Historia e termit

Fjala për herë të parë bashkëkohore/ "moderne" në lidhje me artin u përdor nga Rosalind Krauss (ndoshta analistja më me ndikim e artit bashkëkohor që jeton sot, studente e Clement Greenberg) në disertacionin e saj mbi veprën e David Smith, duke sfiduar kështu disa parime të historisë së artit. Në leksionin "Çfarë është arti bashkëkohor?" Profesori i Universitetit të Kalifornisë Jugore, Richard Meyers, vëren se termi "art bashkëkohor" u përdor për artin e David Smith, i cili kishte të bënte më shumë me raportet e etiketave të ankandeve sesa me kohën e krijimit të tij.

Një histori e shkurtër e artit modern

Art Modern i formuar në formën e tij aktuale në kapërcyell të viteve 1960 dhe 70. Kërkimet artistike të asaj kohe mund të karakterizohen si kërkim i alternativave ndaj modernizmit (shpesh kjo rezultonte në mohim nëpërmjet futjes së parimeve drejtpërdrejt të kundërta me modernizmin). Kjo u shpreh në kërkimin e imazheve të reja, mjeteve dhe materialeve të reja shprehëse, deri në dematerializimin e objektit (shfaqjeve dhe ngjarjeve). Shumë artistë ndoqën filozofët francezë që shpikën termin "postmodernizëm". Mund të themi se ka pasur një zhvendosje nga objekti në proces.

Fenomenet më të dukshme të kthesës së viteve '60 dhe '70 mund të quhen zhvillimi i artit konceptual dhe minimalizmit. Në vitet '70, orientimi social i procesit të artit u rrit ndjeshëm si në aspektin e përmbajtjes (temat e ngritura në punën e artistëve) ashtu edhe në përbërje: fenomeni më i dukshëm në mesin e viteve '70 ishte feminizmi në art, si dhe rritja e veprimtaria e pakicave etnike (1980- e) dhe grupeve shoqërore.

Fundi i viteve '70 dhe '80 u karakterizuan nga "lodhja" nga arti konceptual dhe minimalizmi dhe një rikthim i interesit për figurativitetin, ngjyrën dhe figurativitetin (lulëzimi i lëvizjeve të tilla si New Wilds). Mesi i viteve 1980 pa një rritje të lëvizjeve që përdorën në mënyrë aktive imazhet. kulturën masive- kampizmi, arti i fshatit lindor, neo-pop është në rritje. Lulëzimi i fotografisë në art daton në të njëjtën kohë - gjithnjë e më shumë artistë fillojnë t'i drejtohen asaj si një mjet shprehjeje artistike.

Procesi i artit u ndikua shumë nga zhvillimi i teknologjisë: në vitet '60 - video dhe audio, pastaj kompjuterët dhe në vitet '90 - interneti.

Fillimi i viteve 2000 u shënua nga zhgënjimi në mundësitë e mjeteve teknike për praktikat artistike. Në të njëjtën kohë, justifikimet konstruktive filozofike për artin bashkëkohor të shekullit të 21-të nuk janë shfaqur ende. Disa artistë të viteve 2000 besojnë se "arti bashkëkohor" po bëhet një instrument i fuqisë së "post-demokratike ( anglisht)" shoqëri. Ky proces shkakton entuziazëm te përfaqësuesit e sistemit të artit dhe pesimizëm te artistët.

Një numër artistësh të viteve 2000 kthehen në objektin e mallrave duke braktisur procesin dhe duke ofruar një përpjekje komerciale të qëndrueshme për modernizmin e shekullit të 21-të.

Art aktual

Në Rusi në vitet 1990, u përdor gjithashtu termi "art bashkëkohor", i cili në shumë aspekte është i ngjashëm, por jo identik në kuptim, me termin "art bashkëkohor". Me artin bashkëkohor, pjesëmarrësit në procesin artistik në Rusi nënkuptonin artin bashkëkohor inovativ (përsa i përket ideve dhe/ose mjeteve teknike). Arti aktual shpejt u vjetërua, dhe çështja e hyrjes së tij në historinë e artit modern të shekullit të 20-të ose 21-të është e hapur. Pjesëmarrësit në procesin artistik në Rusi e pajisën përkufizimin e "artit aktual" me kuptimin që dikur i atribuohej avangardës (novacioni, radikalizmi, përdorimi i teknikave dhe teknikave të reja).

