resim tarihi Bir kişinin ilk kez boya yardımıyla karşısına çıkan ilk yüzeyde bir şey tasvir etmesiyle başladı. Büyük olasılıkla, bu kendini bir erkek olarak tam olarak anlamadan önce bile oldu. Ve insanlığın geliştiği her zaman, resim eşlik etti, o zaman tüm resim tarihini kısa bir makalede anlatmak, karmaşıklığı imkansız olan bir görevdir. Bu nedenle, bu makale hiçbir şekilde dünya resim tarihini kapsama iddiasında değildir. Aşağıdakiler okuyucuda çeşitli mevcut literatürlerin yardımıyla tatmin edebileceği samimi bir ilgi uyandırırsa, mütevazı amacımıza ulaşılmış olacaktır.

Tablo

Ancak tarihin iniş çıkışlarını anlamadan önce resmin ne olduğunu öğrenelim.

TSB aşağıdaki tanımı verir:

Boyama, - görünüm görsel Sanatlar, Sanat Eserleri, herhangi bir katı yüzeye uygulanan boyalar kullanılarak oluşturulur.

Rus dili Ushakov'un açıklayıcı sözlüğü kısadır:

Resim, nesneleri renklerle tasvir etme sanatıdır.

Brockhaus ve Efron'un küçük ansiklopedik sözlüğü, aksine, ayrıntılıdır:

Resim, izleyiciyi gerçek doğa nesnelerinden alacağına benzer şekilde etkilemek amacıyla, aynı zamanda tasvir edilen nesnelerin bütünlüğü ve doğasıyla da belirli bir ruh hali uyandırmak amacıyla yüzeydeki nesneleri boyalarla tasvir etme sanatıdır. İzleyici veya herhangi bir sanatsal fikri ifade edin.

Eh, ayrıntılara girmezseniz (ve bunun hakkında sanat eleştirmenleriyle konuşmazsanız), resim, sağlam bir şey üzerinde boyalarla tasvir edilen ve en azından bir tür sanatsal değeri temsil eden her şeydir. Son madde, çitin üzerine boyanmış müstehcenliğin ne yazık ki resim olarak kabul edilemeyeceğini söylüyor.

petroglifler

Başta da söylediğimiz gibi, resim, ilk insanlığın ilk kez bir şeyi katı bir yüzey üzerinde resmettiği anda ortaya çıktı. İnsanlar gelişmelerinin başlangıcında mağaralarda ve kayalarda yaşadıklarından, doğaçlama araçlar kullanılarak ilk resim çalışmaları burada yapılmıştır.

Bu tür görüntülere kaya sanatı veya petroglifler denir. İlkel sanatçıların tekniği ilkel görünebilir, ancak öte yandan, onları boyayanların homo sapiens'in ataları olabileceğini ve bu nedenle kaya sanatının da insan evriminin bir örneği olduğunu unutmamak gerekir. Boya olarak mineral boyalar kullanıldı - çoğunlukla çok renkli hardal sarısı ve manganez oksitler.

Petroglifler, avcılıktan ritüel ve anma motiflerine kadar çok çeşitli konulara yansımaktadır. Hayvanların en yaygın görüntüleri.

1. Kaya sanatı İspanya, Altamira mağarası

Eski Mısır Resmi

Ancak zaman geçtikçe ve geliştikçe insan toplumu. İlkel olandan sonraki gelişme aşaması, dünya resim tarihine paha biçilmez bir katkı yapan eski Mısır uygarlığıydı.

Eski Mısır resminin çarpıcı bir özelliği, ataların geleneklerine bağlılık ve belirli sanatsal ilkelere bağlılıktı. resim tarihi Eski Mısır büyük ölçüde dinden etkilenmiştir. Ayrıca, o zamanın sanatını dinden ayırmak genellikle zordur ve Mısır resminin hayatta kalan anıtlarının çoğunun dini bir amacı vardı. Bu nedenle, yazarları, bir dizi ilkel sanat geleneğinden gelen belirli yerleşik kuralları takip etmek zorunda kaldılar.

Bunun örnekleri, ne izleyicinin ne de sanatçının göremediği, ancak belirli bir sahnede kesinlikle bulunabilen nesnelerin ve hayvanların görüntüleridir (örneğin, su altındaki balıklar ve timsahlar); parçalarının şematik bir numaralandırmasını kullanan bir nesnenin görüntüsü (geleneksel olarak düzenlenmiş bir dizi yaprak şeklinde ağaç yaprakları veya tek tek tüyler şeklinde kuş tüyleri); aynı sahnede farklı açılardan alınan nesnelerin görüntülerinin bir kombinasyonu (örneğin, profilde bir kuş tasvir edildi ve kuyruk üstte; insan figürünün başı profilde, önde bir gözü, omuzları ve kolları içeride ön ve bacaklar profilde).

Elbette, böylesine katı bir kanunlar sisteminin varlığı, birkaç bin yıl içinde "sanatçının el kitabı" olarak adlandırılacak olan şeyin yaratılmasını gerektiriyordu. Ve bu tür yazılı kanıtlar gün ışığına çıktı. Bununla birlikte, daha sonra kanonların gözetilmesi, gerçekçi eğilimlerin gelişimini engelleyen muhafazakar, engelleyici bir rol oynadı.

2. Tutankhamun'un mezarının resminin bir parçası. Mısır, yaklaşık MÖ 1450

Antik Yunanistan'ın resmi

Zaman geçti ve Mısır uygarlığı çürümeye başladı. Herkesin çok iyi hatırladığı gibi, yerini eski Yunan aldı ve bu dünya resim tarihini etkileyemedi.

Antik Yunan sanatının özgünlüğü, kısmen Yunanlıların resim için seramik ürünleri kullanmayı tercih etmelerinde yatmaktadır. Bu nedenle, genellikle eski Yunan resmine vazo resmi de denir.

Eski Yunanlılar, gerçekçi resim yönünde çok ilerlediler. Onlar tarafından keşfedilen chiaroscuro sanatı, resim eserlerini benzeri görülmemiş bir hacim ve duygusallıkla doldurmayı mümkün kıldı ve resmin gelişim tarihi üzerinde büyük bir etkisi oldu.

Yeni tekniği ilk kullanan Atinalı Apollodorus'tur ve kendisine Gölge Yazar lakabı verilmiştir. Onu bu tekniği uygulayan diğer ünlü ressamlar izledi: Zeuceis, Parrhasius ve Timanf. Çalışmaları, sıradan grafiklere kıyasla duygusallıkla doludur, ancak buna rağmen, anıtsal resim vazo resmi gibi bir dağıtım almamıştır.

Vazo boyama tekniği oldukça basitti: kil eşyalar süs eşyaları ve çeşitli konularla kaplandı. Başlangıçta, yalnızca kırmızı bir arka plan (pişmiş kil) üzerinde siyah görüntülerden oluşan siyah figür stili kullanıldı. Daha sonra, resimler arasındaki arka planın siyah vernikle uygulandığı ve figürlerin kendilerinin hepsinin tasvir edildiği kilin rengi olarak kaldığı kırmızı figür (siyah cila) tarzı ortaya çıktı.

Tüm çizimler düzlemsel, grafik karakterliydi. Vazolardaki çizimler, Yunan sanatına, iç mekanlara, günlük hayata, insanların kıyafetlerine ve dünyayı görmenin özelliklerine dair anlayışımızı genişletiyor.

3. Siyah figürlü Attika amfora Antik Roma Tablosu.

Dünya resim tarihinden bahsetmişken, Antik Roma sanatından bahsetmemek mümkün değil.

Roma siyasetinin saldırgan doğası, birçok halkın sanatsal geleneklerinin antik Roma sanatında iç içe geçmesine neden oldu. Ayrıca, Yunanlıların aksine, pragmatik Romalılar sanat konusunda daha sıradandı. Roma sanatının bir özelliği, yaşamla en yakın bağlantısıdır.

