Dialektika objektive e vetëzhvillimit të shoqërisë në pasurinë e prirjeve të jetës shpirtërore pasqyrohet në mënyrë të gjithanshme në sistemin e koncepteve: "stili", "drejtimi", "rrjedhja", "metoda", "mënyra".

Teoria estetike moderne zgjedh konceptin e “drejtimit” si pikënisje, duke e parë atë si një mjet efektiv të sistemimit të artit. Ai është në gjendje të zbulojë dialektikën e tipikes dhe individuales, universales dhe të veçantës, kryesisht në artin e epokës së re - një periudhë kur individualizimi i përvojës shpirtërore të njerëzimit po thellohet jashtëzakonisht, duke krijuar një mori prirjesh, tendencat, sjelljet stilistike në lloje të ndryshme të artit. Studimi i problemit ndodh kryesisht në materialin e literaturës.

Nëse marrim parasysh modelet zhvillimin artistik gjatë historisë së saj të gjatë, aq më e frytshme është qasja e propozuar në atë kohë nga G. Hegel. Për të sistemuar modelet e jetës historike të artit, Hegeli përdor konceptin e stilit. Stili si kategori e krijimtarisë artistike pasqyron unitetin e brendshëm të sistemit figurativ dhe mjeteve të shprehjes artistike, të krijuara nga ideja artistike dhe praktika e mishërimit të saj sensual në materialin e artit. Hegeli dëshmon se stili në art është një koncept “volumetrik”. Ai mbulon specifikat e artit si një mishërim sensual i një ideje, domethënë tipari thelbësor i saj. Koncepti i "stilit" mund të shtrihet edhe në disa ligje të përfaqësimit artistik, që rrjedhin nga natyra e llojit të artit në të cilin paraqitet imazhi. Thuaj, në muzikë ka një stil kishë dhe opera, në pikturë - një stil piktura historike dhe vepra të zhanrit dhe të ngjashme. Koncepti i "stilit" kupton edhe llojin e të menduarit artistik.

Sistemi i koncepteve që pasqyron jetën historike të shoqërisë, i mishëruar në gjuhën e artit, filloi të merrte formë në shekullin e 18-të. Vërtetë, koncepti i "stilit" ka qenë i njohur në kulturën evropiane që nga lashtësia. Në fillim u përdor në një kuptim thjesht filologjik - për të shpjeguar veçoritë e ndërtimit të fjalive në të folur dhe në të shkruar. Në këtë kuptim, ajo kishte rrënjë në poetikën dhe retorikën e antikitetit dhe mesjetës. Qëllimi i stilit ishte të vëzhgonte kthesat dhe fjalorin e duhur frazeologjik, në varësi të llojit të letërsisë (doktrina e lashtë e tre stileve u ruajt deri në epokën e klasicizmit). I. Winkelman e zbatoi atë në një kuptim më të gjerë: për t'iu referuar modeleve të zhvillimit artistik në përgjithësi. F. Schiller (“E bukura në art”), duke ndjekur Winckelmann-in, e lidh bukurinë e artit me prezencën e stilit, pra ai e konsideron stilin si një lloj krijimtarie artistike.Ky koncept përfshin veçoritë. gjuha artistike, mjetet e shprehjes kushtëzuar nga materiali i artit dhe subjekti i imazhit. Në ndryshim nga subjektivizmi i artistit (mënyra), stili shihet si pavarësia më e lartë e imazhit nga të gjitha përkufizimet subjektive dhe objektivisht të rastësishme.

Romantikët përpiqen me vetëdije të krijojnë një unitet stilistik të artit, duke u mbështetur, nga njëra anë, në përvojën e Greqisë klasike dhe nga ana tjetër, në artin popullor. Në punën e tyre, stili njihet si baza e artit. Stili lidhet me veprën individuale të artistit, por aq individual në të, në të cilën mishërohet pjesëmarrja e artistit në të pafundmen, hyjnoren. Poetët romantikë shohin profetë, parathonë çlirimin e njerëzimit nga realiteti shtypës duke krijuar një "botë poetike" (Novalis, Schlegel).

Hegeli zbulon atë që është e natyrshme në zhvillimin e artit në bazë të unitetit stilistik të llojeve të tij. Ai e konsideron stilin pasi mjeshtëria e figurës korrespondon me natyrën e të përshkruarit dhe natyrën e një lloji të caktuar arti. Koncepti i stilit në këtë kuptim i kundërvihet mënyrës. Sipas filozofit, mënyra lind për faktin se artisti rrjedh nga tekat e tij, në vend që të respektojë ligjet e formimit artistik. Bazuar në historinë e zhvillimit artistik të njerëzimit, ai ndërthur të gjithë pasurinë e artit në një sistem të caktuar krijimi. format e artit. Prandaj, e tyre tiparet e stilit vendosen në forma simbolike, klasike, romantike.

Në të ardhmen, në bazë të ideve të Hegelit, studimi i modeleve të zhvillimit artistik u krye edhe nga historianë të njohur të artit (A. Wrigley "Shfaqja e artit barok në Romë"; G. Wölfflin "Rilindja dhe barok", "Konceptet bazë të historisë së artit. Problemi i evolucionit të stilit në artin e ri", V. Weidle "Vdekja e artit" dhe të tjerë). Në veprën "Rilindja dhe baroku" G. Wölfflin analizon stilin e epokave si formacione historike dhe tipologjike, duke zëvendësuar radhazi njëra-tjetrën. V. Weidle lidh periudha veçanërisht të frytshme të zhvillimit artistik të shoqërisë me unitetin stilistik të artit. Origjinën e së përbashkëtës në formimin artistik e sheh në “psikologjinë e epokës”. D. Likhachev e konkretizon këtë ide, duke besuar se koncepti i "stilit të epokave" karakterizon ato periudha të zhvillimit artistik kur ende nuk ka tendenca të veçanta në art dhe stile individuale artistët, domethënë stilet formohen në bazë të kanuneve artistike. Studiuesi ukrainas D. Nalivaiko e karakterizon stilin si një kategori universale të krijimtarisë artistike, duke theksuar se ai nuk është një formë e duhur dhe jo një sintezë formash, por "parime formëformuese që përshkojnë strukturën e një vepre". M. Kagan vë në dukje sigurinë objektive të cilësive estetikisht artistike të stilit: ai kushtëzohet nga një përmbajtje e caktuar, por në vetvete është cilësia e formës, ligji i strukturës së tij.

Përfshirja e artit nga koncepti "stili" manifestohet në disa nivele: së pari, në nivelin e jetës historike të artit (stili i madh), së dyti, në nivelin e origjinalitetit kombëtar të jetës artistike; së treti, në nivelin e veçorive stilistike të prirjeve dhe prirjeve artistike; së katërti, në nivelin e stileve individuale artistike. Në fund, mund të flasim për stilin e një vepre të vetme letrare.

Stilet e shkëlqyera në art. Stili si një unitet strukturor i sistemit figurativ dhe metodave të përfaqësimit artistik, i përdorur për të karakterizuar origjinalitetin e artit të epokave historike, përcaktohet nga koncepti i stilit të madh. Integriteti i jetës së epokave historike, i përqendruar rreth simboleve të indiferencës universale, është baza për krijimin e stileve të Mëdha. Në imazhet simbolike të artit të Stileve të Mëdha, pasqyrohet ajo që është thelbësore në përvojën shpirtërore, domethënë "ajo që saktësisht vetëdija e konsideronte absolute" (Hegel). Meqenëse përmbajtja e përvojës mishërohet në simbole të indiferencës universale, ato përfshijnë parimin e formimit të tyre.

Duke pasur parasysh ligjet e formësimit artistik, historia e njerëzimit mund të ndahet në tre faza. Historikisht, më e hershme dhe më e gjata - faza e artit sinkretik. Filloi rreth 10 mijë vjet para Krishtit. e dhe vazhdoi deri në mijëvjeçarin III-II para Krishtit. e) në rajonet e Afrikës së Veriut, Azisë së Vogël, Indisë, Kinës, rajonit të Detit të Zi (zonat e zhvillimit më të hershëm të kulturës). Elementet e artit në këtë fazë nuk janë të ndara nga krijimi praktik i jetës dhe nuk kanë marrë një lloj aktiviteti specifik, që është arti. Karakteristikë e kësaj faze është depërtimi i elementeve figurative në lloje te ndryshme aktivitete praktike. Ky është një fenomen i simbolizimit të përmbajtjes së veprimtarisë dhe pasojave të tij, një periudhë mitosvidomo me elemente artistike.

Etapa e dytë në historinë e artit është epoka e zhvillimit të duhur artistik. Koha e saj historike - që nga formimi i shteteve të para (Sh-P mijë para Krishtit) e deri fundi i XIX në. Kjo është epoka në të cilën arti arrin kulmin e saj, dallohet nga një mori llojesh, zhanresh, diversiteti stilistik, një sërë tendencash, drejtimesh, metodash. Arti interpretohet gjatë kësaj periudhe si lloji kryesor i përvojës shpirtërore, ai konsolidon njohuritë, aftësitë praktike, idetë për botën në një formë holistike, të perceptuar sensualisht. Arti zhvillohet brenda stileve të Mëdha. Sipas karakterizimit të Hegelit, kjo është një formë arti simbolike, klasike, romantike. Arti në kuadrin e kësaj faze përkufizohet si forma udhëheqëse e ndërgjegjes shoqërore, nën ndikimin e së cilës ndikohen të gjitha të tjerat (fetare, morale, filozofike, politike, etj.).

Faza e tretë është faza e postartistikës. Fillon në fund të shekullit të 19-të. dhe karakterizohet nga shkatërrimi i tërësisë së imazhit të botës, humbja e sigurisë shpirtërore të përmbajtjes dhe e gjuhës artistike e figurative të artit, dominimi i subjektivizmit të sjelljeve stilistike. Domethënë, humbet siguria thelbësore e artit si një lloj i caktuar përjetimi shpirtëror, i mishëruar në një gjuhë të veçantë, integrale, artistiko-figurative. Për rrjedhojë, arti e humbet rëndësinë e tij si zëdhënës dhe forcë formuese e përvojës shpirtërore të shoqërisë dhe të individit. funksionet njohëse nga arti në shkencë. Lidhja mes artit dhe formësimit praktik zhduket. (Zëvendësohet nga formimi estetik: ndërtimi i formave objektive). Arti gjithashtu humbet lidhjen e tij me moralin, pasi jeta shpirtërore e individit pushon së qeni subjekt kryesor i krijimtarisë artistike. Spiritualiteti, i cili ishte përmbajtja kryesore e artit në të gjitha kohërat e lulëzimit të tij historik, zëvendëson argëtimin si i tillë. Ai nuk i bën thirrje ndjenjave, por sferës emocionale të subjektit, sepse nuk përmban nevojën për të kuptuar përvojat e subjektit të indiferencës. Gjatë kësaj periudhe, arti humbet përfundimisht sigurinë e tij thelbësore - natyrën e tij artistike dhe figurative.

Siç u përmend tashmë, faza më e frytshme në historinë e zhvillimit artistik të njerëzimit është epoka e Stileve të Mëdha, të cilat u investuan në tre forma kryesore artistike: simbolike (arti i qytetërimeve të hershme të Lindjes së Mesme); klasik (art i lashtë grek dhe romak); romantike (arti i vendeve evropiane nga mesjeta deri në shekullin e 19-të përfshirëse). Faktorët stilo-edukativë kanë origjinalitetin e lidhjes ndërmjet idesë (përmbajtjes së artit) dhe formës (mishërimi sensual-figurativ i idesë). Ky është problemi i përshtatshmërisë së brendshme të formës, e cila organizon zhvillimin e idesë së një vepre me gjithë vitalitetin e saj. Forma artistike është krijuar për të zbuluar spiritualitetin e përmbajtjes, vitalitetin e saj të brendshëm shprehës - përshtatshmërinë e një mënyre të tillë të ekzistencës artistike. 3 Nisur nga sa më sipër, forma e artit është elementi kryesor në krijimin e një stili. Është një formacion i qëndrueshëm, që kupton frymën e kohërave, atmosferën e epokave historike, duke fiksuar përsëritësen në imazhet artistike. Amplituda e zhvillimit të formës brenda stilit ndodh kryesisht në drejtimin midis më të përsosurit dhe më pak të përsosurit, domethënë problemi është niveli i aftësisë dhe jo mënyra e të parit.

Origjinaliteti i formës është për shkak të kohës së saj: stilit të jetesës së epokës. Për shembull, tragjedia e lartë antike përballë përfaqësuesve të saj të shquar Eskilit, Sofokliut, Euripidit pasqyron kuptimin e grekëve për njeriun si një "zot të vdekshëm". Drama borgjeze e shekullit të 18-të përcjell jo vetëm demokratizimin e jetës, por edhe ngushtimin e shkallës së karakterit njerëzor. Konflikti merr një përmbajtje lokale, duke u lidhur me rrjedhën e përditshme të ngjarjeve. Bota e brendshme e personalitetit borgjez është e kundërt me impulsin e lartë shpirtëror, patosin heroik dhe tragjik, karakteristikë e heroit antik.

Baza shpirtërore për krijimin e stilit është një ide universale mbi-personale. Për shkak të sigurisë estetike të manifestimit të tij, ai përmbahet në simbole imazhi integrale. Kjo është një ide që është në gjendje të fitojë vitalitet, e mishëruar në mënyra shprehëse, të perceptuara sensualisht, artistikisht të përsosura të manifestimit. Integriteti i brendshëm i artit në kohën e Stileve të Mëdha është për shkak të integritetit të botëkuptimit në bazë të mitologjisë (brenda formave të artit simbolik dhe klasik) dhe fesë (formës së artit romantik). Imazhi i botës dhe i ekzistencës njerëzore në to është "i dhënë" - i përcaktuar nga përmbajtja e besimit. Prandaj, stilet e mëdha janë formacione kulturore, që është pasojë e qëndrimit emocionalisht indiferent, të përcaktuar estetikisht të komuniteteve të mëdha njerëzore ndaj imazheve universale të indiferencës (zotat e mitologjisë dhe perënditë e feve monoteiste). Realiteti shfaqet në to jo aq shumë si një objekt i njohjes dhe reflektimit logjik (forma marrëdhëniesh që e tjetërsojnë objektin e indiferencës nga plotësia sensuale e qenies së tij), por si një objekt ndjenjash.

Natyra e imazheve “të dhëna” nga miti apo kanuni fetar, çon në kanonikitetin e formës artistike. Përpjekjet e artistit kanë për qëllim krijimin e një imazhi në përputhje me modelin. Kanuni si një metodë estetike e formësimit artistik është organik për stilet Grand. Ai synon të afirmojë natyrën "e përjetshme" të ideve personale që ushqejnë shpirtin e komunitetit. Formimi brenda kanunit e lë të pandryshuar thelbin shpirtëror të figurës. Diversiteti kryhet kryesisht për shkak të detajeve individuale që thellojnë nuancat e marrëdhënies pa ndryshuar thelbin e tyre. Imazhet në të cilat janë ngulitur besimet perceptohen si të frymëzuara fuqitë më të larta sugjeruar prej tyre.

Stili i madh është një sistem integral i aftë për vetë-zhvillim. Hegeli zbulon natyrën natyrore të zhvillimit të stileve në bazë të lidhjes dialektike midis idesë dhe imazhit, duke treguar tre lloje marrëdhëniesh midis idesë dhe formësimit të saj. Në artin simbolik, ideja nuk ka marrë ende një definicion kuptimplotë në vetvete. abstraktiteti i saj çon në figurativitetin e rastësishëm të gjuhës artistike. Një shembull i mrekullueshëm i kësaj është arti i Egjiptit të Lashtë. Për shembull, figurat e sfinksave (një krijesë me trupin e një luani dhe kokën e një njeriu), duke qenë personifikimi i pushtetit mbretëror, dëshmojnë qartë për konvencionalitetin e një simboli të tillë, abstraktitetin e formës së mishërimit të ideja.

Forma e dytë - stili klasik artistik - eliminon konvencionalitetin e imazheve simbolike. Karakterizohet nga korrespondenca e idesë dhe metodës së mishërimit të saj artistik, domethënë: ideja e përsosmërisë fiton një jetë ekspresive, të përcaktuar në imazhin njerëzor. Është ideja më e përshtatshme e përmbajtjes. Mbi këtë bazë, Hegeli vëren me të drejtë se është pikërisht arti klasik ai që krijon idealin e kompletuar dhe e lejon njeriun ta sodit atë si të realizuar. Ky është arti i lashtë grek. Në të, ideja merr formën e qenies natyrore të spiritualitetit individual. Këta janë heronjtë e tragjedive të Behilit, Sofokliut, Euripidit; heronjtë e veprave skulpturore të Polikleitos, Phidias, Praxiteles, Agesander. Në skulpturën greke të epokës klasike Trupi i njeriut në spiritualitetin e tij - një manifestim i përdorimit të shpirtit njerëzor: ai zë dhe organizon çështjen e jetës njerëzore.

Forma e tretë - stili artistik romantik - prishet me unitetin e idesë së natyrshme në artin klasik dhe mishërimin e tij sensual në gjuhën figurative. Kujtojmë se në formën klasike të artit, qenia shpirtërore dhe sensuale lindin si një korrespondencë ideale me njëra-tjetrën. Është ky vizion që është i pakëndshëm në formën e artit romantik. Ai zbulon një lloj të ri mospërputhjeje midis idesë artistike dhe mishërimit të saj sensual. Shpirti shpaloset tek ai si subjektiviteti i pafund i idesë, nuk mund të mishërohet në mënyrë adekuate për sa kohë që forma trupore është e vetmja mënyrë e caktuar e qenies së tij. Stili romantik karakterizohet nga një jetë e brendshme e vetëdijshme. Ndryshe nga idetë sensuale për format e qenies së shpirtit, karakteristike për llojet e mëparshme të artit, arti romantik hyn thellë në jetën e brendshme shpirtërore dhe e bën atë materialin dhe përmbajtjen e tij. Forma romantike e artit shfaqet si manifestimi më i zhvilluar dhe më sublim i vitalitetit të shpirtit në pasurinë e tij të pashtershme. Kjo formë karakterizohet nga fakti se lënda e artit përfaqëson “shpirtshmërinë konkrete të lirë”. Duhet të shërbejë si lëndë për “syrin e brendshëm shpirtëror”. Kjo do të thotë, vitaliteti i shpirtit duhet të përshtatet në një formë që të kuptojë pasurinë e nuancave të manifestimit të saj.