Institucionet e Artit Bashkëkohor

Arti bashkëkohor ekspozohet nga galeritë e artit bashkëkohor, koleksionistët privatë, korporatat tregtare, organizatat qeveritare të artit, muzetë e artit bashkëkohor, studiot e artit ose nga vetë artistët në hapësirën e drejtuar nga artistët. Artistët bashkëkohorë marrin mbështetje financiare përmes granteve, çmimeve dhe çmimeve, si dhe marrin fonde nga shitja e punës së tyre. Praktika ruse disi e ndryshme në këtë kuptim nga ajo perëndimore.

Ekziston një marrëdhënie e ngushtë midis agjencive qeveritare që kanë të bëjnë me artin bashkëkohor dhe sektorin tregtar. Për shembull, në MB, shumica e veprave të artistëve kryesorë bashkëkohorë të ekspozuara në muzetë publikë blihen nga disa tregtarë arti me ndikim.

Muzetë, bienalet, festivalet dhe panairet e artit bashkëkohor po bëhen gradualisht mjete për tërheqjen e kapitalit, investimet në biznesin e turizmit apo pjesë e Politika publike(shih, për shembull, Muzeu i Artit Modern të Permit).

Koleksionistët privatë kanë një ndikim të madh në të gjithë sistemin e artit bashkëkohor. Për shembull, tregu i artit bashkëkohor në Mbretërinë e Bashkuar është dominuar që nga vitet 1980 nga Charles Saatchi, i cili ndonjëherë shoqërohet me një dekadë të tërë në artin bashkëkohor britanik.

Përpjekjet për t'u integruar drejtpërdrejt në sistemin e artit bashkëkohor bëhen nga korporatat tregtare: ata mbajnë ekspozita të artit bashkëkohor në territorin e tyre, organizojnë dhe sponsorizojnë çmime në fushën e artit bashkëkohor dhe blejnë vepra nga artistë, formojnë koleksione të mëdha.

Institucionet e artit bashkëkohor shpesh kritikohen nga artistë dhe kritikë të pavarur të artit. Ky lloj aktiviteti quhet kritikë institucionale. Në Rusi, kjo lloj praktike mungon me përjashtime të rralla (të tilla si, për shembull, vepra e Avdey Ter-Oganyan).

Shiko gjithashtu

  • Në Ukrainë, arti bashkëkohor përfaqësohet kryesisht në zhanrin e pikturës, instalacioneve, video-artit.Artistët e Kievit dhe Odessa si Arsen Savadov, Vasily Tsagolov, Alexander Gnilitsky, Oleg Tistol, Maxim Mamsikov, Igor Gusev, Ilya Isupov, Vladimir Kozhukhar, Bondero konsiderohen përfaqësues të Valës së Re.(Vadim Bondero)

Shënime

Burimet

  • Arti që nga viti 1900: Modernizmi, Antimodernizmi, Postmodernizmi, nga Hal Foster, Rosalind Kranss, Yve-Alain Bois dhe Benjamin HWD. Buchloh, Nju Jork, Thames dhe Hudson, 2005;
  • Andreeva E.Yu. Postmodernizmi: Arti i gjysmës së dytë të 20-të - fillimi i shekujve 21. Shën Petersburg: Azbuka-classika, 2007. - 488 f.: ill. ISBN 5-352-01984-5
  • Art Tani. Vol 3" Botime Taschen, 2008
  • Arti botëror. Enciklopedi e ilustruar. Drejtime dhe rryma nga impresionizmi deri në ditët e sotme.

Lidhjet


Fondacioni Wikimedia. 2010 .

Shihni se çfarë është "Arti Modern" në fjalorë të tjerë:

    Paraqitur në fusha të ndryshme: pikturë, vallëzim, arkitekturë, muzikë, festivale dhe ngjarje, etj. Është e vështirë të gjesh një pikënisje të vetme nga e cila filloi, por, megjithatë, arti modern Yaroslavl është mjaft i përshtatshëm për ... ... Wikipedia

    Ky artikull propozohet për fshirje. Një shpjegim i arsyeve dhe një diskutim përkatës mund të gjenden në faqen e Wikipedia: Për t'u fshirë / 25 dhjetor 2012. Ndërsa procesi diskutohet ... Wikipedia

    Arti i bukur i artistëve spanjollë me famë botërore. Trashëgimia maure, veçanërisht në Andaluzi, është e dukshme sot në qytete të tilla si Kordoba, Sevilja dhe Granada. Përmbajtja 1 Spanja prehistorike ... Wikipedia

    "Rilindja" ridrejton këtu. Shiko edhe kuptime të tjera. Kultura e Rilindjes Arkitekturë Artet Ushtarake Letërsi Muzika Shkenca e Valle Teknologjia Filozofia ... Wikipedia

    Muzeu Robert Tatin Ar brut (fr. Art Brut, këtu art i papërpunuar, i paprerë) është një term i prezantuar nga artisti francez Jean Dubuffet (1945) për t'iu referuar artit të autorëve të huaj për qarqet artistike profesionale, të cilët ... Wikipedia

Në çdo kohë, arti ka qenë një pasqyrë e shoqërisë. Me zhvillimin e shoqërisë, edhe arti ka pësuar ndryshime. Në çdo kohë ka pasur shumë lloje të artit. Paraardhësit tanë as që mund ta imagjinonin se çfarë formash do të merrte arti sot. Me zhvillimin e artit modern janë shfaqur shumë lloje dhe drejtime. Këtu janë 10 format më të çuditshme dhe të pazakonta të artit bashkëkohor.

