Dialectica obiectivă a autodezvoltării societății în bogăția de tendințe ale vieții spirituale se reflectă cuprinzător în sistemul de concepte: „stil”, „direcție”, „curgere”, „metodă”, „manier”.

Teoria estetică modernă alege conceptul de „direcție” ca punct de plecare, văzându-l ca un mijloc eficient de sistematizare a artei. Este capabil să dezvăluie dialectica tipicului și individualului, universalului și specialului, în principal în arta New Age - o perioadă în care individualizarea experienței spirituale a omenirii este extrem de adâncă, creând o bogăție de direcții, tendințe, maniere stilistice în diverse tipuri de artă. Studiul problemei are loc în principal pe materialul literaturii de specialitate.

Dacă luăm în considerare modele dezvoltarea artistică pe parcursul lungii sale istorii, cu atât mai fructuoasă este abordarea propusă atunci de G. Hegel. Pentru a sistematiza tiparele vieții istorice a artei, Hegel folosește conceptul de stil. Stilul ca categorie a creativității artistice reflectă unitatea internă a sistemului figurativ și a mijloacelor de exprimare artistică generate de ideea artistică și practicarea întruchipării sale senzuale în materialul artei. Hegel demonstrează că stilul în artă este un concept „volumetric”. Acoperă specificul artei ca întruchipare senzuală a unei idei, adică trăsătura ei esențială. Conceptul de „stil” poate fi extins și la anumite legi ale reprezentării artistice, care decurg din natura tipului de artă în care este prezentată imaginea. Să spunem, în muzică există un stil de biserică și operă, în pictură - un stil picturi istoriceși lucrări de gen și altele asemenea. Conceptul de „stil” cuprinde și tipul de gândire artistică.

Sistemul de concepte care reflectă viața istorică a societății, întruchipată în limbajul artei, a început să prindă contur în secolul al XVIII-lea. Adevărat, conceptul de „stil” este cunoscut în cultura europeană încă din antichitate. La început, a fost folosit într-un sens pur filologic - pentru a explica trăsăturile construcției propozițiilor în vorbire și scris. În acest sens, își are rădăcinile în poetica și retorica antichității și a Evului Mediu. Scopul stilului a fost acela de a respecta întorsăturile frazeologice și vocabularul adecvat, în funcție de tipul de literatură (doctrina antică a celor trei stiluri s-a păstrat până în epoca clasicismului). I. Winkelman a aplicat-o într-un sens mai larg: pentru a desemna tiparele dezvoltării artistice în general. F. Schiller („Frumos în artă”), în urma lui Winckelmann, leagă frumusețea artei cu prezența stilului, adică el consideră stilul ca un tip de creativitate artistică. Acest concept cuprinde trăsăturile limbaj artistic, mijloace de exprimare conditionat de materialul artei si subiectul imaginii. Spre deosebire de subiectivismul artistului (maniera), stilul este văzut ca cea mai înaltă independență a imaginii față de toate definițiile subiective și obiectiv aleatorii.

Romanticii se străduiesc în mod conștient să creeze o unitate stilistică a artei, bazându-se, pe de o parte, pe experiența Greciei clasice și, pe de altă parte, pe arta populară. În munca lor, stilul este recunoscut ca bază a artei. Stilul este asociat cu opera individuală a artistului, dar atât de individual în ea, care întruchipează implicarea artistului în infinit, divin. Poeții romantici văd profeți, prevestesc eliberarea omenirii de realitatea opresivă prin crearea unei „lumi poetice” (Novalis, Schlegel).

Hegel descoperă ceea ce este firesc în dezvoltarea artei pe baza unității stilistice a tipurilor sale. El consideră stilul ca arta imaginii corespunde naturii celui descris și naturii unui anumit tip de artă. Conceptul de stil în acest sens este opus modului. Potrivit filosofului, maniera apare din cauza faptului că artistul pornește din propriile capricii, în loc să respecte legile formării artistice. Bazat pe istoria dezvoltării artistice a omenirii, el combină toată bogăția artei într-un anumit sistem de creație. forme de artă. Prin urmare, lor caracteristici ale stilului sunt plasate în forme simbolice, clasice, romantice.

În viitor, pe baza ideilor lui Hegel, studiul modelelor de dezvoltare artistică a fost realizat și de către istorici de artă cunoscuți (A. Wrigley „Apariția artei baroce la Roma”; G. Wölfflin „Renașterea și baroc”, „Concepte de bază ale istoriei artei. Problema evoluției stilului în arta nouă”, V. Weidle „Moartea artei” și altele). În lucrarea „Renașterea și baroc” G. Wölfflin analizează stilul epocilor ca formațiuni istorice și tipologice, înlocuindu-se succesiv. V. Weidle leagă perioade deosebit de fructuoase ale dezvoltării artistice a societății cu unitatea stilistică a artei. El vede originile comunului în formarea artistică în „psihologia epocii”. D. Lihaciov concretizează această idee, considerând că conceptul de „stil al epocilor” caracterizează acele perioade de dezvoltare artistică când încă nu există tendințe distincte în artă și stiluri individuale artiștii, adică stilurile se formează pe baza canoanelor artistice. Cercetătorul ucrainean D. Nalivaiko caracterizează stilul ca pe o categorie universală a creativității artistice, subliniind că nu este o formă propriu-zisă și nu este o sinteză de forme, ci „principii formatoare de forme care pătrund în structura unei opere”. M. Kagan constată certitudinea obiectivă a calităților estetic artistice ale stilului: este condiționat de un anumit conținut, dar ea însăși este calitatea formei, legea structurii sale.

Incluziunea artei prin conceptul de „stil” se manifestă la mai multe niveluri: în primul rând, la nivelul vieții istorice a artei (Stil mare), în al doilea rând, la nivelul originalității naționale a vieții artistice; în al treilea rând, la nivelul trăsăturilor stilistice ale tendințelor și tendințelor artistice; în al patrulea rând, la nivelul stilurilor artistice individuale. În cele din urmă, putem vorbi despre stilul unei singure opere literare.

Stiluri grozave în artă. Stilul ca unitate structurală a sistemului figurativ și a metodelor de reprezentare artistică, folosit pentru a caracteriza originalitatea artei epocilor istorice, este determinat de conceptul de stil mare. Integritatea vieții erelor istorice, centrată în jurul simbolurilor indiferenței universale, stă la baza creării stilurilor mari. În imaginea simbolică a artei Marilor Stiluri se reflectă ceea ce este esențial în experiența spirituală, adică „ceea ce exact conștiința considera absolut” (Hegel). Deoarece conținutul experienței este întruchipat în simboluri ale indiferenței universale, ele includ principiul formării lor.

Având în vedere legile modelării artistice, istoria omenirii poate fi împărțită în trei etape. Din punct de vedere istoric, cel mai timpuriu și cel mai lung - etapa de artă sincretică. A început în jurul anului 10 mii de ani î.Hr. e. şi a continuat până în mileniul III-II î.Hr. e. în regiunile Africii de Nord, Asia Mică, India, China, regiunea Mării Negre (zone de cea mai timpurie dezvoltare a culturii). Elementele de artă în această etapă nu sunt separate de creația practică a vieții și nu au primit un anumit tip de activitate, care este arta. Caracteristica acestei etape este pătrunderea elementelor figurative în tipuri diferite activitati practice. Acesta este un fenomen de simbolizare a conținutului activității și a consecințelor acesteia, o perioadă de mythosvidomo cu elemente de artă.

A doua etapă din istoria artei este epoca dezvoltării artistice în sine. Timpul său istoric - de la formarea primelor state (Sh-P mii î.Hr.) până la sfârşitul XIX-leaîn. Aceasta este epoca în care arta atinge apogeul, se distinge printr-o multitudine de tipuri, genuri, diversitate stilistică, o varietate de tendințe, direcții, metode. Arta este interpretată în această perioadă ca tipul principal de experiență spirituală, consolidează cunoștințele, abilitățile practice, ideile despre lume într-o formă holistică, percepută senzual. Arta se dezvoltă în cadrul stilurilor Mari. Conform caracterizării lui Hegel, aceasta este o formă de artă simbolică, clasică, romantică. Arta în cadrul acestei etape este definită ca formă de conducere a conștiinței sociale, sub influența căreia sunt influențate toate celelalte (religioase, morale, filozofice, politice etc.).

A treia etapă este etapa post-artistică. Începe la sfârșitul secolului al XIX-lea. şi se caracterizează prin distrugerea integrităţii imaginii lumii, pierderea certitudinii spirituale a conţinutului şi limbajului artistic-figurativ al artei, dominarea subiectivismului manierelor stilistice. Adică se pierde certitudinea esențială a artei ca un anumit tip de experiență spirituală, întruchipată într-un limbaj deosebit, integral, artistic-figurativ. În consecință, arta își pierde semnificația ca purtător de cuvânt și forță formatoare a experienței spirituale a societății și a individului. funcții cognitive de la artă la știință. Legătura dintre artă și modelarea practică dispare. (Se înlocuiește cu formarea estetică: construcția formelor obiective). Arta își pierde și legătura cu morala, întrucât viața spirituală a individului încetează să mai fie subiectul principal al creativității artistice. Spiritualitatea, care a fost principalul conținut al artei în orice moment al epocii sale istorice de glorie, înlocuiește divertismentul ca atare. Face apel nu la sentimente, ci la sfera emoțională a subiectului, deoarece nu conține nevoia de a înțelege experiențele subiectului indiferenței. În această perioadă, arta își pierde în cele din urmă certitudinea esențială - natura sa artistică și figurativă.

După cum sa menționat deja, etapa cea mai fructuoasă din istoria dezvoltării artistice a omenirii este epoca Marilor Stiluri, care au fost investite în trei forme artistice principale: simbolică (arta civilizațiilor timpurii din Orientul Mijlociu); clasică (artă antică greacă și romană); romantic (arta țărilor europene din Evul Mediu până în secolul al XIX-lea inclusiv). Factori stil-educativi au originalitatea legăturii dintre idee (conținutul artei) și formă (întruchiparea senzual-figurativă a ideii). Aceasta este problema oportunității interne a formei, care organizează dezvoltarea ideii unei opere în întregime. Forma artistică este concepută pentru a dezvălui spiritualitatea conținutului, vitalitatea interioară expresivă a acestuia - oportunitatea tocmai unui astfel de mod de existență artistică. 3 Având în vedere cele de mai sus, forma de artă este elementul principal în crearea unui stil. Este o formațiune stabilă, cuprinde spiritul vremii, atmosfera epocilor istorice, fixând repetitivul în imagini artistice. Amplitudinea desfasurarii formei in cadrul stilului apare predominant in directia dintre mai perfect si mai putin perfect, adica problema este nivelul de indemanare, si nu modul de a vedea.

Originalitatea formei se datorează timpului său: stilul de viață al epocii. De exemplu, înalta tragedie antică în fața reprezentanților săi remarcabili Eschil, Sofocle, Euripide reflectă înțelegerea grecilor despre om ca „zeu muritor”. Drama mic-burgheză a secolului al XVIII-lea transmite nu numai democratizarea vieții, ci și restrângerea scarii caracterului uman. Conflictul capătă un conținut local, legându-se cu cursul zilnic al evenimentelor. Lumea interioară a personalității burgheze este opusă înaltului impuls spiritual, patos eroic și tragic, caracteristic eroului antic.

Baza spirituală pentru crearea stilului este o idee universală supra-personală. Datorită certitudinii estetice a manifestării sale, este cuprinsă în simboluri-imagine integrale. Aceasta este o idee care este capabilă să dobândească vitalitate, întruchipată în moduri de manifestare expresive, percepute senzual, perfecte din punct de vedere artistic. Integritatea internă a artei în ziua Marilor Stiluri se datorează integrității viziunii asupra lumii pe baza mitologiei (în cadrul formelor de artă simbolică și clasică) și religiei (forma de artă romantică). Imaginea lumii și a existenței umane în ele este „dată” – determinată de conținutul credinței. Prin urmare, stilurile mari sunt formațiuni culturale, care este o consecință a atitudinii indiferente din punct de vedere emoțional, determinată estetic a marilor comunități umane față de imaginile universale ale indiferenței (zeii mitologiei și zeii religiilor monoteiste). Realitatea apare în ele nu atât ca obiect al cunoașterii și reflecției logice (forme de relație care înstrăinează obiectul indiferenței de plinătatea senzuală a ființei sale), cât ca obiect al sentimentelor.

Natura imaginilor „date” de mit sau canonul religios, duce la canonicitatea formei artistice. Eforturile artistului vizează crearea unei imagini în concordanță cu modelul. Canonul ca metodă estetică de modelare artistică este organic pentru stilurile Grand. Se urmărește afirmarea caracterului „etern” al ideilor personale care alimentează spiritul comunității. Formarea în cadrul canonului lasă neschimbată esența spirituală a imaginii. Diversitatea se realizează în principal datorită detaliilor individuale care adâncesc nuanțele relației fără a le schimba esența. Imaginile în care sunt încorporate crezuri sunt percepute ca inspirate puteri superioare sugerate de ei.

Big Style este un sistem integral capabil de auto-dezvoltare. Hegel dezvăluie natura firească a dezvoltării stilurilor pe baza legăturii dialectice dintre idee și imagine, arătând trei tipuri de relații între idee și formarea ei. În arta simbolică, ideea nu a primit încă o definiție semnificativă în sine. abstractitatea sa duce la figurativitatea accidentală a limbajului artistic. Un exemplu izbitor în acest sens este arta Egiptului Antic. De exemplu, figurile sfincșilor (o creatură cu corp de leu și cap de om), fiind personificarea puterii regale, mărturisesc în mod clar convenționalitatea unui astfel de simbol, abstractitatea formei de întruchipare a idee.

A doua formă - stilul artistic clasic - elimină convenționalitatea imaginilor simbolice. Se caracterizează prin corespondența ideii și a metodei de întruchipare artistică a acesteia, și anume: ideea de perfecțiune dobândește o viață expresivă, definită într-o imagine umană. Este cea mai potrivită idei de conținut. Pe această bază, Hegel observă pe bună dreptate că tocmai arta clasică creează idealul desăvârșit și permite să-l contemplem așa cum este realizat. Aceasta este arta greacă antică. În ea, ideea ia forma ființei naturale a spiritualității individuale. Aceștia sunt eroii tragediilor lui Behil, Sofocle, Euripide; eroi ai lucrărilor sculpturale de Polikleitos, Phidias, Praxiteles, Agesander. În sculptura greacă a epocii clasice corpul umanîn spiritualitatea sa – o manifestare a folosirii spiritului uman: ocupă şi organizează materia vieţii umane.

A treia formă - stilul artistic romantic - rupe de unitatea ideii inerente artei clasice și de întruchiparea senzuală a acesteia în limbajul figurativ. Amintiți-vă că în forma clasică de artă, ființa spirituală și senzuală apar ca o corespondență ideală una cu cealaltă. Această viziune este inacceptabilă în forma de artă romantică. Dezvăluie un nou tip de discrepanță între ideea artistică și întruchiparea ei senzuală. Spiritul se desfășoară în el ca subiectivitatea infinită a ideii, nu poate fi întruchipată în mod adecvat atâta timp cât forma trupească este singura cale definită a ființei sale. Stilul romantic este caracterizat de o viață interioară conștientă de sine. Spre deosebire de ideile senzuale despre formele de ființă ale spiritului, caracteristice tipurilor anterioare de artă, arta romantică pătrunde adânc în viața spirituală interioară și își face propriul material și conținut. Forma romantică de artă apare ca cea mai dezvoltată și sublimă manifestare a vitalității spiritului în bogăția sa inepuizabilă. Această formă se caracterizează prin faptul că subiectul artei reprezintă „spiritualitatea concretă liberă”. Ar trebui să servească drept subiect pentru „ochiul spiritual interior”. Adică, vitalitatea spiritului trebuie să se încadreze într-o formă care să cuprindă bogăția nuanțelor manifestării sale.

