Natürmort(fr. nature morte - "ölü doğa") - cansız nesnelerin görüntüsü güzel Sanatlar, portre, tür, tarihi ve manzara konularının aksine.

Erken natürmortun başlangıç ​​noktası, tarihsel veya tür kompozisyonunun bir parçası olarak kabul edildiğinde XV-XVI yüzyıllarda bulunabilir. Uzun bir süre boyunca, natürmort dini resimle temas halinde kaldı, Tanrı'nın Annesi ve Mesih'in figürlerini çiçek çelenkleriyle çerçeveledi ve ayrıca genellikle sunak görüntüsünün arka tarafında (Rogier van der Weyden'in Üç Parçası'nda olduğu gibi) yer aldı. Evlilik Ailesi). Ayrıca 16. yüzyılda, bir kafatası görüntüsüyle portreler yaratma geleneği yaygındı, örneğin Jean Carondel'in Jan Gossaert'in portresi (bkz. vanitas). Erken natürmortlar genellikle dolap kapılarını süslemek veya bir duvar nişini maskelemek gibi faydacı bir işleve hizmet etti.

Natürmort, nihayet 17. yüzyılın Hollandalı ve Flaman sanatçılarının eserlerinde bağımsız bir resim türü olarak şekilleniyor. Bu dönemin natürmort resmindeki nesneler genellikle gizli bir alegori içerir - ya dünyevi her şeyin geçiciliği ve ölümün kaçınılmazlığı (Vanitas) ya da - daha geniş anlamda, Mesih'in Tutkusu ve Diriliş. Bu anlam, ek sembolik anlamlarla donatılmış, çoğu durumda tanıdık ve günlük yaşamda karşılaşılan nesnelerin kullanımı yoluyla iletilir.

17. yüzyılın Hollandalı natürmort

Hollandalı natürmort, tüm Avrupa resminin daha da gelişmesini etkileyen 17. yüzyılın eşsiz bir kültürel olgusuydu. “Küçük Hollandalılar”, kendi sessiz, donmuş hayatlarını yaşayan nesnelerin dünyasını eserlerine yansıttı. "Donmuş yaşam" terimi (Hollandalı stilleven, Alman stilleben, İngiliz natürmort) 'deki türe atıfta bulunmak için kullanılmaya başlandı. on yedinci ortası yüzyılda, başlangıçta Hollanda'da. Bundan önce sanatçılar, “Küçük Kahvaltı”, “Çiçek Buketi”, “Av Kupa”, “Kibir Kibiri” arsasını anlatan bu tür resimler çağırdı. Literatürde bulunan belirtilen terimin ana çevirisi - "sessiz, hareketsiz yaşam".

18.-20. yüzyıl Rus resminde natürmort

Bağımsız bir resim türü olarak natürmort, 18. yüzyılın başında Rusya'da ortaya çıktı. Onun fikri, başlangıçta, bir insanı çevreleyen çeşitli şeylerin dünyası olan yeryüzünün ve denizin armağanlarının imajıyla ilişkilendirildi. 19. yüzyılın sonuna kadar natürmort, portre ve tarihi resim, "aşağı" bir tür olarak kabul edildi. Esas olarak bir eğitim üretimi olarak var oldu ve sadece sınırlı bir anlamda çiçek ve meyve resmi olarak izin verildi.

20. yüzyılın başlangıcı, ilk kez diğer türler arasında eşitlik kazanan Rus natürmort resminin gelişmesiyle belirlendi. Sanatçıların resim dilinin olanaklarını genişletme arzusuna renk, biçim ve kompozisyon alanında aktif arayışlar eşlik etti. Bütün bunlar özellikle natürmortta belirgindir. Yeni temalar, resimler ve sanatsal teknikler, Rus natürmort olağandışı bir hızla gelişti: on buçuk yıl içinde izlenimcilikten soyut form yaratmaya geçiyor.

1930'larda ve 1940'larda bu gelişme durdu, ancak 1950'lerin ortalarından beri, natürmort Sovyet resminde yeni bir yükseliş yaşadı ve o zamandan beri nihayet ve sıkı bir şekilde diğer türlerle eşit durumda.