Vendi i dhjetë

Të gjithë e dinë se çfarë është grafiti. Ky është art qytet modern përfshin shfaqjen në mure të pastra të imazheve të ndryshme duke përdorur një kanaçe bojë. Por grafiti i kundërt kërkon mure të pista dhe detergjentë. Fotot në aeroplan shfaqen për shkak të heqjes së papastërtive. Autorët e pikturave të tilla shpesh përdorin lavatriçe ose instalime për të hequr papastërtitë dhe për të krijuar imazhe të bukura. Dhe ndonjëherë, vetëm duke vizatuar me një gisht, artisti krijon një vizatim të mahnitshëm. Dhe tani kalimtarët nuk janë të rrethuar nga mure të pista, nga pluhuri i qytetit dhe gazrat e shkarkimit, por nga vizatime të mahnitshme nga artistë të talentuar.

Në vendin e nëntë

skulpturë me rërë

Skulpturë - pamje artet pamore, e cila ruan imazhin për shumë vite. Por skulpturat e rërës nuk janë mënyra më e besueshme për të ruajtur një imazh me shekuj, por, megjithatë, ky aktivitet po bëhet gjithnjë e më popullor. Shumë skulptorë të talentuar krijojnë vepra arti jorealisht të bukura dhe komplekse nga rëra. Por, mjerisht, jeta e këtyre skulpturave është jetëshkurtër. Dhe për të zgjatur jetën e kryeveprave të tyre, mjeshtrit filluan të përdorin përbërës të veçantë fiksues.


Vendi i tetë është

Vizatime të lëngjeve biologjike

Duket e çuditshme, por disa artistë krijojnë pikturat e tyre duke përdorur lëngje trupore. Dhe megjithëse shumë nuk e pëlqejnë këtë art të çuditshëm, ai ka adhurues dhe ky fakt është paksa i habitshëm, sepse pati edhe padi dhe dënime të publikut. Artistët më shpesh përdorin gjak dhe urinë për pikturat e tyre, për shkak të kësaj, kanavacat e tyre shpesh mbajnë një atmosferë të zymtë, shtypëse. Autorët e pikturave preferojnë të përdorin lëngje vetëm nga organizmat e tyre.


Foto të pikturuara nga pjesë të ndryshme të trupit

në vendin e shtatë

Rezulton se jo të gjithë artistët përdorin furça për të pikturuar një pikturë. Kohët e fundit, vizatimi me pjesë të trupit po fiton gjithnjë e më shumë popullaritet. Çfarë vetëm pjesë të trupit nuk përdorin këta njerëz krijues. Për më shumë se një dekadë, Australiani Tim Patch ka pikturuar me penisin e tij. Në procesin e punës në pikturat, Tim vendosi të mos kufizohej në një "furçë" dhe filloi të përdorte gjithashtu mollaqe dhe skrotum. Ka artistë që në vend të furçës përdorin gjoksin, gjuhën dhe të pasmet. Popullariteti i kryeveprave të krijuara në këtë mënyrë po rritet vazhdimisht.


Vendi i gjashtë -

Vizatim në makina të pista

Shpesh makinat e pista në rrugët e qytetit shkaktojnë një ndjenjë të pakëndshme. Dhe, me të vërtetë, dikush dëshiron të shkruajë: "Më lani!". Por njerëzit krijues, edhe një material kaq unik si papastërtia dhe pluhuri i rrugës mund të japin një pamje të bukur dhe estetike. Vetëm një artist mund të krijojë "grafite balte". Një dizajner grafik amerikan është bërë jashtëzakonisht popullor duke pikturuar në xhamat e makinave të pista. Pikturat mahnitëse të Scott Wade, të krijuara me ndihmën e pluhurit dhe dheut nga rrugët e Teksasit, e ngritën autorin e tyre në kulmin e krijimtarisë. Dhe nëse Wade filloi të vizatonte karikatura në shtresa të trasha dheu me shkopinj, gishta dhe thonj, tani ai bën shfaqje reale që janë një sukses i madh. Pikturimi i makinave të pista është një formë relativisht e re e artit për të cilën pak artistë janë të interesuar.


