Apariția genului de zi cu zi în pictura rusă

Genul de zi cu zi ca unul dintre tipurile de rusă Arte vizualeși-a primit dezvoltarea independentă destul de târziu - în a doua jumătate a secolului al XIX-lea, când realismul a înlocuit direcția clasică și romantică, străduindu-se să studieze și să descrie viața privată și publică a unei persoane. Dezvoltarea genului de zi cu zi în arta rusă este legată, în primul rând, de creșterea tendințelor democratice și realiste, de apelul artiștilor ruși la o gamă largă de domenii ale vieții și muncii populare, cu formularea unor probleme sociale importante. . Cu toate acestea, apariția genului de zi cu zi a început, potrivit multor istorici de artă, în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, când unii artiști au început să se orienteze spre comploturi și teme din viața oamenilor de rând. În procesul de dezvoltare și formare a genului de zi cu zi în arta rusă, au fost determinate posibilitățile sale inerente - de la o fixare de încredere a relațiilor văzute în viață și a comportamentului oamenilor în viața de zi cu zi până la o dezvăluire profundă a sensului interior și socio- conţinut istoric al fenomenelor vieţii cotidiene.

Deci, mai întâi să definim genul de zi cu zi ca una dintre formele de artă. Conform definiției Dicționarului de termeni de istorie a artei, gen casnic este un „gen de arte plastice, definit prin gama de teme și intrigi din viața de zi cu zi a unei persoane. Practic, aceste scene sunt înfățișate pe pânzele pictorilor, dar pot fi văzute și pe foile grafice și în sculptură.

Majoritatea cercetătorilor consideră că a doua jumătate a anilor 1760 este momentul nașterii genului de zi cu zi. În acest moment, în timp ce se afla la Paris, Ivan Firsov a creat un mic tablou „În atelierul unui tânăr pictor” ( Atasamentul 1). Pânza înfățișează o fetiță minx care pozează pentru un băiat artist sub supravegherea mamei ei, care o convinge să stea nemișcată.

Numele lui Firsov a fost descoperit in 1913 de I. Grabar. A fost închisă cu semnătura falsă a lui Losenko. Probabil că au făcut acest lucru pentru a facilita vânzarea tabloului: Losenko era un maestru celebru, iar Firsov era necunoscut de nimeni. Poate că artistul ar fi rămas uitat dacă nu ar fi fost Grabar.

Cu toate acestea, Mikhail Shibanov și Ivan Ermenev sunt considerați a fi creatorii genului de zi cu zi.

Anul nașterii și anul morții lui Mihail Shibanov sunt necunoscute. Se crede că a fost iobag. S-au păstrat mai multe lucrări de încredere ale lui Shibanov, printre care se numără portretele Ecaterinei a II-a și preferatul ei, Mamontov. Cu toate acestea, două lucrări ale acestui artist ar trebui discutate separat. Acestea sunt „Prânzul țărănesc” (1774) și „Sărbătoarea contractului de nuntă” (1777).

atrage atenția asupra momentului realizării acestor tablouri. Iată ce notează: „Prima a fost scrisă în apogeul războiului țărănesc sub conducere, a doua la doi ani după înăbușirea lui. Ce l-a determinat pe artist să apeleze la scene din viața țărănească, la pictura de gen, care era considerată în acele vremuri, iar mai târziu (înainte de Venetsianov) ceva de bază, nedemn de pensula artistului? Neștiind aproape nimic despre Shibanov, nu putem, din păcate, să răspundem la aceste întrebări. Dar totuși, nu se poate să nu se gândească la datele de realizare a picturilor, în care este izbitoare simpatia, respectul artistului pentru țărani.

Cel mai probabil, Shibanov a interpretat imaginile țăranilor din natură. Demnitatea umană este primul lucru la care acordați atenție atunci când vă familiarizați cu oamenii portretizați de Shibanov.

În „Cina țărănească” Anexa 2) impresionant reprezentat cu adevărat om batran, Un țăran tânăr și o femeie bătrână. Doar imaginea unei mame tinere cu un copil in brate este prezentata ca idealizata. Această eroină evocă asocieri cu chipul Madonei, așa cum era obișnuit să o portretizeze în tradiția vest-europeană.

Familia de țărani este pe cale să ia cina. Tinerii membri ai familiei țărănești erau distrași de la cină. Tatăl s-a pregătit cu o mișcare obișnuită să taie pâinea, dar a zăbovit și, cu un zâmbet afectuos, privește cum soția sa alăptează copilul. A uitat și de cină - toată atenția ei pentru copil. Dar pe fețele bătrânilor - concentrare calmă. Ei tratează alimentele cu seriozitate, seriozitate, pentru că se obțin prin muncă grea.

Nu există dulceață în scenă. Întreaga familie este percepută ca întreg, parcă unită de mâinile grele, suprasolicitate, ale soacrei, care aduce bolul la masă. Situația din colibă ​​aproape nu este afișată, dar simplitatea și severitatea ei sunt ghicite. Întreaga structură a tabloului ne convinge că în fața noastră sunt oameni care nu trăiesc bogat, în muncă grea, ci împreună, cu demnitate.

„Conspiracy” duce spectatorul într-o atmosferă festivă. Dar și aici artistul subliniază în primul rând prietenia în relațiile dintre țărani. Mireasa este derutată, stânjenită de importanța evenimentului în viața ei, și de atenția tuturor și de ținuta ei neobișnuită de sărbătoare. Dar toată lumea are zâmbete binevoitoare pe fețe, mirele o ține cu afecțiune de mână, pregătindu-se să o așeze într-un colț roșu. În partea stângă a imaginii, un țăran, rânjind viclean, ține în mâini un damasc și un pahar și se pregătește să „se pună la treabă”. Tipul arată cu degetul spre el, invitând fata care stă lângă el să râdă de nerăbdători. Această notă plină de umor înviorează imaginea și îi conferă și mai multă căldură.

În picturile lui Shibanov nu există nicio denunțare a iobăgiei, pentru care i se reproșează uneori. Dar acest reproș, după părerea mea, este nedrept. El crede că ambele lucrări ale artistului sunt adevărate. Ei nu idealizează viața țărănească. Pe spatele picturilor, Shibanov a scris că acestea reprezintă „provincia Suzdal a țăranilor”. Poate că artistul însuși a venit din aceiași țărani din Suzdal. În orice caz, cunoștințele și înțelegerea lui despre viața și caracterul țăranului rus sunt dincolo de orice îndoială.

Nu numai Shibanov a abordat acest subiect. Expoziția Muzeului Rus din Sankt Petersburg are două tablouri din viața țărănească, slabe ca execuție, dar curioase ca dovadă a interesului emergent pentru tema și genul țărănesc. Una dintre ele este „Sărbătoarea țărănească” de Al. Vishnyakova. Pe masă este o tigaie mare cu omletă, gazda pune un vas cu plăcinte, pahare stând la masă în mâini. În 1779 a fost executată pictura (1739 - 1799) „Sărbătoarea în sat”. Aici vedem o stradă de sat, colibe, un porumbar, țărani care se înfățișează, un urs învățat dansator - o distracție comună la festivalurile populare. Colorarea imaginii este foarte închisă, fețele țăranilor sunt neexpresive. Lucrările lui Tankov, după cum au observat majoritatea cercetătorilor, sunt superficiale în conținut și nu diferă în abilități.

Cu toate acestea, acuarelele lui Ivan Ermenev, care la acea vreme a spus un cuvânt complet nou în arta rusă, produc o impresie complet diferită.

În anii 70, Ermenev a creat o serie de desene în acuarelă sub denumirea comună„Cerșetori” („Orb cântând”, „Prânz țărănesc”, „Cerșetor”, „Cerșetori”, etc.). Artistul înfățișează de obicei două figuri de lungime întreagă pe cer, de exemplu, o bătrână cerșetoare și un copil, un cerșetor și un ghid. Uneori este o figură singuratică a unui cerșetor sau a unui cerșetor. O compoziție de mai multe figuri se află oarecum deoparte, care se numește la fel ca lucrarea lui M. Shibanov pe care o luăm în considerare mai sus - „Prânzul țărănesc”.

Să comparăm „Prânzul țărănesc” al său cu un tablou similar al lui Shibanov. O femeie cu un copil în brațe, un castron mare comun, o pâine. Dar însăși compoziția lui Shibanov a imaginii este de așa natură încât aduce oamenii împreună. Același vas, mâinile mamei parcă se unesc, leagă pe cei care stau la masă. În Yermenev, oamenii de la masă nu sunt uniți de un sentiment comun. Vasul comun, la care ajung mâinile lor, este oarecum departe de toată lumea, oamenii nu se uită unul la altul. Nu doar sărăcia și oboseala, ci și un fel de stupefacție se simte în ei.

În acuarela Beggar Singers, bătrânul din centru cu un picior murdar gol, cerșetorul mai tânăr din stânga cu o cârpă peste ochi trezesc un sentiment amestecat de milă și dezgust. O altă impresie este produsă de bătrânul care stă în dreapta. Are capul mare, cu părul destul de gros, este îndoit, dar se vede că este înalt, mâinile lui puternice stau neputincioase pe genunchi. Țăranii care stau în jurul cântăreților ascultă cu atenție (cu excepția celor doi din dreapta, vorbind despre ceva), fețele lor sunt concentrate și aspre.

Studiind lucrările artistului, putem concluziona că artistul a simțit și a transmis în mod acut unele dintre aspectele sumbre ale realității ruse. Dar nu s-a ridicat încă la mari generalizări artistice și sociale.

consideră că operele lui Ermenev nu sunt lipsite de o oarecare teatralitate, întrucât „toate au același orizont jos, fundalul este ca un spațiu imens și pustiu; silueta personajelor este arătată mare, compoziția este extrem de clară, personajele sunt statice. Și totuși, privind aceste tablouri, arătând cerșetori înspăimântători în haine cu petice uriașe, privitorul simte adevărata monumentalitate a personajelor. Potrivit unuia dintre cercetători, ei nu par a fi oameni mizerabili, proscriși, ci o forță formidabilă. Așadar, în mod neașteptat, opera acestui maestru deschide o altă fațetă, aproape necunoscută, a artei secolului al XVIII-lea. Această serie de acuarele este plină de tragedie sumbră, disperare și deznădejde. În lucrările lui Ermenev, nu există absolut nicio dispoziție strălucitoare, atât de caracteristică artei ruse.

