğru seçmeniz gerekir.

Bazı insanlar için yaratıcılık, yani çizim, hobi veya hobi şeklinde yaşamın ayrılmaz bir parçasıdır. profesyonel aktivite. Sanatçılar ve amatörler, çalıştıkları malzeme ve cihazlara özel önem verirler. Yani şövaleler ayrılmaz bir parçadır Yaratıcı süreç, bu nedenle bu yardımcı öğeleri daha ayrıntılı olarak ele almaya ihtiyaç vardır.

yani şu anÜç ana şövale türü vardır, bunlar: üç ayaklı şövale, dikey panel (sabit) şövale ve eskiz defteri. Her tür şövale kendi karakteristik özellikler. Örneğin tripodların montajı ve kullanımı çok kolaydır. Böyle bir şövale her zaman demonte edilebilir, katlandığında bu cihaz çok az yer kaplar.

Aynı zamanda dikey panel şövaleler oldukça kullanışlıdır, yükseklik ve eğim açısını ayarlama işlevlerine sahiptir, ancak sabit olmaları nedeniyle çok fazla yer kaplarlar. Bu tür şövalelerde kağıt veya gerilmiş kanvas sabitleme ilkesi pratikte değişmez. Altta, sarf malzemelerinin yeri için küçük bir panel var: kurşun kalemler, boyalar, fırçalar ve diğer şeyler.

Eskiz defterleri doğada hayattan resimler yapmak için kullanılabilir. Aynı zamanda bu cihaz monte edildiğinde, tuvalin yazıldığı yere uzun yolculuklar yapabileceğiniz küçük bir bavula dönüşüyor.

En popüler şövaleler

Tripod şövaleler en popüler olanlarıdır. Bu, kolaylık ve kompaktlıklarından kaynaklanmaktadır. Ek olarak, satın almak için para harcamak istemiyorsanız, böyle bir şövale bağımsız olarak yapılabilir.

Stüdyoda veya evde çalışmak için masa şövaleleri, yani dikey panelli şövaleler sıklıkla kullanılır. Bu tip, tek bir yerde çalışırken uygundur, çünkü nakliyesi, nesneyi daha fazla parçaya ayıramama nedeniyle engellenir. küçük parçalar ardından montaj yapılır. Aynı zamanda, her tür şövale belirli bir kullanım amacı için tasarlanmıştır, ancak tripod haklı olarak en çok yönlü olarak kabul edilebilir, çünkü her ikisi için de kullanılabilir. kalıcı iş stüdyoda ve doğada doğadan çalışmak için, tabii ki çok büyük değilse.

Kaynaklar:

• Şövalelerin sınıflandırılması

Yüzeyleri boya ve fırça ile süsleme sanatına sanatsal resim denir. Ressamın tasarladığı alanın bir parçası olduğu için resim kavramı resimden ciddi şekilde farklıdır.

Sanatsal boyama, orijinal olarak herhangi bir demokratik ve kolay elde edilen malzemeye uygulandı: deri, ahşap, doğal kumaşlar, kil ve kemik. Beceriler, ustalar tarafından nesilden nesile aktarıldı, özel sanatsal teknikler, bu da ürünün tanınmasına yardımcı oldu. Zamanla süslemenin en anlamlı ve etkileyici uygulaması seçilmiştir. Mimaride tavanlar, tonozlar, duvarlar, kirişler resimlerle süslendi ve günlük yaşamda ev eşyalarına dekor uygulandı.

Çeşitli resim türlerinin sistemleştirilmesi ilk olarak 1876'da Profesör A.A. Isaev, "Moskova eyaletinin El Sanatları" başlıklı iki ciltlik kitabında. Sanatsal resim işletmeleri, Rusya ve yurtdışındaki pazarlardaki talebi karşılamak için çalışmalarını geliştirmeye devam etmektedir.