Rus doğabilimciler

• Khrutsky İvan Fomiç (1810-1885)
• Grabar İgor Emmanuelovich (1871-1960)
• Petrov-Vodkin Kuzma Sergeevich (1878-1939)
• Konchalovsky Pyotr Petrovich (1876-1956)
• Alberti Petr Filippovich (1913-1994)
• Antipova Evgenia Petrovna (1917-2009)
• Zakharov Sergey Efimovich (1900-1993)
• Kopytseva Maya Kuzminichna (1924-2005)
• Kotyants Gevork Vartanoviç (1906-1996)
• Krestovsky Yaroslav Igorevich (1925-2003)
• Osipov Sergey İvanoviç (1915-1985)
• Pozdneev Nikolai Matveyeviç (1930-1978)
• Rumyantseva Kapitolina Alekseevna (1925-2002)
• Skuin Elena Petrovna (1909-1986)
• Teterin Viktor Kuzmich (1922-1991)
• Şamanov Boris İvanoviç (1931-2008)

Rus resim sanatında, natürmort neredeyse her zaman ikincil bir tür olmuştur. Ve sadece sofistike sanat eleştirmenleri yerli bir natürmort ressamı olarak adlandırabilecek. Ancak, öyle ya da böyle, bağımsız bir tür olarak natürmort 19. yüzyılda gelişmeye başladı. İlk "kırlangıçlar", F.P.'nin küçük suluboyaları ve guajlarıydı. Tolstoy ve I.T. Krutski. Bunlar, yemyeşil bahçe çiçekleri ve meyve sepetleri ile klasik Avrupa natürmortlarıydı. Tüm sanatsal çekiciliklerine rağmen, bu eserler Rus resminin gelişimi için çok sınırlı bir değere sahipti.

Bağımsız bir resim türü olarak natürmorta ilgi, 19. yüzyılın 80'leri. Burada resimler önemli bir rol oynamaktadır. I.I. Levitan (1860-1900). Genellikle tasarım olarak basittirler ve boyut olarak büyük değildirler ve tanıdık bahçe veya kır çiçeklerinin buketlerini temsil ederler. hareketsiz bir hayatta Orman menekşeleri ve unutma beni (1889) sanatçı, gece menekşelerinin kırılganlığına ve mavi unutmaların havadarlığına, basit bir rustik şişe ile uyumlarına hassas bir şekilde ihanet etti. Motifte yakın Karahindiba" ve "Beyaz Leylak".İlki, sütlük kili ve sarı çiçek başları ile çok organik görünen sıcak bir seride tasarlandı. Levitan'ın bu natürmortları oldukça gelenekseldir: buketler nötr bir arka plan üzerinde tasvir edilmiştir ve çevredeki alandan izole edilmiştir. Bu resimlerin anlamı çok basittir - seçilen doğanın güzelliğini mümkün olduğunca doğru bir şekilde iletmek. Ancak aynı zamanda yaratıcılıkta V.A. Serov ve K.A. Korovin Fransız izlenimcilerinin tuvallerinden kaynaklanan yeni trendler ortaya çıkmaya başladı. İzlenimciler, natürmort ile ilişkilendirmeye çalıştılar. çevre, hem arsa hem de pitoresk. Bunu yapmak için, "ölü doğa", manzara ile ilişkili veya odanın iç kısmına bağlı olarak açık havaya çıkarılır. Natürmort yardımıyla, bir kişinin tavrının, ruh halinin ve yaşam biçiminin bir yansımasını yaratmaya çalışırlar.

Tüm bu eğilimler Korovin'in "Çay Masasında" (1888) resminde görülebilir. Tuval, ülkedeki dostane bir toplumu tasvir ediyor V.D. polenova. Resim bir kır evinin terasında boyandı. Sanatçı, bir yaz gününün hissini, dostça bir sohbetin büyüsünü aktarmaya çalışıyor. Yeşilliklerden ve genç yüzlerden yayılan tazelik, bir dereceye kadar natürmort tarafından yaratılır - beyaz bir tabakta kırmızı dökme meyvelerin, uzun şeffaf bardaklarda sütün ve taze bir masa örtüsünün beyazlığının kontrastı. Resmin duygusal birliği, öncelikle tuvalin resimsel çözümü ile sağlanır. Gösterilen her şey, çevredeki ışık ve hava ortamı dikkate alınarak yazılmıştır. Serov'un ünlü tablosunda " Şeftalili Kız" (1887)İlk bakışta şeftali ön planda olan natürmort, tuvalin kompozisyonunda önemli bir rol oynamıyor. Sanatçının tüm dikkati V. Mamontova'ya odaklanır ve meyveler yalnızca oluşturulan görüntüyü tamamlar. Ancak şeftali, Serov'un önemli bir sanatsal sorunu çözmesine yardımcı olur. Sanatçıya göre meyveler, resmin renkçi yapısında bir renk anahtarı görevi görüyor. Serov şeftali için kendi seçiyor Sarı masa örtüsünün beyazlığı, akçaağaç yapraklarının yeşilliği ve pencereden bahçeye sızan ışığın sarılığıyla tezat oluşturuyor. Sanatçı meyvenin pürüzlü taraflarında limon sarısı, yeşilimsi ve altın sarısı tonları ayırt eder. Bir yaz gününün şeftali gibi görünen somut ışığı, resmin tüm duygusal ve resimsel yapısını belirler.