Mani art

në rreshtin e pestë

Nuk ka gjasa që dikush të mbetet indiferent ndaj këtij trendi në art. Arti i krijimit të zanateve dhe aplikacioneve nga kartëmonedhat quhet mani art. Më shpesh, për zanatet, ata përdorin monedhën që është rritur në çmim shumë ashpër - dollarë dhe euro. Dhe megjithëse zanatet e bëra nga një "material" i tillë nuk kanë një skemë të pasur ngjyrash, pamja e produkteve të tilla është befasuese. Qëndrimi ndaj llojit të ri të artit është i paqartë - dikush do të admirojë talentin, dhe dikush do të indinjohet nga fakti që autori është "i çmendur me yndyrën". Sidoqoftë, kjo nuk është aspak një argëtim i thjeshtë, sepse të bësh një njeri, kafshë ose peshk nga një kartëmonedhë nuk është aq e lehtë sa mund të duket. Apo ndoshta dikush vendosi të mbajë kursimet e tij në këtë mënyrë? Më mbaruan paratë - mora një qen të vogël të lezetshëm nga rafti dhe shkova në pazar!


Vendi i katërt -

gdhendje libri

Gdhendja e drurit është një lloj arti dhe zanati i njohur prej kohësh, por me zhvillimin e artit modern shfaqen gjithnjë e më shumë të reja. Gdhendja apo gdhendja mbi libra është një drejtim i ri dhe origjinal në art që kërkon saktësi, durim dhe punë. Procesi i krijimit të një kryevepre të vërtetë është shumë kompleks dhe i mundimshëm; në punën e tyre, artistët përdorin piskatore, bisturi, thika, piskatore, ngjitës dhe xhami. Dikush mund të thotë se është blasfemi të përdorësh libra në këtë mënyrë, por më së shpeshti për punën e tyre artistët marrin libra të vjetër referencë ose enciklopedi të vjetruara, domethënë libra për t'u shkatërruar. Ndonjëherë, për të realizuar imagjinatën e tyre të pakufishme, artistët përdorin disa libra njëherësh. Peizazhet e krijuara nga Guy Laramie duken aq realiste sa është e pamundur të besohet se janë bërë nga libra të vjetër të panevojshëm. Dhe ne i jemi mirënjohës për një art kaq të bukur dhe të jashtëzakonshëm Brion Dettmeter, i cili shpiku këtë lloj gdhendjeje.


Vendi i tretë -

Anamorfoza

Ky është një vizatim ose dizajn, por ato janë krijuar në atë mënyrë që ju mund ta shihni dhe kuptoni imazhin vetëm nga një vend i caktuar ose në një kënd të caktuar. Ndonjëherë imazhi origjinal mund të shihet vetëm me një imazh pasqyre. Artistët e shtrembërojnë ose shpërfytyrojnë qëllimisht imazhin, por në kushte të caktuara ai bëhet i saktë. Kjo është ajo që e bën interesant këtë lloj arti, kur pikturat dhe mbishkrimet tredimensionale shfaqen nga një imazh i pakuptimtë.

Ky lloj arti është i njohur për disa shekuj. Në artin evropian, Leonardo da Vinci konsiderohet themeluesi i anamorfizmit, megjithëse ekziston një version që kjo formë arti u shfaq në Kinë. Për disa shekuj, teknika e anamorfozës nuk qëndroi ende, dhe imazhet tre-dimensionale nga letra migruan gradualisht në rrugë, ku kënaqen dhe befasojnë kalimtarët. Një tjetër trend i ri është printimi anamorfik - aplikimi i teksteve të shtrembëruara që mund të lexohen vetëm nga një pikë e caktuar.


Vendi i dytë në

Iluzione të artit të trupit

Kjo është një formë e artit avangardë, ku objekti i krijimtarisë është trupi i njeriut. Edhe në kohët e lashta, njerëzit u përpoqën të dekoroheshin me ndihmën e vizatimeve në trup. Përfaqësuesit modernë të kësaj tendence në art kanë shkuar shumë më tej. Në veprat e tyre, ata përdorin iluzione që mund të mashtrojnë këdo. Tani, në kryeveprat e tyre, artistët krijojnë vizatime kaq të mahnitshme, duke parë të cilat, kupton se imagjinata njerëzore është e pakufishme. Ka shumë mundësi për iluzione në trup: nga grabitqarët tek plagët e hapura në kokë ose disa sy në fytyrë. Piktorja e famshme japoneze e trupit Hikaru Cho e ka çuar në perfeksion pasionin e saj. Ajo krijon vizatime në lëkurë në të cilat linja midis realitetit dhe fotografive humbet.


