Ce este pictura?

Pictura este un tip de artă plastică, ale cărei lucrări sunt create folosind vopsele aplicate pe o suprafață.
"Pictura nu este doar o fantezie. Este o muncă, o muncă care trebuie făcută cu conștiință, așa cum o face orice muncitor conștiincios", a argumentat Renoir.

Pictura este un miracol uimitor de a transforma toate materialele de artă disponibile într-o varietate de imagini vizibile ale realității. Stăpânirea artei picturii înseamnă a putea înfățișa obiecte reale de orice formă, culoare și material în orice spațiu.
Pictura, ca toate celelalte forme de artă, are o specialitate limbaj artistic prin care artistul reflectă lumea. Dar, exprimându-și înțelegerea despre lume, artistul își întruchipează simultan gândurile și sentimentele, aspirațiile, idealurile estetice în lucrările sale, evaluează fenomenele vieții, explicându-și esența și sensul în felul său.
În operele de artă de diferite genuri de arte plastice create de pictori, se folosesc desenul, culoarea, clarobscurul, expresivitatea loviturilor, textura și compoziția. Acest lucru vă permite să reproduceți în plan bogăția colorată a lumii, volumul obiectelor, originalitatea lor materială calitativă, adâncimea spațială și mediul de lumină-aer.
Lumea picturii este bogată și complexă, comorile ei au fost acumulate de omenire de-a lungul multor milenii. Cele mai vechi lucrări de pictură au fost descoperite de oamenii de știință pe pereții peșterilor în care trăiau oamenii primitivi. Cu o acuratețe și o claritate uimitoare, primii artiști au descris scene de vânătoare și obiceiuri animale. Așa a apărut arta înfățișării vopselelor pe perete, care avea trăsături caracteristice picturii monumentale.
Există două soiuri principale de pictură monumentală - frescă și mozaic.
Fresca este o tehnică de vopsire cu vopsele diluate cu apă pură sau var pe tencuială proaspătă, umedă.
Mozaic - o imagine realizată din particule de materiale omogene sau diferite de piatră, smalt, plăci ceramice, care sunt fixate într-un strat de sol - var sau ciment.
Fresca și mozaicul sunt principalele tipuri de artă monumentală, care, datorită durabilității și rezistenței culorilor, sunt folosite pentru decorarea volumelor și planurilor arhitecturale (pictură murală, plafoane, panouri).
Pictura de șevalet (poza) are un caracter și un sens independent. Amploarea și completitatea acoperirii viata reala afectează varietatea inerente pictura de șevalet tipuri și genuri: portret, peisaj, natură moartă, casnic, istoric, genuri de luptă.
Spre deosebire de pictura monumentală de șevalet, nu este legată de planul peretelui și poate fi expusă liber.
Semnificația ideologică și artistică a operelor de artă de șevalet nu se modifică în funcție de locul în care sunt amplasate, deși sunetul lor artistic depinde de condițiile de expunere.
Pe lângă tipurile de pictură numite, există una decorativă - schițe de decor teatral, decoruri și costume pentru cinema, precum și miniaturi și iconografie.
Pentru a crea o operă de artă în miniatură sau monumentală (de exemplu, o pictură pe un perete), artistul trebuie să cunoască nu numai esența constructivă a obiectelor, volumul, materialitatea acestora, ci și regulile și legile reprezentării picturale a naturii, armonia culorii, a culorii.


Într-o reprezentare picturală din natură, este necesar să se țină cont nu numai de diversitatea culorilor, ci și de unitatea lor, determinată de puterea și culoarea sursei de lumină. Nicio pată de culoare nu trebuie introdusă în imagine fără a o armoniza cu condiția generală de culoare. Culoarea fiecărui obiect, atât la lumină, cât și la umbră, ar trebui să fie legată de culoarea întreg. Dacă culorile imaginii nu transmit influența culorii luminii, acestea nu vor fi supuse unei singure game de culori. Într-o astfel de imagine, fiecare culoare va ieși în evidență ca ceva străin și străin unei anumite stări de iluminare; va apărea aleatoriu și va distruge integritatea culorii imaginii.
Astfel, unitatea naturală a culorilor prin culoarea generală a luminii este baza pentru crearea unei scheme de culori armonice a imaginii.
Culoarea este unul dintre cele mai expresive mijloace folosite în pictură. Artistul transmite în avion bogăția colorată a ceea ce vede, cu ajutorul unei forme de culoare pe care o cunoaște și reflectă lumea din jurul său. În procesul de reprezentare a naturii, se dezvoltă un sentiment de culoare și numeroasele sale nuanțe, ceea ce face posibilă utilizarea vopselelor ca principal mijloace de exprimare pictura.
Percepția culorii, iar ochiul artistului este capabil să distingă peste 200 de nuanțe, poate fi una dintre cele mai fericite calități cu care natura le-a înzestrat o persoană.
Cunoscând legile contrastului, artistul se ghidează după acele modificări ale culorii naturii reprezentate, care în unele cazuri sunt cu greu surprinse de ochi. Percepția culorii depinde de mediul în care se află obiectul. Prin urmare, artistul, în timp ce transmite culoarea naturii, compară culorile între ele, realizează ca acestea să fie percepute în interconexiune sau relații reciproce.
„A lua proporții de lumină și umbră” înseamnă a păstra diferența dintre culori în luminozitate, saturație și nuanță, în conformitate cu modul în care se desfășoară în natură.
Contrastul (atât în ​​lumină, cât și în culoare) este vizibil în special pe marginile petelor de culoare alăturate. Încețoșarea granițelor dintre culorile contrastante sporește efectul de contrast al culorilor, iar claritatea marginilor petelor îl reduce. Cunoașterea acestor legi extinde posibilitățile tehnice în pictură, permite artistului să folosească contrastul pentru a crește intensitatea culorii vopselelor, a le crește saturația, a le crește sau a le micșora luminozitatea, ceea ce îmbogățește paleta pictorului. Deci, fără a folosi amestecuri, ci doar combinații contrastante de culori calde și reci, puteți obține o sonoritate coloristică deosebită a unui tablou.

Trimiteți-vă munca bună în baza de cunoștințe este simplu. Utilizați formularul de mai jos

Studenții, studenții absolvenți, tinerii oameni de știință care folosesc baza de cunoștințe în studiile și munca lor vă vor fi foarte recunoscători.

postat pe http://www.allbest.ru

Caracteristicile picturii ca tip de artă plastică

pictura aparține un loc special printre alte arte : poate că nicio altă formă de artă nu este capabilă să transmită fenomenele lumii văzute, imagini umane cu atâta completitudine, mai ales când iei în considerare că majoritatea informațiilor de la care obținem lumea de afara cu ajutorul vederii acestea. vizual. pictură de artă portret peisaj natură moartă

Arta picturii a fost cea care a reușit să creeze imposibilul - să oprească momentul cu mult înainte de fotografiere: lucrări de acest fel șiarta printr-un moment reprezentat transmite anterioară ulterioară, trecută și viitor, presupusă de privitor.

Pictura - acest spectacol organizat de artist:

În ciuda faptului că pictorul întruchipează imagini reale în forme vizibile, nu sunt o copie directă a vieții;

Creând o imagine, artistul se bazează pe natură, dar în același timp o recreează pe materialul obținut ca urmare a experienței sale sociale și profesionale, aptitudinilor, măiestriei, gândirii imaginative.

Poate fi găsit câteva tipuri principale de experiență cauzate de picturi:

Recunoașterea obiectelor familiare înțelese prin vedere - pe baza acesteia, se nasc anumite asocieri cu privire la reprezentat;

· Obținerea unui sentiment estetic.

În acest fel, pictura îndeplinește funcții picturale, narative și decorative.

Tipuri de pictură și mijloacele sale expresive

Pictura este împărțită în următoarele tipuri:

· Monumental – decorativ – servește la completarea și proiectarea structurilor arhitecturale (picturi murale, plafoane, panouri, mozaicuri);

· Decorativ – folosit în alte arte (cinema sau teatru);

· Șevalet;

· Iconografie;

· Miniatura.

Cea mai independentă varietate este pictura de șevalet.

Pictura are mijloace expresive speciale:

· Poza;

· Colorare;

· Compoziție.

Poza - unul dintre cele mai importante mijloace expresive: este cu ajutorul acestuia și a componentelor desenului linii creată imagini din plastic. Uneori aceste linii sunt schematice, ele doar conturează construcțiile de volume.

Culoare -mijlocul principal de exprimare în arta picturii. În culoare, o persoană cunoaște lumea din jurul său. Culoare:

Se aliniază formă obiecte reprezentate;

· Modele spaţiu articole;

· Creează starea de spirit;

Formează un anumit ritm.

Sistem de organizare a culorilor, rapoarte de nuanță, cu care se rezolvă sarcinile imagine artistică, se numește culoare:

Într-un sens restrâns, este singura organizare adevărată a schemelor de culori a acestei imagini;

Într-un larg - comune pentru majoritatea legile oamenilor privind percepția culorilor, deoarece poți spune „culoare caldă”, „culoare rece”, etc.

