Natură moartă(fr. nature morte - „natura moartă”) – imaginea obiectelor neînsuflețite în Arte Frumoase, în contrast cu subiectele portret, gen, istoric și peisaj.

Punctul de plecare al naturii moarte timpurii poate fi găsit în secolele XV-XVI, când era considerată ca parte a unei compoziții istorice sau de gen. Multă vreme, natura moartă a rămas legată de pictura religioasă, încadrând figurile Maicii Domnului și ale lui Hristos cu ghirlande de flori și, de asemenea, adesea situate pe reversul imaginii altarului (ca în Tripticul lui Rogier van der Weyden). familia căsătoriei). Tot în secolul al XVI-lea a fost răspândită tradiția de a crea portrete cu imaginea unui craniu, de exemplu, portretul lui Jean Carondel de Jan Gossaert (vezi vanitas). Naturile moarte timpurii au îndeplinit adesea o funcție utilitară, cum ar fi decorarea ușilor dulapurilor sau mascarea unei nișe de perete.

Natura moartă prinde în sfârșit contur ca un gen independent de pictură în lucrările artiștilor olandezi și flamand din secolul al XVII-lea. Obiectele din pictura cu natură moartă din această perioadă conțin adesea o alegorie ascunsă – fie trecătoarea a tot ceea ce este pământesc și inevitabilitatea morții (Vanitas), fie – într-un sens mai larg, Patimile lui Hristos și Învierea. Acest sens este transmis prin utilizarea obiectelor - în cele mai multe cazuri familiare și întâlnite în viața de zi cu zi, care sunt înzestrate cu semnificații simbolice suplimentare.

Natura moartă olandeză din secolul al XVII-lea

Natura moartă olandeză a fost un fenomen cultural unic al secolului al XVII-lea, care a influențat dezvoltarea ulterioară a întregii picturi europene. „Micii Olandezi” au reflectat în lucrările lor lumea obiectelor care își trăiesc propria viață liniștită, înghețată. Termenul „viață înghețată” (olandeză stilleven, germană stilleben, engleză still-life) a început să fie folosit pentru a se referi la genul în mijlocul al XVII-lea secol, inițial în Țările de Jos. Înainte de aceasta, artiștii au numit astfel de picturi, descriind complotul: „Micul dejun”, „Buchet de flori”, „Trofeul de vânătoare”, „Vanity of Vanities”. Principala traducere a termenului specificat, găsită în literatură - „viață liniștită, nemișcată”.

Natura moartă în pictura rusă din secolele XVIII-XX

Natura moartă ca gen independent de pictură a apărut în Rusia la începutul secolului al XVIII-lea. Ideea lui a fost asociată inițial cu imaginea darurilor pământului și mării, lumea diversă a lucrurilor din jurul unei persoane. Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, natura moartă, în contrast cu portretul și tablou istoric, a fost considerat ca un gen „inferior”. A existat în principal ca o producție educațională și a fost permisă doar într-un sens limitat ca pictură cu flori și fructe.

Începutul secolului al XX-lea a fost marcat de înflorirea picturii naturii moarte din Rusia, care a câștigat pentru prima dată egalitatea între alte genuri. Dorința artiștilor de a extinde posibilitățile limbajului pictural a fost însoțită de căutări active în domeniul culorii, formei și compoziției. Toate acestea sunt evidente mai ales în natura moartă. Îmbogățit cu teme noi, imagini și tehnici artistice, natura moartă rusească s-a dezvoltat neobișnuit de rapid: într-un deceniu și jumătate, se trece de la impresionism la crearea formelor abstracte.