Dhe në rreshtin e parë -

Hijet në art

Falë hijes, u ngrit piktura - kështu besonin grekët e lashtë. Njerëzit kanë përdorur dritën dhe hijen në art që nga kohra të lashta. Artistët modernë kanë arritur një nivel krejtësisht të ri në lojën e dritës dhe hijes. Edhe pse pak mund të krijojnë kryevepra pa furçë dhe bojë, duke përdorur vetëm durimin dhe aftësinë e tyre për të parë. Në fund të fundit, nuk është aspak e lehtë të krijosh një kryevepër të vërtetë nga një grumbull "plehrash", sende shtëpiake, fragmente xhami ose copa teli. Duke përdorur vetëm dritën, mjeshtri mund të na tregojë hirin e trupit të femrës, anijes, dy të dashuruarve dhe imazheve të tjera. Artisti i hijeve nga Azerbajxhani Rashad Alakbarov krijon imazhe shumëngjyrëshe në një mur bosh duke përdorur xhami shumëngjyrësh.


Prezantuam vetëm një pjesë të llojeve të artit bashkëkohor më të njohura në kohën tonë. Është shumë e vështirë të imagjinohet se çfarë tjetër do të shfaqet e re në art, sepse imagjinata e njerëzve krijues nuk qëndron ende. Gjëja kryesore është që kjo e re duhet të shfaqet dhe arti nuk qëndron ende. Kërkoni talentet tuaja dhe befasoni botën me to!

Ju hapni numrin tjetër të një reviste të rastësishme, ulur diku në kabinën e një aeroplani ose në një kafene, ndesheni me lajmet për një marrëveshje tjetër në një ankand, ku një pikturë e një "artisti të famshëm bashkëkohor" shpërtheu për disa miliona dollarë dhe bie në hutim? Nuk ka kufi për hutimin tuaj, sepse fotografia foto e njohur dhe nuk mund ta emërtoni atë: disa goditje, katër pika, apo edhe një kanavacë të thyer. Si mund të shpjegohet kjo? Irina Sviridova, një specialiste e re, kritike arti, studiuese në Muzeun Modern në Samara, doli me kënaqësi për të ndihmuar në zgjidhjen e kësaj situate të vështirë.

Për të kuptuar temën, duhet të përcaktoni terminologjinë. Dhe në këtë drejtim lind pyetja: cili është, sipas jush, arti bashkëkohor?

Ata që fillojnë të merren me art, herët a vonë, si rezultat, vijnë në të tashmen. Tani do të jem pak i mërzitshëm dhe do të them që nuk do të flasim për artin bashkëkohor, por për artin bashkëkohor, sepse arti bashkëkohor është ai që fillon në vitet 60 të shekullit të 19-të, me impresionizmin. Ky është një largim nga tradita klasike, standardet klasike. Por ajo që po ndodh tani është arti bashkëkohor.

Ne jetojme ne kohë të caktuar, dhe duhet të kishte jetuar në kohën e vet. Në universitet na thanë vazhdimisht se duhet të dëgjojmë muzikën tonë, domethënë muzikën e kohës sonë, duhet të lexojmë letërsinë tonë që të mos jetojmë në të kaluarën, por të dimë se çfarë po ndodh këtu dhe tani. Është e njëjta gjë me artin pamor.

E megjithatë, çfarë është arti bashkëkohor?

Nëse flasim konkretisht për përkufizimin, atëherë kjo është një pyetje shumë e vështirë. Dhe unë kam qenë duke menduar për këtë për një kohë të gjatë tani. Do të thosha se jo vetëm arti bashkëkohor, por në parim arti sipas formulimit standard është pasqyrim i realitetit në imazhet artistike. Ato. ky është realiteti që ne përjetojmë, por i paraqitur përmes interpretimit të artistit.

Dhe si ta kuptojmë artin bashkëkohor për një person të zakonshëm? Shpesh një person i tillë vjen në ekspozitë dhe sheh, për shembull, mbeturina. Dhe nuk e kupton se çfarë është dhe si ta perceptojmë atë? A vjen me përvojë apo duhet mësuar?

Në fakt, kur bëhet fjalë për artin bashkëkohor, jemi në një rrugë mjaft të rrëshqitshme, sepse ka shumë art për momentin. Nëse më parë ka pasur gjithmonë një drejtim, për shembull, barok, dhe artistë kryesorë të pikturuar në këtë stil, tani nuk ka një drejtim të tillë rrjedhjeje. Dhe çdo person, një artist, përpiqet të shprehet në një mënyrë të veçantë. Ai po përpiqet të bëjë diçka që nuk është bërë më parë.

