Două povești și un final destul de polițist.
Povestea lui Markin despre Kabakov, a cărui lucrare o cumpără în mod regulat, și răspunsul fascinant al Kabakov, în care familia artistului pur și simplu l-a înecat pe colecționarul Markin în propria lor rahat.

1. Povestea lui Markin.
În vizită pe Ilya Kabakov

Să începem cu
că toată seara am vărsat pește
pregătit cu grijă de Emilia Kabakova

Acum, în ordine
înainte de a-mi cere 350.000 de dolari în sponsorizare
Nepoata maestrului a arătat ce fac
zeci de machete de monumente și instalații realizate cu grijă.
Afacerea lor actuală
participa la concursuri
și implementează proiecte de anvergură
în valoare de câteva milioane de dolari, dacă câștigați.
Proiectele sunt în general bune.
dar nu sunt făcute de dragul creării unei capodopere
dar pentru același câștig.

Printre ce am vazut:

1. Aripi, ca în colecția mea,
produs în linie de doi asistenți angajați
este greu de imaginat care este circulația totală

2. Există mai multe scaune în stoc, la fel ca și al meu,
a lansat o ediție suplimentară de 5 piese, doar 10, poate mai multe.

Și totuși două ore de la New York nu s-a risipit
Maestrul a vorbit cu noi timp de 40 de minute
și, poate, a spus principalul.

Ei au promis și o prelegere la Muzeu în august
doar nu supărat din cauza a 350 de mii

2. Și iată răspunsul uimitor al Emilia Kabakova:

Emilia Kabakov a trimis un răspuns la descrierea vizitei lui Igor Markin (aici pe IZO, aici în rusă pe blogul lui Markin) și mi-a cerut să o postez; Mă bucur să fac asta.

Dragă Igor,
Îmi pare rău că te-ai îmbolnăvit. Nu că aș crede. Sau poate ar trebui să bei mai puțin?
Vreau doar să spun că „cu siguranță nu merită să arăți artă cuiva ca tine. Nu ești în stare să o vezi, nu poți să o înțelegi, nu poți să o apreciezi. Vezi doar dolari semnați în tot.
Da, facem proiecte mari. Da, participăm la concursuri, dar nu am făcut niciodată nimic pentru bani. Proiectele publice nu au niciodată milioane de dolari în buget.
Și, spre deosebire de tine, respectăm arta, cultura, alți oameni. Dar apoi lucrăm cu oameni, cu artă și cu instituții culturale.
Sper că te simți mai bine.

Pentru cei care nu vorbesc engleza, toate acestea sunt traduse în limba Moscova astfel:

Dragă Igor,
Îmi pare foarte rău că te-ai simțit rău. Deși nu prea cred în asta. Poate trebuie doar să bei mai puțin? Vreau doar să spun că cu siguranță nu ar trebui să arăți artă unor oameni ca tine. Nu poți să-l vezi, să-l înțelegi și nu poți să-l apreciezi. Vezi doar dolarul în toate. Da, facem proiecte mari. Da, participăm la concursuri, dar nu am făcut niciodată nimic pentru bani. Proiectele publice nu au avut niciodată bugete de milioane de dolari. Și spre deosebire de tine, respectăm arta, cultura, alți oameni. Dar apoi lucrăm cu oameni, cu artă și cu instituții culturale.
Sper că te simți mai bine.

Permiteți-mi să-mi exprim umila părere despre acest monument epistolar foarte valoros al gândirii ruse:
Scrisoarea lui Markin:
1. Nepoliticos, sarcastic, ironic.
2. Markin este prea dur și sincer.
3. Markin nu urmează normele general acceptate de politețe și politețe.
4. Scrisoarea lui Markin dezvăluie secretele comerciale ale Emiliei Kabakov și, în același timp, conține și un reproș al iubirii ei excesive pentru bani, care îi dăunează lui, Markin, ca colecționar, deoarece replicarea obiectelor le reduce valoarea, și Markin a cumpărat deja o serie de obiecte ale lui Kabakov și, apropo, pentru bani mari.

Raspunsul lui Emily:
1. Conține o scuipă inumană reciprocă în subiectul otrăvirii.
2. Conține o acuzație de beție.
3. Emilia se preface că nu este interesată de bani. La urma urmei, un obiect de artă este făcut de dragul artei, dar replicarea lor, precum și cererile de sponsorizare, este doar de dragul banilor. Este ciudat când oamenii vorbesc despre indiferența lor față de bani unei persoane căreia i s-a vândut deja bunuri de artă pentru o sumă mare de bani și i s-a cerut, de asemenea, o sumă mare de sponsorizare.
4. Conține o serie de atacuri personale grosolane, și evident nemeritate obiectiv, deoarece Markin nu este doar creatorul primului muzeu din Rusia artă contemporană, dar și cumpărătorul lucrărilor lui Kabakov însuși, precum și o serie de lucrări ale altor artiști, pe care, după cum știți, Kabakov însuși le apreciază foarte mult.

Rezultat:
Pentru mine, era de așteptat grosolănia și sinceritatea lui Markin, care nu își ascunde dragostea pentru bani.
Dar pentru mine, grosolănia și mai mare a Emilia Kabakova și asigurările ei neconvingătoare cu privire la indiferența ei față de bani au fost o surpriză șocantă.
Întotdeauna i-am tratat pe Kabakov la fel ca pe Groy, considerându-i intelectuali subtili, incapabili de ipocrizie și grosolănie. Dacă un intelectual rafinat este scuipat, el nu poate răspunde cu o scuipă și mai puternică. Ceva este în neregulă în regatul nostru artistic...

Ilya Kabakov. Trebuie să spun că propunerea de a aranja o expoziție în pereche - a noastră și a lui Lissitzky - pe care a făcut-o cândva conducerea de la Eindhoven, desigur, a fost la început înspăimântată și surprinsă. Totul spunea că această întâlnire era cu totul imposibilă, că aceasta era o întâlnire de oameni care erau străini în spirit. Faptul este că, în starea noastră mentală, aparținem unei perioade complet diferite de viață în țara sovietică.