În diferite perioade din istoria picturii au existat sisteme de culoare.

În primele etape a fost folosit culoare locală, excluzând jocul de culori și nuanțe: culoarea aici este parcă uniformă și neschimbată.

În timpul Renașterii, a existat culoarea tonului, Unde culorilecondiţionatpoziţia în spaţiu şi iluminarea lor. Se numește capacitatea de a desemna forma obiectului reprezentat cu lumină plastic de culoare.

Există două tipuri de culori tonale:

· dramatic - contrast de lumină și umbră;

· culoare - contrastul de culoare.

Pentru un artist, capacitatea de a folosi tehnica este foarte importantă. clarobscur, acestea. menține gradația corectă a luminii și întunericului în imagine, pentru că așa se realizează volumul obiectului reprezentat,înconjurat de un mediu cu aer ușor.

Compoziția în pictură în sensul cel mai general - plasarea figurilor, relația lor în spațiul tabloului. Compoziția combină o mare varietate de detalii și elemente într-un singur întreg. Relația lor cauzală se formează sistem închis, în care nimic nu poate fi modificat sau adăugat. Acest sistem reflectă o parte din lumea reală, care este realizată și resimțită de artist, evidențiată de acesta dintr-o varietate de fenomene.

În același timp, în domeniul compoziției există concentrarea ideilor ideologice și creative, deoarece se manifestă prin ea atitudinea creatorului față de modelul său. Imaginea devine un fenomen artistic numai atunci când este supus unui proiect ideologic, pentru că altfel nu se poate vorbi decât de simplă copiere.

N.N.Volkov atrage atenția asupra diferența dintre conceptele de „structură”, „construcție” și „compoziție”:

· Structura determinat un singur caracter de conexiuni între elemente, o singură lege a modelării. Conceptul de structură în raport cu o operă de artă este asociat cu multistratificarea unei opere de artă, adică în procesul de percepere a unei imagini, putem pătrunde în straturile mai profunde ale structurii acesteia;

· Constructie - este un tip de structură în care elementele sunt legate funcțional, deoarece integritatea sa depinde de unitatea funcţiei. În ceea ce privește imaginea, putem spune că funcția conexiunilor constructive din imagine este crearea și întărirea conexiunilor semantice, deoarece de obicei centrul constructiv este cel mai adesea nodul semantic;

· Compoziția operei de artă este o structură închisă cu elemente fixe, legate printr-o unitate de sens.

Una dintre principalele legi ale compozițieieste o limitare Imagini, care oferă oportunități celor mai importante în exprimarea intenției imaginii.

Formular de restricție joacă, de asemenea, un rol semnificativ - în practica artistică, de exemplu forme de baza:

· Dreptunghi.

Limitarea se aplică și pentru ce poate fi reprezentat, adică găsiți asemănarea exterioară în culori, linii pe un plan obiecte, persoane, spațiu vizibil etc.

În practica artelor plastice, se cunosc următoarele tipuri de compoziții:

· Stabil (static) - principalele axe compoziționale se intersectează în unghi drept în centrul lucrării;

· Dinamic - cu diagonale, cercuri și ovale dominante;

Deschis - liniile compoziționale par să divergă de la centru4

· Închis - are loc o contracție a liniilor spre centru.

Scheme de compoziție stabile și închise caracteristică practicii artistice renaştere,dinamic și deschis - pentru epoca barocului.

Tehnici și genuri principale de pictură

Expresivitatea imaginii și întruchiparea intenției artistice depind de ce tehnică de pictură este folosită de artist.

Principalele tipuri de tehnici de pictură:

· Pictura in ulei;

· Acuarelă;

· tempera;

· Pastel;

Frescă.

Pictura in ulei caracterizate prin faptul că pot fi folosite pentru a obţine soluții complexe de culoare - Vâscozitatea și timpul lung de uscare a vopselelor în ulei fac posibilă amestecarea vopselelor și obținerea diferitelor combinații ale acestora.

Baza obișnuită pentru pictura în ulei este o pânză de in acoperită cu sol semiuleios.

Sunt posibile și alte suprafețe.

Acuarelă diferit de alte tehnici transparenta si prospetimea culorii. Nu folosește alb și se folosește pe hârtie albă negrunsată, care le îndeplinește rolul.

Acuarelă interesantă, realizată pe hârtie brută.

tempera, preparat cu ulei de cazeină, ou sau liant sintetic, este una dintre cele mai vechi tehnici de pictură.

Tempera complică munca artistului prin faptul că se usucă suficient de repede și nu poate fi amestecată și, de asemenea, își schimbă culoarea atunci când se usucă, dar pe de altă parte culoare în tempera deosebit de frumos - calm, catifelat, neted.

pastel - pictura cu creioane colorate.

Oferă tonuri moi, blânde. Realizat pe hartie bruta sau piele intoarsa.

Lucrarile realizate in pastel, din pacate, sunt greu de conservat din cauza fluiditatii lor.

Acuarelă, pastel și guașă la care se face referire uneori grafică, deoarece aceste vopsele sunt aplicate pe hârtie negrunsată, totuși, ele au într-o măsură mai mare proprietatea specifică principală a picturii - culoare.

pictură în frescă se efectuează după cum urmează: pulberea pigmentului colorat se diluează cu apă și se aplică pe tencuiala udă, care ține ferm stratul de vopsea.

Are o istorie lungă.

În special, această tehnică este folosită pentru a decora pereții clădirilor.

În ciuda faptului că pictura este capabilă să reflecte aproape toate fenomenele din viața reală, cel mai adesea reprezintă imagini cu oameni, natură animată și neînsuflețită.

De aceea Principalele genuri de pictură pot fi luate în considerare:

· Portret;

· Peisaj;

· Natură moartă.

Portret

Portretîn sensul cel mai general este definit ca o imagine a unei persoane sau a unui grup de oameni care există sau a existat efectiv.

De obicei acestea sunt indicate caracteristici portretului în Arte Frumoase:

asemănarea cu modelul;

Reflectarea trăsăturilor sociale și etice prin ea.

Dar, desigur, portretul reflectă nu numai acest lucru, ci și atitudinea deosebită a artistului față de persoana portretizată.

Nu confunda niciodată portretele lui Rembrandt cu lucrările lui Velazquez, Repin cu Serov sau Tropinin, deoarece în portret sunt reprezentate două personaje - artistul și modelul său.

Inepuizabil tema principală a portretului -uman. Totuși, în funcție de caracteristicile percepției artistului asupra persoanei portretizate, apare o idee pe care artistul încearcă să o transmită.

În funcție de ideea unui portret, se determină următoarele:

· Soluție de compoziție;

· Tehnica picturii;

· Colorare etc.

Ideea lucrării dă naștere imaginii unui portret:

· Documentar-narativ;

Senzual din punct de vedere emoțional;

· Psihologic;

Filosofic.

Pentru soluţie documentar-narativă imaginea se caracterizează prin atracție pentru specificarea precisă a portretului.

Dorința de similaritate documentară predomină aici asupra viziunii autorului.

Soluție figurativă emoțională realizat mijloace picturale decorative iar autenticitatea documentară nu este necesară aici.

Nu este atât de important cum arată femeile lui Rubens ca prototipurile lor. Principalul lucru este admirația pentru frumusețea, sănătatea, senzualitatea lor, transmisă de artist către privitor.

La varietate portret filozofic poate fi atribuită „Portretului unui bătrân în roșu” al lui Rembrandt (c. 1654). În timpul maturității sale creative, astfel de portrete-biografii ale persoanelor în vârstă au fost foarte frecvente, care sunt reflecție filozofică a artistului despre acea perioadă viata umana când se rezumă rezultatele deosebite ale unei vieți lungi și dificile.

Artiștii aleg adesea ca model al tău de aceea este atât de comun auto portret.

În ea, artistul caută să se evalueze din exterior ca persoană, să-și determine locul în societate, pur și simplu să se capteze pentru posteritate.

Durer, Rembrandt, Velazquez, Van Gogh fac o conversație internă cu ei înșiși și în același timp cu privitorul.

Ocupă un loc aparte în pictură portret de grup.

Este interesant pentru că este portret general,și nu portrete ale mai multor personalități specifice descrise pe o pânză.

Într-un astfel de portret, desigur, există o caracteristică separată a fiecărui personaj, dar, în același timp, se creează o impresie a unei comunități, a unei unități a imaginii artistice („Regenții azilului de bătrâni din Haarlem” de F. Hals).

Uneori este foarte dificil să trasezi o linie între portretul de grup și alte genuri, deoarece vechii maeștri descriu grupuri de oameni adesea în acțiune.

Peisaj

Subiectul principal al descrierii genului peisajului este natura -fie natural, fie făcut de om.