Deci, dialectica autodezvoltării celor trei Mari stiluri se caracterizează prin faptul că mișcarea artistică se realizează prin negația negației: negația formelor anterioare, precum cele care s-au epuizat, pentru a desfășura un nou nivel de completitudine al întruchipării ideii în limbajul figurativ al artei. Dacă arta simbolică se caracterizează prin ignorarea imaginii de a întruchipa ideea ca urmare a imperfecțiunii ideii în sine, atunci arta clasică se caracterizează prin unitatea ideii și întruchiparea ei senzuală în limbajul figurativ al artei. Ideea de spiritualitate dobândește aici o întruchipare senzuală adecvată în imaginea perfectă a unei persoane sub forma corporalității spiritualizate. Epuizarea acestuia din urmă dă naștere la un nou nivel de legătură dialectică între idee și imagine în arta romantică. Aici ideea ca spirit (esență universală) se manifestă ca ființă reală în plinătatea ei într-o anumită viață, capabilă să se desfășoare în sine și în afara ei. Fiecare dintre stilurile Mari numite realizează integralitatea ideii sale într-un anumit tip de artă: în formă simbolică este arhitectură; în clasic - sculptură, în romantic - pictură, muzică și poezie.

Fiecare dintre aceste forme istorice de artă trece prin trei etape principale în sine, dobândind calități definite estetic. În primul rând, formarea ideilor și a formelor; în al doilea rând, să găsească cel mai potrivit limbaj figurativ, capabil să desfășoare cât mai deplin ideea, vitalitatea acesteia; în al treilea rând, epuizarea posibilităţilor de dezvoltare ulterioară a spiritului în limbajul artistic al artei din cauza epuizării semantice a spiritului însuşi. Legea generală a vieții istorice a artei este frumoasă din punct de vedere artistic, care ia naștere din spiritualitate, care a primit forme senzuale de întruchipare a ei.

Să ne oprim asupra unor manifestări mai specifice ale dialecticii ideii și imaginii, caracteristice Marilor stiluri. În arta simbolică, dintre care arta egipteană este personificată cel mai viu, aproape fiecare formă este simbolică. Întruchiparea sa vie o reprezintă piramidele - cristale uriașe, în interiorul cărora se află „nucleul interior” - figura faraonului (piramida o protejează, evidențiind-o de naturalețe ca atare). Simbolismul imaginilor sculpturale este mai dezvoltat. Colosii din Memnon sunt imagini sculpturale masive, a căror lume interioară netulburată se manifestă nu numai în figurile statice, ci și în absența oricărei mișcări spirituale în expresiile faciale. Simbolismul artei egiptene are un caracter misterios, care se exprimă clar în figura sfinxului. Hegel notează că imaginea sfinxului este „un simbol al simbolismului însuși”. Spiritul uman de aici caută să iasă din forța animală a corpului, dar nu atinge scopul dorit.

Stilul clasic a fost format pe baza ideii de universalitate a intereselor publice și a libertății interioare a individului în societatea greacă antică. Conformitatea cu universalul și particularul în experiența spirituală a fost baza unei viziuni armonioase asupra lumii. Armonia viziunii asupra lumii poate fi urmărită în toate lucrările în care libertatea este conștientă și a dobândit certitudine în esența sa. Idealul artei clasice acționează ca cea mai înaltă manifestare a frumuseții sub forma unei individualități plastice, definită spiritual și bogat. poporul grec„Am realizat în fața zeilor într-o formă senzuală, contemplativă, aparentă spiritul meu și acoperișul acestor zei cu ajutorul artei existenței, destul de pe măsura sensului adevărat”, notează G. Hegel. Acesta este un spirit care a primit adevărata formă a ființei sale. Nu există mișcare internă în imagine, ceea ce înseamnă că nu există mișcare a formelor artistice care au primit conținut complet. De aceea religia greacă, după G. Hegel, este „religia artei însăși”.

Dominanța crescută a ideii asupra imaginii în arta romantică predetermina particularitățile dezvoltării sale stilistice. Frumusețea în Evul Mediu este reprezentată ca o substanță spirituală, a cărei esență nu este de recunoscut. În obiectivitate, ea se manifestă doar ca o reflectare a celei mai înalte frumuseți divine. În diferite tipuri de artă are loc o concretizare a celei mai înalte frumuseți divine. În consecință, desfășurarea imaginii sale are mai multe niveluri. Prima este înrădăcinarea spiritului în formele arhitecturale masive ale catedralelor gotice (secolele XII-XV). În trăsăturile stilistice ale arhitecturii există o formă directă de creare a unei imagini de elevație spirituală: sub forma unei clădiri gotice îndreptate spre verticală. În bogăția decorului său este reprodusă bogăția nuanțelor sentimentelor. Ele sunt condiționate de experiențele propriei păcătoșeni, imperfecțiuni și sunt dezvăluite pe deplin unei persoane în fața imaginii perfecțiunii absolute a omului-Dumnezeu. Al doilea nivel este manifestarea spiritualității în imagini pitorești date senzual (secolele XIII-XVI). În arta romantică spiritul apare după chipul unicului Dumnezeu, unic spirit, ca subiectivitate absolută. Dacă nu ar primi o imagine percepută senzual, ar fi accesibilă doar gândirii. Datorită întruchipării senzuale a absolutului în imaginea umană, subiectul individual real, cu vitalitatea sa interioară, capătă valoare. În lumea lui interioară, momentele eterne de adevăr absolut dobândesc viață, care este adevărată tocmai ca spirit. Ideea de spiritualitate, care stă la baza artei picturale, o concentrează pe dezvăluirea bogăției lumii spirituale umane. Chipul în unicitatea imaginii ei apare ca subiect principal al picturii, desfășurându-se cu o bogăție inepuizabilă de manifestări a vitalității spiritului. Arta Renașterii este perioada celei mai înalte înfloriri a picturii (frescă, șevalet), ținând cont de grandoarea, titanismul imaginilor (lucrări de Rafael, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Tițian, Durer etc.).

Al treilea nivel este manifestarea spiritului în limbajul muzical dezvoltat (secolele XVII-XIX). Aici domnește din ce în ce mai clar asupra „materiei” imaginii. Autoafirmarea spiritului ca forță de armonizare a lumii se realizează în acest stadiu prin intermediul ritmului, melodiei, armoniei. Muzica ca artă, nu numai în conținut, ci și în formă, este subiectivă ca atare. Sunetul ca mod obiectiv de existență a muzicii are scopul de a reproduce nu obiectivitatea, cum ar fi, de exemplu, pictura, ci lumea sentimentelor umane. Muzica este modul în care manifestările cele mai intime ale existenței de sine a spiritului se desfășoară în autoorganizarea sa ideală în subiect. Particularitatea muzicii ca fenomen spiritual constă în faptul că este capabilă să transforme elementul sentimentelor în sentimente armonioase, grație melodiilor, ritmice. limbaj organizat sunete. Muzica este sufletul care sună, inspirând sunete, punându-le într-o unitate coordonată liberă, datorită căreia dobândesc plenitudine spirituală. Ca și arhitectura, muzica își ia formele nu din lumea naturală, ci din „ficțiunea spirituală”.

Pe de o parte, muzica este supusă legilor armonioase ale sunetului, bazate pe relații cantitative, iar pe de altă parte, datorită dezvoltării și repetării ritmului și ritmului, formează forme regulate și simetrice. În general, muzica se caracterizează printr-o dezvoltare mai liberă a spiritului prin lumea sunetelor muzicale organizate armonios decât permite, să zicem, sculptura sau pictura. Sub acest aspect, poezia este apropiată de arta muzicală, al cărei material este și sunetele.

Al patrulea nivel al artei romantice este poezia romantică (se încadrează în aceleași limite istorice ca muzica romantică). materialul său este cuvântul poetic. Ca și muzica, se desfășoară spiritul formelor simbolice ale sunetelor organizate regulat, formând „sufletul sunetelor”, limbajul poeziei este pur simbolic. Subiectul poeziei este viața interioară a spiritului întors spre sine. În zona vieții interioare în formele imaginației, contemplației, sentimentelor, poezia creează o lume obiectivă largă în unitatea evenimentelor, stărilor de spirit, reflecțiilor și altele asemenea. Subiectul poeziei este spiritualitatea ca atare, adică viața spiritului este valoroasă în sine. În poezie, formele spirituale, adică reprezentarea internă și contemplarea, formează materialul formării artistice, în timp ce, să zicem, în sculptură este marmură sau bronz, în pictură - culori, în muzică - sunete etc. Universalitatea limbajului poetic este determinată de posibilităţile diverselor tipuri de poezie.în genul lor, bogăţia.

Deci, în stilul de artă romantică, ca și în stilurile de artă mari anterioare, există o subordonare internă a speciilor. Ea reflectă tendința generală de dezvoltare artistică în dezvoltare istorica, și anume: desfășurare tot mai profundă a principiului spiritual, având în vedere profunzimea substanțială și spiritualitatea formei.

Stilul artistic național este un tip special de creație de stil. Stilurile mari sunt într-o anumită măsură asociate cu stilul național. Acest concept cuprinde și concretizează originalitatea experienței spirituale. popoare individuale si culturi. Bogăția, diversitatea și originalitatea stilurilor naționale creează diversitate cultura artistica umanitatea. Formarea stilurilor naționale a început - aceasta este perioada formării culturilor etnice. popoarelor lumea antica, în care formarea statului s-a bazat pe religie și artă, a creat un stil mare, care coincide cu conceptul de „stil național” (Egiptul Antic, Grecia antică, China etc.). În alte națiuni, în care procesul de conturare artistică NU s-a suprapus pe bazele puternice ale statalității, stilul nu a primit trăsături clar definite, deoarece nu a avut posibilitatea de a se desfășura la mai multe niveluri de experiență spirituală și de a obține un punct de sprijin în bogăţia formelor artistice. Cu toate acestea, fiecare cultură etno-națională are propriile sale trăsături unice de experiență spirituală, fixate în limbajul artei, formând un stil artistic național.

Stilurile etno-naționale au la origini bazele spirituale ale creării practice a vieții grupurilor etnice. Ele reflectă originalitatea experienței practice și spirituale a relațiilor cu natura, relațiile în cadrul comunităților, originalitatea credințelor, ritualurilor, tradițiilor etc. Stilul etno-național se manifestă în toate tipurile de conturare, și nu numai în formarea artistică ca astfel de. Stilul etno-național este o modalitate și un prilej de a încheia toate realizările practice și spirituale ale poporului, „codându-le” cu un limbaj artistic simbolic în sistemul de imagini ale arhetipurilor. Sensul lor secret este clar doar pentru purtătorii acestui tip de experiență și servește ca o manifestare a relației lor spirituale. Pentru un individ, este un factor semnificativ în identificarea cu întregul mental. Prin urmare, fiecare națiune intră în cultura omenirii cu propria sa imagine unică a lumii. Stilul etno-național este forma inițială (inițială) de individualizare a imaginii lumii – la nivelul unui etnos ca întreg spiritual nediferențiat.

Următorul nivel de individualizare este munca artiștilor cu gândirea lor artistică și figurativă unică și, în consecință, stilul lor artistic individual. În munca lor există și trăsături ale reprezentărilor valorilor imaginii național-mentale a lumii. Unicitatea imaginii estetice a poporului, națiunea este fixată în opera unor artiști geniali, care „colectează” experiența mentală într-o integritate definită estetic și îi conferă un mod artistic perfect de a o traduce în limbajul artei. Conceptul de „stil național” nu este identic cu conceptul de „artă populară”. În teoria estetică modernă, conceptul de „artă populară” este folosit pentru a se referi la forme „reziduale” de artă (folclor, arte și meșteșuguri), în contrast cu formele dezvoltate de artă profesională. Stilul national este un concept care ocupa toata bogatia fenomenelor artistice, atat arta populara cat si cea profesionala. Baza unității stilistice este arta populară, formele populare de artă.

Arta populară se bazează pe o viziune mitopoetică asupra lumii. se caracterizează prin sincretismul formelor şi repetarea motivelor. Certitudinea lor obiectivă constă în unicitatea experienței practice. Aici este baza originalității. De exemplu, pentru popoarele din latitudinile nordice, albul este un simbol al luminii, purității și puterilor cerești. Simbolul forțelor malefice este negru. Pentru egipteni, negrul, dimpotrivă, personifică forțele binelui, deoarece este asociat cu culoarea nămolului fertil din râul Nil și, prin urmare, cu prosperitatea și viața.

Saturarea vieții cu limbaj artistic-figurativ simbolic este o modalitate de a crea condiții confortabile din punct de vedere mental pentru supraviețuire și desfășurare a relațiilor cu lumea exterioară și ordonarea structurilor mentale (organizarea lor) cu conținutul experienței în cadrul întregului social. Relația internă a subiecților experienței se exprimă în limbaj prin natura formării sunetului, sistemul mod-intonație în muzică, plasticitatea mișcărilor în dans și altele asemenea. Experiența spirituală etno-națională stabilește ritmul proceselor de viață pentru o persoană încă din primele zile de naștere. Ea determină modul de răspuns la fenomenele lumii înconjurătoare.

Deci, stilul național este o categorie estetică care reflectă fundamentele formatoare spiritual viata populara, închise în forme obiect-figurative percepute senzual, capătă perfecțiune artistică în opera artiștilor profesioniști. Arta profesională și arta populară se corelează ca special și general. În arta populară (și anume, arta, și nu numai în arta Folk) într-o formă pliată, sursele spirituale disponibile de creativitate ale artiștilor profesioniști. La profesional activitate artistică arta etnică se desfășoară implicit prin bogăția de forme de imagine prezente în ea. În constanța formelor de artă populară se afișează un tipar vital: se consolidează cunoștințele experimentale și aptitudinile artistice, definite ca adecvate din punct de vedere calitativ și perfecte ca formă.

Stilul personal de artă. Bogăția stilistică a artei și originalitatea ei individuală sunt definite ca realizare spirituală a omenirii, în primul rând europeană, încă din epoca modernă. Formarea lui este un proces lung, se declară deja în Renaștere. Nici formarea bogăției stilistice a artei în epoci istorice specifice nu a fost influențată de o serie de factori. În special, interesul pentru artă al cercurilor bogate ale societății și gusturile lor au afectat într-un anumit fel creativitatea artistică.Pe de altă parte, și acesta a fost un factor decisiv, o persoană creativă, al cărei rol în societate este în creștere semnificativă, începe să realizeze importanța talentului său și apoi, valoarea propriilor sale abilități creative. Artiștii străluciți depășesc canoanele artistice, dezvoltându-se în creativitate cu o multitudine de teme de idei și pricepere artistică.

Căutarea creativă a unui artist individual este recunoscută și încurajată de societate și subiectul creativității artistice se extinde. Dacă în Evul Mediu arta servește în principal nevoilor unui cult religios, atunci în Renaștere capătă un caracter laic. Chiar și în lucrări, recunoscute ca ele pentru nevoile de cult, motivele seculare devin dominante. De exemplu, în pictura în frescă a remarcabilului italian Giotto (începutul secolului al XIV-lea), imaginea tridimensională a spațiului, prezența armoniei plastice a culorilor devine caracteristică. Opera sa distruge canonul artistic medieval și tradiția bizantino-italiană. În opera sa, sarcinile artistice capătă o valoare intrinsecă. Un exemplu viu de astfel de armonie este, în special, ciclul Padova Plângerea lui Hristos.