Și nu aveam niciun interes la acea vreme - anii 1950-1980, când trăiam în URSS - nu aveam nicio simpatie, s-ar putea spune, pentru avangardă, cu excepția unui fel de respect abstract. Nu aveam nici un sentiment de a continua sensul estetic sau de fond a ceea ce se numea avangarda rusă. În educație, am avut un eșec temporar complet, așa cum se știe, pentru că pentru poporul sovietic avangarda nu a existat deloc - nici în spațiul educațional, nici în cel muzeal. Pentru mine, a fost o epocă complet dispărută. Este același lucru cu a spune că ai un fel de relație cu antichitatea. Nu a existat antichitate, a fost o pierdere a limbajului și o pierdere a sensului a ceea ce se spunea în această antichitate. Am trăit, așa cum părea atunci, într-un timp pentru totdeauna oprit. Și a existat o limbă oficială sovietică complet formată (în sfârșit, așa cum credeam noi). arta sovietică. Educația noastră a ocolit complet nu numai avangarda rusă, ci întregul secol al XX-lea occidental. Am trăit în total instalație sovietică, care este programată pentru multe milenii înainte; era clar pentru toată lumea că nu se va schimba. Vreau să spun prin aceasta că nu existau speranțe pentru o astfel de întâlnire cu avangarda. Dar când o ofertă atât de neobișnuit de ambițioasă a unei întâlniri cu clasicii „cade la pământ” asupra ta...

Lissitzky a lucrat la crearea unei noi limbi în Vitebsk împreună cu Malevich. Ideea este că omenirea ar trebui să vorbească adecvat în noua eră în care s-a mutat în secolul al XX-lea și, în sfârșit, să primească de la acești mari artiști acel limbaj vizual care poate și ar trebui să fie vorbit nu numai în Rusia sau Anglia, ci pe tot globul. universal Limba noua; limbaj nou pentru oameni noi.

Acest limbaj este asociat cu afluxul, așa cum s-ar spune acum, „coliziunea” geometriei asupra întregii lumi a artei, asupra întregii sale sfere și genuri, inclusiv arhitectura, tipografia etc. Aceasta este invazia formelor geometrice în organice. forme – rotunjite și antropomorfe. Aceasta este parțial ceea ce Rodcenko le-a spus studenților săi: „Aruncă perii, creioane, ia o riglă, busole și desenează...” Acest gest este direct legat de dominația unei linii drepte și a geometriei clare în general în gândire. Cel mai scurt drum este în linie dreaptă. Această cale „dreaptă” este, de asemenea, asociată cu ideea că lumea se mișcă din ce în ce mai repede.

[…]

Cine este omul nou în conceptul avangardei ruse? Este un creator continuu. Despre ce scrie Rodcenko: „Eu fac o ceașcă, dar nu știu ce voi face mâine, pentru că o altă idee va apărea deja despre un alt eu.” Este ca o creativitate permanentă (ca o revoluție permanentă).

[…]

Lumea ar trebui să fie compusă din oameni creativi, dar, desigur, manageri. Lucrul interesant este că oamenii din management au în vedere angajații lor de management. Dar pe cei pe care îi vor transforma, practic nu îi văd. Într-un fel, acesta este un dispozitiv de curte. Sunt cioban sau agronom într-un laborator, dar orice altceva - animale, plante - este tot materialul pe care îl voi procesa.

Această conversație despre inumanitate (folosesc acest cuvânt pentru prima dată), acest moment antiumanist, distructiv, este încorporat în cel mai avangardist proiect de creare a unui nou creator uman. Restul umanității, care trăiește în această lume, rămâne brusc în afara parantezei.

Fenomenul puterii care este prezent în secret în prim plan - și cel mai înfricoșător - este dreptul de a lua inițiativa de a crea lume noua si gestioneaza-l.

Olga Sviblova. […] Nimeni nu știe unde, dar ne mișcăm. Există sentimentul că trebuie să mergem înainte. Astăzi, când acest vector de mișcare a dispărut, când ne înclinăm ici și colo, interesul pentru avangarda rusă s-a dublat. De ce crezi că se întâmplă ca lumea să nu vadă această a doua latură a avangardei ruse și a doua față a celui mai mare Lissitzky, care a creat blocuri pentru noi, elemente, ca în Lego, astfel încât nu numai copiii, ci și întreaga lume ar juca în ele? A regândit realitatea vizuală reală, dar a uitat conținutul uman.

Ilya Kabakov. Acest lucru s-a întâmplat nu numai cu conceptul de „avangardă rusă”. Aceasta este trecerea de la începutul secolului al XIX-lea la al XX-lea, când tipul de artist, conștiința de sine a artistului s-a schimbat. Înainte de aceasta, artistul a fost personal de serviciu. El a participat la executarea acelor lucrări pe care i-au fost comandate de alte persoane, alte organizații sau persoane fizice, sau biserică sau stat.

Această autonomizare a artistului față de client, față de acel „celălalt” cu care trebuie să comunice, produce schimbări incredibil de puternice în psihicul artistului. Artistul trece de la a fi interpret la a fi un geniu. Adică o creatură care nu datorează absolut nimănui în niciun fel.

Emilia Kabakova. Și nu răspunde de nimic.

Ilya Kabakov. Orice altceva este acoperit de ceață. Transformarea unui artist dintr-un interpret într-un geniu este o mutație foarte importantă. O adevărată mutație a nivelului antropologic.

Apariția lui Cezanne la orizontul artistic a fost cel mai important eveniment din lumea artei. Iată aceste pătrate „murdare” neterminate... Acum, desigur, sunt ironic, pentru că îl divinizez la fel ca înainte. Dar este foarte important că apariția unui amator și a unui inventator al propriului sistem vizual, diferit de școala academică, s-a dovedit a fi un pas important spre eliberarea artistului de tot felul de criterii ale tradiției artistice. În acest caz, vorbesc literalmente ca critic de artă sovietic, dar există ceva adevăr în asta.