Acest gen mult mai tineri decât alții. Dacă portretele sculpturale au fost create încă din anul 3.000 î.Hr., iar portretele picturale au o istorie de aproximativ 2.000 de ani, atunci începutul biografiei peisajului datează din secolul al VI-lea. d.Hr. și erau comune în Orient, în special în China.

Nașterea peisajului european a avut loc în secolul al XVI-lea și a dobândit independența genului abia de la începutul secolului al XVII-lea.

S-a format genul peisagistic, trecând de la un element decorativ și auxiliar în compunerea altor lucrări la un fenomen artistic independent, portretizând mediul natural.

Poate fi vederi reale sau imaginare asupra naturii. Unele dintre ele au propriile nume:

Peisajul arhitectural urban se numește reduta („Opera Drive” de K. Pissarro;

Vedere la mare - marina ( peisaje de I. Aivazovsky).

genul peisajului devine nu numai o reflectare a naturii, ci și mijloc de exprimare a unei anumite idei artistice.

Mai mult, după natura subiectelor sale preferate, într-o anumită măsură, se poate judeca structura emoțională a artistului și trăsăturile stilistice ale operei sale.

Din alegere aspect natural Sensul figurat al operei depinde de:

· început epic cuprinse în imaginea distanțelor de pădure, panorame montane, câmpii nesfârșite („Kama” de A. Vasnetsov).

Marea furtunoasă sau sălbăticia impenetrabilă întruchipează ceva misterios uneori severă (J. Michel „Furtuna”);

· liric tipuri de poteci acoperite de zăpadă, margini de pădure, bălți mici;

Dimineața însorită sau amiaza poate transmite sentiment de bucurie și pace„Nuferi albi” de C. Monet, „Curtea Moscovei” de V. Polenov).

Întrucât natura primordială este supusă treptat unei intervenții active a omului, peisajul capătă trăsăturile unui document istoric serios.

Peisajul este capabil să întrupeze chiar și pe unele senzații sociale ale epocii, cursul gândirii sociale: așa că la mijlocul secolului al XIX-lea, estetica peisajului romantic și clasic cedează treptat loc peisajului național, care capătă adesea un sens social; înregistrate în peisaj și debutul unei noi ere tehnice („New Moscow Yu. Pimenova”, „Berlin-Potsdam Calea ferata» A. Menzel).

Peisaj nu e doar un obiect de cunoaștere a naturii, un monument de artă, dar și o reflectare a stării culturii unei anumite epoci.

Natură moartă

O natură moartă descrie lumea lucrurilor din jurul unei persoane, care sunt plasate și organizate într-o compoziție integrală într-un mediu gospodăresc real.

Cam așa organizarea lucrurilor este o componentă a sistemului figurativ al genului.

Natura moartă poate avea valoare independentă,și poate deveni parte dintr-o compoziție de alt gen, pentru a dezvălui mai pe deplin conținutul semantic al operei, ca, de exemplu, în tablourile „Negustorul” de B. Kustodiev, „Bonavul” de V. Polenov, „Fata cu piersici” de V. Serov.

În picturile intriga-tematice, natura moartă, deși importantă, are o importanță subordonată, totuși, ca gen de artă independent, are mare putere expresivă. Prezintă nu numai esența exterioară, materială a obiectelor, ci într-o formă figurativă se transmit aspectele esențiale ale vieții, se reflectă epoca și chiar evenimente istorice importante.

Natura moartă este bună laborator de creatie, unde artistul își îmbunătățește abilitățile, scrisul de mână individual,

Natura moartă a avut perioade de declin și dezvoltare.

a jucat un rol important în formarea sa Pictori olandezi din secolele XVI-XVII.

S-au dezvoltat de bază, principii artistice:

· Realism;

· Observații subtile ale vieții;

· Un dar special de a transmite valoarea estetică a lucrurilor familiare.

În „micsurile” și „magazinele” preferate, materialul obiectelor era transferat cu multă pricepere; textura suprafeței fructelor, legumelor, vânatului, peștelui.

Este deosebit de important ca natura moartă subliniază legătura inseparabilă a omului cu lumea lucrurilor.

Pictori impresionisti a rezolvat problema creativă a unei naturi morți pitorești într-un mod ușor diferit.

Aici, principalul lucru nu a fost o reflectare a proprietăților obiectelor, tangibilitatea lor. DAR joc de lumină, culoare, prospețime de culoare (naturi moarte de K. Monet, maeștri ai ramurii ruse a impresionismului francez K. Korovin și I. Grabar).

Nu orice reprezentare a lumii lucrurilor pe hârtie sau pânză va fi considerată o natură moartă. Deoarece fiecare obiect are propriul său habitat și scop natural, plasarea lui în alte condiții poate provoca disonanță în sunetul imaginii.

Principalul lucru este că lucrurile combinate în compoziția naturii moarte creează imagine artistică armonioasă bogată emoțional.

Alte genuri de pictură

Genurile ocupă un loc semnificativ în arta picturii:

· Gospodărie;

· Istoric;

· Bătălia;

· Animalistic.

gen casnic înfățișează viața publică și privată de zi cu zi, de obicei, artist contemporan.

Tablourile acestui gen reprezintă activitatea de muncă a oamenilor („Fișitorii” de D. Velasquez, „În seceriș” de A. Venetsianov), sărbători („Dansul țărănesc” de P. Brueghel), momente de odihnă, petrecere a timpului liber ( „Young Couple in the Park” de T. Gaysborough , „Chess Players” de O. Daumier), cu gust național („Femeile algeriene în camerele lor” de E. Delacroix).

Genul istoric - surprinderea unor evenimente istorice importante. Acest gen include povești legendare și religioase.

Printre tablouri genul istoric poate fi numită „Moartea Cezarului” de K.T. von Piloty, „Predarea Bredei” de D. Velazquez, „Adio lui Hector lui Andromache” de A. Losenko, „Sbinyanok” de Zh.L. David, „Liberty Leading the People” de E Delacroix și alții.

Subiectul imaginiigen de luptă sunteți campanii militare, bătălii glorioase, fapte de arme, luptă („Bătălia de la Angyari” de Leonardo da Vinci, „Tachanka” de M. Grekov, „Apărarea Sevastopolului” de A. Deineka). Uneori este inclus în compoziția picturii istorice.

În imaginigenul animal afișat lumea animală (" Păsări” de M. de Hondekuter, „Caii galbeni” de F. Mark).

Găzduit pe Allbest.ru

...

Documente similare

    Originea și dezvoltarea artei olandeze în secolul al XVII-lea. Studiul operei celor mai mari maeștri ai picturii de gen și de peisaj olandez și olandez. Studiul caracteristicilor specifice unor genuri precum gen casnic, portret, peisaj și natură moartă.

    test, adaugat 12.04.2014

    Istoria dezvoltării tehnicilor de pictură în ulei în străinătate și în Rusia începând cu secolul al XVIII-lea. Etapele dezvoltării peisajului ca gen de arte plastice. Starea curenta pictură în ulei în Bashkortostan. Tehnologie pentru executarea peisajelor folosind tehnici de pictură în ulei.

    teză, adăugată 09.05.2015

    Portretul ca gen în pictură. Istoria portretului. Portret în pictura rusă. Construcția compoziției portretului. Tehnica picturii în ulei. Baza pentru pictură. Vopsele și pensule de artă în ulei. Paleta de coloranți și amestecarea vopselelor.

    teză, adăugată 25.05.2015

    Conceptul picturii de șevalet ca formă de artă independentă. Pictura coreeană din perioada Goguryeo. Arte plastice și arhitectură din Silla. Artiști proeminențiși creațiile lor. Caracteristici ale conținutului picturii populare coreene.

    rezumat, adăugat 06.04.2012

    Natura moartă ca unul dintre genurile de artă plastică, cunoașterea abilităților și abilităților de performanță picturală. Caracteristici ale utilizării vopselelor acrilice lichide. Cunoașterea sarcinilor picturii. Analiza artei ascetice intense a Bizanțului.

    lucrare de termen, adăugată 09.09.2013

    Tendințe în dezvoltarea picturii rusești, stăpânirea perspectivei liniare de către artiști. Răspândirea tehnicilor de pictură în ulei, apariția unor noi genuri. Un loc special pentru portrete, dezvoltarea unei tendințe realiste în pictura rusă a secolului al XVIII-lea.

    prezentare, adaugat 30.11.2011

    caracteristici generale, clasificarea și tipurile de peisaj ca unul dintre genurile reale ale formelor de artă. Identificarea trăsăturilor, relațiilor genului peisajului în pictură, fotografie, film și televiziune. Istoria apariției fotografiei la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea.

    rezumat, adăugat 26.01.2014

    Bazele artistice și istorice ale picturii peisagistice. Istoria peisajului rusesc. Caracteristici, moduri, mijloace ale peisajului ca gen. Caracteristici compoziționale și culoare. Echipamente și materiale pentru pictura în ulei ca unul dintre cele mai comune tipuri de pictură.

    teză, adăugată 14.10.2013

    Apariția naturii moarte și predarea picturii naturii moarte în artă și pedagogie institutii de invatamant. Sensul independent al naturii moarte ca gen de pictură. Natura moartă în arta rusă. Predarea științei culorii bazată pe pictura cu flori.

    teză, adăugată 17.02.2015

    Istoria dezvoltării naturii moarte, pictori celebri. Model de execuție, obiecte reprezentate, caracteristici compoziționale ale genului. Culoarea, mijloacele, tehnicile și tehnologia picturii în ulei. Reguli de bază pentru lucrul cu vopsele. Alegerea unei teme, lucrul cu pânză și carton.