În creativitate artiști remarcabili Reînvierea temelor religioase și mitologice devine subiectul transformării culturale. Aceasta este depășirea picturii canonice medievale cu un stil artistic individual (artiști italieni, apoi germani, spanioli etc.). Din a doua treime a secolului al XVI-lea. lumea spirituală unică a individului devine sfera dominantă a interesului creator, ceea ce duce la înflorirea artei portretului și provoacă „modernizarea” subiectelor tradiționale mitologice și religioase, în special, în ceea ce privește asigurarea lor cu vitalitate.

În teoria estetică, problema individualizării creativității artistice a devenit actuală încă din secolul al XIX-lea, ca urmare a prăbușirii Marilor Stiluri și a diversității stilurilor și manierelor artistice individuale. Înțelegând fundamentele bogăției stilistice a creativității, cercetătorii descoperă următorul model: esența descrisului trebuie să dezvăluie nu numai conținutul operei, ci și modalitățile de formare artistică. Adică, logica vieții interioare a imaginilor ar trebui să se potrivească în forme și metode convenabile de vitalitate. Această idee a fost bine conturată de celebrul artist francez M.-K. Latour (sec. XVIII). Afirmând temeiurile obiective ale individualizării stilului artistic, scrie: „... Cum mi-aș dori ca maniera și tehnicile picturale din picturi să fie la fel de diferite precum obiectele din natură însăși sunt diferite: aș vrea și poeții noștri să fie diferite. diversifică stilul lor în conformitate cu personajele: vers sublim, emoționat - pentru Hercule, grandilocvent - pentru eroi, maiestuos - pentru oameni mari, înfricoșător - pentru hoți, moale, neted, ușor, blând - după personajele feminine numite. Deci, M.-K. Latour prezintă un întreg program de varietate în maniera stilistică a fiecărui artist și a fiecăruia opera de artă. A folosi limbajul subiectului imaginii este o cerință a artei moderne. Se datorează interesului pentru calitățile obiective ale fenomenelor și interesului crescut al artei, în special al picturii, al filosofiei naturii și al științelor naturii.

Hegel subliniază un alt aspect al acestei probleme: el vede adevărata obiectivitate a artei nu în obiectivitatea lumii, ci în subiectivitatea artistului, el este un intermediar între realitate și revelația estetică a legilor vitalității fenomenelor. . Aceste opinii nu se contrazic. Hegel a arătat că unicitatea individualității creatoare a artistului se manifestă în capacitatea de a încheia legile universale ale vitalității fenomenelor lumii în unicitatea individuală a întrupării lor în limbajul figurativ al artei.

Justificarea de către artiști a programelor estetice în scopul expunerii artistice și apoi fundamentele creării stilului a fost actualizată din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. În această perioadă, crește discrepanța dintre ideile declarate despre arta artei, adevărul artistic, expresivitatea formelor artistice și profunzimea conținutului operelor, pe de o parte, și practica artistică reală, pe de altă parte. De exemplu, pictorul francez A. Derain, prezentându-și programul artistic, subliniază importanța găsirii mijloace artistice oferind produse de oportunitate internă. Gândurile lui sună distinct: „Singurul stil corect este cel care te face să uiți tehnicile folosite, care este atât de potrivit încât nu-l observi... Un stil bun este unul care este absorbit de expresivitate.” Ca fenomen negativ în stilul creației, el consideră „deghizarea banalității sub originalitate”. În același timp, schimbarea constantă a mișcărilor artistice (puntilism, fauvism, cubism etc.), în care lucrează A. Derain, arată că nu este capabil să găsească un stil artistic individual.

La începutul secolului XX. se manifestă o altă tendință în artă: negarea stilului, respingerea dăruirii senzuale a imaginilor, adică negarea figurativității limbajului artistic. Astfel de principii estetice sunt declarate de cubism (fondatorul Picasso, 1908). Criticând pozițiile estetice și trăsăturile stilistice ale cubismului, celebrul sculptor francez A. Maillol scrie: „Cubiștii susțin că se străduiesc pentru o artă purificată de senzualitate... Ce prostie! Arta este senzualitatea însăși”.

Tipul individualizării artistice este determinat de natura epocii, de conținutul idealului său estetic. Să zicem, un fel de manifestare a principiului individual al bunătății în zilele Evului Mediu. Analizând sculpturile Catedralei din Reims, M. Alpatov constată că, pe de o parte, în chipurile lor există o profunzime pronunțată a experienței și unicitatea individuală a fig. Cu toate acestea, în ciuda diversității stărilor lor, toate imaginile sunt marcate cu „expresivitate impersonală”. O viață sufletească în profunzime nu le dezvăluie identitatea, nu le include în lumea reală. Dimpotrivă, îi trage în direcția transcendentă care străbate întreaga catedrală. Adică legătura dintre figuri nu are sens direct de viață, ci este „dincolo de limitele percepțiilor direct senzoriale.

În dezvoltarea ulterioară a istoriei, fenomenul individualizării se manifestă sub formele de subiectivizare a experienței spirituale. Ea tinde să opună individul generalului, până la ignorarea spiritualului dobândit de omenire (moral, estetic artistic). Personajele lui Shakespeare sunt deja printre numeroasele relații aleatorii și condiții în care se poate face tai sau altfel. Prin urmare, conflictul, care este cauzat de condiții externe, se concentrează în esență pe caracterul eroului. Indivizii pasionați acționează în funcție de caracterul lor, neținând cont de justificarea scopurilor sale și, prin urmare, „sunt ceea ce sunt”.

Obiectivitatea în acest context înseamnă capacitatea artistului de a parcurge logica internă a dezvoltării fenomenelor spirituale și de a le oferi forme expresive de vitalitate. Adică artistul nu se pune în față și se afirmă în imagine, ci vorbește „în limbajul subiectului indiferenței”, oferindu-i forme convenabile, organice, ale fenomenului. În același timp, individualitatea artistului nu se pierde. Dimpotrivă, obiectul se dezvăluie calităților sale tocmai lui, atitudinii sale indiferente. Deci, în artă, din partea subiectului de reflecție, individualizarea se manifestă în unicitatea imaginii de desfășurare a calităților sale. Din partea artistului - în furnizarea formei, ea exprimă cel mai clar vitalitatea unică a subiectului așa cum a fost revelată artistului. Stilul individual, precum și arta în ansamblu, se caracterizează prin subordonarea tuturor elementelor operei logicii întregului artistic. Stilul este o „oarecare lege” care unește elementele, asigură întregului său integritatea, face necesare tocmai astfel de detalii ale sistemului de stil. Prin urmare, este corect să definim stilul ca „întruchiparea unității și integrității tuturor componentelor formei de conținut a lucrării”.

Deci, în condițiile individualizării experienței spirituale, perfecțiunea este posibilă nu numai ca manifestări expresive ale vieții, ci și ca manifestare a capacității estetice a îndatoririlor de a „asambla” realitatea într-o vitalitate holistică, expresivă și de a o prezenta în limite. a unui întreg artistic – o operă de artă concretă. Puterea formativă a talentului este în același timp sursa integrității vieții și a perfecțiunii sale artistice. Prin urmare, arta devine o realitate spirituală, se concentrează pe ideal și formează conștiința publicului, nepermițând să se piardă imaginea perfecțiunii. Fiecare artist cu adevărat mare se caracterizează printr-o originalitate stilistică a creativității. Mai mult, poate fi urmărită chiar și atunci când subiectul imaginii cere „să-și vorbească limba”. De exemplu, o originalitate stilistică pronunțată distinge lucrările lui W. Shakespeare și Cervantes; I. Goethe și F. Schiller; O. Balzac şi G. Flaubert; Dostoievski și L. Tolstoi; I. Franko şi Lesya ucraineană.

Complexitatea procesului de creare a unei imagini de integritate în formarea artistică se manifestă în subiectivismul crescut al creativității, care este tipic pentru arta modernismului, în special postmodernismului. Acesta din urmă mărturisește despre sine prin deformarea imaginii, pierderea talentului artistic al limbajului și apoi pierderea esenței spirituale a creativității. Distrugerea expresivității estetice a formelor naturale, pierderea spiritualității relațiilor umane nu este doar o manifestare a neputinței creatoare a artistului. Aceasta este realitatea relațiilor în care principiile spirituale se pierd, iar manifestările lor formalizate apar ca singurul adevăr al vieții. Lumea a pierdut pentru artiști bogăția culorilor vitalității sale și în care apare timpuri moderne doar ca o construcție formală, de obicei lipsită de logică internă și aleatorie în raport cu formele existenței sale în ansamblu. Subiectivismul sub formele profanării artistice este o manifestare a crizei spirituale generale a umanității moderne.

Conceptul de „artă”, tipuri de artă. Stil și canon în artă.

Conceptul de „artă”

Artă(lat. experimentum - experiență, test) - una dintre formele conștiinței sociale, parte integrantă a culturii spirituale a omenirii, un fel specific de dezvoltare practic-spirituală a lumii.

Arta -

1) Înțelegerea figurativă a realității.

2) Procesul sau rezultatul exprimării lumii interioare sau exterioare a creatorului într-o imagine artistică.

3) Activitate creativă care vizează crearea de opere de artă.

4) Îndemânare, abilitate, dexteritate, dexteritate, dezvoltate prin cunoașterea materiei.

Arta și istoria artei ca obiect de studiu.

Istoria artelor - studii de artă care studiază dezvoltarea artelor de la începuturile lor până în prezent.

Istoria artei este un complex de științe care studiază arta și arta. cultura societății în ansamblu, anumite tipuri de artă și relația lor cu realitatea, totalitatea întrebărilor despre forma și conținutul operelor de artă. Istoria artei include teoria și istoria artei, precum și critica de artă.

Primele încercări de a crea o teorie a artei au fost făcute în antichitate, de exemplu, de către Platon și Aristotel. Printre lucrările oamenilor de știință antici se numără ghiduri practice de artă (Vitruvius) și descrieri ale monumentelor artistice (Pausanias, Philostratus). Un tratat amplu despre arta antică a fost scris de Pliniu cel Bătrân. O serie de lucrări în această direcție au apărut în Renaștere. Cele mai cunoscute tratate și „Biografii ale celor mai cunoscuți pictori, sculptori și arhitecți” de Giorgio Vasari.

Un studiu sistematic al operelor de artă, care prevede o ramură independentă a științei, a apărut relativ recent. Una dintre primele pe acest subiect a fost lucrarea lui I. Winkelman „Istoria artei lumii antice”. O contribuție valoroasă la dezvoltarea acestei științe a fost adusă de iluminatorii vest-europeni din secolul al XVIII-lea. Denis Diderot, G. E. Lessing și alții.

În secolele XIX-XX. istoria artei a fost dezvoltată pe scară largă, s-au dezvoltat o serie de școli și tendințe în știință. Cercetările fundamentale în domeniul istoriei artei au fost realizate de Wilhelm Lübke, Anton Springer, Karl Wermann (Germania), Eugene Viollet-le-Duc, Gaston Maspero (Franța), Jacob Burckhardt (Elveția).

Teoreticienii din toate timpurile au văzut în artă un fenomen care are diferite, în funcție de conceptul specific, funcțiile și proprietățile.

Functiile artei: educative, estetice, de relaxare, educative, comunicative.

Concepte: teoria artei, istoria artei, critica de artă.

Teoria artei este limbajul științei, care se numește „știința artei”.

Istoria artei - studii de artă care studiază dezvoltarea artelor de la începuturile lor până în zilele noastre.

Critica de artă este interpretarea și evaluarea operelor predominant contemporane, a noilor fenomene și tendințe în artele vizuale.

Tipuri de artă

Există arte spațiale (pictură, grafică, sculptură, arte decorative, arhitectură), temporale (muzică, artă verbală) și sintetice, spațio-temporale (teatru, cinema, dans).

Diferite tipuri de clasificare a sistemului artelor, unitate și diferențe.

Fiecare dintre aceste tipuri formează „familii” de artă în cadrul cărora se pot distinge soiuri sau genuri. În artele spațiale se disting trei tipuri: șevalet (pictură de șevalet, grafică de șevalet etc.), monumental (sculptură monumentală, pictură murală etc.) și aplicat (arhitectură tipică de masă, plastică mică, pictură în miniatură, grafică industrială,

afiș etc.). Din punctul de vedere al teoriei semnelor, care întruchipează și comunică imagine artistică spectatorilor și ascultătorilor, artele sunt fine (pictură, grafică, sculptură etc.), expresive (muzică, dans, arhitectură etc.) și verbale (literatură), precum și mixte (teatru, cinema etc.).

Tipurile și tipurile de artă includ diverse tipuri de lucrări bazate pe trăsături comune, adică genuri. Principiul selecției genului este tematic: gospodăresc, aventuros, istoric, dragoste, luptă, natură moartă, portret, peisaj etc. O altă bază pentru împărțire este dominanta estetică și emoțională (tragedie, comedie, farsă, melodramă, odă, etc.). etc.), tipul compoziției (sonet, rondo, triptic etc.) sau volumul și structura generală a operei (roman, poveste, nuvelă, miniatură, epopee etc.). Genurile se formează, se dezvoltă, mor din punct de vedere istoric. În diferite epoci și în diferite direcții artistice, granițele dintre genuri sunt mai stricte (de exemplu, în clasicism), în altele sunt mai puțin (romantism) sau chiar condiționate (realism). În arta contemporană, există tendința de a nega genul ca formă stabilă de creativitate artistică (postmodernism).

Stil și canon în artă

Canon (tradus din greacă - regulă, model) - normele de compoziție și culoare, sistemul de proporții, iconografia unui anumit tip de imagine sau a unei alte mostre normative. Canonul stabilește un set de tehnici artistice sau reguli care sunt obligatorii într-o anumită epocă. O lucrare care servește ca model normativ se numește canon.

Canoanele asociate cu prescripțiile religioase au dominat arta Egiptului Antic și Evul Mediu. Oamenii creativi din Antichitate și Renaștere au încercat să găsească proporțiile ideale ale corpului uman și să obțină reguli neschimbate, bazate pe matematică, pentru construirea unei figuri umane.

Conceptul de stil în artă

Stilul este un set de caracteristici care caracterizează arta unui anumit timp, direcție sau stil individual al creatorului.

Stilul este un set de principii spirituale pentru construirea unei opere, selectarea și împerecherea unităților lingvistice, care determină tipul de integritate culturală.

Modele de formare a stilului

Trăsăturile caracteristice unui anumit timp și loc, manifestate în trăsăturile laturii funcționale, constructive și artistice, formează stilul arhitectural. Dezvoltarea stilurilor arhitecturale depinde de factori climatici, tehnici, religioși și culturali. Stilurile nu se succed întotdeauna în mod consecvent, este cunoscută coexistența simultană a stilurilor ca alternative între ele (de exemplu, baroc și clasicism, modern și eclectism, funcționalism, constructivism și art deco).

Concepte de bază ale istoriei artei.

Artă- o activitate specializată bazată pe capacitatea unei persoane de a-și exprima sentimentele în subțire. imagini.

Functiile art: educativ, estetic, de relaxare, educativ, comunicativ.

Pictura- tipul imaginii. artă capabilă să reproducă diverse. fenomene ale vieţii prin intermediul culorii şi al compoziţiei.

Arte grafice- vederea iso-ului asociat imaginii din plan, de obicei reprezentat. imagini monocrome, înseamnă: spot, linie

Gravare- un fel de grafică, care se distinge prin capacitatea de a obține numeroase printuri, jav. Nu o copie, ci un original. Tip de gravare: convex (înalt, gravură pe lemn), adânc sau îngroșat (pe metal), gravură plată (litografie pe piatră).

Sculptură- un fel de artă, ale cărei lucrări au un volum subiect material fizic, o formă tridimensională, plasată în spațiul real.