În anii 1930 și 1940, această dezvoltare s-a oprit, dar de la mijlocul anilor 1950, natura moartă a cunoscut o nouă ascensiune în pictura sovietică și, din acel moment, se află în sfârșit și ferm la egalitate cu alte genuri.

naturmoriştii ruşi

• Hruțki Ivan Fomich (1810-1885)
• Grabar Igor Emmanuilovici (1871-1960)
• Petrov-Vodkin Kuzma Sergheevici (1878-1939)
• Konchalovsky Pyotr Petrovici (1876-1956)
• Alberti Petr Filippovici (1913-1994)
• Antipova Evgenia Petrovna (1917-2009)
• Zaharov Serghei Efimovici (1900-1993)
• Kopytseva Maya Kuzminichna (1924-2005)
• Kotyants Gevork Vartanovici (1906-1996)
• Krestovsky Yaroslav Igorevici (1925-2003)
• Osipov Serghei Ivanovici (1915-1985)
• Pozdneev Nikolai Matveevici (1930-1978)
• Rumyantseva Kapitolina Alekseevna (1925-2002)
• Skuin Elena Petrovna (1909-1986)
• Teterin Viktor Kuzmich (1922-1991)
• Shamanov Boris Ivanovici (1931-2008)

În arta picturală rusă, natura moartă a fost aproape întotdeauna un gen secundar. Și doar criticii de artă sofisticați vor putea numi un pictor de natură moartă autohtonă. Dar, într-un fel sau altul, natura moartă ca gen independent a început să se dezvolte în secolul al XIX-lea. Primele „rîndunele“ au fost mici acuarele și guașe de F.P. Tolstoi și opera lui I.T. Hruțki. Acestea erau naturi moarte clasice europene, cu buchete luxuriante de flori de grădină și coșuri cu fructe. Cu tot farmecul lor artistic, aceste lucrări au avut o valoare foarte limitată pentru dezvoltarea picturii rusești.

Interesul pentru natura moartă ca gen independent de pictură apare în 80 ai secolului al XIX-lea. Picturile joacă un rol important aici. I.I. Levitan (1860-1900). Ele sunt de obicei simple ca design și nu sunt mari ca dimensiuni și reprezintă buchete de grădină familiară sau flori sălbatice. Într-o natură moartă Violete de pădure și nu-mă-uita (1889) artista a trădat cu sensibilitate fragilitatea violetelor de noapte și aerisirea nu-mă-uita albastre, armonia lor cu un simplu balon rustic. Aproape în motiv Păpădii” și „Liliac alb”. Primele sunt concepute într-o gamă caldă, care arată foarte organic cu argila vasului de lapte și capete de flori galbene. Aceste naturi moarte ale lui Levitan sunt destul de tradiționale: buchetele sunt reprezentate pe un fundal neutru și izolate de spațiul înconjurător. Semnificația acestor picturi este foarte simplă - să transmită cât mai precis posibil frumusețea naturii alese. Cu toate acestea, în același timp în creativitate V.A. Serov și K.A. Korovin au început să apară noi tendințe care își au originea pe pânzele impresioniștilor francezi. Impresioniştii au încercat să asocieze natura moartă cu mediu inconjurator, atât intriga cât și pitorească. Pentru a face acest lucru, „natura moartă” este scoasă în aer liber, asociată cu peisajul sau conectată la interiorul camerei. Cu ajutorul naturii moarte, ei încearcă să creeze o reflectare a atitudinii unei persoane, a dispoziției sale și a modului de viață.

Toate aceste tendințe sunt vizibile în pictura lui Korovin „La masa de ceai” (1888). Pânza înfățișează o societate prietenoasă din țară V.D. Polenova. Tabloul a fost pictat pe terasa unei case de țară. Artistul încearcă să transmită sentimentul unei zile de vară, farmecul unei conversații amicale. Prospețimea care emană din verdeață și fețele tinere este creată într-o anumită măsură și de natura moartă - contrastul fructelor de pădure roșii turnate într-o farfurie albă, laptele în pahare înalte transparente și albul unei fete de masă proaspete. Unitatea emoțională a tabloului se realizează în primul rând prin soluția picturală a pânzei. Tot ceea ce este descris este scris luând în considerare lumina și mediul aerian din jur. În faimoasa pictură a lui Serov " Fata cu piersici" (1887) natura moartă cu piersici în prim plan la prima vedere nu joacă un rol important în compoziția pânzei. Toată atenția artistei este concentrată pe V. Mamontova, iar fructele nu fac decât să completeze imaginea creată. Dar piersicile îl ajută pe Serov să rezolve o problemă artistică importantă. Fructele, potrivit artistului, servesc ca o cheie de culoare pentru construcția coloristică a imaginii. Serov își alege pe al său pentru piersici galbenși îl contrastează cu albul feței de masă, verdeața frunzelor de arțar și galbenul luminii care se revarsă de la fereastră în grădină. Artistul distinge tonuri galben-lămâie, verzui și galben-auriu pe părțile neuniforme ale fructului. Lumina tangibilă a unei zile de vară, care pare să formeze piersici, determină întreaga structură emoțională și picturală a tabloului.

