Artistë të shquar rusë. Vorobyov Maxim Nikiforovich. Chernetsov Grigory dhe Nikanor Grigorievich

Prezantimi

I. Piktorët e portreteve rusë të gjysmës së parë të shekullit XIX

1.3 Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847)

II. Shoqata e Ekspozitave të Artit Udhëtues

Kapitulli IV. Arti i Portretit

konkluzioni

Qëllimi i kësaj vepre është të tregojë për rëndësinë e portretit si një nga zhanret kryesore të artit, për rolin e tij në kulturën dhe artin e asaj kohe, të njihet me veprat kryesore të artistëve, të mësojë për portretin rus. piktorë të shekullit XIX, për jetën dhe veprën e tyre.

Dhe sa më shumë të kalojnë vitet, aq më e vlefshme është puna. Investimi në art mund të sjellë rezultate financiare afatgjata. Kjo vlen për fotot e mëposhtme. Frymëzimi në artin barok të Caravaggio është i pranishëm përmes emocionalitetit të pikturës, si dhe ngjyrave dhe kontrastit dritë-errësirë.

Numri 9: Portreti i artistit të çmendur, Vincent van Gogh. Autoportretet kanë qenë gjithmonë konstanta e Van Gogh. Janë të panumërta pikturat e përjetësuara nga artisti me imazhin e tij. Në të njëjtin vit, ai preu një pjesë të veshit në një nga manifestimet e depresionit të rëndë, gjë që do ta çonte në vetëvrasje më vonë. dollarë amerikanë. Ishte një nga portretet e shumta që artisti i dha atij. Në moshën 29-vjeçare, Dora ka qenë me të për më shumë se një dekadë. Detajet dhe ngjyrat e gjalla dominojnë ekranin. Ndryshe nga Van Gogh, arti i tij ishte i njohur dhe prestigjioz gjatë jetës së tij.

Në këtë vepër do të shqyrtojmë artin e portretit në shekullin e 19-të:

Mjeshtrit më të mëdhenj të artit rus të shekullit të 19-të

Shoqata e Ekspozitave të Artit Udhëtues.

Çfarë është një portret?

Historia e shfaqjes së portretit.

Gjysma e parë e shekullit të 19-të - koha e shtimit në pikturën ruse të sistemit të zhanreve. Në pikturën e gjysmës së dytë të shekullit XIX. mbizotëroi drejtimi realist. Natyra e realizmit rus u përcaktua nga piktorë të rinj që u larguan nga Akademia e Arteve në 1863 dhe u rebeluan kundër stilit klasik dhe temave historike dhe mitologjike që ishin futur në akademi. Këta artistë u organizuan në vitin 1870

Së bashku me të, ai është një nga artistët më të shtrenjtë vitet e fundit. Numri 7: Numri shtatë: Iris nga Vincent van Gogh Irisi u pikturua vetëm një vit para vdekjes së Van Gogh. Ndikimet japoneze janë shumë të pranishme në vepër. Një furçë drite dhe ngjyra që bie në kontrast me shëndetin e tij. Numri 6: Djali i Pablo Picasso me borinë e Pikasos ishte 24 vjeç kur pikturoi këtë vepër, në telajo "Në vaj" ai përshkruan një djalë që mban një tub në dorën e majtë dhe mban një kurorë me lule në flokë. Picasso jetonte në Montmartre në Paris dhe portretizoi shumë nga vendasit që punonin për shfaqjen si akrobatë ose klloun.

Partneritet ekspozita udhëtuese, detyra e të cilit ishte t'u ofronte anëtarëve të partneritetit mundësinë për të ekspozuar punën e tyre. Falë aktiviteteve të tij, veprat e artit u bënë të disponueshme për një gamë më të gjerë njerëzish. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832–1898) nga viti 1856 mblodhi vepra të artistëve rusë, kryesisht Wanderers, dhe në 1892 dhuroi koleksionin e tij të pikturave, së bashku me koleksionin e vëllait të tij S.M. Tretyakov, në Moskë. Në zhanrin e portretit, Wanderers krijuan një galeri imazhesh të figurave të shquara kulturore të kohës së tyre: një portret i Fyodor Dostoevsky (1872) nga Vasily Perov (1833-1882), një portret i Nikolai Nekrasov (1877-1878) nga Ivan Kramskoy. (1837–1887), një portret i Modest Mussorgsky (1881), i bërë nga Ilya Repin (1844–1930), një portret i Leo Tolstoit (1884) nga Nikolai Ge (1831–1894) dhe një sërë të tjerëve. Duke qenë në kundërshtim me Akademinë dhe politikën e saj artistike, Endacakët iu drejtuan të ashtuquajturve. tema "të ulëta"; në veprat e tyre shfaqen imazhe të fshatarëve dhe punëtorëve.

Kjo është piktura më e shtrenjtë e artistit. Një nga veprat më përfaqësuese të impresionizmit, që tregon momentin jeta reale, në një pasuri të madhe formash, rrjedhshmërie dhe drite. Gachet nga Vincent van Gogh Dr. Gachet ishte ai që u kujdes për Van Gogh në muajt e fundit të jetës së tij. Artisti i dha dy portrete. Të dy e tregojnë në të njëjtin pozicion: ata ulen në tryezë dhe përkulin kokën në duart e tyre të djathta. Ato ndryshojnë në ngjyra dhe kjo është bërë me nuanca më të çelura. Ajo u shit në të njëjtin vit me Renoir dhe u ble nga i njëjti person.

Kjo është piktura e artistit më të shtrenjtë deri më sot: 82.5 milionë dollarë. Është pikturuar në Vjenë dhe është porositur nga Ferdinand Bloch-Bauer, një artdashës i madh dhe adhurues i veprës së Klimt. Adele, gruaja e tij, ishte e vetmja modele e pikturuar dy herë.

Rritja dhe zgjerimi i kuptimit dhe nevojave artistike reflektohet në shfaqjen e shumë shoqërive të artit, shkollave, një sërë galerish private (Galeria Tretyakov) dhe muzeumeve jo vetëm në kryeqytete, por edhe në provinca, në hyrjen në shkollë. edukim në vizatim.
E gjithë kjo, në lidhje me shfaqjen e një numri veprash të shkëlqyera të artistëve rusë, tregon se arti zuri rrënjë në tokën ruse dhe u bë kombëtar. Arti i ri kombëtar rus ndryshonte ashpër në atë që pasqyronte qartë dhe fuqishëm rrymat kryesore të jetës shoqërore ruse.

Historia e artit të portretit në ishullin Madeira ka një fillim të favorshëm, një cikël i të cilit, në fund të shekullit të 18-të, ishin marrëdhëniet tregtare me kryeqytetet e tyre financiare, fillimisht Bruges dhe që nga fillimi pesëqind Antwerp. siguroi përhapjen e ishullit, të mbështetur nga një rrjet i organizuar zejtarësh dhe punishtesh, shitjet e mallrave luksoze dhe panairi i parë i artit - panden. Pronësia e piktorëve dhe piktorëve flamandë pa dyshim u bëri përshtypje blerësve; një prodhim që padyshim do të jetë i mirënjohur për të gjithë ata që merren me përpunimin e sheqerit, qoftë në udhëtime në veri, qoftë me gravura dhe vizatime që qarkullojnë në magazinat tregtare në Madeira.

I. Piktorët e portreteve rusë të gjysmës së parë të shekullit XIX.

1.1 Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836)

Lindur në feudali Nezhinskaya (afër Koporye, tani në rajonin e Leningradit) më 13 (24) mars 1782. Ai ishte djali natyral i pronarit të tokës A.S. Dyakonov, i regjistruar në familjen e serfit të tij Adam Schwalbe. Pasi mori lirinë, ai studioi në Akademinë e Arteve të Shën Petersburgut (1788–1803) me G.I. Ugryumov dhe të tjerë. Ai jetoi në Moskë (1809), Tver (1811), Shën Romë dhe Napoli.

Si rezultat i përhapjes së veprave të artit, familjet e pasura të Madeira, të cilat, të dërguara me urdhra mbretërorë në tregun flamand, porositën piktura dhe altar për të provuar dëshmitë e një shoqërie të pasuruar, që përjetësuan kështu kujtesën e tyre.

Gjatë kësaj periudhe të historisë së portretit ishullor, zhanri sugjeron përafërsisht një aspekt të portretit të integruar të donatorëve, një shije të përgjithësuar në të gjithë vendin dhe ku imazhi i dhuruesit, personit që porositi veprën, lidhej përmes paletës së artistit. ndaj një apeli ikonografik, në panele që morën një rol përcaktues në përvojën e rendit publik.