Roma evlerinde ve villalarında vurgunun iç mekana ve tören odalarının görünümüne aktarılmasıyla birlikte, Yunan geleneği temelinde son derece sanatsal bir duvar resimleri sistemi geliştirildi. Pompei resimleri, antik fresklerin ana özelliklerini tanıtır. Romalılar ayrıca cepheleri süslemek için boyayı kullandılar, bunları ticari tesisler veya zanaat atölyeleri için işaretler olarak kullandılar. Resim tarihinde, Pompeian resimleri genellikle şartlı olarak stil adı verilen 4 gruba ayrılır. İlk stil, kakma, 2. yüzyılda yaygındı. M.Ö e. Çok renkli mermer veya jasper karelerle duvar kaplamasını taklit eder.

1980'lerden beri M.Ö e. ikinci stil kullanıldı - mimari ve umut verici. Duvarlar pürüzsüz kaldı ve pitoresk bir şekilde - yanıltıcı bir şekilde yapılmış sütunlar, pilastrlar, kornişler ve revaklarla bölündü. İç mekan, sütunların arasına sık sık büyük bir çok figürlü kompozisyonun yerleştirilmesi ve ünlü Yunan sanatçıların eserlerinden mitolojik temalar üzerindeki arazileri gerçekçi bir şekilde yeniden üretmesi nedeniyle ihtişam kazandı. Romalıların doğasında var olan doğa çekiciliği, onları sahnelerde doğrusal ve hava perspektifleri kullanarak yanıltıcı bir şekilde yeniden üretmeye ve böylece odanın iç alanını genişletmeye teşvik etti.

Üçüncü üslup, oriteleştirme, imparatorluk çağının karakteristiğidir. İkinci stilin ihtişamının aksine, üçüncü stil titizlik, zarafet ve orantı duygusu ile ayırt edilir. Dengeli kompozisyonlar, doğrusal süsleme, parlak bir arka plan üzerinde duvarın düzlemini vurgular. Bazen, bazı ünlü eski ustaların resimlerinin yeniden üretildiği duvarın merkezi alanı öne çıkıyor.

Dördüncü dekoratif stil, 1. yüzyılın ortalarında yayılır. AD Mekansal ve mimari çözümün görkemi ve dekoratifliği ile ikinci tarzın geleneğini sürdürüyor. Aynı zamanda süsleme motiflerinin zenginliği üçüncü üslubun duvar resimlerini andırmaktadır.

4. Antik Roma freski.

Rus resminin tarihi

Resmin gelişim tarihinden bahsetmişken, Rus resminden bahsetmemek mümkün değil. Araştırmacılar, Rus resminin köklerinin, 6. yüzyılda Avrupa'da iyi tanınan Doğu Slav halkının geleneğinde yattığına inanıyor. Ve buna ante denirdi.

Avrupa'nın diğer tüm devletleri gibi, 11. yüzyılın ikinci yarısında Rusya da bir ulusal parçalanma dönemi yaşadı ve o zaman oldu. Rus sanatı benzersizliğini elde etti karakter özellikleri. Sanat Kiev Rus yeterliydi yüksek seviye Bununla birlikte, orijinal olarak adlandırılamaz, çünkü 10. yüzyılda vaftiz edilen Prens Vladimir, aynı zamanda, pagan sanat ilkeleriyle karmaşık bir şekilde iç içe geçmiş olan Bizans'ın sanatsal geleneklerini ödünç aldı. Tabii ki, Doğu Slavları oldukça gelişmiş bir kültüre sahipti ve bu nedenle Bizans gelenekleri orijinal Ruslara göre hızla değişti.

Rus sanatı, Kiev Rus'un Bizans-Rus sanatından gelişmiştir. Ayrıca Galiçya-Volyn, Rostov-Suzdal ve Novgorod topraklarından ayrılan bireysel prensliklerin sanatı olarak gelişti. On ikinci yüzyılda, Rus sanatının tamamen gelişmiş olduğu kabul edilebilir. Ne yazık ki, üç yüz yıldan fazla süren ağır Tatar boyunduruğu nedeniyle Rus resminin gelişimi ciddi şekilde yavaşladı.

Rus resim tarihinde yeni bir yükseliş, toprakların çoğunun Moskova çevresinde birleştiği 15. yüzyılda başladı. Bu çağa genellikle eski Rus sanatının altın çağı denir. Şu anda, Moskova okulunun klasik örnekleri haline gelen eserler yaratıldı. Rus kültürünün gelişimi, Avrupa ülkeleri için ortak bir yol boyunca gerçekleşti. Hem Batı'da hem de Doğu'da resim, her şeyden önce kilise resmiydi, bu nedenle, her şeyden önce, ikon resmi ve anıtsal resim - fresklerdi.

Rus ikon resmi, Bizans ustalarının tekniklerini miras aldı. Aynı zamanda, kendi gelenekleri Rusya'da doğdu. Rus ikonları sadece taklit değildi, kendi tarzlarına sahipti ve Andrei Rublev gibi ustalar ikon resminin seviyesini yeni zirvelere çıkardılar.

İlk gerçekçi portreler 17. yüzyılda Rusya'da ortaya çıktı; 18. yüzyılın ortalarından sonuna kadar, Levitsky ve Borovikovsky gibi büyük ressamlar Rusya'da ortaya çıktı.

O zamandan beri, Rus resminin tarihi küresel eğilimleri takip etti. Tanınmış Sanatçılar 19. yüzyılın ilk yarısı Kiprensky, Bryullov, Ivanov (“Mesih'in İnsanlara Görünüşü”) idi.

19. yüzyılın ikinci yarısında realist resim gelişti. Rus sanatçıların yaratıcı derneği "Gezginler Derneği" kuruldu. sanat sergileri Vasnetsov, Kramskoy, Shishkin, Kuindzhi, Surikov, Repin, Savrasov gibi büyük sanatçıları içeren (Gezginler).

5. Vasnetsov'un "Bogatyrs" tablosu.

Elbette sanat tarihi anlattıklarımızla sınırlı değil. Zaman geçti ve tarih değişti. İnsan uygarlığı gelişti ve onunla birlikte resim de gelişti. Ortaçağ, Rönesans, Reform, Yeni ve En yeni zaman resme birçok yeni stil ve trend getirdi. Neyse ki, bu büyük dönemlerin her birinin ayrıntılı bir açıklamasını bulabileceğiniz çok sayıda literatür var.

http://www.vlasta-tula.ru/articles/show-15.htm

Resim geç Paleolitik çağda (40-8 bin yıl önce) ortaya çıktı. Kaya resimleri korunmuştur (güney Fransa'daki Font-de-Gaume mağaralarında, kuzey İspanya'daki Altamira, vb.), toprak renkleri (kırmızı, sarı ve kahverengi hardal, koyu sarı), siyah kurum ve bölünmüş çubuklar kullanılarak kömürle doldurulmuştur. , kürk parçaları ve sadece parmaklar; Tek tek hayvanların gerçekçi, etkileyici, dinamik görüntüleri ve ardından av sahneleri oluşturuldu. Paleolitik resimler hem doğrusal siluet görüntüleri hem de basit modelleme içerir, ancak kompozisyon unsuru hala zayıf bir şekilde ifade edilir. Dünya hakkında daha gelişmiş, daha soyut olarak genelleştirilmiş fikirler, Neolitik'in soyut, ritmik resmine (Valtorta, İspanya'daki resimler) yansıdı. Neolitik görüntülerde, bilinçli olarak anlatı döngülerine bağlı bir kişi belirir.

Köle sahibi toplumun resmi, zaten gelişmiş bir figüratif sisteme, zengin teknik araçlara sahipti; boyalar (toprak - sarı, kırmızı ve kahverengi; mineral - mavi ve açık mavi) beyaz zemin üzerine eşit bir tabaka halinde uygulandı; bağlayıcılar (albümin, kazein, glutin, sakız reçineleri), saç fırçaları ortaya çıktı.

