Në artin piktorik rus, jeta e qetë ka qenë pothuajse gjithmonë një zhanër dytësor. Dhe vetëm kritikët e sofistikuar të artit do të jenë në gjendje të emërojnë një piktor vendas të natyrës së qetë. Por, në një mënyrë apo tjetër, jeta e qetë si një zhanër i pavarur filloi të zhvillohej në shekullin e 19-të. "Dallëndyshet" e para ishin bojëra uji të vogla dhe gouaches nga F.P. Tolstoi dhe vepra e I.T. Khrutsky. Këto ishin natyrë klasike evropiane me buqeta të harlisura me lule kopshti dhe shporta frutash. Me gjithë sharmin e tyre artistik, këto vepra kishin një vlerë shumë të kufizuar për zhvillimin e pikturës ruse.

Interesi për jetën e qetë si një zhanër i pavarur i pikturës shfaqet në Vitet 80 të shekullit të 19-të. Pikturat luajnë një rol të rëndësishëm këtu. I.I. Levitan (1860-1900). Ato janë zakonisht të thjeshta në dizajn dhe jo të mëdha në madhësi, dhe përfaqësojnë buqeta me kopshte të njohura ose lule të egra. Në një jetë të qetë Vjollcat e pyllit dhe të harruarit (1889) artisti tradhtoi me ndjeshmëri brishtësinë e manushaqeve të natës dhe ajrosjen e harresave blu, harmoninë e tyre me një balonë të thjeshtë fshatar. E afërt në motiv Luleradhiqe” dhe “Jargavani i bardhë”. Të parat janë të dizajnuara në një gamë të ngrohtë, e cila duket shumë organike me argjilën e vazos së qumështit dhe kokat e verdha të luleve. Këto natyra të qeta nga Levitan janë mjaft tradicionale: buqetat përshkruhen në një sfond neutral dhe të izoluara nga hapësira përreth. Kuptimi i këtyre pikturave është shumë i thjeshtë - për të përcjellë bukurinë e natyrës së zgjedhur sa më saktë që të jetë e mundur. Megjithatë, në të njëjtën kohë në krijimtari V.A. Serov dhe K.A. Korovin Filluan të shfaqen tendenca të reja që lindën në kanavacat e impresionistëve francezë. Impresionistët u përpoqën të lidhnin jetën e qetë me mjedisi, edhe truall edhe piktoreske. Për ta bërë këtë, "natyra e vdekur" nxirret në ajër të hapur, e lidhur me peizazhin ose e lidhur me brendësinë e dhomës. Me ndihmën e jetës së qetë, ata përpiqen të krijojnë një pasqyrim të qëndrimit të një personi, gjendjes shpirtërore dhe mënyrës së jetesës.

Të gjitha këto tendenca janë të dukshme në pikturën e Korovin "Në tryezën e çajit" (1888). Kanavacja përshkruan një shoqëri miqësore në vend V.D. Polenova. Piktura është pikturuar në tarracën e një shtëpie fshati. Artisti po përpiqet të përcjellë ndjesinë e një dite vere, sharmin e një bisede miqësore. Freskinë që buron nga gjelbërimi dhe fytyrat e reja krijohet në një masë edhe nga natyra e qetë - kontrasti i kokrrave të kuqe të derdhura në një pjatë të bardhë, qumështi në gotat e gjata transparente dhe bardhësia e një mbulese tavoline të freskët. Uniteti emocional i figurës arrihet kryesisht nga zgjidhja piktoreske e kanavacës. Gjithçka e përshkruar është shkruar duke marrë parasysh mjedisin rrethues të dritës dhe ajrit. Në pikturën e famshme të Serov " Vajza me pjeshkë" (1887) natyra e qetë me pjeshkë në plan të parë në shikim të parë nuk luan një rol të rëndësishëm në përbërjen e kanavacës. E gjithë vëmendja e artistit është përqendruar te V. Mamontova, dhe frutat vetëm plotësojnë imazhin e krijuar. Por pjeshkët e ndihmojnë Serovin të zgjidhë një problem të rëndësishëm artistik. Frutat, sipas artistit, shërbejnë si një çelës ngjyrash për ndërtimin koloristik të tablosë. Serov zgjedh të tijat për pjeshkë e verdhe dhe e bën kontrast me bardhësinë e mbulesës së tavolinës, gjelbërimin e gjetheve të panjeve dhe verdhëzën e dritës që derdhet nga dritarja në kopsht. Në anët e pabarabarta të frutave artisti dallon tonet e verdha limoni, të gjelbërta dhe të verdha të arta. Drita e prekshme e një dite vere, e cila duket se formon pjeshkë, përcakton të gjithë strukturën emocionale dhe piktoreske të tablosë.