În aceste lucrări, Serov și Korovin deschid o nouă etapă în dezvoltarea naturii moarte rusești. Natura analitică a acestor picturi este fundamental diferită de conceptul de natură moartă de salon care exista la acea vreme. Principalul avantaj al unor astfel de lucrări a fost considerată asemănarea maximă a imaginii cu subiectul. Studiul ușurinței în manieră sau finisarea atentă a suprafeței pitorești a fost, de asemenea, foarte apreciat. Cel mai exact, toate aceste principii sunt întruchipate în imaginea de ansamblu. K. E. Makovsky „În atelierul artistului” (1881). Lucrarea impresionează printr-o grămadă de detalii „natură moartă”: fructe exotice, țesături bogate, rarități antice. câine mare și un baietel nu par a fi ființe vii, ci simple exponate ale acestei expoziții de bunuri de lux. Noul concept de natură moartă a presupus o extindere cuprinzătoare a granițelor genului și fuziunea sa cu portretul, peisajul, interiorul și pictura casnică. Natura moartă încetează să mai fie o simplă imagine a „naturii moarte” și se transformă într-un mijloc de dezvăluire a imaginii.

Noile tendințe sunt vizibile în faimoasa pictură V.D. Polenov „bolnav” (1886). Interiorul și figura eroinei sunt scufundate într-o umbră adâncă - sunt doar un fundal, iar sensul a ceea ce se întâmplă este dezvăluit cu ajutorul unui grup compact de obiecte, care este luminat puternic de o lampă cu un verde. umbră. Această natură moartă este foarte informativă. Un abajur pe jumătate ars este smuls din întuneric de pernele și cearșafurile mototolite, un decantor de sticlă, un pahar cu apă, flacoanele cu medicamente și rețetele medicului. În stânga sunt vizibile cărți ponosite în coperți roșii și albastre, poate acestea sunt remedii casnice sau albume care au distrat pacientul. O astfel de compoziție este un simbol al faptului că întreaga viață a acestui pacient este centrată în jurul acestei mese și a obiectelor care stau pe ea. La locul de muncă, natura moartă are un rol activ în crearea stării de spirit. Destul de caracteristică este și natura moartă, care este evidențiată în imagine K. Makovsky "Alekseich". În imagine, figura unui bărbat este deja înfățișată pe fundal, în spatele unei naturi moarte. Imaginea unui bătrân binevoitor se dezvăluie în bucuria sinceră cu care își anticipează ceaiul singuratic. O crustă de pâine, un samovar clocotit, dulceață într-un borcan de sticlă, o cutie de zahăr și ceai acoperite cu grijă cu un prosop - toate acestea creează un sentiment de pace și căldură, care mulțumește sincer unei persoane fără pretenții.

Natura moartă ca gen independent de pictură a luat în sfârșit contur în secolul al XVII-lea. în opera artiştilor olandezi şi flamand.

Până atunci, nu a fost un gen independent, ci a fost inclus doar în alte genuri ca cadru pentru alte tablouri (de exemplu, ghirlande de flori), decorarea mobilierului, interiorul etc.