Khokhloma boyama

Zengin çiçek süslemesinde manastırlardan gelen ince bir fırçanın hüneri kullanılmıştır. Oradan, altın kullanılmadan tabakların altın renginde nasıl boyanacağının sırrı ortaya çıktı. Tablo günümüze kadar değişmemiştir ve antik çağlardan günümüze kadar olan süreç aynıdır. Tahtadan bir torna tezgahında boş bir tabak döndürülür, daha sonra özel hazırlanmış bir kil çözeltisi ile astarlanır veya yapay astarlar kullanılır. Bulaşıklar, daha az sıklıkla kalay veya gümüş bazlı boya ile kaplanmıştır - alüminyum. Tasarlanan motife göre boyarlar ve fırında kuruturlar, ardından cilalarlar ve tekrar sıcak kurutma yaparlar.

Ürün birkaç kez yoğun ısıl işleme tabi tutulduğundan, boyalar parlaklığı olanlardan seçilmiştir. yüksek sıcaklıklar etkilemedi. Siyah, altın ve zinoberdir.

Gzhel porselen

Gzhel benzersizdir, çünkü her sanatçı klasik ve tanıdık motifler kullanarak tekniği bireysel olarak yaratır. Ana rol, ustanın deneyimine ve fırçasının hareketine aittir. Aynı zamanda lacivertten uçuk maviye uyumlu geçişler beyazlık üzerinde tek vuruşta belirir. Sadece bir boya kullanılır, kobalt ve çizimi ilk seferde çok hızlı yapılır.

matruşka

Birbirine yuvalanmış farklı boyutlardaki bu figürinler Japonya kökenlidir. Bu bebekler, 1900'de Paris'teki bir sergiden sonra büyük popülerlik kazandı. Ana üretim, hem resim hem de tornacılarla ünlü Polkhovsky Maidan köyünde gerçekleşti - sonuçta, yuvalama bebeklerinin şeklinin oyulması gerekiyordu.

Polkhov matryoshka var ayırt edici özellikleri, diğerleri arasında tanınabilir. Küçük darbelerle boyanmış bir yüzü ve alın bölgesinde bir yaban gülü çiçeği var. Eşarp rengi sundress rengiyle tezat oluşturuyor ve arkadan matryoshka 2/3 kırmızı veya yeşil. Önlük ovaldir ve boyundan yere kadar uzanır.

Vyatka'dan işlenmesi en zor, saman kaplı matryoshka.

Hemen hemen her kız, eğer o boş zamançalışmalar veya flört ile aşırı yüklenmemiş, bir veya daha fazla hobisi var. Bazıları özgünlükleriyle kısa süreliğine onu büyüler, bazıları ise ömür boyu yoldaş olur.

Talimat

Kadın hobisinin en yaygın türü her türlü iğne işi olarak adlandırılabilir: örgü ve tığ işi, makrome, dikiş, nakış. Böyle bir hobi sıfırdan ortaya çıkmaz, geleneksel olarak kızlarının ve torunlarının huzurunda onlarla meşgul olan annelerden ve büyükannelerden gelir. Küçük kız meraklanır ve yetişkinlerden ona nasıl ilik, düğüm, dikiş veya zincir dikiş yapılacağını göstermelerini ister. İlk başta işe yaramaz ve bir süre yeni hobisinden bile vazgeçebilir, ancak birkaç yıl sonra doğanın bedelini ödeyecek ve şimdi bir genç kız ilk kot pantolonunu dikecek veya bere örecek.

Akşamları diğer faaliyetler için boş bırakmak çok zaman alıcı olmayan çiçekçiliktir. Bütün kadınlar çiçekleri sever ve kendi elleriyle yetiştirilenler büyük ilgi görür. Sürgünlerin görünümünü, büyümelerini ve ardından çiçeklenmelerini izlemek anneliğe benzer, bu yüzden adil cinsiyetin çoğuna zevk verir. Gül ve menekşe bakımı için sabrınız yoksa, klorofit, spathiphyllum veya basit kaktüslerle başlayabilirsiniz.