Doğu despotizmlerinde ( Antik Mısır ve diğer eyaletler), eski Amerika'da, genellikle cenaze kültüyle ilişkili ve ayrıntılı bir anlatı karakteri giyen anıtsal resim (mezarların resmi, daha az sıklıkla - binalar) vardı; ana yer, bir kişinin genelleştirilmiş ve genellikle şematik bir temsili tarafından işgal edildi. Bu resim türüne özgü görüntülerin katı kanonizasyonu, kompozisyonun özellikleri ve figürlerin korelasyonu, köle sahibi toplumda hüküm süren katı hiyerarşiyi yansıtıyordu. Antik resim de dekoratif niteliklere sahipti; düzlüğü ile bu resim duvarın yüzeyini vurguladı. Eski Mısır mezarlarının resmi, özellikle yüksek bir mükemmellik seviyesine ulaştı (resimler öbür dünya müzikal ritmi ve kompozisyonun netliği, çizgilerin iyileştirilmesi ile ev ve savaş sahneleri, hayvansal görüntüler dahil.

Antik çağda, resim hala mimari ve heykel ile sentez halinde hareket eder, onlarla birlikte sadece kült değil, aynı zamanda laik amaçlara da hizmet eder; olur (özellikle Antik Yunan) genel olarak tüm sanatların yanı sıra resmin sosyal (ahlaki ve eğitim dahil) öneminin farkındalığı. Yavaş yavaş, yeni, spesifik resim olasılıkları ortaya çıkar, gerçekliğin temalar açısından heykelden daha geniş bir yansımasını verir, dünyanın duyusal olarak tam kanlı bir düzenlemesi için çabalar. Plastik biçim netliği ile antika resim, ya düzlemsel kontur görüntüleri ya da üç boyutlu olanlarla ve ayrıca geniş, serbest yazı, nesnelerin ve kısmen uzayın gerçekçi bir tasviri ile karakterize edilir; resmin gelişmesiyle birlikte renk paleti genişledi ve zenginleşti; yerel renkle boyama ile aynı anda var olan ton boyama ortaya çıktı. Antik çağda, chiaroscuro ilkeleri, doğrusal ve hava perspektifinin kendine özgü varyantları doğar. Mitolojik, gündelik ve tarihi sahnelerin yanı sıra manzaralar, portreler, natürmortlar oluşturulmuştur. Tapınakları, meskenleri, mezarları süsleyen, ayakta duran anıtsal ve dekoratif resimler (Pompeii, Herculaneum, Paestum, Kazanlak, Kuzey Karadeniz bölgesinde korunan freskler ve mozaikler), bir devrim sonucunda mimari mekanda ve mimari formlarda hayali bir değişime uğramıştır. uzun gelişme. Antika bir fresk (üst katmanlarda mermer tozu katkılı çok katmanlı sıva üzerinde) parlak, parlak bir yüzeye sahipti. Antik Yunanistan'da, bugüne kadar hayatta kalmayan şövale boyama (tahtalarda, daha az sıklıkla tuval üzerinde), esas olarak enkaustik teknikte ortaya çıktı (bkz. hacimleri anlamlı bir şekilde şekillendirin; eski bir fikir şövale boyama Fayum portreleri verin.

Orta Çağ'da Batı Avrupa'da, Bizans'ta, Rusya'da, Kafkasya'da ve Balkanlar'da ağırlıklı olarak dini Hıristiyan ideolojisi doğrultusunda gelişen, manevi ifadelerle dolu dini-münzevi görüntüler yaratıldı. Görüntülerin katı bir şekilde kanonikleştirilmesine rağmen, halk temsilleri (örneğin, Rusya'da Yunan Theophan, Andrei Rublev ve Dionysius'un ikonlarında ve fresklerinde) ve bireysel (genellikle saf) gözlemler ortaçağ resminde bir yankı buldu. Ana resim türleri fresk (hem kuru hem de ıslak, genellikle kaba sıva üzerinde, taş veya tuğlaya uygulanır), ikon boyama (simgeler, esas olarak formların düz yorumunu belirleyen yumurta temperasında astarlanmış tahtalara boyanmıştır) ve minyatürler el yazmalarında (astarlanmış parşömen veya kağıt üzerinde; tempera, suluboya, guaj, tutkal ve diğer boyalarla yapılmış); yürütme sırası, görüntü türü, kompozisyon, renklendirme - tüm bunlar düzenlendi. El sanatlarına özgü özenle yapılmış ikonalar, duvar resimleri (mimari bölmelere ve duvarın düzlemine bağlı olarak) yanı sıra mozaikler, vitray pencereler, mimariyle birlikte kilise içlerinde tek bir topluluk oluşturdu. Ortaçağ resminin artan duygusallığı ve dekoratifliği, yüksek, doygun renk ve vurgulanmış ritmik çizginin ifadesinden ve net konturların ifadesinden kaynaklanmaktadır; ortaçağ resmindeki formlar düzlemsel, stilize, arka plan soyut, genellikle altındır; derinlikten yoksun, pitoresk bir düzlemde çıkıntı yapıyormuş gibi, hacimleri modellemenin koşullu yöntemleri de vardır. Kompozisyon ve renk sembolizmi önemli bir rol oynadı (örneğin, Batı Avrupa resminde mavi, Tanrı'nın Annesinin rengidir). 1. değirmende. e. anıtsal resim (beyaz alçı üzerine yapışkan boyalar veya kil-saman toprak üzerinde kireç astarı ile) Batı ve Orta Asya ülkelerinde, Hindistan, Çin ve Seylan'da yüksek bir yükseliş yaşadı. Mezopotamya, İran, Hindistan, Orta Asya, Azerbaycan, Türkiye'deki feodal çağda, hem ince renklilik, süs ritminin zarafeti hem de bireysel yaşam gözlemlerinin parlaklığı ile dikkat çeken dekoratif düzlemsel minyatür sanatı gelişti. Çin, Kore, Japonya'da ipek ve kağıt tomarlarında mürekkep, suluboya ve guaj ile Uzak Doğu resmi, derin şiir, insan ve doğa vizyonunun şaşırtıcı uyanıklığı, yüzyıllar boyunca honlanmış özlülük, en iyisi hava perspektifinin ton iletimi.

AT Batı Avrupa Rönesans'ta, feodal karşıtı bir dünya görüşüne dayanan, yaşamı seven yeni bir hümanist sanatın ilkeleri, erken dönem burjuva insanmerkezciliğinin ruhuyla dolu, dünyevi, maddi dünyayı yeniden keşfederek ve merakla bilerek onaylanır; bu nedenle, gerçekliğin gerçekçi bir tasviri için bir araç sistemi geliştirerek resmin rolü artar. 14. yüzyılda Rönesans resminin bireysel başarıları bekleniyordu. İtalyan ressam Giotto. Bilimsel çalışma perspektifler, optikler ve anatomi, J. van Eyck (Hollanda) tarafından geliştirilen yağlı boya tekniğinin kullanımı, resmin doğasında var olan olasılıkların geniş bir şekilde ifşa edilmesine katkıda bulunmuştur; Hacimsel formlar, resimde (ışık ve gölge modellemesi yardımıyla) derin uzay (görsel olarak tahrip edilmiş pitoresk düzlemin arkasında ortaya çıkan) ve ışık ortamı ile birlik içinde inandırıcı bir şekilde yeniden üretilir, dünyanın renk zenginliğine hakim olunur. Bir fresk yeni bir altın çağını yaşadı, bazen bir sarayın veya kilisenin içini görsel olarak genişletti, ancak şövale resmi de önem kazandı, ancak yine de çevreleyen nesnel çevre ile dekoratif bir birliği korudu. Evrenin uyum hissi, bireysel parlak yaşam detaylarının tazeliği ile büyülenme, gerçek bir kişiye ilgi, görüntülerin manevi etkinliği, dini ve mitolojik temalar, portreler, yerli ve tarihi sahneler, kadın görüntüleri üzerine kompozisyonların karakteristiğidir. çıplaklar. Tempera, önce kombine bir teknikle (tempera astar üzerine yağlı boya ile perdahlama ve detayların işlenmesi) ve ardından teknik olarak mükemmel, temperasız çok katmanlı yağlı vernik boyama ile değiştirildi. Venedik resim okulu, beyaz zeminli (Hollanda okulunun sanatçılarının karakteristiği) tahtalar üzerinde pürüzsüz, ayrıntılı boyamanın yanı sıra, renkli zeminlerle tuval üzerine serbest, geniş, macunsu boyama tekniklerini geliştirir. Yerel, genellikle parlak renklerde, net bir desenle boyama ile eş zamanlı olarak, ton boyama da gelişti (renksel resim olanaklarının zenginliğini ince ve çeşitli bir şekilde ortaya koyan Venedik okulunda). Rönesans'ın en büyük ressamları - Masaccio, Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, İtalya'da Jacopo Tintoretto, Hollanda'da J. van Eyck, P. Brueghel, A Dürer, X Holbein the Younger, M. Nithardt (Grunewald) Almanya'da.