Klasif. pentru dezvoltarea în spațiu: rotund (a cărui percepție este din diferite unghiuri), relief (imagine 3D în plan).

Înalt relief – înalt relief, iese deasupra planului de fundal cu mai mult de jumătate din volumul său real. basorelief– jos relief, imagine. iese deasupra planului cu cel mult jumătate din dimensiunea sa reală. contrarelief- relief în profunzime, unde imaginea este dată folosind un contur decupat.

Sculptură: monumentală (monumente de sine stătătoare), monumentală și decorativă (decorarea clădirilor), sculptură de șevalet (în interiorul unui muzeu), plastic mic (figurine).

Arhitectura este un tip de artă vizuală spațială, inclusiv clădiri, alte structuri sau complexe întregi.

Dec. - Prik. I. – arta se face. obiectele de uz casnic care au o funcţie utilitară în acelaşi timp posedă. estetic calitati.

Clasificarea artelor în funcție de relații spațio-temporale.

Spațial(vedere) - artele ale căror opere există. în spațiu, dar nu în timp. Artă statică (Iso, sculptură, arhitectură, pictură, grafică).

Temporar(auzul) - arte, a căror acțiune se dezvoltă în timp. artă dinamică. (lit-ra, muzică)

Spațio-temporal(văzul și auzul) - arte sintetice, ale căror lucrări sunt o sinteză tipuri diferite arte, substantiv. în spaţiu şi posedând. durată la timp. (Cinema, teatru, circ)

Gen- un set de lucrări unite printr-o gamă comună de subiecte și intrigi, atitudinea autorului față de un obiect, persoană sau fenomen.

Stil - aceasta este categoria de artă. Stilul este un singur sistem tehnici artistice distingând diferite tipuri de artă. În istoria artei, cuvântul „stil” desemnează anumite perioade din dezvoltarea artei când a existat acest sistem. Cel mai clar, trăsăturile stilului se manifestă în arhitectură și de acolo pătrund în pictură, sculptură, literatură și muzică. Întreaga istorie a artei mondiale poate fi privită ca istoria stilurilor artistice.

Definiți stilul arhitectural.

Un stil arhitectural este o formă stabilă de arhitectură care a existat de mult timp în arta unei anumite epoci.

Enumerați stilurile de arhitectură cunoscute.

Stil egiptean, antichitate, stil romanic, gotic, renascentist (renascentist), baroc, rococo, clasicism, art nouveau, rationalism, arhitectura ruseasca din lemn, arhitectura templului.

Ce este stilul?

Stilizare- generalizarea decorativă a obiectelor reprezentate (figuri, obiecte) folosind o serie de tehnici condiționale.

Definiți compoziția decorativă.

Compozitie decorativa - este o compoziție care constă din elemente stilizate, abstracte. Caracteristicile comune ale oricărei compoziții decorative sunt simplitatea formelor, generalizarea și simbolismul lor, geometrizarea, coloratul, senzualitatea etc.

Ce este o natură moartă decorativă?

Natură moartă decorativă- aceasta este o natură moartă stilizată în care este important să aranjați toate elementele imaginii stil uniform. Stilizarea într-o natură moartă decorativă poate simplifica obiectele în simboluri și siluete sau poate complica formele și le poate satura cu detalii decorative.

Enumerați regulile și legile compoziției decorative pe care le cunoașteți.

La tehnici de compunere pot fi atribuite: transferul de ritm, simetrie și asimetrie, echilibrul părților compoziției și alocarea centrului complot-compozițional.

Descrie „natură moartă arhitecturală”.

O natură moartă arhitecturală este un tip de natură moartă decorativă. Combină stilizarea și abordarea decorativă cu detalii arhitecturale, volume, materiale și forme. În natura moartă arhitecturală, obiectele sunt stilizate prin apropierea formelor și conținutului lor de stilul arhitectural.

Arhitectură Test partea teoretică clasa a II-a semestrul II

Ce este o grilă geometrică modulară?

Grilă geometrică modulară- un sistem de pătrate drepte și diagonale. Grila modulară facilitează și simplifică construcția obiectelor complexe, ținând cont de relațiile lor proporționale. Este utilizat pentru construirea și proiectarea structurilor arhitecturale în compoziția frontală, pentru construcția de ornamente, plăci de pavaj, garduri.

Ce este un modul în arhitectură?

Un modul este un element care se repetă într-o compoziție. Datorită combinației și repetății de pătrate identice, înmulțite crescătoare sau descrescătoare - module - se creează armonie în compoziția arhitecturală. Principalele cerințe pentru modul: simplitate, integritate, expresivitate, capacitatea de a combina diferite versiuni ale lucrării.

Descrieți compoziția volum-spațială.

Compoziția volumetrico-spațială- o compoziție de forme situate în spațiu, concepute pentru unitatea și integritatea percepției sale de către privitor. Compozițiile volumetrice includ opere de artă care au trei dimensiuni (lungime, lățime și înălțime).

Enumerați și descrieți tipurile de compoziție tridimensională.

Compoziția frontală- o compoziție, ale cărei toate elementele sunt situate în raport cu privitorul în principal în două direcții: lățime și înălțime. Compoziția volumetrică- o compoziție, ale cărei elemente sunt dezvoltate în toate cele trei direcții, concepute pentru percepție din toate punctele de vedere. Compoziția spațiului adânc- compoziție, ale cărei caracteristici principale sunt prezența spațiului, extins în lățime și adâncime, predominarea direcției profunde.

Ce este un layout?

Aspect- o imagine tridimensională a unui obiect, structură, interior proiectat sau existent, realizată la scară redusă.

Enumera tehnicile cunoscute de lucru cu hârtie.

1. pliu de hârtie

3. incizie – crestături

4. răsucire și...

6. lipire cap la cap (pe muchie).

7. lipirea unei forme pe alta cu ajutorul reverelor pe marginile hârtiei

Numiți regulile de bază de siguranță atunci când lucrați cu foarfece și un cuțit pentru plăci.

Instrumente de cusut și tăiere: cuțit simulat, busole, foarfece cu vârfuri ascuțite - trebuie depozitate în cutii, cutii sau cutii de protecție. Nu puteți obține instrumente în mod inutil, le puteți flutura, ceea ce este un pericol pentru alții. Pentru a lucra cu un cuțit și foarfece, trebuie să protejați suprafața birourilor de tăieturi.

Ce materiale și instrumente pot fi folosite pentru a face un layout?

Principalele materiale pentru machete sunt hârtie Whatman ușor de utilizat și carton subțire.Pentru machete se pot folosi atât suprafețele colorate, cât și cele albe.Pentru a lucra cu hârtie și carton, sunt necesare următoarele instrumente: un cuțit pentru machete bine ascuțit sau tăietor, cu lamă retractabilă, foarfece cu capete drepte, lipici (cleiul PVA este cel mai convenabil pentru lipirea hârtiei și cartonului, deoarece este alb și nu lasă urme pe foaie), o placă specială din placaj, plastic sau carton dur , riglele sunt de preferință din metal, pentru că nu se strică de un cuțit pentru placa de breadboard, hârtie colorată.

Lucrari de control arhitectura pe partea teoretica Clasa 3 2 semestru

Ce este designul grafic?

Design grafic- aria de activitate de proiectare, care acoperă arta proiectării unei cărți, broșuri publicitare și informative, broșură, afiș, ambalaj, etichetă, mărci comerciale, nume de mărci, fonturi, produse publicitare pe panouri publicitare și fațade din oraș.

În ce domenii se aplică designul grafic?

Domeniul designului grafic - acestea sunt grafica industrială, design, lucrări vizuale și tipografice, publicitate grafică a produselor, pregătirea stilului grafic al instituției etc. În design grafic, designul cărții trebuie evidențiat separat. Aceasta este o dezvoltare complexă a designului și structurii cărții.

Definiți termenul „logo”.

Siglă- o marcă exprimată într-un cuvânt (uneori în combinație cu o imagine). Logo-ul este o imagine grafică, simplificată maxim și universal într-un simbol. Aceasta este o denumire pusă pe un produs (sau ambalaj) de către întreprinderile industriale și comerciale pentru a desemna produsul și producătorul acestuia.

Ce este o marcă comercială?

Marcă- o denumire originală înregistrată, proiectată, necesară pentru recunoașterea bunurilor sau serviciilor întreprinderii, precum și pentru publicitatea acestora și destinată identificării produsului sau companiei în mintea cumpărătorului.

Care sunt caracteristicile dezvoltării compoziționale a unui logo?

În proiectarea unei mărci comerciale, designerul trebuie să selecteze una dintre caracteristicile produsului sau serviciului produs de organizație și să bată grafic această proprietate pentru a crea asocierea necesară în percepție. Cerințele pe care trebuie să le îndeplinească o marcă: profesionalism, memorabilitate, originalitate, asociativitate, versatilitate la schimbarea dimensiunii, versatilitatea soluției de culoare.

Care sunt componentele structurii logo-ului?

1) Font corporativ, marca verbală- o marcă verbală, numele companiei, realizat într-un font special conceput sau prin adaptarea unui font existent pentru această companie client anume.

2) Nume de marcă, simbol grafic- un simbol special selectat și conceput pentru o anumită companie client pentru a obține unicitate, recunoaștere, atractivitate și memorabilitate.

3) Bloc de semnătură, combinație- un set de fonturi corporative și nume de marcă.

Ce este stilul?

Stil - este un sistem unificat de tehnici artistice care disting diferite tipuri de artă. Acesta este un sistem de mijloace de exprimare artistică, tehnici creative, unite prin unitatea conținutului ideologic.

Ce este identitatea corporativă?

Stilul formularului - aceasta este unitatea elementelor artistice și textuale în toate evoluțiile și mijloacele publicitare: un set de caracteristici color, grafice și verbale pentru a identifica bunurile sau serviciile companiei. Principalele elemente de formare a stilului sunt o marcă comercială, inscripția companiei (logo), simbolurile grupurilor de produse sau serviciilor, tipul fontului, culoarea corporativă sau gama de culori, un sistem modular de aranjare a materialelor tipărite.

STIL în Arte Frumoase(Stilus latin din grecescul stylos - stick pentru
litere) - unitatea trăsăturilor morfologice care distinge maniera creativă
maestru individual, tradiție artistică națională sau etnică,
arta epocii, civilizatie etc. Stilul ca fenomen istoric și cultural.
Idei despre artă și practică artistică, din care
majoritatea definițiilor detaliate și teoriilor stilului sunt în trecut.
Estomparea limitelor spațiului de artă modernă, fundamentală
schimbări de concept activitate vizuală, ipotezele apariţiei sale şi
datele despre evoluția sa invalidează definițiile anterioare ale stilului,
bazate pe istoria artei clasice pentru că lasă în urmă
între paranteze arta primitivă și modernă.

Formele de artă timpurii dau
reprezentare nedistorsionată, obiectivă și precisă a structurii originale
elementele de bază ale procesului vizual: cel mai important parametru al său este stilul, afișarea
că stilul este cel care face artă artă, distinge imaginea artistică de
reflexie în oglindă.

Astăzi, pentru a păstra ideile clasice despre artă, ar trebui
alături de primitiv, lasă deoparte arta celei de-a doua jumătate a secolului al XX-lea,
ale căror origini sunt Piața Neagră a lui Malevici. Legitimarea unor asemenea
fenomenele relevă prăbuşirea sistemului pictural clasic. In istorie
artă, ele marchează punctul cel mai înalt, care ajunge la cultul personalității creatoare,
a cărei existenţă nu o bănuiau constructorii de catedrale romanice şi gotice.

Până în secolul al XV-lea „artă cuvânt” (latină ars) în limbile europene înseamnă
activități de natură tehnică – un tip de muncă manuală. Cerința de a pune
semnătura autorului pe lucrările de pictură și sculptură, provenind de la arhitect
iar sculptorul A. Filaret (1400–1469), aduce în prim plan o personalitate creativă.

În lumea în curs de dezvoltare a științei și comerțului, unul dintre cei mai importanți indicatori ai lucrurilor
devine valoarea sa de marfă. Lucrarea celebrului maestru este grozavă
valoare materială, autenticitatea acesteia este confirmată de semnătură și persoană
maniera de artist. Acest punct practic joacă, de asemenea, un rol în
dezvoltarea sensurilor conceptului de „stil”, care se concretizează concomitent cu
alte concepte ale Iluminismului.

Normele stilistice de manierism, baroc, rococo nu mai sunt atât de strâns legate
prescripții religioase. Baroc și Rococo sunt de obicei vorbite ca acestea din urmă
stiluri de artă europeană. „Împreună cu baroc și forme târzii de rococo cu
scene istoria oamenilor a coborât ultimul stil de artă vest-europeană”
(Gadamer H.-G. Relevanța frumosului. M., 1991. P. 269). Pe de altă parte,
conceptul de „stil în artă” se bazează pe ideea unui prim „semnificativ”
stiluri. „Primele stiluri semnificative prind contur în civilizațiile antice (Egipt,
Babylon)…” (Stil în Art. Estetică. M., 1989. P. 333).

Dar din moment ce istoria artei nu se limitează la cadrul cronologic al „primului”
și stiluri „recente”, iar epitetul „semnificativ” este lipsit de sens, asemănător
definițiile stilului trebuie considerate nesatisfăcătoare.

Noțiunea că stilul nu este o proprietate universală este un aspect al morfologiei, dar
o oarecare demnitate se reflectă în lucrare cunoscută J. Huizinga. "Mândru
istoria Occidentului magnific ne apare în fața noastră ca o alternanță de stiluri; aceasta este,
conform terminologiei școlare, romanic, gotic, renascentist, baroc -
toate acestea sunt în primul rând numele unei anumite forme de expresie a plasticului
abilități de artă. Dar cuvintele nu exprimă sensul deplin al acestor concepte: noi
vrem să înțelegem prin ele și activitate, gânduri, în general, întreaga structură
date de epocă. Astfel, fiecare vârstă sau perioadă are propriile sale
semnul estetic, numele său semnificativ. Secolul al XVIII-lea ni se pare
privită de acesta din urmă ca o întruchipare încă omogenă şi armonioasă a propriei
stil holistic în orice domeniu; cu toată bogăția și diversitatea acestor zone,
este o singură expresie a vieții ”(Husinga J. Homo Ludens. În umbra zilei de mâine.
M.: Progress, 1992. S. 346, 347).

Idee de stil cu majusculă, transformată în ideea de
stilul ca atare, se referă la sinteza arhitecturii și artelor care au existat -
și încă existent – ​​acolo unde puterea, care are un caracter sacru, creează
centralizat structuri de stat indiferent de timp şi loc: fii
apoi Egiptul Antic, statul azteci, Germania fascistă sau socialistă
Coreea. De la primitivitate și marile civilizații ale lumii antice până la epoca iluminismului
arta și arhitectura întruchipează mitologice, religioase, ideologice
reprezentare. În spațiul clar ierarhizat al mitului, religiei, absolutismului,
totalitarismul, artele plastice sunt supuse canoanelor relevante, sale
estetica este normativă.

Diversele semnificații care au fost date conceptului de „stil” în diferite etape s-au reflectat
diferite aspecte reale ale acestui fenomen, la fiecare etapă au corespuns
conceptul existent de artă, creativitate, personalitate creativă și, desigur,
nu-i epuiza azi continutul.

Producerea de imagini grafice, sculpturale, picturale, simboluri, semne -
tip specific de activitate umană. Din imaginea paleoliticului superior
rămâne un mijloc universal de comunicare, oferind difuzare
coduri culturale între indivizi, grupuri etnice, generații. Morfologic
caracteristici - stilul imaginii este inițial printre parametrii săi semnificativi.

Începutul consolidant al culturii, al societății - mitul trăiește în spațiul stilului său.
În sensul în care un mit este un proiect, stilurile integrale dau o idee despre
paradigma sa, în timp ce cele locale oferă informații despre caracteristicile particularității sale
modele.