Në këto vepra, Serov dhe Korovin hapin një fazë të re në zhvillimin e jetës së qetë ruse. Natyra analitike e këtyre pikturave është thelbësisht e ndryshme nga koncepti i një jete të qetë salloni që ekzistonte në atë kohë. Avantazhi kryesor i veprave të tilla u konsiderua ngjashmëria maksimale e imazhit me subjektin. Lehtësia e stilit të etydit ose dekorimi i kujdesshëm i sipërfaqes piktoreske u vlerësua gjithashtu shumë. Më saktë, të gjitha këto parime janë mishëruar në pamjen e madhe. K. E. Makovsky "Në studion e artistit" (1881). Puna të bën përshtypje me një grumbull detajesh "të vdekura": fruta ekzotike, pëlhura të pasura, gjëra të rralla antike. qen i madh dhe një djalë i vogël nuk duket se janë qenie të gjalla, por ekspozita të thjeshta të kësaj ekspozite mallrash luksi. Koncepti i ri i natyrës së qetë supozoi një zgjerim gjithëpërfshirës të kufijve të zhanrit dhe bashkimin e tij me portretin, peizazhin, pikturën e brendshme dhe shtëpiake. Jeta e qetë pushon së qeni një imazh i thjeshtë i "natyrës së vdekur" dhe kthehet në një mjet për të zbuluar imazhin.

Trendet e reja janë të dukshme në pikturën e famshme V.D. Polenov "I sëmurë" (1886). Brendësia dhe figura e heroinës janë zhytur në një hije të thellë - ato janë vetëm një sfond, dhe kuptimi i asaj që po ndodh zbulohet me ndihmën e një grupi kompakt objektesh, i cili ndizet me shkëlqim nga një llambë me ngjyrë të gjelbër. hije. Kjo jetë e qetë është shumë informuese. Një abazhur gjysmë i djegur rrëmbehet nga errësira nga jastëkët dhe çarçafët e thërrmuar, një filxhan qelqi, një gotë ujë, shishka me ilaçe dhe recetat e mjekut. Në të majtë, duken libra të shkretë me kopertina të kuqe dhe blu, ndoshta këto janë ilaçe shtëpiake ose albume që argëtuan pacientin. Një përbërje e tillë është simbol i faktit se e gjithë jeta e këtij pacienti është e përqendruar rreth kësaj tavoline dhe objekteve që qëndrojnë mbi të. Në punë, jetës së qetë i jepet një rol aktiv në krijimin e humorit. Mjaft karakteristike është edhe natyra e qetë, e cila është theksuar në foto K. Makovsky "Alekseich". Në foto, figura e një burri është paraqitur tashmë në sfond, pas një jete të qetë. Imazhi i një plaku dashamirës zbulohet në gëzimin e sinqertë me të cilin ai e pret festën e vetmuar të çajit. Një kore buke, një samovar të zier, reçel në një kavanoz qelqi, një kuti sheqeri dhe çaji të mbuluar me kujdes me një peshqir - e gjithë kjo krijon një ndjenjë paqeje dhe ngrohtësie, e cila sinqerisht kënaq një person jo modest.