Istoricii de artă au încercat să evalueze aceste picturi în moduri diferite. Unii au văzut în eroii artistului rămășițele detașamentelor învinse Pugaciov sau cerșetorii după vreo epidemie, totuși, poate că Ermenev a vrut să dea lucrărilor sale un sens mai profund, filozofic. La urma urmei, în Rusia au fost întotdeauna foarte atenți cu cei săraci, care erau numiți „kalik acceptabili”. Poate că acești orbi îngrozitori pot fi priviți ca un simbol al problemelor sociale.

Următoarea etapă în dezvoltarea genului de zi cu zi al artei plastice rusești este prima jumătate a secolului al XIX-lea, când motivele prozaice ale vieții de zi cu zi rusești au devenit subiectul descrierii artei veridice și poetice. Pe la mijlocul anilor 1840. artiștii direcției democratice s-au orientat către genul vieții de zi cu zi ca o artă a programului, ceea ce a făcut posibilă evaluarea critică și expunerea relatii socialeși normele morale care au dominat societatea burghezo-nobilă și manifestările lor în viața de zi cu zi.

Tendințele realiste și democratice ale epocii. cu toată completitudinea și distincția ei se reflectă în opera celor mai mari reprezentanți ai genului domestic - și.

Meritul stabilirii genului de zi cu zi în stilul romantic îi aparține (1780 - 1847), care s-a orientat către pictura de gen în anii 1820 ai secolului XIX.

Artistul a surprins scene pe pânzele sale viata la taraşi muncă grea ţărănească. Studiul realității a devenit baza metodei sale creatoare. După cum a spus pictorul însuși, el s-a străduit să „reprezinte nimic altceva decât ceea ce este în natură” și să lucreze „fără amestecuri de manieră a vreunui artist”. Drept urmare, pictura de gen rusă s-a îmbogățit cu noi imagini care i-au înlocuit pe reprezentanții idealizați, când sentimentali, când eroici, ai poporului. Noua interpretare a imaginilor s-a bazat pe o viziune luminoasă și umană a unei persoane, caracteristică artei progresiste din prima jumătate a secolului al XIX-lea. Adevărat, multe lucrări sunt caracterizate de un oarecare idilism.

Deci, imaginea centrală a lucrării sale „Pe teren arabil. Spring "(1830) - o tânără țărancă care conduce o pereche de cai înhămați la o grapă ( Anexa 3). Artistul a vrut să povestească despre începutul muncii câmpului ca un eveniment vesel, mult așteptat în viața țărănească. Obținând o stare de festivitate, maestrul probabil „a îmbrăcat” eroina într-o rochie de soare roz și kokoshnik pentru asta.

Astfel de haine, desigur, sporesc imaginea poetică a țăranei. Rochia de soare seamănă cu o rochie antică cu talie înaltă, kokoshnik-ul seamănă cu o diademă. Această impresie este agravată de pasul ușor, „dansant” al figurii. Eroina din imagine arată ca o statuie reînviată a zeiței Flora, făcându-și procesiune triumfală prin pământul de primăvară. Frumusețea impresiei este facilitată și de tendința moștenită de Venetsianov de la Borovikovsky către gama de tonuri albite, luminoase.

Idilicitatea este păstrată în multe, inclusiv mai târziu, lucrări ale lui Venetsianov. Acest lucru sugerează că pe pânzele sale artistul a căutat în primul rând să întruchipeze idealul frumuseții naționale rusești, pe care l-a văzut în spiritualitate și înalte calități morale. În acest sens, este orientativă un fel de galerie de tipuri țărănești, creată de un artist care caută în eroii săi, în primul rând, pacea, întregul spiritual și puritatea. Venetsianov a legat inextricabil ideile despre puritatea morală și sănătatea spirituală a unei persoane cu imaginea unui simplu țăran rus.

La începutul anilor 1820, a pictat pictura „Hambar” ( Anexa 4). Impulsul creării sale, potrivit artistului, a fost familiaritatea cu pictura lui Francois Granet „Vedere interioară a Mănăstirii Capucinilor din Roma”, aflată în Schit. „Această poză”, a scris artistul, „a produs o mișcare puternică în conceptul nostru de pictură. Noi în ea... am văzut imaginea unor obiecte nu similare, dar
exact, viu; nu este pictat din viață, ci înfățișând natura însăși... Unii artiști au asigurat că în pictura lui Granet, iluminarea focală este cauza acestui farmec și că, cu lumină deplină, luminând direct, nu este în niciun fel posibil să se producă această animație izbitoare de obiecte, nici animate, nici materiale. Am decis să cuceresc imposibilul... Pentru a reuși asta, trebuia să fiu complet
lăsați toate regulile și manierele să nu înfățișeze nimic
altfel decât este în natură, și ascultă-l singur, fără
amestecuri ale felului unui artist...”. Din aceste cuvinte, este ușor de observat că Venetsianov a fost dus de dorința de a nu imita această imagine, ci de a o depăși. A decis să transmită spațiul în condiții normale de iluminare, fără a aplica efectul de lumină puternică.

În tabloul „Hambarul”, hambarul înfățișat din interior este iluminat cu o lumină uniformă, calmă, difuză. Urmează mai departe vederea privitorului din figurile țăranilor așezați în prim plan. Acest lucru este facilitat de ritmul buștenilor care intră în adâncime. Fiecare segment al distanței este marcat de artist la prima vedere cu detalii nesemnificative, dar foarte importante pentru transmiterea perspectivei: o mătură și o greblă în prim plan, o figură a unui bărbat, o grămadă de cereale și un cal în centru, un cărucior în adâncime etc. Artistul urmărește cu acuratețe și ingeniozitate natura, este atent la toate manifestările ei. Țăranii din poza lui pozează, iar Venetsianov nu ascunde acest lucru. S-au îmbrăcat intenționat, femeile purtau rochii de soare elegante, pulovere albe, bărbații purtau armeni puri. În ciuda rigidității mișcărilor, ele păstrează o plauzibilitate reală. Venetsianov nu conectează încă figurile cu o singură acțiune sau intriga. Principalul lucru pentru el este să înfățișeze corect natura. Venetsianov știe să găsească un farmec aparte în obiectele de zi cu zi ale vieții țărănești. El transmite cu dragoste și grijă spațiul interior al ariei. Primul plan este luminat cu lumină uniformă, apoi - unde este iluminatul; ar trebui să dispară, un flux de lumină naturală izbucnește din stradă prin ușa deschisă din stânga; în adâncuri - din nou o lumină strălucitoare. Tranzițiile de la zonele iluminate ale podelei din scânduri la cele întunecate sunt foarte graduale. Umbrele din imagine sunt transparente - acesta este rezultatul observațiilor subtile ale artistului în natură. Lucrarea la pictura „Hambar” a devenit o adevărată școală pentru Venetsianov. Dar artistul a continuat să-și îmbunătățească în mod constant abilitățile.

Concomitent cu această pânză, Venetsianov a executat tabloul „Curățarea sfeclei” în tehnica pastelului. Aici, pentru prima dată, artista unește personajele cu o singură acțiune și dispoziție. Aducând figurile în prim-plan, el caută să transmită starea de spirit a personajelor sale. Compoziția este naturală, ipostazele țăranilor sunt observate chiar în realitate. Noblețea soluției de culoare sporește expresivitatea imaginii.

Programul de lucru al acestor ani a fost tabloul „Dimineața moșierului”, înfățișând o scenă cotidiană din viața moșiei moșierului. Personajele de pe această pânză trăiesc în mod natural și liber în spațiu. Chipul moșierului, privirea ei, gestul ei sunt întoarse către țăranca ghemuită, ținând firul. Țăranca în picioare și-a întors fața spre privitor, parcă l-ar fi îndemnat să fie martor la această scenă. Tăcerea, confortul, pacea emană din această lucrare, în care artistul și-a capturat soția Marfa Afanasievna și iobagii din mica sa moșie. Înfățișând femei țărănești, Venetsianov le subliniază frumusețea și demnitatea calmă. Îi tratează cu nu mai puțin respect decât proprietarul terenului. Întreaga scenă este rezolvată convingător și într-un mod deosebit de autentic, pentru că artistul a cunoscut această viață până la cel mai mic detaliu cu tot mobilierul ei: un simplu paravan de pin, o măsuță de mahon, figurine pe o comodă într-un colț întunecat, verde. perdele la fereastră. Venetsianov a dezvoltat subtil caracterizarea luminii din interior, unde contrastele de lumină și umbră coexistă cu tranziții moi, abia vizibile, care i-au permis artistului să umple imaginea cu un sentiment de viață reală.

În pictura din aceeași perioadă „Secerători” ( Anexa 5) Venetsianov oferă actorilor un prim-plan, îi apropie de privitor. Fața obosită și urâtă a unei țărănci atrage cu înaltă umanitate, veridicitatea reală a imaginii. Lângă ea este un băiat strălucitor, cu o față bronzată, cu obraji lați, cu o privire iscoditoare. Încremeni, admirând culoarea aripilor fluturelui. O înțelegere profundă a frumosului este la îndemâna țăranilor, despre asta atrage atenția spectatorului Venetsianov. Compoziția acestei pânze se distinge prin seriozitate și atenție. Conținutul său se dezvăluie în forme clare și expresive. În stânga sus și în dreapta jos, artistul așează seceri, care, parcă, închid compoziția, dându-i stabilitate și echilibru. Întoarcerea capului țărancii și privirea băiatului ațintită asupra mâinii ei le leagă. Culorile dense contribuie la crearea unui bogat imagine artistică. Simțim căldura grea a unei zile de vară și imensitatea unui câmp stând ca un zid și sentimentul de apartenență la frumusețea pământului și apropierea spirituală care i-a cuprins pe oameni.

Una dintre cele mai bune lucrări ale lui Venetsianov este pictura „În recoltă. Vară ”(1830), în care există mai multe caracteristici cotidiene ( Anexa 6). Totuși, este decisivă și viziunea poetică asupra lumii în ea. Aici, Venetsianov transmite perfect senzația unei zile fierbinți de vară, când soarele este încă sus pe cer, dar în curând va începe încet să scadă. Pământ cald, cald. Câmpurile cu snopi copți, parțial deja stivuiți alternează cu fâșii netăiate de secară, apoi există un câmp orizontal acoperit cu iarbă și apoi din nou câmpuri.