Istoria picturii A început când o persoană a înfățișat pentru prima dată ceva pe prima suprafață care i-a apărut cu ajutorul vopselei. Cel mai probabil, acest lucru s-a întâmplat chiar înainte de a se realiza pe deplin ca bărbat. Și din moment ce omenirea s-a dezvoltat, a fost însoțită de pictură, atunci a descrie întreaga istorie a picturii într-un articol scurt este o sarcină a cărei complexitate se limitează la imposibil. Prin urmare, acest articol nu pretinde în niciun fel să acopere istoria mondială a picturii. Scopul nostru modest va fi atins dacă următoarele vor trezi în cititor un interes sincer, pe care îl poate satisface cu ajutorul unei varietăți de literatură disponibilă.

Pictura

Cu toate acestea, înainte de a înțelege suișurile și coborâșurile istoriei, să aflăm ce este pictura.

TSB oferă următoarea definiție:

Pictura este un tip de artă plastică, opere de artă, care sunt create folosind vopsele aplicate pe orice suprafață solidă.

Dicționarul explicativ al limbii ruse Ushakov este scurt:

Pictura este arta de a reprezenta obiecte cu culori.

Micul dicționar enciclopedic al lui Brockhaus și Efron, dimpotrivă, este verbos:

Pictura este arta de a înfățișa obiecte la suprafață cu vopsele, cu scopul de a impresiona privitorul asemănător cu cel pe care l-ar primi de la obiectele reale ale naturii, de asemenea prin totalitatea și natura obiectelor reprezentate pentru a evoca o anumită stare de spirit în privitor sau exprima orice idee artistică.

Ei bine, dacă nu intrați în detalii (și nu vorbiți despre asta cu criticii de artă), atunci pictura este tot ceea ce este reprezentat cu vopsele pe ceva solid și reprezentând cel puțin un fel de valoare artistică. Ultima clauză spune că obscenitatea pictată pe gard, vai, nu poate fi considerată pictură.

petroglife

După cum am spus la început, pictura a apărut în momentul în care prima umanitate a înfățișat pentru prima dată ceva pe o suprafață solidă. Deoarece la începutul dezvoltării lor oamenii locuiau în peșteri și stânci, acolo au fost realizate primele lucrări de pictură, folosind mijloace improvizate.

Astfel de imagini sunt numite artă rupestre sau petroglife. Tehnica artiștilor primitivi poate părea primitivă, dar, pe de altă parte, nu trebuie uitat că cei care le-au pictat ar putea fi foarte bine strămoșii homo sapiens și, prin urmare, arta rock este și un exemplu de evoluție umană. Coloranții minerali au fost folosiți ca vopsele - în principal ocru multicolor și oxizi de mangan.

Petroglifele se reflectă într-o varietate de subiecte, de la vânătoare la motive rituale și memoriale. Cele mai comune imagini cu animale.

1. Arta rupestre Spania, pestera Altamira

Pictura din Egiptul Antic

Cu toate acestea, pe măsură ce timpul a trecut și s-a dezvoltat societatea umana. Următoarea etapă de dezvoltare după cea primitivă a fost civilizația egipteană antică, care a adus o contribuție neprețuită la istoria mondială a picturii.

O caracteristică izbitoare a picturii Egiptul antic a existat devotament față de tradițiile strămoșilor și aderarea la anumite principii artistice. Istoria picturii Egiptul antic a fost în mare parte influențat de religie. Mai mult decât atât, este în general dificil să se separe arta din acea vreme de religie, iar majoritatea monumentelor supraviețuitoare ale picturii egiptene au avut un scop religios. Prin urmare, autorii lor au trebuit să urmeze anumite canoane stabilite, care proveneau dintr-o serie de convenții ale artei primitive.

Exemple în acest sens sunt imaginile cu obiecte și animale care nu sunt invizibile nici pentru privitor, nici pentru artist, dar care pot fi prezente cu siguranță într-o anumită scenă (de exemplu, pești și crocodili sub apă); o imagine a unui obiect folosind o enumerare schematică a părților sale (frunze de copaci sub forma unui set de frunze aranjate convențional sau penaj de păsări sub formă de pene individuale); o combinație în aceeași scenă de imagini cu obiecte luate din unghiuri diferite (de exemplu, o pasăre a fost înfățișată în profil, iar coada este deasupra; figura umană are un cap în profil, un ochi în față, umerii și brațele în față și picioare în profil) .

Desigur, existența unui sistem atât de strict de canoane a necesitat crearea a ceea ce, în câteva mii de ani, s-ar numi „manual al artistului”. Și astfel de dovezi scrise au ieșit la iveală. Totuși, mai târziu respectarea canoanelor a jucat un rol conservator, inhibitor, împiedicând dezvoltarea tendințelor realiste.




2. Un fragment din pictura mormântului lui Tutankhamon. Egipt, cca 1450 î.Hr

Pictura din Grecia Antică

Timpul a trecut, iar civilizația egipteană a căzut în decădere. După cum toată lumea își amintește foarte bine, a fost înlocuită cu greaca veche, iar acest lucru nu a putut decât să afecteze istoria picturii mondiale.

Specificul artei grecești antice constă parțial în faptul că grecii preferau să folosească produse ceramice pentru pictură. Prin urmare, adesea pictura greacă veche este numită și pictură în vază.

Grecii antici au avansat mult în direcția picturii realiste. Arta clarobscurului descoperită de ei a făcut posibilă umplerea lucrărilor picturii cu un volum și o senzualitate fără precedent și a avut o mare influență asupra istoriei dezvoltării picturii.

Primul care a folosit noua tehnică a fost Apolodor din Atena, pentru care i s-a dat porecla Scriitorul de umbre. A fost urmat de alți pictori celebri care au aplicat această tehnică: Zeuceis, Parrhasius și Timanf. Lucrarea lor, în comparație cu grafica obișnuită, este plină de emoție, cu toate acestea, în ciuda acestui fapt, pictura monumentală nu a primit o asemenea distribuție precum pictura în vază.

Tehnica picturii în vază a fost destul de simplă: obiectele de lut erau acoperite cu ornamente și diverse subiecte. Inițial s-a folosit doar stilul figurilor negre, care consta din imagini negre pe fond roșu (lut copt). Mai târziu, a apărut un stil cu figuri roșii (lac negru), în care fundalul dintre picturi a fost aplicat cu lac negru, iar figurile în sine au rămas de culoarea lutului pe care a fost înfățișat totul.

Toate desenele erau plane, cu caracter grafic. Desenele de pe vaze ne extind înțelegerea artei grecești, a interioarelor, a vieții de zi cu zi, a costumelor oamenilor și a particularităților de a vedea lumea.


3. Pictura cu amforă attică cu figuri negre din Roma Antică.

Vorbind despre istoria mondială a picturii, este imposibil să nu vorbim despre arta Romei Antice.

Natura agresivă a politicii romane a dus la faptul că tradițiile artistice ale multor popoare s-au împletit în arta romană antică. În plus, spre deosebire de greci, romanii pragmatici erau mai prozaici în privința artei. O caracteristică a artei Romei este cea mai strânsă legătură cu viața.

Odată cu transferul de accent pe interior și apariția camerelor de ceremonie în casele și vile romane, un sistem de picturi murale extrem de artistice s-a dezvoltat pe baza tradiției grecești. Picturile pompeiene introduc principalele caracteristici ale frescelor antice. Romanii foloseau pictura și pentru decorarea fațadelor, folosindu-le ca semne pentru spații comerciale sau ateliere de meșteșuguri. În istoria picturii, picturile pompeiene sunt de obicei împărțite în 4 grupe, numite condiționat stiluri. Primul stil, incrustat, larg răspândit în secolul al II-lea. î.Hr e. Imită placarea pereților cu pătrate de marmură multicoloră sau jasp.

Din anii 1980 î.Hr e. a fost folosit al doilea stil - arhitectural și promițător. Pereții au rămas netezi și au fost împărțiți de coloane, pilaștri, cornișe și portice executate pitoresc - iluzoriu. Interiorul a căpătat splendoare datorită faptului că o compoziție mare cu mai multe figuri a fost adesea plasată între coloane, reproducând în mod realist comploturi pe teme mitologice din lucrările unor artiști greci celebri. Atracția față de natură inerentă romanilor i-a determinat să reproducă iluzoriu peisaje pe scene folosind perspective liniare și aeriene și, prin urmare, să extindă spațiul interior al încăperii.