Pra, dialektika e vetëzhvillimit të tre stileve të Mëdha karakterizohet nga fakti se lëvizja artistike kryhet nëpërmjet mohimit të mohimit: mohimit të formave të mëparshme, si ato që kanë shteruar vetveten, për të vendosur një niveli i ri i plotësisë së mishërimit të idesë në gjuhën figurative të artit. Nëse arti simbolik karakterizohet nga mosnjohja e imazhit për të mishëruar idenë si rezultat i papërsosmërisë së vetë idesë, atëherë arti klasik karakterizohet nga uniteti i idesë dhe mishërimi i saj sensual në gjuhën figurative të artit. Ideja e shpirtërores fiton këtu një mishërim adekuat sensual në imazhin e përsosur të një personi në formën e trupit të shpirtëruar. Lodhja e kësaj të fundit krijon një nivel të ri lidhjeje dialektike midis idesë dhe imazhit në artin romantik. Këtu ideja si shpirt (esencë universale) shfaqet si një qenie reale në plotësinë e saj në një jetë të caktuar, e aftë të shpaloset brenda vetes dhe jashtë saj. Secili prej stileve të emërtuara të Mëdha realizon tërësinë e idesë së tij në një lloj arti të caktuar: në një formë simbolike është arkitektura; në klasiken - skulpturë, në romantike - pikturë, muzikë dhe poezi.

Secila prej këtyre formave historike të artit kalon nëpër tre faza kryesore brenda vetes, duke përvetësuar cilësi të përcaktuara estetikisht. Së pari, formimi i ideve dhe formave; së dyti, të gjesh gjuhën figurative më të përshtatshme, të aftë për të zhvilluar sa më plotësisht idenë, vitalitetin e saj; së treti, shterimi i mundësive për zhvillimin e mëtejshëm të shpirtit në gjuhën artistike të artit për shkak të shterimit semantik të vetë frymës. Ligji i përgjithshëm i jetës historike të artit është artistikisht i bukur, i cili lind nga spiritualiteti, i cili ka marrë forma sensuale të mishërimit të tij.

Le të ndalemi në disa manifestime më specifike të dialektikës së idesë dhe imazhit, karakteristikë e stileve të Mëdha. Në artin simbolik, nga i cili arti egjiptian është personifikuar më gjallërisht, pothuajse çdo formë është simbolike. Mishërimi i tij i gjallë janë piramidat - kristale të mëdha, brenda të cilave është "bërthama e brendshme" - figura e faraonit (piramida e mbron atë, duke e theksuar atë nga natyraliteti si i tillë). Simbolika e imazheve skulpturore është më e zhvilluar. Kolosët e Memnonit janë imazhe masive skulpturore, ngritja e botës së brendshme të të cilave manifestohet jo vetëm në figurat statike, por edhe në mungesë të ndonjë lëvizjeje shpirtërore në shprehjet e fytyrës. Simbolika e artit egjiptian ka një karakter misterioz, i cili shprehet qartë në figurën e sfinksit. Hegeli vëren se imazhi i sfinksit është "një simbol i vetë simbolizmit". Shpirti njerëzor këtu kërkon të dalë nga forca shtazore e trupit, por nuk arrin qëllimin e dëshiruar.

Stili klasik u formua në bazë të idesë së universalitetit të interesave publike dhe lirisë së brendshme të individit në shoqërinë e lashtë greke. Pajtueshmëria me universalen dhe të veçantën në përvojën shpirtërore ishte baza për një botëkuptim harmonik. Harmonia e botëkuptimit mund të gjurmohet në të gjitha veprat ku liria është e ndërgjegjshme dhe ka fituar siguri në thelbin e saj. Ideali i artit klasik vepron si manifestimi më i lartë i bukurisë në formën e një individualiteti plastik, të përcaktuar shpirtërisht dhe të pasur. populli grek“Unë kuptova përballë perëndive në një formë sensuale, soditëse, të dukshme shpirtin dhe çatinë time ndaj këtyre perëndive me ndihmën e artit të ekzistencës, mjaft në përpjesëtim me kuptimin e vërtetë”, vëren G. Hegel. Ky është një shpirt që ka marrë formën e vërtetë të qenies së tij. Nuk ka lëvizje të brendshme në imazh, që do të thotë se nuk ka lëvizje të formave artistike që kanë marrë përmbajtje të plotë. Prandaj feja greke, sipas G. Hegelit, është “feja e vetë artit”.

Rritja e dominimit të idesë mbi imazhin në artin romantik paracakton veçoritë e zhvillimit të tij stilistik. Bukuria në mesjetë përfaqësohet si një substancë shpirtërore, thelbi i së cilës nuk njihet. Në objektivitet, ai shfaqet vetëm si një pasqyrim i bukurisë më të lartë hyjnore. Në lloje të ndryshme arti ka një konkretizim të bukurisë më të lartë hyjnore. Prandaj, vendosja e imazhit të tij ka disa nivele. E para është rrënjosja e shpirtit në format masive arkitekturore të katedraleve gotike (shek. XII-XV). Në tiparet stilistike të arkitekturës ekziston një formë e drejtpërdrejtë e krijimit të një imazhi të lartësimit shpirtëror: në formën e një ndërtese gotike të drejtuar drejt vertikalës. Në pasurinë e dekorit të saj riprodhohet pasuria e nuancave të ndjenjave. Ato kushtëzohen nga përvojat e mëkatësisë, papërsosmërisë dhe i zbulohen plotësisht një personi përballë imazhit të përsosmërisë absolute të Hyj-njeriut. Niveli i dytë është shfaqja e spiritualitetit në imazhet piktoreske të dhëna sensuale (shek. XIII-XVI). Pikërisht në artin romantik shpirti shfaqet në imazhin e një Zoti, të një shpirti, si subjektivitet absolut. Nëse nuk do të merrte një imazh të perceptuar sensualisht, do të ishte i arritshëm vetëm për të menduar. Falë mishërimit sensual të absolutit në imazhin njerëzor, subjekti real individual me vitalitetin e tij të brendshëm fiton vlerë. Në botën e tij të brendshme, momentet e përjetshme të së vërtetës absolute fitojnë jetë, e cila është e vërtetë pikërisht si shpirt. Ideja e shpirtërores, e cila është baza e artit piktorik, e fokuson atë në zbulimin e pasurisë së botës shpirtërore njerëzore. Fytyra në veçantinë e imazhit të saj shfaqet si subjekti kryesor i pikturës, duke u shpalosur me një pasuri të pashtershme manifestimesh të vitalitetit të shpirtit. Arti i Rilindjes është periudha e lulëzimit më të lartë të pikturës (afresk, kavalet), duke marrë parasysh madhështinë, titanizmin e imazheve (vepra nga Raphael, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Titian, Durer, etj.).

Niveli i tretë është shfaqja e shpirtit në gjuhën e zhvilluar muzikore (shek. XVII-XIX). Këtu ai mbretëron gjithnjë e më qartë mbi “çështjen” e imazhit. Vetëpohimi i shpirtit si forcë harmonizuese e botës kryhet në këtë fazë me anë të ritmit, melodisë, harmonisë. Muzika si art, jo vetëm në përmbajtje, por edhe në formë, është subjektive si e tillë. Tingulli si një mënyrë objektive e ekzistencës së muzikës ka për qëllim të riprodhojë jo objektivitetin, si, të themi, pikturën, por botën e ndjenjave njerëzore. Muzika është se si manifestimet më intime të vetë-ekzistencës së shpirtit shpalosen në vetëorganizimin e tij ideal në subjekt. E veçanta e muzikës si fenomen shpirtëror qëndron në faktin se ajo është në gjendje ta kthejë elementin e ndjenjave në ndjenja harmonike, falë një melodike, ritmike. gjuhë e organizuar tingujt. Muzika është shpirti që tingëllon, tingujt frymëzues, duke i vendosur në një unitet të lirë të koordinuar, falë të cilit ata fitojnë plotësi shpirtërore. Ashtu si arkitektura, muzika nuk merr format e saj nga bota natyrore, por nga "fiksioni shpirtëror".

Nga njëra anë, muzika i nënshtrohet ligjeve harmonike të tingullit, bazuar në marrëdhëniet sasiore, dhe nga ana tjetër, falë zhvillimit të tyre dhe përsëritjes së ritmit dhe ritmit, formon forma të rregullta dhe simetrike. Në përgjithësi, muzika karakterizohet nga një zhvillim më i lirë i shpirtit përmes botës së tingujve muzikorë të organizuar në mënyrë harmonike sesa lejon, të themi, skulptura ose piktura. Në këtë aspekt, poezia është afër artit muzikor, material i të cilit janë edhe tingujt.

Niveli i katërt i artit romantik është poezia romantike (përshtatet në të njëjtat kufij historikë si muzika romantike). materiali i saj është fjala poetike. Ashtu si muzika, shpalos frymën e formave simbolike të tingujve të organizuar rregullisht, duke formuar "shpirtin e tingujve", gjuha e poezisë është thjesht simbolike. Tema e poezisë është jeta e brendshme e shpirtit të kthyer nga vetvetja. Në fushën e jetës së brendshme në format e imagjinatës, soditjes, ndjenjave, poezia krijon një botë të gjerë objektive në unitetin e ngjarjeve, gjendjeve shpirtërore, reflektimeve e të ngjashme. Tema e poezisë është spiritualiteti si i tillë, pra jeta e shpirtit është e vlefshme në vetvete. Në poezi, format shpirtërore, pra përfaqësimi dhe soditja e brendshme, përbëjnë materialin e formimit artistik, ndërsa, të themi, në skulpturë është mermeri ose bronzi, në pikturë - ngjyra, në muzikë - tinguj etj. Universaliteti i gjuhës poetike përcaktohet nga mundësitë e llojeve të ndryshme të poezisë.në gjininë e tyre, pasuria.

Pra, në stilin e artit romantik, si në stilet e mëparshëm të artit të mëdhenj, ekziston një vartësi e brendshme e specieve. Ai pasqyron prirjen e përgjithshme të zhvillimit artistik në zhvillim historik, domethënë: vendosja gjithnjë e më e thellë e parimit shpirtëror duke pasur parasysh thellësinë e tij kuptimplote dhe shpirtërore të formës.

Stili artistik kombëtar është një lloj i veçantë i krijimit të stilit. Stilet e mëdha janë në një farë mase të lidhur me stilin kombëtar. Ky koncept kupton dhe konkretizon origjinalitetin e përvojës shpirtërore. popuj të veçantë dhe kulturave. Pasuria, diversiteti dhe origjinaliteti i stileve kombëtare krijon diversitet kulturës artistike njerëzimi. Ka filluar formimi i stileve kombëtare - kjo është periudha e formimit të kulturave etnike. popujve bota e lashtë, në të cilin formimi i shtetësisë u mbështet në fenë dhe artin, krijoi një stil të madh, që përkon me konceptin e "stilit kombëtar" (Egjipti i lashtë, Greqia e lashte, Kinë, etj.). Në kombet e tjera, në të cilat procesi i formësimit artistik NUK u mbivendos në themelet e forta të shtetësisë, stili nuk mori tipare të përcaktuara qartë, pasi nuk pati mundësinë të shpalosej në disa nivele të përvojës shpirtërore dhe të fitonte një bazë në pasurinë e formave artistike. Sidoqoftë, çdo kulturë etno-kombëtare ka veçoritë e veta unike të përvojës shpirtërore, të fiksuara në gjuhën e artit, duke formuar një stil kombëtar artistik.

Stilet etno-kombëtare kanë në origjinën e tyre themelet shpirtërore të jetës praktike të krijimit të grupeve etnike. Ato pasqyrojnë origjinalitetin e përvojës praktike dhe shpirtërore të marrëdhënieve me natyrën, marrëdhëniet brenda komuniteteve, origjinalitetin e besimeve, ritualeve, traditave etj. Stili etnokombëtar manifestohet në të gjitha llojet e formësimit dhe jo vetëm në formimin artistik si të tilla. Stili etno-kombëtar është një mënyrë dhe një mundësi për të përmbyllur të gjitha arritjet praktike dhe shpirtërore të njerëzve, duke i "koduar" ato me një gjuhë artistike simbolike në sistemin e imazheve të arketipave. Kuptimi i tyre sekret është i qartë vetëm për bartësit e këtij lloji të përvojës dhe shërben si një manifestim i marrëdhënies së tyre shpirtërore. Për një individ, është një faktor domethënës në identifikimin e vetvetes me tërësinë mendore. Prandaj, çdo komb hyn në kulturën e njerëzimit me imazhin e tij unik të botës. Stili etno-kombëtar është forma fillestare (fillestare) e individualizimit të imazhit të botës - në nivelin e një etnosi si një tërësi shpirtërisht e padiferencuar.

Niveli tjetër i individualizimit është puna e artistëve me të menduarit e tyre unik artistik dhe figurativ dhe, rrjedhimisht, stili i tyre individual artistik. Në veprën e tyre vërehen edhe veçori të paraqitjeve vlerash të imazhit nacional-mendor të botës. Veçantia e imazhit estetik të popullit, kombit fiksohet në veprën e artistëve brilantë, të cilët “mbledhin” përvojën mendore në një integritet të përcaktuar estetikisht dhe i japin një mënyrë artistike të përsosur për ta përkthyer në gjuhën e artit. Koncepti i "stilit kombëtar" nuk është identik me konceptin e "artit popullor". Në teorinë moderne estetike, koncepti i "artit popullor" përdoret për t'iu referuar formave "të mbetura" të artit (folklor, arte dhe zanate), në kontrast me format e zhvilluara të artit profesional. Stili kombëtar është një koncept që zë gjithë pasurinë e dukurive artistike, si atë popullore, ashtu edhe atë profesionale. Baza e unitetit stilistik është arti popullor, format popullore të artit.

Arti popullor bazohet në një botëkuptim mitopoetik. karakterizohet nga sinkretizmi i formave dhe përsëritja e motiveve. Siguria e tyre objektive qëndron në veçantinë e përvojës praktike. Këtu është baza e origjinalitetit. Për shembull, për popujt e gjerësive veriore, e bardha është një simbol i dritës, pastërtisë dhe fuqive qiellore. Simboli i forcave të liga është i zi. Për egjiptianët, e zeza, përkundrazi, personifikon forcat e mirësisë, sepse shoqërohet me ngjyrën e baltës pjellore nga lumi Nil, dhe për rrjedhojë, prosperitetin dhe jetën.

Ngopja e jetës me gjuhë simbolike artistike-figurative është një mënyrë për të krijuar kushte të rehatshme mendore për mbijetesën dhe vendosjen e marrëdhënieve me botën e jashtme dhe renditjen e strukturave mendore (organizimin e tyre) me përmbajtjen e përvojës brenda tërësisë shoqërore. Lidhja e brendshme e subjekteve të përvojës shprehet në gjuhë nga natyra e formimit të tingullit, struktura e mënyrë-intonacionit në muzikë, plasticiteti i lëvizjeve në vallëzim e të ngjashme. Përvoja shpirtërore etno-kombëtare përcakton ritmin e proceseve jetësore për një person që në ditët e para të lindjes. Ajo përcakton mënyrën për t'iu përgjigjur fenomeneve të botës përreth.

Pra, stili kombëtar është një kategori estetike që pasqyron themelet shpirtërore-formuese jeta popullore, të mbyllura në forma subjekt-figurative të perceptuara sensualisht, fitojnë përsosmëri artistike në punën e artistëve profesionistë. Arti profesional dhe arti popullor lidhen si i veçantë dhe i përgjithshëm. Në artin popullor (d.m.th., arti, dhe jo vetëm në arti popullor) në formë të palosur, burimet shpirtërore të disponueshme të krijimtarisë së artistëve profesionistë. Në profesionale veprimtari artistike arti etnik shpaloset në mënyrë implicite nga pasuria e formave të imazheve të pranishme në të. Në qëndrueshmërinë e formave të artit popullor shfaqet një rregullsi jetike: konsolidohen njohuritë me përvojë dhe aftësitë artistike, të përcaktuara si të përshtatshme për nga cilësia dhe të përsosura në formë.

Stili i artit personal. Pasuria stilistike e artit dhe origjinaliteti i tij individual përkufizohen si arritje shpirtërore e njerëzimit, në radhë të parë evropiane, që nga epoka e kohëve moderne. Formimi i tij është një proces i gjatë, ai vetëdeklarohet tashmë në Rilindje. As formimi i pasurisë stilistike të artit brenda epokave specifike historike nuk u ndikua nga një sërë faktorësh. Veçanërisht, interesi për artin e rretheve të pasura të shoqërisë dhe shijet e tyre në një farë mënyre ndikoi në krijimtarinë artistike.Nga ana tjetër, dhe ky ishte një faktor vendimtar, fillon të kuptojë një person krijues, roli i të cilit në shoqëri po rritet ndjeshëm. rëndësinë e talentit të tij, dhe më pas, vlerën e aftësive të tij krijuese. Artistët e shkëlqyer kapërcejnë kanonet artistike, duke u shpalosur në krijimtari me një mori temash idesh dhe aftësish artistike.

Kërkimi krijues i një artisti individual njihet dhe inkurajohet nga shoqëria, po zgjerohet edhe lënda e krijimtarisë artistike. Nëse në mesjetë arti i shërben kryesisht nevojave të një kulti fetar, atëherë në Rilindje ai merr një karakter laik. Edhe në veprat e njohura si ato për nevoja kulti, motivet laike bëhen dominuese. Për shembull, në pikturën afreske të italianit të shquar Giotto (fillimi i shekullit të 14-të), imazhi tredimensional i hapësirës bëhet karakteristik, prania e një harmonie ngjyrash plastike për të. Vepra e tij shkatërron kanunin artistik mesjetar dhe traditën bizantine-italiane. Në veprën e tij, detyrat artistike marrin një vlerë të brendshme. Një shembull i gjallë i një harmonie të tillë është, në veçanti, cikli i Padovës Vajtimi i Krishtit.