Mult aduce această pânză împreună cu scrisul simultan „Pe pământ arabil. Primăvară". Și aceasta este, în primul rând, imaginea ca subiectul principal anotimp, și nu în mod abstract, nu prin introducerea alegoriilor, așa cum era tipic artei academice, ci prin afișarea muncii câmpului cu includerea figurilor de țărani muncitori și odihniți. Desigur, acest spectacol nu este încă perfect: tema muncii grele țărănești, în esență, este ocolită de artist. Eroii acestor tablouri, care au un sunet ușor, liric, sunt adevărați țărani ruși contemporani artistului.

În pânza „În cules. Vară ”Venetsianov înfățișează o țărancă în momentul unei scurte pauze de la muncă. Aspectul ei este lipsit de acea atingere de idealizare care a avut loc în lucrarea anterioară.

Imaginea „Vara” sună mai monumental. Compoziția ei este unică: în prim plan iese în evidență o figură feminină pictată la scară mare, urmată de un peisaj, a cărui compoziție este construită pe linii orizontale. Figura unei femei care stă pe o platformă pare înghețată. Lângă ea, pe suprafața goală a platformei, se află o secera - un atribut venețian constant al muncii de câmp.

I. Dorogonevskaya notează că în unele dintre lucrările lui Venetsianov, portretul și genul de zi cu zi sunt strâns legate între ele. Ea scrie: „În esență, artistul își continuă aici linia de pictură de gen calm descriptivă, dar sub forme oarecum diferite. Realizează portrete-tablouri originale în care imaginea unei persoane este dezvăluită în activitatea sa, ceea ce îi sporește trăsăturile tipice.

Cel mai mult, maestrul era mai interesat de dezvăluirea personajelor decât de intriga în sine. Astfel, în tablourile „O fată cu sfeclă roșie” (circa 1824), „Secerători” (1825) și altele, în primul rând, sunt arătate demnitatea umană a țăranului rus, puritatea sa morală și marea bogăție spirituală.

Una dintre cele mai frumoase lucrări ale artistului, Țărană cu flori de colț (1830), aparține tipului venețian de portrete de gen. Lărgimea sferei picturale a naturii, curajul și încrederea scrisului aici sunt uimitoare. Cu profundă atenție și penetrare, lumea spirituală tremurătoare a unei rusoaice este transmisă în imagine.

Un loc mare în opera lui Venetsianov a fost ocupat de imagini cu copii. Imediatitatea vitală a marcat imaginile copiilor din sat din tablourile „Copii țărani la câmp” și „Băiat țăran care își pune pantofii”. Artistul îl surprinde pe a lui tineri eroi când printre întinderile câmpurilor, când în atmosfera unei colibe sărace. El tratează personajele copiilor cu o seriozitate și respect uimitoare.

Astfel, strămoșul genului de zi cu zi rus nu a fost nicidecum un scriitor obișnuit al vieții de zi cu zi. A fost un artist-poet care a fost extrem de sensibil la poezia și frumusețea acut simțită în viața oamenilor și a naturii.

După cum am observat deja, unii cercetători ai operei lui Venetsianov i-au reproșat artistului că idealizează imaginile țărănești, că nu arăta greutățile muncii țărănești. În aceste cazuri, este util să amintim o serie de motive determinate istoric pe care artistul la acea vreme nu le putea trece. Este mult mai important pentru noi să evaluăm corect contribuția lui Venetsianov la pictura rusă, pentru a determina natura inovației sale.

După cum notează el, „Venetsianov a fost unul dintre primii în pictura rusă a secolului al XIX-lea care a aprobat dreptul unei persoane sclave de a fi reprezentat în artă, a descoperit spiritualitate ridicată și putere morală în existența sa”.

De la sfârșitul anilor 40 ai secolului al XIX-lea, artistele de sex feminin au început să expună în mod deschis viciile societății contemporane. realismul a venit să înlocuiască arta academică. Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852), ale cărui lucrări sunt literalmente impregnate de spiritul satirei, a pus trăsăturile unei noi direcții - realismul critic - în genul de zi cu zi. Ceea ce le lipsea tuturor artiștilor din generația anterioară și celor mai apropiați contemporani ai săi - profunzimea înțelegerii vieții de zi cu zi, esența ei dramatică, conflictele sale sociale - toate acestea sunt conținutul operei lui Fedotov. Fedotov, în cuvintele lui Belinsky, a avut o „viziune fidelă asupra vieții”, iar acest punct de vedere este exprimat deschis în toate lucrările sale.

Principalul lucru în opera lui Fedotov a fost pictura de zi cu zi. notează: „Chiar și atunci când pictează portrete, este ușor să detectezi elemente de gen în ele (de exemplu, în portretul în acuarelă „Jucători”). Evoluția sa în pictura de gen - de la caricatură la imaginea tragică, de la supraîncărcare în detalii, ca în „Cavalerul proaspăt” (1846), unde totul este „descris”: o chitară, sticle, o servitoare batjocoritoare, chiar și papilote pe picior. cap de erou ghinionist, - până la laconismul suprem, ca în „Văduva” (1851), la sentimentul tragic al lipsei de sens al existenței, ca în ultimul său tablou „Ancoră, mai multă ancoră!” (1851 - 1852). Aceeași evoluție în înțelegerea culorii: de la culoarea care sună cu jumătate de inimă, prin culori pure, strălucitoare, intense, saturate, ca în „Matchmaking-ul maiorului” (1848) sau „Micul dejun al aristocratului”, până la schema cromatică rafinată a „ The Widow”, care transmite lumea obiectivă ca și cum s-ar fi dizolvat în lumina difuză a zilei și integritatea tonului unic al ultimei sale pânze („Ancora...”). A fost o cale de la scrierea simplă a vieții până la implementarea în imagini clare și reținute. probleme critice Viața rusească, pentru ce, de exemplu, este „Matchmaking-ul maiorului” dacă nu o denunțare a unuia dintre faptele sociale ale vieții vremii sale - căsătoriile nobililor sărăciți cu „pungi de bani” de negustor? Și „Mireasa pretențioasă”, scrisă pe intriga, împrumutat de la (foarte, de altfel, apreciat artistul), dacă nu o satira despre căsătoria de conveniență? Sau este o denunțare a goliciunii unui tip laic care-i aruncă praf în ochi – în „Micul dejun al unui aristocrat”?

Prima lucrare semnificativă a lui Fedotov este pictura „Cavalerul proaspăt sau dimineața oficialului care a primit prima cruce” ( Anexa 7). Poza este scrisă în detaliu, cu o atenție neclintită pentru fiecare subiect. Acțiunea are loc într-o cameră înghesuită și întunecată. Pânza înfățișează un funcționar care a sărbătorit cu o seară înainte cu o sărbătoare furtunoasă când i s-a acordat gradul Ordinului Stanislav al III-lea (apropo, cel mai mic dintre ordinele). imperiul rus) și acum lăudându-se necondiționat în fața unei concubine, o servitoare obraznică. Acesta din urmă, ca răspuns la bravada, întinde în batjocură o cizmă găurită - oare maestrul nu are de gând să-și repare pantofii uzați cu argintul unui bibelou prins?

scrie: „Satira lui Fedotov, ca și satira lui Gogol, merge mult mai departe decât imaginea unui lăudăros vulgar și a bucătarului său drăguț. Cazul comic capătă un mare sens generalizant în interpretarea lui Fedotov, imaginea „domnului proaspăt” devine o imagine satirică. „Fresh Cavalier” este apogeul golului uman, al fanfașului și al vulgarității. Viața însăși a format acest tip. Întreaga atmosferă a serviciului birocratic, cu aroganța sa încântătoare și umflată, i-a fost imprimată cu o distincție extremă. Poza „domnului proaspăt” este o parodie a măreției statuilor antice: un picior gol pus în față, o halat ca o togă, un gest mândru, o privire arogantă. Pentru a se potrivi cu eroul și gazda din culise a acestui cuib murdar, în care amândoi se simt destul de confortabil.

Al doilea, principalul pentru Fedotov, este pictura sa „Curtea maiorului” (1848), care recreează un episod din viața unui comerciant. pentru această lucrare artistul a primit titlul de academician ( Anexa 8). La usa sufrageriei fostului conac dobandit de negustor, apare in sfarsit viitorul nobil.

Conținutul evenimentelor este ghicit instantaneu de către privitor. După ce abia aruncă o privire spre pânză, se oprește la silueta lejeră a fiicei negustorului, care se profilează pe fundalul întunecat general al camerei. Încercarea ei de a se strecura în camera alăturată este imediat recunoscută drept cochetărie. Întrucât comportamentul miresei este de înțeles la prima vedere, privitorul se deplasează din centru către al doilea element al compoziției evidențiat prin iluminare - pragul ușii, inundat de lumină din față, în care figura majorului se întunecă.

Soldatul curajos cu poziția sa mândră arată ca o creatură dintr-un ordin diferit, „mai înalt” în raport cu lumea comercianților. Dar „nobilimea de origine” nu-l împiedică deloc să accepte legile chistoganului propuse de noua pătură socială, când totul și totul este declarat marfă. Pentru maior, titlul său servește drept marfă, iar pentru comerciant, zestrea fiicei sale. Cu toată aroganța exterioară, maiorul nu părăsește regatul „întunecat” al negustorului, ci intră în el. Acest lucru este subliniat de interconexiunea coloristică dintre figurile mirilor (pata roz deschis a rochiei este combinată decorativ cu culoarea verde a peretelui frontal și uniforma verde închis, deoarece cu un contrast exterior alcătuiesc atât -numite tonuri complementare între ele). De aceea, privirea privitorului din figura maiorului se întoarce din nou către fiica negustorului - spre centru. Interrelația de culoare a tonurilor de roz din rochia fetei și nuanțele de liliac din rochia mamei face să privim mai atent la soția comerciantului care și-a prins fiica de fustă. Eleganța hainelor ei nu ascunde simplitatea naturii ei (puteți vedea din contururile rotunjite ale gurii că țipă: „Prostule!”). Simplitatea primitivă se regăsește în capul familiei. Încețoșându-se într-un zâmbet obsechios și mulțumit, se grăbește să-l întâlnească pe mult așteptatul oaspete.