Portreti i parë - i babait birësues të A.K. Schwalbe (1804, Muzeu Rus, Shën Petersburg) - shquhet për ngjyrosjen e tij emocionale. Me kalimin e viteve, aftësia e Kiprensky, e manifestuar në aftësinë për të krijuar jo vetëm lloje socio-shpirtërore (që mbizotëronte në artin rus të Iluminizmit), por edhe imazhe unike individuale, u përmirësua. Është e natyrshme që është zakon të fillohet historia e romantizmit në artet e bukura ruse me pikturat e Kiprensky.

Ekzistenca e disa veprave flamande të këtij lloji në koleksionet rajonale dëshmon për rëndësinë e saj në kontekstin e Madeira, siç shihet në Triptikun e Zbritjes së Kryqit. Edhe pse guvernatori inicioi shumë rregullore për të rregulluar funksionimin e klasës, dihet pak për qëllimin e punës së tij dhe për studentët që e ndiqnin. Dihen vetëm emrat e dy studentëve të tij: João José do Nascimento dhe Filipe Cardoso, të cilët, pas vdekjes së piktorit, aplikuan për një karrige, ndonëse pa sukses, shenjë e mungesës simptomatike të përgatitjes së kandidatëve.

Artist rus, mjeshtër i shquar i gjuhës ruse artet pamore Romantizmi, i njohur si një piktor i mrekullueshëm portretesh. Portretet e Kiprensky janë të mbushura me një përzemërsi të veçantë, një thjeshtësi të veçantë, ato janë të mbushura me dashurinë e tij të lartë dhe poetike për një person. Në portretet e Kiprensky, tiparet e epokës së tij janë gjithmonë të prekshme. Kjo është gjithmonë e natyrshme në secilin prej portreteve të tij - dhe imazhi romantik i të riut V.A. Zhukovsky dhe i mençuri E.P. Rostopchin (1809), portrete: D.N. Khvostov (1814 Galeria Tretyakov), djali Chelishchev (1809 Galeria Tretyakov), E.V. Davydov (1809 GRM).

Prej tij duket se janë një nga portretet që ndodhen në pallatin e Shën Lorencit, i fundit nga galeritë e fotografive të ishullit që veçojmë këtu. Ekziston edhe një galeri e portreteve të aul të shekullit të 18-të në pallat. Portretet, të cilat dallohen nga njëri-tjetri me shënime dhe mbishkrime të vogla, na tregojnë natyrën rajonale të piktorit, duke shënuar distancimin e tij nga pjesa tjetër e prodhimit kombëtar, megjithëse, interesant është fakti se Madeira ka përcjellë disa nga portretet më të njohura kombëtare. piktorë. shekulli.

Duket Konti, Antonio Leandro da Camara Leme Carvaljal Esmeraldo de Atugia de Sa Machado, figura kryesore në artet e shekullit të tetëmbëdhjetë në Madeira, i cili i sjell këta artistë të shquar në ishull. Figura 3 - Piknik, Lajmërimi i Thomas Joseph.

Një pjesë e paçmuar e punës së Kiprensky janë portretet grafike, të realizuara kryesisht me laps me pastel të lyer, bojëra uji dhe lapsa me ngjyra. Ai portretizon gjeneralin E.I. Chaplitsa (TG), P.A. Olenina (TG). Në këto imazhe kemi përpara Rusinë, inteligjencën ruse nga Lufta Patriotike e 1812 deri në kryengritjen e Dhjetorit.

Nga ana tjetër, fama e banjës terapeutike që ishulli ka gëzuar gjatë gjithë shekullit, ka bërë që edhe artistët të kërkojnë një kurë për këtë sëmundje. Për këto kauza më pak të dobishme kontribuoi Francisco Vieira Portunce, i cili ndodhet në periudhën tranzitore të shekujve. Disa artistë të huaj kanë kërkuar gjithashtu shërim në ishull, si piktori i shquar rus Karl Brullov, një artist kryesor në historinë e portreteve ruse dhe i pari që arriti një njohje të jashtëzakonshme ndërkombëtare për rishikuesit e tij historikë dhe portretet e aristokracisë ruse dhe italiane. .

Portretet e Kiprensky shfaqen para nesh komplekse, të zhytur në mendime, të ndryshueshme në humor. Duke zbuluar aspekte të ndryshme të karakterit njerëzor dhe botës shpirtërore të një personi, Kiprensky përdori çdo herë mundësi të ndryshme të pikturës në portretet e tij të hershme romantike. Kryeveprat e tij, si një nga portretet më të mira të jetës së Pushkinit (Galeria Shtetërore Tretyakov 1827), një portret i Avdulinës (1822 Muzeu Rus). Trishtimi dhe mendimi i heronjve të Kiprensky është sublim dhe lirik.

Nga përmbledhjet e mbetjeve të këtyre artistëve u bënë disa vepra të rralla, por megjithatë prodhimi rajonal i tyre pati pasoja të mëdha, fryt i mungesës së mësimit artistik që përforconte avantazhet që mund të sillte kontakti me këta artistë.

Në të ata mësuan disa nga piktorët dhe skulptorët që shënuan ishullin në fund të shekullit, si Hans Nowak, Manuel de la Cuadra, Adolfo Rodriguez apo. Një nga mësuesit e përmendur nga Adolfo Rodriguez do të bëhet një nga artistët që nis një prirje akademike në pikturën rajonale në çerek shekullin e fundit. ishte ndoshta një nga piktorët e parë Madeiran që studioi në Akademinë e Arteve të Bukura në Lisbonë, ku mori kurs i përgjithshëm vizatim, dhe më pas një kurs në pikturën historike.

"E preferuara e modës me krahë të lehtë,

Edhe pse jo britanike, jo franceze,

Ti krijove përsëri, i dashur magjistar,

Unë, një kafshë shtëpiake e muzave të pastra. -

Dhe unë qesh në varr

Iku përgjithmonë nga prangat e vdekjes.

E shoh veten si në pasqyrë

Por kjo pasqyrë më kënaq.

Thotë që nuk do të poshtëroj

Pasionet e aonideve të rëndësishme.

Që tani e tutje, pamja ime do të dihet, -

Fatkeqësisht, jeta e tij e shkurtër dhe këmbëngulja e vazhdueshme në kontinent do ta bëjnë atë një piktor që vështirë se shënoi brezat e ardhshëm të ishujve. Esparso duket se ka qenë gjithashtu trashëgimia e piktorit të portretit Manuel de la Cuadra, një piktor i Seviljes që besohet të jetë mësues në këtë shkollë industriale në pjesën e pasme, do të kishte qëndruar në Lisbonë ku bëri disa paraqitje në shoqëri duke promovuar gjobën. artet me disa portrete dhe një qëndrim shtatëvjeçar në Shkollën Gonzalo Velho Cabral të Dizajnit Industrial në Ponta Delgada.

Në fund të shekullit, spikat më pjellori, i cili de la Cuadra ndan kalimin nëpër Azores. Bello, një shkencëtar themelues i shkollës industriale, një hartues me karakteristika akademike, Bello, siç tregojnë vizatimet e tij, tregon një mjeshtëri të qartë të qymyrit në portretet e tij, që mbulon një gamë të gjerë personalitetesh Madeiran, të mbledhura tashmë në koleksione publike dhe private.

Pushkin i shkroi Kiprensky në shenjë mirënjohjeje për portretin e tij. Pushkin e çmonte portretin e tij dhe ky portret varej në zyrën e tij.

Një seksion i veçantë përbëhet nga autoportretet e Kiprensky (me thekë pas veshit, rreth 1808, Galeria Tretyakov; dhe të tjerë), të mbushura me patosin e krijimtarisë. Ai gjithashtu zotëron imazhe shpirtërore të poetëve rusë: K.N. Batyushkova (1815, vizatim, Muzeu i Institutit të Letërsisë Ruse Akademia Ruse Shkenca, Petersburg; V.A. Zhukovsky (1816). Mjeshtri ishte gjithashtu një grafist virtuoz; duke punuar kryesisht me një laps italian, ai krijoi një sërë personazhesh të shquar të përditshëm (si Muzikanti i Verbër, 1809, Muzeu Rus). Kiprensky vdiq në Romë më 17 tetor 1836.

Edhe në këtë shekull piktura e miniaturave, portreteve të përmasave të vogla, të cilat u bënë simbol dashurie dhe ndjenjash dhe që në atë kohë morën një shtysë të re dhe u bënë të pavarura nga pikturë me kavalet. Numri i madh i këtyre pjesëve të vogla të përfshira në koleksionin e koleksioneve rajonale është në përputhje me shtrirjen e shpërndarjes së tij. Kryesisht prodhim i huaj, ku një ndikim i qartë britanik ka marrë sërish drejtimin, ky bërthamë përfshin edhe disa prodhime franceze dhe gjermane, si dhe ato kombëtare të paraqitura në disa modele.