Në krijimtari artistë të shquar Ringjallja e temave fetare dhe mitologjike bëhet objekt i transformimit kulturor. Ky është tejkalimi i pikturës kanonike mesjetare me një stil artistik individual (artistë italianë, e më pas gjermanë, spanjollë etj.). Nga e treta e dytë e shekullit XVI. bota unike shpirtërore e individit bëhet sfera dominuese e interesit krijues, e cila çon në lulëzimin e artit të portretit dhe shkakton "modernizimin" e subjekteve tradicionale mitologjike dhe fetare, në veçanti për t'u siguruar atyre vitalitet.

Në teorinë estetike, problemi i individualizimit të krijimtarisë artistike është bërë i rëndësishëm që nga shekulli i 19-të, për shkak të rënies së Stileve të Mëdha dhe diversitetit të stileve dhe sjelljeve individuale artistike. Duke kuptuar themelet e pasurisë stilistike të krijimtarisë, studiuesit zbulojnë modelin e mëposhtëm: thelbi i të përshkruarit duhet të zbulojë jo vetëm përmbajtjen e veprës, por edhe mënyrat e formimit artistik. Kjo do të thotë, logjika e jetës së brendshme të imazheve duhet të përshtatet në forma dhe metoda të përshtatshme të vitalitetit. Kjo ide u përvijua mirë nga artisti i famshëm francez M.-K. Latour (shek. XVIII). Duke pohuar arsyet objektive të individualizimit të stilit artistik, ai shkruan: “... Sa do të doja që mënyra dhe teknikat pikturale në piktura të ishin po aq të ndryshme sa edhe vetë objektet në natyrë: do të doja që edhe poetët tanë të diversifikoni stilin e tyre në përputhje me personazhet: varg sublim, emocionues - për Herkulin, madhështor - për heronjtë, madhështor - për njerëzit e mëdhenj, i frikshëm - për hajdutët, i butë, i butë, i lehtë, i butë - sipas personazheve të emërtuara femra ". Pra, M.-K. Latour parashtron një program të tërë larmie në mënyrën stilistike të secilit artist dhe secilit vepra arti. Përdorimi i gjuhës së subjektit të imazhit është një kërkesë e artit modern. Kjo është për shkak të interesit për cilësitë objektive të fenomeneve dhe interesit të shtuar të artit, në veçanti pikturës, filozofisë natyrore dhe shkencave natyrore.

Hegeli thekson një aspekt tjetër të këtij problemi: ai e sheh objektivitetin e vërtetë të artit jo në objektivitetin e botës, por në subjektivitetin e artistit, ai është një ndërmjetës midis realitetit dhe zbulimit estetik të ligjeve të vitalitetit të fenomeneve. . Këto mendime nuk kundërshtojnë njëra-tjetrën. Hegeli tregoi se veçantia e individualitetit krijues të artistit manifestohet në aftësinë për të përfunduar ligjet universale të vitalitetit të fenomeneve të botës në veçantinë individuale të mishërimit të tyre në gjuhën figurative të artit.

Arsyetimi nga artistët i programeve estetike për qëllimin e shfaqjes artistike, dhe më pas themelet e krijimit të stilit, është përditësuar që në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të. Gjatë kësaj periudhe, shtohet mospërputhja midis ideve të deklaruara të artit artistik, të së vërtetës artistike, ekspresivitetit të formave artistike dhe thellësisë së përmbajtjes së veprave, nga njëra anë, dhe praktikës reale artistike, nga ana tjetër. Për shembull, piktori francez A. Derain, duke paraqitur programin e tij artistik, thekson rëndësinë e gjetjes mjete artistike dhënien e produkteve të përshtatshmërisë së brendshme. Mendimet e tij tingëllojnë qartë: "I vetmi stil korrekt është ai që të bën të harrosh teknikat e përdorura, i cili është aq i përshtatshëm sa nuk e vëreni ... Një stil i mirë është ai që përthithet nga ekspresiviteti." Si një fenomen negativ në stilin e krijimit, ai e konsideron “maskuarjen e banalitetit nën origjinalitet”. Në të njëjtën kohë, ndryshimi i vazhdueshëm i lëvizjeve artistike (pointillism, fauvism, kubism, etj.) në të cilat punon A. Derain tregon se ai nuk është në gjendje të gjejë një stil artistik individual.

Në fillim të shekullit XX. shfaqet një prirje tjetër në art: mohimi i stilit, refuzimi i dhënies sensuale të imazheve, pra mohimi i figurativitetit të gjuhës artistike. Parime të tilla estetike janë deklaruar nga kubizmi (themeluesi Picasso, 1908). Duke kritikuar pozicionet estetike dhe tiparet stilistike të kubizmit, skulptori i famshëm francez A. Maillol shkruan: "Kubistët sigurojnë se ata përpiqen për art të pastruar nga sensualiteti... Çfarë marrëzi! Arti është vetë sensualiteti."

Lloji i individualizimit artistik përcaktohet nga natyra e epokës, përmbajtja e idealit të saj estetik. Le të themi, një lloj manifestimi i parimit individual të mirësisë në ditët e mesjetës. Duke analizuar skulpturat e Katedrales së Reimsit, M. Alpatov vëren se, nga njëra anë, në fytyrat e tyre ka një thellësi të theksuar të përvojës dhe unike individuale të fikut. Sidoqoftë, përkundër gjithë diversitetit të gjendjeve të tyre, të gjitha imazhet janë të shënuara me "ekspresivitet jopersonal". Një jetë e thellë shpirtërore nuk zbulon identitetin e tyre, nuk i përfshin ata në botën reale. Përkundrazi, i tërheq ata në drejtimin transcendent që përshkon të gjithë katedralen. Domethënë, lidhja mes figurave nuk ka kuptim të drejtpërdrejtë jetësor, por është “përtej kufijve të perceptimeve të drejtpërdrejta shqisore.

Në zhvillimin e mëtejshëm të historisë, fenomeni i individualizimit shfaqet në format e subjektivimit të përvojës shpirtërore. Ajo tenton të kundërshtojë individin me të përgjithshmen, deri në atë pikë sa të injorojë shpirtëroren e fituar nga njerëzimi (moral, estetikisht artistik). Personazhet e Shekspirit janë tashmë midis shumë marrëdhënieve dhe kushteve të rastësishme brenda të cilave njeriu mund të bëjë tai ose ndryshe. Prandaj, konflikti, i cili shkaktohet nga kushtet e jashtme, në thelb përqendrohet në karakterin e heroit. Individët e pasionuar veprojnë sipas karakterit të tyre, duke mos marrë parasysh justifikimin e qëllimeve të tij, dhe për këtë arsye, "ata janë ato që janë".

Objektiviteti në këtë kontekst nënkupton aftësinë e artistit për të kaluar nëpër logjikën e brendshme të zhvillimit të dukurive shpirtërore dhe për t'u siguruar atyre forma shprehëse të vitalitetit. Kjo do të thotë, artisti nuk e parashtron veten dhe pohon veten në imazh, por flet "në gjuhën e subjektit të indiferencës", duke i ofruar atij forma të përshtatshme, organike të fenomenit. Në të njëjtën kohë, individualiteti i artistit nuk humbet. Përkundrazi, objekti i zbulohet cilësive të tij pikërisht atij, ndaj qëndrimit të tij indiferent. Pra, në art, nga ana e subjektit të reflektimit, individualizimi manifestohet në veçantinë e imazhit të vendosjes së cilësive të tij. Nga ana e artistit - në ofrimin e formës, ajo shpreh më qartë vitalitetin unik të subjektit siç iu zbulua artistit. Stili individual, si dhe arti në tërësi, karakterizohet nga nënshtrimi i të gjithë elementëve të veprës ndaj logjikës së tërësisë artistike. Stili është një “ligj i caktuar” që bashkon elementë, i siguron të tërës integritetin e tij, e bën të nevojshme pikërisht detaje të tilla të sistemit të stilit. Prandaj, është e saktë të përkufizohet stili si "mishërim i unitetit dhe integritetit të të gjithë përbërësve të formës së përmbajtjes së veprës".

Pra, në kushtet e individualizimit të përvojës shpirtërore, përsosja është e mundur jo vetëm si manifestime shprehëse të jetës, por edhe si manifestim i aftësisë estetike të kësaj detyre për të "bashkuar" realitetin në një vitalitet holistik, shprehës dhe për ta paraqitur atë brenda kufijtë e një tërësie artistike - një vepër konkrete artistike. Fuqia formuese e talentit është në të njëjtën kohë burimi i integritetit të jetës dhe i përsosmërisë së saj artistike. Prandaj, arti bëhet realitet shpirtëror, përqendrohet te ideali dhe formon ndërgjegjen e publikut, duke mos lejuar që imazhi i përsosmërisë të humbasë. Çdo artist vërtet i madh karakterizohet nga një origjinalitet stilistik i krijimtarisë. Për më tepër, ajo mund të gjurmohet edhe kur subjekti i imazhit kërkon "të flasë gjuhën e tij". Për shembull, një origjinalitet i theksuar stilistik dallon veprat e W. Shakespeare dhe Cervantes; I. Goethe dhe F. Schiller; O. Balzac dhe G. Flaubert; Dostojevski dhe L. Tolstoi; I. Franko dhe Lesya ukrainase.

Kompleksiteti i procesit të krijimit të një imazhi të integritetit në formimin artistik manifestohet në rritjen e subjektivizmit të krijimtarisë, e cila është tipike për artin e modernizmit, veçanërisht për postmodernizmin. Ky i fundit dëshmon për veten e tij nga deformimi i figurës, humbja e mjeshtërisë së gjuhës dhe më pas humbja e thelbit shpirtëror të krijimtarisë. Shkatërrimi i ekspresivitetit estetik të formave natyrore, humbja e spiritualitetit të marrëdhënieve njerëzore nuk është vetëm një manifestim i pafuqisë krijuese të artistit. Ky është realiteti i marrëdhënieve në të cilat parimet shpirtërore humbasin dhe manifestimet e tyre të formalizuara lindin si e vetmja e vërtetë e jetës. Bota ka humbur për artistët pasurinë e ngjyrave të vitalitetit të saj dhe shfaqet në kohë moderne vetëm si një ndërtim formal, zakonisht i zhveshur nga logjika e brendshme dhe i rastësishëm në raport me format e ekzistencës së tij në tërësi. Subjektivizmi në format e përdhosjes së artit është një manifestim i krizës së përgjithshme shpirtërore të njerëzimit modern.

Koncepti i "artit", llojet e artit. Stili dhe kanuni në art.

Koncepti i "artit"

Art(lat. eksperimentum - përvojë, provë) - një nga format e ndërgjegjes shoqërore, pjesë përbërëse e kulturës shpirtërore të njerëzimit, një lloj specifik i zhvillimit praktik-shpirtëror të botës.

Art -

1) Kuptimi figurativ i realitetit.

2) Procesi ose rezultati i shprehjes së botës së brendshme ose të jashtme të krijuesit në një imazh artistik.

3) Veprimtari krijuese që synon krijimin e veprave të artit.

4) Aftësia, aftësia, shkathtësia, shkathtësia, e zhvilluar nga njohja e çështjes.

Arti dhe historia e artit si objekt studimi.

Historia e arteve - studime arti që studiojnë zhvillimin e arteve që nga koha e krijimit të tyre deri në ditët e sotme.

Historia e artit është një kompleks shkencash që studiojnë artin dhe artin. kultura e shoqërisë në tërësi, lloje të caktuara të artit dhe raporti i tyre me realitetin, tërësia e pyetjeve për formën dhe përmbajtjen e veprave të artit. Historia e artit përfshin teoria dhe historia e artit, si dhe kritika e artit.

Përpjekjet e para për të krijuar një teori të artit u bënë në kohët e lashta, për shembull, nga Platoni dhe Aristoteli. Ndër veprat e shkencëtarëve të lashtë ka udhëzues praktik për artin (Vitruvius), dhe përshkrime të monumenteve artistike (Pausanias, Philostratus). Një traktat i gjerë mbi artin antik u shkrua nga Plini Plaku. Një numër veprash në këtë drejtim u shfaqën në Rilindje. Traktatet më të famshme dhe "Biografitë e piktorëve, skulptorëve dhe arkitektëve më të njohur" nga Giorgio Vasari.

Një studim sistematik i veprave të artit, i cili siguron një degë të pavarur të shkencës, u shfaq relativisht kohët e fundit. Një nga të parat në këtë temë ishte vepra e I. Winkelman "Historia e Artit të Botës së Lashtë". Një kontribut të çmuar në zhvillimin e kësaj shkence dhanë iluministët e Evropës Perëndimore të shekullit të 18-të. Denis Diderot, G. E. Lessing dhe të tjerë.

Në shekujt XIX-XX. historia e artit është zhvilluar gjerësisht, një numër shkollash dhe prirjesh janë zhvilluar në shkencë. Kërkimet themelore në fushën e historisë së artit u kryen nga Wilhelm Lübke, Anton Springer, Karl Wermann (Gjermani), Eugene Viollet-le-Duc, Gaston Maspero (Francë), Jacob Burckhardt (Zvicër).

Teoricienët në çdo kohë kanë parë në art një fenomen që ka të ndryshme, në varësi të konceptit, funksioneve dhe vetive specifike.

Funksionet e artit: edukativ, estetik, relaksues, edukativ, komunikues.

Konceptet: teoria e artit, historia e artit, kritika e artit.

Teoria e artit është gjuha e shkencës, e cila quhet "shkenca e artit".

Historia e artit - studime arti që studiojnë zhvillimin e arteve që nga koha e krijimit të tyre deri në ditët e sotme.

Kritika e artit është interpretimi dhe vlerësimi i veprave kryesisht bashkëkohore, fenomeneve dhe tendencave të reja në artet pamore.

Llojet e artit

Ka arte hapësinore (pikturë, grafikë, skulpturë, arte dekorative, arkitekturë), kohore (muzikë, art verbal) dhe sintetik, hapësinor-kohor (teatër, kinema, kërcim).

Llojet e ndryshme të klasifikimit të sistemit të arteve, uniteti dhe dallimet.

Secili prej këtyre llojeve formon "familje" arti brenda të cilave mund të dallohen varietetet ose gjinitë. Në artet hapësinore dallohen tri lloje: kavalet (pikturë me kavaletë, grafikë kavalete etj.), monumentale (skulpturë monumentale, pikturë murale etj.) dhe të aplikuara (arkitekturë masive tipike, plastikë e vogël, pikturë në miniaturë, grafikë industriale, etj.

poster, etj.). Nga pikëpamja e teorisë së shenjave, në të cilën ajo mishërohet dhe përmes së cilës komunikohet imazh artistik shikuesit dhe dëgjuesit, artet janë të bukura (pikturë, grafikë, skulpturë etj.), shprehëse (muzikë, kërcim, arkitekturë etj.) dhe verbale (letërsi), si dhe të përziera (teatër, kinema etj.).

Llojet dhe llojet e artit përfshijnë lloje të ndryshme veprash të bazuara në veçori të përbashkëta, domethënë zhanre. Parimi i përzgjedhjes së zhanrit është tematik: familjar, aventurier, historik, dashuri, betejë, natyrë të qetë, portret, peizazh, etj. Një bazë tjetër për ndarjen është dominanti kryesor estetik dhe emocional (tragjedi, komedi, farsë, melodramë, odë, etj.) , lloji i kompozimit (sonet, rondo, triptik etj.) ose vëllimi dhe struktura e përgjithshme e veprës (roman, tregim, tregim i shkurtër, miniaturë, epike etj.). Zhanret historikisht formohen, zhvillohen, vdesin. Në epoka të ndryshme dhe në drejtime të ndryshme artistike, kufijtë midis zhanreve janë më të rreptë (për shembull, në klasicizëm), në të tjera ata janë më pak (romantizëm) ose edhe të kushtëzuar (realizëm). Në artin bashkëkohor vihet re një tendencë për të mohuar zhanrin si formë të qëndrueshme të krijimtarisë artistike (postmodernizëm).

Stili dhe kanuni në art

Canon (përkthyer nga greqishtja - rregull, model) - normat e përbërjes dhe ngjyrës, sistemi i përmasave, ikonografia e një lloji të caktuar imazhi ose një mostër tjetër normative. Kanuni përcakton një sërë teknikash ose rregullash artistike që janë të detyrueshme në një epokë të caktuar. Një vepër që shërben si model normativ quhet kanun.

Kanunet e lidhura me recetat fetare dominuan artin e Egjiptit të lashtë dhe mesjetës. Njerëzit krijues të Antikitetit dhe Rilindjes u përpoqën të gjenin përmasat ideale të trupit të njeriut dhe të nxirrnin rregulla të pandryshueshme, të bazuara matematikisht për ndërtimin e një figure njerëzore.

Koncepti i stilit në art

Stili është një grup tiparesh që karakterizojnë artin e një kohe të caktuar, drejtimi ose stili individual të krijuesit.

Stili është një grup parimesh shpirtërore për ndërtimin e një vepre, zgjedhjen dhe çiftimin e njësive gjuhësore, që përcakton llojin e integritetit kulturor.

Modelet e formimit të stilit

Tiparet karakteristike të një kohe dhe vendi të caktuar, të manifestuara në veçoritë e aspektit funksional, konstruktiv dhe artistik, formojnë stilin arkitektonik. Zhvillimi i stileve arkitekturore varet nga faktorët klimatikë, teknikë, fetarë dhe kulturorë. Stilet jo gjithmonë zëvendësojnë njëri-tjetrin vazhdimisht, dihet bashkëjetesa e njëkohshme e stileve si alternativa ndaj njëri-tjetrit (për shembull, baroku dhe klasicizmi, moderniteti dhe eklekticizmi, funksionalizmi, konstruktivizmi dhe art deco).

Konceptet themelore të historisë së artit.

Art- një aktivitet i specializuar i bazuar në aftësinë e një personi për të shprehur ndjenjat e tij në hollë. imazhe.

Funksionet e artit: edukativ, estetik, relaksues, edukativ, komunikues.

Pikturë- lloji i imazhit. art i aftë për të riprodhuar të ndryshme. dukuritë e jetës me anë të ngjyrës dhe përbërjes.

Artet grafike- pamja e iso-së e lidhur me imazhin në aeroplan, zakonisht e përfaqësuar. imazhe njëngjyrëshe, do të thotë: vend, vijë

Gdhendje- një lloj grafike, e cila dallohet nga aftësia për të marrë printime të shumta, jav. Jo një kopje, por një origjinal. Lloji i gdhendjes: konveks (i lartë, gdhendje në dru), i thellë ose i zhytur (në metal), gdhendje e sheshtë (litografi në gur).