Această imagine continuă linia critică care a determinat talentul lui Fedotov. Dacă apariția personajelor primei lucrări a fost caricaturată pentru, așa cum i s-a părut maestrului, să evidențieze mai clar ideea (aceasta se aplică nu numai imaginii domnului, ci și a bucătăresei, cu ea lucioasă, fața unsă, neplăcută, ochii care se mișcă pe furiș, cu hainele umflate pe burtă), apoi personajele principale din a doua imagine chiar arată drăguț. Mită majoră cu tinerețe, purtător, păstrat în ciuda vârstei sale. Op este un adevărat „os militar”. Mireasa este pur si simplu frumoasa. Aici, evaluările negative sunt date nu indivizilor, ci reguli de viață mediu inconjurator. Concluziile negative vin la privitor nu ca urmare a a ceva perceput direct, ci ca rod al reflecției, rezultatul lor.

O altă pătură socială este reprezentată de tabloul „Mireasa pretențioasă” ( Anexa 9). Cu mare forță, Fedotov caracterizează personajele. Ce mângâieri fără milă se dă imaginea unei servitoare bătrâne! Pe chipul ei este scrisă o expresie de încântare languidă. Mirele cocoșat, îmbrăcat în tot luxul modei, a îngenuncheat cu mare greutate în fața ei, prezentând un buchet de flori. Are chipul vechi de satir. El este strălucitor și strălucitor, începând cu un cap chel roz încadrat de păr fix și terminând cu cizme lustruite la modă. Sufrageria bogată este mobilată în ultimă modă. Părinții bucuroși încântați privesc de după perdele, mulțumesc cerului, ridicând ochii spre tavan. Aceasta este o satira asupra formei de căsătorie care a fost acceptată în „lumină”. Aceasta este o căsnicie fără poezia sentimentului, fără iubire - aceasta este o afacere. Nu există romantism în aceste suflete ofilite și împietrite.

Viața ostentativă a unui dandy secular a fost descrisă de artist în „Micul dejun al unui aristocrat” ( Anexa 10). Cu toate puterile, personajul lui Fedotov se deghizează într-un aristocrat bogat, dar de fapt mănâncă pâine neagră, o bucată din care o înghite în grabă, auzind pașii unui oaspete neașteptat.

Una dintre cele mai poetice lucrări ale lui Fedotov este compoziția cu o singură cifră „Văduva” ( Anexa 11), care a devenit întruchiparea dorului artistului de sublim, frumos și uman în viață.

O văduvă este o imagine de neuitat a unei femei suferinde. Întregul ei stil de viață anterior s-a prăbușit catastrofal. Ea este amenințată de sărăcie și foamete. Este imposibil și nedrept să vedem în această imagine a lui Fedotov un fel de scenă sentimentală plângătoare. Viața se arată aici pe marginea ascuțită a trecutului și a viitorului.

Una dintre ultimele lucrări ale artistului este pictura neterminată „Ancoră, mai ancoră!” ( Anexa 12). Spre deosebire de toate pânzele anterioare, această imagine mică nu are o acțiune detaliată. Luând ca bază cea mai simplă și mai necomplicată intriga, reținând elementele amuzante doar în titlu (repetarea aceluiași cuvânt în rusă și franceză), Fedotov ridică un motiv fără sens la o imagine extrem de generalizată.

Artistul a înfățișat un tânăr ofițer care își petrece seară după seară într-o plictiseală uluitoare. Starea de singurătate este creată de culori deschise și alese cu măiestrie. Printre întunericul maro-auriu al unei camere mici, o față de masă roșie iese în evidență ca un punct luminos. O flacără de lumânare pâlpâie pe masă și imediat în spatele ei, printr-o fereastră mică, se vede o stradă într-o noapte de iarnă - zăpadă pură scânteietoare în lumina lunii, îngheț și liniște. Opoziția nuanțelor albăstrui și roșii subliniază contrastul ascuțit tragic dintre ofițerul care își ucide timpul și lumea indiferentă față de soarta lui.

Ideea lipsei de evenimente a acestei ființe este, parcă, revărsată peste întreaga imagine, a intrat în carnea și sângele ei, a crescut, a devenit un simbol. Acesta este un simbol al sufocării, al dorului, al lipsei de speranță, al lâncerii sufletului - un simbol al unei vieți groaznice.

Conform gândului, „Ancoră, altă ancoră!” „Impregnat de ideea autobiografiei. Acest lucru nu înseamnă că artistul se înfățișează pe sine ca personajul principal (ceea ce, apropo, a făcut adesea în lucrările sale). Poza este plină de acel sentiment de angoasă muritor de care artistul a fost copleșit în ajunul morții. Aici evoluția artistului trebuia să se termine, viața lui urma să fie scurtată.

Arta lui Fedotov ca pictor de gen completează dezvoltarea picturii în prima jumătate a secolului al XIX-lea și, în același timp, destul de organic - datorită clarității sale sociale - „direcția Fedotov” deschide începutul unei noi etape - arta realismului critic.

Rătăcitorii, a căror artă avansată era o expresie a ideilor democratice în arta rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, au continuat munca și tradițiile. gen casnic în cele mai bune lucrări Wanderers este lipsit de orice anecdotică. Orientarea socială și cetățenia înaltă a ideii o disting în pictura de gen europeană a secolului al XIX-lea.

Wanderers - membri ai Asociației Călătorilor Expoziții de artă, care a fost fondată în 1870, a început o nouă etapă în dezvoltarea picturii realiste. Genul de zi cu zi, lider în munca lor, primește un sunet social organic.

Un fenomen major în dezvoltarea școlii naționale de pictură a Rusiei a fost pictura „Bălgări de șlep” (1870 - 1873), în care tânărul artist, cu toată puterea talentului, a oferit o imagine incitantă a unui asuprit, dar nu zdrobitor. oameni în puterea lui. „Domnul Repin este un realist, la fel ca Gogol, și pe cât de profund este național”, scria Stasov. întreaga profunzime a vieții oamenilor, interesele oamenilor, realitatea presantă a oamenilor. Aruncă o privire la Transportatorii de șlepuri ai domnului Repin și vei fi imediat forțat să recunoști că nimeni nu a îndrăznit vreodată să ia un astfel de complot de la noi și că nu ai văzut încă o imagine atât de profund uimitoare a vieții populare rusești. Conform planului și expresiei picturii sale, domnul Repin este un artist și gânditor semnificativ, puternic, dar, în același timp, deține mijloacele artei sale cu atâta forță, frumusețe și perfecțiune ca aproape orice alt artist rus.”

Unul dintre locurile centrale în pictura Rătăcitorilor a fost ocupat de tema țărănească, iar acest lucru este destul de firesc, deoarece toate problemele fundamentale ale dezvoltării post-reforme a societății în anii 70-80 au vizat în principal sfera vieții țărănești.

Deosebit de importantă pentru soluționarea temei țărănești din tabloul Rătăcitorilor a fost tabloul „Zemstvo ia prânzul” (1872), afișat la 2. expoziție itinerantă. În acest complot de zi cu zi aparent obișnuit, artistul democrat a descris realitatea contemporană fără înfrumusețare, a arătat în mod convingător că participarea țăranilor la autoguvernarea locală, despre care organele guvernamentale au făcut atât de mult zgomot după reforma din 1861, este doar ficțiune, înșelăciune și ipocrizie. . Un avantaj semnificativ al acestei imagini este atenția deosebită pe care artistul o acordă caracteristică internățărani, capacitatea de a crea tipuri expresive, cum ar fi, de exemplu, imaginea unui țăran așezat pe treptele unui pridvor. În poziția sa concentrată cu capul în jos, în trăsăturile curajoase ale feței, se citește un gând profund, o dorință de a înțelege ce se întâmplă.

Rătăcitorul a fost un artist care și-a dedicat talentul în întregime temei țărănești. Cel mai mare tablou al lui Maksimov, Venirea unui vrăjitor la o nuntă țărănească (1875), atrage nu numai prin cunoașterea profundă a satului, ci și cu mare dragoste pentru oamenii lui. Principalul lucru în această lucrare, executată cu abilități compoziționale și picturale remarcabile, este dorința de a dezvălui farmecul imaginilor populare, de a arăta poezia particulară a vieții țărănești.

Deja în titlul acestei imagini era ceva neobișnuit, poetic și aproape fabulos. Sosirea vrăjitorului! Între timp, totul este absolut real. DIN cunoastere deplina cazuri, Maximov a descris în mod convingător o nuntă țărănească într-un sat rus din secolul al XIX-lea și o colibă ​​decorată festiv și oaspeți îmbrăcați. Aici și oamenii potoliți și tinerii vioi. Fiecare are propriul său caracter, iar imaginea fiecăruia este individuală, psihologică.

Printre toți acești oameni, vrăjitorul - un bătrân puternic, cu o față nemiloasă și o privire precaută - este aceeași persoană și la fel de real ca toți ceilalți. Între timp, vrăjitorul este o întruchipare vie a ritualurilor păgâne îndepărtate păstrate în satul patriarhal. Ca și în viața țărănească însăși, unde coexistă superstițiile naive și raționalitatea sobră, tot așa în imagine apare apariția unui vrăjitor și anxietatea rudelor care se tem de „ochiul rău”, curiozitatea lor și indiferența prefăcută a diaconului. care „nu-l observă” pe vrăjitor etc. În același timp, este ceva foarte poetic în acest sat patriarhal, cu arta populară și riturile semipăgâne. Deci a intrat în pictura rusă subiect nou asociat cu latura poetică a vieţii populare.

Cele mai diverse aspecte ale vieții țărănești sumbre s-au reflectat viu și în lucrarea lui Maksimov („Secția de familie”, 1876; „Soțul bolnav”, 1881 etc.).

În 1878, la a VI-a Expoziție itinerantă, a arătat tabloul „Întâlnirea cu icoana” (1878). Momentul înfățișat, tipic pentru sat, a făcut posibil ca artistul să dezvolte o întreagă galerie de imagini caracteristice, să transmită o gamă diversă de sentimente și experiențe. Intriga imaginii este construită pe o juxtapunere contrastantă. Pe de o parte, există un sentiment sincer, o credință naivă a maselor țărănești întunecate, sărăcite într-o icoană miraculoasă, pe de altă parte, reprezentanții clerului sunt complet indiferenți la tot ceea ce se întâmplă. Un rol emoțional important în imagine este jucat de peisajul nedescris de la periferia satului. O zi de toamnă gri și înnorat a determinat în mare măsură culoarea înfundată întunecată-argintie a imaginii.

