PICTURA RUSĂ DE LA sfârșitul secolului al XIX-lea ÎNCEPUTUL SECOLULUI XX.Sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. perioadă importantă în dezvoltarea artei ruse. Coincide cu acea etapă libertatea de mișcareîn Rusia, care V.I. Lenin a numit proletar. Care este tabloul general al dezvoltării artei ruse în această perioadă?Maeștrii de frunte ai realismului critic, I.E. Repin, V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov, V.E. Makovsky În anii 1890, tradițiile lor și-au găsit dezvoltarea într-o serie de lucrări ale tinerei generații de artiști itineranți, de exemplu, Abram Efimovici Arkhipov 1862-1930, a cărui operă este, de asemenea, legată de viața oamenilor, de viața oamenilor. ţăranii.

Picturile sale sunt veridice și simple, lirice timpurie Pe râul Oka, 1890, Revers, 1896, în mai târziu, strălucitor de pitoresc, veselie violentă trăiește Fata cu ulcior, 1927. un viu document acuzator la adresa autocrației.

Tânăra generație a Wanderers include și Serghei Alekseevich Korovin 1858-1908 și Nikolai Alekseevich Kasatkin 1859-1930. Korovin a lucrat timp de zece ani la tabloul său central Despre lume în 1893. El a reflectat în el procesele complexe de stratificare a țărănimii în satul modern capitalizat. Kasatkin a putut identifica, de asemenea, cele mai importante aspecte ale Rusiei în opera sa.

S-a ridicat complet temă nouă asociată cu întărirea rolului proletariatului. În minerii înfățișați în celebrul său tablou Mineri. Schimbarea din 1895, se poate ghici acea forță puternică care în viitorul apropiat va distruge sistemul putred al Rusiei țariste și va construi o nouă societate socialistă. Dar în arta anilor 1890 a fost dezvăluită o altă tendință. Mulți artiști au căutat acum să găsească în viață, în primul rând, laturile sale poetice, prin urmare, chiar și în picturile de gen, au inclus peisajul.

Deseori menționată istoria antică a Rusiei. Aceste tendințe în artă sunt vizibile clar în lucrările unor artiști precum A.P. Ryabushkin, B.M. Kustodiev și M.V. Nesterov. Genul preferat al lui Andrei Petrovici Ryabushkin 1861-1904 a fost genul istoric, dar a pictat și tablouri din viața țărănească contemporană. Cu toate acestea, artistul a fost atras doar partide individuale viata populara ritualuri, sărbători. În ele, el a văzut o manifestare a caracterului național original rusesc.

În pânzele sale istorice, Ryabushkin a adus câteva trăsături de caracter pictura rusă veche, subliniind parcă autenticitatea istorică a imaginilor devoratorului de nuntă la Moscova în secolul al XVII-lea. Un alt artist important al acestui timp, Boris Mikhailovici Kustodiev 1878-1927, înfățișează târguri cu linguri multicolore și grămezi de mărfuri colorate, carnavale rusești cu troici de călărie, scene din viața negustorului.

În lucrările timpurii ale lui Mihail Vasilyevich Nesterov, aspectele lirice ale talentului său au fost dezvăluite pe deplin. În picturile sale, peisajul a jucat întotdeauna un rol important, artistul a căutat să găsească confort în liniștea naturii veșnic frumoase. Îi plăcea să înfățișeze mesteacăni cu tulpini subțiri, tulpini fragile de ierburi și flori de luncă. Eroii săi sunt tineri subțiri, locuitori ai mănăstirilor sau bătrâni amabili care își găsesc pacea și liniștea în natură.

Tablouri dedicate soartei unei rusoaice La munte, 1896, Marea tonsura, 1897-1898, sunt avântate cu profundă simpatie. Opera peisagistului și pictorului de animale Alexei Stepanovici Stepanov (1858-1923) datează din această perioadă. Artistul iubea sincer animalele și știa perfect nu numai aspect, dar și caracterul fiecărui animal, aptitudinile și obiceiurile sale, precum și trăsăturile specifice diferite feluri vânătoare. Cele mai bune tablouri artist dedicat naturii rusești, impregnat de lirism și poezie Cranes is flying 1891, Elks 1889, Wolves 1910. Deep poezie lirică este pătrunsă și arta lui Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov 1870-1905. Frumoase și poetice sunt imaginile sale ale femeilor gânditoare care locuiesc în vechile parcuri ale conacului și toată pictura sa armonică, asemănătoare muzicii, Pond, 1902. În anii 80-90 ai secolului XIX, s-a format opera artiștilor ruși remarcabili Konstantin Alekseevich Korovin 1861-1939, Valentin Alexandrovich Serov și Mihail Alexandrovich Vrubel.

Arta lor a reflectat cel mai pe deplin realizările artistice ale epocii. Talentul lui K.A. Korovin dezvăluit la fel de strălucitor ca în pictura de șevalet, în primul rând în peisaj, și în arta teatrală și decorativă.