Skulpturë- një lloj arti, veprat e të cilit kanë një vëllim lëndor fizikisht material, një formë 3-dimensionale, të vendosura në hapësirë ​​reale.

Klasifikues. për zhvillim në hapësirë: rrumbullakët (perceptimi i të cilit është nga kënde të ndryshme), reliev (imazh 3D në një aeroplan).

Reliev i lartë – lehtësim i lartë, zgjat mbi planin e sfondit me më shumë se gjysmën e vëllimit të tij real. basoreliev– reliev i ulët, pic. zgjat mbi aeroplan jo më shumë se gjysma e madhësisë së tij reale. kundër-lehtësim- reliev i thelluar, ku imazhi jepet duke përdorur një kontur të prerë.

Skulptura: monumentale (monumente të lira), monumentale dhe dekorative (dekorimi i ndërtesave), skulptura e kavaletit (në ambientet e brendshme të muzeut), plastika e vogël (figurina).

Arkitektura është një lloj arti pamor hapësinor, duke përfshirë ndërtesa, struktura të tjera ose komplekse të tëra.

dhjetor - Prik. I. - bëhet arti. sendet shtëpiake që kanë një funksion utilitar në të njëjtën kohë posedojnë. estetike cilësitë.

Klasifikimi i arteve sipas marrëdhënieve hapësinore-kohore.

Hapësinor(pamje) - artet, veprat e të cilave ekzistojnë. në hapësirë, por jo në kohë. Art statik (Iso, skulpturë, arkitekturë, pikturë, grafikë).

E përkohshme(dëgjimi) - arte, veprimi i të cilave zhvillohet me kohë. art dinamik. (lit-ra, muzikë)

Hapësinor-kohore(të pamurit dhe të dëgjuarit) - artet sintetike, veprat e të cilave janë sintezë tipe te ndryshme arte, emër. në hapësirë ​​dhe zotërim. kohëzgjatja në kohë. (Kinema, teatër, cirk)

Zhanri- një grup veprash të bashkuara nga një gamë e përbashkët temash dhe komplotesh, qëndrimi i autorit ndaj një objekti, personi ose fenomeni.

Stili - kjo është kategoria e artit. Stili është një sistem i vetëm teknikat artistike dallimin e llojeve të ndryshme të artit. Në historinë e artit, fjala "stil" përcakton periudha të caktuara në zhvillimin e artit kur ekzistonte ky sistem. Më qartë, tiparet e stilit manifestohen në arkitekturë dhe prej andej depërtojnë në pikturë, skulpturë, letërsi dhe muzikë. E gjithë historia e artit botëror mund të shihet si histori e stileve artistike.

Përcaktoni stilin arkitektonik.

Një stil arkitektonik është një formë e qëndrueshme e arkitekturës që ka ekzistuar për një kohë të gjatë në artin e një epoke të caktuar.

Listoni stilet e njohura të arkitekturës.

Stili egjiptian, antikiteti, stili romanik, gotiku, rilindja (rilindja), barok, rokoko, klasicizmi, arti i ri, racionalizmi, arkitektura prej druri ruse, arkitektura e tempullit.

Çfarë është stilimi?

Stilizimi- përgjithësim dekorativ i objekteve të përshkruara (figura, objekte) duke përdorur një numër teknikash konvencionale.

Përcaktoni përbërjen dekorative.

Përbërja dekorative -është një kompozim që përbëhet nga elemente të stilizuara, abstrakte. Karakteristikat e përbashkëta të çdo kompozimi dekorativ janë thjeshtësia e formave, përgjithësimi dhe simbolika e tyre, gjeometrizimi, ngjyra, sensualiteti, etj.

Çfarë është një natyrë dekorative?

Jetë e qetë dekorative- kjo është një natyrë e stilizuar në të cilën është e rëndësishme të rregulloni të gjithë elementët e figurës stil uniform. Stilizimi në një natyrë dekorative mund t'i thjeshtojë objektet në simbole dhe silueta, ose mund të komplikojë format dhe t'i ngopë ato me detaje dekorative.

Rendisni rregullat dhe ligjet e përbërjes dekorative që dini.

te teknikat e kompozimit mund t'i atribuohen: transferimi i ritmit, simetrisë dhe asimetrisë, ekuilibri i pjesëve të kompozicionit dhe ndarja e qendrës së komplotit-kompozicional.

Përshkruani "fatjen e qetë arkitekturore".

Një natyrë arkitekturore e qetë është një lloj natyra e qetë dekorative. Kombinon stilizimin dhe qasjen dekorative me detajet, vëllimet, materialet dhe format arkitekturore. Në natyrën e qetë arkitekturore, objektet stilizohen duke i afruar format dhe përmbajtjen e tyre me stilin arkitektonik.

Arkitekturë provë pjesa teorike klasa 2 semestri II

Çfarë është një rrjet gjeometrik modular?

Rrjeti Modular Gjeometrik- një sistem katrorësh të drejtë dhe diagonale. Rrjeti modular lehtëson dhe thjeshton ndërtimin e objekteve komplekse, duke marrë parasysh marrëdhëniet e tyre proporcionale. Përdoret për ndërtimin dhe projektimin e strukturave arkitekturore në përbërjen ballore, për ndërtimin e ornamenteve, pllakave të shtrimit, gardheve.

Çfarë është një modul në arkitekturë?

Një modul është një element përsëritës në një përbërje. Për shkak të kombinimit dhe përsëritjes së katrorëve - moduleve identike, shumëzuese në rritje ose në ulje - krijohet harmoni në përbërjen arkitekturore. Kërkesat kryesore për modulin: thjeshtësia, integriteti, ekspresiviteti, aftësia për të kombinuar versione të ndryshme të punës.

Përshkruani përbërjen vëllim-hapësinore.

Përbërja vëllimore-hapësinore- një përbërje formash të vendosura në hapësirë, të krijuara për unitetin dhe integritetin e perceptimit të tij nga shikuesi. Kompozimet vëllimore përfshijnë vepra arti që kanë tre dimensione (gjatësi, gjerësi dhe lartësi).

Listoni dhe përshkruani llojet e përbërjes tredimensionale.

Përbërja frontale- një përbërje, të gjithë elementët e së cilës janë të vendosura në raport me shikuesin kryesisht në dy drejtime: gjerësi dhe lartësi. Përbërja vëllimore- një përbërje, elementët e së cilës zhvillohen në të tre drejtimet, të dizajnuara për perceptim nga të gjitha këndvështrimet. Përbërja e hapësirës së thellë- kompozim, veçoritë kryesore të së cilës janë prania e hapësirës, ​​e shtrirë në gjerësi dhe thellësi, mbizotërimi i drejtimit të thellë.

Çfarë është një plan urbanistik?

Paraqitja- një imazh tredimensional i një objekti, strukture, brendshme të projektuar ose ekzistues, i bërë në një shkallë të reduktuar.

Numëroni teknikat e njohura për të punuar me letër.

1. palosje letre

3. prerje - nota

4. përdredhje dhe...

6. ngjitje nga fundi në fund (në buzë).

7. ngjitja e një forme në tjetrën me ndihmën e xhaketave në skajet e letrës

Emërtoni rregullat bazë të sigurisë për të punuar me gërshërë dhe një thikë tallëse.

Mjetet e qepjes dhe prerjes: thikë tallëse, busulla, gërshërë me majë të mprehtë - duhet të ruhen në kuti, kuti ose kuti mbrojtëse. Ju nuk mund të merrni pa nevojë mjete, t'i tundni ato, gjë që është një rrezik për të tjerët. Për të punuar me një thikë buke dhe gërshërë, duhet të mbroni sipërfaqen e tavolinave nga prerjet.

Cilat materiale dhe mjete mund të përdoren për të bërë një plan urbanistik?

Materialet kryesore për paraqitjet janë letra Whatman e lehtë për t'u përdorur dhe kartoni i hollë. Si sipërfaqet e ngjyrosura ashtu edhe ato të bardha mund të përdoren për paraqitje. Për të punuar me letër dhe karton, nevojiten mjetet e mëposhtme: një thikë modeli e mprehur mirë ose prestar, me teh të tërheqshëm, gërshërë me skaje të drejta, ngjitës (ngjitësja PVA është më e përshtatshme për ngjitjen e letrës dhe kartonit, sepse është e bardhë dhe nuk lë gjurmë në fletë), një dërrasë e veçantë e bërë nga kompensatë, plastikë ose karton. , mundësisht vizore metalike, sepse nuk prishen nga një thikë buke, letër me ngjyrë.

Puna e kontrollit të arkitekturës në pjesën teorike Klasa 3 2 semestri

Çfarë është dizajni grafik?

Dizajn grafik- fusha e veprimtarisë së dizajnit, që mbulon artin e dizenjimit të një libri, broshurë reklamuese dhe informative, broshurë, poster, paketim, etiketë, marka tregtare, emra markash, grupe shkronjash, produkte reklamuese në tabela dhe fasada në qytet.

Në cilat fusha aplikohet dizajni grafik?

Fusha e dizajnit grafik - këto janë grafika industriale, dizajn, punime vizuale dhe tipike, reklama grafike e produkteve, përgatitja e stilit grafik të institucionit etj. Në dizajnin grafik, dizajni i librave duhet të veçohet veçmas. Ky është një zhvillim kompleks i dizajnit dhe strukturës së librit.

Përcaktoni termin "logo".

Logo- një markë tregtare e shprehur me një fjalë (nganjëherë në kombinim me një imazh). Logoja është një imazh grafik, i thjeshtuar maksimalisht dhe universalisht në një simbol. Ky është një emërtim i vendosur në një produkt (ose paketim) nga ndërmarrje industriale dhe tregtare për të përcaktuar produktin dhe prodhuesin e tij.

Çfarë është një markë tregtare?

Markë tregtare- një emërtim i dizajnuar origjinal i regjistruar, i nevojshëm për njohjen e mallrave ose shërbimeve të ndërmarrjes, si dhe për reklamimin e tyre, dhe i krijuar për të identifikuar produktin ose kompaninë në mendjen e blerësit.

Cilat janë veçoritë e zhvillimit kompozicional të një logoje?

Në hartimin e një marke tregtare, projektuesi duhet të zgjedhë një nga karakteristikat e produktit ose shërbimit të prodhuar nga organizata, dhe grafikisht ta mposht këtë veçori për të krijuar lidhjen e nevojshme në perceptim. Kërkesat që duhet të plotësojë një markë tregtare: profesionalizëm, paharrueshmëri, origjinalitet, shoqërueshmëri, shkathtësi gjatë ndryshimit të madhësisë, shkathtësi e zgjidhjeve me ngjyra.

Cilat janë përbërësit e strukturës së logos?

1) Shkronja e korporatës, shenjë fjalësh- një shenjë fjalësh, emri i kompanisë, i bërë në një font të krijuar posaçërisht ose duke përshtatur një font ekzistues për këtë kompani të veçantë të klientit.

2) Emri i markës, simboli grafik- një simbol i zgjedhur dhe i projektuar posaçërisht për një kompani të caktuar klienti me qëllim që të arrihet unikaliteti, njohja, atraktiviteti dhe kujtueshmëria.

3) Blloku i nënshkrimit, kombinimi- një grup fonti të korporatës dhe emri i markës.

Çfarë është stili?

Stili -është një sistem i unifikuar teknikash artistike që dallojnë lloje të ndryshme arti. Ky është një sistem i mjeteve të shprehjes artistike, teknikave krijuese, të bashkuar nga uniteti i përmbajtjes ideologjike.

Çfarë është identiteti i korporatës?

Stili i formës - ky është uniteti i elementeve artistike dhe tekstuale në të gjitha zhvillimet dhe mjetet e reklamimit: një grup karakteristikash ngjyrash, grafike dhe verbale për të identifikuar mallrat ose shërbimet e kompanisë. Elementet kryesore që formojnë stilin janë një markë tregtare, mbishkrimi i kompanisë (logoja), simbolet e grupeve të produkteve ose shërbimeve, lloji i shkronjave, ngjyra e korporatës ose diapazoni i ngjyrave, një sistem modular paraqitjeje për materialet e printuara.

STILI në Arte të bukura(Stilus latin nga stilos grek - shkop për
shkronja) - uniteti i veçorive morfologjike që dallon mënyrën krijuese
mjeshtër individual, traditë artistike kombëtare ose etnike,
arti i epokës, qytetërimit etj. Stili si fenomen historik dhe kulturor.
Ide për artin dhe praktikën artistike, nga të cilat
shumica e përkufizimeve dhe teorive të hollësishme të stilit janë në të kaluarën.
Mjegullimi i kufijve të hapësirës së artit modern, themelor
ndryshimet e konceptit aktiviteti vizual, hipotezat e shfaqjes së tij dhe
të dhënat mbi evolucionin e tij zhvlerësojnë përkufizimet e mëparshme të stilit,
bazuar në historinë e artit klasik sepse ato lënë pas
në kllapa arti primitiv dhe modern.

Format e hershme të artit japin
paraqitje e pashtrembëruar, objektive dhe e saktë e strukturës origjinale
bazat e procesit vizual: parametri më i rëndësishëm i tij është stili, shfaqja
se është stili ai që e bën artin art, e dallon imazhin artistik nga
pasqyrim pasqyre.

Sot, për të ruajtur idetë klasike për artin, do të duhej
së bashku me primitiven, lini mënjanë artin e gjysmës së dytë të shekullit të 20-të,
origjina e të cilit është Sheshi i Zi i Malevich-it. Legjitimimi i të tillëve
dukuritë zbulojnë shembjen e sistemit piktorik klasik. Ne histori
arti, ato shënojnë pikën më të lartë, e cila arrin në kultin e personalitetit krijues,
ekzistencën e së cilës nuk e dyshonin ndërtuesit e katedraleve romane dhe gotike.

Deri në shekullin e 15-të "fjalë art" (latinisht ars) në gjuhët evropiane do të thotë
aktivitete të natyrës teknike - një lloj pune manuale. Kërkesa për të vënë
nënshkrimi i autorit në veprat e pikturës dhe skulpturës, të ardhur nga arkitekti
dhe skulptori A. Filaret (1400–1469), nxjerr në pah një personalitet krijues.

Në botën në zhvillim të shkencës dhe tregtisë, një nga treguesit më të rëndësishëm të gjërave
bëhet vlera e tij e mallit. Puna e mjeshtrit të famshëm është e mrekullueshme
vlera materiale, autenticiteti i tij konfirmohet nga nënshkrimi dhe individi
mënyra e artistit. Kjo pikë praktike gjithashtu luan një rol në
zhvillimi i kuptimeve të konceptit “stili”, i cili konkretizohet njëkohësisht me
koncepte të tjera të iluminizmit.

Normat stilistike të manierizmit, barokut, rokokos nuk janë më të lidhura aq fort
receta fetare. Baroku dhe Rokoko zakonisht përmenden si të fundit
stilet e artit evropian. “Së bashku me barok dhe format e vona të rokokos me
skena historia njerëzore zbriti stilin e fundit të artit të Evropës Perëndimore"
(Gadamer H.-G. Rëndësia e së bukurës. M., 1991. F. 269). Ne anen tjeter,
koncepti i "stilit në art" bazohet në idenë e disa të parave "të rëndësishme"
stilet. “Stilet e para të rëndësishme marrin formë në qytetërimet e lashta (Egjipt,
Babilonia)…” (Stil në Art. Estetikë. M., 1989. F. 333).

Por meqenëse historia e artit nuk kufizohet në kuadrin kronologjik të "të parës".
dhe stilet "e fundit", dhe epiteti "i rëndësishëm" është i pakuptimtë, i ngjashëm
Përkufizimet e stilit duhet të konsiderohen të pakënaqshme.

Nocioni se stili nuk është një veti universale është një aspekt i morfologjisë, por
reflektohet njëfarë dinjiteti në vepër e famshme J. Huizinga. “Krenare
historia e Perëndimit të mrekullueshëm shfaqet para nesh si një alternim stilesh; kjo është,
sipas terminologjisë shkollore, romane, gotike, rilindje, barok -
e gjithë kjo është kryesisht emri i një forme të caktuar të shprehjes së plastikës
aftësitë e artit. Por fjalët nuk shprehin kuptimin e plotë të këtyre koncepteve: ne
me to duam të nënkuptojmë edhe veprimtarinë, mendimet, në përgjithësi të gjithë strukturën
të dhënat e epokës. Kështu, çdo moshë apo periudhë ka të sajën
shenja estetike, emri i saj kuptimplotë. Shekulli i 18-të na duket
i parë nga ky i fundit si një mishërim ende homogjen dhe harmonik i vetes
stil holistik në çdo fushë; me gjithë pasurinë dhe diversitetin e këtyre zonave,
është një shprehje e vetme e jetës ”(Husinga J. Homo Ludens. Në hijen e së nesërmes.
M.: Përparimi, 1992. S. 346, 347).

Ideja e stilit me shkronje e madhe, transformuar në idenë e
stili si i tillë, i referohet sintezës së arkitekturës dhe arteve që ekzistonin -
dhe ende ekzistues - ku fuqia, e cila ka karakter të shenjtë, krijon
i centralizuar strukturat shtetërore pavarësisht nga koha dhe vendi: të jetë
pastaj Egjipti i lashtë, shteti i aztekëve, Gjermania fashiste apo socialiste
Koreja. Nga primitiviteti dhe qytetërimet e mëdha të botës së lashtë deri në epokën e iluminizmit
arti dhe arkitektura mishërojnë mitologjike, fetare, ideologjike
përfaqësimi. Në hapësirën qartësisht të hierarkizuar të mitit, fesë, absolutizmit,
totalitarizmi, artet figurative i nënshtrohen kanuneve përkatëse, të saj
estetika është normative.

U pasqyruan kuptimet e ndryshme që iu dhanë konceptit të "stilit" në faza të ndryshme
aspekte të ndryshme reale të këtij fenomeni, në çdo fazë korrespondonin
koncepti ekzistues i artit, krijimtarisë, personalitetit krijues dhe, natyrisht,
mos e shteroni përmbajtjen e tij sot.