Unul dintre cei mai buni artiști itineranți este considerat pe bună dreptate (1833 - 1882), care deja până în momentul organizării expozițiilor itinerante se dezvoltase ca un maestru uimitor, ale cărui lucrări aveau o conotație socială majoritatea.

În opera sa, Perov a folosit, fără îndoială, tradițiile lui Fedotov, dar, în același timp, a mers mai departe decât predecesorul său și a îndrăznit să atingă subiecte la care Fedotov nici măcar nu îndrăznea să viseze. La începutul lui mod creativ Perov, cu critici nemiloase, s-a întors asupra vieții și obiceiurilor clerului rus.

Imaginea centrală a acestui cerc este „Procesiunea rurală de Paște” ( Anexa 13), care a fost scrisă în 1861. Conținutul și structura figurativă a acestei pânze au devenit cu adevărat inovatoare. Preotul, care abia stă în picioare, a strâns cu lipsă de respect crucea în mână. Pe verandă se întindea un funcţionar beţiv mort cu o cădelniţă. Un țăran îmbrăcat în zdrențe poartă o icoană inversată. Imaginea expune mizeria vieții și întunericul satului rusesc din acea vreme.

Una dintre lucrările semnificative ale picturii realiste rusești este pictura lui Perov „Văzând morții” ( Anexa 14), scrisă în 1865. Simplu ca conținut, este plin de semnificație socială profundă.

„Seeing the Dead” duce privitorul în satul rusesc și i se dezvăluie una dintre cele mai mari tragedii din viața unei familii de țărani - moartea susținătorului familiei. O înmormântare... În loc de cărucior, o tânără văduvă stă pe iradiere, cu capul în jos, aplecată, iar în sanie, lipiți de sicriu, doi copii au înghețat nemișcați. Întreaga pânză este pătrunsă de starea de tristețe și singurătate. Calul, parcă simțind durerea proprietarilor, urcă încet și greu muntele. Chiar și natura a înghețat în tăcere, pădurea strânsă a înghețat, norii de iarnă atârnau puternic.

Tonul albăstrui al spațiului acoperit de zăpadă și al cerului de seară, lemnul cu un sicriu și o familie orfană evocă un sentiment de lipsă de adăpost și dor. Dună ușoară de lămâie a unui apus de iarnă sub norii nopții care se apropie, care contrastează cu tonurile albăstrui din jur prin culoarea sa, sporește impactul emoțional al gamei de frig. Culorile monocromatice galben-maro (sicriu galben, haine din piele de oaie galben-maro, un cal de dafin), unind grupul reprezentat într-o schemă de culori, vorbesc și în tăcere despre singurătatea oamenilor capturați, lăsați numai pentru ei înșiși în viață.

Cercetătorii asociază în mod firesc „Seeing the Dead Man” cu poezia „Frost, Red Nose”, care a fost publicată în 1863. Se știe că Perov a fost un admirator pasionat al acestui poet.

În 1868, Perov a creat una dintre cele mai bune picturi ale sale - „Ultima crâșmă de la avanpost” ( Anexa 15), caracterizată printr-o mare emotivitate a imaginii artistice. Aici povestea este extrem de laconică, dar tabloul emotionează profund, evocă un lanț de asocieri, ecou poezia rusă. Silueta singuratică a unei țărănci într-o sanie pare a fi întruchiparea răbdării fără speranță. Zăpadă gri-albăstruie, siluete întunecate de case cu pete galbene-roșiatice ale ferestrelor, o linie rece, mișcătoare, galben-lămâie de apus, lângă orizont, față de care se înnegrează siluetele avanpostului, o singură culoare tonală - mai caldă în prim-plan, ca și cum ar reține o particulă de căldură din casele rezidențiale și frigul pe a doua - dau imaginii integralitate și emoționalitate, provoacă un sentiment de anxietate și durere.

Tabloul a fost pictat într-un mod care nu era anterior caracteristic lui Perov. Puritatea culorii și ușurința scrisului sunt trăsăturile sale picturale distinctive. Pensiunea liberă sporește senzația de vânt pătrunzător care acoperă cu zăpadă săniile, ușile și ferestrele caselor, frământă coama cailor. Emoționalitatea peisajului este un mijloc de interpretare a evenimentului și a experiențelor umane. Acest lucru este extrem de caracteristic nu numai pentru cele mai bune lucrări ale lui Perov, ci și pentru o serie de lucrări ale poeților și artiștilor ruși din acea vreme.

Puterea atractivă a operelor de gen ale Rătăcitorilor constă în noutatea nu numai a intrigilor în sine, ci și în forma neobișnuit de accesibilă a unei narațiuni picturale detaliate, care ecou în mod viu literaturii și dramaturgiei progresive. Era un nou conținut ideologic și estetic al artei, reflectând direct viața, plin de umanitate profundă și gânduri nobile, opus izbitor pânzelor academice reci pe teme abstracte.

Succesul lucrărilor pictorilor de gen a fost asociat, de asemenea, cu înaltă abilitate profesională a performanței. Picturile lor demonstrează cunoștințele excelente ale artiștilor despre natură, capacitatea de a transmite o situație socială acută și de a descrie starea de spirit a persoanei reprezentate. O gamă largă de relații tonale discrete în pictură, desenul liber și precis, dezvoltarea atentă a detaliilor necesare compoziției sunt caracteristice majorității picturilor de gen ale Rătăcitorilor. Totul a fost îndreptat către un singur scop: să transmită conținut spectatorului, să-l facă să empatizeze, să iubească sau să urască.

Lucrarea Wanderers a completat formarea genului de zi cu zi în artele plastice rusești. Datorită inovației lor, genul de zi cu zi a ocupat un loc de frunte printre alte genuri de artă plastică rusă. Din momentul muncii lor, combinația de acut percepute trasaturi caracteristice viața de zi cu zi cu generalizare, bogăție emoțională, plină de simbolism de imagini și situații care exprimă direct gusturile și antipatiile, atitudinea și părerile sociale ale artistului.

LISTA LITERATURII UTILIZATE:

1. Batazhkova Gavrilovici Venetsianov. - L .: Artist al RSFSR, 1966. - 52 p.

2. Dorogonevskaya Gavrilovici Venetsianov. // Alexei Venetsianov. Album. - M .: Arte Plastice, 1969. - S. 2 - 8.

3. Ilyina arte. arta rusă și sovietică. – M.: facultate, 1989. - 400 p.

4. Istoria artei ruse. / Ed. și. - M.: Arte vizuale, 1987. - 400 p.

5. Istoria artei ruse. În 2 vol. T. 2. Cartea. 1. / Ed. . - M.: Arte vizuale, 1980. - 312 p.

6. Istoria picturii Kon'kov. – M.: Veche, 2002. – 512p.

7. Krasnobaev al istoriei culturii ruse a secolului al XVIII-lea. – M.: Iluminismul, 1987. – 319 p.

8. Kuznetsova. // Venetsianov. Imagine și culoare. Album. - M .: Arte Plastice, 1976. - S. 4 - 5.

9. Din istoria Rusiei cultura artistica. Studii, eseuri, articole. - M .: Artist sovietic, 1982. - S. 132 - 142.

10. Eseuri despre istoria culturii ruse în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. - M.: Iluminismul, 1973. - 430 p.

11. Paramonov. // Rătăcitori. Album. - M.: Art, 1976. - S. 5 - 22.

12. Arte plastice Pikulev. - M.: Iluminismul, 1977. - 288 p.

13. Sarabyanov. // Fedotov. Imagine și culoare. - M.: Arte vizuale, 1978. - S. 4 - 5.

14. Dicționar de termeni de istoria artei. - M.: Art, 1997. - 351 p.

Dicționar de termeni de istoria artei. - M.: Art, 1997. - S. 35.

Krasnobaev al istoriei culturii ruse a secolului al XVIII-lea. - M .: Educaţie, 1987. - S. 216.

Istoria picturii Konkov. - M.: Veche, 2002. - S. 186.

Cit. Citat din: Istoria picturii Konkova. - M.: Veche, 2002. - S. 253.

Cit. de: Kuznetsova. – M.: Arte vizuale, 1976. – P. 4.

Dorogonevskaya Gavrilovici Venetsianov. – M.: Arte vizuale, 1969. – P. 6.

Kuznetsova. – M.: Arte vizuale, 1976. – P. 5.

Ilyin Arts. arta rusă și sovietică. - M .: Liceu, 1989. - S. 195 - 196.

Din istoria culturii artistice ruse. Studii, eseuri, articole. - M .: Artist sovietic, 1982. - S. 137 - 138.

Sarabyanov. – M.: Arte vizuale, 1978. – P. 5.

Cit. de: Paramonov. – M.: Art, 1976. – P. 9.

Dedicat vieții private și publice de zi cu zi (de obicei artist contemporan). Scenele de zi cu zi ("gen"), cunoscute în artă încă din cele mai vechi timpuri, s-au remarcat ca gen special în epoca feudală (în țări Orientul îndepărtat) și în timpul formării societății burgheze (în Europa). Perioada de glorie a genului de zi cu zi din timpurile moderne este asociată cu creșterea tendințelor artistice democratice și realiste, cu apelul artiștilor pentru reprezentarea muncii și a vieții populare. Imaginile pe subiecte de zi cu zi erau deja prezente în arta primitiva(scene de vânătoare, procesiuni), în picturi și reliefuri orientale antice (imagini ale vieții regilor, nobililor, artizanilor, fermierilor), în picturile și reliefurile grecești antice, unde erau adesea incluse în compoziții sau scene mitice viata de apoi. Ele au ocupat un loc semnificativ în arta elenistică și romană antică (picturi, mozaicuri, sculptură). În arta medievală din Europa și Asia, scenele de gen au fost adesea țesute în compoziții religioase și alegorice (picturi, reliefuri și miniaturi). Din secolul al IV-lea s-a dezvoltat pictura de gen din Orientul Îndepărtat (China, mai târziu Coreea, Japonia).