Al treilea stil, oriteizing, este caracteristic epocii imperiului. Spre deosebire de splendoarea celui de-al doilea stil, al treilea stil se distinge prin rigoare, grație și simțul proporției. Compoziții echilibrate, ornament liniar, pe un fundal luminos, subliniază planul peretelui. Uneori iese în evidență câmpul central al zidului, unde sunt reproduse picturile unui maestru antic celebru.

Al patrulea stil decorativ se răspândește la mijlocul secolului I. ANUNȚ Cu splendoarea și decorativitatea soluției spațiale și arhitecturale, el continuă tradiția celui de-al doilea stil. În același timp, bogăția motivelor ornamentale amintește de picturile murale din al treilea stil.


4. Frescă romană antică.

Istoria picturii ruse

Vorbind despre istoria dezvoltării picturii, nu se poate să nu menționăm pictura rusă. Cercetătorii cred că rădăcinile picturii rusești se află în tradiția poporului slav de est, care era bine cunoscut în Europa în secolul al VI-lea. Și se numea ante.

Ca toate celelalte state ale Europei, în a doua jumătate a secolului al XI-lea, Rusia a cunoscut o perioadă de fragmentare națională și atunci arta rusăși-a dobândit unic trăsături de caracter. Artă Rusia Kievană a fost de ajuns nivel inalt, cu toate acestea, cu greu poate fi numită originală, deoarece, fiind botezat în secolul al X-lea, prințul Vladimir a împrumutat în același timp tradițiile artistice ale Bizanțului, care s-au împletit în mod complex cu principiile artistice păgâne. Desigur, slavii estici aveau o cultură foarte dezvoltată și, prin urmare, tradițiile bizantine s-au schimbat rapid în conformitate cu rușii originari.

Arta rusă propriu-zisă s-a dezvoltat din arta bizantino-rusă a Rusiei Kievene. Mai mult, s-a dezvoltat ca artă a principatelor individuale care s-au separat de ținuturile Galice-Volyn, Rostov-Suzdal și Novgorod. Până în secolul al XII-lea, arta rusă poate fi considerată pe deplin formată. Din păcate, dezvoltarea picturii rusești a fost serios încetinită din cauza jugului greu tătar, care a durat mai bine de trei sute de ani.

O nouă ascensiune în istoria picturii ruse a început în secolul al XV-lea, când majoritatea ținuturilor s-au unit în jurul Moscovei. Această epocă este adesea numită epoca de aur a artei antice rusești. În acest moment, au fost create lucrări care au devenit exemple clasice ale școlii de la Moscova. Dezvoltarea culturii ruse a avut loc pe o cale comună țărilor europene. Atât în ​​Occident, cât și în Răsărit, pictura a fost, în primul rând, pictură bisericească, de aceea, în primul rând, a fost pictura icoană și pictura monumentală - fresce.

Pictura icoanelor rusești a moștenit tehnicile maeștrilor bizantini. În același timp, propriile lor tradiții s-au născut în Rusia. Icoanele rusești nu erau simple imitații, ci aveau propriul stil, iar maeștri precum Andrei Rublev au ridicat nivelul picturii icoanelor la noi culmi.

Primele portrete realiste au apărut în Rusia în secolul al XVII-lea; la mijlocul până la sfârșitul secolului al XVIII-lea, în Rusia au apărut pictori importanți precum Levitsky și Borovikovsky.

De atunci, istoria picturii ruse a urmat tendințele globale. Artiști remarcabili din prima jumătate a secolului al XIX-lea au fost Kiprensky, Bryullov, Ivanov („Apariția lui Hristos către oameni”).

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, pictura realistă a înflorit. A fost fondată Asociația creativă a artiștilor ruși „Asociația Călătorilor”. Expoziții de artă(The Wanderers), care includea artiști atât de mari precum Vasnetsov, Kramskoy, Shishkin, Kuindzhi, Surikov, Repin, Savrasov.




5. Tabloul lui Vasnețov „Bogatyrs”.

Desigur, istoria artei nu se limitează la ceea ce am spus noi. Timpul a trecut și istoria s-a schimbat. S-a dezvoltat civilizația umană și odată cu ea s-a dezvoltat și pictura. Evul Mediu, Renaștere, Reforma, Nou și Cel mai nou timp a adus multe stiluri și tendințe noi în pictură. Din fericire, există acum o mare cantitate de literatură în care se poate găsi o relatare detaliată a fiecăreia dintre aceste mari epoci.

http://www.vlasta-tula.ru/articles/show-15.htm

Cele mai multe dintre picturile pe care le vedeți sunt picturi de șevalet. Acest termen înseamnă că picturile au fost pictate pe un șevalet special. Pot fi înrămate, atârnate pe perete sau oferite cadou. Cu alte cuvinte, un tablou de șevalet este un tablou pictat pe un fundal plat: hârtie, pânză, tablă. Acest tip de pictură este dominat de picturile în ulei, dar există și tablouri în care se folosesc alte materiale - guașă și acuarelă, pastel, cerneală, cărbune, vopsele acrilice, creioane colorate etc.
Unul dintre tipurile aplicate de pictură de șevalet este pictura teatrală și decorativă - schițe de costume pentru eroi și mise-en-scene.

Pictura monumentală - pictura clădirilor

Pictura monumentală nu poate exista separat de locul în care se realizează. Acest tip de pictură a fost foarte popular în secolele XVI-XIX, când au fost construite temple maiestuoase și cei mai buni artiștiși-au pictat bolțile. Cel mai comun tip de pictură monumentală este frescă, pictura cu vopsele pe bază de apă pe tencuială udă.

Pictura pe tencuială uscată - secco - era și ea comună, dar astfel de lucrări au supraviețuit mai rău până în vremurile noastre. Cel mai faimos exemplu de pictură monumentală este pictura pe scară largă a Capelei Sixtine, la care a participat Michelangelo. Potrivit criticilor, frescele capelei pot fi echivalate cu A opta minune a lumii.

Cele mai vechi lucrări de pictură monumentală sunt picturile rupestre ale primilor oameni.

Pictura decorativa - arta aplicata

Pictura decorativă este strâns legată de arte și meșteșuguri. Ea joacă un rol de susținere în decor. diverse articole. Pictura decorativă este o varietate de modele și ornamente care decorează articole de uz casnic, mobilier, arhitectură. Autorii acestui tip de pictură pot fi necunoscuți - picturi simple de case țărănești și mobilier aparțin și ele acestui tip.

Pictură în miniatură - lucruri mici drăguțe

Inițial, pictura în miniatură a fost arta proiectării cărților. Cărțile vechi erau făcute cu mare grijă și erau foarte scumpe. Pentru decorarea lor au fost angajați meșteri speciali, care au proiectat frumos majusculele, copertele și screensaverele dintre capitole. Aceste publicații au fost o adevărată operă de artă. Au existat mai multe școli care au aderat la canoanele stricte ale picturii în miniatură.

Mai târziu, miniaturile au început să fie numite orice pictură la scară mică. Au fost folosite ca suveniruri și cadouri memorabile. În ciuda dimensiunilor sale mici, acest tip de pictură necesita o mare precizie și îndemânare. Cele mai populare materiale pentru miniaturi suvenir au fost lemnul, osul, piatra și plăcile metalice.

Sfatul 2: Care sunt tipurile de șevalet: de bază și populare

Desenul este una dintre cele mai interesante direcții ale creativității. Dar pentru a picta o imagine, trebuie să alegeți corect nu numai pensulele și vopselele, ci și un șevalet.

Pentru unii oameni, creativitatea, și anume desenul, este o parte integrantă a vieții sub forma unui hobby sau activitate profesională. Artiștii și amatorii acordă o importanță deosebită materialelor și dispozitivelor cu care lucrează. Deci șevaletele sunt o parte integrantă proces creativ, deci este nevoie să luați în considerare aceste elemente auxiliare mai detaliat.

Deci in acest moment Există trei tipuri principale de șevalet, acestea sunt: ​​șevalet trepied, șevalet cu panouri verticale (staționare) și caiete de schițe. Fiecare tip de șevalet are propriul său trasaturi caracteristice. De exemplu, trepiedele sunt foarte ușor de asamblat și utilizat. Un astfel de șevalet poate fi întotdeauna dezasamblat, în timp ce atunci când este pliat, acest dispozitiv ocupă foarte puțin spațiu.

În același timp, șevaletele cu panouri verticale sunt foarte convenabile, având funcții de reglare a înălțimii și unghiului de înclinare, dar ocupă mult spațiu datorită staționarității. Principiul de fixare a hârtiei sau pânzei întinse în aceste tipuri de șevalet este practic neschimbat. În partea de jos există un mic panou pentru amplasarea consumabilelor: creioane, vopsele, pensule și alte lucruri.

Caietele de schițe pot fi folosite în natură pentru a picta imagini din viață. În același timp, la asamblare, acest dispozitiv se transformă într-o valiză mică cu care poți face călătorii lungi până la locul unde este scrisă pânza.