Prodhimi i imazheve grafike, skulpturore, piktoreske, simbole, shenja -
lloj specifik i veprimtarisë njerëzore. Nga imazhi i Paleolitit të Sipërm
mbetet një mjet universal komunikimi, duke ofruar transmetim
kodet kulturore ndërmjet individëve, grupeve etnike, brezave. Morfologjike
tiparet - stili i imazhit fillimisht është ndër parametrat e tij të rëndësishëm.

Fillimi konsolidues i kulturës, shoqërisë - miti jeton në hapësirën e stilit të tij.
Në kuptimin në të cilin një mit është një projekt, stilet integrale japin një ide
paradigmën e saj, ndërsa ato lokale japin informacion për veçoritë e të veçantës së saj
modele.

Koncepti i "stilit integral" nënkupton strukturore të verbalizuar qartë
shenja të përbashkëta për artin e një epoke të caktuar, qytetërimin, shoqërinë.
Stili integral (për shembull, mezolitik ose gotik) sugjeron
ekzistenca e stileve lokale që përfaqësojnë gjeografinë e izoluar,
etnike, kombëtare, historike e kulturore etj. traditat në përgjithësi
hapësirë ​​e stilit integral.

Stili paleolitik, duke theksuar veçori të caktuara në imazhet e një kafshe dhe një gruaje,
duket si një projeksion epshi; Arti neolitik, forma shprehëse
skulpturat rituale tradicionale afrikane, oqeanike mishërojnë frikën dhe
bindja ndaj shpirtrave mizorë të botës së jashtme, e cila fillon përtej pastrimit,
duke e ndarë fshatin nga pylli përreth. Stili i artit asirian, skena
lufta dhe gjuetia mbretërore - shprehje e forcës gjithëshkatërruese - imperativi i pushtetit. Lidhje
miti me stilet e historisë së artit klasik është më indirekt, megjithatë,
duke idealizuar natyralizmin e artit greko-romak, duke ua dhënë perëndive
forma njerëzore dhe mund të lexohet e gjithë gama e stileve të mesjetës
si pasqyrim i normave përkatëse etike dhe estetike – projeksion i asaj
imperativ që u konsolidua shpirtërore që krijon kultura, shoqëri
dhe qytetërimi. Miti është fokusi i kuptimit të një kulture të caktuar. Histori
tregon se secili nga mitet ekzistuese kishte periudhën e vet
kalbëzimi, produktet e të cilit përfundimisht u bënë pjesë e miteve të reja.

Energjia e mitit që ruan stabilitetin në të gjitha parahistorike dhe historike
shoqëritë, kishte si burim një imazh artistik. Për herë të parë ky imazh
objektivizuar në imazh - vizatim, pikturë, skulpturë.

Mbi 25-30 mijëvjeçarë - nga Paleoliti e deri më sot (tradicional
arti i Afrikës, Australisë, Oqeanisë, Amerikës) - piktura shkëmbore,
skulptura në një mënyrë apo në një tjetër riprodhon të njëjtat lëndë: kafshë dhe
person.

Prehistoria (primitive) - epoka e ndryshimeve kolosale që po ndodhin
në fillim ngadalë, pastaj me nxitim në rritje. Këto ndryshime (p.sh.
kalimi nga një ekonomi konsumuese në një ekonomi prodhuese) reflektojnë të njëjtën gjë
imazhe të ndryshme të kafshëve dhe njerëzve.

Stili dhe historia. Sot, kur aktiviteti vizual përfshin të gjitha nivelet
deri në fillore përdorim të gjerë mori një lloj të veçantë grafiti - etiketë.
Tradita e mbulimit të mureve me imazhe e ka origjinën rreth vitit 1970 në Nju Jork
të rinjtë nga shtresat e ulëta urbane, shpesh të organizuar në komunitete kriminale.
Një emblemë specifike, vizatim ose një autograf i stilizuar posaçërisht
pohoni autoritetin e tagerit - praninë e tij, të drejtën e grupit të tij për këtë
territori.

Në Saharanë dikur pjellore, gjuetarët e Mesolitit, duke eksploruar territore të reja,
e pohuan praninë e tyre me imazhin e kafshës totemike, të cilën ata
gdhendur në një shkëmb të shenjtë - shpesh mbi një tjetër që i përkiste fqinjëve.

Në Sahara, petroglifet më të vjetra janë figura të gdhendura thellë të egra të mëdha
kafshët: buallet, elefantët, hipopotamët, rinocerontët, gjirafat (më rrallë - struc, të egër
gomarët, krokodilët). Ndonjëherë imazhe të tilla, si bualli i lashtë,
arrijnë disa metra: ndryshojnë nga ato të mëvonshmet për nga teknika e kujdesshme
ekzekutimi, saktësia e përmasave dhe detajeve. Petroglife të këtij lloji, të shpërndara
në një territor të gjerë nga Atlasi Saharan (malet Xur) deri në shkretëtirën libiane (Fezzan),
stilistikisht, ato mund të duken si vepra të një mjeshtri.
Një uniformitet i tillë stilistik i monumenteve të krijuar nga më shumë se një
mijëvjeçarit dhe mijëra kilometra larg njëra-tjetrës, mund të vendosnin
një rrugë pa krye nëse një fenomen i ngjashëm nuk ekzistonte në pikturën dhe skulpturën e shpellave
Paleoliti Evropian.

Stili integral i petroglifeve të periudhës së parë të gjuetisë së Saharasë
fjalë për fjalë riprodhon skemën e siluetës më të hershme të Paleolitit Evropian
imazhe.

Tjetra në kohë, stili më i avancuar i petroglifeve është më shumë
detaj, përsosmëri teknike dhe gjithashtu - që është domethënëse - për herë të parë
zbulon dallime morfologjike në interpretimin e disa detajeve. Këto
tiparet stilistike lidhen në këtë rast me parcela të caktuara.

Për fazën e hershme të Europianit arti paleolitik po aq tipike
forma të përgjithësuara, të kushtëzuara. Shifrat janë të vetme, statike, jo të detajuara.
Karakteristikë është mungesa e kompozimeve - një lidhje e lexueshme midis figurave. Më vonë (Madeleine)
vizatohen detaje, përvijohet një tendencë për të përcjellë lëvizje. Dominuar
figura të vetme kafshësh, por tani ato përshkruhen në lëvizje. kullotja
dreri, lopët që kërcejnë, kuajt që lëvizin ose galopojnë janë të sakta në anatomi,
transferimi i përmasave; theksi nuk është në një ose një pjesë tjetër të figurës, por në
raporti i pjesëve - në ndërveprimin e tyre. Gjithnjë e më i shpeshtë - veçanërisht në
arti celular - po bëhen kompozime të çiftëzuara.

Morfologjia e imazhit primitiv është një e përbashkët e monumenteve të krijuara në
mbi tetë mijëvjeçarë në pikturë, vizatim dhe skulpturë - jep një mesatare,
por indikacione objektive se si, nga cilat elemente formohet specifika
stil.

Në periudhën nga mijëvjeçari i 27-të deri në atë të 19-të, nga Pirenejtë deri në Urale, femrat
figurina. figurina kanë tipare të përbashkëta: përbërje statike e përparme,
forma të përgjithësuara, pjesa e mesme e hipertrofizuar e figurës (gjoksi, ijet, barku,
mollaqe), gjymtyrë të interpretuara në mënyrë kumulative të palosur në stomak ose në gjoks
duar pa këmbë, mungojnë tiparet e fytyrës. Këto cilësi
duke u shtrirë në të gjitha figurinat pa përjashtim, mund të shprehet në mënyrë të moderuar
(Kostenki) ose të sjellë në grotesk (Willendorf).

E veçanta e stilit është një kombinim i pazakontë i modelimit pothuajse natyralist
pjesë individuale të hipertrofuara të figurës dhe një interpretim jashtëzakonisht i përgjithësuar i të tjerëve.
Këmbët, veçanërisht pjesa e poshtme e tyre, në figurina femërore dhe imazhe të hershme
kafshët, si rregull, reduktohen në një formë jashtëzakonisht të thjeshtuar në formë koni. Në
Në këtë rast, në të dyja rastet, figurat përshkruhen si një lloj enë masive. AT
fokusi është te barku. Koka dhe gjymtyrët perceptohen si diçka
dytësore - ato janë të reduktuara dhe të modeluara keq. Kjo tregon se
semantika e imazheve zbulohet jo aq shumë nga komploti (imazhet e një gruaje dhe një kafshe
kalojnë nëpër gjithë historinë e artit), sa stil, i cili, duke qenë
ndërmjetësues midis strukturës së të përshkruarit dhe funksionit të figurës, formave dhe
formulon konceptin (komploti, duke përcaktuar strukturën, vetëm e emërton atë). Këtu
konfirmim se transformimi i stilit nënkupton një ndryshim në koncept.

Meqenëse çdo imazh figurativ ka si prototip një të natyrshme
formë, i saktë - natyralist - riprodhimi i tij është neutral në
këndvështrimi stilistik. Prandaj analiza stilistike është përcaktimi i sasisë dhe
cilësia e deformimit. Përcaktimi i sasisë së deformimit (shkalla e kushtëzimit)
përfshin krahasimin forma piktoreske me fillestar, përkufizim
veçoritë specifike të stileve (cilësia e deformimit) - krahasimi i tyre me njëri-tjetrin
me një shok.

Në historinë e artit, forma natyraliste imituese (detaje konkrete,
shfaqja e veçorive të veçanta), si rregull, shoqërohen me fazën fillestare
traditë artistike, me ardhjen e lëndëve të reja. Shigjeta stilistike
evolucioni i ciklit primitiv të historisë së artit drejtohet nga natyralisti (mimetik)
imazhe (paleolitike) në konvencionale (art neolitik dhe tradicional).
Miti i imazhit primitiv ka inerci dhe fuqi të madhe evolucionare:
proceset e thellimit, shpalosjes së formës, detajimit, konkretizimit dhe
më në fund, individualizimet shtrihen mbi gati 30 mijëvjeçarë. Në faza të caktuara,
brenda paleolitit, mezolitit, neolitit, fisnor
kulturës, potenciali ekzistues është realizuar pjesërisht. Vjen në mënyrë të përsëritur
në momentin kur imazhi pushon së korrigjuari në natyrë, fillon procesi
stilizimi, vihet re një lloj palosje e formës, gërryerje e saj. Pastaj në të renë
niveli, ka një kthim në imazhin mimetik dhe procesi përsëritet (d.m.th.
në aspektin makrohistorik evolucioni stilistik ka karakter sinusoidal).
Në të njëjtën kohë, mund të vërehet se kalimi në skematizëm është i ngadalshëm
sesi kalimi në natyralizëm duket se ka karakterin e një mutacioni.

Arti shkëmbor që ekzistonte në Sahara për gati 10 mijëvjeçarë
evoluar periodikisht nga natyralizmi në skematizëm. Raport
paraqitje natyraliste dhe skematike të një kafshe të një lloji (demi,
deveja, kali) tregon se rritja e konventës është një proces që
mund të përfaqësohet si një minimizim i mjeteve vizuale, një ulje e numrit
kuantë imazhi; (për rrjedhojë, rritja e tyre nënkupton një tendencë për të
natyralizmi).

Një tregues specifik i stilit - cilësia e deformimit - natyra e stilizimit,
Skematizimi i artit shkëmbor përcaktohet nga preferenca që i jepet asaj
ose një lloj tjetër stilizimi (gjeometrizimi): lakor (përkulje) ose
drejtvizor (përkulje). Veçoritë morfologjike të stilit, të shprehura pak a shumë
më pak butësisht në fazat e hershme të traditës artistike, shfaqen qartë në të
fazën përfundimtare. Kjo tregohet nga periudhat përkatëse të shkëmbinjve
art.

Nga paleoliti deri në fund të mesjetës dhe fillimi i Rilindjes, pikturë
tradita ndjek të njëjtat rregulla si rituali, procesi i saj organizohet
përsëritjen, ritmin, rregullsinë, sigurimin e vazhdimësisë,
rregull, stabilitet.

Stili dhe përkatësia etnike. Në masën që amalgama e stilit është e ndjeshme ndaj ndarjes, mundet
të shohësh se stili në artin primitiv është produkt i një skene, shoqërore,
faktorët etnikë dhe, në një masë minimale, individuale. Analiza dallon
veçoritë morfologjike duke përfaqësuar nivele të ndryshme si në plan
diakronia (tiparet stadiale), dhe për sa i përket sinkronisë (veçoritë lokale).

Krahasimi me skulpturën paleolitike tregon se plastika tradicionale (Afrika,
Oqeania, etj.), me një ndryshim domethënës, ruan tiparet e primitivit
kultura (monumentaliteti, simetria e kompozicionit, hieratiku etj.).
Krahasimi i komplekseve individuale të skulpturës tradicionale me njëri-tjetrin dhe të gjitha
së bashku - me skulpturën paleolitike, është e mundur të identifikohen treguesit morfologjikë
faza e fundit e ciklit primitiv, d.m.th. veçoritë strukturore që dallojnë
skulpturë aktuale tradicionale. (Shumica tipar i përbashkët stilet tradicionale -
gjeometrizim, skulpturë paleolitike - natyralizëm i ekzagjeruar.)

Natyrisht, faza e listuar përcaktohet morfologjike
treguesit manifestohen në një shkallë ose në një tjetër të dy në përgjithësi (rajonale fisnore
stil), dhe në njëjës: një figurë specifike, për shembull, e Dogonit. Duke marrë parasysh
e njëjta figurinë në terma sinkronikë, në stilin e saj mund të dallohen veçori që
duke dalluar artin afrikan në përgjithësi nga arti tradicional i të tjerëve
zona, si Oqeania (në masë, skulptura afrikane graviton drejt formave
monolit, oqeanik - në fraksional, etj.). E njëjta figurë pasqyron
tipare që dallojnë stilet e Sudanit Perëndimor (rrafshësia, thatësia, "kubizmi")
nga stilet e bregut të Guinesë dhe rajoneve të tjera të Afrikës. Sidomos
përfaqësuesisht, një figurë e tillë përfaqëson tiparet e stilit etnik. Së fundi,
duke e krahasuar me figurina të tjera Dogon zbulon se
dallon dorëshkrimin e këtij mjeshtri - një i vetëm (nënstili individual).

Në shembujt e dhënë, sasia e deformimit përfaqëson një aspekt universal
stil - i lidhur me diakroninë, një faktor skenik; cilësia e deformimit
e lidhur me sinkroninë, me faktorët etnikë (rajonalë) dhe - në një masë të vogël
masë - individuale. Kjo do të thotë, stili formohet në pikën e kryqëzimit
skenike, etnike, individuale.

Analiza stilistike krahasuese - krahasimi i stileve të ndryshme etnike
- gjen në to një sërë elementësh të ngjashëm. Grupimi i skulpturës së një rajoni të caktuar
në bazë të përbashkësisë stilistike shihet se në të shumtën e rasteve
zonat stilistike formojnë një ngjashmëri vijat spektrale duke rrethuar kështu
i quajtur “stili bërthamor”, në të cilin janë tiparet karakteristike të një zone të caktuar
më të theksuara. Zona të tilla, nga ana tjetër, mund të kombinohen sipas
veçoritë stilistike. Ky aspekt i artit tradicional, i përcaktuar si
evolucioni stilistik sinkron, tregon se procesi artistik
nuk kufizohet në qelizat e grupeve individuale etnike, ajo kulturë artistike
funksionon jo vetëm në nivelin e stileve lokale, por edhe si një sistem i të cilit
integriteti është për shkak të një bashkësie të caktuar kulturore dhe historike.

Me gjithë origjinalitetin e tyre, stilet individuale veprojnë si elementë të një kompleksi
unitetin. Në aspektin morfologjik, ndërvarësia e tyre zbulohet nëpërmjet
analiza e aspekteve të veçanta të secilit stil fisnor individual. Në më të afërt
në ekzaminim, rezulton se tiparet specifike të stileve, ndonjëherë
në mënyrë paradoksale - në mënyrën e përmbysjes, ata lidhin dy fqinjë
kulturat artistike. Kështu, lidhjet e sistemit të stileve tradicionale
e shprehur si në ndikim të ndërsjellë ashtu edhe në zmbrapsje reciproke.

Ekziston një substrat i përbashkët mbi bazën dhe brenda të cilit
qendra të veçanta të artit. Secila prej tyre ka një stil të veçantë
konstante. Një analizë e artit tradicional tregon se numri
deformimi, ose shkalla e kushtëzimit, është në një varësi të caktuar nga
niveli skenik, faza e zhvillimit të një tradite të caktuar artistike. Cilësia
deformimi, ose natyra e stilizimit - preferenca që i jepet njërit ose tjetrit
metoda e përgjithësimit - krijon specifikën lokale. Kështu, sasiore
deformimi vepron si funksion i kohës, dhe deformimi cilësor vepron si funksion i etnosit (në
ndjenjë e caktuar e hapësirës).

Në prani të veçorive të përbashkëta integrale, stilet lokale ndryshojnë nga njëri-tjetri.
mik po aq qartë sa personazhet e të njëjtit alfabet. Veçoritë specifike të etnisë
stilet janë veçanërisht të theksuara në maskat rituale shprehëse. Mënyra
imazhet e surratit të një kafshe, një fytyrë njeriu ose, më shpesh,
Imazhi zooantropomorfik është gjithmonë i veçantë, i natyrshëm vetëm në një etnik të caktuar
lloji i stilimit në grup. Theksohet vlera e funksionit etnodiferencues
elemente zoomorfike që u korrespondojnë disa kafshëve totemike.

Stili këtu vepron si një projeksion i drejtpërdrejtë i karakteristikave etnike, si
substancë, e cila, si të thuash, gjenerohet nga vetë etnosi. Synimet që formojnë
struktura integrale e stileve tradicionale fisnore, në krahasim me
Stilet historike duken si një ligj i natyrës dhe manifestimet e tij lokale
si një kod gjenetik që e bën këtë strukturë unike në çdo specifikë
rast.

Kjo situatë specifike të kujton faktin se arsimi etnikisht "i pastër".
është një fis. Në raste të tjera, etnosi është një element “virtual” i asaj amalgame
që quhet komb. Karakteristikat strukturore të shoqërisë sot janë përcaktuar
në një masë më të madhe (dhe gjithnjë e më të madhe) duke i përkatur një ose një lloji tjetër qytetërimi,
në vend të tipareve gjenetike. Prandaj, apeli për "rrënjët", "ngjitja në
origjina" në të vërtetë do të thotë një referencë për të kaluarën.