17-18 yüzyıllarda. Avrupa resminin gelişim süreci daha karmaşık hale geliyor. Yığılmış ulusal okullar Fransa'da (J. Latour, F. Champigne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. Chardin, O. Fragonard, J. L. David), İtalya'da (M. Caravaggio, D. Fetti, P. yes Cortona, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi, F. Guardi), İspanya (El Greco, D. Velasquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Flanders (P. P. Rubens , J. Jordans, A. van Dyck, F. Snyders), Hollanda (F. Hale, Rembrandt, J. Vermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), İngiltere (T. Gainsborough, W. Hogarth ), Rusya (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky). Akımların, ilerici ve gerici fikirlerin yoğun bir mücadelesi var, akademizme karşı ileri eğilimler, farklı üslupsal resim sistemleri bir arada var oluyor, yeni sosyal ve sivil idealleri ilan ediyor, daha ayrıntılı ve doğru bir imaja dönüşüyor. gerçek hayat hareketinde ve çeşitliliğinde, özellikle bir kişinin günlük ortamında (manzara, iç mekan, ev eşyaları); psikolojik sorunlar derinleşir, bireyin ve dünyanın çatışma etkileşimi gerçekleşir ve somutlaşır. 17. yüzyılda türler sistemi genişledi ve açıkça şekillendi. 17-18 yüzyıllarda. anıtsal ve dekoratif resim (özellikle Barok üslubunda) gelişir, heykel ve mimari ile yakın bir bütünlük içinde var olur ve genellikle illüzyonist etkilerin yardımıyla bir kişiyi yoğun bir şekilde etkileyen duygusal bir ortam yaratır. Aynı zamanda, şövale resminin rolü arttı.

Resim problemlerinin karmaşıklığı, karşılaştığı görevlerin bolluğu, dünya görüşünün sınıf ve sınıf farklılaşması, ortak bir üslup özelliklerine sahip olarak (duygusal olarak zengin, dinamik barok resim, karakteristik bir açıklığa sahip) çeşitli resim sistemlerinin oluşumuna yol açtı. , sarmal kompozisyon; net, katı, net bir desen kültü ile kesinlikle dengeli bir klasisizm resmi, hacimsel bir chiaroscuro ilkesinin renk üzerindeki baskınlığı, rengin yeri; en rafine ve akıcı nüansların oyunuyla rokoko boyama renk, açık ve soluk tonlar) ve belirli bir üslup çerçevesine uymadı. Dünyanın parlaklığının, aydınlık ortamın en iyi şekilde yeniden üretilmesi için çabalayan birçok sanatçı, tonal resim sistemini geliştirdi.Bütün bunlar, 17-18 yüzyıllarda hüküm süren teknik yöntemlerin keskin bir şekilde kişiselleştirilmesine neden oldu. çok katmanlı yağlı boya. Aynı zamanda, resimler genellikle belirli resimsel motiflerde uzmanlaşmış birkaç sanatçı tarafından aynı anda yapılmıştır. Şövale resminin büyümesi ve samimi tefekkür için tasarlanan çalışmalara artan ihtiyaç, daha samimi, incelikli ve daha hafif boyama tekniklerinin (pastel, suluboya, mürekkep ve çeşitli portre minyatürleri) gelişmesine yol açtı. 19. yüzyılda Avrupa'da (Balkan ülkelerinde) ve Amerika'da yeni ulusal gazetecilik okulları şekilleniyor. Avrupa resmi ve dünyanın diğer bölgeleri arasındaki ilişkiler, Avrupa gerçekçi resim deneyiminin ve bireysel resmi başarıların, genellikle eski yerel gelenekler temelinde (Hindistan, Çin, Japonya ve diğer ülkelerde) kendi yorumlarının verildiği genişliyor. . Avrupa resmi, resimsel düzlemin belirli dekoratif ve ritmik organizasyon yöntemlerinin yenilenmesine yansıyan Avrupa dışı ülkelerin (çoğunlukla Japonya ve Çin) sanatından da etkilenir. 19. yüzyılda resim, diğer güzel sanat türlerinden daha geniş ve derindir, karmaşık ve acil dünya görüşü sorunlarını çözer, kamusal yaşamda aktif bir rol oynar, genellikle sosyal ve ulusal kurtuluş hareketleriyle ilişkilendirilir; 19. yüzyıl resminde önemlidir. toplumsal gerçekliğin keskin bir eleştirisini aldı. Aynı zamanda, 19. yüzyıl boyunca. akademik kanonlar, görüntülerin soyut idealleştirilmesi, resmi olarak resimde yetiştirildi, özgünlüğü, bağımsız ifadeyi görmezden gelen doğalcı eğilimler ortaya çıktı. ifade aracı tablo. Bu eğilimlere karşı, resmi salon-akademik resmin rasyonalizmine ve soyutluğuna karşı mücadelede, romantizm resmi, duygusal yoğunluğu, tarihin ve modernitenin dramatik olaylarına aktif ilgisi, güçlü insan tutkularının sergilenmesi, enerji ile gelişir. resimsel dilin, yapıların dinamikleri, ışık ve gölgenin kontrastı, doygunluk rengi (Fransa'da T. Gericault, E. Delacroix; birçok yönden O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, Rusya'da A. A. Ivanov). Klasik armonik mükemmellik ideallerini reddederek, doğrudan gözleme dayalı, gerçekçi yaşamın yaşamının daha eksiksiz, somut olarak güvenilir, çoğu zaman abartılı görsel tasvirine ulaşır. karakteristik fenomen gerçeklik (G. Courbet, J. F. Millet, O. Daumier, K. Corot, Fransa'da Barbizon okulunun ustaları; İngiltere'de J. Constable; Almanya'da A. Menzel, V. Leibl; A. G. Venetsianov, P. A. Fedotov Rusya). Zh. demokratik gerçekçilik, insanların yaşamını ve çalışmalarını, hakları için verdikleri mücadeleyi geniş ölçüde gösterir, tarihin en önemli olaylarına atıfta bulunur, canlı, psikolojik olarak derinlemesine görüntüler yaratır sıradan insanlar ve önde gelen halk figürleri; birçok ülkede, ulusal gerçekçi manzara okulları ortaya çıkıyor. Burjuva demokratik aşama olan Rus ile yakından bağlantılı. devrimci hareket Zh. Gezginler ve onlara yakın sanatçılar - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin, I. I. Levitan.