Küçük bir çocuğun en eski hobileri çizim yapmak ve müzikle uğraşmaktır. Onlar için bir yetenek varsa, o zaman taahhütler kaybolmaz, resim ve dans yoluyla dış ve iç dünyaları sergileme yeteneğine dönüşecektir. Yetenek yoksa, ancak ruh ısrarla tüm dürtülerinin ifadesini talep ederse, kız iyi bir fotoğrafçı olur. Fotoğraflarında çoğunlukla akrabalar ve arkadaşlar, hayal gücünü yakalayan doğanın önemli yerleri ve köşeleri yer alır.

Potansiyelinizi gerçekleştirmenin başka bir yolu da, el sanatları yapmaktır. çeşitli malzemeler. Bu, kil modelleme ve sabun yapımı, oymacılığı ve tasarımıdır. İkincisi bir mesleğe dönüşebilir ve para kazanmanın iyi bir yolu olabilir. Ve oymacılık bir tür ortak olarak adlandırılabilir, ancak her şeyi kapsayan hobiden uzak - yemek pişirme. Hemen hemen her kız, en basit yulaf lapası ve çorbayı pişirebilir, buzdolabında bulunan her şeyden pizza pişirebilir, ancak sadece birkaçı orijinal yemekler hazırlama sanatına sahiptir.

Ve son olarak, her yaştan ve sosyal kategoriden kadınların genel hobisi falcılıktır. Çoğu zaman kartlarda, ancak sonuçları elde etmek için sarkaçlar, kahve telvesi, el falı ve diğer kehanet yöntemleri de kullanılır. Geçmişi ve geleceği bilmek sıkıcı olamaz ve uzmanlaşmak ayrı form bir kızı gerçek bir ustaya dönüştürebilir.

Yuvarlak ve düz, ahşap saplı ve plastik, sansar ve midilli. Çeşitli şekiller ve fırça türleri, sanatçının tuval veya kağıt üzerinde şaheserler yaratmasına yardımcı olur. Bu nedenle, örneğin, esas olarak sulu boya ile çalışmak için bir sincap fırçası kullanılır ve yazı için doğrusal bir fırça kullanılır.

Fırça şekilleri

En yaygın ve çok yönlü fırça şekillerinden biri yuvarlaktır. Böyle bir fırça demeti, genellikle metal olan yuvarlak bir klipse sabitlenir. Fırçalar farklı boyutlarda olabilir. Minyatürler oluşturmak için küçük bir kiriş kullanılır ve büyük manzaralar için büyük bir kiriş kullanılır. Yuvarlak bir fırça, aynı kalınlıkta tek tip bir çizgi sağlar, ancak yetenekli bir sanatçı bunu değiştirebilir.

Kompozisyonun geniş alanlarını düz fırçalarla çalışmak iyidir, içlerinde çok fazla boya tutarlar. Böyle bir fırçayla yapılan vuruşlar pürüzsüz ve geniştir.

"Kedi gözü" adı verilen fırça oval veya kubbeli bir şekle sahiptir. Böyle bir fırça kullanımda çok bireyseldir ve yuvarlak ve düz olarak aynı şekilde uygulanabilir.

Düz fırçaların bir alt türü konturdur, benzer bir şekle sahiptirler, ancak demet daha kısadır ve buna göre daha elastiktir. Bu tür fırçalar yağlı boya teknikleri için kullanılır, düz vuruşlar yapmak ve konturları netleştirmek kolaydır.

Tip fırçaların, konturları yazmanıza ve uygulamanıza izin veren ince, keskin uçlu yuvarlak uzun bir demeti vardır. Bu tür fırçalar sıvı boyalarla kullanılır.

Rötuş fırçaları ayrıca çeşitli düz fırçalara aittir, özellikleri açılı olarak uç kesiminde yatmaktadır. Bu fırçalar, bir renkten diğerine çok ince vuruşlar ve yumuşak ve hassas geçişler oluşturmak için kullanılır. Bunun nedeni ince ve keskin uçtur.

Çizgi fırçaları, yazı fırçaları gibi yuvarlak, uzun bir ışın şekline sahiptir ve yazıları uygulamak ve uzun, eşit çizgiler oluşturmak için kullanılır. Çizgi fırçalar, tip fırçalardan daha kısadır, ancak yuvarlak olanlardan daha uzun ve daha incedir.