Jeta e vdekur si një zhanër i pavarur i pikturës më në fund mori formë në shekullin e 17-të. në punën e artistëve holandezë dhe flamandë.

Deri në atë kohë, ai nuk ishte një zhanër i pavarur, por përfshihej vetëm në zhanre të tjera si kornizë për piktura të tjera (për shembull, kurora me lule), dekorim mobiljesh, të brendshme, etj.

Afati

Fjala "njerë e vdekur" në frëngjisht do të thotë "natyrë e vdekur" (nature morte). Lulet në një vazo është një natyrë e qetë; të njëjtat lule në një shtrat lulesh ose në kopshtin e përparmë - një peizazh. Në një kuptim të gjerë, një natyrë e qetë është një përshkrim artistik i objekteve të pajetë: bimë, lojë, pjata, etj. Artisti nuk përshkruan objekte "nga natyra", pasi ato ndodhen në brendësi, por me vetëdije i rregullon ato në atë mënyrë që të zgjidhë disa nga detyrat e tij semantike dhe artistike.
Shpesh, natyrat e qeta përmbajnë një alegori të fshehur përmes përdorimit të objekteve të zakonshme, të cilat artisti i jep një simbol, kuptim dhe kuptim shtesë. Një shembull i një jete të qetë alegorike është vanitas (nga latinishtja vanitas "kotësi, kotësi").

Varietetet e natyrës së qetë

Vanitas

Michael Conrad Hirt. Vanitas
Vanitas është një natyrë alegorike e qetë. Zakonisht mbi të, ndër të tjera, përshkruhet një kafkë. Një jetë e tillë ende ka për qëllim të kujtojë kalueshmërinë e jetës, kotësinë e kënaqësive dhe pashmangshmërinë e vdekjes - reflektime mbi kuptimin e ekzistencës njerëzore. Termi është marrë nga një varg nga Bibla: "Kotësi e kotësive, tha Eklisiastiu, kotësi e kotësive, gjithçka është kotësi!" Në latinisht tingëllonte kështu: Vanitas vanitatum dixit Ecclesiastes vanitas vanitatum omnia vanitas". Mund të lexoni më shumë rreth vanitas.

Jetë e qetë holandeze

Jeta ende holandeze, e cila mori formë në shekullin e 17-të. si zhanër i pavarur, ndikoi në zhvillimin e mëtejshëm të të gjithë pikturës evropiane. Rezulton se edhe objektet e zakonshme jetojnë, por jeta e tyre është e qetë dhe e padukshme për njerëzit. Ka një mister në këtë. Me sa duket, kjo është arsyeja pse zhanri i jetës së qetë u bë popullor dhe ka mbijetuar deri më sot. Ndonjëherë një jetë e qetë tërheq syrin, emocionon ndjenjat, është e pamundur të shkëputesh prej saj - lindin disa shoqata, kujtime kalimtare ...

ende lule

Ky lloj i natyrës së qetë është ndoshta më i zakonshmi dhe i pari që ndahet në një zhanër të veçantë.

Jan Davids de Heem (1606-1684). Jetë e vdekur me vazo lulesh (rreth 1645). Galeria Kombëtare e Arteve (Uashington)
Tradicionalisht, shumë lule u rritën në Holandë, u rritën kopshte, kështu që natyrat e qeta me lule ishin një zgjatim i natyrshëm i shoqërisë. Artistët e parë të këtij zhanri ishin Ambrosius Bosschaert Plaku (1573-1621) dhe Balthasar van der Ast (1593-1657).

Ambrosius Bosschaert Plaku "Tulipa, trëndafila, karafila të bardhë dhe rozë, harresa dhe lule të tjera në një vazo" (rreth 1619). Vaj në bakër

Shkencëtar ende jetën

Lloji më intelektual i natyrës së qetë. Në të tilla jetë të qeta, supozohej reflektimi mbi të përshkruarit, dhe për këtë - njohja e Biblës dhe njohuri të tjera për botën. Në këtë kategori mund të përfshihen edhe Vanitas, por jeta e qetë shkencore është më e gjerë në lëndë: përmban libra, instrumente muzikore etj.