Această „detașare” de încrederea în școala de artă este foarte importantă în acest moment. Este ca o trădare a școlii de artă. Trebuie să spun că această situație s-a repetat în vremea sovietică. Pregătirea mea în arte și meserii a fost complet imitativă. Nu mi-a plăcut să desenez natura. Dar am știut să imit un rezultat academic pentru a nu fi dat afară din institut. Nu mi-a plăcut să fac ilustrații pentru copii, dar știam să imit ilustrația pentru copii, astfel încât să pot primi bani pentru asta.

Dacă editorul de artă vedea că nu desenam sincer un iepure, ci imit imaginea unui iepure în alte cărți, desigur, m-ar da afară din editură. Dar pe vremea sovietică era indiferent: dacă cred sau copiem iepurii altora. Acest moment de „lipire”, minciuni, trădare este foarte important pentru apariția psihologiei avangardiste a unui geniu. Aici există o distanță între obligația de a portretiza ceva și propriul meu impuls manipulator. Apoi arăta ca o nouă revoluție: trecerea de la sclavie la libertate și invenție.

Ilya Kabakov. A existat o atitudine complet diferită față de mijloacele de a crea o imagine.

Apariția avangardei este legată de autonomia mijloacelor. Deoarece nu mai există nimic pentru care să-mi folosesc fondurile, acestea sunt autonomizate și reprezintă noi oportunități incredibile.

De exemplu, culoarea lui Matisse. Manipularea culorii pe suprafața imaginii, compoziții, combinații de pete de culoare, vedea culoarea separat de obiect a fost descoperirea lui.

Picasso a manipulat ritmurile și așa-numitul moment vibrațional al picturii în sine. El a descoperit că fiecare piesă a picturii, dacă este poziționată corect în raport cu celelalte, formează o undă de energie vibratorie de atac incredibil de puternică care acționează la o distanță de aproximativ cincizeci de metri.

Olga Sviblova. Vrei să spui că secolul al XX-lea a dat naștere unui sistem vizual care nu mai înfățișează nimic. Nu înfățișează nici ideile sacre care au stat cândva în spatele ei, la origini, nici realitatea care a fost apoi sacralizată. Dacă luăm pictura europeană, de exemplu, Renașterea, putem vorbi despre apariția interesului pentru o persoană. Artiștii încep să se „dezlipească” de sistemele de comploturi religioase, dar, în același timp, pentru ei realitatea, invazia realității, apariția unei perspective directe devin și un fel de idee metafizică, pentru că realitatea capătă valoare ca atare. Și vrei să spui că cu Picasso, Matisse începe eliberarea figurativității de tot ceea ce a descris ea, că ea devine o valoare în sine și o armă vizuală?

Ilya Kabakov. „Omul care a zburat în spațiu din apartamentul său”. Fragment din instalație. 1985

Ilya Kabakov. Da. Ca într-o rachetă. Separarea uneia dintre etapele rachetei, care zboară, saltând în aer, în spațiu, de-a lungul traiectoriei sale. Aceeași separare de cultură, de dinamica generala dezvoltarea culturii are loc cu Arte Frumoase la începutul secolului al XX-lea. Există o autonomizare a producției artistice față de obligația de a fi prezent în procesul cultural general.

Olga Sviblova. Încă vreau să înțeleg. Lovitura de stat bolșevică a distrus toate formele anterioare de existență a artei, iar artistul a trebuit cumva să se unească cu autoritățile: fie la chemarea inimii (cred că la un moment dat a fost foarte sincer), fie cel puțin pentru că a fost numai client și a fost necesar să înțelegem ce își dorește acest singur client. Și acest singur client dorea distrugerea lumii vechi.

Ilya Kabakov. Corect.

Olga Sviblova. Dar ei au spus: „Servim”. Nimeni nu a declarat niciodată înaintea avangardei ruse că artiștii sunt slujitori. Să luăm, de exemplu, un montaj foto, în care Lissitzky a avut și realizări strălucitoare... Klutsis, Rodcenko au luptat - și Lissitzky a fost inclus și în această bătălie: cine servește mai mult noul guvern?

Ilya Kabakov. Nu e vorba de putere. Este un subiect aparte, plin de tragedie: trecerea de la conceptul de „libertate” la serviciu, la îndeplinirea comenzilor de la autorități. Cert este că întreaga avangardă – atât europeană, cât și rusă – este apoteoza libertății. Producția artistică trebuie eliberată, iar persoana care creează această producție este liberă. Această luptă pentru libertate este un moment foarte important în lupta împotriva fenomenelor culturale din trecut.

Ce vreau să spun? Sunt convins că în arta clasică (de ce agățat în muzee și de ce va trăi foarte mult timp după existența noastră) există trei componente foarte importante. Primul este sublim, vertical, spiritualitate, oricum ai numi-o, care este prezentă într-o operă de artă. A doua este partea estetică. Calitate foarte înaltă, echilibru, complexitate de construire a celui mai estetic produs. Iar a treia componentă obligatorie este prezența principiul uman, persoanei. Convertirea și sensul omului se află deja în însăși ideea creației. opera de artă. Implicația altei persoane. Acest lucru se face pentru altul, nu pentru sine. Asta e pentru celălalt și pentru celălalt. Aceste trei componente sunt foarte importante în sensul clasic și se încadrează pe deplin în istoria culturii, care ar trebui să aibă și aceste trei componente.

Revoluția de avangardă este asociată cu pierderea atât a primei, cât și a celei de-a treia. Toată această artă nu este sublimă. Ignoră complet slujirea semnificațiilor verticale, superioare, deși, desigur, există și subconștient și arhetipalitate acolo, dar toate acestea nu au nicio legătură cu zona „sublimă”. Desigur, se poate cita Kandinsky cu arta sa spirituală ca exemplu, dar aceasta este o problemă separată. De regulă, revoluția de avangardă este legată de pierderea interesului tocmai pentru „sublim”. Și cu pierderea interesului față de persoană ca atare.