Termen

Cuvântul „natura moartă” în franceză înseamnă „natura moartă” (nature morte). Flori într-o vază este o natură moartă; aceleași flori într-un pat de flori sau în grădina din față - un peisaj. Într-un sens larg, o natură moartă este o reprezentare artistică a obiectelor neînsuflețite: plante, vânat, vase etc. Artistul nu înfățișează obiecte „din natură”, deoarece acestea sunt situate în interior, ci le aranjează în mod conștient astfel încât să rezolve o parte din propria sa sarcină semantică și artistică.
Adesea naturile moarte conțin o alegorie ascunsă prin folosirea obiectelor obișnuite, pe care artistul le înzestrează cu un simbol, un sens suplimentar și un sens. Un exemplu de natură moartă alegorică este vanitas (din latinescul vanitas „deșertăciune, deșertăciune”).

Varietăți de natură moartă

Vanitas

Michael Conrad Hirt. Vanitas
Vanitas este o natură moartă alegorică. De obicei, pe el, printre altele, este înfățișat un craniu. O astfel de natură moartă este menită să amintească de efemeritatea vieții, inutilitatea plăcerilor și inevitabilitatea morții - reflecții asupra sensului existenței umane. Termenul este preluat dintr-un verset din Biblie: „Deşertăciunea deşertăciunii, spunea Eclesiastul, deşertăciunea deşertăciunii, totul este deşertăciune!”. În latină suna așa: Vanitas vanitatum dixit Eclesiastul vanitas vanitatum omnia vanitas". Puteți citi mai multe despre vanitas.

natură moartă olandeză

Natura moartă olandeză, care a luat contur în secolul al XVII-lea. ca gen independent, a influențat dezvoltarea ulterioară a întregii picturi europene. Se dovedește că și obiectele obișnuite trăiesc, dar viața lor este liniștită și invizibilă pentru oameni. Există un mister în asta. Aparent, acesta este motivul pentru care genul de natură moartă a devenit popular și a supraviețuit până în zilele noastre. Uneori, o natură moartă atrage privirea, excită sentimente, este imposibil să te desprinzi de ea - apar unele asociații, amintiri trecătoare ...

natură moartă de flori

Acest tip de natură moartă este probabil cea mai comună și prima care se separă într-un gen separat.

Jan Davids de Heem (1606-1684). Natura morta cu vaza de flori (circa 1645). Galeria Națională de Artă (Washington)
În mod tradițional, în Țările de Jos se cultivau multe flori, se cultivau grădini, așa că naturile moarte cu flori erau o extensie naturală a societății. Primii artiști ai acestui gen au fost Ambrosius Bosschaert cel Bătrân (1573-1621) și Balthasar van der Ast (1593-1657).

Ambrosius Bosschaert cel Bătrân „Lalele, trandafiri, garoafe albe și roz, nu-mă-uita și alte flori într-o vază” (circa 1619). Ulei pe cupru

Natură moartă de om de știință

Cel mai intelectual tip de natură moartă. În astfel de naturi moarte, se presupunea o reflecție asupra celor descrise, iar pentru aceasta - cunoașterea Bibliei și alte cunoștințe despre lume. Vanitas poate fi inclus și în această categorie, dar natura moartă științifică este mai amplă ca subiect: conține cărți, instrumente muzicale etc.

Maria van Oosterwijk. Natură moartă

D. Annenkov „Reflecții cu Baudelaire”

Natura moartă în pictura rusă

În Rusia, natura moartă ca gen independent a apărut la începutul secolului al XVIII-lea. Dar de ceva timp (aproape sfârşitul XIX-lea c.) natura moartă era considerată un gen inferior și înfățișa doar flori și fructe.
Un artist celebru al acestui gen în secolul al XIX-lea. am fost eu Hruţki.