1.2 Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857)

Një përfaqësues i romantizmit në artet e bukura ruse, një mjeshtër i pikturës së portreteve. Lindur në fshatin Karpovka (provinca e Novgorodit) më 19 mars (30), 1776 në familjen e bujkrobërve Konti A.S. Minikh; më vonë ai u dërgua në dispozicion të Kontit I.I. Morkov si prikë për vajzën e Minich. Aftësinë për të vizatuar e tregoi qysh në fëmijëri, por mjeshtri e dërgoi në Shën Petersburg për të studiuar si pastiçer. Ai ndoqi mësimet në Akademinë e Arteve, në fillim fshehurazi, dhe nga viti 1799 - me lejen e Morkovit; gjatë studimeve, ai u takua me O.A. Kiprensky. Në 1804, pronari e thirri artistin e ri në vendin e tij, dhe që atëherë ai jetoi në mënyrë alternative ose në Ukrainë, në pasurinë e re Morkovo Kukavka, ose në Moskë, në pozicionin e një piktori bujkrobër, i cili ishte i detyruar të kryente njëkohësisht detyrat ekonomike të pronarit të tokës. Më 1823 mori lirinë dhe titullin akademik, por, pasi e braktisi karrierën në Shën Petersburg, mbeti në Moskë.

Në zemër të kësaj lëvizjeje është Madeiran - Francisco Franco, skulptori më i famshëm portugez i dekadës. nga 20 në. Me shpërthimin e Luftës së Parë Botërore, ai u kthye në Madeira dhe porositi veprat e tij të para, të cilat spikatën në një panoramë praktikisht inekzistente të skulpturës publike rajonale, duke zbuluar se vepra e Rodinit e pushtoi artistin e ri gjatë qëndrimit të tij në Francë.

Ishte një "skulpturë historike në të cilën portreti reduktohet në një simbol", frymëzuar nga estetika e paneleve të Shën Vincentit, në harmoni me idetë e ideologjisë nacionaliste të Estado Novo-s, e cila do të mbështetet fuqishëm nga Sekretariati i Propagandës Kombëtare, i cili çoi në skenën kulturore portugeze në promovimin e vlerave ideologjike të regjimit, të cilat ishin ekuivalente me kohët moderne të parë nga Antonio Ferro, Drejtor i Sekretariatit. Pas kësaj ishte avangarda që vuajti punën e Frankos për një dekadë. nga 20 të humburit në mbretërit hieratikë dhe heronj kombëtarë që skulptori punoi gjatë katër dekadave të ardhshme.

Një artist nga serfët, i cili me punën e tij solli shumë gjëra të reja në pikturën ruse në gjysmën e parë të shekullit të 19-të. Mori titullin akademik dhe u bë më i madhi artist i famshëm Shkolla e portreteve në Moskë të viteve 20-30. Më vonë, ngjyra e pikturës së Tropinin bëhet më interesante, vëllimet zakonisht formohen më qartë dhe në mënyrë skulpturore, por më e rëndësishmja, një ndjenjë thjesht romantike e elementeve lëvizëse të jetës rritet në mënyrë insinuative, Tropinin është krijuesi i një lloji të veçantë portreti - një pikturë. Portrete në të cilat prezantohen tiparet e zhanrit, imazhe me një komplot të caktuar: "Lacemaker", "Tjerrësi", "Kitarist", "Qepje e Artë".

Së bashku me vëllezërit Franko, Madeirani tjetër ndoqi gjurmët e një shoku në Paris, Alfredo Vitali Migueis, më pak i njohur nga të tre ata që morën pjesë në lëvizjen moderniste. Ashtu si Heinrich Franco, ai studioi pikturën e historisë në Akademinë e Arteve të Bukura dhe qëndroi në Paris për tre vjet tashmë, dhe megjithëse bashkoi gjithashtu një bërthamë njerëzish të pavarur, Miguey nuk e braktisi kurrë rrënjën që kishte marrë me mjeshtrin e tij Columbano. Mori pjesë në mësimdhënie, duke integruar foton e shkollës industriale të Funchal, ku dha mësim për 26 vjet.

Portretet më të mira të Tropininit, si portreti i djalit të Arsenit (Galeria Tretyakov 1818), Bulakhov (Galeria Tretyakov 1823). Tropinini në veprën e tij ndjek rrugën e qartësisë, ekuilibrit me kompozime të thjeshta portrete. Si rregull, imazhi jepet në një sfond neutral me një minimum aksesorësh. Pikërisht kështu Tropinin A.S. Pushkin (1827) - ulur në tryezë në një pozicion të lirë, i veshur me një fustan shtëpie, i cili thekson pamjen natyrale.

Megjithatë, ky rinovim kulturor mbijetoi për shkak të përpjekjeve të përpikta për modernizim; në një shoqëri konservatore dhe në epokën romantike më të orientuar drejt peizazhit, do të kishte pak mundësi për risi nga brezat e mëvonshëm. I njëjti siklet përshëndeti Max Römer, një akuarel dhe dizajner grafik gjerman, kur ai mbërriti këtu. Për gati katër dekada të qëndrimit të tij në ishull, Römer u përshtat me skicën e përgjithësuar të komisarëve të tij, me një brez natyralist që dominonte përpjekjet e tij në portret dhe që tregon disa nga dobësitë e tyre në fushën e pikturës.

Veprat e hershme të Tropininit janë të përmbajtura në ngjyra dhe klasikisht statike në përbërje (portrete familjare të Morkovëve, 1813 dhe 1815; të dyja veprat janë në Galerinë Tretyakov, Moskë). Gjatë kësaj periudhe, mjeshtri krijon gjithashtu imazhe ekspresive lokale, të vogla ruse-lloje ukrainase, (1810, Muzeu Rus, Shën Petersburg). Bulakov, 1823; K.G. Ravich, 1823; të dy portretet në Galerinë Tretyakov).

Me kalimin e viteve, roli i atmosferës shpirtërore - i shprehur nga sfondi, detaje të rëndësishme - vetëm rritet. shembulli më i mirë mund të shërbejë si Autoportret me furça dhe paletë 1846, ku artisti e imagjinonte veten përpara një dritareje me një pamje spektakolare të Kremlinit. Tropinin i kushton një numër veprash artistëve të tjerë të përshkruar në punë ose në soditje (I.P. Vitali, rreth 1833; K.P. Bryullov, 1836; të dy portrete në Galerinë Tretyakov; dhe të tjerë). Në të njëjtën kohë, një aromë specifike intime, shtëpiake është pa ndryshim e natyrshme në stilin e Tropinin. Në veprën popullore "Gruaja në dritare" (bazuar në poezinë e M.Yu. Lermontov The Treasurer, 1841), ky sinqeritet i qetë merr një aromë erotike. Veprat e vona të mjeshtrit (Shërbëtori me damask, duke numëruar para, vitet 1850, po aty) dëshmojnë për zbehjen e mjeshtërisë së ngjyrave, megjithatë, duke parashikuar interesin e mprehtë për jetën dramatike të përditshme karakteristike të Endacakëve. Një fushë e rëndësishme e punës së Tropinin janë edhe skicat e tij të mprehta me laps. Tropinin vdiq në Moskë më 3 (15) maj 1857.

Artist rus, përfaqësues i romantizmit (i njohur kryesisht për zhanret e tij rurale). Lindur në Moskë më 7 shkurt 1780 në një familje tregtare. Në rininë e tij shërbeu si zyrtar. Ai studioi art kryesisht vetë, duke kopjuar pikturat e Hermitage. Në 1807-1811 ai mori mësime pikture nga VL Borovikovsky. Ai konsiderohet themeluesi i karikaturave të shtypura ruse. Topograf nga arsimi, duke lënë shërbimin për hir të pikturës. Në zhanrin e portretit, ai krijoi me pastel, laps, vaj, imazhe mahnitëse poetike, lirike, romantike të nxitura nga një humor romantik - një portret i V.S. Putyatina (TG). Ndër veprat e tij më të bukura të këtij lloji është portreti i tij (Muze Aleksandri III), i shkruar lëng dhe i guximshëm, me tone të këndshme, të trasha gri-verdhë dhe verdhë-zi, si dhe një portret i pikturuar prej tij nga piktori i vjetër Golovochy (Akademia Perandorake e Arteve).

Venetsianov është një mjeshtër i klasit të parë dhe një person i jashtëzakonshëm; për të cilën Rusia duhet të jetë mjaft krenare. Ai kërkonte me zell talentet e reja direkt nga njerëzit, kryesisht te piktorët, i tërhoqi ata tek ai. Numri i studentëve të tij ishte mbi 60 veta.

Gjatë Lufta Patriotike 1812 krijoi një seri tablosh satirike propagandistike mbi temat e rezistencës popullore ndaj pushtuesve francezë.