Cele mai populare șevalet

Sevaletele trepied sunt cele mai populare. Acest lucru se datorează confortului și compactității lor. În plus, un astfel de șevalet poate fi realizat independent dacă nu doriți să cheltuiți bani pentru a-l cumpăra.

Pentru lucrul în studio sau acasă, se folosesc adesea șevalet de masă, adică șevalet cu panou vertical. Acest tip este convenabil atunci când lucrați într-un singur loc, deoarece transportul său este îngreunat de incapacitatea de a dezasambla obiectul în mai multe piese mici urmată de asamblare. În același timp, fiecare tip de șevalet este conceput pentru o utilizare specifică, cu toate acestea, trepiedul poate fi considerat pe drept cel mai versatil, deoarece poate fi folosit atât pentru loc de munca permanentîn studio și pentru lucrul din natură în natură, desigur, dacă nu este prea mare.

Surse:

  • Clasificarea șevaletelor

Arta de a decora suprafețele cu vopsele și o pensulă se numește pictură artistică. Însuși conceptul de pictură este foarte diferit de pictură, deoarece face parte din spațiul conceput de artist.



Pictura artistică a fost aplicată inițial oricăror materiale democratice și ușor de obținut: piele, lemn, țesături naturale, lut și os. Abilitățile au fost transmise din generație în generație de către maeștri, specific tehnici artistice, care a ajutat la recunoașterea produsului. De-a lungul timpului, s-a ales cea mai semnificativă și expresivă aplicare a ornamentului. În arhitectură, tavanele, bolțile, pereții, grinzile erau decorate cu picturi, iar în viața de zi cu zi, decorul era aplicat articolelor de uz casnic.

Sistematizarea diferitelor tipuri de pictură a fost începută pentru prima dată în 1876 de către profesorul A.A. Isaev în cartea sa în două volume intitulată „Meșteșugurile provinciei Moscova”. Întreprinderile de pictură artistică își dezvoltă încă afacerile pentru a satisface cererea de pe piețele din Rusia și din străinătate.

Pictura Khokhloma

Îndemânarea unei pensule fine, care provenea de la mănăstiri, era folosită în bogatul ornament floral. De acolo, secretul a fost derivat despre cum să pictezi vasele în culoarea aurie fără a folosi aur. Pictura nu s-a schimbat în prezent, iar procesul din cele mai vechi timpuri până în zilele noastre este același. Un semifabricat de vase este transformat din lemn pe un strung, apoi amorsat cu o soluție de argilă special preparată sau se folosesc grunduri artificiale. Vasele sunt acoperite cu vopsea pe bază de tablă sau argint, mai rar - aluminiu. Ei pictează în funcție de motivul conceput și îl usucă într-un cuptor, apoi îl lac și fac din nou uscare la cald.

Deoarece produsul este supus unui tratament termic intensiv de mai multe ori, vopselele au fost alese dintre cele a căror strălucire temperaturi mari nu a influențat. Este negru, auriu și cinabru.

porțelan Gzhel

Gzhel este unic, deoarece fiecare artist, folosind motive clasice și familiare, creează tehnica individual. Rolul principal revine experienței maestrului și mișcării pensulei sale. În același timp, tranzițiile armonioase de la albastru închis la albastru pal apar pe alb dintr-o singură lovitură. Se folosește o singură vopsea, cobalt, iar desenul se face foarte repede, prima dată.

Matryoshka

Aceste figurine de diferite dimensiuni, cuibărite una în alta, provin din Japonia. Aceste păpuși au câștigat o mare popularitate în 1900, după o expoziție la Paris. Producția principală a avut loc în satul Polkhovsky Maidan, care era renumit atât pentru pictură, cât și pentru strungari - la urma urmei, forma păpușilor de cuib trebuia sculptată.

Matryoshka Polhov are trăsături distinctive, prin care poate fi recunoscut printre altele. Ea are o față pictată cu mici linii și o floare de trandafir sălbatic în zona frunții. Culoarea eșarfei contrastează cu culoarea rochiei de soare, iar din spate matrioșca este 2/3 stacojiu sau verde. Șorțul este oval și merge de la gât până la pământ.

Cea mai dificil de procesat, matrioșca încrustă cu paie de la Vyatka.

Aproape fiecare fată, dacă ea timp liber nu este supraîncărcat cu studii sau întâlniri, are unul sau mai multe hobby-uri. Unii dintre ei o captivează cu originalitatea lor pentru scurt timp, alții sunt însoțitori de viață.



Instruire

Cel mai obișnuit tip de hobby feminin poate fi numit toate tipurile de ac: tricotat și croșetat, macrame, cusut, broderie. Un astfel de hobby nu apare de la zero, el vine în mod tradițional de la mame și bunici care sunt angajate în ele în prezența fiicelor și nepoatelor lor. Fetița devine curioasă și le roagă pe adulți să-i arate cum să facă butoniere, noduri, cusături sau cusături de lanț. La început, nu funcționează și poate chiar să renunțe la noul ei hobby pentru o vreme, dar după câțiva ani natura își va face plăcere, iar acum o adolescentă își va coase primii blugi sau va tricota o beretă.

Nu necesită atât de mult timp, lăsând serile libere pentru alte activități, este floricultura. Toate femeile iubesc florile, iar cele crescute cu propriile mâini sunt de cel mai mare interes. Urmărirea aspectului lăstarilor, creșterea lor în dimensiune și înflorirea ulterioară este asemănătoare cu maternitatea, motiv pentru care face plăcere multora dintre sexul frumos. Dacă nu aveți răbdarea să aveți grijă de trandafiri și violete, puteți începe cu chlorophytum, spathiphyllum sau cactusi simpli.

Primele hobby-uri pe care le are un copil mic sunt desenul și trecerea la muzică. Dacă există un talent pentru ei, atunci întreprinderile nu vor fi pierdute, ci se vor dezvolta în capacitatea de a afișa lumile exterioare și interioare prin pictură și dans. Dacă nu există talent, dar sufletul cere insistent exprimarea tuturor impulsurilor sale, atunci fata devine un fotograf bun. Fotografiile ei prezintă cel mai adesea rude și prieteni, locuri semnificative și colțuri ale naturii care au captat imaginația.

O altă metodă de a-ți realiza potențialul este să faci meșteșuguri din diverse materiale. Aceasta este modelarea cu lut și fabricarea de săpun, sculptura și design. Acesta din urmă se poate transforma într-o profesie și poate deveni o modalitate bună de a câștiga bani. Și sculptura poate fi numită un fel de hobby comun, dar departe de atotcuprinzător - gătitul. Aproape fiecare fată este capabilă să gătească cel mai simplu terci și supă, să coace pizza din tot ce se află în frigider, dar doar câteva dintre ele au arta de a pregăti mâncăruri originale.

Și, în sfârșit, hobby-ul general al femeilor de toate vârstele și categoriile sociale este ghicitorul. Cel mai adesea pe cărți, dar pentru a obține rezultate sunt folosite și pendulele, zațul de cafea, chiromanția și alte metode de divinație. A cunoaște trecutul și viitorul nu poate fi plictisitor și specializarea în formă separată poate transforma o fată într-un adevărat maestru.

Rotund și plat, cu mâner de lemn și plastic, jder și ponei. O varietate de forme și tipuri de pensule îl ajută pe artist să creeze capodopere pe pânză sau hârtie. Deci, de exemplu, o perie de veveriță este folosită în principal pentru a lucra cu vopsea acuarelă, iar o perie liniară este folosită pentru scris.



Forme de pensule

Una dintre cele mai comune și versatile forme de perie este rotundă. Un pachet dintr-o astfel de perie este fixat într-o clemă rotundă, de obicei metalică. Periile pot fi de diferite dimensiuni. Un fascicul mic este folosit pentru a crea miniaturi, iar un fascicul mare este folosit pentru peisaje mari. O pensulă rotundă oferă o linie uniformă de aceeași grosime, deși un artist priceput o poate varia.

Este bine să lucrați suprafețe mari ale compoziției cu perii plate, acestea țin multă vopsea în sine. Mișcările cu o astfel de perie sunt netede și largi.

Peria numită „ochi de pisică” are o formă ovală sau bombată. O astfel de perie este foarte individuală în utilizare și poate fi aplicată în același mod ca rotund și plat.

O subspecie de perii plate este contur, au o formă similară, dar pachetul este mai scurt și, în consecință, mai elastic. Astfel de pensule sunt folosite pentru tehnicile de pictură în ulei, sunt ușor de realizat mișcări plate și contururi clare.

Pensulele tip au o grămadă lungă rotundă, cu un vârf subțire, ascuțit, care vă permite să scrieți și să aplicați contururi. Astfel de perii sunt folosite cu vopsele lichide.

Periile de retuș aparțin și unei varietăți de perii plate, particularitatea lor constă în vârful tăiat în unghi. Aceste pensule sunt folosite pentru a crea linii foarte subțiri și tranziții fine și precise de la o culoare la alta. Acest lucru se datorează vârfului subțire și ascuțit.