I. Hruţki. Natura morta cu vaza (1832)

I. Hrutsky „Flori și fructe” (1838)
În secolul al XX-lea Pictura rusă cu natură moartă a devenit egală cu alte genuri. Artiștii au lucrat la perfecțiunea culorii, formei, compoziției, genul a început să se dezvolte rapid.
Artiști celebri ruși și sovietici care au lucrat și încă lucrează în genul naturii moarte: Konstantin Korovin (1861-1939), Igor Grabar (1871-1960), Pyotr Konchalovsky (1876-1956), Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) , Martiros Saryan (1880-1972), Ilya Mashkov (1881-1944), Elena Skuin (1909-1986), Peter Alberti (1913-1994), Serghei Osipov (1915-1985), Evgenia Antipova (1917-2009), Viktor Teterin (1922-1991), Maya Kopyttseva (1924-2005), Yaroslav Krestovsky (1925-2003), Vladimir Stozharov (1926-1973), Boris Shamanov (1931-2008) și alții.

E. Skuin „Bujori și cireșe” (1956)

V. Stojarov. Natura moartă cu rowan (1969)

Natura statică în diverse stiluri și direcții de artă

Cumpărarea secolelor XIX-XX. cunoscut pentru experimente în domeniul creativității artistice. Nici natura moartă nu a scăpat de această soartă. Paul Cezanne, Paul Gauguin, Henri Matisse și alții au fost primii care au experimentat cu natura moartă.

P. Cezanne. Natura moartă cu draperie (1889). Ermitaj (Sankt Petersburg)
Simțiți-vă liber să experimentați cubist P. Picasso.

P. Picasso „Urcică, pahar și carte” (1908)
J. Braque a lucrat și în stilul cubist.

J. Căsătoria " Instrumente muzicale» (1908)
cubofuturiști a lucrat în căutarea unei noi dimensiuni spațiu-timp.

K. Malevici „Vaca și vioară” (1913). Muzeul de Stat al Rusiei (Sankt Petersburg)
„... sentimentul său intuitiv a găsit în lucruri energia disonanțelor obținute din întâlnirea a două forme opuse” (K. Malevich „De la cubism și futurism la suprematism”).
În naturile moarte metafizice ale lui Giorgio Morandi (1890-1964), obiectele sunt presate unele împotriva altora, formând grupuri dense, parcă ar încerca să se încălzească, temându-se de frigul exterior și de agresivitate.

Giorgio Morandi. Natura Morta (1956)
Cel mai cunoscut reprezentant suprarealism Salvador Dali, în celebra sa lucrare „Persistența memoriei”, care este în esență o natură moartă alegorică, reflectă asupra relativității timpului.

S. Dali „Persistența memoriei” (1931)
Publicitatea comercială din a doua jumătate a secolului XX. a adus în oameni o atitudine lacomă față de lucruri și un consum nesățios. Există o fetișizare a subiectului. Elemente ale genului natura moartă încep să se transforme din artă într-o sursă de consum.

Cutia de supă a lui Andy Warhol Campbell (1968)
Dmitri Krasnopevtsev reprezintă arta „neoficială” rusă, deși are o educație artistică clasică complet oficială (a absolvit Institutul de Artă din Moscova numit după V. I. Surikov).

D. Krasnopevtsev. Natură moartă
Genul principal al lui Krasnopevtsev este o „natura moartă metafizică” apropiată de suprarealism, cu ceramică simplă, adesea bătută, plante uscate și scoici. Aceste lucrări, pictate în tonuri cenușii, dezvoltă motivul fragilității și irealității lumii.
Iată picturile cu natură moartă artist contemporan Dmitry Annenkov sunt destul de „animați”. Sunt diferiți: veseli, triști, amuzanți, dar destul de vii. Vor să fie atinși. Privind aceste naturi moarte, este imposibil să reziste unui zâmbet amabil.

D. Annenkov „Natura moartă cu o râșniță de cafea”

D. Annenkov „Soarele de primăvară”

D. Annenkov „Amintiri de vară”

Natura moartă ca gen independent de pictură a apărut în Rusia la începutul secolului al XVIII-lea. Ideea lui a fost asociată inițial cu imaginea darurilor pământului și mării, lumea diversă a lucrurilor din jurul unei persoane. Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, natura moartă, în contrast cu portretul și pictura istorică, era considerată ca un gen „inferior”. A existat în principal ca o producție educațională și a fost permisă doar într-un sens limitat ca pictură cu flori și fructe.