Ai pikturoi portrete, zakonisht të vogla në përmasa, të shënuara nga frymëzim delikate lirik (M.A. Venetsianova, gruaja e artistit, fundi i viteve 1820, Muzeu Rus, Shën Petersburg; Autoportret, 1811, Galeria Tretyakov). Në vitin 1819 ai u largua nga kryeqyteti dhe që atëherë ai jetoi në fshatin Safonkovo (provinca Tver) që bleu, i frymëzuar nga motivet e peizazhit përreth dhe jetës rurale. Më të mirat e pikturave të Venetsianov janë klasike në mënyrën e tyre, duke e treguar këtë natyrë në një gjendje harmonie të idealizuar, të ndriçuar; nga ana tjetër, në to mbizotëron padyshim një element romantik, sharmi nuk është i idealeve, por i ndjenjave të thjeshta natyrore në sfondin e natyrës dhe jetës amtare. Portretet e tij fshatare (Zakharka, 1825; ose Gruaja fshatare me lule misri, 1839) shfaqen si fragmente të së njëjtës idil të ndritur, natyrore, klasiko-romantike.

Kërkimet e reja krijuese ndërpriten nga vdekja e artistit: Venetsianov vdiq në fshatin Tver të Poddubie më 4 dhjetor (16), 1847 nga lëndimet - ai u hodh nga vagoni kur kuajt rrëshqitën në një rrëshqitje. rrugë dimërore. Sistemi pedagogjik mjeshtër, duke kultivuar dashurinë për natyrën e thjeshtë (rreth vitit 1824 ai krijoi shkollën e tij të artit), u bë baza e një shkolle të veçantë veneciane, më karakteristike dhe origjinale nga të gjitha shkollat personale të artit rus të shekullit të 19-të.

1.4 Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852)

Lindur më 29 nëntor (10 dhjetor) 1798 në familjen e artistit P.I. Bryullov, vëllai i piktorit K.P. Bryullov. Marrë edukate elementare nga babai i tij, mjeshtër i gdhendjes dekorative, më pas studioi në Akademinë e Arteve (1810-1821). Në verën e vitit 1822 ai dhe vëllai i tij u dërguan jashtë vendit me shpenzimet e Shoqatës për Inkurajimin e Arteve. Pasi kishte vizituar Gjermaninë, Francën, Italinë, Anglinë dhe Zvicrën, në vitin 1830 ai u kthye në Shën Petersburg. Që nga viti 1831 - profesor në Akademinë e Arteve. Një njeri me fat të jashtëzakonshëm, udhëzues dhe të veçantë. Që nga fëmijëria, ai ka qenë i rrethuar nga përshtypjet e realitetit rus. Vetëm në Rusi ai u ndje si në shtëpinë e tij, ai u përpoq për të, ai dëshironte për të në një tokë të huaj. Bryullov punoi me frymëzim, sukses dhe zjarr. Brenda dy-tre muajsh, në studion e tij u shfaqën kryevepra të tilla portreti, si portretet e Semenovas, Dr. Orlovit, Nestorit dhe Platon Kukolnikut. Në portretet e Bryullov, të ekzekutuara me të vërtetën e pamëshirshme dhe me aftësi jashtëzakonisht të lartë, mund të shihet epoka në të cilën ai jetoi, dëshira për realizëm të vërtetë, diversiteti, natyraliteti dhe thjeshtësia e personit të përshkruar.

Duke u larguar nga piktura historike, interesat e Bryullov qëndronin në drejtimin e pikturës së portretit, në të cilën ai tregoi të gjithë temperamentin e tij krijues dhe shkëlqimin e aftësive. Piktura e tij e shkëlqyer dekorative "Horsewoman" (Galeria Tretyakov 1832), e cila përshkruan një nxënës të konteshës Yu.P. Samoilova Giovanina Pacchini. Portreti i vetë Samoilova me një nxënës tjetër - Amazilia (1839, Muzeu Rus). Në fytyrën e shkrimtarit Strugovshchikov (Galeria Tretyakov 1840), mund të lexohet tensioni i jetës së brendshme. Vetë-portret (Galeria Tretyakov 1848) - një fytyrë mjerisht e hollë me një pamje depërtuese. Një portret shumë i gjallë i princit Golitsin, i mbështetur në një kolltuk në zyrën e tij.

Bryullov ka një imagjinatë të fuqishme, një sy të mprehtë dhe një dorë besnike. Ai lindi krijime të gjalla, në përputhje me kanunet e akademizmit.

Nisja relativisht herët punë praktike, mjeshtri u angazhua në mënyrë aktive në mësimdhënie në Akademinë e Arteve (nga 1831 - profesor). Ai la gjithashtu një trashëgimi të pasur grafike: portrete të shumta (nga E.P. Bakunina, 1830–1832; N.N. Pushkina, gruaja e poetit të madh; A.A. Perovsky, 1834; të gjitha me bojëra uji; etj.), ilustrime, etj. .d.; këtu tiparet romantike të talentit të tij u shfaqën edhe më drejtpërdrejt sesa në arkitekturë. Vdiq më 9 (21 janar) 1887 në Shën Petersburg.

Një shembull frymëzues për partneritetin ishte "Arteli i Artistëve të Shën Petersburgut", i cili u krijua në 1863 nga pjesëmarrësit në "rebelimin e katërmbëdhjetëve" (I.N. Kramskoy, A.I. Korzukhin, K.E. Makovsky dhe të tjerë) - të diplomuar në Akademinë e Arteve. , e la në mënyrë sfiduese pasi Këshilli i Akademisë ndaloi shkrimin e një fotografie konkurruese në një komplot të lirë në vend të një teme të propozuar zyrtarisht nga mitologjia skandinave. Duke u mbështetur në lirinë ideologjike dhe ekonomike të krijimtarisë, "artelët" filluan të organizonin ekspozitat e tyre, por nga fundi i viteve 1860 dhe 1870, aktivitetet e tyre praktikisht kishin dështuar. Një stimul i ri ishte apeli për "Artel" (në 1869). Me lejen e duhur, në të gjitha qytetet e perandorisë celulare ekspozita arti, në formën e: a) ofrimit të mundësive për banorët e krahinave për t'u njohur me artin rus dhe për të ndjekur ecurinë e tij; b) zhvillimi i dashurisë për artin në shoqëri; dhe c) duke e bërë më të lehtë për artistët të tregtojnë veprat e tyre.” Kështu, për herë të parë në artet pamore të Rusisë (me përjashtim të Artelit) u ngrit një grup i fuqishëm arti, jo vetëm një rreth miqësor ose një shkollë private, por një komunitet i madh njerëzish me mendje të njëjtë, i cili supozoi (pavarësisht diktatet e Akademisë së Arteve) jo vetëm për të shprehur, por edhe për të përcaktuar në mënyrë të pavarur procesin e zhvillimit kulturës artistike në mbarë vendin.

Burimi teorik i ideve krijuese të "Endacakëve" (të shprehur në korrespondencën e tyre, si dhe në kritikën e asaj kohe - kryesisht në tekstet e Kramskoy dhe fjalimet e V.V. Stasov) ishte estetika e romantizmit filozofik. Art i ri, i çliruar nga kanunet e klasikëve akademikë. Në fakt, për të hapur vetë rrjedhën e historisë, duke përgatitur kështu në mënyrë efektive të ardhmen në imazhet e tyre. Ndër bredhësit, moderniteti u shfaq si një "pasqyrë" e tillë artistike-historike në radhë të parë: vendin qendror në ekspozita e zinin zhanri dhe motivet e përditshme, Rusia në përditshmërinë e saj të shumëanshme. Fillimi i zhanrit vendosi tonin për portretet, peizazhet dhe madje edhe imazhet e së kaluarës, sa më afër nevojave shpirtërore të shoqërisë. Në traditën e mëvonshme, duke përfshirë traditën sovjetike, e cila shtrembëroi në mënyrë tendencioze konceptin e "realizmit peredvizhnik", çështja u reduktua në subjekte kritike shoqërore, revolucionare-demokratike, nga të cilat në të vërtetë kishte mjaft. Është më e rëndësishme të mbahet parasysh roli i paprecedentë analitik, madje edhe vizionar, që iu dha këtu jo aq çështjeve famëkeqe sociale, por artit si i tillë, duke krijuar gjykimin e tij sovran mbi shoqërinë dhe duke u ndarë në vetvete në vetveten e tij ideale. -sfera e mjaftueshme artistike. Një sovranitet i tillë estetik, i cili u rrit me kalimin e viteve, u bë pragu i menjëhershëm i simbolizmit dhe modernitetit rus.