Unë mendoj se tani mund të dallohen dy drejtime: këta janë artistë-studiues (vetëm një gjë e tillë u shfaq pas viteve 70 të shekullit të 20-të), të cilët studiojnë proceset sociale, dhe rezultatet e hulumtimit të tyre i tregojnë në punën e tyre. Dhe për të kuptuar këtë drejtim të artit, duhet të dini bazën teorike. Autori shpreh ndonjë mendim, zakonisht ai është disi i vërtetuar dhe ky mendim duhet të dihet për të kuptuar thelbin e asaj që po ndodh.

Dhe drejtimi i dytë janë ata artistë që shprehin emocionet e tyre, veten, ndjenjat, përvojat e tyre. Dhe nuk ka më asnjë bazë teorike. Gjithçka këtu është krijuar për emocione, d.m.th. si e percepton një person jo me trurin e tij, por me ndjenjat e tij. Arti per hir te artit.

Çfarë i bën njerëzit të ngrijnë para një vepre arti?

Në muzeun ku punoj (Muzeu Modern, Samara) disa vjet më parë kishte një ekspozitë "Bota e Artit" (ky është një grup kaq i madh artistësh rusë të fillimit të shekullit të 20-të). Në këtë ekspozitë u soll një skulpturë e madhe e Vrubelit, madje ka një video që tregon se si një zonjë e moshuar qëndron para kësaj skulpture për rreth dhjetë minuta. Ajo eci rreth saj, shikoi, sikur të ishte në një dialog aktiv me skulpturën, dhe kjo u përfshi në arkivin e muzeut tonë. Unë besoj se një person është një grumbull kujtimesh, emocionesh, njohurish, për gjithçka që ndodh rreth tij. Nëse një person ngrin para një lloj pune, atëherë ai rezonon me të. Ai gjen në këtë diçka në përputhje me gjendjen e tij në ky moment. Kur bëhet fjalë për artin bashkëkohor, zakonisht është diçka e pashprehur. Për disa arsye ... për disa arsye ju dëshironi të qëndroni në këmbë dhe të ndjeni se është e juaja. Por ekziston një mundësi tjetër: çdo person ka një ndjenjë të harmonisë së brendshme, harmonisë dhe formës dhe ngjyrës. Prandaj, ka shumë të ngjarë, diçka i duket harmonike një personi në një vepër, dhe kjo ndikon tek ai.

Unë do të përgjigjem thjesht: studioni historinë e artit! Për njerëzit e thjeshtë që thonë kështu, arti përfundon me Shishkin dhe Aivazovsky. Ata e njohin të njëjtin Malevich, por nuk e kuptojnë fare. Ata duhet së pari të kuptojnë se arti sot është i ndryshëm nga vepra e artistëve realistë të shekullit të 19-të. Ju duhet të pranoni vetë faktin se arti bashkëkohor - i çuditshëm, i frikshëm, i pakuptueshëm, është dhe do të jetë, dhe pastaj të filloni ta studioni atë. Në çdo rast, gjithçka qëndron në njohuri, dhe nëse një person ka ide për historinë e artit, atëherë ai do të jetë më i qetë për proceset moderne artistike dhe të paktën do të përpiqet t'i kuptojë ato. Dhe kjo është e vetmja këshillë që mund t'u jap fare njerëzve të tillë.

Çfarë i udhëzon artistët kur emërtojnë pikturat e tyre?

Unë mendoj, përsëri, një përfaqësim - atë që ai donte të thoshte në këtë vepër. Ka një mendim dhe ai e shpreh atë në imazh artistik. Ndonjëherë mendimi nuk përshtatet në këtë imazh, dhe më pas shtrihet edhe tek emri. Realiteti është shumë i thjeshtë dhe më i parëndësishëm. Ndonjëherë emri del diku disa orë para hapjes së ekspozitës.

Pse pikturat e dikujt, të cilat përshkruajnë disa pika ose goditje, mund të kushtojnë miliona, por dikujt jo?

Po, kjo është një pyetje që shqetëson shumë njerëz. Zakonisht ata thonë - po, djali im pesëvjeçar do të vizatojë në të njëjtën mënyrë! Pikërisht në mesin e shekullit të 20-të, lind problemi i marrëdhënies midis krijimit dhe krijuesit: kjo vepër është art, prandaj unë jam artist. Apo e quaj veten artist, dhe për këtë arsye gjithçka që bëj është art? Dhe tani shumë varet nga personaliteti i artistit. Ky është një person që kritiku në fakt e quajti artist, që do të thotë se gjithçka që ai bën është art. Kushdo mund të pikturojë një pikturë, por ajo nuk do të shitet, sepse vetë personi nuk njihet në komunitetin e artit.