Bu çalışmalarda Serov ve Korovin, Rus natürmortunun gelişiminde yeni bir aşama açıyor. Bu resimlerin analitik doğası, o zamanlar var olan bir salon natürmort kavramından temel olarak farklıdır. Bu tür çalışmaların ana avantajı, görüntünün konuyla maksimum benzerliği olarak kabul edildi. Etüd kolaylığı veya pitoresk yüzeyin dikkatli bir şekilde bitirilmesi de oldukça değerliydi. En doğrusu, tüm bu ilkeler büyük resimde somutlaşmıştır. K. E. Makovsky "Sanatçının stüdyosunda" (1881). Çalışma, bir "natürmort" ayrıntı yığını ile etkileyicidir: egzotik meyveler, zengin kumaşlar, antika nadirlikler. büyük köpek ve küçük bir çocuk canlı varlıklar gibi görünmüyor, ancak bu lüks eşya sergisinin basit sergileri. Yeni natürmort kavramı, türün sınırlarının kapsamlı bir şekilde genişlemesini ve portre, manzara, iç mekan ve ev resimleriyle birleşmesini üstlendi. Natürmort, "ölü doğa"nın basit bir görüntüsü olmaktan çıkar ve görüntüyü açığa çıkarma aracına dönüşür.

Ünlü resimde yeni trendler görülüyor V.D. Polenov "Hasta" (1886). Kahramanın içi ve figürü derin bir gölgeye daldırılır - bunlar sadece bir arka plandır ve neler olup bittiğinin anlamı, yeşil bir lamba ile parlak bir şekilde aydınlatılan kompakt bir grup nesnenin yardımıyla ortaya çıkar. gölge. Bu natürmort çok bilgilendirici. Yarı yanmış bir abajur, buruşmuş yastıklar ve çarşaflar, bir cam sürahi, bir bardak su, ilaç şişeleri ve doktor reçeteleriyle karanlıktan koparılır. Solda kırmızı ve mavi kapaklı eski püskü kitaplar görünüyor, belki bunlar ev ilaçları veya hastayı eğlendiren albümler. Böyle bir kompozisyon, bu hastanın tüm yaşamının bu masanın ve üzerinde duran nesnelerin etrafında toplandığının bir simgesidir. İşyerinde, natürmort ruh hali yaratmada aktif bir rol verilir. Ayrıca, resimde vurgulanan natürmort oldukça karakteristiktir. K. Makovsky "Alekseich". Resimde, bir adam figürü zaten arka planda, bir natürmort arkasında tasvir edilmiştir. Yardımsever yaşlı bir adamın görüntüsü, yalnız çay partisini beklediği içten sevinçte ortaya çıkıyor. Bir kabuk ekmek, kaynar bir semaver, bir cam kavanozda reçel, bir kutu şeker ve bir havluyla dikkatlice kaplanmış çay - tüm bunlar, iddiasız bir insanı içtenlikle memnun eden bir huzur ve sıcaklık hissi yaratır.

Bağımsız bir resim türü olarak natürmort nihayet 17. yüzyılda şekillendi. Hollandalı ve Flaman sanatçıların eserlerinde.

O zamana kadar bağımsız bir tür değildi, ancak diğer türlere yalnızca diğer resimler (örneğin çiçek çelenkleri), mobilya dekorasyonu, iç mekan vb. için bir çerçeve olarak dahil edildi.