Flüt fırçaları, boyamaya ek olarak, makyaj, yani pudra veya allık uygularken kullanılır. Bu yumuşak fırçalar, suluboya ile ücretsiz boyama için tasarlanmıştır. Çok fazla su tutarlar, böylece kesintisiz uzun, sağlam, düzgün çizgiler çizebilirler.

Fan fırçalarının fan şeklinde ince bir demeti vardır. İnce renk uzantıları, renk geçişleri ve kontrastlar oluşturmak için kullanılırlar.

Fırça türleri

Şekil ve boyutlara ek olarak, fırça türlerinde, yani demetin ne tür saçtan yapıldığı konusunda önemli bir fark vardır. En yaygın fırça türü sincaptır. Bu tür fırçalar, bir sincapın işlenmiş kuyruk kıllarından yapılır, çünkü en uzun yığın kuyruktadır. Sincap fırçaları çok yumuşak ve hassastır, bu nedenle özel bakım gerektirirler. Sulu boya veya diğer su bazlı boyalarla çalışmak için kullanılırlar.

Kolinsky fırçaları işlenmiş kolinsky kuyruk kıllarından yapılır. Bu fırçalar oldukça yumuşak ve aynı zamanda elastiktir. Bu nedenle kullanılırlar

Herhangi bir yüzeye (tuval, kağıt, cam, kireç sıva, taş vb.) boya uygulanarak görüntülerin aktarıldığı bir güzel sanat türüdür. Resmin iki ana alanı vardır - şövale ve anıtsal. Şövale, sanatçının şövalesinde, yani Makinesinde yaratılan eserleri içerir. Ve anıtsal, esas olarak herhangi bir mimari yapıya (kiliselerin, tapınakların, fresklerin uygulanması vb.)

- Resim türleri

Bunlar, görüntülerin temalarına ve nesnelerine göre bölünmüş farklı çalışma türleridir.

Aşağıdaki ana türler ayırt edilir:

Vesika- sanatçının modelin görsel özelliklerini oluşturulan resimde aktardığı bir tür. Çizgilerin, şekillerin, renklerin tam benzerliğini, bir kişinin gerçek görünümünü tasvir edebilir veya kendi vizyonunu ve görüntünün yorumunu kullanabilir.

İlya Repin. "Mütevazı Mussorgsky'nin Portresi"

Ivan Vishnyakov. "Sarah Eleonora Fermor'un Portresi"

Natürmort- cansız nesnelerin görüntüsüne dayanan bir tür. Bu kelimeyi tercüme edersek farklı diller, bunun anlamı - Ölü doğa veya Hareketsiz yaşam. Bu tür, bir grupta birleştirilmiş nesnelerin tasvirine, bir arsaya adanmıştır. Natürmortta, cansız şeylere (sürahi, çatal bıçak takımı, figürinler vb.) ek olarak, canlı şeyler de kullanılabilir, ancak bunlar zaten doğal ortamlarından kesilmişlerdir ve bu şekilde kabul edilmezler, örneğin balıklar. bukete eklenen masa veya çiçekler. Hareket eden canlıların görüntüsü - kuşlar, hayvanlar, nadir durumlarda ve sadece ek olarak kullanılır. Detayların, dokuların detaylandırılmasına çok dikkat edilir.

Paul Cezanne. "Elma ve portakal ile natürmort"

Heda, Willem Klas. Natürmort.

Yerel- asıl olanın insanların günlük, günlük yaşamının görüntüsü olduğu bir tür. Heykel ve grafiklerde de kullanılır. Kökeni, sıradan insanların yaşamına ve çalışmalarına çok dikkat edildiğinde, antik çağda gerçekleşti. O zaman bile, bu tür duvar resmi ve seramik için kullanıldı.