Doğallığı ve dolaysızlığı içinde çevreleyen dünyanın canlı düzenlemesine 1870'lerin başında sürekli değişkenlik gelir. İzlenimcilik (Fransa'da C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley ve kısmen E. Manet ve E. Degas tarafından yapılan resimler), o yıllarda resimde hakim olan geleneksel rengin ve siyahlığın üstesinden gelmek ve resimsel yüzeyi düzenleme tekniğini ve yöntemlerini güncelleme , saf rengin güzelliğini ortaya çıkarma, titreyen pitoresklik, dokusal etkiler. 19. yüzyılda Avrupa'da, yağlı boya şövale boyama, nesne ortamıyla ilişkili olarak dekoratif olarak eskisinden daha az hakimdir. Yağlı boya tekniği birçok durumda canlı bir şekilde bireysel, özgür bir karakter kazanır, ancak yavaş yavaş önceki bütünlüğünü, katı sistematikliğini ve çok katmanlılığını kaybeder; Zh.'nin çalışmalarının dayanıklılığı azalıyor (bu, daha önce kullanılan el yapımı boyaların yerini alacak yeni fabrika yapımı boyaların yayılmasıyla da kolaylaştırıldı); palet genişler (yeni pigmentler ve bağlayıcılar oluşturulur); 18. yüzyılın özelliği olan koyu renkli topraklar yerine, 19. yüzyılın başlarında. beyaz topraklar yeniden tanıtılıyor. 19. yüzyılda kullanılan diğer anıtsal sanat türleri (mimari, heykel), anıtsal ve dekoratif resim gibi. neredeyse sadece tutkal veya yağlı boyalar, şu anda çürümeye düştü. Sadece 19. yüzyılın sonlarında - 20. yüzyılın başlarında. anıtsal resmi canlandırmak ve farklı resim türlerini sanat ve el sanatları ve mimari eserleriyle tek bir toplulukta (esas olarak modern sanatta) birleştirmek için girişimlerde bulunulmaktadır; Anıtsal ve dekoratif resmin teknik araçları da güncellenmekte ve silikat boyama tekniği geliştirilmektedir.

19-20 yüzyılların sonunda. tüm dünyada resmin gelişimi özellikle karmaşık ve çelişkili hale geliyor; realist ve modernist akımlar bir arada yaşar ve aynı anda mücadele eder. Büyük Ekim Devrimi'nin ideallerinden beslenen ve sosyalist gerçekçilik yöntemiyle silahlanan resim, SSCB'de ve diğer sosyalist ülkelerde yoğun bir şekilde gelişiyor. Asya ve Afrika, Avustralya ve Latin Amerika'da yeni resim okulları ortaya çıkıyor. 19. ve 20. yüzyıllarda gerçekçi resim. Demokratik eğilimleri ve yaşamla yakın ilişkisi ile Zh.'nin önceki dönemlerden en iyi geleneklerini takip eder. Aynı zamanda, dünyayı tüm çelişkilerinde bilme ve gösterme arzusu, sosyal gerçeklikte meydana gelen derin süreçlerin özü, bazen yeterince görsel bir görünüme sahip olmayan yaşam fenomenlerinin içsel anlamı ile ayırt edilir. ; bu nedenle, birçok gerçeklik olgusunun yansıması ve yorumu, genellikle keskin bir şekilde öznel, genelleştirilmiş sembolik bir karakter kazanır. 20. yüzyılın resmi Duyusal-güvenilir, yanıltıcı, hacimsel-mekansal betimleme yöntemiyle birlikte, görünür dünyayı yorumlamak için yeni (aynı zamanda eski çağlara dayanan) koşullu ilkeleri yaygın olarak kullanır. Zaten post-empresyonizm resminde (P. Cezanne, V. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) ve kısmen 20. yüzyılın bazı eğilimlerinin özelliklerini belirleyen "modern" özelliklerin resminde ortaya çıkıyor. yüzyıl. (sanatçının dünyaya karşı tamamen kişisel bir tutumunun aktif bir ifadesi, rengin duygusal ve psikolojik gücü ve çağrışımsallığı, hayatta gözlemlenen renkli ilişkilerle çok az bağlantılı, formların abartılması, dekoratiflik). 20. yüzyılda ortaya çıkan ilk trendde - Fovizm'de - görüntünün karakteri, parlak renk kontrastlarının gösterişliliği, öncelikle gerçeği yoğun bir şekilde deneyimleyen sanatçının öznel iradesi tarafından açıkça belirlenir. 19. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarındaki büyük Rus ressamlarının sanatında dünya yeni bir şekilde kavranır. - V. A. Serov'un sosyal açıdan zengin, mecazi olarak sivri uçlu resimlerinde, M. A. Vrubel'in yoğun dramatik eserlerinde.

20. yüzyılda kapitalist ülkelerin en büyük sanatçılarının resimlerinde gerçeklik farklı yönleriyle gerçekleşir ve gerçekleşir: Fransa'da P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet; D. Rivera, J.C. Orozco, D. Siqueiros, Meksika; İtalya'da R. Guttuso; J. Bellows, ABD'de R. Kent. Pek çok resimlerinde ve duvar resimlerinde, gerçekliğin trajik çelişkilerinin doğru bir şekilde anlaşılması, kapitalist sistemin deformitelerinin kınanmasına dönüşen yüksek bir duygusal ifade buldu; önde gelen sanatçılar tarafından yapılan resim, tarihsel ve çağdaş olayları belirli bir genişlik, epik ve etkileyicilikle yeniden yaratarak zamanımızın ilerici siyasi fikirlerini teşvik eder; aynı zamanda, dünyanın neşeli ve iyimser bir algısını, maddiliği için bir tutkuyu somutlaştırdı. Yeni, "teknik" çağın estetik anlayışı, yalnızca yaşamın sanayileşmesinin pathos'unun yansımasıyla değil, yalnızca organik formların sıklıkla indirgendiği geometrik, "makine" formların resmine nüfuz etmesiyle de bağlantılı değildir. ama aynı zamanda dünya görüşüne uygun resim arayışıyla modern adam, duygusal olarak yaratıcı renk şemalarına, dekoratif sanatlarda, mimaride ve endüstride kullanılabilecek yeni formlara olan manevi ihtiyaçları. Geniş kullanım 20. yüzyılın başlarından itibaren özellikle kapitalist ülkelerde resimde. burjuva toplumunun kültürünün genel krizini yansıtan çeşitli modernist akımlar aldı (bkz. Modernizm), gerçeklikle canlı bağlantıyı bir dereceye kadar kırarak; Bununla birlikte, modernist resim, zamanımızın “hasta” sorunlarını ve dizginlenemeyen protesto ruhunu bazen dolaylı olarak yansıtır (örneğin, dramatik öfke ve kriz ruh halleriyle Ekspresyonist resimde). Birçok modernist hareketin (kübizm, fütürizm, gerçeküstücülük) resminde, görünür dünyanın az çok kolayca tanınabilen öğeleri parçalanır veya geometrikleştirilir, beklenmedik, bazen mantıksız kombinasyonlarda ortaya çıkar, bu da birçok çağrışıma yol açar, bazen tamamen soyut olanlarla birleşir. formlar. Bu akımların birçoğunun daha ileri evrimi zaten 1910'larda. yol açtı tam bir başarısızlık figüratiflikten soyut resmin ortaya çıkışına....

Resim, Paleolitik kaya resimlerinden 20. yüzyılın en son resim trendlerine kadar yüzyıllar boyunca gelişen eski bir sanattır. Resim, gerçekçilikten soyutlamacılığa kadar bir fikri somutlaştırmak için çok çeşitli olanaklara sahiptir. Gelişimi sırasında muazzam manevi hazineler birikmiştir.

AT antik çağ gerçek dünyayı bir kişinin gördüğü gibi yeniden üretme arzusu vardı. Bu, ışık gölgesi ilkelerinin, perspektif unsurlarının, üç boyutlu resimsel görüntülerin ortaya çıkmasına neden oldu. Gerçekliği resimsel yollarla tasvir etmek için yeni tematik olanaklar ortaya çıktı. Tapınakları, meskenleri, mezarları ve diğer yapıları süslemeye hizmet eden resim, mimari ve heykel ile sanatsal bir bütünlük içindeydi.