Në ekspozitat e rregullta (gjithsej ishin 48), të cilat u shfaqën fillimisht në Shën Petersburg dhe Moskë, dhe më pas në shumë qytete të tjera të perandorisë, nga Varshava në Kazan dhe nga Novgorod në Astrakhan, me kalimin e viteve mund të shihej më shumë dhe më shumë shembuj të stilit jo vetëm romantiko-realist, por edhe modernist. Marrëdhëniet e vështira me Akademinë përfundimisht përfunduan në një kompromis, pasi nga fundi i shekullit të 19-të. (pas dëshirës së Aleksandrit III "për të ndalur ndarjen midis artistëve"), një pjesë e konsiderueshme e Wanderers më autoritative u përfshi në fakultetin akademik. Në fillim të shekullit të 20-të në Partneritet, fërkimet midis novatorëve dhe tradicionalistëve u intensifikuan; Endacakët nuk përfaqësonin më, siç e konsideronin ata vetë, gjithçka të avancuar artistikisht në Rusi. Shoqëria po e humbiste me shpejtësi ndikimin e saj. Në vitin 1909, ekspozitat e tij provinciale pushuan. Shpërthimi i fundit, domethënës i aktivitetit ndodhi në vitin 1922, kur shoqëria miratoi një deklaratë të re, duke shprehur dëshirën e saj për të pasqyruar jetën Rusia moderne.

Kapitulli III. Piktorët e portreteve rusë të gjysmës së dytë të shekullit të 19-të

3.1 Nikolai Nikolaevich Ge (1831-1894)

Artist rus. Lindur në Voronezh më 15 (27) shkurt 1831 në familjen e një pronari toke. Ai studioi në departamentet matematikore të Universiteteve të Kievit dhe Shën Petersburgut (1847-1850), më pas hyri në Akademinë e Arteve, nga e cila u diplomua në 1857. Ai u ndikua shumë nga K.P.Bryullov dhe A.A.Ivanov. Jetoi në Romë dhe Firence (1857-1869), në Shën Petersburg, dhe që nga viti 1876 - në fermën Ivanovsky në provincën Chernihiv. Ai ishte një nga themeluesit e Shoqatës së Endacakëve (1870). Ai bënte shumë piktura portrete. Ai filloi të punonte me portrete ndërsa studionte ende në Akademinë e Arteve. Për shumë vite krijimtarie, ai pikturoi shumë nga bashkëkohësit e tij. Në thelb, këta ishin figura të avancuara kulturore. M.E. Saltykov - Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoi dhe të tjerët. Ge zotëron një nga portretet më të mira të A.I. Herzen (1867, Galeria Shtetërore Tretyakov) - imazhi i një revolucionari rus, një luftëtar i zjarrtë kundër autokracisë dhe robërisë. Por ideja e piktorit nuk kufizohet vetëm në transferimin e ngjashmërisë së jashtme. Fytyra e Herzenit, si e rrëmbyer nga muzgu, pasqyronte mendimet e tij, vendosmërinë e pandërprerë të një luftëtari për drejtësi sociale. Ge ka kapur në këtë portret shpirtëroren figurë historike, mishëroi përvojën e gjithë jetës së saj, plot luftë dhe ankth.

Veprat e tij ndryshojnë nga veprat e Kramskoy në emocionalitetin dhe dramën e tyre. Portreti i historianit N.I. Kostomarov (1870, Galeria Shtetërore Tretyakov) është shkruar në një mënyrë jashtëzakonisht të bukur, me temperament, të freskët dhe të lirë. Autoportreti u pikturua pak para vdekjes së tij (1892-1893, KMRI), fytyra e mjeshtrit është ndriçuar me frymëzim krijues. Portreti i N. I. Petrunkevich (1893) u pikturua nga artisti në fund të jetës së tij. Vajza është përshkruar pothuajse në rritje të plotë në dritaren e hapur. Ajo është e zhytur në lexim. Fytyra e saj në profil, animi i kokës, qëndrimi shpreh një gjendje mendimi. Si kurrë më parë, Ge i kushtoi vëmendje të madhe sfondit. Harmonia e ngjyrave dëshmon për forcat e pashpenzuara të artistit.

Nga vitet 1880, Ge u bë mik dhe ndjekës i ngushtë i Leo Tolstoit. Në një përpjekje për të theksuar përmbajtjen njerëzore të predikimit të ungjillit, Ge kalon në një mënyrë shkrimi gjithnjë e më të lirë, duke mprehur ngjyrën dhe kontrastin e dritës deri në kufi. Mjeshtri pikturoi portrete të mrekullueshme plot shpirtërore të brendshme, duke përfshirë një portret të Leo Tolstoit në tryezën e tij (1884). Në imazhin e N.I. Petrunkevich në sfondin e një dritareje të hapur në kopsht (1893; të dy portretet në Galerinë Tretyakov). Ge vdiq në fermën Ivanovsky (provinca Chernigov) më 1 qershor 1894.

3.2 Vasily Grigorievich Perov (1834-1882)

Lindur në Tobolsk më 21 ose 23 dhjetor 1833 (2 ose 4 janar 1834). Ai ishte djali i paligjshëm i një prokurori vendas, Baron G.K. Kridener, por mbiemri "Perov" iu dha artistit të ardhshëm në formën e një pseudonimi nga mësuesi i tij i shkrim-leximit, një dhjak provincial. Ai studioi në Shkollën e Pikturës Arzamas (1846-1849) dhe Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë (1853-1861), ku një nga mentorët e tij ishte S.K. Zaryanko. Ai u ndikua veçanërisht nga P.A. Fedotov, mjeshtri i grafikës satirike të revistave, dhe nga mjeshtër të huaj- W. Hogarth dhe piktorët e zhanrit të shkollës së Dyseldorfit. Jetoi në Moskë. Ai ishte një nga anëtarët themelues të Shoqatës së Endacakëve (1870).

Punimet më të mira të portretit të mjeshtrit i përkasin kapërcyellit të viteve 60-70: F.M. Dostoevsky (1872, Galeria Tretyakov) A.N. Ostrovsky (1871, Galeria Tretyakov), I.S. Turgenev (1872, Muzeu Rus). Dostojevski është veçanërisht shprehës, plotësisht i humbur në mendime të dhimbshme, duke shtrënguar nervozisht duart në gju, një imazh i intelektit dhe shpirtërore më të lartë. Romanca e sinqertë e zhanrit kthehet në simbolikë, e mbushur me një ndjenjë të pikëlluar dobësie. Portrete të mjeshtrit (V.I. Dal, A.N. Maikov, M.P. Pogodin, të gjitha portrete - 1872), duke arritur një tension shpirtëror të paparë për pikturën ruse. Nuk është çudi që portreti i F. M. Dostoevsky (1872) konsiderohet me të drejtë më i miri në ikonografinë e shkrimtarit të madh.

Në dekadat e fundit të jetës së tij, artisti zbulon një talent të jashtëzakonshëm si shkrimtar eseistik (tregime tezja Marya, 1875; Nën kryq, 1881; dhe të tjera; botimi i fundit - Tregime të artistit, M., 1960). Në 1871-1882 Perov dha mësim në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë, ku ndër studentët e tij ishin N.A. Kasatkin, S.A. Korovin, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin. Perov vdiq në fshatin Kuzminki (në ato vite - afër Moskës) më 29 maj (10 qershor), 1882.

3.3 Nikolai Aleksandrovich Yaroshenko (1846-1898)

Lindur në Poltava më 1 (13) dhjetor 1846 në një familje ushtarake. Ai u diplomua në Akademinë e Artilerisë Mikhailovsky në Shën Petersburg (1870), shërbeu në Arsenal dhe në 1892 doli në pension me gradën gjeneral-major. Ai studioi pikturë në Shkollën e Vizatimit të Shoqatës për Inkurajimin e Arteve nën I.N. Kramskoy dhe në Akademinë e Arteve (1867-1874). Udhëtoi shumë - nëpër vende Europa Perëndimore, Lindja e Afërt dhe e Mesme, Ural, Vollga, Kaukazi dhe Krime. Ai ishte anëtar (që nga viti 1876) dhe një nga drejtuesit e Shoqatës së Endacakëve. Ai jetonte kryesisht në Shën Petersburg dhe Kislovodsk.

Veprat e tij mund të quhen portret - të tilla si "Stoker" dhe "Prisoner" (1878, Galeria Shtetërore Tretyakov). "Stoker" - imazhi i parë i një punëtori në pikturën ruse. "I burgosur" - një imazh aktual në vitet e lëvizjes së stuhishme revolucionare populiste. "Kursist" (1880, Muzeu Rus) një vajzë e re me libra ecën përgjatë trotuarit të lagësht të Shën Petersburgut. Në këtë imazh gjeti shprehje e gjithë epoka e luftës së grave për pavarësinë e jetës shpirtërore.

Yaroshenko ishte një inxhinier ushtarak, me arsim të lartë dhe një karakter të fortë. Artisti Wanderer u shërbeu idealeve demokratike revolucionare me artin e tij. Mjeshtër i zhanrit social dhe portreti në frymën e Wanderers. Ai fitoi një emër për veten e tij me kompozime piktoreske të mprehta shprehëse që tërheqin simpatinë për botën e të dëbuarve nga shoqëria. Një lloj i veçantë i shprehjes me ankth, "të ndërgjegjshëm" i jep jetë portreteve më të mira të veprës së Yaroshenkos (P.A. Strepetova, 1884, po aty; G.I. Uspensky, 1884, Galeria e fotove, Yekaterinburg; N.N. Ge, 1890, Muzeu Rus, Shën Petersburg). Yaroshenko vdiq në Kislovodsk më 25 qershor (7 korrik) 1898.