Vasili Perov. "Troyka"

Vasili Vereshchagin. "İtalya'da bir mahkumun ailesi tarafından ziyareti"

Mitolojik- bu tür, kahramanların tasvirine, mitolojiden çeşitli sahnelere adanmıştır. Mitler ve efsaneler dünya halkları arasında her zaman var olmuş ve var olmuştur ve bu yaratıcılık için çok değerli bir kaynaktır. Türün temeli, sanatçının mitsel konuları özgürce yorumlayabilmesidir.

Sandro Botticelli'nin fotoğrafı. "Venüs'ün Doğuşu"

Titian. "Bacchus ve Ariadne"

hayvani- Tür, Ana teması hayvanların ayrı ayrı veya doğanın arka planına karşı görüntüsü olan av sahneleri. Mezarların, vazoların, tapınakların hayvan resimleriyle boyandığı ilkel zamanlardan başlamıştır. Hayvan sanatçılarının eserleri genellikle edebi eserleri göstermek için kullanılır.

Paulus Potter. "Genç Boğa"

Ocak Kader. "Tavus kuşu ile manzara"

Savaş- bu tür, askeri savaşların, deniz veya kara, askeri kampanyaların tasvirine adanmıştır. Sanatçılar, çalışmalarında savaşın kilit sahnelerini ve ana kahramanlarını yakalamaya çalışırlar. Ayrıca genellikle askeri yaşam sahnelerini de tasvir ederler.

Vasili Vereshchagin. "Savaş Apotheosis"

Bogdan Willewald. "1805'te Austerlitz savaşında süvari alayının başarısı"

Manzara- ana rolün, insan tarafından değiştirilen ilkel doğa veya doğa görüntüsüne atandığı bir tür. Bu türün sanatçıları da kentsel ve endüstriyel çevrenin olay örgülerini tuvallerine aktarırlar. Peyzaj görüntüsünde atmosferin iletimi, ışık değerindeki değişim, değişimi çok önemlidir.

Ivan Shishkin. "Polesie"

Tarihi- özü, tarihi geçmişten her türlü olayı, insanların hayatından sahneleri tasvir etmek olan bir tür.

İlya Repin. "Korkunç İvan oğlunu öldürür"

Nicholas Ge. "Peter, Peterhof'ta Tsarevich Alexei Petrovich'i sorguluyor"

Yat Limanı - bir tür manzara olan tür. İçindeki ana rol, deniz manzarası, savaşlar ve denizle ilgili tüm olayların görüntüsü tarafından işgal edilir. Bu türde yazan sanatçılara deniz ressamları denir.

Aivazovsky "Geceleri fırtınalı deniz"

Thomas Moran"Denizde gün batımı"

- Boyama talimatları

1. Soyut dışavurumculuk

Soyut dışavurumculuk bir şekilde gerçeküstücülükle ilişkilidir, eserlerin olay örgüsü tam olarak anlaşılmadan yaratılmış olmaları bakımından benzerdirler. Sanatçı, eserlerinde tüm duygu ve hislerini hızlı bir şekilde çizerek, büyük fırçalar, vuruşlar, bazen tuval üzerine boya damlatarak ifade edebilir. Çoğu zaman, resim, küçük bir performans gibi, izleyicinin hemen önünde yaratılır ve tüm ifade gamını ortaya çıkarır. Oldukça karakterize edici bir isim olan "Aksiyon Resmi" adı verilen bu yöndür.

Soyut dışavurumculuğun ustaları: Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline, Lee Krasner.

Jackson Pollock"Kısa şekil"

2. Soyut sanat

Soyutlamacılık güvenle çağrışımsal bir sanat olarak kabul edilebilir. Bu yöndeki eserler gerçekliği tasvir etmekten uzaktır ve sanatçının etrafındaki dünyayı anlama anlayışının bir ifadesidir. Bu tür eserlerde ana yer resmi unsurlara verilir: çizgiler, renkli noktalar, soyut figürler. Soyutlamanın amaçlarından biri, izleyicide çeşitli çağrışımlar uyandıracak belirli geometrik ve renk kombinasyonları yaratarak uyum sağlamaktır.