Maria van Oosterwijk. Jetë e qetë

D. Annenkov "Reflektime me Bodlerin"

Jeta e vdekur në pikturën ruse

Në Rusi, jeta e qetë si një zhanër i pavarur u shfaq në fillim të shekullit të 18-të. Por për ca kohë (pothuajse fundi i XIX c.) jeta e qetë konsiderohej një zhanër më i ulët dhe përshkruante vetëm lule dhe fruta.
Një artist i famshëm i këtij zhanri në shekullin XIX. ishte I. Khrutsky.

I. Khrutsky. Jetë e vdekur me vazo (1832)

I. Khrutsky "Lulet dhe frutat" (1838)
Në shekullin e njëzetë Piktura ruse e jetës së vdekur është bërë e barabartë midis zhanreve të tjera. Artistët punuan në përsosjen e ngjyrës, formës, përbërjes, zhanri filloi të zhvillohej me shpejtësi.
Artistë të famshëm rusë dhe sovjetikë që punuan dhe punojnë në zhanrin e jetës së qetë: Konstantin Korovin (1861-1939), Igor Grabar (1871-1960), Pyotr Konchalovsky (1876-1956), Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) , Martiros Saryan (1880-1972), Ilya Mashkov (1881-1944), Elena Skuin (1909-1986), Peter Alberti (1913-1994), Sergei Osipov (1915-1985), Evgenia Antipova (1917-20), Teterin (1922- 1991), Maya Kopyttseva (1924-2005), Yaroslav Krestovsky (1925-2003), Vladimir Stozharov (1926-1973), Boris Shamanov (1931-2008) dhe të tjerë.

E. Skuin "Bozhure dhe qershi" (1956)

V. Stozharov. Jetë e vdekur me Rowan (1969)

Jeta e vdekur në stile dhe drejtime të ndryshme të artit

Kthesa e shekujve XIX-XX. i njohur për eksperimente në fushën e krijimtarisë artistike. Edhe jeta ende nuk i shpëtoi këtij fati. Paul Cezanne, Paul Gauguin, Henri Matisse dhe të tjerët ishin të parët që eksperimentuan me natyrën e qetë.

P. Cezanne. Jetë e vdekur me draperie (1889). Hermitage (Shën Petersburg)
Kubisti P. Picasso eksperimentoi me guxim.

P. Picasso "Kanë, gotë dhe libër" (1908)
Në stilin kubist ka punuar edhe J. Braque.

J. Martesa " Vegla muzikore» (1908)
Kubofuturistët punuan në kërkim të një dimensioni të ri hapësirë-kohë.

K. Malevich "Lopa dhe violina" (1913). Muzeu Shtetëror Rus (Shën Petersburg)
“Ndjenja e tij intuitive gjeti tek gjërat energjinë e disonancave të përftuara nga takimi i dy formave të kundërta” (K. Malevich “Nga kubizmi dhe futurizmi në suprematizëm”).
Në jetën e qetë metafizike të Giorgio Morandi (1890-1964), objektet shtypen kundër njëri-tjetrit, duke formuar grupe të dendura, sikur përpiqen të ngrohen, duke pasur frikë nga të ftohtit dhe agresioni i jashtëm.

Giorgio Morandi. Natura Morta (1956)
Përfaqësuesi më i famshëm i surrealizmit, Salvador Dali, në veprën e tij të famshme "Këmbëngulja e kujtesës", e cila në thelb është një natyrë alegorike, reflekton mbi relativitetin e kohës.

S. Dali "Këmbëngulja e kujtesës" (1931)
Reklamimi tregtar i gjysmës së dytë të shekullit XX. rriti te njerëzit një qëndrim të pangopur ndaj gjërave dhe konsum të pangopur. Ka një fetishizim të subjektit. Elementet e zhanrit të jetës së vdekur kanë filluar të shndërrohen nga arti në një burim konsumi.