3.4 Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887)

Lindur në provincën Voronezh në familjen e një zyrtari të vogël. Që në fëmijëri ai ishte i dhënë pas artit dhe letërsisë. Pas mbarimit të shkollës së rrethit në 1850, ai shërbeu si shkrues, pastaj si retushues për një fotografi. Në vitin 1857 përfundoi në Shën Petersburg duke punuar në një studio fotografike. Në vjeshtën e të njëjtit vit ai hyri në Akademinë e Arteve.

Zona mbizotëruese e arritjeve artistike mbeti për portretin Kramskoy. Kramskoy në zhanrin e portretit është i pushtuar nga një personalitet sublim, shumë shpirtëror. Ai krijoi një galeri të tërë me imazhe të figurave më të mëdha të kulturës ruse - portrete të Saltykov - Shchedrin (1879, Galeria Shtetërore Tretyakov), N.A. Nekrasov (1877, Galeria Shtetërore Tretyakov), L.N. Tolstoi (1873, Galeria Shtetërore Tretyakov), P.M. Tretyakov (1876, Galeria Shtetërore Tretyakov), I.I. Shishkin (1880, Muzeu Rus), D.V. Grigorovich (1876, Galeria Shtetërore Tretyakov).

Mënyra artistike e Kramskoy karakterizohet nga një thatësi protokollare e caktuar, monotonia e formave kompozicionale, skemave, pasi portreti tregon tiparet e punës si retushues në rininë e tij. Portreti i A.G. Litovchenko (1878, Galeria Shtetërore Tretyakov) me pasuri piktoreske dhe bukuri të toneve kafe, ulliri. U krijuan gjithashtu vepra kolektive të fshatarëve: "Druvari" (1874, Galeria Shtetërore Tretyakov), "Mina Moiseev" (1882, Muzeu Rus), "Fshatar me fre" (1883, KMRI). Kramskoy në mënyrë të përsëritur iu drejtua kësaj forme të pikturës, në të cilën dy zhanre ranë në kontakt - portreti dhe jeta e përditshme. Për shembull, veprat e viteve '80: "E Panjohur" (1883, Galeria Shtetërore Tretyakov), "Pikëllimi i pangushëllueshëm" (1884, Galeria Shtetërore Tretyakov). Një nga majat e punës së Kramskoy është portreti i Nekrasov, Autoportreti (1867, Galeria Shtetërore Tretyakov) dhe portreti i agronomit Vyunnikov (1868, Muzeu i BSSR).

Në 1863-1868 Kramskoy dha mësim në Shkollën e Vizatimit të Shoqatës për Inkurajimin e Artistëve. Në 1870, Kramskoy u bë një nga themeluesit e TPHV. Kur shkruante një portret, Kramskoy shpesh përdorte teknika grafike (përdorimi i mushtit, zbardhimit dhe lapsit). Kështu paraqiten portretet e artistëve A.I. Morozov (1868), G.G. Myasoedov (1861) - Muzeu Shtetëror Rus. Kramskoy është një artist me temperament të madh krijues, një mendimtar i thellë dhe origjinal. Ai luftoi gjithmonë për artin e përparuar realist, për përmbajtjen e tij ideologjike dhe demokratike. Ai punoi me fryt si mësues (në Shkollën e Vizatimit të Shoqatës për Nxitjen e Arteve, 1863-1868). Kramskoy vdiq në Shën Petersburg më 24 mars (5 prill) 1887.

3.5 Ilya Efimovich Repin (1844-1930)

Lindur në Chuguev në provincën Kharkov në familjen e një koloni ushtarak. Trajnimin fillestar artistik e mori në shkollën e tipografëve dhe nga artistët vendas I.M. Bunakov dhe L.I. Persanov. Më 1863 erdhi në Shën Petersburg, studioi në Shkollën e Vizatimit të Shoqatës për Nxitjen e Artistëve nën R.K. Zhukovsky dhe I.N. Kramskoy, më pas u pranua në Akademinë e Arteve në 1864.

Repin është një nga piktorët më të mirë të portreteve të epokës. Një galeri e tërë me imazhe të bashkëkohësve të tij u krijua prej tij. Me çfarë aftësie dhe fuqie janë kapur në telajot e tij. Në portretet e Repin, gjithçka është menduar deri në fund, çdo tipar është shprehës. Repin zotëronte aftësinë më të madhe të instinktit të artistit për të depërtuar në thelbin e karakteristikave psikologjike, duke vazhduar traditat e Perov, Kramskoy dhe Ge, ai la imazhet e shkrimtarëve, kompozitorëve, aktorëve të famshëm që lavdëruan kulturën ruse. Në secilin rast individual, ai gjeti zgjidhje të ndryshme kompozicionale dhe koloristike, me të cilat mund të zbulonte në mënyrë më shprehëse imazhin e personit të paraqitur në portret. Sa ashpër kirurgu Pirogov shikon sytë. Sytë e mrekullueshëm të bukur të artistes Strepetova (1882, Galeria Shtetërore Tretyakov) vërshojnë, dhe fytyra e mprehtë, inteligjente e artistit Myasoedov, Tretyakov zhytur në mendime, është pikturuar. Me të vërtetën e pamëshirshme, ai shkroi "Protodeacon" (ministri i kishës 1877, Muzeu Rus). Pacientja M.P ishte shkruar me ngrohtësi. Mussorgsky (1881, Galeria Tretyakov), disa ditë para vdekjes së kompozitorit. Portretet e të riut Gorky, Stasovit të mençur (1883, Muzeu Rus) dhe të tjerëve janë ekzekutuar në mënyrë depërtuese. "Buqeta e vjeshtës" (1892, Galeria Shtetërore Tretyakov) është një portret i vajzës së Verës, sa me diell shkëlqen fytyra e vajzës së artistit. nuanca e ngrohtë e një kapele kashte. Me shumë dashuri, Repin përcolli një fytyrë tërheqëse me rininë, gazin dhe shëndetin e tij. Hapësirat e fushave, ende të lulëzuara, por të prekura nga zverdhja e barit, pemët e gjelbra dhe transparenca e ajrit sjellin një humor gjallërues në vepër.

Portreti ishte jo vetëm zhanri kryesor, por edhe baza e punës së Repin në përgjithësi. Kur punonte në kanavacë të mëdha, ai iu drejtua sistematikisht studimeve të portreteve për të sqaruar pamjen dhe karakteristikat e personazheve. I tillë është portreti i Hunchback i lidhur me pikturën "Protesioni në provincën Kursk" (1880-1883, Galeria Shtetërore Tretyakov). Nga gungaci, Repin theksoi me këmbëngulje prozaikën, mjerimin e rrobave të gungës dhe të gjithë pamjen e tij, normalitetin e figurës më shumë sesa tragjedinë dhe vetminë e saj.

Rëndësia e Repin në historinë e artit rus është e madhe. Në portretet e tij ndikoi veçanërisht afërsia me mjeshtrit e mëdhenj të së shkuarës. Në portrete, Repin arriti pikën më të lartë të fuqisë së tij piktoreske.

Portretet e Repinit janë çuditërisht tërheqës nga ana lirike. Ai krijon karaktere të mprehta karakteristike popullore, imazhe të shumta të përsosura të figurave kulturore, portrete të këndshme laike (Baronesha V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Imazhet e të afërmve të artistit janë veçanërisht të gjallë dhe të sinqerta: një numër pikturash me gruan e Repin, N.I. Nordman-Severova. Portretet e tij thjesht grafike, të realizuara me laps grafiti ose qymyr, janë gjithashtu virtuozë (E.Duse, 1891; Princesha M.K.Tenisheva, 1898; V.A.Serov, 1901). Repini u tregua edhe mësues i shquar: ishte profesor-drejtues i punëtorisë (1894-1907) dhe rektor (1898-1899) i Akademisë së Arteve, në të njëjtën kohë jepte mësim në shkollën-punishte të Tenishevës.

Pas Revolucionit të Tetorit të vitit 1917, artisti u nda nga Rusia, kur Finlanda fitoi pavarësinë, ai nuk u zhvendos kurrë në atdheun e tij, megjithëse mbajti kontakte me miqtë që jetonin atje (në veçanti, me K.I. Chukovsky). Repin vdiq më 29 shtator 1930. Në vitin 1937, Chukovsky botoi një përmbledhje të kujtimeve dhe artikujve të tij për artin (Far Close), i cili më vonë u ribotua disa herë.