Yönün ana temsilcileri şunlardı: Wassily Kandinsky, Pablo Picasso

Wassily Kandinsky: "Sarı-kırmızı-mavi"

Pablo Picasso: "Guernica"

3. Avangard

avangard yaygın isim deneysel akımlar, 20. yüzyılın başlarında, geleneksel yaklaşımları ve akademik çizim yöntemlerini reddeden. Ana hedefleri, çerçeveden ve yerleşik formlardan özgürlük arzusu, tamamen yeni bir sanatın yaratılmasıydı. Eserlerde, ilkel teknolojide gerçek dünyanın taklidi, insan varlığının anlamlılığının inkarı sıklıkla gerçekleştirilir.

4. Akademisyenlik

Bu yön, yaratıcılık için kurallar ve çerçeveler yaratmaya ve bir yer haline gelmeye çalışan yaratıcı grupların ve akademilerin yaratılması sırasında kuruldu. mesleki Eğitim. Bu tür eğitim sistemi çok katıydı ve çağların önemli olaylarına odaklandı. Bir yandan akademizm açık resim geleneklerini korurken, diğer yandan kendi vizyonlarına sahip olacak orijinal yeteneklerin gelişimine müdahale etti. Akademik çizim tartışmalı ve meydan okuyan değildi, bu nedenle tüm durum değişiklikleriyle kolayca başa çıktı.

Karl Bryullov "Binici"

Jean-Leon Gerome« gölde yaz öğleden sonra

5. Sürrealizm

1920'lerde Fransa'da şekillenen bir sanat yönü. Görünüşüyle ​​birlikte Sürrealizm, yeni bir dünya bilgisi türünü keşfetmek için yeni bir düşünce tarzı elde etmek istedi. Sanat dünyasında gerçekliğin dışında, düşlerde ve hayallerde varoluşu tanıttı. Bu doğrultuda Sigmund Freud'un bilinçdışına ilişkin çalışmaları çok önemli bir rol oynamaktadır. Bunları analiz eden sanatçılar, hayallerinden çeşitli imgeler ve duygular çıkararak tuvallere aktardılar. Bu yöndeki çalışmalarda mantık bulmak ve her şeyi anlamak çok zordur, bu nedenle doğal tuhaflıkları ile oldukları gibi algılanmaları gerekir.

Sürrealizmin en parlak temsilcisi Salvador Dali'dir.

Salvador Dali "Akşam Örümceği Umut Getiriyor"

6. Fovizm

Bu, 20. yüzyılda ortaya çıkan resimde bir yön. Çalışmaları her zaman sadeliği ve duygusallığı ile ayırt edildi. Fovizm, ilkel zamanlarda sanatın tezahürü ile karşılaştırılabilir. Sanatçılar, parlak saf renklerin kombinasyonlarını kullanarak nesneleri düz olarak tasvir eder. Perspektifin reddi ve ışık ve gölge oyunu var. Fauvistler olay örgüsü için her zaman vahşi yaşamdan renk kombinasyonları ve motifler aldılar, ancak bunları tuval üzerinde aşırı kontrastlı, büyük parlak (biraz vahşi) noktalarla yorumladılar.

Yönün önde gelen temsilcileri Henri Matisse ve Andre Derain olarak adlandırılabilir.

Henri Matisse "Dans"

Andre Derain "Charing Cross Bridge"

7. Kübizm.

Görsel sanatlarda kübizm 20. yüzyılın başlarında ortaya çıkmıştır. Temeli, tasvir edilen nesnenin geometrik şekillere, birbirine bağlı düzlemlere, parçalanma arzusuna ayrışmasıdır. Eserlerde ışık ve boşluk duygusu yoktur, ana ifade aracı çok renklidir. Sanatçı öncelikle yapıtlarıyla izleyiciye daha fazlasını aktarmaya çalışır. full bilgi nesne hakkında, onun hakkındaki bakış açınız değil.