Terim

Fransızca'da "natürmort" kelimesi "ölü doğa" (doğa morte) anlamına gelir. Vazodaki çiçekler bir natürmorttur; bir çiçek tarhında veya ön bahçede aynı çiçekler - bir manzara. Geniş anlamda, bir natürmort cansız nesnelerin sanatsal bir tasviridir: bitkiler, oyunlar, yemekler vb. Sanatçı, nesneleri iç mekanda bulundukları için “doğadan” tasvir etmez, ancak bilinçli olarak onları kendi anlamsal ve sanatsal görevinin bir kısmını çözecek şekilde düzenler.
Genellikle natürmortlar, sanatçının bir sembol, ek anlam ve anlam ile donattığı sıradan nesnelerin kullanımı yoluyla gizli bir alegori içerir. Alegorik bir natürmort örneği vanitas'tır (Latince vanitas "kibir, makyaj" dan).

Natürmort çeşitleri

Vanitalar

Michael Conrad Hirt'in fotoğrafı. Vanitalar
Vanitas alegorik bir natürmorttur. Genellikle üzerinde, diğer şeylerin yanı sıra bir kafatası tasvir edilir. Böyle bir natürmort, yaşamın geçiciliğini, zevklerin anlamsızlığını ve ölümün kaçınılmazlığını - insan varlığının anlamı üzerine yansımaları - hatırlatmayı amaçlar. Terim İncil'den bir ayetten alınmıştır: "Boşlukların kibiri, dedi Vaizler, kibirlerin kibir, her şey boştur!" Latince kulağa şöyle geliyordu: Vanitalar vanitatum dixit Vaizler vanita vanitatum omnia vanita". Vanitas hakkında daha fazla bilgi edinebilirsiniz.

Hollandalı natürmort

17. yüzyılda şekillenen Hollandalı natürmort. bağımsız bir tür olarak, tüm Avrupa resminin daha da gelişmesini etkiledi. Sıradan nesnelerin de yaşadığı ortaya çıktı, ancak yaşamları sessiz ve insanlar için görünmez. Bunda biraz gizem var. Görünüşe göre, bu yüzden natürmort türü popüler hale geldi ve bu güne kadar hayatta kaldı. Bazen bir natürmort göze çarpar, duyguları heyecanlandırır, ondan kopmak imkansızdır - bazı dernekler, kısacık anılar ortaya çıkar ...

çiçek natürmort

Bu tür natürmort belki de en yaygın olanıdır ve ayrı bir türe ayrılan ilk türdür.

Jan Davids de Heem (1606-1684). Çiçek vazolu natürmort (1645 dolaylarında). Ulusal Sanat Galerisi (Washington)
Geleneksel olarak, Hollanda'da birçok çiçek yetiştirildi, bahçeler yetiştirildi, bu nedenle çiçek natürmortları toplumun doğal bir uzantısıydı. Bu türün ilk sanatçıları Ambrosius Bosschaert the Elder (1573-1621) ve Balthasar van der Ast (1593-1657) idi.

Ambrosius Bosschaert the Elder "Laleler, güller, beyaz ve pembe karanfiller, unutma beni ve diğer çiçekler bir vazoda" (1619 dolaylarında). Bakır üzerine yağ

Bilim adamı natürmort

Natürmortun en entelektüel türü. Bu tür natürmortlarda, tasvir edilenlerin yansıması gerekiyordu ve bunun için - İncil bilgisi ve dünya hakkında diğer bilgiler. Vanitalar da bu kategoriye dahil edilebilir, ancak bilimsel natürmort konu bakımından daha geniştir: kitaplar, müzik aletleri vb.

Maria van Oosterwijk. Natürmort

D. Annenkov "Baudelaire ile Düşünceler"

Rus resminde natürmort

Rusya'da, bağımsız bir tür olarak natürmort, 18. yüzyılın başında ortaya çıktı. Ama bir süre (neredeyse geç XIX c.) Natürmort daha düşük bir tür olarak kabul edildi ve sadece çiçek ve meyveleri tasvir etti.
XIX yüzyılda bu türün ünlü bir sanatçısı. I. Khrutsky idi.