Conceptul de „stil integral” presupune structural clar verbalizat
semne comune artei unei anumite epoci, civilizație, societate.
Stilul integral (de exemplu, mezolitic sau gotic) sugerează
existența stilurilor locale reprezentând zone geografice izolate,
etnice, naționale, istorice și culturale etc. tradiţii în general
spațiu de stil integral.

Stilul paleolitic, subliniind anumite trăsături în imaginile unui animal și ale unei femei,
arată ca o proiecție a poftei; Artă neolitică, forme expresive
sculpturile rituale tradiționale africane, oceanice întruchipează frica și
ascultare față de spiritele crude ale lumii exterioare, care începe dincolo de poiană,
despărţind satul de pădurea din jur. Stil de artă asiriană, scene
războiul și vânătoarea regală - o expresie a forței atotdistrugătoare - imperativul puterii. Conexiune
mitul cu stilurile istoriei artei clasice este mai indirect, totuși,
idealizând naturalismul artei greco-romane, dându-le zeilor
formă umană și se poate citi întreaga gamă de stiluri ale Evului Mediu
ca o reflectare a normelor etice și estetice relevante – o proiecție a acesteia
imperativ care consolidat spiritualitate care creează culturi, societăți
si civilizatie. Mitul este centrul sensului unei culturi date. Poveste
indică faptul că fiecare dintre miturile existente a avut propria sa perioadă
decăderea, ale cărei produse au devenit în cele din urmă parte a noilor mituri.

Energia mitului care menține stabilitatea în toate preistorice și istorice
societăţile, avea ca sursă o imagine artistică. Pentru prima dată această imagine
obiectivată în imagine - desen, pictură, sculptură.

Peste 25-30 de milenii - de la Paleolitic până în prezent (tradițional
arta Africii, Australia, Oceania, America) - picturi rupestre,
sculptura într-un fel sau altul reproduce aceleaşi subiecte: animal şi
persoană.

Preistorie (primitivitate) - epoca schimbărilor colosale care au loc
la început încet, apoi cu accelerație crescândă. Aceste modificări (de ex.
trecerea de la o economie consumatoare la una producătoare) reflectă la fel
imagini variate cu animale și oameni.

Stil și poveste. Astăzi, când activitatea vizuală include toate nivelurile
pana la primar utilizare largă a primit un tip special de graffiti - tag.
Tradiția de a acoperi pereții cu imagini și-a luat naștere în jurul anului 1970 în New York printre
tineri din clasele de jos urbane, adesea organizați în comunități criminale.
O emblemă specifică, un desen sau un autograf special stilizat
afirmă autoritatea etichetatorului - prezența sa, dreptul grupului său la aceasta
teritoriu.

În Sahara cândva fertilă, vânătorii mezolitici, explorând un nou teritoriu,
şi-au afirmat prezenţa prin imaginea animalului totemic, pe care ei
cioplită pe o stâncă sacră – adesea deasupra alteia care aparțineau vecinilor.

În Sahara, cele mai vechi petroglife sunt figuri adânc sculptate de mari sălbatice
animale: bivoli, elefanți, hipopotami, rinoceri, girafe (mai rar - struți, sălbatici
măgari, crocodili). Uneori, astfel de imagini, cum ar fi bivolul antic,
ajung la câțiva metri: se deosebesc de cele ulterioare prin tehnică atentă
execuție, acuratețea proporțiilor și detaliilor. Petroglife de acest tip, împrăștiate
pe un teritoriu vast de la Atlasul Sahara (muntii Xur) până la deșertul libian (Fezzan),
stilistic, ele pot arăta ca lucrările unui singur maestru.
O asemenea uniformitate stilistică a monumentelor create de mai mult de unul
mileniu și la mii de kilometri distanță, ar putea pune înăuntru
o fundătură dacă un fenomen similar nu ar exista în pictura și sculptura rupestră
Paleoliticul european.

Stilul integral al petroglifelor din prima perioadă de vânătoare a Sahara
reproduce literalmente schema celei mai vechi siluete din paleoliticul european
imagini.

Următorul în timp, stilul mai avansat de petroglife este mai mult
detaliu, perfecțiune tehnică și, de asemenea, - ceea ce este semnificativ - pentru prima dată
relevă diferenţe morfologice în interpretarea unor detalii. Aceste
trăsăturile stilistice sunt asociate în acest caz cu anumite parcele.

Pentru faza timpurie a Europei arta paleolitica la fel de tipic
forme generalizate, condiționale. Cifrele sunt unice, statice, nu detaliate.
Caracteristic este absența compozițiilor - o legătură ușor de citit între figuri. Mai târziu (Madeleine)
sunt desenate detalii, se conturează tendința de a transmite mișcare. Dominat
figuri de animale singure, dar acum sunt înfățișate în mișcare. pășunat
căprioarele, vacile săritoare, caii care trap sau galopează sunt exacte în anatomie,
transfer de proporții; accentul nu se pune pe una sau alta parte a figurii, ci pe
raportul părților - asupra interacțiunii lor. Din ce în ce mai frecvente – mai ales în
arta mobilă - compozițiile pereche devin.

Morfologia imaginii primitive este o caracteristică comună a monumentelor create pe
peste opt milenii în pictură, desen și sculptură - dă o medie,
ci indicii obiective despre cum, din ce elemente se formează specificul
stil.

În perioada dintre mileniul 27 și 19, de la Pirinei la Urali, femeile
figurine. figurinele au aspecte comune: compozitie fata statica,
forme generalizate, partea mijlocie hipertrofiată a figurii (piept, șolduri, abdomen,
fese), membre interpretate cumulativ pliate pe stomac sau pe piept
mâini lipsite de picioare, trăsături faciale lipsă. Aceste calități
extinzându-se la toate figurinele fără excepție, poate fi exprimat moderat
(Kostenki) sau adus la grotesc (Willendorf).

Particularitatea stilului este o combinație neobișnuită de modelare aproape naturalistă
părți individuale hipertrofiate ale figurii și o interpretare extrem de generalizată a altora.
Picioarele, în special partea inferioară, în figurine feminine și imagini timpurii
animalele, de regulă, sunt reduse la o formă extrem de simplificată în formă de con. La
În acest caz, în ambele cazuri, figurile sunt descrise ca un fel de recipient masiv. LA
accentul se pune pe burtă. Capul și membrele sunt percepute ca ceva
secundare - sunt reduse și slab modelate. Asta arată că
semantica imaginilor este dezvăluită nu atât de intriga (imagini cu o femeie și un animal
trece prin întreaga istorie a artei), cât stil, care, fiind
mediator între structura celui înfățișat și funcția imaginii, forme și
formulează conceptul (parma, definind structura, doar o numește). Aici
confirmarea că transformarea stilului înseamnă o schimbare a conceptului.

Întrucât orice imagine figurativă are ca prototip un natural
formă, exactă - naturalistă - reproducerea sa este neutră în
punct de vedere stilistic. Prin urmare analiza stilistică este determinarea cantităţii şi
calitatea deformarii. Determinarea cantității de deformare (gradul de condiționalitate)
implică comparație forme picturale cu initiala, definitie
caracteristici specifice stilurilor (calitatea deformării) - comparându-le între ele
cu un prieten.

În istoria artei, forme naturaliste imitative (detalii concrete,
afișarea unor caracteristici speciale), de regulă, sunt asociate cu etapa inițială
tradiţie artistică, odată cu apariţia unor noi subiecte. Săgeată stilistică
evoluția ciclului primitiv al istoriei artei este îndreptată dinspre naturalistă (mimetică)
imagini (paleolitic) până la convențional (neolitic și artă tradițională).
Mitul-imagine primitivă are o mare inerție și potență evolutivă:
procese de aprofundare, desfășurare a formei, detaliere, concretizare și,
în fine, individualizările se întind pe aproape 30 de milenii. La anumite etape,
în cadrul paleoliticului, mezoliticului, neoliticului, tribalului
cultură, potenţialul existent se realizează parţial. Vine în mod repetat
momentul în care imaginea încetează să fie corectată în natură, începe procesul
stilizare, există un fel de pliere a formei, eroziunea acesteia. Apoi pe noul
nivel, are loc o revenire la imaginea mimetică, iar procesul se repetă (de ex.
în termeni macroistorici, evoluţia stilistică are un caracter sinusoidal).
În același timp, se poate observa că trecerea la schematism este, deci, lentă
cum trecerea la naturalism pare să aibă caracterul unei mutații.

Artă rupestre care a existat în Sahara de aproape 10 milenii
evoluat periodic de la naturalism la schematism. Raport
reprezentări naturaliste și schematice ale unui animal dintr-o specie (taur,
cămilă, cal) arată că creşterea convenţiei este un proces care
poate fi reprezentat ca o minimizare a mijloacelor vizuale, o scădere a numărului
cuante de imagine; (în consecință, creșterea lor înseamnă o tendință de a
naturalism).

Un indicator specific al stilului - calitatea deformării - natura stilizării,
schematizarea artei rupestre este determinată de preferința acordată acesteia
sau alt tip de stilizare (geometrizare): curbiliniu (cod) sau
rectiliniu (îndoire). Trăsături morfologice ale stilului, exprimate mai mult sau mai puțin
mai puțin blând în primele etape ale tradiției artistice, apar clar în ea
faza finala. Acest lucru este arătat de perioadele corespunzătoare de rocă
artă.

De la Paleolitic până la sfârșitul Evului Mediu și începutul Renașterii, pictural
tradiția urmează aceleași reguli ca și ritualul, procesul ei se organizează
repetiție, ritm, regularitate, asigurarea continuității,
ordine, stabilitate.

Stil și etnie. În măsura în care amalgamul de stil este susceptibil de scindare, se poate
a vedea că stilul în arta primitivă este un produs al unei scene, sociale,
factori etnici și, într-o măsură minimă, individuali. Analiza distinge
caracteristici morfologice reprezentând diverse niveluri ca în plan
diacronie (trăsături stadiale) și în termeni de sincronie (trăsături locale).

Comparația cu sculptura paleolitică arată că plasticul tradițional (Africa,
Oceania etc.), cu o diferență semnificativă, păstrează trăsăturile primitivului
cultura (monumentalitatea, simetria compoziției, ieraticitatea etc.).
Comparând complexe individuale de sculptură tradițională între ele și toate
împreună - cu sculptura paleolitică se pot identifica indicatorii morfologici
faza finală a ciclului primitiv, adică. caracteristici structurale care disting
sculptura tradițională reală. (Cel mai trasatura comuna stiluri traditionale -
geometrizare, sculptură paleolitică - naturalism exagerat.)

Desigur, etapa enumerate determinată morfologic
indicatorii se manifestă într-o măsură sau alta atât în ​​general (regional tribal
stil), iar la singular: o figurină specifică, de exemplu, a dogonului. Luand in considerare
aceeași figurină în termeni sincronici, în stilul ei se pot detecta trăsături care
distingând arta africană în general de arta tradițională a altora
zone, precum Oceania (în masă, sculptura africană gravitează spre forme
monolitic, oceanic - până la fracționat etc.). Aceeași figurină reflectă
caracteristici care disting stilurile Sudanului de Vest (planeitate, uscăciune, „cubism”)
din stilurile coastei Guineei și ale altor regiuni ale Africii. Mai ales
reprezentativ, o astfel de figurină reprezintă trăsăturile stilului etnic. In cele din urma,
comparând-o cu alte figurine Dogon relevă că
distinge scrierea de mână a acestui maestru - un singur (substil individual).

În exemplele date, cantitatea de deformare reprezintă un aspect universal
stilul - asociat cu diacronia, un factor scenic; calitatea deformarii
asociat cu sincronia, cu factori etnici (regionali) și - într-o mică măsură
măsură – individuală. Adică, stilul se formează în punctul de intersecție
scenic, etnic, individual.

Analiza stilistică comparativă - compararea diferitelor stiluri etnice
- găsește în ele o serie de elemente similare. Gruparea sculpturii unei regiuni date
pe baza comunității stilistice, se poate observa că în majoritatea cazurilor
zonele stilistice formează o asemănare linii spectraleîncercuind astfel
numit „stil nuclear”, în care trăsăturile caracteristice unei zone date sunt
cel mai pronunțat. Astfel de zone pot fi, la rândul lor, combinate în funcție de
caracteristici stilistice. Acest aspect al artei tradiţionale, definit ca
evoluţia stilistică sincronă, indică faptul că procesul artistic
nu se limitează la celulele grupurilor etnice individuale, acea cultură artistică
funcţionează nu numai la nivelul stilurilor locale, ci şi ca un sistem al cărui
integritatea se datorează unei anumite comunităţi culturale şi istorice.

Cu toată originalitatea lor, stilurile individuale acționează ca elemente ale unui complex
unitate. Din punct de vedere morfologic, interdependența lor este relevată prin
analiza unor aspecte particulare ale fiecărui stil tribal individual. La cel mai apropiat
la examinare, se dovedește că trăsăturile specifice ale stilurilor, uneori
paradoxal - în calea inversării, ele leagă două vecine
culturi artistice. Astfel, conexiunile de sistem ale stilurilor tradiționale
exprimată atât în ​​influență reciprocă, cât și în repulsie reciprocă.

Există un substrat comun pe baza și în interiorul căruia
centre de artă separate. Fiecare dintre ele are o stilistică aparte
constant. O analiză a artei tradiționale indică faptul că numărul
deformarea, sau gradul de condiționalitate, este într-o anumită dependență de
nivel de etapă, faza de dezvoltare a unei anumite tradiții artistice. Calitate
deformarea sau natura stilizării - preferința acordată unuia sau altuia
mod de generalizare – creează specificul local. Astfel, cantitativ
deformarea acționează în funcție de timp, iar deformarea calitativă acționează în funcție de etnos (în
anumit sentiment al spațiului).

În prezența unor trăsături integrale comune, stilurile locale diferă unele de altele.
prieten la fel de clar ca caracterele aceluiaşi alfabet. Trăsături specifice ale etnicului
stilurile sunt mai ales pronunțate în măștile rituale expresive. Cale
imagini ale botului unui animal, ale unei fețe umane sau, cel mai adesea,
Imaginea zooantropomorfă este întotdeauna specială, inerentă doar unei etnii date
tip de stil de grup. Se subliniază valoarea funcției de etnodiferențiere
elemente zoomorfe corespunzătoare anumitor animale totem.

Stilul aici acţionează ca o proiecţie directă a caracteristicilor etnice, ca
substanță, care, așa cum ar fi, este generată de etnosul însuși. Intențiile care se formează
structura integrală a stilurilor tribale tradiționale, în comparație cu
stilurile istorice arată ca o lege a naturii și manifestările sale locale
ca un cod genetic care face ca această structură să fie unică în fiecare specific
caz.

Această situație specifică amintește de faptul că educația „pură” etnic
este un trib. În alte cazuri, etnosul este un element „virtual” al amalgamului respectiv
care se numește națiune. Caracteristicile structurale ale societății de astăzi sunt determinate
într-o măsură mai mare (și tot mai mare) prin apartenența la unul sau alt tip de civilizație,
mai degrabă decât trăsăturile genetice. Prin urmare, apelul la „rădăcini”, „ascensiunea la
origini” înseamnă într-adevăr o referire la trecut.

Stilul ca limbaj al mitului. După cum se poate observa din analiza primitivului și tradițional
arta, la originile traditiei fine in faza sa initiala de stil
accentuează selectiv trăsăturile morfologice ale naturii însăși; din timp
etape - în paleolitic - imaginile reproduc, de regulă, imagini ale realității.