Farmecul artei lui Korovin constă în căldura ei, razele soarelui, în capacitatea maestrului de a-și transmite direct și viu impresiile artistice, în generozitatea paletei sale, în bogăția cromatică a picturii sale La balcon, 1888-1889, iarna, 1894. La sfârșitul anilor 1890, în Rusia, se formează o nouă societate de artă, Lumea Artei, condusă de A.N. Benois și S.P. Diaghilev, care a avut o mare influență asupra vieții artistice a țării.

Nucleul său principal este artiștii K.A. Somov, L.S. Bakst, M.V. Dobuzhinsky, E.E. Lansere, A.P. Ostroumov-Lebedev. Activitățile acestui grup au fost foarte versatile, artiștii și-au publicat propria revistă World of Art, aranjată interesant Expoziții de artă cu participarea multor maeștri eminenti.

Activitățile lor au contribuit răspândităîn societatea rusă de cultură artistică, ei au căutat însă numai frumusețea în viață și au văzut realizarea idealurilor artistului doar în farmecul etern al artei. Lucrările lor erau lipsite de spiritul de luptă și de analiză socială caracteristice Wanderers, sub stindardul cărora mărșăluiau cei mai progresiști ​​și mai revoluționari artiști. Alexander Nikolayevich Benois 1870-1960 este considerat pe drept ideologul lumii artei.

La fel ca tovarășii săi, Benois a dezvoltat teme din epocile trecute în munca sa. A fost poetul de la Versailles. Un mare cunoscător al culturii franceze din secolele al XVII-lea și al XVIII-lea, Benois venera vechea reședință regală ca chintesență a spiritului artistic. tara minunata. A căutat să întrupeze această admirație în peisaje, genuri, ilustrații de carte, decoruri de teatru. În lucrările sale de șevalet, care s-au bazat pe impresii naturale, artistul a reușit să transmită uimitoarea spațialitate a Versailles-ului, creată lângă Paris prin voința Regelui Soare, imaginația și priceperea marilor arhitecți, sculptori și grădinari.

În compozițiile sale istorice, populate de mici figuri de oameni parcă neînsuflețite, el a reprodus cu atenție și dragoste monumente de artă și detalii individuale ale vieții Parade sub Paul I, 1907. Revenind profund pe Pușkin, Benois a creat o serie de ilustrații pentru lucrările sale. Cel mai bun dintre ei pentru poezia Călărețul de bronz. Artistul a recreat imaginea Petersburgului lui Pușkin.

Konstantin Andreevich Somov 1869-1939 a fost larg cunoscut ca maestru al peisajului romantic și al scenelor galante. Eroii săi obișnuiți sunt ca doamnele care au venit din antichitate îndepărtată, cu peruci înalte pudrate și crinoline luxuriante și domni rafinați, langozi, în camisole de satin. Somov avea o stăpânire excelentă a desenului. Acest lucru a fost valabil mai ales în portretele sale. Artistul a creat o galerie de portrete ale reprezentanților intelectualității artistice, printre care A.A. Blok și M.A. Kazmina 1907, 1909. În viața artistică a Rusiei de la începutul secolului, un rol important a jucat și gruparea artistică a Uniunii Artiștilor Ruși.

Acesta a inclus artiștii K. A. Korovin, A.E. Arkhipov, S.A. Vinogradov, S.Yu. Jukovski, L.V. Turzhansky, K.F. Yuon și alții. Genul principal în opera acestor artiști a fost peisajul. Ei au fost succesorii picturii peisagistice din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. AVANTGARDISMUL. avangardă franceză Avantgafdisme din avan advanced and garde detachment. Avangardismul este tendința de respingere a tradițiilor și căutarea experimentală a unor noi forme și moduri de creativitate, manifestată într-o mare varietate de mișcări artistice, conceptul fiind opusul academicismului.

Potrivit multor cercetători, avangarda este o reflectare a procesului de deplasare a culturii de către civilizație, a valorilor umaniste prin ideologia pragmatică. vârsta tehnică. Deci, chiar la începutul secolului al XX-lea. idealurile vagi ale romantismului și simbolismului în arta perioadei Art Nouveau, aflată într-o criză profundă, au fost literalmente măturate de vârtejul uragan al ideilor tehniste de constructivism, funcționalism și abstractivism.

Avangardiştii s-au opus iluzionismului picturii clasice cu viziunea din lat. Fenomen Visions, imagine. Toate curentele artei de avangardă sunt într-adevăr caracterizate prin înlocuirea conținutului spiritual cu pragmatism, emoționalitatea prin calcul sobru, imaginea artistică prin simpla armonizare, estetica formelor, compoziția prin construcție și ideile mari prin utilitate. Maximalismul tradițional rusesc, care s-a manifestat în mod clar în mișcarea Rătăcitorilor și în anii șaizeci ai secolului al XIX-lea, a fost întărit doar de revoluția rusă și a condus la faptul că peste tot în lume Rusia Sovietica considerat locul de naștere al artei avangardiste.