I. Khrutsky. Vazo ile natürmort (1832)

I. Khrutsky "Çiçekler ve Meyveler" (1838)
Yirminci yuzyılda Rus natürmort resmi diğer türler arasında eşit hale geldi. Sanatçılar renk, form, kompozisyon mükemmelliği üzerinde çalıştılar, tür hızla gelişmeye başladı.
Natürmort türünde çalışmış ve hala çalışan ünlü Rus ve Sovyet sanatçılar: Konstantin Korovin (1861-1939), Igor Grabar (1871-1960), Pyotr Konchalovsky (1876-1956), Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939), Martiros Saryan (1880-1972), Ilya Mashkov (1881-1944), Elena Skuin (1909-1986), Peter Alberti (1913-1994), Sergei Osipov (1915-1985), Evgenia Antipova (1917-2009), Viktor Teterin (1922- 1991), Maya Kopyttseva (1924-2005), Yaroslav Krestovsky (1925-2003), Vladimir Stozharov (1926-1973), Boris Shamanov (1931-2008) ve diğerleri.

E. Skuin "Şakayık ve Kiraz" (1956)

V. Stozharov. Rowan ile natürmort (1969)

Sanatın çeşitli tarzlarında ve yönlerinde natürmort

XIX-XX yüzyılların dönüşü. sanatsal yaratıcılık alanındaki deneylerle tanınır. Natürmort da bu kaderden kaçmadı. Paul Cezanne, Paul Gauguin, Henri Matisse ve diğerleri, natürmort ile deney yapan ilk kişilerdi.

P. Cezanne. Perdeli natürmort (1889). Ermitaj (St. Petersburg)
Denemekten çekinmeyin kübist P. Picasso.

P. Picasso "Sürahi, bardak ve kitap" (1908)
J. Braque da kübist tarzda çalıştı.

J. Evlilik " Müzik Enstrümanları» (1908)
kübofütüristler yeni bir uzay-zaman boyutu arayışında çalıştı.

K. Malevich "İnek ve keman" (1913). Devlet Rus Müzesi (St. Petersburg)
Onun "... sezgisel hissi, şeylerde iki zıt formun buluşmasından elde edilen uyumsuzlukların enerjisini buldu" (K. Malevich "Kübizm ve Fütürizmden Süprematizme").
Giorgio Morandi'nin (1890-1964) metafizik natürmortlarında, nesneler birbirine bastırılır, sanki sıcak tutmaya çalışıyor, dış soğuktan ve saldırganlıktan korkar gibi yoğun gruplar oluşturur.

Giorgio Morandi. Natura Morta (1956)
En ünlü temsilcisi sürrealizm Salvador Dali, özünde alegorik bir natürmort olan ünlü eseri "Hafızanın Azmi"nde zamanın göreliliği üzerine düşünür.

S. Dali "Hafızanın Kalıcılığı" (1931)
XX yüzyılın ikinci yarısının ticari reklamcılığı. insanlara açgözlü bir tutum ve doyumsuz bir tüketim getirdi. Konunun fetişleştirilmesi var. Natürmort türünün unsurları sanattan bir tüketim kaynağına dönüşmeye başlıyor.

Andy Warhol Campbell'ın Çorba Kutusu (1968)
Dmitry Krasnopevtsev, tamamen resmi bir klasik sanat eğitimine sahip olmasına rağmen, Rus "gayri resmi" sanatını temsil ediyor (V. I. Surikov'un adını taşıyan Moskova Sanat Enstitüsü'nden mezun oldu).

D. Krasnopevtsev. Natürmort
Krasnopevtsev'in ana türü, basit, genellikle dövülmüş seramikler, kuru bitkiler ve kabuklarla gerçeküstücülüğe yakın bir "metafizik natürmort"tur. Küllü tonlarda boyanmış bu eserler, dünyanın kırılganlığı ve gerçeksizliği motifini geliştirir.
İşte natürmort tablolar çağdaş sanatçı Dmitry Annenkov oldukça "animasyonlu". Farklılar: neşeli, üzgün, komik ama oldukça canlı. Dokunulmak isterler. Bu natürmortlara bakıldığında, nazik bir gülümsemeye direnmek imkansız.

D. Annenkov "Bir kahve değirmeni ile natürmort"

D. Annenkov "Bahar Güneşi"

D. Annenkov "Yaz Anıları"

Bağımsız bir resim türü olarak natürmort, 18. yüzyılın başında Rusya'da ortaya çıktı. Onun fikri başlangıçta, bir insanı çevreleyen çeşitli şeylerin dünyası olan dünya ve denizin armağanlarının imajıyla ilişkilendirildi. 19. yüzyılın sonuna kadar, natürmort, portre ve tarihi resmin aksine, "alt" bir tür olarak kabul edildi. Esas olarak bir eğitim üretimi olarak var oldu ve sadece sınırlı bir anlamda çiçek ve meyve resmi olarak izin verildi.