Ortaçağ resminin içeriği ağırlıklı olarak diniydi. Sesli, çoğunlukla yerel renklerin, etkileyici konturların ifadesi ile ayırt edildi. Fresklerin ve resimlerin arka planı, kural olarak, ilahi fikri gizemli ışıltısında somutlaştıran koşullu, soyut veya altındı. Renk sembolizmi önemli bir rol oynadı.

Rönesans'ta, evrenin uyumu duygusu, antroposentrizm (evrenin merkezindeki insan), dini ve mitolojik temalar üzerine resimsel kompozisyonlarda, portrelerde, ev içi ve tarihi sahnelerde yansıtıldı. Bilimsel temelli doğrusal ve hava perspektifi sistemi olan chiaroscuro geliştirerek resmin rolü arttı.

XVII-XVIII yüzyıllarda Avrupa resminin gelişim süreci. daha karmaşık hale gelir, her biri kendi gelenekleri ve özellikleri olan ulusal okullar oluşturulur. Resim, yeni sosyal ve sivil idealleri ilan etti, psikolojik sorunlar derinleşti, birey ve çevresindeki dünya arasındaki çelişkili ilişki duygusu. Gerçek yaşamın çeşitliliğine, özellikle bir kişinin günlük ortamına hitap etmek, net bir türler sisteminin oluşumuna yol açtı: manzara, natürmort, portre, ev tipi vb. Çeşitli resimsel sistemler oluşturuldu: karakteristik açık, sarmal kompozisyonuyla dinamik barok resim; zarif renk nüansları, açık tonlar oyunu ile rokoko boyama; açık, katı ve net bir desenle klasisizm resmi.

19. yüzyılda resim, kamusal yaşamda aktif bir rol oynadı. Romantizmin resmi, tarihin ve modernliğin dramatik olaylarına, ışık ve gölgenin kontrastına ve rengin doygunluğuna aktif bir ilgi ile ayırt edildi.

Uzun yıllar gelişimini etkileyen resimdeki devrim, dünyanın değişen güzelliğini aktarmaya çalışan, saf renklerin optik olarak karıştırılmasının olanaklarını ve doku aktarımının etkilerini ortaya çıkaran izlenimciliğin ortaya çıkmasıydı. Sanatçılar resimlerini açık havada boyamak için dışarı çıktılar.

AT geç XIX-XX yüzyıllar resmin gelişimi özellikle karmaşık ve çelişkili hale gelir. Çeşitli gerçekçi ve modernist hareketler var olma hakkını kazanıyor.

görünür soyut resim(avangard, soyutlama, yeraltı), figüratifliğin reddini ve sanatçının dünyaya kişisel tutumunun aktif ifadesini, rengin duygusallığını ve gelenekselliğini, formların abartılmasını ve geometrikleştirilmesini, kompozisyon çözümlerinin dekoratifliğini ve çağrıştırıcılığını belirleyen .

XX yüzyılda. Yeni renkler ve resim yaratmanın teknik araçları arayışı devam ediyor, bu da şüphesiz resimde yeni tarzların ortaya çıkmasına neden olacak, ancak yağlı boya hala sanatçıların en sevilen tekniklerinden biri olmaya devam ediyor.

Gördüğünüz resimlerin çoğu şövale resimleri. Bu terim, resimlerin özel bir şövale üzerine boyandığı anlamına gelir. Çerçevelenebilir, duvara asılabilir veya hediye olarak verilebilir. Başka bir deyişle, bir şövale resmi, düz bir arka plan üzerine boyanmış bir resimdir: kağıt, tuval, tahta. Bu resim türüne yağlı boya tablolar hakimdir, ancak diğer malzemelerin kullanıldığı resimler de vardır - guaj ve suluboya, pastel, mürekkep, karakalem, akrilik boyalar, renkli kalemler vb.

Uygulanan şövale boyama türlerinden biri, tiyatro ve dekoratif boyamadır - kahramanlar ve mizansenler için kostüm eskizleri.

Anıtsal boyama - binaların boyanması

Anıtsal resim, yapıldığı yerden ayrı olarak var olamaz. Bu resim türü, görkemli tapınakların inşa edildiği 16. ve 19. yüzyıllarda çok popülerdi. en iyi sanatçılar kasalarını boyadı. Anıtsal resmin en yaygın türü, ıslak sıva üzerine su bazlı boyalarla yapılan fresktir.

Kuru sıva - secco - üzerine boyamak da yaygındı, ancak bu tür işler zamanımıza göre daha kötü durumda kaldı. Anıtsal resmin en ünlü örneği, Michelangelo'nun yer aldığı Sistine Şapeli'nin büyük ölçekli resmidir. Eleştirmenlere göre, şapelin freskleri Dünyanın Sekizinci Harikası ile eşitlenebilir.

Anıtsal resmin en eski eserleri, ilk insanların kaya resimleridir.

Dekoratif boyama - uygulamalı sanat

Dekoratif resim sanat ve el sanatları ile yakından ilgilidir. Dekorasyonda oldukça destekleyici bir rol oynuyor. çesitli malzemeler. Dekoratif boyama, ev eşyalarını, mobilyaları, mimariyi süsleyen çeşitli desen ve süs eşyalarıdır. Bu tür resimlerin yazarları bilinmiyor olabilir - basit köylü evleri ve mobilya resimleri de bu türe aittir.

Minyatür boyama - sevimli küçük şeyler

Başlangıçta minyatür resim, kitap tasarımı sanatıydı. Eski kitaplar büyük bir özenle yapılmıştı ve çok pahalıydı. Dekorasyonları için, bölümler arasındaki büyük harfleri, kapakları ve ekran koruyucuları güzelce tasarlayan özel ustalar tutuldu. Bu yayınlar gerçek bir sanat eseriydi. Minyatür resminin katı kurallarına bağlı kalan birkaç okul vardı.

Daha sonra minyatürlere küçük ölçekli resimler denilmeye başlandı. Hatıralık ve unutulmaz hediyeler olarak kullanıldılar. Küçük boyutuna rağmen, bu tür bir resim büyük bir hassasiyet ve beceri gerektiriyordu. Hediyelik eşya minyatürleri için en popüler malzemeler ahşap, kemik, taş ve metal levhalardı.

Tavsiye 2: Şövale türleri nelerdir: temel ve popüler

Çizim, yaratıcılığın en ilginç yönlerinden biridir. Ancak bir resim yapmak için sadece fırçaları ve boyaları değil, aynı zamanda bir şövale de doğru seçmeniz gerekir.

Bazı insanlar için yaratıcılık, yani çizim, hobi veya hobi şeklinde yaşamın ayrılmaz bir parçasıdır. profesyonel aktivite. Sanatçılar ve amatörler, çalıştıkları malzeme ve cihazlara özel önem verirler. Yani şövaleler ayrılmaz bir parçadır Yaratıcı süreç, bu nedenle bu yardımcı öğeleri daha ayrıntılı olarak ele almaya ihtiyaç vardır.

yani şu anÜç ana şövale türü vardır, bunlar: üç ayaklı şövale, dikey panel (sabit) şövale ve eskiz defteri. Her tür şövale kendi karakteristik özellikler. Örneğin tripodların montajı ve kullanımı çok kolaydır. Böyle bir şövale her zaman demonte edilebilir, katlandığında bu cihaz çok az yer kaplar.

Aynı zamanda dikey panel şövaleler oldukça kullanışlıdır, yükseklik ve eğim açısını ayarlama işlevlerine sahiptir, ancak sabit olmaları nedeniyle çok fazla yer kaplarlar. Bu tür şövalelerde kağıt veya gerilmiş kanvas sabitleme ilkesi pratikte değişmez. Altta, sarf malzemelerinin yeri için küçük bir panel var: kurşun kalemler, boyalar, fırçalar ve diğer şeyler.