En ünlü kübik ürünler

Juan Gris "Kafedeki Adam"

Pablo Picasso "Keman ve Gitar"

8. Anakronizm

Anakronizm, sanatçıların geçmişin görsel sanatlarında ilham aradığı, onu yeni bir şekilde yeniden düşündüğü ve bazı anlarda parodileştirdiği bir resim yönüdür. Klasik eserleri kendilerine göre yorumlamaya, çağdaş sanata yakınlaştırmaya çalışırlar.

Carlo Maria Mariani: "Tanrıların Uçuşu"

Gerard Garouste: "Valaam"

9. Yeraltı

Bu, kabul edilenin tüm standartlarını reddeden ve böylece halkı şok eden çağdaş yaratıcılık türlerini birleştiren bir yön. Bu, para kazanmak için değil, kendini ifade etmek için tasarlanmış bir sanattır. Yeraltı, sanatçıların, şairlerin ve yazarların yönlendirildiği çerçevelerin ve eğilimlerin rakibi oldu. Sovyet döneminde yasaklanan tüm sanatlar bu tanımla adlandırılabilir.

Brezilya'nın Olinda kentinde grafiti.

10. İzlenimcilik

Fransızca İzlenimcilik kelimesi "izlenim" anlamına gelir. Bu resim yönü, 19. yüzyılda Fransa'da ortaya çıktı ve Claude Monet'nin "İzlenim" çalışmasının yer aldığı Paris sergisinden sonra böyle anılmaya başladı. Akımın en önemli temsilcileri şunlardır: Renoir, Sisley, Monet, Cezanne. Her zaman gündelik şeylerin gerçek güzelliğini göstermeye çalıştılar.

İzlenimcilik, yaşamın ve çevreleyen dünyanın tüm renkliliğini ve gerçekliğini, yaşamın çok yönlülüğünü ve insanların görünümünü ilk gösteren yöndür. Görüntü için en yaygın tema manzaradır, ancak aynı zamanda hayattan sahneler de bulabilirsiniz: çocuklu kadınlar, dans eden balerinler ve daha fazlası.

Claude Monet "İzlenim"

Paul Cezanne"Sainte-Victoire Dağı'ndaki ova"

11. Bölünmecilik (Noktacılık)

Bu, asıl meselenin, sanatçının renk tonunu ayrı renklere ayırması ve bunları çeşitli şekillerde noktalarla tuvale uygulaması olduğu bir boyama yöntemidir. İzleyici tarafından böyle bir eser düşünüldüğünde, bütün bir görüntü görür.

Bu akımın önde gelen ustaları: Paul Signac, Giovanni Segantini, Georges Lemmen, Henri Edmond Cross.

Paul Signac "Çam"

Georges Lemmen "Soygundaki Plaj"

12. Sembolizm

Sembolizm, sanata karşı tutumu büyük ölçüde değiştiren en büyük trendlerden biridir. Yunancadan çevrilmiş, "sembol, işaret" anlamına gelir. Sembolistler denemeye çalıştılar, yenilik için çabaladılar ve bu da bir dereceye kadar etkiledi. modern görünümler Sanat.

Sembolizm sanatçıları görünmeze hitap eder, paralel dünyalar gerçekte var olan (ana şey onları görebilmek ve yorumlayabilmektir) ve bu görüntüleri eserlerde işaretler yardımıyla tasvir etmektir.

Sembolizmin ustaları şunlardır: Gustave Moreau, Pierre Puvis de Chavannes, Odilon Redon, Felicien Rops, John Everett Milles, Victor Borisov-Musatov, Mikhail Vrubel, Hugo Simberg.

Mihail Vrubel « Kuğu Prenses »

Hugo Simberg"Yaralı Melek"

13. İçgüdü

Latince'den tercüme edilen intimizm kelimesi (gizli, samimi, samimi) anlamına gelir. Bu, 19. ve 20. yüzyılların başında ortaya çıkan bir resim yönüdür. Bu yöndeki sanatçıların ana teması, insanların özel hayatlarının imajıydı. Eserlerde renk ve kompozisyonun özgünlüğü ön plana çıkmıştır. Özel bir rahatlık ve sade bir atmosfer hissi veren arsadaki aydınlatma görüntüsü önemli bir rol oynadı. İntimistler için, iç mekanın ayrıntılı bir görüntüsü, renk ve şeklin bir kombinasyonu önemliydi, insanlar ise ikincil bir rol oynadı.