Stili si gjuha e mitit. Siç shihet nga analiza e primitive dhe tradicionale
arti, në origjinën e traditës së bukur në fazën fillestare të stilit
thekson në mënyrë selektive veçoritë morfologjike të vetë natyrës; herët
fazat - në paleolitik - imazhet riprodhojnë, si rregull, imazhe të realitetit.

Marrëdhënia e drejtpërdrejtë midis stilit dhe komplotit ruhet edhe në mezolit, me ndryshimin se
këtu stili rrjedh jo aq nga morfologjike statike sa
veçoritë funksionale dinamike të komplotit-natyrës. Përdoret Warp
për vizualizimin e lëvizjes, veprimin - për një histori për një ngjarje ("e paqartë"
siluetat dhe përmasat e zgjatura të shigjetarëve që gjuajnë në arrati, rregullimi i figurave
rreshta njëra mbi tjetrën për të përcjellë faza të njëpasnjëshme të ngjarjes etj.).

Në fazën e fundit të ciklit primitiv, stili që merr përsipër simboliken
funksioni, nuk është më i fokusuar në pamjen e perceptuar drejtpërdrejt të gjërave,
por - mbi bazën e tyre strukturore plastike. Sintetizimi i imazheve të ritualit
maskat riprodhojnë modele të krijuara më parë. Në hapësirën fisnore
kultura, stilet lokale gjenerojnë qeliza të kundërta të individit
kulturat monoetnike. Dizajnimi fantastik, si rregull
zooantropomorfike, imazhe, një shumëllojshmëri e gjerë metodash deformimi, unike
për çdo stil (etnos) një grup dhe kombinim parcelash, mënyrat e plastikës së tyre
transformimet, një strukturë ideoplastike unike për çdo stil,
i njohur në të gjitha llojet e skulpturave - qofshin statuja, maska, dekor shtëpiak
objekte, një detaj i një strukture arkitekturore, etj., - dëshmojnë, së pari,
për origjinën etno-kulturore të specifikave të stileve lokale dhe, së dyti, për historinë dhe kulturën
origjinën e universaleve të një hapësire të përbashkët artistike që i bashkon këto
stile unike, - hapësira që unifikojnë strukturën plastike,
duke i bërë të dallueshme tiparet integrale të artit tradicional,
tipare ideoplastike të arteve figurative të të shkruarit
periudha parashtetërore.

Në një retrospektivë historike, veprimtari piktoreske që humbet lidhjen me
në natyrë, - stilistika, duke pohuar kanunet e saj, si rregull, lidhet me
periudhat e stagnimit, pikat e fundit të kthesës së traditës artistike
(krh. konvergjencën e avangardës evropiane dhe artit "primitiv", veçori
Morfologjia e stileve tradicionale dhe formimi i fazës përfundimtare
periudha klasike). Të njëjtat tendenca shënuan stilet e epokës së fundit.
bota e lashtë (helenizmi), faza e fundit në artin e Rilindjes (manierizmi),
i fundit në një seri stilesh të shkëlqyera (barok - rokoko). Këto janë një lloj i veçantë
Ndryshimet stilistike në shikim të parë nuk kanë të bëjnë fare me temën
realiteti, e megjithatë komploti dhe etnosi janë aq të lidhura ngushtë me atë artistike
proces që ndërrimet që ndodhin këtu nuk mund të mos kenë një indirekt
ndikim në procesin e formimit të stilit.

Subjektet e reja përditësojnë stilin e artit mezolitik; në mënyrë të ngjashme
patos i përparimit teknologjik, imazhe të një realiteti të ri (modele të reja të komplotit)
formojnë stilin e futurizmit, konstruktivizmit, suprematizmit. Prezenca
komponenti etnik, qëndrueshmëria e këtij faktori të formimit të stilit është gjithashtu
kërkojnë rezervime. Për shembull, veprimtaria artistike spontane,
që synon krijimin e stileve pseudo-kombëtare (në Rusi - nga fundi i shekullit të 19-të),
lidhur me përshpejtimin në rritje të proceseve qytetëruese, nivelim
specifikat kombëtare.

Në të njëjtën kohë, stili i futurizmit dhe suprematizmit, si dhe stili i lëvizjeve të ndryshme
primitivizmi, duke përdorur grupe të caktuara komplotesh, nuk lidhet
drejtpërdrejt me imazhet e realitetit. Fillimi kuptim-formues është komploti-eidos (këtu
në rastin e parë, ky është përparim teknik, e ardhmja është qytetërimi, në të dytën -
natyrore, historike - kulturore) është në kërkim të formave adekuate specifike të shprehjes në
mitologjizimi i modeleve të komplotit përkatës. Me fjalë të tjera, avioni dhe samovari
bëhen objekte të imazhit si rezultat i faktit se tyre
korrespondencë me sistemin e ideve të shenjuara - vetëpohuese (racionaliste,
kozmopolit ose patriarkal-patriotik). Në çdo rast stili
organikisht, në mënyrë konsistente dhe plotësisht e shpreh këtë program - nuk është i gënjyer
sipërfaqe, shpesh e nënkuptuar jo plotësisht e vetëdijshme, si dhe e pavetëdijshme (irracionale
thelbi i të shenjuarës).

Vlen të përmenden transformimet stilistike të imazhit të shkencës, përparimit,
industrializimi nga A. Menzel dhe K. Meunier në konstruktivizëm dhe socialist
realizëm; imazhi i natyrës, marrëdhënia e natyrore dhe kulturore nga Constable dhe
Millet tek Van Gogh, Nabis dhe Cezanne; nga realizmi fillimi i XIX në.,
duke afirmuar harmoninë, ndërveprimin harmonik të njeriut dhe natyrës, të
stili i ekspresionizmit, duke pasqyruar dramën e kontradiktës kulturore dhe
natyrore. E fundit, më e theksuar dhe më thellë e shprehur në letërsi nga S. Kierkegaard,
F. Dostoevsky, F. Nietzsche, jo më pak pasqyron ashpër stilin e E. Munch në art,
J. Ensor, E.-L. Kirchner, P. Filonov. Në këto raste bëhet fjalë për harmoni?
ose disharmonia - fillimi stilformues rezulton të jetë një komplot-ide, zëri i së cilës
mbulon si zërin e modeles, ashtu edhe theksin e pandryshueshëm kombëtar. Në këtë kontekst
atë që ne e shohim në art si të huaj (“e gabuar”), pa anuluar tonën,
pasuron botëkuptimin tonë me aspekte të reja kuptimore.

Është zakon të mendohet se origjinaliteti stilistik i atyre gjeografikisht të largët prej nesh
kulturat - si Japonia, Kina - janë të mbyllura, pasi një gjuhë e huaj është e mbyllur, për më tepër
- hermetik, sepse, si epikantusi, ka origjinë natyrore. atë
vetëm pjesërisht e vërtetë. Stili i lashtë, ultra-modern dhe
arti i huaj mbyllet kryesisht për arsyen e gabuar që flet
gjuhë e panjohur, por sepse zbulon, tregon kuptime të panjohura për ne
gjëra të famshme.

Ndryshe nga verbale, gjuha pikturale është universale. E tij elementare
fjalor - objekte të botës përreth. Emri këtu është një komplot që thërret (tregon)
nje objekt; të gjitha funksionet e tjera kryhen nga stili. Komploti thotë "mal", stili - "madhështor",
"i tmerrshëm", "i zymtë", "madhështor". Komploti-modeli përkon në njëfarë
kuptim me një komplot eidos, kur ky mal është Fujiyama, Ararat ose Olimpi.

Pas veçorive të stilit lokal në një nivel më të thellë qëndron gjithmonë
zbulohet një thelb i caktuar universal, mitologjik i tij (metafizik)
bazë. Pas veçorive reale lokale të perceptimit dhe origjinalitetit të natyrës
- për shembull, peizazhi japonez, për ndikimin e të dyve në stilin japonez
Grafika të shekullit të 19-të është e pamundur të mos shihet se kjo grafikë (për të gjithë kombëtaren e saj
ngjyra) mishëron idenë e të njëjtit thelb që po eksplorohet
peizazhet e Constable, Levitan, Turner, Corot, Cezanne. Natyra për këta artistë
- një nga mishërimet e kuptimit, një fenomen që përmban fillimin e fillimeve.
Pavarësisht nga pangjashmëria e modeleve dhe veçorive kombëtare të perceptimit, natyra me
"rendi i tij natyror i gjërave" vepron si zgjidhja e fundit, duke hequr
papajtueshmëria e qenies dhe mosqenies, e mira dhe e keqja.

Lënda-natyra e peizazheve nga artisti japonez Hiroshige Ando (1797-1858) dhe peizazhet
Levitan janë po aq të ndryshëm sa traditat artistike ruse dhe japoneze. Imazhi
përjetësi dhe paqe në gdhendjet e artistit japonez dhe në pikturën e famshme të Levitan -
pronë jo e truallit, por e stilit. Vetë stili këtu është një projeksion piktural.
plot-eidos - perceptim racional-panteist i natyrës. Gjeneral në
arti i shekullit të 19-të është se natyra pushon së qeni një prapaskenë, dekorative
sfond ose "mjedis natyror" dhe bëhet një fenomen i shpirtëruar.

Në peizazhin japonez, përjetësia është e zhytur në vetvete, indiferente ndaj njeriut; paqen
këtu - pandryshueshmëria e ekzistencës, vija e palëvizshme e maleve, modeli ritmik i shkëmbinjve dhe
pemët, tonin e barabartë të qiellit dhe ujit. Versioni rus i kësaj teme, veçoritë e tij
stilistika përcaktohet gjithashtu jo nga veçoritë e peizazhit rus ose
tradita piktoreske kombëtare, por fillimi semantik. Përjetësia
Levitanovsky Mbi prehjen e përjetshme është misteri i përjetshëm i vdekjes dhe paqja është këtu
metaforë.

Për D. Constable, duke gjykuar nga deklaratat e tij, natyra është kryesisht një objekt
kërkimore. “... Piktura është shkencë”, thotë ai, “dhe duhet bërë në atë mënyrë
ashtu si studimi i ligjeve të natyrës. Piktura e peizazhit në këtë rast bëhet
pjesë e filozofisë natyrore, dhe pikturat janë eksperimente. Sidoqoftë, pavarësisht se çfarë mendoni për të vetë
artisti, peizazhet e tij duken si himne për forcat e fuqishme të natyrës. Stili konstable
i pagabueshëm i dallueshëm për shkak të deformimit të tij unik specifik
(gjë që piktura-studimi vështirë se sugjeron). Shtet stili i konstable
për veten edhe kur fotografia është vetëm një fragment
qielli me re (Retë, 1822). Në peizazhet e tij me tufa pemësh, kuajsh,
lopë që kullosin, ngadalë notojnë, natyra e reve të ndriçuara nga dielli
duket si një burim force, mirësie, mirëqenieje, si një punishte në të cilën
ndihet prania e pronarit të saj të zellshëm.

Jo më pak mënyra realiste shprehëse e vizatimeve të T. Rousseau, J. Daubigny, K. Corot
imazh misterioz, luksoz, joshës i natyrës së paprekur, në të cilin një person
mund të jetë i pranishëm vetëm në formën e personelit. Imazhi romantik i natyrës
elementet e muzgut, të paparashikueshëm, shqetësues riprodhohen gjallërisht të papritura për
Stili i W. Turner në kohën e tij. Në pikturat e artistëve gjermanë dhe austriakë
natyra është mishërimi i një esence ideale, e cila shfaqet në formë
mbyllur në vetvete, skemë e qartë, e ftohtë (G. Waldmuller), me përkushtim shtrihet në
këmbët e njeriut (W. von Kobbel), bëhet një metaforë për përjetësinë (J.A. Koch, K.D. Friedrich,
F. Olivier). Stili i G. Courbet rikrijon natyrën si një themel të fortë të qenies. Kjo
imazhi është në kontrast me atë që lind tek impresionistët - me piktoreskitetin e tyre
teknikë që shpërndan materialitetin, peshën dhe strukturën e objekteve në shimmering
reflekset dhe thyerjet e mjedisit të ajrit të lehtë.

Risitë që impresionizmi sjell në artin e fundit të shekullit nuk janë
stilistike, por strukturore dhe teknike. Seria e skicave nga C. Monet,
të cilat duken si një realizim i idesë së Constable, në realitet
dëshmojnë për qëndrimin e ndryshuar si ndaj pikturës ashtu edhe ndaj natyrës. të nënkuptuara
tani po bëhet gjithnjë e më e madhe Bota e brendshme njeriu, jeta e shpirtit, e saj
përvoja unike. Natyra këtu bëhet një pasqyrë e shpirtit.

Neo-impresionistët shkojnë edhe më tej. Vëmendja e Pointilistëve është e përqendruar në
natyrën për aq sa gjejnë në të një objekt për eksperimente
Krijimtaria. Në veçanti, ata tërhiqen nga drita natyrale. qëndrim i ri ndaj
objekti i figurës frymëzohet nga dëshira për saktësinë e perceptimit vizual
ngjyrat - në kërkim të një "ekuivalenti të ri të besnikërisë" - fiksim i saktë
gjendjet e natyrës. Koncepti kryesor këtu nuk është "natyra", por "saktësia". Pavarësisht
për faktin se po flasim për pikturë, riprodhim artistik të imazhit, saktësi
këtu nuk do të thotë një "goditje në imazh" ekzakt, por një pretendim për një lloj shkencor
saktësia e metodës, njohja e ligjeve të zbërthimit të ngjyrave. J. Seurat, P. Signac, C. Pizarro dhe
divizionistë të tjerë (pointillists) e quanin veten impresionistë shkencorë - in
ndryshim nga paraardhësit e tyre "romantikë" - dhe iu referuan shkencës
teoria e ngjyrave plotësuese nga E. Shevreil.

Në këtë rast primar është mitologjizimi i shkencës dhe jo zbatimi i saj praktik.
Momenti i formimit të stilit në art nuk është teknika dhe formula - ato janë vetëm
do të thotë, d.m.th. dytësore në raport me mitin - imazhi i tij dominues. Në fund të shek
nuk është më një njeri, por një shkencë, me të cilën tani janë të lidhura të gjitha shpresat (në veçanti,
"shoqëri e organizuar shkencërisht" - një imazh që ka rrëmbyer imagjinatën kolektive).

Stili divizionist rrjedh drejtpërdrejt nga metoda përkatëse, por
metoda dhe fakti i nxjerrjes së tij nga kërkimet në fushën e kimisë organike -
dëshmi e autoritetit të padiskutueshëm të shkencës. Ky stil është një blic i shkurtër
historia e artit - shënon apoteozën e shkencës në një masë më të madhe sesa arritjen
pikturë. Në pikturat e Seurat dhe Signac, një mozaik me goditje të mbivendosura në mënyrë të barabartë
objektivisht riprodhon në mënyrë indiferente formën dhe ngjyrën e objekteve të ngrira - vetëm të tyre
teksturë e dukshme drejtpërdrejt. Piktura divizioniste është po aq indiferente dhe
kap me saktësi pozicionin e objekteve, shkallën dhe natyrën e ndriçimit, duke shmangur
çdo manifestim i ndjenjës, humorit, preferencës estetike.

Si më parë, ashtu edhe në shekullin e 20-të. stilet janë të lidhura ngushtë me kuptimet e epokës, me mitin e saj.
Nëse nuk do të ishte e qartë se vendin e mitit në kohët moderne e zë shkenca, do të ishte
do të ishte e lehtë të konkludohej nga stili i avangardës.

Në rrjedhën kryesore të avangardës, pas divizionizmit, fenomeni më i madh është
kubizëm; Futurizmi, suprematizmi, konstruktivizmi e trashëgojnë atë. Intelektuale
produkt i mitit të shkencës - imazhi i një shoqërie universale të organizuar shkencërisht
mirëqenien. Ky imazh lind idetë e eksplorimit total të hapësirës,
dëbimi i natyrës, krijimi i një "sistemi të vetëm të arkitekturës botërore" (Malevich). Idetë
kolektivizëm - kozmopolitanizëm, vlera universale, rehati të përbashkët
- shprehen në format më të thjeshta gjeometrike që imitojnë konvencionalen
gjuhë koncize e shkencës. E njëjta gjë që është në origjinën e analitike dhe
kubizmi sintetik, i frymëzuar nga neoplasticizmi i Mondrian, Van Doesburg dhe
rryma të tjera të abstraksionit gjeometrik, tiparet e përbashkëta stilistike të të cilave janë
forma elementare gjeometrike, struktura e qartë, ekspresiviteti i funksionit,
çlirimi nga estetika e aplikuar, e cila nuk është veti e strukturës së
subjekt.

Teoria universaliste dhe stili ndërkombëtar i konstruktivizmit, e saj
marrin projektet utopike që mishërojnë fantazinë e një “të ardhmeje të ndritur”.
zhvillimi më i madh në periudhën revolucionare në Rusi dhe zhduket, ose
transformuar në vitet '30. në procesin e formimit të ideologjisë së reales
Shoqëria sovjetike, kur mospërputhja e projektit utopik komunist
realiteti bëhet i qartë. funksionalisht i shëndoshë
stilistika e konstruktivizmit, në një mishërim konkret që reflekton në mënyrë adekuate
mundësitë e shkencës dhe teknologjisë, bie në kundërshtim të hapur me jetike
realitetet. Projekti utopik i një "të ardhmeje të ndritur" është zëvendësuar nga ideologjia e një "të lumtur".
prezente." Ky komplot i ri kërkon shenjues të ndryshëm.

Fillimisht racionaliste progresive, shkencore-industriale-urbane
projekti ndërkombëtar, si në jetë ashtu edhe në art, kundërshtohet nga tendenca
duke shprehur mosbesim në natyrën e dobishme të shkencës dhe teknologjisë.

Në origjinën e primitivizmit evropian - Gauguin, Matisse, Derain, gjermanisht
ekspresionistët (E.-L. Kirchner, E. Nolde, E. Heckel, K. Schmidt-Rottluff dhe të tjerë), K. Karra,
A. Modigliani dhe shumë të tjerë, duke sublimuar mësimet e primitives (popullore,
tradicional), arti, i cili gjithashtu hap rrugën për të kundërtën -
drejtim racionalist: kubizëm, suprematizëm, konstruktivizëm.