Ivan Khrutsky "Çiçekler ve meyveler" 1839

20. yüzyılın başlangıcı, ilk kez diğer türler arasında eşitlik kazanan Rus natürmort resminin gelişmesiyle belirlendi. Sanatçıların resim dilinin olanaklarını genişletme arzusuna renk, biçim ve kompozisyon alanında aktif arayışlar eşlik etti. Bütün bunlar özellikle natürmortta belirgindir. Yeni temalar, görüntüler ve sanatsal tekniklerle zenginleştirilmiş Rus natürmort, olağandışı bir hızla gelişti: on buçuk yılda izlenimcilikten soyut form yaratmaya geçti.

Sonra Rusya'da birçok sanat derneği vardı.

Nikolai Sapunov "Pembe arka planda çiçekler ve vazolar", 1910

Parlak bir sanatçı, teatral kompozisyonların ve egzotik natürmortların ustası olan N. Sapunov'un çok tuhaf bir renk yeteneği vardı. Natürmort "Pembe Arka Plan Üzerinde Çiçekler ve Vazolar" yazarken Nikolai Sapunov, Mavi Gül sembolist derneğinin bir üyesiydi. Sembolizmin poetikası, sanatçıları romantik-okült temalara çekti.

A. Blok, çalışmasında, sahne çizdiği performansların dramasına karşılık gelen renk ritmi, renkli müzik, renk draması arayışını seçti.

Bohem yaşama yatkın olan sanatçı, bir zamanlar bir şirketle Finlandiya Körfezi'nde bir teknede denize açıldı ve 32 yaşında boğuldu.

Pyotr Konchalovsky, "Jack of Diamonds" derneğinin bir üyesiydi. Bu birliktelik, yeni resimsel ve plastik çözümler arayışı, formun deformasyonu ve parçalanması, resmin dokusu, form ve hacmin renkle tanımlanması, yaşamın şehvetli, maddi ve renkli yanını boyama arzusu ile karakterizedir. İdeolojik kökenler sözde "Rus Cezanizmi", Rus halk sanatıdır (lubok, ikon, fayans, duvar resimleri, ticari işaretler).

P. Konchalovsky "Kırmızı Tepsi", 1913

Genişletme, pürüzlendirme, ancak her şeyi yoğun ve güçlü hale getirme - bu, genç Konchalovsky'nin sayısız natürmortunda görevidir, burada aynı pazar tepsisinin genellikle bir tür akort çatalı gibi görünmesi tesadüf değildir, boyamayı gerekli seviyeyi ayarlar renksel gerilim. Buradaki renk, bir yüzey renklendirmesinden çok, nesnelerin maddi eti olan biçim ve kütlenin ta kendisidir.

İlya Mashkov "Snedd Moskova"

Skandal şöhret, Avrupa müzelerinde "üniversiteleri" geçen, ancak 1909'da MUZHVZ'nin duvarlarından kovulan, "insanlarda" (tüccarlar için dükkanlarda çalışan) yaşam deneyimi kazanan kumar ve girişimci bir külçe olan genç Ilya Mashkov'a eşlik etti ( Moskova Resim Heykel ve Mimarlık Okulu). Bununla birlikte, hala okurken, Mashkov büyük bir başarı ile öğretti - stüdyosu (1904-17; 1925'te AHRR'nin Merkez Stüdyosu'na dönüştürüldü) en pahalı ve aynı zamanda Moskova'da en çok ziyaret edilen oldu.

Ilya Mashkov "At kafatası ile natürmort", 1914

"Altın Post" ve "Izdebsky Salon" (1909-10) sergilerinde resminin "barbarca" baskısı ile izleyicileri ve eleştirmenleri etkileyen Mashkov, "Jack of Diamonds" topluluğunu oluşturan sanatçılar arasında yerini buldu. (P.P. Konchalovsky, A.V. . Lentulov ve diğerleri). "Valeler" dünyanın ve "düşük" nesnenin maddiliğini doğruladı; Mashkov'un paletinin cömertliği ve çoğunluğu, natürmort prodüksiyonlarının bolluğu derneğin programı ile uyumlu olduğu ortaya çıktı.