3.6 Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911)

Lindur në Shën Petersburg në familjen e kompozitorit A.N. Serov. Që nga fëmijëria, V.A. Serov ishte i rrethuar nga arti. Repin ishte mësuesi. Serov punoi me Repin që nga fëmijëria e hershme dhe shumë shpejt zbuloi talentin dhe pavarësinë e tij. Repin e dërgon në Akademinë e Arteve tek P.P. Chistyakov. Artisti i ri fitoi respekt dhe talenti i tij ngjalli admirim. Serov shkroi "Vajza me pjeshkë". Vepra e parë e madhe e Serov. Pavarësisht përmasave të vogla, fotografia duket shumë e thjeshtë. Është shkruar në tonalitete rozë dhe ari. Ai mori një çmim nga Shoqëria e Artdashësve të Moskës për këtë pikturë. Një vit më pas, Serov pikturoi një portret të motrës së tij, Maria Simonovich, dhe më vonë e quajti atë "Vajza e ndriçuar nga dielli" (1888). Vajza ulet në hije, dhe lëndina në sfond ndriçohet nga rrezet e diellit të mëngjesit.

Serov u bë një piktor portreti në modë. Përballë tij pozuan shkrimtarë, aristokratë, artistë, artistë, sipërmarrës, madje edhe mbretër të famshëm. Në moshën madhore, Serov vazhdoi të shkruante të afërmit, miqtë: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serov kreu urdhrat e të kurorëzuarve - Aleksandrit III dhe Nikollës II. Perandori është përshkruar me një xhaketë të thjeshtë të regjimentit Preobrazhensky; kjo pikturë (e shkatërruar në 1917, por e ruajtur në kopjen e autorit të të njëjtit vit; Galeria Tretyakov) shpesh konsiderohet si portreti më i mirë Romanovi i fundit. Mjeshtri pikturoi si zyrtarë të titulluar ashtu edhe tregtarë. Serov e punoi çdo portret deri në rraskapitje, me përkushtim të plotë, sikur puna që kishte nisur të ishte puna e tij e fundit. , duke minimizuar apo edhe eliminuar dallimin mes studimit dhe pikturës. Vizatimi bardh e zi ishte gjithashtu një formë e barabartë krijimtarie (vlera e natyrshme e këtij të fundit u fiksua në punën e tij nga viti 1895, kur Serov realizoi një cikël skicash kafshësh, duke punuar në ilustrimin e fabulave të I.A. Krylov).

Në kapërcyell të shekujve 19-20. Serov bëhet ndoshta piktori i parë i portretit në Rusi, nëse dikush në këtë drejtim është inferior, atëherë vetëm një Repin. Duket se më së miri ia del mbanë në imazhe lirike intime, femërore dhe fëmijërore (N.Ya. Dervizi me një fëmijë, 1888–1889; Mika Morozov, 1901; të dy portretet janë nga Galeria Tretyakov) ose imazhet e njerëzve krijues (A. Masini, 1890; K.A. Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; N.A. Leskov, 1894; të gjitha - në të njëjtin vend), ku përshtypja shumëngjyrëshe, goditje e lirë pasqyrojnë gjendjen shpirtërore të modeles. Por edhe më zyrtarë, portretet laike kombinojnë organikisht mjeshtërinë delikate me dhuratën jo më pak delikate të një artisti-psikologu. Ndër kryeveprat e "sekularit" Serov - Konti F.F. Sumarokov-Elston (më vonë - Princi Yusupov), 1903, Muzeu Rus; G. L. Girshman, 1907; V.O. Girshman, 1911; I.A. Morozov, 1910; Princesha O.K. Orlova, 1911; gjithçka është atje).

Në portretet e mjeshtrit në këto vite, Art Nouveau dominon plotësisht me kultin e tij të një linje të fortë dhe fleksibël, me gjestin dhe pozën tërheqëse monumentale (M. Gorky, 1904, Muzeu A. M. Gorky, Moskë; M. N. Ermolova, 1905; F.I. .Chaliapin , qymyr, shkumës, 1905; të dy portretet janë në Galerinë Tretyakov; Ida Rubinstein, tempera, qymyr, 1910, Muzeu Rus). Serov la një kujtim mirënjohës për veten e tij si mësues (në 1897-1909 ai dha mësim në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë, ku ndër studentët e tij ishin K.F. Yuon, N.N. Sapunov, P.V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K.S. Petrov. - Vodkin). Serov vdiq në Moskë më 22 nëntor (5 dhjetor) 1911.

kapitulli. Arti i Portretit

Portreti është një zhanër i rëndësishëm dhe i rëndësishëm në art. Vetë fjala "portret" kthehet në fjalën e vjetër franceze "pourtrait", që do të thotë: imazhi i djallit në djall; kthehet edhe tek folja latine "protrahere" - pra "nxjerr jashtë", "zbuloj"; më vonë - "përshkruaj", "portret". Në rusisht, fjala "portret" korrespondon me fjalën "si".

Në artet pamore, të cilave ky term i përket fillimisht, një portret nënkupton imazhin e një personi të caktuar ose grupi njerëzish, në të cilin pamja individuale e një personi përcillet, riprodhohet, Bota e brendshme, thelbi i karakterit të tij.

Imazhi i një personi është tema kryesore e pikturës. Studimi i tij fillon me skicat e kokës. Të gjitha fotografitë formale i nënshtrohen krijimit të një imazhi, transferimit të gjendjes psikologjike të një personi. Në pikturë, imazhi i një koke njerëzore nga natyra duhet të korrespondojë me vizionin tonë të zakonshëm tre-dimensional dhe të kuptuarit e botës përreth nesh.

Metodat e pikturës së kokës në shkollën akademike ruse të gjysmës së parë të shekullit të 19-të vazhdojnë traditën e skalitjes së formës me ndihmën e hijeve të forta dhe të nxehta. Ne mund të gjykojmë metodat akademike duke marrë parasysh veprat e O. Kiprensky, K. Bryullov, A. Ivanov. Është e pamundur të konsiderohen metodat akademike si diçka e njëjtë për të gjithë artistët, por ajo që është e përbashkët për studentët e akademisë është disiplina e formës.

Një portret mund të konsiderohet mjaft i kënaqshëm kur përcillen tiparet intime dhe personale të personit të përshkruar, kur origjinali riprodhohet saktësisht, me të gjitha tiparet e pamjes dhe të brendshme të tij. karakter individual, në pozën e tij më të njohur, me shprehjen e tij më karakteristike. Plotësimi i kësaj kërkese është pjesë e fushës së detyrave të artit dhe mund të çojë në rezultate shumë artistike nëse kryhet nga mjeshtra të talentuar, të cilët vendosin shijen e tyre personale dhe ndjenjën e natyrës në riprodhimin e realitetit.

Piktura është kryesisht një imazh i formës, vëllimit. Prandaj, forma shpesh përpunohet paraprakisht në një ngjyrë saktësisht me të gjitha detajet. Pastaj dritat u pikturuan të ftohta, të trasha, me teksturë; hijet e nxehta, transparente, duke përdorur llaqe, vajra, rrëshira. E gjithë kjo vlen për pikturën me vaj. Akuarelët e asaj kohe janë vetëm vizatime të ngjyrosura, dhe tempera është përdorur për pikturat e kishave, larg veprave nga natyra.

Rëndësi e madhe në pikturën akademike kishte një sekuencë pune, një sistem. Lustrimi i thatë dhe i lagësht i dha kokës formën, ngjyrën dhe shprehjen përfundimtare. Por ndoshta disa krerë të K.P. Bryullov pikturoi menjëherë, duke ruajtur modelimin e rreptë, dritat e ftohta dhe hijet e nxehta. Të njëjtat hije të nxehta shtrihen në portretet e I. N. Kramskoy. Skuqja e tyre zbutet nga drita muzeale e përhapur zakonisht. Por nëse një rreze dielli bie mbi portret, ju habiteni me shkëlqimin e kushtëzuar të hijeve të kuqe.

Impresionistët i kushtuan vëmendjen më të madhe rëndësisë së dritës së ngrohtë dhe të ftohtë në skalitjen e një koke të gjallë. Ose dritat janë të ftohta dhe hijet janë të ngrohta, ose anasjelltas. Në çdo model zgjidhen kushtet e situatës, në bazë të çehres, veshjeve të pamjes së përgjithshme. Për të krijuar ndriçim interesant, përdoren ekranet - karton, kanavacë, letër. Ekrani mund të errësojë një pjesë të sfondit ose rrobave, gjë që e bën fytyrën të dallohet më mirë.

Ruajtja e skicës përgatitore të M. A. Vrubel për portretin e N. I. Zabela - Vrubel, ku vizatohen me laps kufijtë e të gjitha ndryshimeve të ngjyrave. Sipërfaqja e fytyrës është e ndarë në zona shumë të vogla, si një mozaik. Nëse e mbushni secilën prej tyre me ngjyrën e duhur, portreti do të jetë gati.