Ivan Hrutsky „Flori și fructe” 1839

Începutul secolului al XX-lea a fost marcat de înflorirea picturii naturii moarte din Rusia, care a câștigat pentru prima dată egalitatea între alte genuri. Dorința artiștilor de a extinde posibilitățile limbajului pictural a fost însoțită de căutări active în domeniul culorii, formei și compoziției. Toate acestea sunt evidente mai ales în natura moartă. Îmbogățită cu noi teme, imagini și tehnici artistice, natura moartă rusească s-a dezvoltat neobișnuit de rapid: într-un deceniu și jumătate trece de la impresionism la crearea formelor abstracte.

Apoi în Rusia existau multe asociații de artă.

Nikolai Sapunov „Flori și vaze pe fond roz”, 1910

Artist strălucit, maestru al compozițiilor teatrale și al naturilor moarte exotice, N. Sapunov avea un talent de culoare foarte ciudat. În perioada scrierii naturii moarte „Flori și vaze pe fundal roz” Nikolai Sapunov a fost membru al asociației simboliste Trandafir albastru. Poetica simbolismului a atras artiștii către teme romantic-oculte.

A. Blok a scos în evidență în opera sa căutarea ritmului de culoare, a muzicii colorate, a dramei cromatice care să corespundă dramei acelor spectacole pentru care a pictat decor.

Predispus la viața boemă, artistul a navigat odată cu o companie într-o barcă pe Golful Finlandei și s-a înecat la vârsta de 32 de ani.

Pyotr Konchalovsky a fost membru al asociației „Jack of Diamonds”. Această asociere se caracterizează prin căutarea de noi soluții picturale și plastice, deformarea și dezmembrarea formei, textura picturii, identificarea formei și a volumului după culoare, dorința de a picta latura senzuală, materială și colorată a vieții. Originile ideologice sunt așa-numitul „cezanism rus”, arta populară rusă (lubok, icoană, țiglă, picturi murale, semne comerciale).

P. Konchalovsky „Tava roșie”, 1913

Lărgire, aspre, dar a face totul dens și puternic - aceasta este sarcina tânărului Konchalovsky în numeroasele sale naturi moarte, unde nu este o coincidență că aceeași tavă de piață apare adesea ca un fel de diapazon, stabilind nivelul necesar. de tensiune coloristică. Culoarea aici transmite nu atât o colorare a suprafeței, cât însăși forma și masa, carnea materială a lucrurilor.

Ilya Mashkov "Snedd Moscova"

Faima scandaloasă l-a însoțit pe tânărul Ilya Mashkov - o pepiță de jocuri de noroc și întreprinzătoare care a câștigat experiență de viață „în oameni” (lucrand în magazine pentru comercianți), care a trecut „universitați” în muzeele europene, dar a fost expulzat în 1909 de pe zidurile MUZHVZ ( Școala de pictură din Moscova, Sculptură și arhitectură). Cu toate acestea, în timp ce studia, Mashkov a predat el însuși cu mare succes - studioul său (1904-17; în 1925 a fost transformat în Studioul Central al AHRR) a fost cel mai scump și, în același timp, cel mai vizitat din Moscova.

Ilya Mashkov „Natura moartă cu un craniu de cal”, 1914

După ce a lovit publicul și criticii prin presiunea „barbară” a picturii sale la expozițiile „Lână de aur” și „Salonul Izdebsky” (1909-10), Mashkov și-a găsit locul printre artiștii care au alcătuit societatea „Jack of Diamonds”. (P. P. Konchalovsky, A. V. . Lentulov și alții). „Jacks” a afirmat materialitatea lumii și obiectul „jos”; generozitatea și majoritatea paletei lui Mashkov, abundența producțiilor sale de natură moartă s-au dovedit a fi în consonanță cu programul asociației.