Sanatı "cennetten dünyaya" geri döndürme çabasıyla, bu çevrenin sanatçıları "zanaat" üzerine odaklandı - bir sokak tabelası, bir tepsi, popüler bir baskı. Mashkov, çocukluğundan beri böyle bir zanaata aşinaydı ve natürmortlarının ve portrelerinin ilkelliği en ustaca ve hakiki.

Ilya Mashkov "Meyveli natürmort"

Ressam, "şeylerin parlak etine ve kanına" aşık. Bu yaşamı olumlayan, gerçekçi, iyimser tavır, sanatın yeni görevleri için en uygunu oldu. Dünyaya net bir bakış, çalışan bir kişinin bakışı, eserin kendisinden sevinen ve sonuçlarını kutlayan, devrim sonrası yıllarda sanatçının karakteristiğidir. Mashkov, resimde nesne ve mekan arasındaki ilişkiye dair kendi özel anlayışına sahiptir ve onun pathosu, plastik ve renk özelliklerini geliştirerek konunun sağlıklı gerçekliğini teyit etmededir.

Nesnelerin içsel değerine artan ilgi, ressamın basit, tanıdık şeylerde yeni ifade olanakları keşfetmesine izin verdi.

Ilya Mashkov "Bakır tabaklar"

"Semaver (Bakır Eşya) ile Natürmort" (1919), mutfak eşyaları - bir cezve, bir süt sürahisi, bir kupa, bir tabak, bir ütü, tepsiler - bir araya gelip tuvalin çevresine boşluk iterek, birliği ve güveni bakımından küçük ama güçlü bir orduya benzer. Kısıtlanmış, neredeyse tek renkli renk düzeni, nesnelerin kovalanan biçimlerini vurgular, yumuşak ama güçlü parlaklıklarını iletir. Her şey kendi parlak bireysel görünümünde görünür, ancak hepsi bir tür neredeyse "ideolojik" ortaklıkla birleştirilir - aynı "sınıfa", malzemeye - bakıra aittir. Bu, mütevazı metalin güzelliğinin apotheosis'idir ve kulağa yüksek, ciddi, güçlü geliyor. Egemen, bakır nesneler ağırdır ve onlardan yayılan kısıtlı güç tarafından bastırılan izleyici, tamamen evsel amaçlarını unutur.

Petrov-Vodkin'in natürmortları, nesne kümesi açısından iddiasızdır ve yaratıldıkları zorlu dönemin izlerini taşır. Bu anlamda, sıska bir ringa balığı, bir parça ekmek ve iki patates, yetersiz bir kıtlık tayınını betimleyen bir natürmort, bir klasik haline geldi.

Kuzma Petrov-Vodkin "Ring", 1918

Sanatçı, aynaları, camları veya sadece bazı parlak nesneleri (semaver, nikel kaplı çaydanlık) onlara sokmayı sever ve kendisini karmaşık refleks oyununun analizine, ışık ışınlarının kırılma olaylarının ve iç yansımaların kırılmasının analizine adamasını sağlar. yüzler. Petrov-Vodkin, bu çalışmalarda, Vrubel'in ruhuna uygun olarak, parlak selefinin tutkusunu, konuyu tüm yönleriyle bilmek için metodik olarak kalıcı bir arzu ile değiştirir.

Kuzma Petrov-Vodkin "Hokkalı natürmort", 1918

Sanatçı, masanın üzerine yerleştirilmiş ve yerleştirilmiş şeyleri yukarıdan inceler, böylece konumları tam olarak sabitlenir ve "avucunuzun içinde" görünürler; demliğin cilalı kenarları veya masanın cam kaplı yüzeyi, görüntüyü ikiye katlayarak, sanatçıya görünmeyen taraftan bakmanızı sağlar. Böylece Petrov-Vodkin, kendisine yetersiz görünen ve konunun gerçek bilgisini yansıtmayan, etrafta dolaşılabilen monoküler bakış açısının üstesinden gelir ve sonunda onun hakkında tam ve eksiksiz bir fikir edinir.

Kuzma Petrov-Vodkin "Bardakta kuş kirazı", 1932

Petrov-Vodkin'in tüm natürmortlarındaki en çarpıcı şey, nesnelerin yakın, bazen titiz analizinin ve tuvalin katı, neredeyse deneysel kompozisyon yapısının, onları hiçbir şekilde sanatsal doğa algısının dolaysızlığından mahrum bırakmamasıdır. renk zenginliğinden ve inceliğinden bahsetmek gerekirse. Nesnelerin sanki sırayla adlandırılmış gibi olduğu ve birbirini gizlemediği görüntünün özel netliği, bu natürmortların, özünde sanki basitmiş gibi, seyredilmesinden neredeyse fiziksel bir sevinç duygusu uyandırıyor. , zor, çünkü Petrov'un sanatı basit ve açık olmaktan uzak -Vodkin.