Emilia Kabakova. Vreau să adaug câteva cuvinte la întrebarea cum s-au declarat slujitorii artiștilor. Ideea este că toate anterioare sisteme de artă făceau parte dintr-un astfel de „serviciu”, iar acesta era înțeles ca atare. Erau deja în sistemul „serviciilor”. Nu trebuia anunțat. S-au născut cu ea, au lucrat într-un mediu cultural care a servit altui mediu. Așa a fost în muzică, în teatru. Își cunoșteau locul în societate. Artiștii noi în curs de dezvoltare au trebuit și au putut să se declare liberi. Aici, pentru prima dată, a fost de ales. Iar alegerea lor a fost să devină slujitori, dar nu slujitori ai unei anumite elite, ci slujitori ai unei societăți libere. Păreau să fie și conducători și slujitori în același timp.

A fost o alegere voluntară de a servi. Nu că li s-ar fi dat să slujească conducătorilor, dar au ales serviciul voluntar. Aceasta este o mare diferență. De aici toată psihologia: iluzia că ei conduc, dar în același timp sunt slujitori la alegere.

Olga Sviblova. Și cum ați purtat un dialog cu Lissitzky, înțelegând natura complexă și contradictorie a operei sale?

Ilya Kabakov. Foarte simplu. Am făcut această expoziție literalmente după sistemul de opoziție. Lissitzky a spus un lucru, iar noi am spus altul. Conform conceptului general, aceasta seamănă cu poziția unui tată și a unui copil. Tatăl care a construit șopronul și copilul care este îngropat sub moloz, sub gunoaiele în care a devenit această șopronă prost construită. Toată această expoziție este construită: tata a vrut - și asta s-a întâmplat, tata a visat - și acesta este prețul acestor vise.

Îmi amintește de Călărețul de bronz al lui Pușkin. Și acolo sunt „tată” – Petru I și „copil” – Eugene, care a murit din cauza locului în care „tata” a ales locul greșit pentru a-și construi o casă. Am luat poziția lui Eugene, care suferă și spune: „Ce ai făcut aici? Ar fi posibil să se construiască pe un loc uscat. Lissitzky îl înlocuiește pe Peter la expoziția noastră, care a spus: „Voi construi un oraș, voi amenința pe cineva”. Acest patos al dezgustului, care este prezent în lucrările noastre, și patosul creației, pe care îl are Lissitzky, au dat tonul principal acestei expoziții. În primul rând: „Ar trebui să funcționeze”. Răspuns: „Nu ți s-a întâmplat nimic, tată”.

Într-adevăr, reprezentăm două epoci ale erei sovietice, ale puterii sovietice. Acesta este podul pe care au urcat prima dată și același pod de la sfârșitul puterii sovietice, pe care totul s-a rostogolit și care, din cauza unor calcule proaste, s-a prăbușit.

Emilia Kabakova. Stăm pe dărâmături.

Ilya Kabakov. Ca niște copii pe dărâmăturile unei clădiri prost construite. Iată conceptul principal al acestei expoziții. Aspectul unui bărbat asupra căruia a căzut această clădire uriașă. Turnul lui Tatlin.

Ilya Kabakov. Se pare că ni s-a promis spațiu...

Olga Sviblova. ... și puneți o ploșniță înfundată.

Ilya Kabakov. Puteți da un astfel de răspuns. Visarea, crearea unei utopie, desenul pe hârtie, desenul ca un scurt prospect (să construim viitorul, să creăm o persoană nouă) - acest lucru este cel mai bine lăsat sub forma unui proiect, sub formă de hârtie, sub formă de lemn , a dat în cuie proiectul Tatlin Towers. Cel mai bine este să lăsați toate aceste proiecte într-o formă atât de preliminară, dar în niciun caz să le implementați.

De ce? Ei rămân în siguranță. Faptul că se realizează în viață devine cea mai teribilă crimă care poate exista.

Socialismul este frumos, dar trebuie să rămână în proiect. Mulți oameni se întreabă ce rost are revoluția sovietică dacă s-a terminat într-o grămadă de gunoi. Iată sensul său. Utopia nu trebuie realizată în realitate.

Ilya Kabakov. Acum aș vrea să spun (poate chiar în concluzie) ce concluzie se poate trage din această expoziție sau chiar din această conversație. Cât timp omenirea trăiește, fiecare dintre noi produce o utopie. Crearea de proiecte este inerentă omului, precum eliberarea de secreții. Atâta timp cât suntem oameni, fantezim. Facem planuri, programe, compunem ceva. Dar atunci când aceste proiecte sunt realizate în viață, în special de oameni la putere, toate se termină în dezastru, sânge, distrugere sau haos.

Se dovedește un arc teribil: proiectele sunt realizate inevitabil, dar la fel de inevitabil se termină în colaps și haos. Se pune întrebarea: unde să punem această componentă proiectivă și productivă?

Răspunsul este: ia-l, canalizează-l în „receptoare utopice” speciale. Poate că este necesar să construim un Muzeu al Utopilor sau astfel de muzee la plural.

Ilya Kabakov. Artistul speră să fie ascultat. Aceasta este cea mai profundă amăgire. Privitorul se uită prin artist. Ceva care nu aparține acestui artist ar trebui să sune prin acest artist.

Ilya Kabakov. "Coș de gunoi" 1981

Ilya Kabakov.