În genul de zi cu zi al realismului critic rus, expunerea modului de viață feudal și simpatia pentru cei dezavantajați au fost completate de o pătrundere profundă și precisă în lumea spirituală a personajelor, o narațiune detaliată și o dezvoltare dramatică detaliată a intrigii. . Aceste trăsături, manifestate în mod clar la mijlocul secolului al XIX-lea. în picturile lui P. A. Fedotov, pline de batjocură arzătoare și durere, în desenele lui A. A. Agin și T. G. Shevchenko, au fost percepute în anii 1860. democrații de gen - V. G. Perov, P. M. Shmelkov, care au combinat jurnalismul direct și ascuțit cu o experiență lirică profundă a tragediilor de viață ale țărănimii și săracii urbani. Pe această bază, a crescut genul de zi cu zi al Wanderers, care a jucat un rol principal în arta lor, care reflecta exclusiv pe deplin și exact. viata populara a doua jumătate a secolului al XIX-lea, care a înțeles intens tiparele sale sociale. O imagine detaliată a vieții tuturor straturilor societății ruse a fost oferită de G. G. Myasoedov, V. M. Maksimov, K. A. Savitsky, V. E. Makovsky și - cu o profunzime și o amploare deosebite - I. E. Repin, care a arătat nu numai opresiunea barbară a poporului, ci și luptătorii pentru eliberarea ei, vitalitatea puternică ascunsă în popor. O asemenea amploare a sarcinilor imaginii de gen a adus-o adesea mai aproape de compoziția istorică. În picturile lui N. A. Yaroshenko, N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov, A. E. Arkhipov în sfârşitul XIX-lea- începutul secolului XX. reflecta stratificarea peisajului rural, viața clasei muncitoare. Genul cotidian al Wanderers a găsit un răspuns larg în arta Ucrainei (N. K. Pimonenko, K. K. Kostandi), Belarus (Yu. M. Pen), Letonia (Y. M. Rozental, Y. T. Valter), Georgia (G I. Gabashvili, A. R. Mrevlishvili) , Armenia (E. M. Tatevosyan) și alții.Succesele realismului democratic în genul cotidian al secolului al XIX-lea. au fost asociate cu formarea și ascensiunea culturii artistice a multor popoare în cursul luptei lor pentru eliberarea națională și socială (M. Munkacsy în Ungaria, K. Purkin în Cehia, A. și M. Gerymsky și Y. Chelmonsky în Polonia, N. Grigorescu în România, I. Myrkvichka în Bulgaria, D. Skutetsky în Slovacia, J. F. de Almeida Junior în Brazilia, L. Romagnach în Cuba). Caracteristicile de zi cu genul sunt, de asemenea, prezentate în peisajul portretului, pictura istorică și pictura de luptă. În același timp, genul cotidian este uneori impregnat de moralitate religios-patriarhală sau burgheză, trăsături idilice sau distractive. O slăbire a tendințelor critice social a marcat opera unui număr de pictori majori de gen (J. Bastien-Lepage, L. Lermitte în Franța, L. Knaus, B. Vautier în Germania, K. E. Makovsky în Rusia). Artiști asociați cu impresionismul (E. Manet, E. Degas, O. Renoir în Franța), în anii 1860-80 au revendicat un nou tip de pictură de gen, în care au căutat să surprindă, parcă, un aspect aleatoriu, fragmentar al vieții, o caracteristică acută a înfățișării personajelor, unitatea oamenilor și a mediului lor. mediul natural. Aceste tendințe au dat impuls unei interpretări mai libere a genului cotidian, o percepție picturală directă a scenelor cotidiene (M. Lieberman în Germania, E. Werenschell, K. Krog în Norvegia, A. Zorn, E. Yousefson în Suedia, W. Sickert). în Marea Britanie, T. Aikins în SUA, V. A. Serov, F. A. Malyavin, K. F. Yuon în Rusia).

La începutul secolelor XIX-XX. în arta simbolismului și stilul „modern” se produce o ruptură cu tradiția genului cotidian al secolului al XIX-lea. Scenele de zi cu zi sunt tratate ca simboluri atemporale; concretitatea vitală a imaginii lasă loc unor sarcini monumentale și decorative (E. Munch în Norvegia, F. Hodler în Elveția, P. Gauguin în Franța, V. E. Borisov-Musatov în Rusia).

Tradiții ale genului cotidian realist din secolul al XIX-lea. au fost preluate în secolul al XX-lea. artiști care au căutat să dezvăluie contradicțiile capitalismului, să dea dovadă de rezistență, Forta interioarași frumusețea spirituală a oamenilor din popor (T. Steinlen în Franța, F. Brangvin în Marea Britanie, K. Kollwitz în Germania, D. Rivera în Mexic, J. Bellows în SUA, F. Maserel în Belgia, D. Derkovich în Ungaria, N Balcani în Bulgaria, S. Lukyan în România, M. Galand în Slovacia etc.). După cel de-al Doilea Război Mondial din 1939-45, această direcție a fost continuată de maeștrii neorealismului - R. Guttuso, A. Pizzinato și alții în Italia, A. Fougeron și B. Taslitsky în Franța, Ueno Makoto în Japonia. O trăsătură caracteristică a genului de zi cu zi a fost combinarea trăsăturilor caracteristice percepute acut ale vieții de zi cu zi cu generalizarea, adesea simbolismul imaginilor și situațiilor. În țările eliberate și în curs de dezvoltare din Asia și Africa, s-au dezvoltat școli originale de genuri naționale cotidiene, trecând de la imitație și stilizare la o reflectare profundă generalizată a modului de viață al popoarelor lor (A. Sher-Gil, K. K. Hebbar în India, K. Affandi în Indonezia, M Sabri în Irak, A. Tekle în Etiopia, sculptorii Kofi Antubam în Ghana, F. Idubor în Nigeria). Artiștii mișcărilor moderniste – arta pop și hiperrealismul – apelează uneori la scene cotidiene, dar lucrările lor nu depășesc fixarea pasivă scoasă din context. viata reala fragmente de realitate.

După Revoluția din octombrie 1917, genul de zi cu zi a dobândit în Rusia Sovietica trăsături noi, determinate de formarea și dezvoltarea societății socialiste, sunt optimismul istoric, afirmarea muncii libere dezinteresate și un nou mod de viață bazat pe unitatea principiilor sociale și personale. Această unitate a dat naștere unei strânse legături între genul cotidian și genul istoric, care sunt adesea împletite. Genul de zi cu zi a jucat un rol important în dezvoltare arta sovietică reflectând construirea socialismului și comunismului, formarea lumii spirituale a poporului sovietic în multe feluri. Încă din primii ani ai puterii sovietice, artiștii (B. M. Kustodiev, I. A. Vladimirov) au căutat să surprindă schimbările aduse de revoluție în viața țării. În anii 20. asociația AHRR a organizat o serie de expoziții dedicate vieții sovietice, iar maeștrii săi (E. M. Cheptsov, G. G. Ryazhsky, A. V. Moravov, B. V. Ioganson) au creat o serie de imagini tipice de încredere care arată noi relații între oameni. Artiștii asociației OST (A. A. Deineka, Yu. I. Pimenov) au creat un tip special de picturi dedicate construcțiilor, muncii și sportului, în care au exprimat în general noi trăsături ale aspectului și vieții poporului sovietic; picturi poetice ale vieții tradiționale și noi au fost interpretate de P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan, P. P. Konchalovsky, K. S. Petrov-Vodkin. Gen casnic al anilor 30. a afirmat o percepție veselă, festivă a vieții (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, T. G. Gaponenko, V. G. Odintsov, F. G. Krichevsky). În genul de uz casnic sovietic reflectat viata greaîn faţă şi în spate în timpul Marelui Războiul Patriotic 1941-45 (Yu. M. Neprintsev, B. M. Nemensky, A. I. Laktionov, V. N. Kostetsky, A. F. Pakhomov, L. V. Soyfertis), entuziasm pentru munca colectivă și viața socială, caracteristici tipice vieții de zi cu zi în anii postbelici (T. N. Yablonskaya, S. Reshetnikov, S. A. Grigoriev, U. M. Dzhaparidze, E. F. Kalnyn, L. A. Ilyina). Din a doua jumătate a anilor '50. în picturile lui G. M. Korzhev, V. I. Ivanov, E. E. Moiseenko, V. E. Popkov, T. T. Salakhov, D. D. Zhilinsky, E. K. Iltner, I. A. Zarin, I. N. Klycheva, N. I. Andronov, A. P. și S. P. M. S. F. T. F. Zarin Zarin. V. M. Yurkunas, V V. Tolly viata de zi cu zi al oamenilor pare bogat și complex, saturat de gânduri și experiențe grozave. Lucrări de gen casnic din anii 60-80. servesc adesea la exprimarea gândurilor filozofice profunde despre viață.

O contribuție importantă la dezvoltarea genului cotidian realist a avut-o artiștii țărilor socialiste, care au reflectat viu formarea unor noi relații sociale în viața popoarelor lor, arătând trăsăturile caracteristice vieții naționale (K. Baba în România , S. Venev în Bulgaria, V. Vomaka în RDG, M. Benka , L. Fulla în Cehoslovacia, Nguyen Duc Nung în Vietnam, Kim Yongjun în RPDC, Jiang Zhaohe în RPC).

Lit.: N. Apraksina, Pictură casnică, L., 1959; B. M. Nikiforov, Pictura de gen, M., 1961; Genul rusesc pictura XIXîn. [Album de reproduceri, M., 1961]; Pictura de gen rusă a secolelor XIX - începutul XX, M., 1964; [E. J. Fechner], pictura de gen olandeză din secolul al XVII-lea. în statul Schitul, Moscova, 1979; Brieger L., Das Genrebild. Eine Entwicklung der bürgerlichen Malerei, Münch., ; Hütt W., Das Genrebild, Dresda, .

GEN CASĂ -

Un gen de artă plastică care se ocupă de viața privată și publică de zi cu zi (de obicei de către un artist contemporan).

Imaginile pe teme de zi cu zi erau deja prezente în arta primitivă (scene de vânătoare, procesiuni), în picturile și reliefurile orientale (imaginile vieții regilor, nobililor, fermierilor). Ei au ocupat un loc semnificativ în arta elenistică și romană antică (în pictura în vază, reliefuri, picturi murale, mozaicuri și sculptură).