Kanaçe supë e Andy Warhol Campbell (1968)
Dmitry Krasnopevtsev përfaqëson artin "jozyrtar" rus, megjithëse ka një arsim plotësisht zyrtar të artit klasik (ai u diplomua në Institutin e Artit të Moskës me emrin V. I. Surikov).

D. Krasnopevtsev. Jetë e qetë
Zhanri kryesor i Krasnopevtsev është një "fjetë e qetë metafizike" afër surrealizmit me qeramika të thjeshta, shpesh të rrahura, bimë të thata dhe guaska. Këto vepra, të pikturuara me tone të hirit, zhvillojnë motivin e dobësisë dhe jorealitetit të botës.
Këtu janë pikturat e natyrës së qetë artist bashkëkohor Dmitry Annenkov janë mjaft të "animuar". Ata janë të ndryshëm: të gëzueshëm, të trishtuar, qesharak, por mjaft të gjallë. Ata duan të preken. Duke parë këto natyra të qeta, është e pamundur t'i rezistosh një buzëqeshjeje të sjellshme.

D. Annenkov "Nata natyra me një mulli kafeje"

D. Annenkov "Dielli i Pranverës"

D. Annenkov "Kujtimet e verës"

Jeta e vdekur si një zhanër i pavarur i pikturës u shfaq në Rusi në fillim të shekullit të 18-të. Ideja e tij fillimisht ishte e lidhur me imazhin e dhuratave të tokës dhe detit, botën e larmishme të gjërave që rrethojnë një person. Deri në fund të shekullit të 19-të, natyra e qetë, ndryshe nga portreti dhe piktura historike, konsiderohej si një zhanër "më i ulët". Ai ekzistonte kryesisht si një prodhim edukativ dhe lejohej vetëm në një kuptim të kufizuar si pikturë me lule dhe fruta.

Ivan Khrutsky "Lule dhe fruta" 1839

Fillimi i shekullit të 20-të u shënua nga lulëzimi i pikturës ruse të natyrës së qetë, e cila për herë të parë fitoi barazi midis zhanreve të tjera. Dëshira e artistëve për të zgjeruar mundësitë e gjuhës piktoreske u shoqërua me kërkime aktive në fushën e ngjyrës, formës dhe kompozimit. E gjithë kjo është veçanërisht e dukshme në jetën e qetë. E pasuruar me tema, imazhe dhe teknika të reja artistike, jeta e qetë ruse u zhvillua jashtëzakonisht shpejt: në një dekadë e gjysmë kalon nga impresionizmi në krijimin e formës abstrakte.

Pastaj në Rusi kishte shumë shoqata arti.

Nikolai Sapunov "Lule dhe vazo në një sfond rozë", 1910

Një artist i ndritur, një mjeshtër i kompozimeve teatrale dhe natyrave ekzotike të qeta, N. Sapunov kishte një talent shumë të veçantë ngjyrash. Gjatë periudhës së shkrimit të jetës së qetë "Lule dhe vazo në sfond rozë" Nikolai Sapunov ishte anëtar i shoqatës simboliste Blu Rose. Poetika e simbolizmit tërhoqi artistët drejt temave romantike-okultiste.

A. Blok veçoi në veprën e tij kërkimin e ritmit të ngjyrave, muzikës me ngjyra, dramës me ngjyra që do të korrespondonte me dramën e atyre shfaqjeve për të cilat ai pikturoi peizazhe.

I prirur për jetën bohemiane, artisti dikur lundroi me një kompani në një varkë në Gjirin e Finlandës dhe u mbyt në moshën 32-vjeçare.