Într-un efort de a returna arta „din rai pe pământ”, artiștii acestui cerc s-au concentrat asupra „meseriei” - un indicator stradal, o tavă, un imprimeu popular. Mashkov a fost familiarizat cu un astfel de meșteșug din copilărie, iar primitivismul naturilor moarte și al portretelor sale este cel mai ingenu și autentic.

Ilya Mashkov „Natura moartă cu fructe”

Pictor, îndrăgostit de „carnea și sângele strălucitor al lucrurilor”. Această atitudine de afirmare a vieții, realistă, optimistă s-a dovedit a fi cea mai potrivită pentru noile sarcini ale artei. O viziune clară asupra lumii, aspectul unei persoane care lucrează, bucurându-se de munca în sine și sărbătorind rezultatele acesteia, este caracteristică artistului în anii post-revoluționari. Mashkov are propria sa înțelegere specială a relației dintre obiect și spațiu în pictură, iar patosul său este în afirmarea realității sănătoase a subiectului prin îmbunătățirea caracteristicilor plastice și cromatice ale acestuia.

Atenția sporită acordată valorii inerente a obiectelor i-a permis pictorului să descopere noi posibilități expresive în lucruri simple, familiare.

Ilya Mashkov "Vase de cupru"

În „Still Life with a Samovar (Copper Ware)” (1919), ustensile de bucătărie - o oală de cafea, o cană de lapte, o cană, o farfurie, un fier de călcat, tăvi - se adună împreună și împing spațiul la periferia pânzei, seamănă cu o armată mică, dar puternică, prin unitatea și încrederea ei. Schema de culori restrânsă, aproape monocromă, evidențiază formele urmărite ale obiectelor, transmite strălucirea lor moale, dar puternică. Fiecare lucru apare în aspectul său strălucitor individual, dar toate sunt unite printr-un fel de comunalitate aproape „ideologică” - aparținând aceleiași „clase”, materialul - cuprul. Aceasta este apoteoza frumuseții metalului modest și sună tare, solemn, puternic. Obiectele suverane, de aramă sunt grele, iar privitorul, supus de puterea restrânsă ce emană din ele, uită de scopul lor pur domestic.

Naturile moarte ale lui Petrov-Vodkin sunt nepretențioase în ceea ce privește setul lor de obiecte și poartă semne ale epocii dure în care au fost create. În acest sens, o natură moartă înfățișând un hering slab, o bucată de pâine și doi cartofi, o rație slabă de foamete, a devenit un clasic.

Kuzma Petrov-Vodkin „Hering”, 1918

Artistului îi place să introducă în ele oglinzi, sticlă sau doar câteva obiecte strălucitoare (samovar, ceainic nichelat), permițându-i să se dedice analizei jocului complex de reflexe, refracții ale fasciculelor de lumină incidente și reflectate în interior. chipuri. În aceste studii, în spiritul lui Vrubel, Petrov-Vodkin înlocuiește pasiunea strălucitului său predecesor cu o dorință persistentă metodic de a cunoaște subiectul în toate aspectele sale.

Kuzma Petrov-Vodkin „Natura moartă cu călimară”, 1918

Artistul examinează lucrurile așezate și așezate pe masă de sus, astfel încât amplasarea lor se pretează la o fixare precisă și să fie vizibile „ca în palmă”; marginile lustruite ale ceainicului sau suprafața acoperită cu sticlă a mesei dublează imaginea, permițându-ți să o privești din partea invizibilă pentru artist. Astfel, Petrov-Vodkin depășește punctul de vedere monocular, care i se pare insuficient și nu reflectă adevărata cunoaștere a subiectului, care poate fi plimbată, ajungând în cele din urmă la o idee totală și mai completă despre acesta.

Kuzma Petrov-Vodkin „Creșe de pasăre într-un pahar”, 1932

Cel mai izbitor lucru din toate naturile moarte ale lui Petrov-Vodkin este că analiza atentă, uneori scrupuloasă a obiectelor și structura compozițională strictă, aproape experimentală a pânzei, nu le privează în nici un fel de imediata percepție artistică a naturii, nu. ca să amintim bogăția și subtilitatea culorii. Claritatea deosebită a imaginii, în care obiectele sunt parcă numite pe rând și nu se întunecă unele pe altele, dă naștere unui sentiment aproape fizic de bucurie din contemplarea acestor naturi moarte, parcă simple și așa, în esență. , dificil, întrucât arta lui Petrov este departe de a fi simplă și lipsită de ambiguitate -Vodkin.