Întreaga lume, tot ceea ce mă înconjoară aici, mi se pare o groapă de gunoi nemărginită, nesfârșită, o mare de gunoaie inepuizabil diversă. În aceste rămășițe ale unui oraș imens se poate simți respirația puternică a întregului său trecut. Toată această groapă este plină de flash-uri, sclipire stelară, reflecții și fragmente de cultură: fie niște cărți, fie o mare de reviste cu fotografii și texte, fie lucruri folosite de unii oameni... Marele trecut se ridică în spatele acestor cutii. , bule, pungi, par să strige despre lor viata anterioara, ei o păstrează... Acest sentiment de viață trecută dă naștere unei imagini... este greu de stabilit ce fel de imagine este... Poate imaginea unor civilizații care, sub presiunea unor cataclisme necunoscute, trec încet în jos, dar totuși apar unele evenimente. Sentimentul unei ființe uriașe, cosmice, îmbrățișează o persoană în aceste gropi; nicidecum un sentiment de abandon, de viață dezastruoasă, ci, dimpotrivă, de întoarcere, de circulație, pentru că atâta timp cât memoria există, tot ce este implicat în viață va trăi.
Dar totuși, de ce depozitul și imaginea ei îmi atrag atât de mult imaginația din nou și din nou, de ce mă întorc mereu la ele? ...Uneori te gândești - în alte țări nu există aceste gropi uriașe, nu există gunoi, dar există un singur „produs curat”? Odată am fost în vizită la rude în Cehoslovacia și îmi amintesc că curățenia de acolo mi-a făcut cea mai mare impresie. De ce, cum este atât de curat acolo?.. Se simte ca și când curăță, curăță, scot gunoiul în mod constant - unde au doar timp! - și totul este în altă parte și nu în apropiere - scot totul, îl scot „acolo”, „departe”. Apoi mi-a dat seama: cum o să-l arunce când lângă ea este o casă la fel de curată, iar lângă ea este și curată, iar în spate e la fel... Dar la noi se aruncă gunoiul chiar acolo lângă casă, doar că se aduce peste prag, și deja este pământul nimănui, curțile din spate, și toți vecinii îl mătură, îl aruncă - e atât de mult pământ de nimeni! Și acest pământ al nimănui din spatele casei noastre care a devenit o groapă - nu stă zi de zi amenințător în spatele zidurilor noastre, ca un dușman în jurul cetății, care se întoarce iar și iar la casa noastră, inundând-o?

Și dacă este și mai rău - este chiar înfricoșător să ne gândim: întregul nostru teritoriu vast este o groapă de gunoi din restul lumii?

În numele principalului tandem conceptual din arta rusă și mondială, Emilia Kabakova a vorbit despre retrospective la Muzeul Hirshhorn din Washington și Tate Modern din Londra. Ultimul va fi expus în Ermitaj și Galeria Tretiakov în 2018

Colecția Ilya & Emilia Kabakov

Care va fi expoziția de la Tate Modern? Ce va fi din punct de vedere al volumului? Pe ce bază au fost selectate lucrările?

BIOGRAFIE

Emilia Kabakova (născută Lekah)

Data și locul nașterii

1945 , URSS, Dnepropetrovsk (acum Dnipro, Ucraina)

Educaţie

1952-1958 a studiat la o școală de muzică din Moscova

1962-1966 a studiat la școlile de muzică din Irkutsk și Dnepropetrovsk

1973 absolvent al facultăţii limbi straine Universitatea de Stat din Moscova

Viata si cariera

1973 a emigrat în Israel

1974-1975 locuia in Belgia

Din 1975 locuiește în Statele Unite, unde a lucrat mai întâi ca specialist în lucrările lui Faberge, a fost consilier al unui colecționar privat și curator de expoziții de artă.

Din 1988 până în 2017 Ilya și Emilia Kabakov au realizat 203 instalații, inclusiv Monument to the City of Bordeaux (Franța, 2009), Monument to Emigrants from Europe to America (Germania, 2010), Arch of Life (Japonia, 2015) și 28 de proiecte publice: opt în Germania, cinci în Italia, trei în Japonia, două în Țările de Jos și câte unul în SUA, Norvegia și Coreea de Sud

Expoziții personale importante

MoMA (New York, 1991), Hirschhorn Museum and Sculpture Garden (Washington, 1991), Documenta (Kassel, 1989, 1992), Ludwig Museum (Köln, 1992, 2002), Stedelijk Museum (Amsterdam, 1993, Bienala de la Veneția), 1995 (1988, 1993, 1995, 1997, 2003, 2007), Centre Pompidou (Paris, 1995), Muzeul Mori (Tokyo, 2003, 2004), MAXXI (Roma, 2004), Galeria de Stat Tretiakov (Moscova, 20403-2004) 2004-2005), Muzeul Ermitaj de Stat (Sankt. Petersburg, 1994, 2004, 2005, 2010, 2013), Muzeul Pușkin im. Pușkin (Moscova, 2008), Muzeu artă contemporană Garaj (Moscova, 2008), Muzeul de Artă Multimedia (Moscova, 2013), Monumenta la Grand Palais (Paris, 2014), Bienala Chineză (Beijing, 2017) și multe altele

Instalațiile se află în colecțiile Ermitaj (Sankt Petersburg), Galeria Tretiakov (Moscova), Muzeul Guggenheim (New York), MoMA (New York), Muzeul Stedelijk (Amsterdam), Caixa Forum (Barcelona), Centre Pompidou (Paris), Tate Modern (Londra), în muzee din Australia, Germania, Norvegia, Elveția, Japonia și alte țări

Premii și titluri

Cavaler și Comandant al Ordinului Artelor și Literelor (Franța, 1995, 2014). Câștigător al premiului de artă Kaiserring (Goslar, Germania, 1998). Doctor onorific în filozofie al Universității din Berna (Elveția, 2000). Câștigător al Premiului Oscar Kokoschka (Viena, 2002). Doctorat Onorific în Filosofie al Universității Sorbona (Paris, 2007). Laureat al Premiului Imperial la nominalizarea „Sculptură” (Japonia, 2008). Cavaler al Ordinului Prieteniei Popoarelor (Rusia, 2008). Academician de onoare Academia Rusă Arte (Rusia, 2008). Câștigător al premiului „Best American Artists” (Washington, SUA, 2010). Laureat al Premiului pentru Inovare (Rusia, 2011). Câștigător al multor alte premii și premii

Expoziția de la Tate Modern este cu adevărat cea mai autentică retrospectivă a noastră, în ciuda faptului că nici măcar ea nu va fi cât se poate de completă. Spre deosebire de numeroasele expoziții pe care le-am făcut și care au cuvântul „retrospectivă” în titluri, acestea nu erau de fapt retrospective. Erau pur și simplu expoziții construite după un anumit plan, în jurul unui anumit concept, adică erau instalații totale.