Pyotr Konchalovsky ishte anëtar i shoqatës "Jack of Diamonds". Ky asociacion karakterizohet nga kërkimi i zgjidhjeve të reja pikturale dhe plastike, deformimi dhe copëtimi i formës, tekstura e pikturës, identifikimi i formës dhe vëllimit me ngjyrë, dëshira për të pikturuar anën sensuale, materiale dhe plot ngjyra të jetës. Origjina ideologjike është i ashtuquajturi "cezanizëm rus", arti popullor rus (lubok, ikona, tjegull, murale, shenja tregtare).

P. Konchalovsky "Tabaka e kuqe", 1913

Zmadhimi, ashpërsimi, por duke e bërë çdo gjë të dendur dhe të fortë - kjo është detyra e të riut Konchalovsky në jetën e tij të shumtë të qetë, ku nuk është rastësi që i njëjti tabaka tregu shpesh shfaqet si një lloj piruni akordues, duke vendosur pikturën në nivelin e nevojshëm. e tensionit koloristik. Ngjyra këtu përcjell jo aq një ngjyrosje sipërfaqësore sa vetë forma dhe masa, mishi material i gjërave.

Ilya Mashkov "Snedd Moscow"

Fama skandaloze shoqëroi të riun Ilya Mashkov - një copë bixhoz dhe sipërmarrës që fitoi përvojë jetësore "në njerëz" (duke punuar në dyqane për tregtarët), i cili kaloi "universitete" në muzetë evropianë, por u dëbua në 1909 nga muret e MUZHVZ ( Shkolla e Pikturës në Moskë, Skulpturë dhe arkitekturë). Sidoqoftë, ndërsa studionte, vetë Mashkov dha mësim me shumë sukses - studioja e tij (1904-17; në 1925 u shndërrua në Studio Qendrore të AHRR) ishte më e shtrenjta dhe në të njëjtën kohë më e vizituara në Moskë.

Ilya Mashkov "Një jetë e qetë me një kafkë kali", 1914

Pasi goditi audiencën dhe kritikët me presionin "barbar" të pikturës së tij në ekspozitat "Golden Fleece" dhe "Izdebsky Salon" (1909-10), Mashkov gjeti vendin e tij midis artistëve që përbënin shoqërinë "Jack of Diamonds". (P. P. Konchalovsky, A. V. . Lentulov dhe të tjerë). "Jacks" pohoi materialitetin e botës dhe objektin "e ulët"; bujaria dhe pjesa më e madhe e paletës së Mashkovit, bollëku i prodhimeve të tij të jetës së vdekur rezultoi të ishte në përputhje me programin e shoqatës.

Në përpjekje për të rikthyer artin "nga parajsa në tokë", artistët e këtij rrethi u fokusuan në "zanat" - një shenjë rruge, një tabaka, një printim popullor. Mashkov ishte i njohur me një zanat të tillë që nga fëmijëria, dhe primitivizmi i jetës së qetë dhe portreteve të tij është më i zgjuari dhe i vërtetë.

Ilya Mashkov "Nata natyra me fruta"

Piktor, i dashuruar me "mishin dhe gjakun e ndritshëm të gjërave". Ky qëndrim jetësor, realist, optimist doli të ishte më i përshtatshmi për detyrat e reja të artit. Pamja e qartë e botës, pamja e një njeriu që punon, i gëzohet vetë punës dhe feston rezultatet e saj, është karakteristikë e artistit në vitet e pas-revolucionit. Mashkov ka kuptimin e tij të veçantë për marrëdhëniet midis objektit dhe hapësirës në pikturë, dhe patosi i tij është në afirmimin e realitetit të shëndetshëm të subjektit duke rritur karakteristikat e tij plastike dhe ngjyrash.

Vëmendja e shtuar ndaj vlerës së qenësishme të objekteve i lejoi piktorit të zbulonte mundësi të reja shprehëse në gjëra të thjeshta, të njohura.