Din secolul al IV-lea s-a dezvoltat pictura de gen din Orientul Îndepărtat (China, Coreea, Japonia).

În arta medievală a Europei, scenele de gen erau adesea țesute în compoziții religioase și alegorice (picturi, reliefuri, miniaturi).

GEN CASĂ. Renaştere. Olanda (Flandra). Eick, Jan Wang.
Căsătoria lui Arnolfini.
Ceremonia de nuntă a lui Giovanni Arnolfini și a soției sale Giovanna Genami

În perioada Renașterii, scenele religioase și alegorice din pictură au început să capete caracterul unei povești despre un eveniment real, saturat de detalii cotidiene (Giotto, A. Lorenzetti, Jan van Eyck, R. Kampen, Gertgen tot Sint-Jans), au apărut imagini ale activității muncii umane (Limburg, Schongauer, Kosee).

La sfârșitul secolului al XV-lea - începutul secolului al XVI-lea. în opera unui număr de artiști, genul de zi cu zi a început să se depărteze treptat (V. Carpaccio, Giorgione, J. Bassano, K. Masseys, Luke Leydensky). În lucrările lui P. Brueghel și J. Callot, reprezentarea imaginilor vieții de zi cu zi a devenit o modalitate de exprimare a ideilor sociale și filozofice relevante (idei de justiție socială, non-violență etc.).

GEN CASĂ. Olanda.
Brueghel cel Tânăr, Pieter. Peisaj de iarnă cu capcană pentru păsări

în diferite şcoli naţionale secolul al 17-lea format tipuri diferite gen cotidian, afirmat adesea în lupta împotriva tendințelor idealizante.

Deci, în opera lui Caravaggio în Italia, care a influențat dezvoltarea realismului în arta europeană a secolului al XVII-lea. Reprezentarea cu accent veridică și monumentală a scenelor vieții claselor inferioare în compoziții religioase s-a opus principiilor idealizante ale academismului.

Poetizarea sublimă a motivelor cotidiene incluse în compozițiile mitologice și alegorice, afirmarea forțelor vitale puternice conținute în popor sunt caracteristice lucrărilor lui P. P. Rubens și J. Jordaens în Flandra, care polemizează cu principiile barocului oficial.

Genul casnic a ocupat poziția de lider în Olanda, unde formele sale clasice au luat în sfârșit contur.

Poetizarea vieții țărănești și burgheze cu atmosfera ei inerentă de confort pașnic este caracteristică lui A. van Ostade, K. Fabricius, P. de Joch, J. Vermeer din Delft, G. Terborch, G. Metsu.

În a doua jumătate a secolului XVII - începutul secolului XVIII. a existat o discrepanță între direcția democratică în genul cotidian (operele lui Rembrandt, A. Brauer, S. Rosa și J. M. Crespi) și arta idealizantă a vieții cotidiene (D. Teniers, K. Netscher în Olanda).

Spre deosebire de pastoralele idilice și „scenele galante” ale artei rococo (F. Boucher), se naște un gen de familie și satira cotidiană (W. Hogarth, A. Watteau și J. O. Fragonard, J. B. S. Chardin; J. B. Greuze ).

Tendințele realiste apare in tablouri de zi cu zi artiști din Italia (P. Longi), Germania (D. Khodovetsky), Suedia (P. Hilleström), Polonia (Ya. P. Norblin).

Democrația veselă, strălucirea poetică în percepția lumii sunt impregnate de lucrări timpurii pe subiecte de zi cu zi ale spaniolului F. Goya.

În Rusia, genul casnic s-a dezvoltat din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. (I. Firsov, M. Shibanov, I. Ermenev).

În secolele XVI-XVIII. Genul casnic a înflorit și în arta țărilor asiatice - în miniatura Iranului, Indiei, în pictura Coreei și în special a Japoniei (gravuri de Kitagawa Utamaro, Katsushika Hokusai).

În prima jumătate a secolului al XIX-lea. în afirmarea estetică a vieții de zi cu zi, un rol important l-a jucat reprezentarea idilică a vieții țărănimii și a locuitorilor orașului, captivantă cu simplitate poetică și sinceritate emoționantă (A. Venetsianov și școala venețiană din Rusia, J. K. Bingham și W. Mount în SUA, D. Wilkie în Scoția; reprezentanți ai Biedermeier - G. F. Kersting și K. Spitzweg în Germania, F. Waldmuller în Austria, K. Köbke în Danemarca).

Romanticii francezi (T. Géricault, A. G. Dean) au introdus spiritul de protest, generalizarea și bogăția psihologică a imaginilor în genul cotidian. oameni normali; O. Daumier la mijlocul secolului al XIX-lea. au dezvoltat aceste căutări, completându-le cu o înaltă abilitate de tipificare socială.

GEN CASĂ. Franţa.
Courbet, Gustave. Hamac.

La mijlocul și a doua jumătate a secolului al XIX-lea. genul cotidian se dezvoltă în lucrările lui G. Courbet și J. F. Millet în Franța, A. Menzel și V. Leibl în Germania, J. Fattori în Italia, I. Israels în Olanda, W. Homer în SUA, C. Meunier în Belgia .

Genul de zi cu zi al realismului critic rus a fost caracterizat de o pătrundere profundă și precisă în lumea spirituală a personajelor, o narațiune detaliată și o dezvoltare dramatică detaliată a intrigii.

Aceste trăsături, manifestate în mod clar la mijlocul secolului al XIX-lea. în picturile lui P. Fedotov, au fost percepute de democrații de gen V. Perov și P. Shmelkov.

Pe această bază, a crescut genul de zi cu zi al Wanderers, care a jucat un rol principal în arta lor, care a reflectat exclusiv pe deplin și exact viața populară din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. O imagine detaliată a vieții tuturor straturilor societății ruse a fost oferită de G. Myasoedov, V. Maksimov, K. Savitsky, V. Makovski și - cu o profunzime și o amploare deosebite - I. Repin, lărgimea sarcinilor de gen picturi din care adesea i-au apropiat de compoziţia istorică.

Genul și trăsăturile de zi cu zi se manifestă în portret, peisaj, pictură istorică și de luptă a unui număr de artiștii din secolul al XIX-lea secolului, printre ei - J. Bastien-Lepage, L. Lermit în Franța, L. Knaus, B. Botier în Germania, K. Makovsky în Rusia și alții. Artiști asociați cu impresionismul (E. Manet, E. Degas, O. Renoir în Franța), în anii 1860-80. au afirmat un nou tip de pictură de gen, în care au căutat să surprindă, parcă, un aspect accidental, fragmentar al vieții, o specificitate ascuțită în înfățișarea personajelor, unitatea oamenilor și a mediului lor natural.

Aceste tendințe au dat impuls unei interpretări mai libere a genului cotidian, o percepție picturală directă a scenelor cotidiene (M. Lieberman în Germania, E. Werenshöll, K. Krogh în Norvegia, A. Zorn, Z. Yusefson în Suedia, W. Sickert). în Marea Britanie, T. Aikins în SUA, V. Serov, F. Malyavin, K. Yuon în Rusia).

La începutul secolelor XIX-XX. în arta simbolismului și în stilul Art Nouveau, există o ruptură cu tradiția genului cotidian al secolului al XIX-lea.

Scenele de zi cu zi sunt tratate ca simboluri atemporale; concretitatea vitală a imaginii face loc unor sarcini monumentale și decorative (E. Munch în Norvegia, F. Hodler în Elveția, P. Gauguin în Franța, V. Borisov-Musatov în Rusia).

Tradiții ale genului cotidian realist din secolul al XIX-lea. au fost preluate în secolul al XX-lea. artişti precum T. Steinlen în Franţa, F. Brangvin în Marea Britanie, K. Kollwitz în Germania, D. Rivera în Mexic, J. Bellows în SUA, F. Mazerel în Belgia, D. Derkovich în Ungaria, N. Balkansky în Bulgaria, S. Lukyan în România, M. Galand în Slovacia etc.

După cel de-al Doilea Război Mondial, această direcție a fost continuată de maeștrii neorealismului - R. Guttuso, A. Pizzinato în Italia, A. Fugeron și B. Taslitsky în Franța, Ueno Makoto în Japonia. O trăsătură caracteristică a genului de zi cu zi a fost combinarea trăsăturilor caracteristice percepute acut ale vieții de zi cu zi cu generalizarea, adesea simbolismul imaginilor și situațiilor.

În țările din Asia și Africa, s-au dezvoltat școli originale de gen cotidian național, care s-au ridicat de la imitație și stilizare la o reflectare profundă generalizată a modului de viață al popoarelor lor (A. Sher-Gil, K. K. Hebbar în India, K. Affandi în Indonezia, M. Sabri în Irak, A. Tekle în Etiopia, sculptorii K. Antubam în Ghana, F. Ydubor în Nigeria).

Artiștii mișcărilor moderniste – arta pop și hiperrealismul – apelează la scenele de zi cu zi.

Genul de zi cu zi a jucat un rol crucial în dezvoltarea artei ruse a secolului al XX-lea. În anii 20. în cadrul acestui gen, în anii '30 au lucrat P. Kuznetsov, M. Saryan, P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, artiști ai asociației OST (A. Deineka, K. Pimenov). - S. Gerasimov, A. Plastov, T. Galonenko, V. Odintsov, F. Krichevsky.

Lucrările genului de zi cu zi au reflectat viața dificilă din față și din spate în timpul Marelui Război Patriotic (Yu. Neprintsev, B. Nemensky, A. Laktionov, V. Kostetsky, A. Pakhomov, L. Soyfertis), caracteristici tipice ale viața de zi cu zi în anii postbelici (T Yablonskaya, S. Chuikov, F. Reshetnikov, S. Grigoriev, U. Dzhaparidze, E. Kalnyn, L. Ilyina).

Din a doua jumătate a anilor '50. Genul cotidian este reflectat în picturile lui G. Korzhev, V. Ivanov, E. Moiseenko, V. Popkov, T. Salakhov, D. Jilinsky, E. Iltner, I. Zarin, I. Klychev, N. Andronov, A. și S Tkachev, T. Mirzashvili, S. Muradyan, în gravuri de G. Zakharov, V. Tolli, V. Yurkunas și alții.