Care lucrări din expoziție vor fi cele mai vechi, care va fi cea mai recentă?

Pentru expoziția de la Tate Modern, lucrările au fost selectate special pentru expunere retrospectivă: tablouri, desene, instalații, machete, începând cu primul tablou conceptual „Fotbalist”, pe care Ilya l-a realizat în 1964 și pe care am considerat-o lipsă. Dar deodată a ieșit din nou și am reușit să o răscumpărăm. Și apoi sunt picturile din anii 1950, 1960, 1970, 1980 și, la sfârșit, anii 1990, până la lucrările de astăzi. Proiectul Tate acoperă perioada de la sfârșitul anilor 1950 până la ultimele lucrări 2017.

Pe care dintre expozițiile tale îți amintești ca fiind cea mai importantă?

Acum este greu de spus care expoziții au fost (sau reținute) cele mai importante, dar, bineînțeles, aș vrea să menționez în primul rând expoziția de la Galeria Ronald Feldman în 1988, apoi Documenta din Kassel în 1992, Bienala de la Veneția. în 1993, expoziția de la Muzeul Stedelijk cu instalația Grand Archive și Centrul Pompidou, unde am construit aproape intregul oras- „Trăim aici” (1995). Importante au fost și proiectele de la MoMA („The Bridge”, 1991) și de la Grand Palais din Paris, unde am construit un adevărat oraș în cadrul Monumenta („Strange City”, 2014).

Nu menționez acum expozițiile din Rusia (prima a fost expoziția „Incident în Muzeu „și alte instalații” din Schit în 2004, organizat cu asistența Fundației Stella Art. — TANR). Pentru noi, pe de o parte, a fost o impresie incredibil de puternică a „întoarcerii”, iar pe de altă parte, am trăit acolo un sentiment ciudat că puțini oameni, cu excepția celor foarte apropiați de noi în spirit și viziune asupra lumii, au înțeles conţinutul acestor expoziţii. În special expoziția de la Garaj (Istoria Artei Alternative în 2008. — TANR), care a fost atât o instalație totală, cât și un concept pur, dar a fost perceput de mulți ca o retrospectivă. Deși s-ar putea să greșim.

Ai spus că vei avea și o expoziție în toamnă la Muzeul Hirshhorn din Washington. Ce va intra acolo?

Această expoziție este ca o plimbare nostalgică în trecut. Cert este că în 1991, în acest muzeu s-a deschis prima noastră expoziție muzeală adevărată din America, una personală, nu una de grup.

Instalația „Zece personaje” a fost expusă atunci și îmi amintesc de discuția mea cu paznicul acestui muzeu despre ce sunt „apartamentele comunale” și despre pasiunile care năvălesc într-un spațiu minuscul în care oamenii, puși cu forța în condițiile de conviețuire, sunt forțați să se apropie pe tot parcursul vieții. Despre dragoste și ură, despre certuri și sprijin reciproc, despre un fenomen ciudat de simbioză umană colectivă. După deschiderea expoziției pentru vizitatori, curatorul, Ilya și cu mine ne plimbam prin holuri și brusc am auzit și văzut paznicul nostru, povestind cu mare entuziasm unui grup de vizitatori intenția artistului. Desigur, am fost încântați de acest lucru, spre deosebire de curatorul, care a spus: „Nu îl plătim pentru asta, ci pentru ca el să păzească spațiul expozițional”.

În septembrie, vom arăta modele ale proiectelor noastre finalizate și nerealizate. Când am cumpărat o casă în America și am construit mai multe clădiri aici, a venit ideea de a crea un „muzeu al proiectelor nerealizate”. Acum, 20 de ani mai târziu, multe dintre ele au devenit deja realitate, dar un număr imens dintre ele, cel mai probabil, vor rămâne în statutul de „nerealizate”.

Ilya și Emilia Kabakov. „Liya Mironovna Kovaleva: „Al cui este acesta?” 1989. Pânză, ulei, metal

Pregătirea expozițiilor din America, Europa și Rusia diferă?

Intrebare destul de ciudata. Instituțiile diferă, componența lor, curatorii și grupurile de oameni din aceste muzee în care am lucrat sau lucrăm.

Apropo, cel mai bun servici usor, din două împrejurări, a avut loc în Garajul din Moscova. Dasha Zhukova a reacționat instantaneu la orice plângere (și era ceva de plâns: după reconstrucție, nu au existat uși în garajul Melnikovsky, acoperișul curgea și așa mai departe). Și, desigur, munca lui Alexander Starovoitov, care a supravegheat întreaga construcție (a instalației totale „Istoria alternativă a artei” a fost fantastică. — TANR), cu care vom face o retrospectivă anul viitor la Galeria Tretiakov (se va muta acolo de la Tate Modern, dar va fi extinsă).

Și a doua expoziție a fost la fel de ușoară la Grand Palais de la Monumenta pariziană, deși lucram acolo 24 de ore pe zi, 18 zile pe săptămână. 100 de oameni au lucrat cu noi. Curatorul nostru a fost Jean-Hubert Martin, unul dintre cei mai buni curatori din lume.

Totul a fost, de asemenea, foarte bine realizat la expoziția de la Muzeul de Artă Multimedia din Moscova al Olga Sviblova („Utopie și realitate? El Lissitzky, Ilya și Emilia Kabakov” în 2013. — TANR). Totul s-a desfășurat clar, la timp, fără probleme. Două Olga au organizat totul perfect acolo: în primul rând, Olga Sviblova însăși, și în al doilea rând, Olga Nestertseva, mâna dreaptă a lui Sviblova.

Deci putem spune că suntem foarte norocoși cu pregătirea proiectelor. Iar cele mai dificile, din diverse motive, au fost expozițiile de la Centrul Pompidou din Paris și Muzeul Stedelijk din Amsterdam.