Ilya Mashkov "Pjata prej bakri"

Në "Njerë e vdekur me një samovar (enë bakri)" (1919), veglat e kuzhinës - një tenxhere kafeje, një enë qumështi, një turi, një pjatë, një hekur, tabaka - bashkohen së bashku dhe shtyjnë hapësirën në periferi të kanavacës, ngjajnë me një ushtri të vogël, por të fortë në unitetin dhe besimin e saj. Skema e përmbajtur, pothuajse njëngjyrëshe e ngjyrave nxjerr në pah format e ndjekura të objekteve, përcjell shkëlqimin e tyre të butë, por të fortë. Çdo gjë shfaqet në pamjen e saj të ndritshme individuale, por të gjitha ato janë të bashkuara nga një lloj i përbashkët pothuajse "ideologjik" - që i përkasin të njëjtës "klasë", materiali - bakri. Kjo është apoteoza e bukurisë së metalit modest, dhe tingëllon me zë të lartë, solemn, i fuqishëm. Objektet sovrane, prej bakri janë me peshë dhe shikuesi, i nënshtruar nga fuqia e kufizuar që buron prej tyre, harron qëllimin e tyre thjesht të brendshëm.

Jetët e qeta të Petrov-Vodkin janë jo modeste për sa i përket grupit të objekteve të tyre dhe mbajnë shenja të epokës së ashpër në të cilën u krijuan. Në këtë kuptim, një jetë e qetë që përshkruan një harengë të dobët, një copë bukë dhe dy patate, një racion i pakët uria, është bërë klasik.

Kuzma Petrov-Vodkin "Harengë", 1918

Artistit i pëlqen të prezantojë pasqyra, xhami ose thjesht disa objekte me shkëlqim (samovar, çajnik i veshur me nikel) në to, duke e lejuar atë t'i kushtohet analizës së lojës komplekse të reflekseve, thyerjeve të rrezeve të dritës që bien dhe reflektohen në brendësi. fytyrat. Në këto studime, në frymën e Vrubelit, Petrov-Vodkin zëvendëson pasionin e paraardhësit të tij brilant me një dëshirë metodike këmbëngulëse për të njohur temën në të gjitha aspektet e saj.

Kuzma Petrov-Vodkin "Njetër natyra me një bojë", 1918

Artisti i shqyrton gjërat e shtruara dhe të vendosura në tavolinë nga lart, në mënyrë që vendndodhja e tyre të jetë e përshtatshme për fiksim të saktë dhe të duken "si në pëllëmbë të dorës"; skajet e lëmuara të çajnikut ose sipërfaqja e mbuluar me xham të tavolinës dyfishojnë imazhin, duke ju lejuar ta shikoni atë nga ana e padukshme për artistin. Kështu, Petrov-Vodkin kapërcen këndvështrimin monokular, i cili i duket i pamjaftueshëm dhe nuk pasqyron njohuritë e vërteta të temës, e cila mund të shëtiset, duke marrë përfundimisht një ide të plotë dhe më të plotë për të.

Kuzma Petrov-Vodkin "Qershi zogu në një gotë", 1932

Gjëja më e habitshme në të gjitha jetët e qeta të Petrov-Vodkin është se analiza e ngushtë, ndonjëherë skrupuloze e objekteve dhe struktura kompozicionale e rreptë, pothuajse eksperimentale e kanavacës në asnjë mënyrë nuk i privojnë ata nga menjëherësia e perceptimit artistik të natyrës, jo për të përmendur pasurinë dhe hollësinë e ngjyrës. Qartësia e veçantë e imazhit, në të cilën objektet janë sikur emërtohen me radhë dhe nuk errësojnë njëra-tjetrën, lind një ndjenjë pothuajse fizike gëzimi nga soditja e këtyre natyrave të qeta, të tilla si të thjeshta dhe kaq, në thelb. , e vështirë, pasi arti i Petrovit nuk është aspak i thjeshtë dhe i paqartë - Vodkin.

Duke e kuptuar botën si një natyrë të madhe të qetë, si një kombinim të teksturave shumëngjyrëshe të prekshme dhe materiale, ai nuk iu drejtua formave radikale të avangardës - duke u ndalur, si të thuash, në pragun e kubizmit - apo tek lubok- primitive folklorike.