Relația directă dintre stil și intriga se păstrează și în mezolitic, cu diferența că
aici stilul este derivat nu atât din morfologic static cât
trăsături funcţionale dinamice ale naturii parcelei. Se folosește warp
pentru vizualizarea mișcării, acțiune - pentru o poveste despre un eveniment ("neclară"
siluete și proporții alungite ale arcașilor care trag în fugă, aranjarea figurilor
rânduri unul peste altul pentru a transmite faze succesive ale evenimentului etc.).

În etapa finală a ciclului primitiv, stilul care preia simbolicul
funcția, nu se mai concentrează pe aspectul direct perceput al lucrurilor,
dar – pe baza lor structurală plastică. Sintetizând imagini ale ritualului
măștile reproduc modele create anterior. În spațiul tribal
cultura, stilurile locale generează celule opuse ale individului
culturi monoetnice. Design fantastic, de regulă
zooantropomorfe, imagini, o mare varietate de metode de deformare, unice
pentru fiecare stil (etnos) un set și o combinație de parcele, moduri ale plasticului lor
transformări, o structură ideoplastică unică pentru fiecare stil,
recunoscut în toate tipurile de sculptură - fie că este vorba de statui, măști, decor de uz casnic
obiecte, un detaliu al unei structuri arhitecturale etc., - mărturisesc, în primul rând,
despre originile etno-culturale ale specificului stilurilor locale și, în al doilea rând, despre cele istorice și culturale
originea universalelor unui spațiu artistic comun care le unește pe acestea
stiluri unice, - spații care unifică structura plastică,
făcând recunoscute trăsăturile integrale ale artei tradiționale,
trăsături ideoplastice ale artelor plastice ale scrisului
perioada prestabilită.

Într-o retrospectivă istorică, activitate picturală care își pierde legătura cu
în natură, - stilistica, afirmând canoanele sale, de regulă, este asociată cu
perioadele de stagnare, ultimele cotituri ale tradiției artistice
(cf. convergența avangardei europene și a artei „primitive”, trăsături
Morfologia stilurilor tradiționale și formarea fazei finale
perioada clasică). Aceleași tendințe au marcat stilurile epocii finale.
lumea antică (elenismul), etapa finală în arta Renașterii (manierism),
ultimul dintr-o serie de stiluri mari (baroc - rococo). Aceste tipuri speciale
modificările stilistice la prima vedere nu au nimic de-a face cu subiectul
realitatea și totuși intriga și etnia sunt atât de strâns legate de artistic
proces pe care schimbările care au loc aici nu pot decât să aibă un indirect
influență asupra procesului de formare a stilului.

Subiecte noi actualizează stilul artei mezolitice; în mod similar
patos al progresului tehnologic, imagini ale unei noi realități (noi modele intriga)
formează stilul futurismului, constructivismului, suprematismului. Prezenţă
componentă etnică, constanța acestui factor de formare a stilului este de asemenea
necesită rezervări. De exemplu, activitatea artistică spontană,
care vizează crearea de stiluri pseudo-naționale (în Rusia - de la sfârșitul secolului al XIX-lea),
asociată cu accelerarea crescândă a proceselor civilizaționale, nivelare
specificul național.

În același timp, stilul de futurism și suprematism, precum și stilul diferitelor mișcări
primitivismul, folosind anumite seturi de parcele, nu se corelează
direct cu imaginile realităţii. Începutul care formează semnificația este complotul-eidos (aici
în primul caz, acesta este progresul tehnic, viitorul este civilizația, în al doilea -
natural, istoric - cultură) caută forme specifice adecvate de exprimare în
mitologizarea modelelor-intrigă corespunzătoare. Cu alte cuvinte, avionul și samovarul
devin obiecte ale imaginii ca urmare a faptului că lor
corespondență cu semnificatul - un sistem de idei care se autoafirma (raționalist,
cosmopolit sau patriarhal-patriotic). În fiecare caz stilul
organic, consecvent și pe deplin exprimă acest program - nu este întins
suprafață, deseori nu prea conștient semnificat, precum și inconștient (irațional
miezul semnificatului).

De remarcate sunt transformările stilistice ale imaginii științei, progresului,
industrializare de la A. Menzel şi K. Meunier la constructivism şi socialist
realism; imaginea naturii, relația dintre natural și cultural din Constable și
Millet către Van Gogh, Nabis și Cezanne; din realism începutul XIXîn.,
afirmând armonia, interacțiunea armonioasă a omului și a naturii, să
stilul expresionismului, reflectând drama contradicţiei culturale şi
natural. Ultimul, cel mai clar și mai profund exprimat în literatura de specialitate de S. Kierkegaard,
F. Dostoievski, F. Nietzsche, nu mai puțin ascuțit reflectă stilul lui E. Munch în artă,
J. Ensor, E.-L. Kirchner, P. Filonov. În aceste cazuri, este vorba de armonie?
sau dizarmonie - începutul de formare a stilului se dovedește a fi o idee de complot, a cărei voce
acoperă atât vocea modelului, cât și accentul național inamovibil. În acest context
ceea ce vedem în artă ca fiind străin („greșit”), fără a le anula pe a noastră,
ne îmbogățește viziunea asupra lumii cu noi fațete de sens.

Se obișnuiește să credem că originalitatea stilistică a celor îndepărtați geografic de noi
culturi - precum Japonia, China - este închisă, ca și o limbă străină este închisă, de altfel
- ermetic, deoarece, la fel ca epicantul, are origine naturală. aceasta
adevărat doar parțial. Stilul antic, ultra-modern și
arta străină este închisă în mare parte din motivul greșit care vorbește
limbaj necunoscut, dar pentru că dezvăluie, arată semnificații necunoscute nouă
lucruri celebre.

Spre deosebire de limbajul pictural verbal este universal. Elementarul lui
vocabular – obiecte ale lumii înconjurătoare. Substantivul aici este un complot care cheamă (arată)
un obiect; toate celelalte funcții sunt îndeplinite de stil. Intriga spune „munte”, stil – „maiestuos”,
„îngrozitor”, „lumbru”, „magnific”. Intriga-model coincide într-un anumit
sens cu un complot eidos, când acest munte este Fujiyama, Ararat sau Olimp.

În spatele particularităților stilului local, la un nivel mai profund, se află întotdeauna
se descoperă o anumită esență universală, ea mitologică (metafizică)
baza. În spatele particularităților locale reale ale percepției și originalității naturii
- de exemplu, peisajul japonez, pentru influența ambelor asupra stilului japonez
Grafica secolului al XIX-lea este imposibil să nu vedem că această grafică (cu toate acestea naționale
culoare) întruchipează ideea aceleiași esențe care este explorată
peisajele lui Constable, Levitan, Turner, Corot, Cezanne. Natura pentru acești artiști
- una dintre încarnările sensului, fenomen care conține începutul începuturilor.
În ciuda diferențelor modelelor și particularităților naționale ale percepției, natura cu
„ordinea naturală a lucrurilor” acționează ca ultimă soluție, îndepărtând
ireconciliabilitatea ființei și a neființei, a binelui și a răului.

Subiectul-natura peisajelor de artistul japonez Hiroshige Ando (1797–1858) și peisajele
Levitanul este la fel de diferit ca tradițiile artistice rusești și japoneze. Imagine
eternitate și pace în gravurile artistului japonez și în faimoasa pictură a lui Levitan -
proprietate nu a parcelei, ci a stilului. Stilul în sine este aici o proiecție picturală.
plot-eidos - percepția rațional-panteistă a naturii. general în
arta secolului al XIX-lea este că natura încetează să mai fie un culise, decorativ
fond sau „mediu natural” și devine un fenomen spiritualizat.

În peisajul japonez, eternitatea este cufundată în sine, indiferentă față de om; pace
aici - imuabilitatea existenței, linia nemișcată a munților, modelul ritmic al stâncilor și
copaci, tonul uniform al cerului și al apei. Versiunea rusă a acestui subiect, caracteristicile sale
stilistica este, de asemenea, determinată nu de particularitățile peisajului rus sau
tradiţia picturală naţională, ci începutul semantic. Eternitate
Levitanovsky Deasupra odihnei eterne este misterul etern al morții, iar pacea este aici
metaforă.

Pentru D. Constable, judecând după declarațiile sale, natura este în primul rând un obiect
cercetare. „... Pictura este o știință”, spune el, „și ar trebui făcută în așa fel
la fel ca studierea legilor naturii. Pictura de peisaj în acest caz devine
parte a filozofiei naturale, iar picturile sunt experimente. Cu toate acestea, indiferent ce credeți despre asta
artist, peisajele sale arată ca imnuri către forțele puternice ale naturii. Stilul polițist
inconfundabil de recunoscut datorită deformării sale specifice unice
(ceea ce pictura-studiu cu greu presupune). Stilul polițistului spune
despre tine chiar și atunci când imaginea este doar un fragment
cer cu nori (Nori, 1822). În peisajele sale cu pâlcuri de copaci, cai,
vaci care pasc, plutind încet, nori luminați de soare
arată ca o sursă de putere, bunătate, bunăstare, ca un atelier în care
se simte prezenţa zelosului său proprietar.

Nu mai puțin expresiv manieră realistă a lui T. Rousseau, J. Daubigny, K. Corot desenează
imagine misterioasă, luxoasă, ademenitoare a naturii neatinsă, în care o persoană
poate fi prezent numai sub formă de personal. Imagine romantică a naturii
elemente de amurg, imprevizibile, tulburătoare reproduce viu neașteptat pentru
Stilul lui W. Turner din timpul său. În picturile artiştilor germani şi austrieci
natura este întruchiparea unei esențe ideale, care apare sub formă
închis pe sine, schema clară, rece (G. Waldmuller), se așteaptă cu respect la
picioarele umane (W. von Kobbel), devine o metaforă a eternității (J.A. Koch, K.D. Friedrich,
F. Olivier). Stilul lui G. Courbet recreează natura ca o bază solidă a ființei. Acest
imaginea contrastează cu cea care se ivește printre impresioniști – cu pitorescul lor
tehnică care dizolvă materialitatea, greutatea și textura obiectelor în strălucire
reflexe şi refracţii ale mediului lumină-aer.

Inovațiile pe care impresionismul le aduce în arta sfârșitului de secol nu sunt
stilistic, dar structural și tehnic. Seria de schițe de C. Monet,
care arată ca o realizare a ideii lui Constable, în realitate
mărturisesc atitudinea schimbată atât față de pictură, cât și față de natură. semnificat
acum devine din ce în ce mai mare lumea interioara uman, viața sufletului, ei
experiențe unice. Natura devine aici o oglindă a sufletului.

Neoimpresioniştii merg şi mai departe. Atenția puntilistilor este concentrată asupra
natura în măsura în care găsesc în ea un obiect de experimentare
creativitate. În special, sunt atrași de lumina naturală. noua atitudine fata de
obiectul imaginii este inspirat de dorința de acuratețe a percepției vizuale
culori – în căutarea unui „nou echivalent al fidelității” – fixare precisă
stări ale naturii. Conceptul cheie aici nu este „natura”, ci „acuratețea”. În ciuda
la faptul că vorbim de pictură, de reproducerea artistică a imaginii, de acuratețe
aici nu înseamnă o „lovitură în imagine” exactă, ci o pretenție la un fel de științific
acuratețea metodei, cunoașterea legilor descompunerii culorii. J. Seurat, P. Signac, C. Pizarro and
alţi divizionişti (puntilisti) se numeau impresionişti ştiinţifici – în
diferență față de predecesorii lor „romantici” – și s-au referit la cele științifice
teoria culorilor complementare de E. Shevreil.

În acest caz, mitologizarea științei este primordială, și nu aplicarea ei practică.
Momentul de formare a stilului în artă nu este tehnică și formule - ele sunt doar
înseamnă, adică secundar în raport cu mitul – imaginea lui dominantă. La sfârşitul secolului
nu mai este un om, ci o știință, cu care toate speranțele sunt acum legate (în special,
„societate organizată științific” – o imagine care a captat imaginația colectivă).

Stilul divizionist rezultă direct din metoda corespunzătoare, dar
metoda și faptul extragerii acestuia din cercetările din domeniul chimiei organice -
dovezi ale autorităţii incontestabile a ştiinţei. Acest stil este un scurt moment
istoria artei – marchează apoteoza științei într-o măsură mai mare decât realizarea
pictura. În picturile lui Seurat și Signac, un mozaic de linii uniform suprapuse
reproduce cu indiferență în mod obiectiv forma și culoarea obiectelor înghețate - doar a acestora
textura direct vizibilă. Pictura divizionistă este la fel de indiferentă și
surprinde cu acuratețe poziția obiectelor, gradul și natura luminii, evitând
orice manifestare de sentiment, dispoziție, preferință estetică.

La fel ca înainte, așa și în secolul al XX-lea. stilurile sunt strâns legate de semnificațiile epocii, de mitul ei.
Dacă nu ar fi evident că locul mitului în timpurile moderne este ocupat de știință, așa ar fi
ar fi uşor de dedus din stilul avangardei.

Pe curentul principal al avangardei, după divizionism, cel mai mare fenomen este
cubism; Futurismul, Suprematismul, Constructivismul o moștenesc. Intelectual
produs al mitului Științei – imaginea unei Societăți organizate științific de universal
bunăstare. Această imagine dă naștere ideilor de explorare totală a spațiului,
alungarea naturii, crearea unui „sistem unic de arhitectură mondială” (Malevici). Idei
colectivism - cosmopolitism, valori universale, confort comun
- se exprimă în cele mai simple forme geometrice care imită convenționalul
limbaj concis al științei. Acelaşi lucru care se află la originile analitice şi
cubismul sintetic, inspirat din neoplasticismul lui Mondrian, Van Doesburg și
alte curente de abstractizare geometrică ale căror trăsături stilistice comune sunt
formă geometrică elementară, structură clară, expresivitate a funcției,
eliberarea de estetica aplicată, care nu este o proprietate a structurii
subiect.

Teoria universalistă și stilul internațional al constructivismului, ei
proiecte utopice care întruchipează fantezia unui „viitor luminos” primesc
cea mai mare dezvoltare în perioada revoluționară din Rusia și să dispară, sau
transformat în anii 30. în procesul de formare a ideologiei realului
Societatea sovietică, când inconsecvența proiectului comunist utopic
realitatea devine clară. sunet funcțional
stilistica constructivismului, într-o întruchipare concretă reflectând adecvat
posibilitățile științei și tehnologiei, intră în contradicție deschisă cu vitalul
realități. Proiectul utopic al unui „viitor luminos” este înlocuit de ideologia unui „fericit
prezent." Acest nou complot necesită semnificanți diferiți.

Initial rationalist progresist, stiintific-industrial-urban
proiectului international, atat in viata cat si in arta, i se opune tendinta
exprimând neîncrederea în natura benefică a științei și tehnologiei.

La originile primitivismului european - Gauguin, Matisse, Derain, german
expresioniști (E.-L. Kirchner, E. Nolde, E. Heckel, K. Schmidt-Rottluff și alții), K. Karra,
A. Modigliani și mulți alții, sublimând lecțiile primitivului (folk,
artă tradițională), care deschide și calea inversului -
direcție raționalistă: cubism, suprematism, constructivism.

Astfel, primitivismul de la începutul secolului se află la originile a două polare,
tendinţe opuse în arta secolului al XX-lea, în care de peste tot
se exprimă clar dihotomia Unicului și Universalului. Din punct de vedere
morfologie, punctul cheie este reducerea formei, care în primul caz arată ca
ca simplificare (etică) a acesteia, în al doilea - ca simplificare (estetică). Ambii
tendinţele se maturizează în cultura europeană de-a lungul secolului al XIX-lea.