Kështu, primitivizmi i fillimit të shekullit është në origjinën e dy poleve,
tendencat e kundërta në artin e shekullit të 20-të, në të cilat nga të gjitha anët
shprehet qartë dikotomia e Unikes dhe Universales. Nga pikëpamja
morfologjia, pika kyçe është zvogëlimi i formës, që në rastin e parë duket si
si thjeshtim i tij (etik), në të dytën - si thjeshtëzim (estetik). te dyja
tendencat piqen në kulturën evropiane gjatë gjithë shekullit të 19-të.

Në kthesën drejt primitivizmit në Rusi, si në vendet e tjera, fillimisht
dallohen dy qasje të kundërta: ajo që ka si bazë
ideja e "rendit natyror të gjërave" (natyra, kultura), tjetra është minimizimi
forma, përmirësimi i funksionit të tij ideoplastik, ideja e ndërtimit të një të reje
entitete (civilizimi).

Një shembull i kësaj lëvizjeje të drejtuar në mënyrë të kundërt nga një pikë primitive jep
Evolucioni krijues i Goncharova dhe Malevich. Në veprat e Malevich në ekspozitën "Bubnovy
jack" në vitin 1910, ndikimi i veprës së kësaj kohe të Gonçarovës është i dukshëm. Stilistike
paralelet manifestohen në plasticitetin specifik të figurës njerëzore (Ecja,
Malevich, 1910). Në të njëjtën kohë, evolucioni i mëtejshëm i Goncharova dhe Malevich tregon se
se ngjashmëria e punës së tyre të hershme është një ngjashmëri embrionale. Këtu nga e njëjta
pikat fillojnë të lëvizin prirje diametralisht të kundërta. Ai të cilit
i përket veprës së Goncharova, do të bazohet në artin popullor,
traditat kombëtare, imazhet mitologjike, tjetra është frymëzuar nga ideja shkencore dhe teknike
progresi, vlerat universale të kolektivizmit - qytetërimi kozmopolit.

Vetëm një qasje sipërfaqësore e lejon dikë që të arrijë në një zgjidhje "përfundimtare".
pyetje të ngjashme. Pas ekzaminimit më të afërt, rezulton se konflikti midis "natyrshëm"
dhe "kulturore" në njeriun dhe shoqërinë qëndron në bazën e pothuajse të gjithëve
konflikte dhe kontradikta të pazgjidhshme. Në fund të fundit, kjo themelore
dilema do të thotë të kesh zgjedhje midis jetës së një betoni unik
vdekshmëria dhe pavdekësia e abstraktit universal universal.

Në art, racionalja dhe intuitive nuk shënohen gjithmonë aq qartë sa në art.
rasti i Goncharova dhe Malevich, puna e të cilëve ka një pikënisje të përbashkët.
Megjithatë, në ideologji dhe politikë në nivelin e “praktikave jetësore” kjo zgjedhje, në
në fund të fundit, rezulton të jetë një zgjedhje midis fantazisë së së Ardhmes (komunizmi,
duke pushtuar natyrën, organizimi shkencor ekonomia, etj.) dhe fantazma e së kaluarës (miti,
historia, “zëri i gjakut”, rrënjët kombëtare etj.).

"Realizmi socialist" dhe "parimet e Fyhrer" janë një sistem
ndalimet dhe recetat - grupe parcelash të rekomanduara me një fokus të rreptë në
interpretimi i tyre natyralist. Ngjashmëritë midis artit sovjetik dhe fashist
shpjegohet me faktin se të dyja ideologjitë e përdorin artin si mjet magjie dhe
apel për masat.

Arti në çdo kohë pasqyronte jo botën, por një ide ideale të botës.
Tipar dallues arti sovjetik që ideali duhet
i perceptuar si realitet, realiteti duhet t'i bindet idealit. Kjo eshte
bëhet fjalë për magji simpatike. Prandaj stili pseudo-naturalist.

Shembujt e artit klasik tregojnë se stili në të gjitha rastet, nga
Egjipti i lashtë para Epokës së Iluminizmit, ekziston një projeksion piktural i shpirtërores (mitit),
realitetet dhe aspiratat gjenetike dhe materiale (botërore objektive) të shoqërisë.
Instalimi në imitimin e jetës, realiteti objektiv (në paleolitik, kjo është gjithashtu
magjia e një objekti të caktuar të përshkruar) shpjegon stilistikën
infantilizmi i artit totalitar. Ngjashmëritë midis sovjetikëve dhe paleolitit
artisti në atë që ideali i tyre është konkret, material; mjet ideal për të
arritjet.

Është domethënëse që në momentin e dominimit absolut të ideologjisë, prania e stilit (deformimit)
bëhet minimale. Është gjithashtu domethënëse që në rastin e parë
arti i bukur kthehet në rrjedhën kryesore të stilit të tij - në atë vend
(fillimi i viteve 30), ku u ndalua.

Specifikimi i stilit, veçantia e tij perceptohet menjëherë, drejtpërdrejt. Përpara
pasi përcaktuam qëllimin e objektit, natyrën e personazhit, me çfarë apo me kë
nga imazhet e shumta të këtij apo atij panteoni që kemi të bëjmë - tashmë e dimë
se është Egjipti i vjetër, Greqia e lashtë, Asiria etj. I ngjashëm
Imazhet e shpellave janë të shënuara stilistikisht nga përkatësia e tyre në paleolitin,
një ose një tjetër kulturë etnike, rajon - objekte të artit tradicional,
kulturat neolitike. Jo më pak e dukshme përkatësia e kulturës evropiane
veprat e artit klasik të shekujve XVIII-XIX. Këtu në secilin rast (Francë,
Anglia, Gjermania, Rusia, etj.) ju mund të identifikoni shenjat e një stili evropian
arti i iluminizmit.

Mungesa aktuale e stilit është mungesa e një stili Grand, por jo i një stili morfologjik
specifikat në secilin rast.

Stili dhe arti bashkëkohor. E reja që shfaqet në art në vitet 60-70.
Shekulli XX., është prodhimi i kalbjes, elemente të zbërthimit të klasikes
sistemi vizual, duke marrë një karakter autonom dhe përdoret për
krijimi i formave të ndryshme vizuale të veprimtarisë së lojës. Të tjerët nuk e bënë fillimisht
lidhur me artet pamore: ndodhja, performanca, kanë të tyren
gjenealogjia e vet, e ndryshme nga veprimtaria piktoreske, kthehu tek
aktivitete rituale, ceremoniale. Magjia, magjia, vallëzimi etj. kanë të njëjtën gjë
rrënjët e thella, si prodhimi i imazheve grafike, piktoreske, skulpturore dhe
shenjat, por në të njëjtën kohë janë të divorcuar në origjinë.

Zbërthimi i një vepre arti klasike çliron elementet
të aftë për t'u bërë thelbi i lojërave, aktiviteteve eksperimentale dhe artistike.
Ndarja mund të ndodhë në një nivel gjithnjë e më të thellë. E gatshme jo
nuk përmbajnë asgjë që të kujton sistemin klasik të pikturës. Por akoma
jeta e tyre në një situatë të re estetike ofron një komponent të klasikes
kompleks arti - ekspozim që ofron estetikë
etiketimi i fenomeneve.

Ndryshimet jo stilistike në pikturën evropiane janë futur nga impresionizmi,
prishja e ekuilibrit të pikturës dhe vizatimit - në favor të pikturës. Po ndodh këtu
tashmë ndryshime strukturore. E megjithatë ne jemi ende brenda klasikes
hapësirë ​​artistike, nga e cila asnjë nga përbërësit e saj
komponentët. Dallimi është se njëri prej tyre, duke u bërë një hiperkomponent,
cenon ekuilibrin sistemik, duke pretenduar të jetë i vetë-mjaftueshëm, shtypës ose
duke zhvendosur elementet e tjera të sistemit vizual.

Nëse në pikturën impresioniste përdoret ngjyra për të krijuar
mjedisi me ajër të lehtë, duke e zhvendosur në sfond vizatimin, dizajnin, pastaj
hiperkomponenti i kubizmit është plasticiteti, statika, përbërja (minor:
ngjyra, komploti); futurizëm - dinamikë. Suprematizmi sjell dekonstruksion
imazhi figurativ në përfundimin e tij logjik. komplot, foto,
perspektiva hapësinore (në kuptimin e tyre tradicional) mungon, për shkak të
çfarë lejon një grup konciz - një formë gjeometrike, një ngjyrë e hapur
krijojnë kompozime jashtëzakonisht të qarta, abstrakte. Konstruktivizmi - në ato
manifestime që mbeten ende mbi bazën e pikturës
krijimtaria - shkon edhe më tej: kundërrelievet e Tatlin janë shembuj të pastërtisë
arkitektonike e realizuar ne materiale natyrore.

Subjekti Art Bashkëkohor- një person individual, i pavarur.
Procesi modern artistik nuk përfaqëson një rrjedhë të vetme, këtu
stilet, teknikat, llojet dhe format e artit të epokave të ndryshme bashkëjetojnë. Përcaktuese
momenti nuk është aq shumë fakti i pranisë së një ose tjetrës specifikë sa
intensiteti.

Ngjarjet fatale për artin në vitet 50 ndodhin në Amerikë, ku në fillim
lufta emigruan artistë kryesorë evropianë. Fenomeni më i habitshëm këtu
pikturë abstrakte.

Arti abstrakt është mënyra më e arritshme për të kapur qenien personale, dhe
në formën më adekuate - si një printim faksimile.

Arti ka qenë gjithmonë në një mënyrë ose në një tjetër një mjet vetë-shprehjeje. personalitet,
duke u ngulitur në mënyrë indirekte në strukturat normative të stileve të mëdha,
tani ajo krijon struktura të tilla për vete. Nëse shikoni artin
procesi nga pikëpamja e shndërrimeve të komponentit stilistik – prirja për
gjeometrizimet, të cilat shprehen minimalisht në fillestare - natyraliste dhe
maksimalisht – në fazën përfundimtare të traditës artistike, shihet se
si fillim stilformues, i nënrenditur më parë në një formë mimetike, i mbyllur
ajo, me qasjen në abstraksion, fiton lirinë: linja, ngjyra, tekstura bëhen
shtypje faksimile e autorit. Në mënyrë ideale, asgjë tani nuk ndërhyn me gjurmët
personalitete në projeksione plastike, grafike, piktoreske, në të cilat si dhe çfarë
bashkohen së bashku ("Vizatimi im është mishërimi i drejtpërdrejtë dhe më i pastër i imja
emocionet”, thotë Matisse).

Si një faktor stil-formues, abstraksioni i zgjeron pafundësisht mundësitë
mishërimet e dy esencave të kundërta - Unike dhe Universale.
Aktiviteti përmes të cilit një person kap qenien e tij - tekste,
prodhimet e artit të të gjitha kohërave dëshmojnë se autori në një mënyrë apo në një tjetër
deri diku fliste gjithmonë për veten e tij, por gjithsesi asnjëherë kaq me vetëdije në detaje dhe
sinqerisht, si në shekullin e 20-të; jeta në nivelin konkret, reale është
mishërim i unike.

Formimi i aktivitetit pamor, arti shoqërohet me formimin
shoqërinë. Në të njëjtën kohë, ka shumë të ngjarë që veprimi piktural të lindë si
akti i komunikimit. Por edhe kur akti artistik kthehet nga jashtë,
Personaliteti i autorit, në një shkallë apo në një tjetër, flet gjithmonë vetë. Stili në art -
është gjithmonë një amalgamë e sociales, stadale dhe individuale.

Homogjeniteti stilistik, elementariteti dhe universaliteti i artit primitiv
- rezultat i një hendeku minimal midis individit dhe socialit. Sofistikimi
dhe soliditeti i Grand Styles është produkt i presionit të jashtëm të fuqishëm, reduktues
fillim personal. Sidoqoftë, shfaqen tipare stilistike individuale
tashmë në artin tradicional (etnik).

Stili i artit primitiv (paleolitik) - individualiteti është i padallueshëm.

Stilet e Rilindjes - polifonia e zërave solo brenda një mozaiku rajonal.

Stilet e epokës së re janë një individualitet qartësisht i dallueshëm brenda kombëtares
kultura dhe paradigma estetike klasike.

Stilet e fundit të XIX - gjysma e parë e shekullit XX. (periudha postklasike) - e ndritshme
individualitet i theksuar në përputhje me tendencat ndërkombëtare.

Vil Mirimanov

LITERATURA:
Vlasov V.G. Stilet në art. Fjalor. T. 1. M., 1998
Mirimanov V.B. Imazhi dhe stili. M., 1998
Mirimanov V.B. Origjina e stilit. M., 1999

Kjo hyrje u postua të martën, 14 tetor 2008 në 21:19 dhe është ngritur nën . Ju mund të ndiqni çdo përgjigje për këtë hyrje përmes furnizimit. Të dy komentet dhe ping janë aktualisht të mbyllura.

Dërgoni punën tuaj të mirë në bazën e njohurive është e thjeshtë. Përdorni formularin e mëposhtëm

Studentët, studentët e diplomuar, shkencëtarët e rinj që përdorin bazën e njohurive në studimet dhe punën e tyre do t'ju jenë shumë mirënjohës.

Postuar ne http://www.allbest.ru/

ESE

Koncepti i stilit në art

Çdo epokë karakterizohet nga një "fotografi e botës", e cila përbëhet nga ide filozofike, fetare, politike, ide shkencore, karakteristika psikologjike të botëkuptimit, norma etike dhe morale, kritere estetike të jetës, sipas të cilave ata dallojnë një epokë. nga një tjetër. Këto janë epoka primitive, epoka e botës së lashtë, Antikiteti, Mesjeta, Rilindja, Epoka e Re.

Stilet në art nuk kanë kufij të qartë, kalojnë pa probleme njëri në tjetrin dhe janë në zhvillim, përzierje dhe kundërshtim të vazhdueshëm. Në kuadrin e një stili artistik historik, lind gjithmonë një i ri, i cili, nga ana tjetër, kalon në tjetrin. Shumë stile bashkëjetojnë në të njëjtën kohë dhe për këtë arsye nuk ka fare "stile të pastra".

Disa stile mund të bashkëjetojnë në të njëjtën epokë historike.

Duhet të dallohen: stilet artistike, tendencat, tendencat, shkollat ​​dhe veçoritë e stileve individuale të mjeshtrave individualë. Brenda një stili, mund të ketë disa drejtime artistike. Drejtimi i artit Ai përbëhet nga dy shenja tipike për një epokë të caktuar dhe mënyra të veçanta të të menduarit artistik.

Stili romanik (nga lat. romanus - romak) - stili artistik që dominonte në Europa Perëndimore(si dhe prek disa vende të Evropës Lindore) në shekujt XI-XII (në një numër vendesh - në shekullin XIII), një nga fazat më të rëndësishme në zhvillimin e artit mesjetar evropian. Më së shumti shprehet në arkitekturë.

Fig.1 Katedralja e Pizës, Itali

Fig.2 Katedralja e Bambergut, Gjermani

Fig.3 Kisha e Zojës, Danimarkë

Roli kryesor në stilin romanik iu dha arkitekturës së ashpër të kështjellës: komplekset monastike, kishat, kështjellat. Ndërtesat kryesore gjatë kësaj periudhe ishin tempulli-kështjella dhe kala-kështjella, të vendosura në vende të larta, që dominonin zonën.

Ndërtesat romane karakterizohen nga një kombinim i një siluetë të qartë arkitekturore dhe dekorimit konciz të jashtëm - ndërtesa është përshtatur gjithmonë në mënyrë harmonike në natyrën përreth, dhe për këtë arsye dukej veçanërisht e fortë dhe solide. Kjo u lehtësua nga muret masive me hapje të ngushta dritaresh dhe portale të thelluara. Mure të tilla kishin një qëllim mbrojtës.

Elementi kryesor i përbërjes së manastirit apo kështjellës është kulla - donjon. Rreth tij ishin pjesa tjetër e ndërtesave, të përbëra nga forma të thjeshta gjeometrike - kube, prizma, cilindra.

Fig. 4 Ornament i gdhendur nga abacia e Maria Laach

Skulptura romane hyri në kulmin e saj nga viti 1100, duke iu bindur, si piktura romane, motiveve arkitekturore. Përdoret kryesisht në dekorimin e jashtëm të katedraleve. Relievet më së shpeshti ndodheshin në fasadën perëndimore, ku ndodheshin rreth portaleve ose vendoseshin në sipërfaqen e fasadës, mbi arkivolte dhe kapitele.

Fig.5 Afresk katalan

Shembujt ekzistues të pikturës romane përfshijnë dekorime në monumente arkitekturore, të tilla si kolona me zbukurime abstrakte, si dhe dekorime muri me imazhe të pëlhurave të varura. Kompozime piktoreske, në veçanti skena narrative nga tregime biblike dhe nga jeta e shenjtorëve, janë paraqitur edhe në sipërfaqet e gjera të mureve. Mozaiku, ashtu si piktura, ishte kryesisht një teknikë bizantine dhe u përdor gjerësisht në projektimin arkitektonik të kishave romane italiane.

Në artin e miniaturës, miniaturat e librit u përfaqësuan kryesisht në këtë periudhë. Në miniaturë shfaqen kompozime me shumë figura dhe një lloj i ri i zgjatur i figurës njerëzore me një vështrim intensiv.

Gotik është një stil artistik që u formua në vendet e Evropës Perëndimore dhe Qendrore në shekujt XII-XV. Gotiku filloi në mesin e shekullit të 12-të në Francën veriore, në shekullin e 13-të u përhap në territorin e Gjermanisë moderne, Austrisë, Republikës Çeke, Spanjës dhe Anglisë. Ai mbulonte të gjitha llojet e artit - arkitekturë, skulpturë, pikturë, xham me njolla, dizajn librash, arte dhe zanate. Baza e stilit gotik ishte arkitektura, e cila karakterizohet nga harqe të mprehta, kulla dhe kolona të ngushta dhe të larta, një fasadë e zbukuruar me detaje të gdhendura dhe dritare shumëngjyrëshe me xham me njolla. Të gjithë elementët e stilit theksojnë vertikalen. Epoka e mesjetës së vonë karakterizohet nga lulëzimi i kulturës urbane, zhvillimi i tregtisë dhe zejtarisë. Nga mesi i shekullit të 13-të, filloi ndërtimi i ndërtesave laike - sallat e qytetit, tregjet, shtëpitë e punëtorive, si dhe kështjellat luksoze të fisnikërisë. Të gjitha elementet e jashtme dhe të brendshme të ndërtesave i nënshtroheshin formës arkitekturore gotike.