Înțelegând lumea ca o natură moartă mare, ca o combinație de texturi colorate tangibile și materiale, el nu s-a îndreptat către formele radicale ale avangardei - oprindu-se, parcă, în pragul cubismului - sau către lubok-. folclor primitiv.

A. Kuprin „Natura moartă cu tavă albastră”, 1914

Lucrările perioadei sale timpurii sunt dominate de contraste intense colorate, natura este percepută ca și cum ar fi tactilă și obiectivă și în același timp destul de înstrăinată.

Zinaida Serebryakova „Natura moartă cu atribute ale artei”

Această lucrare a lui Serebryakova are o compoziție tradițională pentru artist. După cum se obișnuiește în lucrările cu un nume similar, aici este descrisă o mască antică, există o cutie cu vopsele, o rolă de hârtie asemănătoare cu un sul, sticle de sticlă cu pulberi de pigment pentru vopsele și un mortar ceramic ușor. Naturile moarte pe „tema producției” se găsesc adesea în opera artiștilor.

În 1913, P. Konchalovsky a pictat pictura „Vopsele uscate”, care arată clar interesul artistului pentru combinarea pigmenților strălucitori: portocaliu cu cobalt, ocru cu stacojiu.

P. Konchalovsky „Culori uscate”, 1913

Pânza este realizată într-o manieră brută, simplificată. Pictura lui Serebryakova este mai moale, mai plină de tact. În cărți, în pensule pătate cu vopsea, în coli de hârtie de desen lăsate pe masă, trăiește atingerea caldă a mâinilor artistului, dragostea tremură, interes acut, atașament față de ajutoarele constante și rezonabile ale operei sale. Și poate tocmai în aceasta: în umanitatea lumii obiective, în legătura ei vizibilă cu oamenii, se dezvăluie cel mai pe deplin interpretarea și evaluarea pe care Zinaida Evghenievna le dă realității. Este legată de lumea obiectelor printr-o comunitate interioară profundă, lucrurile o servesc ca niște bătrâni slujitori, bine cunoscuți în calitățile lor neschimbate și utile. Lumea lui Serebryakova ni se dezvăluie plină de lumină uniformă, clară, caldă și armonie.

Igor Grabar „Liliac și nu-mă-uita”

Atunci Grabar era pasionat de metoda de pictură a lui Claude Monet. „Crizantemele” sunt extrem de tipice în acest sens. Analiza cromatică a mediului luminos-aer vibrant se apropie de unele căutări ale pictorilor francezi din această direcție.

Igor Grabar "Crizanteme"

Artistul caută o ieșire în subordonarea formelor și culorilor unui anumit ritm decorativ. Foarte curând, această depășire a binecunoscutelor limitări ale metodei impresioniste devine în concordanță cu Grabar. Artistul stabilește naturi moarte în scopul unei analize speciale a culorii, formei și materialității obiectului. Naturile moarte ale lui Grabar sunt marcate de varietatea și complexitatea sarcinilor stabilite, de căutarea unor noi tehnici artistice. Aceasta nu este o coincidență. Totul aici vorbește despre apropierea unei noi etape în dezvoltarea naturii moarte rusești. În atmosfera luptei pentru noi forme artistice, care a pătruns în pictura anilor 1900, natura moartă devine unul dintre genurile de frunte, o arenă pentru experimentarea creativă.

În anii 1930 și 1940, dezvoltarea naturii moarte s-a oprit, dar de la mijlocul anilor 1950 acest gen a cunoscut o nouă ascensiune în pictura sovietică și, din acel moment, se află în sfârșit și ferm la egalitate cu alte genuri.