Ilya și Emilia Kabakov. „Privind în sus. Citind cuvintele" . 1997. Desen de instalare la Münster

Ce expoziții ați planificat pentru viitorul apropiat și ce veți prezenta acolo?

Toate expozițiile sunt planificate până în 2022. Dar până acum acestea sunt doar planuri: realitatea nu face întotdeauna posibilă îndeplinirea lor, acum din motive de vârstă și de sănătate.

De exemplu, pentru 2018-2019 este planificată o retrospectivă la Dallas Contemporary din Dallas, SUA – cu un spațiu imens în care poți face o expoziție fantastic de bună și de interesantă.

Muzeul de Artă Samuel Dorsky din New Paltz (New York, SUA. — TANR) este deschis la universitate, așa că vom lucra acolo împreună cu studenții.

O expoziție este planificată în aprilie 2018 la Rostock, apoi vor fi expoziții la Berlin și München.

Instalația „Nava Toleranței” este prezentată în prezent la Roma. Am făcut-o împreună cu Vaticanul (și personal cu Papa) și Ministerul Educației din Italia. De asemenea, acest proiect este în curs de pregătire pentru a fi prezentat la Londra, Oslo, Rostock, Washington și Palermo. Cel mai bine s-a făcut în Zug, Elveția, unde 4.000 de copii și părinții lor, locuitori obișnuiți ai orașului și pacienți din casele de bătrâni, precum și refugiați din cele mai multe tari diferite. Muzeul și primăriile celor trei orașe au derulat programul proiectului într-un mod care nu s-a mai făcut până acum. Acum ei ajută la implementarea acestui program în alte orașe din Elveția.

Există vreo expoziție sau proiecte de artă planificate în Rusia în viitorul apropiat?

Mai întâi, în februarie 2018, retrospectiva de la Tate Modern din Londra se va muta la State Hermitage, apoi, în septembrie anul viitor, va fi expusă la New Tretyakov Gallery de pe Krymsky Val.

Ilya și Emilia Kabakov. „Lista cu ceea ce trebuia să fac înainte de martie 1961”. 1989. Patru articole (țesătură), ulei și email pe placă dură

Unde lucrezi cel mai bine?

Cel mai bine este să lucrați acasă (dacă întrebați în mod specific despre munca creativă) - unde pictează Ilya și unde dezvoltăm planuri pentru toate proiectele și expozițiile.

Cât de des folosiți un computer și cum?

Ilya nu folosește doar un computer, ci chiar și un telefon. Îmi folosesc computerul în principal pentru comunicare: e-mail, Skype, știri, și mai printez articole în rusă pentru Ilya dacă găsesc ceva interesant pe internet.

Calculatorul și internetul afectează dezvoltarea artei?

Acest lucru ar trebui cerut acelor artiști contemporani care folosesc computerul pentru a crea opere de artă. Nu putem răspunde la această întrebare.

Cum arată arta rusă actuală într-un context internațional?

Deoarece nu trăim în Rusia, nu putem judeca arta rusă contemporană. Ca peste tot și ca întotdeauna, în Rusia există artiști foarte interesanți și sunt pur și simplu răi.

Acum se vorbește mult despre criza artei. Există vreo cale de ieșire sau această situație va dura pentru totdeauna?

Nu a vorbit nimeni vreodată despre criza artei? Aruncă o privire la reviste vechi de istorie a artei, articole de artiști vechi, critici și istorici de artă.

Prin ce etapă crezi că trece arta modernă?

Următoarea etapă, care urmează imediat după cea anterioară. Acum putem vorbi despre triumful banilor, a pieței și a altor circumstanțe tragice. lumea modernăîn general şi artă în special. Cu toate acestea, destul de recent am citit o carte despre modul în care artiștii Renașterii trimiteau clienților facturi pentru munca prestată și cum le-au evaluat... Așa că mai bine nu comentez situația actuală.

Ilya Kabakov. "Fotbalist". 1964. Ulei pe pânză

Cât de importantă este pentru tine participarea la diferite bienale?

Desigur, la un moment dat a fost foarte interesant când situația generală și atmosfera la proiectele internaționale erau complet diferite. A existat atunci o comunitate de artiști, în care toți voiau să devină cei mai buni, dar în același timp a înflorit un sentiment de camaraderie. Semnificația culturală și istorică a acestor expoziții uriașe a fost extrem de importantă. Și am avut norocul că la acea vreme Bienala de la Veneția și Documenta erau proiecte tematice mari organizate de curatori extrem de talentați precum Harald Szeemann, Germano Celant, Jean-Hubert Martin, Robert Storr și mulți alții.

Astăzi, există prea multe bienale în lume și, sincer, pur și simplu nu putem participa la ele. Fara forte. În acest moment participăm la Prima Trienală a Armeniei și la Bienala de la Vladivostok. Dar nu mai putem merge acolo.

Este conceptualismul viu? Îl ajută sau îl împiedică situația politică actuală din Rusia?

Bineînțeles că este în viață. Sistemul în sine este un concept incredibil. În ceea ce privește conceptualismul ca fenomen artistic, atunci trebuie să îi întrebați pe cei care locuiesc în Rusia: Andrei Monastyrsky, Elena Elagina, Igor Makarevich și alți artiști activi.

Au fost păstrate legăturile personale și creative în cadrul cercului părinților fondatori ai conceptualismului rus și a adepților acestora?

Unele legături au rămas, altele au dispărut. Depinde deja de oameni anumiți și de relația dintre ei, tot felul de situații de viață. Este foarte greu de explicat toate acestea, dar, în principiu, putem spune că oamenii care ne sunt apropiați în gândire au fost și rămân prietenii noștri. Restul au fost pur și simplu luate de viață.

Ilya și Emilia Kabakov. "Pod". 1991. Desen de instalare

Urmăriți literatura rusă modernă? Este ceva aici care te interesează? Akunin, Pelevin, Ulitskaya, Sorokin?