İçtenliğin ustaları şunlardır: Pierre Bonnard, Edouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Felix Vallotton.

Edouard Vuillard "İç Mekan"

Pierre Bonnard"Öğle yemeği»

- Boyama fonksiyonları

Resim, diğer birçok sanat dalı gibi bilişsel, felsefi ve çoğunlukla estetik işlev. Resim, belirli bir dönemin görüşlerini ve manevi içeriğini, gelişimini sosyal açıdan yansıtır. Birçok eserin belgesel değeri vardır. Resim, izleyicinin düşüncelerini ve duygularını etkiler, yazarın tasvir ettiği arsayı deneyimlemenizi sağlar. Toplum için bir tür estetik eğitimdir.

- Resmin tarihi

Resim, sanatın en eski biçimlerinden biridir. Kaya resimleri zamanından kaynaklanmıştır. Çeşitli resim tekniklerinin ve türlerinin geliştirilmesinde, bütün bir miras, manevi hazineler biriktirildi.

Antik çağ, insanların hayatı ve dünyayı olduğu gibi, gerçek olarak gösterme eğilimini gösterdi. O zaman, chiaroscuro ve perspektif gibi ifade ilkeleri doğdu. Bütün bunlar ibadet yerlerini ve konutları süslemek için kullanıldı.

Ortaçağ, resme tamamen yeni bir şey getirdi, esas olarak dini motifleri yansıttı. Kullanılan rengin sembolizmi büyük rol oynadı. Fresklerin ve tuvallerin arka planı için, resmin ilahi niyetini simgeleyen nötr (soyut) veya altın kullandılar.

Rönesans'ta resmin rolü arttı, daha temelli bir ışık gölge sistemi, doğrusal ve hava perspektifi kullandı. Bu, makalelerde bir yanıt aldı günlük konular, portrelerde, dini ve mitolojik konularda.

Leonardo da Vinci "Kayalardaki Madonna"

17-18 yüzyıllarda. Avrupa resmi giderek daha karmaşık hale geliyor. Yeni toplumsal ideallere yönelir, bireyin dış dünya ile çatışmasının yansıması resimlerde belirmeye başlar. Bu çağda, resim türleri oluşur.

19. yüzyılda Yeni bir yön var - romantizm, yeni bir şeyin özlemi. Romantizm resminde, tarihin ve günümüzün dramatik olaylarını tasvir etmeye vurgu yapılır, ışık ve gölge, zengin renk kontrastı vardır.

İzlenimciliğin ortaya çıkmasıyla resimde bir devrim meydana gelir. Bu yön, dünyanın daha gerçek bir görüntüsü, değişkenliği, izlenimlerinin izlenimci görüntüsü ile karakterizedir. Çalışmalarında aktif olarak saf renkleri karıştırır ve nesnelerin dokusunu iletirler. Bu dönemde sanatçılar açık havaya çıkmaya başlar.

19.-20. yüzyılların başında. doğar soyut resim. Sanatçıların figüratiflikten reddi, çalışmaya daha otoriter bir tutumun ortaya çıkması, çevrelerindeki dünyaya karşı tutumlarının tanımlanması var. Soyutlamacılık, geometrik formlar, koşullu renkler, kompozisyon çağrışımları ve abartılı, değiştirilmiş formlar kullanır.

20. ve 21. yüzyıllarda resim, teknolojik ilerlemenin gelişmesinin neden olduğu daha fazla kendini ifade etme çabası içindedir. Dijital teknolojiler kullanılarak çalışmalar oluşturuluyor.

Bütün bunlar kesinlikle yeni trendlerin ortaya çıkmasına yol açmalıdır, ancak yine de klasik yağlı boya, şu anda ustaların favori tekniklerinden biridir.