În întoarcerea către primitivism în Rusia, ca și în alte țări, inițial
se disting două abordări opuse: una care are ca bază
ideea „ordinei naturale a lucrurilor” (natura, cultură), cealaltă este minimizarea
forma, îmbunătățirea funcției sale ideoplastice, ideea de a construi noi
entităţi (civilizaţie).

Un exemplu al acestei mișcări direcționate opus dintr-un punct primitiv oferă
evoluția creativă a lui Goncharova și Malevici. În lucrările lui Malevici la expoziția „Bubnovy
jack" în 1910, influența operei lui Goncharova din acest timp este evidentă. Stilistic
paralele se manifestă în plasticitatea specifică a figurii umane (mersul,
Malevici, 1910). În același timp, evoluția ulterioară a lui Goncharova și Malevich arată că
că asemănarea lucrărilor lor timpurii este o asemănare embrionară. Aici de la aceeasi
punctele încep să se miște tendințe diametral opuse. Cel la care
aparține operei lui Goncharova, se va baza pe arta populară,
tradiții naționale, imagini mitologice, celălalt este inspirat de ideea științifică și tehnică
progres, valori universale ale colectivismului - civilizație cosmopolită.

Doar o abordare superficială permite să ajungem la o soluție „finală” în
întrebări similare. La o examinare mai atentă, se dovedește că conflictul dintre „naturale”
iar „culturalul” în om și societate stă la baza aproape tuturor
conflicte și contradicții de nerezolvat. În cele din urmă, acest lucru fundamental
dilema inseamna a alege intre viata unui beton unic
muritor și nemuritor al abstractului universal universal.

În artă, raționalul și intuitivul nu sunt întotdeauna marcate la fel de clar ca în artă.
cazul lui Goncharova și Malevich, a căror lucrare are un punct de plecare comun.
Totuşi, în ideologie şi politică la nivelul „practicilor de viaţă” această alegere, în
în cele din urmă, se dovedește a fi o alegere între fantezia Viitorului (comunism,
cucerind natura, organizare stiintifica economie etc.) și fantoma Trecutului (mit,
istorie, „vocea sângelui”, rădăcini naționale etc.).

„Realismul socialist” și „principiile Führer” sunt un sistem
interdicții și prescripții - seturi de parcele recomandate cu accent strict pe
interpretarea lor naturalistă. Asemănări între arta sovietică și cea fascistă
explicată prin faptul că ambele ideologii folosesc arta ca unealtă de magie şi
apel la masele.

Arta a reflectat în orice moment nu lumea, ci o idee ideală a lumii.
Trăsătură distinctivă arta sovietică că idealul ar trebui
percepută ca realitate, realitatea trebuie să se supună idealului. Acesta este
este vorba despre magie simpatică. De aici stilul pseudo-naturalist.

Exemple de artă clasică arată acel stil în toate cazurile, de la
Egiptul antic înainte de Epoca Iluminismului, există o proiecție picturală a spiritualului (mit),
realităţile şi aspiraţiile genetice şi materiale (lumea obiectivă) ale societăţii.
Instalare pe imitarea vieții, a realității obiective (în paleolitic, aceasta este, de asemenea
vraja unui anumit obiect descris) explică stilisticul
infantilismul artei totalitare. Asemănări între sovietic și paleolitic
artistul prin faptul că idealul lor este concret, material; mijloc ideal al acesteia
realizări.

Este semnificativ faptul că în momentul dominației absolute a ideologiei, prezența stilului (deformarea)
devine minimă. De asemenea, este semnificativ faptul că la prima ocazie
arta plastică revine la curentul principal al stilului său - în acel loc
(începutul anilor 30), unde a fost oprit.

Specificul stilului, unicitatea lui este percepută instantaneu, direct. Inainte de
după ce am stabilit scopul obiectului, natura personajului, cu ce sau cu cine
din numeroasele imagini ale cutare sau cutare panteon de care avem de-a face – știm deja
că este Egiptul Antic, Grecia Antică, Asiria etc. Similar
imaginile rupestre sunt marcate stilistic de apartenența lor la paleolitic,
una sau alta cultură etnică, regiune - obiecte de artă tradițională,
culturi neolitice. Nu mai puțin evidentă apartenența la cultura europeană
opere de artă clasică din secolele XVIII-XIX. Aici, în fiecare caz (Franța,
Anglia, Germania, Rusia etc.) puteți identifica semnele unui stil european
arta Iluminismului.

Lipsa actuală de stil este absența unui stil Grand, dar nu a unui stil morfologic
specificul în fiecare caz.

Stil și artă contemporană. Noul care apare în artă în anii 60-70.
secolul XX., sunt produse de decădere, elemente ale deconstrucției clasicului
sistem vizual, dobândind un caracter autonom și folosit pentru
crearea de diverse forme vizuale de activitate de joc. Alții nu au făcut-o inițial
legate de artele vizuale: happening, performance, au propriile lor
propria genealogie, diferită de activitatea picturală, revin la
activități rituale, ceremoniale. Magie, vrăjitorie, dans etc. au aceleași
rădăcini adânci, ca producția de imagini grafice, picturale, sculpturale și
semne, dar în același timp sunt divorțați la origini.

Deconstrucția unei opere de artă clasice eliberează elementele
capabile să devină nucleul activităților de jocuri, experimentale și artistice.
Divizarea poate avea loc la un nivel din ce în ce mai profund. Readymade nu
nu conţin nimic care să amintească de sistemul pictural clasic. Dar inca
viața lor într-o nouă situație estetică oferă o componentă a clasicului
complex de artă – expunere care oferă estetică
etichetarea fenomenului.

Schimbările non-stilistice în pictura europeană sunt introduse de impresionism,
tulburarea echilibrului dintre pictură și desen – în favoarea picturii. Se întâmplă aici
deja modificări structurale. Și totuși suntem încă în cadrul clasicului
spațiu artistic, din care nici unul dintre constituenții ei
componente. Diferența este că unul dintre ei, devenind o hipercomponentă,
încalcă echilibrul sistemic, pretinzând că este autosuficient, suprima sau
deplasarea altor elemente ale sistemului vizual.

Dacă în pictura impresionistă culoarea este folosită pentru a crea
mediu aer-luminos, relegand pe plan secund desenul, designul, apoi
hipercomponenta cubismului este plasticitatea, statica, compoziția (minor:
culoare, complot); futurism - dinamică. Suprematismul aduce deconstrucție
imagine figurativă până la concluzia ei logică. complot, imagine,
perspectiva spațială (în sensul lor tradițional) este absentă, din cauza
ce set concis - o formă geometrică, o culoare deschisă - permite
creați compoziții extrem de clare, abstracte. Constructivismul – în acelea
manifestări care rămân încă pe baza pictorialului
creativitatea – merge chiar mai departe: contrareliefurile lui Tatlin sunt exemple de pur
arhitectonica realizata in materiale naturale.

Subiect artă contemporană- o persoană individuală, independentă.
Procesul artistic modern nu reprezintă un singur flux, aici
coexistă stiluri, tehnici, tipuri și forme de artă din diferite epoci. Decisiv
momentul nu este atât faptul prezenţei unuia sau altui specific cât
intensitate.

Evenimentele fatidice pentru artă din anii '50 au loc în America, unde la început
războiul au emigrat artiști europeni de frunte. Cel mai izbitor fenomen de aici
pictura abstracta.

Arta abstractă este cea mai accesibilă modalitate de a surprinde ființa personală și
în forma cea mai adecvată – ca o imprimare în facsimil.

Arta a fost întotdeauna într-un fel sau altul un mijloc de auto-exprimare. personalitate,
imprimându-se indirect în structurile normative ale Marilor Stiluri,
acum își creează astfel de structuri. Dacă te uiți la art
proces din punct de vedere al transformărilor componentei stilistice – tendinţa de a
geometrizările, care se exprimă minim în inițial - naturalistă și
maxim – în faza finală a tradiţiei artistice se vede că
ca un început de formare a stilului, subordonat anterior unei forme mimetice, blocat
ea, cu acces la abstractizare, capătă libertate: linia, culoarea, textura devin
tipărirea facsimilă a autorului. În mod ideal, nimic nu interferează acum cu amprenta
personalități în proiecții plastice, grafice, picturale, în care cum și ce
fuzionează împreună („Desenul meu este întruchiparea directă și cea mai pură a mea
emoții”, spune Matisse).

Ca factor de formare a stilului, abstracția extinde infinit posibilitățile
încarnări a două esențe opuse - Unic și Universal.
Activitatea prin care o persoană își surprinde ființa - texte,
produsele de artă din toate timpurile mărturisesc că autorul într-un fel sau altul
într-o oarecare măsură vorbea mereu despre sine, dar încă niciodată atât de conștient în detaliu și
sincer, ca în secolul al XX-lea; viata la nivel de concret, fiinta reala este
întruchipare a unicului.

Formarea activității vizuale, arta este asociată cu formarea
societate. În același timp, este foarte probabil ca acțiunea picturală să ia naștere ca
act de comunicare. Dar chiar și atunci când actul artistic este întors spre exterior,
Personalitatea autorului, într-o măsură sau alta, vorbește întotdeauna de la sine. Stilul în artă -
este întotdeauna un amalgam de social, stadial și individual.

Omogenitatea stilistică, elementalitatea și universalitatea artei primitive
- rezultatul unui decalaj minim între individ și social. Rafinament
iar soliditatea Grand Styles este produsul unei presiuni externe puternice, reducătoare
început personal. Cu toate acestea, apar trăsături stilistice individuale
deja în arta tradițională (etnică).

Stilul artei primitive (paleolitic) - individualitatea nu se distinge.

Stiluri renascentiste - polifonie de voci solo în cadrul unui mozaic regional.

Stilurile New Age sunt o individualitate clar care se distinge în cadrul naționalului
cultura şi paradigma estetică clasică.

Stiluri de la sfârșitul XIX-lea - prima jumătate a secolului XX. (perioada postclasică) - strălucitoare
individualitate pronunțată în conformitate cu tendințele internaționale.

Wil Mirimanov

LITERATURĂ:
Vlasov V.G. Stiluri în artă. Dicţionar. T. 1. M., 1998
Mirimanov V.B. Imagine și stil. M., 1998
Mirimanov V.B. Originile stilului. M., 1999

Această intrare a fost publicată marți, 14 octombrie 2008 la 21:19 și este depusă la . Puteți urmări orice răspuns la această intrare prin feed. Atât comentariile, cât și ping-urile sunt momentan închise.

Trimiteți-vă munca bună în baza de cunoștințe este simplu. Utilizați formularul de mai jos

Studenții, studenții absolvenți, tinerii oameni de știință care folosesc baza de cunoștințe în studiile și munca lor vă vor fi foarte recunoscători.

postat pe http://www.allbest.ru/

ESEU

Conceptul de stil în artă

Fiecare epocă este caracterizată de o anumită „imagine a lumii”, care constă din idei filozofice, religioase, politice, idei științifice, caracteristici psihologice ale viziunii asupra lumii, norme etice și morale, criterii estetice ale vieții, conform cărora se disting o epocă. din alta. Acestea sunt Epoca Primitivă, epoca Lumii Antice, Antichitatea, Evul Mediu, Renașterea, Epoca Nouă.

Stilurile din artă nu au granițe clare, ele trec lin unul în altul și sunt în continuă dezvoltare, amestecare și opoziție. În cadrul unui stil artistic istoric, se naște întotdeauna unul nou, care, la rândul său, trece în următorul. Multe stiluri coexistă în același timp și, prin urmare, nu există „stiluri pure” deloc.

Mai multe stiluri pot coexista în aceeași epocă istorică.

Ar trebui să se distingă: stiluri artistice, tendințe, tendințe, școli și caracteristici ale stilurilor individuale ale maeștrilor individuali. Într-un stil, pot exista mai multe direcții artistice. Direcția artistică Este alcătuit atât din semne tipice pentru o epocă dată, cât și din moduri deosebite de gândire artistică.

Stilul romanic (din lat. romanus - roman) - stilul artistic care a dominat în Europa de Vest(precum și a afectat unele țări din Europa de Est) în secolele XI-XII (în mai multe locuri - și în secolul XIII), una dintre cele mai importante etape în dezvoltarea artei medievale europene. Cel mai pe deplin exprimat în arhitectură.

Fig.1 Catedrala din Pisa, Italia

Fig.2 Catedrala Bamberg, Germania

Fig.3 Biserica Fecioarei, Danemarca

Rolul principal în stilul romanic a fost dat arhitecturii severe de cetăți: complexe monahale, biserici, castele. Principalele cladiri din aceasta perioada au fost templul-cetate si castelul-cetate, situate pe locuri inalte, dominand zona.

Clădirile romanice se caracterizează printr-o combinație între o siluetă arhitecturală clară și o decorare exterioară concisă - clădirea s-a îmbinat întotdeauna armonios în natura înconjurătoare și, prin urmare, arăta deosebit de solidă și solidă. Acest lucru a fost facilitat de pereți masivi cu deschideri înguste pentru ferestre și portaluri în adâncime. Astfel de ziduri aveau un scop defensiv.

Elementul principal al compoziției mănăstirii sau castelului este turnul - donjon. În jurul lui se aflau restul clădirilor, alcătuite din forme geometrice simple - cuburi, prisme, cilindri.

Fig. 4 Ornament sculptat din mănăstirea Mariei Laach

Sculptura romanică a intrat în apogeul său din 1100, supunând, ca și pictura romanică, motivelor arhitecturale. A fost folosit în principal în decorarea exterioară a catedralelor. Reliefurile erau amplasate cel mai adesea pe fațada de vest, unde erau amplasate în jurul portalurilor sau așezate pe suprafața fațadei, pe arhivolte și capiteluri.

Fig.5 Fresca catalană

Exemplele existente de pictură romanică includ decorațiuni pe monumente de arhitectură, cum ar fi coloane cu ornamente abstracte, precum și decorațiuni de perete cu țesături suspendate. Compoziții pitorești, în special scene narative de povestiri bibliceși din viața sfinților, au fost înfățișate și pe suprafețele largi ale zidurilor. Mozaicul, la fel ca pictura, a fost în principal o tehnică bizantină și a fost utilizat pe scară largă în designul arhitectural al bisericilor romanice italiene.

În arta miniaturii, miniaturi de carte au fost reprezentate în principal în această perioadă. În miniaturi apar compoziții cu mai multe figuri și un nou tip alungit de figură umană, cu o privire intensă.

Goticul este un stil artistic care s-a format în țările Europei de Vest și Centrale în secolele XII-XV. Goticul a apărut la mijlocul secolului al XII-lea în nordul Franței, în secolul al XIII-lea s-a răspândit pe teritoriul Germaniei moderne, Austriei, Republicii Cehe, Spaniei și Angliei. A acoperit toate tipurile de artă - arhitectură, sculptură, pictură, vitralii, design de cărți, arte și meșteșuguri. Baza stilului gotic a fost arhitectura, care se caracterizează prin arcade ascuțite, turnuri și coloane înguste și înalte, o fațadă ornamentată cu detalii sculptate și vitralii multicolore. Toate elementele de stil subliniază verticala. Epoca Evului Mediu târziu se caracterizează prin înflorirea culturii urbane, dezvoltarea comerțului și a meșteșugurilor. De la mijlocul secolului al XIII-lea a început construcția de clădiri seculare - primării, piețe, case de atelier, precum și castele luxoase ale nobilimii. Toate elementele exterioare și interioare ale clădirilor au fost supuse formei arhitecturale gotice.

Fig.6 Catedrala Notre Dame

Fig.7 Catedrala din Reims

Fig. 8 Catedrala Chartres

LA arhitectura gotica distinge 3 stadii de dezvoltare: precoce, matur ( înalt gotic) și târziu.

Sculptura a jucat un rol imens în crearea imaginii catedralei gotice. În Franța, ea a proiectat în principal pereții exteriori.