Fig.6 Katedralja Notre Dame

Fig.7 Katedralja e Reimsit

Fig. 8 Katedralja Chartres

AT arkitekturë gotike dalloni 3 faza të zhvillimit: të hershme, të pjekur ( gotik i lartë) dhe vonë.

Skulptura luajti një rol të madh në krijimin e imazhit të katedrales gotike. Në Francë, ajo projektoi kryesisht muret e saj të jashtme.

Drejtimi gotik në pikturë u zhvillua disa dekada pas shfaqjes së elementeve të stilit në arkitekturë dhe skulpturë. Në Angli dhe Francë, kalimi nga stili romanik në gotik ndodhi rreth vitit 1200, në Gjermani - në vitet 1220, dhe në Itali më i fundit - rreth vitit 1300. Xhami me njolla u bë një nga tendencat kryesore në pikturën gotike, e cila gradualisht zëvendësoi pikturë afreske.

Periudha e gotikës ishte kulmi i miniaturave të librit. Me ardhjen e letërsisë laike (romanet e kalorësisë, etj.), u zgjerua gama e dorëshkrimeve të ilustruara dhe u krijuan gjithashtu libra me orë dhe psalterë të pasur me ilustrime për përdorim shtëpiak. Artistët filluan të përpiqen për një riprodhim më të besueshëm dhe të detajuar të natyrës.

Fig. 9 Skulptura në Katedralen e Shën Mauritius dhe Katerinës në Magdeburg, Gjermani

Fig. 10 Artist i panjohur "Gjoni i Mirë" (1359)

Fig.11 Fragment i një dritareje me njolla

Zhanri i portretit po zhvillohet - në vend të një imazhi abstrakt me kusht të një modeli, artisti krijon një imazh të pajisur me veçori individuale të natyrshme për një person të caktuar.

Rilindja, ose Rilindja (Rilindja franceze, italisht Rinascimento; nga "ri" - "përsëri" ose "rilindur") është një epokë në historinë e kulturës evropiane, e cila zëvendësoi kulturën e mesjetës dhe i parapriu kulturës së kohëve moderne. . Kuadri i përafërt kronologjik i epokës: fillimi i XIV - çereku i fundit i shekujve XVI dhe në disa raste - dekadat e para të shekullit XVII (për shembull, në Angli dhe, veçanërisht, në Spanjë). Një tipar dallues i Rilindjes është natyra laike e kulturës dhe antropocentrizmi i saj (d.m.th., interesi, para së gjithash, për një person dhe veprimtaritë e tij). Ekziston një interes për kulturën antike, ka, si të thuash, "ringjalljen" e saj.

Rilindja ndahet në 4 faza: proto-Rilindja (gjysma e dytë e shek. XIII - shek. XIV); rilindja e hershme(fillimi i shekullit XV - fundi i shekullit XV); Rilindja e lartë (fundi i 15-të - 20 vitet e para të shekullit të 16-të); Rilindja e mëvonshme(mesi i viteve 16 - 90 të shekullit të 16-të).

Piktorët e Rilindjes krijuan një koncept të tërë të botës me unitet të brendshëm, mbushën temat tradicionale fetare me përmbajtje tokësore. Përshkrimi realist i njeriut u bë qëllimi kryesor i artistëve të Rilindjes. Shpikja e një mënyre për të përcjellë perspektivën kontribuoi në një shfaqje më të vërtetë të realitetit.

Ndër përfaqësuesit e shquar të kësaj epoke janë Leonardo da Vinci, Brunelleschi, Alberti, Botticelli, Titian, Michelangelo, Raphael.

Leonardo da Vinci

Fig.12 Autoportret

Fig.13 Mona Lisa (1503-1505/1506)

Fig.14 Fresku Darka e Fundit

Fillipo Brunelleschi

Fig.15 Fillipo Brunelleschi

Fig.16 Santa Maria del Fiore, Firence

ringjallja gotike barok moderne

Leon Battista Alberti

Fig. 17 Statuja e Albertit në oborrin e Uffizi

Fig.18 Santa Maria Novella

Sandro Botticelli

Fig.19 Sandro Botticelli

Fig. 20 Adhurimi i Magëve, rreth 1475

Oriz. 21 Pranverë, 1482

Titian Vecellio

Fig. 22 Autoportret

Fig. 23 Portreti i kuajve i perandorit Charles V (1548)

Michelangelo Buonarroti

Fig. 24 Michelangelo, portret nga Marcello Venusti, 1535

Fig. 25 Gjykimi i Fundit

Fig. 26 Sibila persiane

Fig. 27 Sibila libiane

Rafael Santi

Fig. 28 Autoportret

Fig. 29 Shkolla e Athinës

Fig. 30 Sistine Madonna

Fig. 31 Lajm i mirë (1644), art. Philippe de Champaigne

Baromkko (italisht barocco - "i çuditshëm", "i çuditshëm", "i prirur ndaj teprimeve", port. perola barroca - "perla me formë të parregullt" (fjalë për fjalë "perla me ves"); ka supozime të tjera për origjinën e kësaj fjale) - karakteristikë e kulturës evropiane të shekujve XVII-XVIII, qendra e së cilës ishte Italia. Stili barok u shfaq në shekujt XVI-XVII në qytetet italiane: Romë, Mantua, Venecia, Firence. Epoka e barokut konsiderohet si fillimi i procesionit triumfal të "qytetërimit perëndimor". Baroku kundërshtoi klasicizmin dhe racionalizmin.

Stili barok në pikturë (M. Merisi, P.P. Rubens) karakterizohet nga dinamizmi i kompozimeve, “rrafshësia” dhe pompoziteti i formave, aristokracia dhe origjinaliteti i subjekteve. Tiparet më karakteristike të barokut janë shkëlqimi dhe dinamizmi i ndezur.

Arkitektura baroke (L. Bernini, F. Borromini në Itali, B.F. Rastrelli në Rusi, Jan Christoph Glaubitz në Commonwealth) karakterizohet nga shtrirja hapësinore, uniteti, rrjedhshmëria e formave komplekse, zakonisht curvilineare. Shpesh gjenden kolonada në shkallë të gjerë, si dhe një bollëk skulpturash në fasada dhe në ambiente të brendshme. Kupolat fitojnë forma komplekse, ato shpesh janë shumështresore.

Fig.32 Kisha Carlo Maderna e Shën Suzanës, Romë

Fig.33 Kalaja e Milotices, Republika Çeke

Fig. 34 Kisha e Shpirtrave në Purgator, Raguzë

Oriz. 35 Bernini Piazza San Pietro, Romë

Fig.36 Papa Inocenti XII, St. Petra në Romë

Klasicizmi - një stil artistik në artin e Evropës Perëndimore XVII - herët. Shekulli XIX dhe në Rusisht XVIII - herët. XIX, duke iu referuar trashëgimisë antike si një ideal për t'u ndjekur. Ajo u shfaq në arkitekturë, skulpturë, pikturë, arte dhe zeje. Artistët klasikë e konsideruan antikitetin si arritjen më të lartë dhe e bënë atë standardin e tyre në art, të cilin ata u përpoqën ta imitonin.

Përfaqësues të klasicizmit janë Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Jacques-Louis David, Antonio Canova, Bertel Thorvaldsen, Andrea Palladio, Robert Adam etj.

Fig.37 Jacques-Louis David. "Betimi i Horatii" (1784)

Fig. 38 Bertel Thorvaldsen. "Ganymede Feeding Zebes' Eagle" (1817)

Tipari kryesor i arkitekturës së klasicizmit ishte tërheqja ndaj formave të arkitekturës antike si standardi i harmonisë, thjeshtësisë, ashpërsisë, qartësisë logjike dhe monumentalitetit. Klasicizmi karakterizohet nga kompozime simetrike-boshtore, frenim i dekorimit dekorativ.

Fig. 39 Leo von Klenze Walhalla

Fig. 40 Teatri i Madh në Varshavë

Fig. 41 Palladio Villa Rotunda

Art Nouveau - stil në artin evropian dhe amerikan në fund të shekujve XIX-XX. Art Nouveau rimendoi dhe stilizoi tiparet e artit të epokave të ndryshme dhe zhvilloi teknikat e veta artistike bazuar në parimet e asimetrisë, zbukurimit dhe dekorimit. Objekt i stilizimit të modernitetit bëhen edhe format natyrore. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы.

Arkitektura e Art Nouveau dallohet nga refuzimi i vijave dhe këndeve të drejta në favor të linjave më natyrale, "natyrale", përdorimi i teknologjive të reja (metal, qelq). Arkitektura e Art Nouveau dallohet gjithashtu nga dëshira për të krijuar ndërtesa të bukura estetike dhe funksionale. Shumë vëmendje iu kushtua jo vetëm pamjen ndërtesave, por edhe e brendshme, e cila u projektua me kujdes. Të gjithë elementët strukturorë: shkallët, dyert, shtyllat, ballkonet - u përpunuan artistikisht.

Fig. 42 Shtëpia e Mila Gaudi, Barcelona

Fig.43 Casa Batlló (1906, arkitekt Antoni Gaudí)

Një nga arkitektët e parë që punoi në stilin e Art Nouveau ishte belgu Victor Horta. Në Francë, idetë e Art Nouveau u zhvilluan nga Hector Guimamre. Antoni Gaudim shkoi edhe më larg nga idetë klasike për arkitekturën.

Artistët modernistë: Gerda Wegener, Stanislav Wyspiansky, Maurice Denis, Edmond-Francois Aman-Jean, Elisabeth Sonrel, M. A. Vrubel; skulptorët: František Bilet, Auguste Rodin, Camille Claudel, Aristide Mayol, Georges Minnet.

Fig.45 Maskë në ndërtesë (Moskë)

Fig. 44 Vazo nga punishtja e vëllezërve Dom, rreth. 1900

Oriz. 46 Lev Bakst. Darka. 1902

Fjalorth

Arti i lashtë - (nga latinishtja antiquus - i lashtë) emri i artit të lashtë grek dhe romak nga viti 1000 para Krishtit. e. para vitit 500 pas Krishtit e.

Hark - (nga latinishtja arcus - hark, përkulje) një mbivendosje lakuar e një hapjeje në një mur ose hapësirë ​​midis dy mbështetësve.

Archivolt - (nga latinishtja arcus volutus - hark inkuadrimi) një detaj arkitektonik që përbën kornizën e një hapjeje të harkuar, dallon harkun e harkut nga rrafshi i murit, duke u bërë ndonjëherë motivi kryesor i përpunimit të tij.

Dritare me njolla - (nga latinishtja vitrum - xhami) një zbukurim, një përbërje dekorative e komplotit ose një pikturë në xhami, e bërë nga xhami me ngjyrë ose material tjetër që transmeton dritë.

Arti dekorativ dhe i aplikuar - një pjesë e artit dekorativ, mbulon një sërë degësh të krijimtarisë që i kushtohen krijimit të produkteve të artit, të destinuara kryesisht për jetën e përditshme.

Donjon - (nga frëngjishtja donjon) kulla kryesore, e shkëputur e një kështjelle mesjetare, e vendosur në vendin më të paarritshëm dhe që shërben si strehë gjatë një sulmi armik.

Piktura është një lloj arti i bukur, veprat e të cilit krijohen duke përdorur bojëra të aplikuara në çdo sipërfaqe të fortë (kanavacë, dru, letër, karton, gur, qelq, metal, etj., zakonisht të mbuluara me abetare).

E brendshme - (nga frëngjishtja interieur - e brendshme) brendësia e një ndërtese ose e çdo dhome.

Kapitel - (nga latinishtja e vonë capitellum - kokë) e dalluar plastikisht pjesë kurorëzuese e një mbështetëseje vertikale (shtyllë ose kolonë).

Kolona - (nga latinishtja kolona - shtyllë) e përpunuar arkitekturisht, e rrumbullakët në prerje tërthore, mbështetëse vertikale, elementi kryesor i ndërtesës, struktura mbështetëse e ndërtesës dhe rendet arkitekturore.

Miniaturë - (nga latinishtja minium - cinnabar, minium) një vepër e artit të bukur, e karakterizuar nga përmasat e vogla dhe hollësitë e teknikave artistike. miniaturë libri- Vizatime të vizatuara me dorë, ilustrime me shumë ngjyra me gouache, ngjitës, bojëra uji dhe bojëra të tjera në libra të shkruar me dorë, si dhe elemente grafike dhe dekorative të dizajnit të këtyre librave - inicialet, kokat e kokës, etj.

Mozaik - (nga latinishtja musivum, fjalë për fjalë - kushtuar muzave) një imazh ose model i bërë nga grimca të të njëjtit material ose të ndryshëm (guri, smalti, pllaka qeramike, etj.), një nga llojet kryesore të artit monumental.

Ornament - (nga latinishtja ornamentum - dekorim) një model i përbërë nga elementë të renditur ritmikisht, i krijuar për të dekoruar objekte (vegla, vegla dhe armë, tekstile, mobilje, libra, etj.), struktura arkitekturore, vepra artet plastike, Trupat.

Perspektiva - (nga latinishtja perspicio - Unë e shoh qartë) një sistem për paraqitjen e trupave tredimensionale në një aeroplan, duke përcjellë strukturën e tyre hapësinore dhe vendndodhjen në hapësirë, duke përfshirë largësinë nga vëzhguesi.

Portal - (nga latinishtja porta - hyrje, portë) hyrje e projektuar arkitekturisht në ndërtesë.

Portret - (nga portreti francez, nga portreti i vjetëruar - për të përshkruar) një imazh (imazh) të një personi ose grupi njerëzish që ekziston ose ekzistonte në realitet.

Reliev - (nga latinishtja relevo - ngre) një imazh skulpturor në një aeroplan.

Skulpturë - (nga latinishtja sculpo - Unë gdhend, pres) skulpturë, plastikë, një lloj arti i bukur i bazuar në parimin e një imazhi tredimensional, fizikisht 3-dimensional.

Stili është një grup tiparesh që karakterizojnë artin e një kohe, drejtimi ose stili individual të artistit.

Fasada - (nga italishtja faccia - faqe) ana e jashtme e një ndërtese a strukture.

Fresco - (nga italishtja fresco - i freskët) teknika e lyerjes me bojëra (në ujë të pastër ose gëlqere) në suva të freskët e të lagur, e cila kur thahet formon shtresën më të hollë transparente të karbonatit të kalciumit, i cili fikson bojërat dhe bën afresk i qëndrueshëm; një afresk quhet edhe një vepër e punuar në këtë teknikë.

Organizuar në Allbest.ru

Dokumente të ngjashme

Arkitektura ose arkitektura, si arti i krijimit të ndërtesave dhe strukturave në përputhje me ligjet e bukurisë. Karakteristikat e zhvillimit dhe tiparet dalluese të evropianëve të ndryshëm stilet arkitekturore: gotik, romanesk, barok, rokoko, klasicizëm, modern.

prezantim, shtuar 19.02.2012


Zhvillimi i vazhdueshëm, përzierja dhe kundërshtimi i stileve dhe tendencave në artet pamore. Analiza e veçorive të shkollave të ndryshme të përfaqësimit të formave në pikturë dhe skulpturë. Klasicizmi si një prirje estetike në letërsinë dhe artin evropian.

abstrakt, shtuar 08/10/2016


Koncepti dhe tiparet dalluese të barokut si stil në art, historia e zhvillimit të tij. Sferat e manifestimit të barokut në artin rus, korniza kohore e tij: Naryshinsky, Pjetri i Madh, kisha, pallati, elizabetani, populli. Dizajn i brendshem.

test, shtuar 17.11.2013


Një përmbledhje e veçorive të barokut, një nga stilet mbizotëruese në arkitekturën dhe artin e Evropës dhe Amerikës Latine në fund të 16-të - mesi i shekujve të 18-të. Ideali i një burri dhe një gruaje, moda e epokës barok. Shfaqja e këtij stili në pikturë, arkitekturë dhe letërsi.

prezantim, shtuar 04/10/2013


Stilet në arkitekturë dhe artet dekorative: perandori, klasicizëm, barok, rokoko, gotik, modern, minimalizëm, teknologji të lartë. Stilet etnike: angleze, skandinave (suedeze), mesdhetare, japoneze dhe afrikane. Gama e ngjyrave dhe shpërndarja.

leksion, shtuar 25.06.2009


Origjina e termit barok. Stili barok në artin, arkitekturën, letërsinë dhe muzikën rus, kombinimi i tij historik i stileve. Procesi i individualizimit të stilit të autorit në muzikë. Karakteristikat dhe tiparet e koncerteve partes në Rusi.

abstrakt, shtuar 01/08/2010


Studimi i procesit të origjinës, formimit dhe shpërndarjes së stilit artistik të barokut. Analiza e kontributit të këtij stili në historinë e kulturës botërore. Përshkrime të stilit barok në letërsi, muzikë, arkitekturë dhe art. Botëkuptimi i epokës barok.

punim afatshkurtër, shtuar 23.05.2013


Karakteristikat e stilit barok epokal: parakushtet për shfaqjen; ngjarje historike që ndikuan në rrjedhën e zhvillimit. Specifikimi i zhvillimit të llojeve të ndryshme të artit në vendet evropiane në epokën barok. Karakteristikat e stileve të Michelangelo dhe Bernini.

test, shtuar më 28.07.2010


Studimi i konceptit dhe veçorive të modernitetit - stili artistik në artin evropian dhe amerikan në fund të shekujve XIX-XX. Një përgjithësim i veçorive kryesore të Art Nouveau në arkitekturë - asimetria, stolitë artistike, lakoriteti dhe konturet e pabarabarta.

prezantim, shtuar 02/13/2012


Parakushtet për shfaqjen dhe përhapjen e stilit barok në Evropë si rezultat i ndikimit të Reformacionit dhe Rilindjes. Shkëlqimi tërheqës dhe dinamizmi i barokut në pikturë, shtrirja hapësinore, shkrirja, rrjedhshmëria e formave lakorike - në arkitekturë.