Eskiz defterleri doğada hayattan resimler yapmak için kullanılabilir. Aynı zamanda bu cihaz monte edildiğinde, tuvalin yazıldığı yere uzun yolculuklar yapabileceğiniz küçük bir bavula dönüşüyor.

En popüler şövaleler

Tripod şövaleler en popüler olanlarıdır. Bu, kolaylık ve kompaktlıklarından kaynaklanmaktadır. Ek olarak, satın almak için para harcamak istemiyorsanız, böyle bir şövale bağımsız olarak yapılabilir.

Stüdyoda veya evde çalışmak için masa şövaleleri, yani dikey panelli şövaleler sıklıkla kullanılır. Bu tip, tek bir yerde çalışırken uygundur, çünkü nakliyesi, nesneyi daha fazla parçaya ayıramama nedeniyle engellenir. küçük parçalar ardından montaj yapılır. Aynı zamanda, her tür şövale belirli bir kullanım amacı için tasarlanmıştır, ancak tripod haklı olarak en çok yönlü olarak kabul edilebilir, çünkü her ikisi için de kullanılabilir. kalıcı iş stüdyoda ve doğada doğadan çalışmak için, tabii ki çok büyük değilse.

Kaynaklar:

• Şövalelerin sınıflandırılması

Yüzeyleri boya ve fırça ile süsleme sanatına sanatsal resim denir. Ressamın tasarladığı alanın bir parçası olduğu için resim kavramı resimden ciddi şekilde farklıdır.

Sanatsal boyama, orijinal olarak herhangi bir demokratik ve kolay elde edilen malzemeye uygulandı: deri, ahşap, doğal kumaşlar, kil ve kemik. Beceriler, ustalar tarafından nesilden nesile aktarıldı, özel sanatsal teknikler, bu da ürünün tanınmasına yardımcı oldu. Zamanla süslemenin en anlamlı ve etkileyici uygulaması seçilmiştir. Mimaride tavanlar, tonozlar, duvarlar, kirişler resimlerle süslendi ve günlük yaşamda ev eşyalarına dekor uygulandı.

Çeşitli resim türlerinin sistemleştirilmesi ilk olarak 1876'da Profesör A.A. Isaev, "Moskova eyaletinin El Sanatları" başlıklı iki ciltlik kitabında. Sanatsal resim işletmeleri, Rusya ve yurtdışındaki pazarlardaki talebi karşılamak için çalışmalarını geliştirmeye devam etmektedir.

Khokhloma boyama

Zengin çiçek süslemesinde manastırlardan gelen ince bir fırçanın hüneri kullanılmıştır. Oradan, altın kullanılmadan tabakların altın renginde nasıl boyanacağının sırrı ortaya çıktı. Tablo günümüze kadar değişmemiştir ve antik çağlardan günümüze kadar olan süreç aynıdır. Tahtadan bir torna tezgahında boş bir tabak döndürülür, daha sonra özel hazırlanmış bir kil çözeltisi ile astarlanır veya yapay astarlar kullanılır. Bulaşıklar, daha az sıklıkla kalay veya gümüş bazlı boya ile kaplanmıştır - alüminyum. Tasarlanan motife göre boyarlar ve fırında kuruturlar, ardından cilalarlar ve tekrar sıcak kurutma yaparlar.

Ürün birkaç kez yoğun ısıl işleme tabi tutulduğundan, boyalar parlaklığı olanlardan seçilmiştir. yüksek sıcaklıklar etkilemedi. Siyah, altın ve zinoberdir.

Gzhel porselen

Gzhel benzersizdir, çünkü her sanatçı klasik ve tanıdık motifler kullanarak tekniği bireysel olarak yaratır. Ana rol, ustanın deneyimine ve fırçasının hareketine aittir. Aynı zamanda lacivertten uçuk maviye uyumlu geçişler beyazlık üzerinde tek vuruşta belirir. Sadece bir boya kullanılır, kobalt ve çizimi ilk defa çok hızlı yapılır.

matruşka

Birbirine yuvalanmış farklı boyutlardaki bu figürinler Japonya kökenlidir. Bu bebekler, 1900'de Paris'teki bir sergiden sonra büyük popülerlik kazandı. Ana üretim, hem resim hem de tornacılarla ünlü Polkhovsky Maidan köyünde gerçekleşti - sonuçta, yuvalama bebeklerinin şeklinin oyulması gerekiyordu.

Polkhov matryoshka var ayırt edici özellikleri, diğerleri arasında tanınabilir. Küçük darbelerle boyanmış bir yüzü ve alın bölgesinde bir yaban gülü çiçeği var. Eşarp rengi sundress rengiyle tezat oluşturuyor ve arkadan matryoshka 2/3 kırmızı veya yeşil. Önlük ovaldir ve boyundan yere kadar uzanır.

Vyatka'dan işlenmesi en zor, saman kaplı matryoshka.

Hemen hemen her kız, eğer boş zamançalışmalar veya flört ile aşırı yüklenmemiş, bir veya daha fazla hobisi var. Bazıları özgünlükleriyle kısa süreliğine onu büyüler, bazıları ise ömür boyu yoldaş olur.

Talimat

Kadın hobisinin en yaygın türü her türlü iğne işi olarak adlandırılabilir: örgü ve tığ işi, makrome, dikiş, nakış. Böyle bir hobi sıfırdan ortaya çıkmaz, geleneksel olarak kızlarının ve torunlarının huzurunda onlarla meşgul olan annelerden ve büyükannelerden gelir. Küçük kız meraklanır ve yetişkinlerden ona nasıl ilik, düğüm, dikiş veya zincir dikiş yapılacağını göstermelerini ister. İlk başta işe yaramaz ve bir süre yeni hobisinden bile vazgeçebilir, ancak birkaç yıl sonra doğanın bedelini ödeyecek ve şimdi bir genç kız ilk kot pantolonunu dikecek veya bere örecek.

Akşamları diğer faaliyetler için boş bırakmak çok zaman alıcı olmayan çiçekçiliktir. Bütün kadınlar çiçekleri sever ve kendi elleriyle yetiştirilenler büyük ilgi görür. Sürgünlerin görünümünü, büyümelerini ve ardından çiçeklenmelerini izlemek anneliğe benzer, bu yüzden adil cinsiyetin çoğuna zevk verir. Gül ve menekşe bakımı için sabrınız yoksa, klorofit, spathiphyllum veya basit kaktüslerle başlayabilirsiniz.

Küçük bir çocuğun en eski hobileri çizim yapmak ve müzikle uğraşmaktır. Onlar için yetenek varsa, o zaman taahhütler kaybolmaz, ancak dışsal ve iç dünyalar resim ve dans yoluyla. Yetenek yoksa, ancak ruh ısrarla tüm dürtülerinin ifadesini talep ederse, kız iyi bir fotoğrafçı olur. Fotoğraflarında çoğunlukla akrabalar ve arkadaşlar, hayal gücünü yakalayan doğanın önemli yerleri ve köşeleri yer alır.

Potansiyelinizi gerçekleştirmenin başka bir yolu da, el sanatları yapmaktır. çeşitli malzemeler. Bu, kil modelleme ve sabun yapımı, oymacılığı ve tasarımıdır. İkincisi bir mesleğe dönüşebilir ve para kazanmanın iyi bir yolu olabilir. Ve oymacılık bir tür ortak olarak adlandırılabilir, ancak her şeyi kapsayan hobiden uzak - yemek pişirme. Hemen hemen her kız, en basit yulaf lapası ve çorbayı pişirebilir, buzdolabında bulunan her şeyden pizza pişirebilir, ancak sadece birkaçı orijinal yemekler hazırlama sanatına sahiptir.