Direcția gotică în pictură s-a dezvoltat la câteva decenii după apariția elementelor de stil în arhitectură și sculptură. În Anglia și Franța, trecerea de la stilul romanic la cel gotic a avut loc în jurul anului 1200, în Germania - în anii 1220, iar în Italia cel mai recent - în jurul anului 1300. Vitraliul a devenit una dintre principalele tendințe ale picturii gotice, care a înlocuit treptat. pictură în frescă.

Perioada goticului a fost perioada de glorie a miniaturii cărților. Odată cu apariția literaturii seculare (romane cavalerești etc.), gama de manuscrise ilustrate s-a extins și au fost create și cărți de ore și psaltiri bogat ilustrate pentru uz casnic. Artiștii au început să se străduiască pentru o reproducere mai fiabilă și mai detaliată a naturii.

Fig. 9 Sculpturi din Catedrala Sfinților Mauritius și Ecaterina din Magdeburg, Germania

Fig. 10 Artist necunoscut „Ioan cel Bun” (1359)

Fig.11 Fragment de vitraliu

Genul portretului se dezvoltă - în loc de o imagine condiționat abstractă a unui model, artistul creează o imagine dotată cu trăsături individuale inerente unei anumite persoane.

Renașterea sau Renașterea (Renașterea franceză, italiană Rinascimento; de la „ri” - „din nou” sau „renăscut”) este o epocă din istoria culturii europene, care a înlocuit cultura Evului Mediu și a precedat cultura timpurilor moderne. . Cadrul cronologic aproximativ al epocii: începutul secolului XIV - ultimul sfert al secolului XVI și în unele cazuri - primele decenii ale secolului XVII (de exemplu, în Anglia și, mai ales, în Spania). O trăsătură distinctivă a Renașterii este natura seculară a culturii și antropocentrismul acesteia (adică interesul, în primul rând, pentru o persoană și activitățile sale). Există un interes pentru cultura antică, există, parcă, „renașterea” acesteia.

Renașterea este împărțită în 4 etape: proto-Renaștere (a doua jumătate a secolului XIII - secolul XIV); renașterea timpurie(începutul secolului al XV-lea - sfârșitul secolului al XV-lea); înalta Renaștere (sfârșitul secolului al XV-lea - primii 20 de ani ai secolului al XVI-lea); Renaștere de mai târziu(mijlocul anilor XVI - 90 ai secolului al XVI-lea).

Pictorii Renașterii au creat un concept integral al lumii cu unitate internă, au umplut subiectele religioase tradiționale cu conținut pământesc. Reprezentarea realistă a omului a devenit obiectivul principal al artiștilor renascentiste. Invenția unui mod de a transmite perspectiva a contribuit la o afișare mai veridică a realității.

Printre reprezentanții de seamă ai acestei epoci se numără Leonardo da Vinci, Brunelleschi, Alberti, Botticelli, Titian, Michelangelo, Rafael.

Leonardo da Vinci

Fig.12 Autoportret

Fig.13 Mona Lisa (1503-1505/1506)

Fig.14 Fresca Cina cea de Taină

Filipo Brunelleschi

Fig. 15 Filipo Brunelleschi

Fig.16 Santa Maria del Fiore, Florența

gotic baroc revival modern

Leon Battista Alberti

Fig. 17 Statuia lui Alberti în curtea Uffizi

Fig.18 Santa Maria Novella

Sandro Botticelli

Fig.19 Sandro Botticelli

Fig. 20 Adorarea Magilor, circa 1475

Orez. 21 de primăvară, 1482

Titian Vecellio

Fig. 22 Autoportret

Fig. 23 Portretul ecvestru al împăratului Carol al V-lea (1548)

Michelangelo Buonarroti

Fig. 24 Michelangelo, portret de Marcello Venusti, 1535

Fig. 25 Judecata de Apoi

Fig. 26 Sibila persană

Fig. 27 Sibila libiană

Rafael Santi

Fig. 28 Autoportret

Fig. 29 Şcoala din Atena

Fig. 30 Madona Sixtină

Fig. 31 Vești bune (1644), art. Philippe de Champaigne

Baromkko (barocco italian - „bizar”, „ciudat”, „prepus la excese”, port. perola barroca - „perlă de formă neregulată” (literal „perlă cu viciu”); există și alte presupuneri despre originea acestui cuvânt) - o caracteristică a culturii europene a secolelor XVII-XVIII, al cărei centru era Italia. Stilul baroc a apărut în secolele XVI-XVII în orașele italiene: Roma, Mantua, Veneția, Florența. Epoca barocului este considerată a fi începutul procesiunii triumfale a „civilizației occidentale”. Barocul s-a opus clasicismului și raționalismului.

Stilul baroc în pictură (M. Merisi, P.P. Rubens) se caracterizează prin dinamismul compozițiilor, „planeitatea” și fastul formelor, aristocrația și originalitatea subiectelor. Cele mai caracteristice trăsături ale barocului sunt strălucirea și dinamismul.

Arhitectura barocă (L. Bernini, F. Borromini în Italia, B.F. Rastrelli în Rusia, Jan Christoph Glaubitz în Commonwealth) se caracterizează prin amploare spațială, unitate, fluiditate a formelor complexe, de obicei curbilinii. Se găsesc adesea colonade la scară largă, precum și o abundență de sculpturi pe fațade și în interioare. Domurile dobândesc forme complexe, acestea sunt adesea multistratificate.

Fig.32 Carlo Maderna Biserica Sf. Susanna, Roma

Fig.33 Castelul Milotice, Cehia

Fig. 34 Biserica Sufletelor din Purgatoriu, Ragusa

Orez. 35 Bernini Piazza San Pietro, Roma

Fig.36 Papa Inocențiu al XII-lea, Sf. Petra la Roma

Clasicismul - un stil artistic în arta vest-europeană XVII - timpuriu. secolul al XIX-lea și în rusă XVIII - timpuriu. XIX, referindu-se la moștenirea antică ca un ideal de urmat. S-a manifestat în arhitectură, sculptură, pictură, arte și meșteșuguri. Artiștii clasiciști au considerat antichitatea cea mai înaltă realizare și au făcut din ea standardul lor în artă, pe care au căutat să-l imite.

Reprezentanți ai clasicismului sunt Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Jacques-Louis David, Antonio Canova, Bertel Thorvaldsen, Andrea Palladio, Robert Adam etc.

Fig.37 Jacques-Louis David. „Jurământul Horaților” (1784)

Fig. 38 Bertel Thorvaldsen. „Ganymede hrănind vulturul zebilor” (1817)

Caracteristica principală a arhitecturii clasicismului a fost apelul la formele arhitecturii antice ca standard de armonie, simplitate, rigoare, claritate logică și monumentalitate. Clasicismul se caracterizează prin compoziții simetric-axiale, reținerea decorului decorativ.

Fig. 39 Leo von Klenze Walhalla

Fig. 40 Marele Teatru din Varşovia

Fig. 41 Palladio Villa Rotunda

Art Nouveau - stil în arta europeană și americană la începutul secolelor XIX-XX. Art Nouveau a regândit și stilizat trăsăturile artei diferitelor epoci și și-a dezvoltat propriile tehnici artistice bazate pe principiile asimetriei, ornamentalității și decorativității. Formele naturale devin și obiectul stilizării modernității. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы.

Arhitectura Art Nouveau se remarcă prin respingerea liniilor drepte și a unghiurilor în favoarea unor linii mai naturale, „naturale”, utilizarea noilor tehnologii (metal, sticlă). Arhitectura Art Nouveau se remarcă și prin dorința de a crea clădiri atât frumoase din punct de vedere estetic, cât și funcționale. S-a acordat multă atenție nu numai aspect clădiri, dar și interior, care a fost atent proiectat. Toate elementele structurale: scari, usi, stalpi, balcoane - au fost prelucrate artistic.

Fig. 42 Casa lui Mila Gaudí, Barcelona

Fig.43 Casa Batlló (1906, arhitect Antoni Gaudí)

Unul dintre primii arhitecți care a lucrat în stilul Art Nouveau a fost belgianul Victor Horta. În Franța, ideile de Art Nouveau au fost dezvoltate de Hector Guimamre. Antoni Gaudim a mers și mai departe de ideile clasice despre arhitectură.

Artiști moderniști: Gerda Wegener, Stanislav Wyspiansky, Maurice Denis, Edmond-Francois Aman-Jean, Elisabeth Sonrel, M. A. Vrubel; sculptori: František Bilet, Auguste Rodin, Camille Claudel, Aristide Mayol, Georges Minnet.

Fig.45 Mască pe clădire (Moscova)

Fig. 44 Vază din atelierul fraților Dom, ca. 1900

Orez. 46 Lev Bakst. Masa de seara. 1902

Glosar

Arta antica - (din latinescul antiquus - antic) denumirea artei antice grecesti si romane din anul 1000 i.Hr. e. înainte de 500 d.Hr e.

Arc - (din latinescul arcus - arc, îndoire) o suprapunere curbilinie a unei deschideri dintr-un perete sau spațiu dintre două suporturi.

Arhivoltă - (din latinescul arcus volutus - arc de încadrare) detaliu arhitectural care alcătuiește cadrul unei deschideri arcuite, deosebește arcul arcului de planul zidului, devenind uneori motivul principal al prelucrării acestuia.

Vitraliu - (din latinescul vitrum - sticlă) un ornament, o compoziție decorativă parcelară sau un tablou pe sticlă, din sticlă colorată sau alt material care transmite lumină.

Artă decorativă și aplicată - o secțiune de artă decorativă, acoperă o serie de ramuri ale creativității care sunt dedicate creării de produse de artă, destinate în principal vieții de zi cu zi.

Donjon - (din francezul donjon) turnul principal, de sine stătător, al unui castel medieval, amplasat în cel mai inaccesibil loc și care servește drept refugiu în timpul unui atac inamic.

Pictura este un tip de artă plastică, ale cărei lucrări sunt create folosind vopsele aplicate pe o suprafață solidă (pânză, lemn, hârtie, carton, piatră, sticlă, metal etc., acoperite de obicei cu grund).

Interior - (din franceză interieur - interior) interiorul unei clădiri sau al oricărei încăperi.

Capitel - (din latinescul târziu capitellum - cap) porțiune de încoronare distinsă plastic a unui suport vertical (stâlp sau coloană).

Coloană - (din latinescul coloană - stâlp) prelucrată arhitectural, rotundă în secțiune transversală, suport vertical, elementul central al clădirii, structura de susținere a clădirii și ordinele arhitecturale.

Miniatura - (din latinescul minium - cinabru, minium) o operă de artă plastică, caracterizată prin dimensiuni reduse și subtilitatea tehnicilor artistice. carte in miniatura- desene desenate manual, ilustrații multicolore cu guașă, lipici, acuarelă și alte vopsele din cărțile scrise de mână, precum și elemente de design figurativ și decorativ ale acestor cărți - inițiale, cascuri etc.

Mozaic - (din latinescul musivum, literalmente - dedicat muzelor) o imagine sau un model format din particule din același material sau din material diferit (piatră, smalt, plăci ceramice etc.), unul dintre principalele tipuri de artă monumentală.

Ornament - (din latinescul ornamentum - decor) un model format din elemente ordonate ritmic, destinate decorarii obiectelor (ustensile, unelte și arme, textile, mobilier, cărți etc.), structuri arhitecturale, lucrări arte plastice, corpuri.

Perspectivă - (din latinescul perspicio - văd clar) un sistem de înfățișare a corpurilor tridimensionale pe un plan, care transmite propria lor structură spațială și locație în spațiu, inclusiv îndepărtarea față de observator.

Portal - (din latinescul porta - intrare, poartă) intrare proiectată arhitectural în clădire.

Portret - (din portretul francez, din portretul învechit - a descrie) o imagine (imagine) a unei persoane sau a unui grup de oameni care există sau a existat în realitate.

Relief - (din latinescul relevo - ridic) o imagine sculpturala pe un plan.

Sculptură - (din latinescul sculpo - sculpt, decupez) sculptură, plastică, un tip de artă plastică bazată pe principiul unei imagini tridimensionale, fizic tridimensionale.

Stilul este un set de trăsături care caracterizează arta unui anumit timp, direcție sau stil individual al artistului.

Fațadă - (din italianul faccia - față) partea exterioară a unei clădiri sau structuri.

Frescă - (din frescă italiană - fresh) tehnica pictării cu vopsele (pe apă pură sau var) pe tencuială proaspătă, umedă, care, la uscare, formează cea mai subțire peliculă transparentă de carbonat de calciu, care fixează vopselele și face ca frescă durabilă; o frescă se mai numește o lucrare realizată în această tehnică.

Găzduit pe Allbest.ru

Documente similare

Arhitectura sau arhitectura, ca arta de a crea cladiri si structuri in conformitate cu legile frumusetii. Caracteristici de dezvoltare și trăsături distinctive ale diverselor europene stiluri arhitecturale: gotic, romanic, baroc, rococo, clasicism, modern.

prezentare, adaugat 19.02.2012


Dezvoltare continuă, amestecare și opoziție de stiluri și tendințe în artele vizuale. Analiza trăsăturilor diferitelor școli de reprezentare a formelor în pictură și sculptură. Clasicismul ca tendință estetică în literatura și arta europeană.

rezumat, adăugat 08.10.2016


Conceptul și trăsăturile distinctive ale barocului ca stil în artă, istoria dezvoltării sale. Sfere de manifestare a barocului în arta rusă, intervalul său de timp: Naryshinsky, Petru cel Mare, biserică, palat, elisabetan, popular. Design interior.

test, adaugat 17.11.2013


O privire de ansamblu asupra caracteristicilor barocului, unul dintre stilurile dominante în arhitectura și arta Europei și Americii Latine la sfârșitul secolului al XVI-lea - mijlocul secolului al XVIII-lea. Idealul unui bărbat și al unei femei, moda epocii baroc. Manifestarea acestui stil în pictură, arhitectură și literatură.

prezentare, adaugat 04.10.2013


Stiluri în arhitectură și arte decorative: imperiu, clasicism, baroc, rococo, gotic, modern, minimalism, high-tech. Stiluri etnice: engleză, scandinavă (suedeză), mediteraneană, japoneză și africană. Gama de culori și distribuție.

prelegere, adăugată 25.06.2009


Originea termenului baroc. Stilul baroc în arta rusă, arhitectură, literatură și muzică, combinația sa istorică de stiluri. Procesul de individualizare a stilului autorului în muzică. Caracteristicile și caracteristicile concertelor partes din Rusia.

rezumat, adăugat la 01.08.2010


Studiul procesului de origine, formare și distribuție a stilului artistic al barocului. Analiza contribuției acestui stil la istoria culturii mondiale. Descrieri ale stilului baroc în literatură, muzică, arhitectură și artă. Viziunea asupra lumii a epocii baroc.

lucrare de termen, adăugată 23.05.2013


Caracteristici ale stilului baroc epocal: premise pentru apariție; evenimente istorice care au influențat cursul dezvoltării. Specificul dezvoltării diferitelor tipuri de artă în țările europene în epoca barocului. Caracteristicile stilurilor lui Michelangelo și Bernini.

test, adaugat 28.07.2010


Studiul conceptului și trăsăturilor modernității - stilul artistic în arta europeană și americană la începutul secolelor XIX-XX. O generalizare a principalelor caracteristici ale Art Nouveau în arhitectură - asimetrie, ornamente artistice, curbilinie și contururi inegale.

prezentare, adaugat 13.02.2012


Condiții preliminare pentru apariția și răspândirea stilului baroc în Europa ca urmare a influenței Reformei și Renașterii. Flamboyant și dinamism captivant al barocului în pictură, anvergură spațială, fuziune, fluiditate a formelor curbilinii - în arhitectură.