Ajo që ka rëndësi është metoda krijuese e artistit dhe sa novatore rezulton të jetë. Le të themi Jackson Pollock me ekspresionizmin e tij abstrakt dhe teknikën e spërkatjes së bojës. Ai u bë i pari, hyri në histori, u bë një nga më të shumtët artistë të famshëm Shekulli XX, dhe vetëm vepra e tij shitet për para përrallore. Megjithatë, si vepra e Mark Rothkos, i cili zakonisht mbahet mend nga "banorët" rrjete sociale. Të gjithë këta artistë avangardë kishin një arsim klasik, por nuk u ndalën me kaq, por shkuan më tej, duke zhvilluar vizionin e tyre për artin. Nëse dikush dëshiron të përsërisë metodën krijuese të Rothko ose Malevich, atëherë kjo, natyrisht, nuk do të renditet në tregun e artit, sepse "kjo tashmë është parë".

Por në fund të fundit, dikush do të hyjë në shoqërinë e artit, duke filluar nga piktura të tilla? Çfarë është kjo, fat?

Tani shumë varet nga përkthyesit dhe përkthyesit, ata zakonisht bëhen galeri private që mbledhin artistë rreth tyre. Shpesh i ekspozojnë dhe i paraqesin shoqërisë si mjeshtër të vërtetë. Duke qenë se pronari i galerisë është profesionist në fushën e tij, njerëzit e zakonshëm nuk duhet të kenë asnjë dyshim për talentin e artistit të zgjedhur. Për një art të tillë - lakonik, i pakuptueshëm, në dukje i thjeshtë - duhet të futeni në trend. Arti jeton dhe zhvillohet së bashku me shoqërinë, ai i përgjigjet nevojave të sotme. Nëse shohim një rreth dhe një drejtkëndësh në foto, atëherë, ka shumë të ngjarë, kjo është mënyra e vetme për të shprehur gjithçka që ndodh në artist bashkëkohor Bota.

Si të ngecesh tek një kritik i tillë që do të thotë se ky është art?

Ka kritikë që kanë bërë emër në komunitetin e artit. Ata respektohen, mendimi i tyre dëgjohet. Zakonisht ata flasin dhe shkruajnë shumë, kështu që gjëja kryesore është të dëgjosh. Dhe mendimi i tij ka shumë rëndësi. Por një proces mjaft i ndërlikuar është të bësh një artist nga një person. Për shembull, Rothko është ende i lidhur me abstraksionizmin, dhe ai u bë një nga njerëzit e tillë kryesorë në drejtimin e tij. Ai u vu re nga një pronar galeri, i cili filloi të ekspozonte, promovonte dhe shiste. Mendoj se në pjesën më të madhe vendos ai që jep arsyetimin teorik. Talenti vendos shumë edhe në artin bashkëkohor. Duhet të jetë novatore, një fjalë e re në art, një hap më shumë.

Si të dorëzoni sot Gjuhë e vështirë art për shikuesin dembel? Dhe cilat janë mënyrat?

Per cfare? Nuk e kuptoj pse të gjithë njerëzit e duan artin? Të gjithë e dinë që ka letërsi, por jo të gjithëve u pëlqen të lexojnë ose nuk e pëlqejnë një zhanër të caktuar. Gjëja më e rëndësishme, më duket, është të sigurohemi që një person të pranojë artin. Tani ka shumë holivar: pse e gjithë kjo, nuk është e nevojshme! Kjo është e nevojshme sepse është një reflektim i tonë jeta moderne. Një person nuk mund të dashurojë, dhe nuk do të ketë asgjë të keqe me këtë. Në fakt, e imja nuk është shumë përvojë e madhe tregoi se është e mundur të përçohet informacioni përmes leksioneve. Ju mund të lexoni informacione me qetësi në internet, por njerëzit janë të interesuar të dëgjojnë një person të tillë që do të flasë gjuhë e thjeshtë, lehtë. Bëj shaka gjatë gjithë kohës dhe zakonisht nuk them gjëra që nuk më interesojnë. Arti bashkëkohor kërkon njohuri. Është i koduar dhe për ta kuptuar, duhet të dini gjuhën, kodin. Dhe pa të, askund. Për dembelët, thjesht shkoni në leksione, kjo është gjithçka që mund të këshilloj.

Çdo sistem pëson disa ndryshime me kalimin e kohës. Cili është hapi përpara për artin bashkëkohor dhe si e imagjinoni atë në të ardhmen?