Cu toate acestea, subiectul vieții de zi cu zi a fost ignorat de maeștrii antici, care credeau că arta plastică ar trebui să fie sublimă și rafinată, prin urmare nu există loc pentru ilustrații ale vieții de zi cu zi în ea.

Perioada de glorie a genului de zi cu zi cade asupra Renașterii, când valorile sunt regândite, iar locul principal în toate tipurile de artă este acordat omului. Alături de subiectele mitologice, mulți artiști descriu în lucrările lor oameni obișnuiți angajați în activități de zi cu zi.

Cu toate acestea, pictura de zi cu zi a acestei perioade este foarte înfrumusețată și ridicată la absolut - artiștii, în general, cântă frumusețea corpul uman, iar împrejurimile de zi cu zi servesc doar ca un plus, căruia i se acordă o importanță secundară. Cu toate acestea, artiști precum Peter Rubens și Diego Velázquez, Jan Vermeer din Delft, Jacob Jordaens și Adrian Van Ostade sunt considerați a fi fondatorii genului de zi cu zi în pictură, care s-a format în cele din urmă abia în secolul al XVIII-lea.

Până la sfârșitul secolului al XVII-lea, două tendințe principale au apărut în genul de zi cu zi al artelor plastice. Cultul rococo a dominat Europa, așa că nu este de mirare că artiștii au încercat să editeze scene cotidiene, să le facă elegante și sofisticate. Așa a apărut „pictura galantă”, în care au avut mare succes maeștri precum Karel Fabricius, Gerard Terborch, Antoine Watteau, Jean Baptiste Greuze, Jean Honore Fragonard, Francois Boucher și Jean Baptiste Simeon Chardin. Picturile lor reflectau, de regulă, viața clasei superioare și se distingeau prin acuratețea fotografică a detaliilor.

În același timp, s-a dezvoltat în paralel un curent socio-critic al picturii cotidiene, unde realitatea practic nu era înfrumusețată. Țăranii obișnuiți au devenit eroii lucrărilor lui William Hogarth și Kim Hondo, Gustave Courbet și Giovanni Fattori, iar scenele de zi cu zi cu participarea aristocrației erau adesea pline de umor.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, când un val de impresionism a cuprins Europa, a apărut o nouă tendință în pictura de zi cu zi, asociată cu reprezentarea unor scene aleatorii din viața oamenilor. Schițe trecătoare pe stradă s-au transformat în tablouri de lux, pline de viață și mișcare. Până în prezent, lucrările unor pictori precum Edouard Manet, Auguste Renoir, Max Liebermann, Edgar Degas, Thomas Aikins și Anders Zorn sunt standardul genului de zi cu zi în artele vizuale.

De-a lungul secolului al XX-lea, pictura de zi cu zi a fost o parte integrantă a diferitelor tendințe și tendințe. Cei mai străluciți reprezentanți ai artei avangardiste și susținătorii realismului i-au acordat atenție. Cu toate acestea, acest gen a dobândit o orientare socială acută doar în Rusia datorită lui Alexander Laktionov, Fedor Reshetnikov, Arkady Plastov, Boris Kustodiev, Gleb Savinov, Yuri Pimenov, Tatyana Yablonskaya și Ivan Vladimirov.

GEN CASĂ, un gen de artă plastică reprezentând un real, de obicei artist contemporan viata de zi cu zi. Intrigile genului de zi cu zi reflectă modul de viață existent - muncă și odihnă, zile lucrătoare și sărbători, obiceiuri și obiceiuri, relații între oameni. Elemente de gen cotidian au fost prezente în imaginile primitive ale scenelor și ritualurilor de vânătoare, în artă lumea antica, saturat de detalii cotidiene, în arta medievală europeană, care cuprindea adesea motive cotidiene interpretate alegoric (cicluri pe teme de 12 luni, anotimpuri, unde sunt înfățișate activități sezoniere etc.). Ca tip independent de creativitate artistică, genul de zi cu zi sa dezvoltat pentru prima dată în arta medievală a țărilor din Orientul Îndepărtat: în China și Japonia (școala ukiyo-e), în reliefurile și picturile templelor indiene și miniaturi persane. În arta europeană a Proto-Renașterii și Renașterii (mai târziu de M. da Caravaggio și artiștii caravagismului), trăsăturile genului cotidian au apărut în interpretarea subiectelor religioase ca evenimente reale cu semne. viața modernă. În același timp, genul cotidian este strâns legat de parabolă sau alegorie (ciclurile „Cinci simțuri”, „Virtute și vicii”, etc.).

Genul cotidian capătă o semnificație autonomă în secolele al XVI-lea și al XVII-lea. Intrigile de proverbe și zicători, jocuri și ghicitori, precum și bucătăriile, magazinele, piețele, mesele sunt descrise încă din secolul al XVI-lea în genul gospodăresc olandez (P. Brueghel cel Bătrân, P. Artsen, I. Beikelar). Aproape de genul cotidian al bodegonesului în arta spaniolă (D. Velazquez și alții). Perioada de glorie a genului cotidian vine în pictura olandeză și flamandă a secolului al XVII-lea: scene de burgher (J. Vermeer, G. Terborch) și de viață țărănească (A. van Ostade), intrigi comice grotești de A. Brouwer și D. Teniers the Younger, „magazine” F. Snyders, scene ale festivalurilor populare de J. Jordans și P. P. Rubens. Datorită olandezului P. van Laer, genul comic de uz casnic s-a răspândit în Italia (bamboccianti). În secolul al XVIII-lea, A. Watteau a scris „festări galante” în stil rococo; J. B. S. Chardin dezvoltă tradiția genului cotidian contemplativ, urmând predecesorii săi francezi, frații Le Nain.

Genul cotidian al Iluminismului este moralist (J. B. Greuze, W. Hogarth); în epoca romantismului îl pătrund motive exotice orientale (E. Delacroix, O. Vernet). Genul cotidian al perioadei Biedermeier se distinge prin poetizarea sau interpretarea anecdotică a vieții private (F. Waldmuller, K. Spitzweg). Artiștii realiști francezi, dimpotrivă, apelează la viața aspră și evlavioasă a provinciei (F. Millet, G. Courbet); satira şi critica socială sunt caracteristice genului cotidian al lui O. Daumier. Viața de zi cu zi a orășenilor, munca și petrecerea timpului liber se află în centrul genului cotidian al maeștrilor impresionismului. La mijlocul - a 2-a jumătate a secolului al XIX-lea, viața muncitorilor industriali este descrisă cu simpatie în lucrările lui F. M. Braun, A. von Menzel și C. Meunier; tema muncii este reprezentată și în lucrările lui F. Brangvin, W. Van Gogh, H. von Mare, J. Segantini, F. Hodler, în verismo italian. Partea greșită a vieții metropolei secolului XX o arată graficienii berlinez G. Gross, K. Kollwitz și G. Zille, pictori ai „Școlii coșului de gunoi” din New York, modul național de viață. - reprezentanți ai regionalismului în Statele Unite, costumbrismului și muralismului în America Latină, neorealismului italian.

În Rusia, genul de zi cu zi prinde contur abia în secolul al XVIII-lea. Gravurile sunt saturate de episoade cotidiene (A.F. Zubov), în pictura din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, atât lucrări individuale pe teme cotidiene (I.I. Firsov, I.I. Belsky), cât și serie întregi cu scene din viața țărănească ( I. A. Ermenev, I. M. Tankov). , și M. Shibanov). Viața de zi cu zi este poetizată în picturile lui V. A. Tropinin, A. G. Venetsianov și artiștii venețieni; interpretarea satirică a subiectelor de zi cu zi predomină în lucrarea lui P. A. Fedotov, grafica P. M. Shmelkov. În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, genul vieții de zi cu zi ocupă un loc de frunte în sistemul genurilor, influențând structura genului istoric, portretul și peisajul. Dezvoltarea realismului critic în arta rusă este legată de genul cotidian al Rătăcitorilor (V. G. Perov, I. E. Repin, V. E. Makovsky, N. A. Kasatkin, N. A. Yaroshenko, A. E. Arkhipov și alții. ). În același timp, se dezvoltă genul de gospodărie de salon, în care este prezentată viața idealizată atât a trecutului, cât și a prezentului (F. A. Bronnikov, K. E. Makovsky). Calea Rusiei provinciale a fost cântat de B. M. Kustodiev și M. V. Nesterov. În sculptură, genul cotidian este reprezentat de M. M. Antokolsky, E. A. Lansere și M. A. Chizhov, apoi de V. A. Beklemishev, P. P. Trubetskoy și S. T. Konenkov.

În arta sovietică, s-au dezvoltat forme speciale ale genului de zi cu zi: pompozitate oficială (V. P. Efanov), ridicul satiric al „vechiului mod de viață” și rămășițele sale (Kukryniksy), eroism (pictori cu un stil sever), reprezentarea idilică a „ viaţă fericită” a noii societăţi (S. V. Gerasimov). O serie de expoziții ale Academiei de Arte a Republicii Ruse au fost dedicate în întregime temei de zi cu zi. Artiștii recreează viața unui sat (A. A. Plastov), ​​​​a unui oraș (Yu. I. Pimenov), a unei familii (P. P. Konchalovsky). Viața industrială este reflectată în picturile lui P. I. Kotov, Aspecte variate tema copiilor a fost dezvăluită de F. S. Bogorodsky și F. P. Reshetnikov, tema tineretului și sportului - de A. A. Deineka și S. A. Luchishkin. Tragedia vieții de război este reprezentată în picturile lui T. G. Gaponenko, grafica lui N. I. Dormidontov și alții; optimismul deceniului postbelic s-a reflectat în lucrările lui A. I. Laktionov, V. G. Odintsov și V. N. Yakovlev. Genul de zi cu zi este larg reprezentat în sculptură (N. Ya. Danko, V. V. Lishev, G. I. Motovilov). Începând cu anii 1960, idealizării vieții sovietice i s-a opus o tendință ironică în lucrările underground și Sots Art.

Lit.: Pictură de gen rusesc. M., 1961; Langdon H. Pictură din viața de zi cu zi. Oxf., 1979; Brook Ya. V. La originile genului rusesc. secolul al XVIII-lea. M., 1990; Sokolov M.N. Imaginile de zi cu zi în pictura vest-europeană din secolele XV-XVII. Realitatea și simbolismul. M., .