A. Kuprin "Nata natyra me një tabaka blu", 1914

Veprat e periudhës së tij të hershme dominohen nga kontraste intensive shumëngjyrëshe, natyra perceptohet si prekëse dhe objektive dhe në të njëjtën kohë mjaft e tjetërsuar.

Zinaida Serebryakova "Nata natyra me atribute të artit"

Kjo vepër e Serebryakova ka një kompozim tradicional për artistin. Siç është zakon në veprat me një emër të ngjashëm, këtu përshkruhet një maskë antike, ka një kuti me bojëra, një rrotull letre që i ngjan një rrotull, shishe qelqi me pluhur pigmenti për bojëra dhe një llaç i lehtë qeramike janë vendosur në sfond. Në veprat e artistëve shpesh gjenden natyra të qeta mbi "temën e prodhimit".

Në vitin 1913, P. Konchalovsky pikturoi pikturën "Bojëra të thata", e cila tregon qartë interesin e artistit për të kombinuar pigmente të ndritshme: portokalli me kobalt, okër me skarlatin.

P. Konchalovsky "Ngjyrat e thata", 1913

Kanavacë është bërë në një mënyrë të përafërt, të thjeshtuar. Piktura e Serebryakova është më e butë, më me takt. Në libra, në penela të lyera me bojë, në fletë letre vizatimi të mbetura në tavolinë, prekja e ngrohtë e duarve të artistit jeton, dashuria dridhet, interesi i mprehtë, lidhje me ndihmësit e vazhdueshëm dhe të arsyeshëm të punës së tij. Dhe ndoshta është pikërisht në këtë: në njerëzimin e botës objektive, në lidhjen e saj të dukshme me njerëzit, interpretimi dhe vlerësimi që Zinaida Evgenievna i jep realitetit zbulohet më plotësisht. Ajo është e lidhur me botën e objekteve nga një bashkësi e brendshme e thellë, gjërat i shërbejnë si shërbëtorë të vjetër të mirë, të njohur në cilësitë e tyre të pandryshueshme dhe të dobishme. Bota e Serebryakova na zbulohet plot dritë dhe harmoni të barabartë, të qartë, të ngrohtë.

Igor Grabar "Jargavan dhe harruar"

Ishte atëherë që Grabar-i ishte i dhënë pas metodës së pikturës së Claude Monet. "Kryzantemat" janë jashtëzakonisht tipike në këtë drejtim. Analiza e ngjyrave e mediumit vibrues të dritës-ajër është afër disa kërkimeve të piktorëve francezë të këtij drejtimi.

Igor Grabar "Kryzantemë"

Artisti po kërkon një rrugëdalje në nënshtrimin e formave dhe ngjyrave në një ritëm të caktuar dekorativ. Shumë shpejt, ky kapërcim i kufizimeve të njohura të metodës impresioniste bëhet në përputhje me Grabarin. Artisti vendos natyra të qeta me qëllim të një analize të veçantë të ngjyrës, formës dhe materialitetit të objektit. Jetët e qeta të Grabarit karakterizohen nga shumëllojshmëria dhe kompleksiteti i detyrave të vendosura, kërkimi i teknikave të reja artistike. Kjo nuk është rastësi. Gjithçka këtu flet për afërsinë e një faze të re në zhvillimin e jetës së qetë ruse. Në atmosferën e luftës për forma të reja artistike, që përshkuan pikturën e viteve 1900, jeta e qetë bëhet një nga zhanret kryesore, një arenë eksperimentimi krijues.

Në vitet 1930 dhe 1940, zhvillimi i natyrës së qetë ndaloi, por që nga mesi i viteve 1950 ky zhanër ka përjetuar një ngritje të re në pikturën sovjetike, dhe që nga ajo kohë ai përfundimisht dhe në mënyrë të vendosur qëndron në të njëjtin nivel me zhanret e tjera.