E përsëris: arti është shumë i lidhur me të tashmen. Dhe gjithsesi do të përgjigjet çështjet bashkëkohore dhe tendencat. Megjithatë, artistët janë njerëzit e zakonshëm të cilët jetojnë në shoqëri gjithashtu ndjejnë, mendojnë, imagjinojnë diçka atje dhe diçka u ndodh atyre, kështu që ata rimendojnë në mënyrë krijuese gjithçka që ndodh përreth dhe e tregojnë atë në veprat e tyre. Tani ka një tendencë mjaft serioze për të kaluar nga vizualizimi në dokumentacion, për më tepër, ky proces është shumë i lidhur me natyrën. Arti mund të rezultojë thjesht në vëzhgim, dhe detyra kryesore e artistit do të jetë të shohë një proces të veçantë, ndonjëherë të fshehur, dhe t'ia tregojë atë të gjithë të tjerëve. Një opsion tjetër: këto pozicione (arti si kërkim dhe arti si shprehje emocionesh) do të zgjerohen dhe do të largohen nga njëra-tjetra, do të ekzistojnë si shtigje paralele që nuk do të kryqëzohen. Dhe nuk do të jetë një stil i vetëm në të ardhmen. Tani gjithçka është shumë e gjallë, e ndritshme dhe heterogjene.

A bën vetë historiani i artit punë krijuese?

Zakonisht po. Unë kam një mik me të cilin kemi kaluar të gjitha 6 vitet e studimit së bashku - një artist. Ajo është e interesuar për këtë dhe kështu e shpreh qëndrimin e saj ndaj botës. Personalisht, nuk është aspak interesante për mua, thjesht nuk dua të shkoj në krijimtari. Unë dua të bëj teori dhe kritikë!

Jeta e përditshme e një kritiku arti rus. Cilat janë ato?

Tashmë ka shumë kritikë arti dhe janë kudo. Ata janë të angazhuar në një sërë aktivitetesh. Unë jam një studiues muze, kështu që përgjegjësitë e mia përfshijnë organizimin e ekspozitave. Unë jam një lloj menaxheri kulturor. Unë shkruaj tekste dhe leksione. Dhe leksionet janë të mjaftueshme projekt i suksesshëm të cilën qyteti e mbështeti. Rreth 20 njerëz ose më shumë vijnë në çdo leksion vetëm për të dëgjuar për artin. Jam duke u përgatitur për këto leksione, gjej informacione interesante për t'ua përcjellë vizitorëve në terma të thjeshtë. Por tani ka gjëra burokratike në kokën time, sepse i gjithë dokumentacioni i muzeut është një raportim i tërbuar i vazhdueshëm. Kjo është ajo që e pengon më shumë punën.

Ju si një specialist i ri tashmë keni hasur në disa probleme. Çfarë mund të identifikoni si problem në vendin tuaj të punës?

Gjëja e parë që do të doja të veçoja është burokracia. Nëse bëni një lloj ngjarjeje, atëherë zakonisht kur arrini tek ajo nëpërmjet ekonomistëve, juristëve, e kështu me radhë, atëherë asgjë nuk mbetet nga ky projekt artistik. Por a mund ta mposhtim këtë burokraci tani? - vështirë. Ne duhet të përpiqemi të abstragojmë prej saj. Së dyti, tani muzetë, si kinematë, duhet të fitojnë para. Një trend shumë i keq. Këtu muzeu nuk synon edukimin, por vlerësimet. Dhe nuk ka një konkurrencë të dukshme, por mjaft të fortë midis muzeve. Kjo mendoj se është shumë e gabuar. Është e nevojshme të krijohet një mjedis i tillë kulturor në qytet që një person të mos zgjedhë midis muzeve, por midis, le të themi, një muzeu dhe një qendre tregtare. Unë me të vërtetë dua që njerëzit të kalojnë më shumë kohë duke mësuar diçka. Unë jam në këtë mjedis dhe e di se çfarë po ndodh dhe ku, por ky informacion nuk arrin tek shumica e njerëzve. Më duket e nevojshme krijimi i një platforme të vetme, një faqe ku do të përqendrohen të gjitha informacionet për të gjithë muzetë e qytetit.

Dhe së treti, një stereotip i vazhdueshëm se muzeu është një vend i mërzitshëm i vdekur. Një muze modern është një hapësirë ​​ku mund të kaloni një kohë interesante. Për shembull, shumica e projekteve tona u drejtohen të rinjve. Është e nevojshme të thuhet se muzetë nuk janë të mërzitshëm, interesant dhe madje "më argëtues" se kinematë. Ndoshta ka tre probleme kryesore.

Kopertina: Smithsonian American Art Museum/©Wikimedia Commons.

Nëse gjeni një gabim, ju lutemi theksoni një pjesë të tekstit dhe klikoni Ctrl+Enter.