Dünyayı büyük bir natürmort olarak, somut ve maddi renkli dokuların bir kombinasyonu olarak anlayarak, avangardın radikal biçimlerine - adeta kübizm eşiğinde durarak - ya da lubok- folklor ilkel.

A. Kuprin "Mavi tepsili natürmort", 1914

Erken dönem eserlerinde yoğun renkli zıtlıklar hakimdir, doğa dokunsal ve nesnel olarak algılanır ve aynı zamanda oldukça yabancılaşmıştır.

Zinaida Serebryakova "Sanat özelliklerine sahip natürmort"

Serebryakova'nın bu eseri sanatçı için geleneksel bir kompozisyona sahiptir. Benzer bir isme sahip eserlerde alışılmış olduğu gibi, burada bir antika maske tasvir edilmiştir, arka planda boyalarla bir kutu, bir parşömene benzeyen bir rulo kağıt, boyalar için pigment tozlu cam şişeler ve hafif bir seramik harcı yer almaktadır. "Üretim teması" üzerindeki natürmortlar genellikle sanatçıların eserlerinde bulunur.

1913'te P. Konchalovsky, sanatçının parlak pigmentleri birleştirme konusundaki ilgisini açıkça gösteren “Kuru Boyalar” resmini çizdi: turuncu ile kobalt, koyu sarı ile kırmızı.

P. Konchalovsky "Kuru renkler", 1913

Tuval kaba, basitleştirilmiş bir şekilde yapılır. Serebryakova'nın resmi daha yumuşak, daha incelikli. Kitaplarda, boyaya bulanmış fırçalarda, masanın üzerine bırakılan çizim kağıtlarında, sanatçının ellerinin sıcak dokunuşu yaşar, aşk titrer, yoğun ilgi, eserinin sürekli ve makul yardımcılarına bağlılık. Ve belki de tam olarak şudur: Zinaida Evgenievna'nın gerçeğe verdiği yorum ve değerlendirme, nesnel dünyanın insanlığında, insanlarla görünür bağlantısında en eksiksiz şekilde ortaya çıkar. Derin bir iç toplulukla nesneler dünyası ile bağlantılıdır, eşyalar ona değişmeyen ve yararlı nitelikleriyle iyi bilinen eski iyi hizmetkarlar gibi hizmet eder. Serebryakova'nın dünyası bize eşit, berrak, sıcak ışık ve uyumla dolu.

Igor Grabar "Leylak ve beni unutma"

O zaman Grabar, Claude Monet'in boyama yöntemine düşkündü. "Krizantemler" bu açıdan son derece tipiktir. Titreşen hafif hava ortamının renk analizi, bu yöndeki Fransız ressamların bazı araştırmalarına yakındır.

Igor Grabar "Krizantemler"

Sanatçı, formların ve renklerin belirli bir dekoratif ritme tabi kılınmasında bir çıkış yolu arıyor. Çok yakında, izlenimci yöntemin iyi bilinen sınırlamalarının bu şekilde aşılması Grabar ile tutarlı hale gelir. Sanatçı, nesnenin renginin, şeklinin ve maddiliğinin özel bir analizi amacıyla natürmortlar yerleştirir. Grabar'ın natürmortları, belirlenen görevlerin çeşitliliği ve karmaşıklığı, yeni sanatsal teknikler arayışı ile işaretlenir. Bu tesadüf değil. Buradaki her şey, Rus natürmortunun gelişiminde yeni bir aşamanın yakınlığından bahsediyor. 1900'lerin resmine nüfuz eden yeni sanatsal biçimler için mücadele atmosferinde, natürmort önde gelen türlerden biri, yaratıcı deneyler için bir arena haline geliyor.

1930'larda ve 1940'larda natürmort gelişimi durdu, ancak 1950'lerin ortalarından beri bu tür Sovyet resminde yeni bir yükseliş yaşıyor ve o zamandan beri nihayet ve sıkı bir şekilde diğer türlerle eşit durumda.