Pensule de linie, ca și pensule de tip, au o formă rotundă, lungă de fascicul și sunt folosite pentru a aplica inscripții și pentru a crea linii lungi și uniforme. Periile de linie sunt mai scurte decât cele de tip, dar mai lungi și mai subțiri decât cele rotunde.

Pensulele flute, pe lângă vopsire, se folosesc la aplicarea machiajului, și anume, pudră sau fard de obraz. Aceste pensule moi sunt concepute pentru pictura gratuită cu acuarele. Rețin multă apă, astfel încât pot desena linii lungi, solide și uniforme fără întrerupere.

Periile pentru evantai au o grămadă subțire în formă de evantai. Sunt folosite pentru a crea întinderi subtile de culoare, tranziții de culoare și contraste.

Tipuri de perii

Pe lângă forme și dimensiuni, există o diferență semnificativă în ceea ce privește tipurile de perii, și anume, din ce fel de păr este făcut pachetul. Cel mai comun tip de perie este veverița. Astfel de perii sunt făcute din firele de păr prelucrate ale unei veverițe, deoarece cea mai lungă grămadă se află în coadă. Periile de veveriță sunt foarte moi și delicate, așa că necesită îngrijire specială. Sunt folosite pentru a lucra cu vopsea de acuarelă sau altă vopsea pe bază de apă.

Periile Kolinsky sunt fabricate din părul de coadă kolinsky prelucrat. Aceste perii sunt destul de moi si in acelasi timp elastice. Prin urmare, sunt folosite

Acesta este un tip de artă plastică în care imaginile sunt transmise prin aplicarea de vopsele pe orice suprafață (pânză, hârtie, sticlă, tencuială de var, piatră etc.). Există două domenii principale de pictură - șevalet și monumental. Șevalet include lucrări create pe șevalet artistului, adică pe Mașina sa. Și monumental include pictura, care este reprodusă în principal pe orice structuri arhitecturale (pictură de biserici, temple, execuție de fresce etc.)

- Genuri de pictură

Acestea sunt tipuri diferite de lucrări, împărțite în funcție de temele și obiectele imaginilor.

Se disting următoarele genuri principale:

Portret- un gen în care artistul transmite caracteristicile vizuale ale modelului din imaginea creată. El poate descrie asemănarea completă a liniilor, formelor, culorilor, aspectul real al unei persoane sau poate folosi propria sa viziune și interpretare a imaginii.

Ilya Repin. „Portretul lui Modest Mussorgski”

Ivan Vișniakov. „Portretul lui Sarah Eleonora Fermor”

Natură moartă- un gen care se bazează pe imaginea obiectelor neînsuflețite. Dacă traducem acest cuvânt din limbi diferite, va însemna - Natură moartă sau Viață nemișcată. Acest gen este dedicat reprezentării obiectelor unite într-un grup, un complot. În natura moartă, pe lângă lucrurile neînsuflețite (ulcioare, tacâmuri, figurine etc.), pot fi folosite și lucruri animate, dar acestea sunt deja îndepărtate de mediul lor natural și nu sunt considerate ca atare, de exemplu, peștii de pe așezat masă sau flori adăugate la buchet. Imaginea ființelor vii în mișcare - păsări, animale, este folosită în cazuri rare și doar ca adaos. Se acordă multă atenție elaborării detaliilor, texturilor.


Paul Cezanne. „Natura moarta cu mere si portocale”



Heda, Willem Klas. Natură moartă.

Intern- un gen în care principala este imaginea vieții de zi cu zi a oamenilor. Este folosit și în sculptură și grafică. Originea sa a avut loc în antichitate, când s-a acordat multă atenție vieții și muncii oamenilor de rând. Chiar și atunci, acest gen a fost folosit pentru pictura murală și ceramică.


Vasili Perov. "Troica"



Vasili Vereșchagin. „Vizită la un prizonier de către familia lui în Italia”

Mitologic- acest gen este dedicat reprezentării eroilor, diverse scene din mitologie. Mituri și legende au existat dintotdeauna și există printre popoarele lumii și aceasta este o sursă foarte valoroasă pentru creativitate. Baza genului este că artistul poate interpreta liber subiecte mitice.


Sandro Botticelli. „Nașterea lui Venus”



Titian. „Bacchus și Ariadna”

animalistic- gen, tema principală care este imaginea animalelor separat, sau pe fundalul naturii, scene de vânătoare. A început din timpurile primitive, când mormintele, vazele, templele erau pictate cu imagini de animale. Lucrările artiștilor animale sunt adesea folosite pentru a ilustra opere literare.


Paulus Potter. „Tânărul taur”



Jan Soarta. „Peisaj cu păun”

Luptă- acest gen este dedicat reprezentării bătăliilor militare, maritime sau terestre, campaniilor militare. Artiștii încearcă să surprindă scenele cheie și eroii principali ai bătăliei în munca lor. De asemenea, ele descriu adesea scene din viața militară.


Vasili Vereșchagin. „Apoteoza războiului”



Bogdan Willewald. „Isprava regimentului de cavalerie în bătălia de la Austerlitz din 1805”

Peisaj- un gen în care rolul principal este atribuit imaginii naturii primordiale sau naturii modificate de om. Artiștii acestui gen transferă, de asemenea, parcele ale mediului urban și industrial pe pânzele lor. În imaginea peisajului este foarte importantă transmiterea atmosferei, modificarea valorii luminii, schimbarea acesteia.


Ivan Șișkin. "Polesie"

Istoric- un gen, a cărui esență este să înfățișeze tot felul de evenimente din trecutul istoric, scene din viața oamenilor.


Ilya Repin. „Ivan cel Groaznic își ucide fiul”



Nicolae Ge. „Petru I îl interoghează pe țareviciul Alexei Petrovici la Peterhof”

Marina - gen, care este un fel de peisaj. Rolul principal în ea este ocupat de imaginea vederilor la mare, a bătăliilor și a tuturor evenimentelor care sunt asociate cu marea. Artiștii care scriu în acest gen sunt numiți pictori marini.


Aivazovsky „Marea furtunoasă noaptea”



Thomas Moran„Apus de soare pe mare”

- Direcții de pictură

1. Expresionismul abstract

Expresionismul abstract este într-un fel legat de suprarealism, ele sunt similare prin faptul că lucrările sunt create fără o înțelegere exactă a intrigii. În lucrările sale, artistul își poate exprima toate emoțiile și sentimentele, desenând rapid, folosind pensule mari, lovituri, uneori picurând vopsea pe pânză. Foarte des, imaginea este creată chiar în fața privitorului, ca un mic spectacol, dezvăluind întreaga gamă de expresii. Această direcție i s-a dat un alt nume, destul de caracterizator, „Action Painting”

Maeștrii expresionismului abstract sunt: ​​Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline, Lee Krasner.


Jackson Pollock"Figura scurtă"

2. Artă abstractă

Abstracționismul poate fi considerat în siguranță o artă asociativă. Lucrările acestei direcții sunt departe de a înfățișa realitatea și sunt o expresie a înțelegerii de către artist a lumii din jurul său. Locul principal în astfel de lucrări este acordat elementelor formale: linii, pete de culoare, figuri abstracte. Unul dintre scopurile abstractionismului este realizarea armoniei prin crearea anumitor combinații geometrice și de culori care vor evoca diverse asocieri în privitor.

Principalii reprezentanți ai direcției au fost: Wassily Kandinsky, Pablo Picasso


Wassily Kandinsky: „Galben-roșu-albastru”



Pablo Picasso: „Guernica”

3. Avangardă

avangarda este denumirea comună curente experimentale, începuturi de secol XX, care au negat abordările și metodele tradiționale ale desenului academic. Scopul lor principal a fost dorința de a se elibera de cadrul și formele stabilite, crearea unei arte complet noi. În lucrări, se realizează adesea imitarea lumii reale în tehnologia primitivă, negarea semnificației existenței umane.

4. Academicismul

Această direcție a fost fondată în momentul creării unor grupuri creative și academii care au căutat să creeze reguli și cadre pentru creativitate și să devină un loc învăţământul profesional. Sistemul unui astfel de antrenament era foarte strict și concentrat pe evenimentele semnificative ale epocilor. Pe de o parte, academismul a păstrat tradiții clare ale picturii, pe de altă parte, a interferat cu dezvoltarea talentelor originale care ar avea propria lor viziune. Desenul academic nu a fost controversat și sfidător, prin urmare s-a înțeles ușor cu toate schimbările de stat.

Karl Bryullov „Călăsătoarea”



Jean-Leon Gerome« După-amiază de vară pe lac

5. Suprarealism

O direcție în artă care s-a format în anii 1920 în Franța. Odată cu apariția sa, suprarealismul și-a dorit să realizeze un nou mod de a gândi, să descopere un nou tip de cunoaștere a lumii. În lumea artei, el a introdus existența în afara realității, în vise și visări. Pentru această direcție, lucrările lui Sigmund Freud asupra inconștientului joacă un rol foarte important. Analizându-le, artiștii au extras diverse imagini și sentimente din visele lor și le-au transferat pe pânze. Este foarte greu să găsești logica și să înțelegi totul în lucrările acestei direcții, așa că trebuie doar să fie percepuți așa cum sunt, cu ciudatenia lor inerentă.