Citesc rar cărți rusești. Doar poezie, și doar clasică. Ilya citește numai în rusă, dar acestea sunt în mare parte cărți de artă. Sau este poezie, literatură clasică, articole pe care le găsesc pentru el, memorii, biografii, texte de Vladimir Sorokin și Boris Groys, Mihail Epstein.

Ce texte critice, în afară de Groys, și interpretările operei tale îți sunt cele mai apropiate?

În primul rând, este, desigur, Robert Storr și Matthew Jesse Jackson. Și pe lângă ei, există o mulțime de istorici de artă occidentali care scriu despre artiștii ruși, inclusiv despre munca noastră. Adesea, acestea sunt interpretări foarte interesante și profesionale.

Diferă impactul peisajului de operă de modul în care funcționează instalațiile totale, descrise în seria de prelegeri „Despre instalarea totală”?

Nu am lucrat niciodată într-un teatru la o producție de opere. Tocmai făceam o instalație care a fost folosită pentru a monta o operă în interiorul acestei instalații. Singura diferență aici este că în teatru privitorul stă afară, iar actorul este în interiorul instalației totale, în timp ce în muzeu privitorul este și actor. Întrucât se află înăuntru și, mișcându-se prin instalație, chiar „joacă” rolul care i-a fost destinat artistului.

Am avut norocul să lucrăm de mai multe ori cu Gerard Mortier, celebrul impresar, director al festivalului de muzică de la Salzburg, la Bochum, care la sfârșitul vieții a devenit dirijor-șef și director artistic al Teatrului Regal din Madrid. Acest om, așa cum ar fi, a fost reîncarnarea modernă a lui Serghei Diaghilev.

Ai vorbit despre frica care însoțește viața într-un apartament comunal. S-a diminuat această frică în timp? Inca ti-e frica?

Nu am locuit niciodată într-un apartament comun și, în general, nu am nici un sentiment de frică și nu am avut niciodată.

Există, pe lângă bani, și criterii pentru succesul și „corectitudinea” creativității artistice?

Succesul financiar nu a fost niciodată o măsură a succesului pentru noi. Ilya nu a făcut niciodată lucrări (picturi, desene și instalații) „de vânzare”. Din acest motiv nu avem foarte mulți colecționari. Lucrările noastre sunt concepute în principal pentru spațiile muzeale, pentru vizitatorii muzeelor, istoricii de artă, dar nu pentru un anume colectionar. Destinatarul lucrării noastre a fost întotdeauna istoria artei, istoria culturii.

Ar trebui unui artist să-i fie foame sau sătul?

Îmi pare rău, dar aceasta nu este o întrebare foarte inteligentă. Un artist trebuie să fie în primul rând artist, iar apoi soarta va decide cum.

Ilya și Emilia Kabakov. „Două amintiri ale fricii”. 1990. Desenul unei instalaţii la Berlin

Ar trebui arta să fie elitistă sau accesibilă?

Arta trebuie să ridice masele la nivelul său, dar niciodată să nu se scufunde la nivelul maselor.

Ajută arta în viață? Cum se traduce experiența acumulată în timpul muncii în beneficiile vieții tale private?

Arta este întreaga noastră viață, așa că ne este imposibil să răspundem la această întrebare. Practic nu avem intimitate.

Este corect să spunem că principalul rezultat al activității artist contemporan este el însuși sau mitul despre el?

Principalul rezultat al activității artistului este opera sa, toată creativitatea sa. Aparent, tu și cu mine gândim diferit, pentru că o astfel de întrebare nici nu mi-ar veni în minte.

Urmăriți ceea ce se întâmplă în alte forme de artă?

Este imposibil să trăiești în lumea artei și, în același timp, să nu urmărești ceea ce se întâmplă în jur. Lumea se schimbă foarte repede, iar noi, tineri artiști, scriitori, regizori vin constant. Pentru noi sunt extrem de interesante.

Te duci la operă, te uiți la televizor?

Mergem la operă, la balet și la concerte oricând, oriunde. Adevărat, acum, din cauza faptului că Ilya nu se simte foarte bine, toate acestea sunt limitate. Dar, din moment ce nepoții noștri sunt muzicieni profesioniști, mergem la concertele lor, iar uneori vin să viziteze și să organizeze concerte la noi acasă.

DIN teatru de teatru situația pare mai problematică din cauza subtilităților de limba engleză, dar uneori – totuși, extrem de rar – mergem la astfel de spectacole.

Când suntem la Moscova sau la Sankt Petersburg, aproape sigur mergem la teatru. În septembrie, am fost doar o zi la Moscova, dar am fost la Bolșoi. Când veneam cu Ilya, mergeam mereu la teatru la Pyotr Fomenko.

Citiți cărți sau mergeți la film? Hollywood-ul este în general bun sau rău?

Citim cărți, mergem la cinema, ne uităm la filme. Hollywood-ul este o „fabrică de vise”, și, ca orice vise, orice fantezie, sunt întruchipate fie bine, fie deloc, pur și simplu mediocre. Încercăm să urmărim doar ceea ce a fost deja verificat de alții. Tocmai m-am uitat la Leviathan. Doar un film grozav! Multă vreme ne-am îndepărtat de impresia de deznădejde totală.

Ce compozitori asculți?

Ilya lucrează pe muzica lui Chopin, Mozart, Prokofiev, Bach și așa mai departe. Adesea include romante, dar numai în performanțe bune. Dar mai ales lucrează doar cu muzică clasică. Avem o colecție imensă de discuri. Adesea, când Ilya desenează, cântă singur. În plus, nu există telefon în studio, așa că nimeni și nimic nu distrage atenția de la muncă.

Muzeul Hirshhorn, Washington
Ilya și Emilia Kabakov. „Proiecte utopice”
7 septembrie 2017 - 4 martie 2018

Tate Modern, Londra
Ilya și Emilia Kabakov. „Nu toată lumea va fi dusă în viitor”
10 octombrie 2017 - 28 ianuarie 2018