Ve son olarak, her yaştan ve sosyal kategoriden kadınların genel hobisi falcılıktır. Çoğu zaman kartlarda, ancak sonuçları elde etmek için sarkaçlar, kahve telvesi, el falı ve diğer kehanet yöntemleri de kullanılır. Geçmişi ve geleceği bilmek sıkıcı olamaz ve uzmanlaşmak ayrı form bir kızı gerçek bir ustaya dönüştürebilir.

Yuvarlak ve düz, ahşap saplı ve plastik, sansar ve midilli. Çeşitli şekiller ve fırça türleri, sanatçının tuval veya kağıt üzerinde şaheserler yaratmasına yardımcı olur. Bu nedenle, örneğin, esas olarak sulu boya ile çalışmak için bir sincap fırçası kullanılır ve yazı için doğrusal bir fırça kullanılır.

Fırça şekilleri

En yaygın ve çok yönlü fırça şekillerinden biri yuvarlaktır. Böyle bir fırça demeti, genellikle metal olan yuvarlak bir klipse sabitlenir. Fırçalar farklı boyutlarda olabilir. Minyatürler oluşturmak için küçük bir kiriş kullanılır ve büyük manzaralar için büyük bir kiriş kullanılır. Yuvarlak bir fırça, aynı kalınlıkta tek tip bir çizgi sağlar, ancak yetenekli bir sanatçı bunu değiştirebilir.

Kompozisyonun geniş alanlarını düz fırçalarla çalışmak iyidir, içlerinde çok fazla boya tutarlar. Böyle bir fırçayla yapılan vuruşlar pürüzsüz ve geniştir.

"Kedi gözü" adı verilen fırça oval veya kubbeli bir şekle sahiptir. Böyle bir fırça kullanımda çok bireyseldir ve yuvarlak ve düz olarak aynı şekilde uygulanabilir.

Düz fırçaların bir alt türü konturdur, benzer bir şekle sahiptirler, ancak demet daha kısadır ve buna göre daha elastiktir. Bu tür fırçalar yağlı boya teknikleri için kullanılır, düz vuruşlar yapmak ve konturları netleştirmek kolaydır.

Tip fırçaların, konturları yazmanıza ve uygulamanıza izin veren ince, keskin uçlu yuvarlak uzun bir demeti vardır. Bu tür fırçalar sıvı boyalarla kullanılır.

Rötuş fırçaları ayrıca çeşitli düz fırçalara aittir, özellikleri açılı olarak uç kesiminde yatmaktadır. Bu fırçalar, bir renkten diğerine çok ince vuruşlar ve yumuşak ve hassas geçişler oluşturmak için kullanılır. Bunun nedeni ince ve keskin uçtur.

Çizgi fırçaları, yazı fırçaları gibi yuvarlak, uzun bir ışın şekline sahiptir ve yazıları uygulamak ve uzun, eşit çizgiler oluşturmak için kullanılır. Çizgi fırçalar, tip fırçalardan daha kısadır, ancak yuvarlak olanlardan daha uzun ve daha incedir.

Flüt fırçaları, boyamaya ek olarak, makyaj, yani pudra veya allık uygularken kullanılır. Bu yumuşak fırçalar, suluboya ile ücretsiz boyama için tasarlanmıştır. Çok fazla su tutarlar, böylece kesintisiz uzun, sağlam, düzgün çizgiler çizebilirler.

Fan fırçalarının fan şeklinde ince bir demeti vardır. İnce renk uzantıları, renk geçişleri ve kontrastlar oluşturmak için kullanılırlar.

Fırça türleri

Şekil ve boyutlara ek olarak, fırça türlerinde, yani demetin ne tür saçtan yapıldığı konusunda önemli bir fark vardır. En yaygın fırça türü sincaptır. Bu tür fırçalar, bir sincapın işlenmiş kuyruk kıllarından yapılır, çünkü en uzun yığın kuyruktadır. Sincap fırçaları çok yumuşak ve hassastır, bu nedenle özel bakım gerektirirler. Sulu boya veya diğer su bazlı boyalarla çalışmak için kullanılırlar.

Kolinsky fırçaları işlenmiş kolinsky kuyruk kıllarından yapılır. Bu fırçalar oldukça yumuşak ve aynı zamanda elastiktir. Bu nedenle kullanılırlar

"Resim" kelimesi Rusça "canlı" ve "yaz" kelimelerinden gelir, "canlı yazı" ifadesi elde edilir. Bir sanat formu olarak resim, doğaçlama malzemeler (kalem, boya, hamuru vb.) yardımıyla düz yüzeylere çizilen gerçek dünyanın görüntüsü anlamına gelir. Gerçek dünyanın sanatçının hayal gücünün prizmasından izdüşümünün - bu resim olduğunu söyleyebiliriz.

resim türleri

Bu, yalnızca sanatçının çalışmasını gerçekleştirme tekniğine ve kullanılan malzemelere değil, aynı zamanda yaratıcılığın içeriğine ve anlamsal mesajına da bağlı olan çeşitli gerçekliği tasvir etme türleri ve teknikleriyle doludur. Duyguları, duyguları ve düşünceleri iletmek için sanatçı öncelikle oyunun kurallarını renk ve ışıkla kullanır: renk tonlarının oranı ve vurguların ve gölgelerin oyunu. Bu sır sayesinde resimler gerçekten canlıdır. Bu etkiyi elde etmek için renkli malzemeleri ustaca kullanmanız gerekir. Bu nedenle, türleri çizim tekniğine ve boya türlerine bağlı olan boyama, suluboya, yağlı boya, tempera, pastel, guaj, balmumu, akrilik vb. Her şey sanatçının arzusuna bağlıdır.

Görsel sanatlarda, bu tür ana resim türleri vardır:

1. Anıtsal resim. Bu tür sanatın adından, yaratılışın yüzyıllar boyunca yaşayacağı ortaya çıkıyor. Bu tip mimari ve güzel sanatların bir simbiyozunu ima eder. en çok dini tapınaklarda görülür: bunlar boyalı duvarlar, tonozlar, kemerler ve tavanlardır. Çizim ve yapının kendisi birleştiğinde bu tür çalışmalar derin bir anlam kazanır ve küresel bir kültürel değer taşır. Freskler giderek daha sık bu tür resimlerin altına girer. Kural olarak, sadece boyalarla değil, aynı zamanda seramik karolar, cam, renkli taşlar, kabuklu kaya vb.

2. Bu tür güzel sanatların türleri çok yaygındır ve her sanatçı için erişilebilirdir. Bir resmin şövale olarak kabul edilebilmesi için, yaratıcının bir tuvale (şövale) ve bunun için bir çerçeveye ihtiyacı olacaktır. Böylece resim bağımsız olacak ve nerede ve hangi mimari yapıda bulunduğu hiçbir fark olmayacak.

3. Dekoratif ve uygulamalı boyama. Yaratıcılığın ifade türleri ve biçimleri sınırsızdır ve bu tür sanatlar kanıt işlevi görebilir. bin yıldan fazla bir süredir var: bunlar ev dekorasyonu, tabak boyama, hediyelik eşya yaratma, kumaş boyama, mobilya vs. Yaratıcılığın özü, nesne ve üzerindeki çizimin bir olmasıdır. Bir sanatçının bir nesne üzerinde tamamen uygunsuz bir çizim yapması kötü bir zevk olarak kabul edilir.

4. Tiyatro gösterileri ve sinema için görsel bir tasarımı ifade eder. Bu tür sanat, izleyicinin bir oyunun, oyunun veya filmin görüntüsünü daha doğru bir şekilde anlamasını ve kabul etmesini sağlar.

resim türleri

Sanat teorisinde, her biri kendi özelliklerine sahip olan resim türlerini vurgulamak da önemlidir:

Vesika.

Natürmort.

İkonografi.

hayvancılık.

Hikaye.

Bunlar, sanat tarihinde uzun süredir var olan başlıcalardır. Ancak ilerleme durmuyor. Her yıl türlerin listesi büyür ve artar. Böylece soyutlama ve fantezi, minimalizm vb. Ortaya çıktı.