Cel mai strălucit reprezentant al suprarealismului este Salvador Dali.


Salvador Dali „Pianjenul de seară aduce speranță”

6. Fauvism

Aceasta este o direcție în pictură care a apărut în secolul al XX-lea. Opera sa s-a remarcat întotdeauna prin simplitate și emotivitate. Fauvismul poate fi comparat cu manifestarea artei în timpurile primitive. Artiștii descriu obiecte plate, folosind combinații de culori pure strălucitoare. Există o respingere a perspectivei și jocul de lumini și umbre. Fauviștii au luat întotdeauna combinații de culori și motive pentru intriga din fauna sălbatică, dar le-au interpretat pe pânză cu contrast extrem, pete mari luminoase (puțin sălbatice).

Reprezentanții de frunte ai direcției pot fi numiți Henri Matisse și Andre Derain.


Henri Matisse "Dansul"



Andre Derain "Podul Charing Cross"

7. Cubismul.

În artele vizuale, cubismul a apărut la începutul secolului XX. Baza sa este descompunerea obiectului reprezentat în forme geometrice, planuri interconectate, dorința de fragmentare. Nu există nici un sentiment de lumină și spațiu în lucrări, principalul mijloc de exprimare este multicolor. În primul rând, artistul încearcă cu lucrările sale să transmită privitorului mai mult informatii complete despre obiect, nu punctul tău de vedere asupra lui.

Cele mai cunoscute produse cubice sunt

Juan Gris „Omul într-o cafenea”

Pablo Picasso "Vioara si chitara"

8. Anacronismul

Anacronismul este o direcție a picturii în care artiștii caută inspirație în artele vizuale din trecut, regândind-o într-un mod nou și parodiând-o în unele momente. Ei încearcă să interpreteze operele clasice în felul lor, să le apropie de arta contemporană.

Carlo Maria Mariani: „Zborul zeilor”



Gerard Garouste: „Valaam”

9. Subteran

Aceasta este o direcție care unește tipurile de creativitate contemporană, care neagă toate standardele celor acceptate, șocând astfel publicul. Aceasta este o artă care este concepută pentru auto-exprimare și nu pentru a câștiga bani. Underground-ul a devenit un oponent al acelor cadre și tendințe în care artiștii, poeții și scriitorii au fost conduși. În perioada sovietică, toată arta care a fost interzisă poate fi numită prin această definiție.


Graffiti în orașul Olinda, Brazilia.



10. Impresionism

Cuvântul impresionism în franceză înseamnă „impresie”. Această direcție de pictură își are originea în Franța în secolul al XIX-lea și a devenit așa numită după expoziția de la Paris, care a prezentat opera lui Claude Monet „Impresiune”. Cei mai semnificativi reprezentanți ai curentului sunt: ​​Renoir, Sisley, Monet, Cezanne. Ei au căutat întotdeauna să arate adevărata frumusețe a lucrurilor de zi cu zi.

Impresionismul este direcția care a fost prima care a arătat tot culoarea și autenticitatea vieții și a lumii înconjurătoare, versatilitatea vieții și aspectul oamenilor. Cea mai comună temă pentru imagine este peisajul, dar, în același timp, puteți găsi scene din viață: femei cu copii, balerini dansatori și nu numai.


Claude Monet „Impresie”



Paul Cezanne"Câmpia de la Muntele Sainte-Victoire"

11. Divizionism (Pointillism)

Aceasta este o metodă de pictură, în care principalul lucru este că artistul descompune tonul de culoare în culori individuale și le aplică pe pânză cu puncte de diferite forme. Când ia în considerare o astfel de lucrare de către privitor, el vede o imagine întreagă.

Maeștri de seamă ai acestui trend sunt: ​​Paul Signac, Giovanni Segantini, Georges Lemmen, Henri Edmond Cross.


Paul Signac "Pin"



Georges Lemmen „Plaja de la Heist”

12. Simbolism

Simbolismul este una dintre cele mai mari tendințe care a schimbat foarte mult atitudinea față de artă. Tradus din greacă, înseamnă „simbol, semn”. Simboliștii au încercat să experimenteze, s-au străduit pentru inovație, ceea ce a influențat într-o oarecare măsură vederi moderne artă.

Artiștii simbolismului fac apel la invizibil, lumi paralele care există în realitate (principalul este să le poți vedea și interpreta) și să înfățișeze aceste imagini în lucrări cu ajutorul semnelor.

Maeștrii simbolisticii sunt: ​​Gustave Moreau, Pierre Puvis de Chavannes, Odilon Redon, Felicien Rops, John Everett Milles, Victor Borisov-Musatov, Mihail Vrubel, Hugo Simberg.

Mihail Vrubel « Prințesa lebădă»



Hugo Simberg„Înger rănit”

13. Intimism

Cuvântul intimism, tradus din latină, înseamnă (secret, intim, sincer). Aceasta este o direcție a picturii care a apărut la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea. Tema principală a artiștilor din această direcție a fost imaginea vieții private a oamenilor. Culoarea și specificul compoziției au ieșit în prim-plan în lucrări. Un rol important l-a jucat imaginea luminii din complot, care a oferit o confort deosebit și un sentiment de atmosferă familiară. Pentru intimiști, o imagine detaliată a interiorului, o combinație de culoare și formă a fost importantă, în timp ce oamenii au jucat un rol secundar.

Maeștri ai intimismului sunt: ​​Pierre Bonnard, Edouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Felix Vallotton.



Edouard Vuillard „Interior”



Pierre Bonnard"Masa de pranz»

- Funcții de pictură

Pictura, ca multe alte forme de artă, poartă un caracter cognitiv, filozofic și mai ales functia estetica. Pictura reflectă opiniile și conținutul spiritual al unei anumite epoci, dezvoltarea ei în termeni sociali. Multe lucrări au valoare documentară. Pictura afectează gândurile și sentimentele privitorului, te face să experimentezi intriga descrisă de autor. Este un fel de educație estetică pentru societate.

- Istoria picturii

Pictura este una dintre cele mai vechi forme de artă. Ea provine din timpul picturilor rupestre. În dezvoltarea diferitelor tehnici și genuri de pictură, s-au acumulat o întreagă moștenire, comori spirituale.

Antichitatea a arătat înclinația oamenilor de a arăta viața și lumea așa cum sunt, reale. Atunci s-au născut principii de expresivitate precum clarobscurul și perspectiva. Toate acestea au fost folosite pentru decorarea lăcașurilor de cult și a locuințelor.

Evul Mediu a adus picturii ceva complet nou, reflectând în principal motive religioase. Simbolismul culorii folosite a jucat un rol important. Pentru fundalul frescelor și pânzelor, au folosit neutru (abstract) sau auriu, care simboliza intenția divină a tabloului.

În Renaștere, rolul picturii a crescut, a folosit un sistem mai bazat de clarobscur, perspectivă liniară și aeriană. Acest lucru a primit un răspuns în documentele despre subiecte de zi cu zi, în portrete, subiecte religioase și mitologice.

Leonardo da Vinci „Madona în stânci”

În secolele 17-18. Pictura europeană devine din ce în ce mai complexă. Se îndreaptă noi idealuri sociale, reflectarea conflictului individului cu lumea exterioară începe să apară în tablouri. În această epocă, se formează genuri de pictură.

În secolul 19 Există o nouă direcție - romantismul, dorul de ceva nou. În pictura romantismului, accentul este pus pe înfățișarea evenimentelor dramatice ale istoriei și prezentului, există un contrast de lumină și umbră, culoare bogată.

O revoluție în pictură are loc odată cu apariția impresionismului. Această direcție se caracterizează printr-o imagine mai reală a lumii, variabilitatea ei, imaginea impresionistă a impresiilor lor. În lucrările lor, ei amestecă în mod activ culorile pure și transmit textura obiectelor. În această epocă, artiștii încep să meargă în aer liber.

La cumpăna dintre secolele XIX-XX. apare pictura abstracta. Există un refuz al artiștilor de la figurativitate, apariția unei atitudini mai autorale față de muncă, identificarea atitudinii lor față de lumea din jurul lor. Abstracționismul folosește forme geometrice, culori condiționate, asocieri compoziționale și forme exagerate, modificate.

În secolele 20 și 21 pictura se străduiește pentru o exprimare de sine din ce în ce mai mare, cauzată de dezvoltarea progresului tehnologic. Lucrările sunt create folosind tehnologii digitale.

Toate acestea ar trebui să conducă cu siguranță la apariția de noi tendințe, dar pictura clasică în ulei este în prezent una dintre tehnicile preferate ale maeștrilor.