Imazhi i portretit pasqyron jo vetëm modelen, por edhe vetë artistin. Prandaj, autori njihet nga veprat e tij. I njëjti person duket krejtësisht ndryshe në portretet e artistëve të ndryshëm. Në fund të fundit, secili prej tyre sjell në portret qëndrimin e tij ndaj modelit, ndaj botës, ndjenjat dhe mendimet e tyre, mënyrën e të parit dhe ndjesisë, depon e tyre mendore, botëkuptimin e tyre. Artisti jo vetëm që kopjon modelin, jo vetëm riprodhon pamjen e tij - ai komunikon përshtypjet e tij për të, përcjell, shpreh idenë e tij për të.

Zhanri i portretit zuri një vend të madh në sistemin e arsimit akademik, pasi mësuesit e fillimit të shekullit të 19-të e panë atë në përshkrimin e një personi si një mënyrë që artisti t'i drejtohej drejtpërdrejt natyrës.

Me zhvillimin dhe vendosjen e tendencave demokratike në artin rus në procesin e zgjidhjes së detyrave të përbashkëta krijuese, ka një konvergjencë të kërkimeve në zhanre të ndryshme dhe veçanërisht në portret.

Puna në një portret e sjell artistin në kontakt të ngushtë me përfaqësuesit e shtresave të ndryshme shoqërore të shoqërisë moderne, dhe puna nga natyra zgjeron dhe thellon ndjeshëm të kuptuarit e psikologjisë së imazheve të mishëruara në foto. Piktura e portretit është pasuruar me imazhe tipike popullore. Karakteristikat psikologjike të personit të paraqitur në portret, të kuptuarit e tij moral, shoqëror janë thelluar. Në portret, ndihet veçanërisht jo vetëm një qëndrim kritik ndaj jetës, karakteristik për Wanderers, por edhe kërkimi i një imazhi pozitiv, i cili manifestohet më fort në imazhet e përfaqësuesve të inteligjencës.

arti rus ka një traditë të pasur të portreteve realiste që daton në shekullin e 18-të, e cila la një trashëgimi të rëndësishme. Ata u zhvilluan frytshëm në gjysmën e parë të shekullit të 19-të. Në këto epoka, ishte portreti, relativisht i lirë nga fuqia e kanuneve, në tërësinë realiste të imazheve të tij, ai që shkoi përpara si komplotit - historik dhe pikturës së përditshme, që hodhi vetëm hapat e parë në artin rus.

Portretistët më të mirë të shekullit të 18-të dhe gjysmës së parë të shekullit të 19-të na përcjellin tiparet tipike të bashkëkohësve të tyre. Por detyrat e tipizimit duke ruajtur individin në imazhin njerëzor ranë në konflikt në këto portrete me konceptin klasik dominues, në të cilin tipikja kuptohej si abstrakte nga individi. Megjithatë, në portretin e “Endatarit” hasim kuptimin e kundërt të tipikes: sa më i thellë të jetë depërtimi në individualitetin e një personi, aq më konkretisht dhe më gjallërisht rikrijohet imazhi i tij, aq më qartë shfaqen në portretin e tij. tipare të përbashkëta e formuar nën ndikimin e kushteve të caktuara të jetesës.

Bibliografi

1. Aleshina L.S. Arti rus i 19-të - fillimi i shekujve 20 - M., "Art" 1972.

2. Benois A. Historia e pikturës ruse në shekullin XIX - M., "Republika" 1999.

3. Gomberg - Verzhbitskaya E.P. Wanderers: një libër për mjeshtrit e pikturës realiste ruse nga Perov në Levitan - M., 1961.

4. Ilyina T.V. Histori arti. Arti vendas - M., " shkollë e diplomuar", 2005.

5. Arti i portretit. Koleksioni - M., 1928.

6. Fjalor i shkurtër i termave të artit figurativ.

7. Likhachev D.S. Arti rus nga antikiteti në avangardë - M., "Art", 1992.

8. Matafonov S.M. Tre shekuj pikturë ruse - Sib., "Kitezh" 1994.

9. Pushkin A.S. Vepra të plota në një vëllim - M., 1938.

10. Roginskaya F.S. Endacakët - M., 1997.

11. Shchulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z. Kultura e Rusisë shekujt IX - XX. llogari shtesa - M., "Prostor" 1996.

12. Yakovlev V.M. Rreth artistëve të mëdhenj rusë - M., "Shtëpia Botuese e Akademisë së Artistëve të BRSS" 1952.

Pushkin A.S. Punimet e plota në një vëllim. M., 1983, fq.9.

Shulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z., Kultura e Rusisë në shekujt 9 - 20. llogari shtesa - M. "Prostor", 1996 S. 205

Arti i portretit. Mbledhja. M., 1928 Fq.77.

Një fjalor i shkurtër i termave të artit figurativ. M., 1959 Fq.126.

Gomberg - Verzhbitskaya E.P. Wanderers: një libër për mjeshtrit e pikturës realiste ruse nga Perov në Levitan - M., 1961. F. 44.

dhjetë shumica portretet e famshme

Një portret është një nga llojet më të vlefshme të pikturës, pasi artisti vendos botëkuptimin e tij në të, një pasqyrim i botës së tij të brendshme, duke e përcjellë atë në tiparet e fytyrës së një personi tjetër. Disa portrete bien ende në sy dhe ngjallin një stuhi emocionesh në shpirtin e shikuesit.

Padyshim që primati përsa i përket portreteve më të famshme i takon Leonardo da Vinçit dhe “La Gioconda” e tij, e cila ende mbledh mijëra spektatorë në Luvrin e Parisit, duke u përpjekur të zbardhin madhështinë dhe misterin e kësaj pikture. Sharmi i saj qëndron në faktin se shprehjet e fytyrës së portretit janë vizatuar aq gjallërisht sa duket sikur ajo menjëherë do të hapë gojën dhe do të flasë ose do të shkelë syrin. Deri më tani, mosmarrëveshjet për identitetin e Mona Lizës, si dhe prania e të gjitha llojeve të defekteve në të - nga sëmundja e Down-it deri te dhëmbët e thyer, nuk janë qetësuar, gjë që natyrisht nuk e pengon njeriun të admirojë kryeveprën deri më sot.

Një tjetër portret i mahnitshëm ishte "Vajza me vathë perla", shkruar nga Jan Vermeer. E mahnitshmeria e portretit qëndron në faktin se artisti ishte në gjendje të përshkruante një vështrim kalimtar të vajzës, në momentin kur ajo kthen kokën.

Portreti i Adele Bloch-Bauer, i pikturuar nga Gustav Klimp, ka gjithashtu vlerën e tij jo vetëm artistike, por edhe një sfond interesant. Fotografia përshkruan gruan e një manjati, i cili kishte një lidhje me Klimp, dhe për të prishur marrëdhënien e tyre, burri i mashtruar i urdhëroi Klimp një portret më kompleks, mbi të cilin ai do të punonte për disa vjet, në mënyrë që në fund artisti. do të tërhiqte disa herë çdo tipar të gruas së tij, në të përzier. Si rezultat, burri ia arriti qëllimit - pasioni midis Adele dhe Gustav Klimp u qetësua.

Një nga portretet më të pazakonta, duke qenë se përbëhej nga të gjitha llojet e frutave dhe perimeve, ishte "Vertumi" i perandorit Rudolf i realizuar nga Juse?Ppe Arcimbo?Ldo.

Një nga portretet e mëdha me të drejtë mund të njihet si Marie de Medici, e përshkruar nga piktori i oborrit Agnolo Bronzino. Dhe megjithëse fati i princeshës ishte shumë i trishtuar, pasi ajo nuk jetoi për të parë dasmën e saj, portreti ende mahnit me gjallërinë dhe bukurinë e tij.

Portreti i Pablo Picasso "Ëndrra", një tablo që autori e pikturoi në vetëm pesë orë, dhe në të cilën ai u largua nga "kubizmi" i tij i zakonshëm duke u dhënë lirinë formave dhe linjave të buta.

Një tjetër mjeshtër i portreteve pa dyshim mund të quhet Amadeo Madigliani dhe portreti i tij "Madame"

Vëmendje meriton edhe portreti i Dukeshës de Beaufort nga Thomas Gainsborough, në të cilin me ndihmën e një peneli dhe kanavacës zbulohet bota e brendshme, përcillet ngjyra dhe gjallëria e zonjës së portretizuar.

Portreti i Napoleonit në Studimin Imperial, i bërë nga David Jacques Louis dhe i njohur si imazhi më i vërtetë i perandorit.

Dhe sigurisht, Rubens - dhe portreti i tij i Isabella Brant, i cili është një klasik i epokës barok.

Mona Lisa

Vajza me një vath perle