Noua artă cucerește cu libertate nestăpânită, captivează și captivează, dar în același timp mărturisește degradarea, distrugerea integrității conținutului și formei. Atmosfera de ironie, joc, carnavalism și mascarada inerentă unor tendințe în arta avangardă nu doar măști, ci mai degrabă dezvăluie o discordie interioară profundă în sufletul artistului.

Ideologia avangardismului poartă în sine o forță distructivă. În anii 1910, potrivit lui N. Berdyaev, în Rusia creștea o generație de huligani. Conceptul de avangardă unește în mod condiționat cele mai diverse tendințe din arta secolului al XX-lea. constructivism, cubism, orfism, op art, pop art, purism, suprarealism, fauvism. Principalii reprezentanți ai acestei tendințe în Rusia sunt V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender și alții. Dintre noile asociații artistice care au lăsat o amprentă mai mult sau mai puțin vizibilă asupra artei rusești, două se remarcă. Prima a fost numită Trandafirul Albastru, după numele expoziției din 1907, a doua asociație purta numele și mai neobișnuit Jack of Diamonds.

S. Makovski a scris despre expoziția Blue Rose Light. Liniște. Iar pozele sunt ca rugăciunile Atât de departe de rutina zadarnică. Anul 1910 a fost marcat în opera pictorului rus Wassily Kandinsky 1866-1944 cu două evenimente fatidice: el a creat prima operă abstractă și a scris un tratat intitulat Despre spiritual în artă.

De acum, opera picturală, teoretică și poetică a marelui artist a fost subordonată unui singur scop - să înțeleagă și să exprime noua experiență spirituală care i s-a revelat, născut în secolul al XX-lea. Având în vedere conținutul său spiritual ca bază a artei, Kandinsky credea că sensul cel mai interior poate fi exprimat pe deplin în compoziții organizate pe baza ritmului, efectului psihofizic al culorii, contrastelor de dinamică și statică.

Artistul a venit la construcțiile sale abstracte din peisaje naturale, depășind realismul acestora, a creat o nouă lume non-figurativă, derulând un intens proces pictural și plastic în spațiul tabloului și obținând integritate și completitudine absolută. imagine artistică. Înzestrat cu o sensibilitate ascuțită și subtilă, Kandinsky credea că lumea este un întreg armonios în care proprietățile diferitelor fenomene sunt strâns legate între ele. Aceleași emoții ar putea fi evocate într-o persoană prin diferite imagini aparținând diferitelor sfere ale vieții, culturii și artei.

Ritmul, sunetul emoționant al culorii, expresia liniilor și petelor compozițiilor sale picturale au fost chemate pentru a exprima senzații lirice puternice, asemănătoare sentimentelor trezite de muzică, poezie și spectacolul peisajelor frumoase. Pentru toate compozițiile neobiective ale lui Kandinsky se aplică o comparație metaforică cu muzica reînviată în culori, purtătorul de sens interior a devenit în ele orchestrație coloristică și compozițională, realizată prin intermediul picturii absolute cu culoare, punct, linie, spot, plan. , coliziune contrastantă de pete colorate.

Pictura Două ovale, scrisă la sfârșitul perioadei rusești 1915-1921, este un exemplu de manual pictura abstracta Kandinsky. Continuitatea mișcării, intensitatea sunetului colorat care domnește în imagine vorbesc despre starea emoțională, spirituală a autorului, poartă o reflectare a experiențelor emoționale.

La sfârșitul anilor 1900 și începutul anilor 1910, artistul V.E. Tatlin 1885-1953 a devenit aproape de artiștii de avangardă ruși, în primul rând Mihail Larionov și Natalia Goncharova, poeții Velimir Khlebnikov, Alexei Krucenykh și alții. În acei ani, principala zonă de interes pentru viitorul creator al celebrului Turn al III-a Internațional a fost pictura și desenul; cele mai semnificative lucrări au fost pânzele Autoportret Marinar, Vânzător de pește, alături de Modele magnifice și naturi moarte. , au impresionat printr-un desen generalizat expresiv, o clară constructivitate a compoziției, mărturisind asimilarea tehnicilor inovatoare ale artei de ultimă oră.

În același timp, ei au arătat în mod convex o legătură genetică cu arta antică rusă, pictura icoanelor, frescele.Tatlin a studiat și copiat foarte mult mostre de artă antică rusă în lunile de vară ale anilor săi de studenție. M.V. Matyushin 1861-1934 a jucat un rol proeminent în multe acțiuni ale artiștilor și poeților de stânga în special, înființarea editurii Zhuravl, lansând multe cărți, fără de care istoria avangardei ruse este acum de neconceput.

La inițiativa lui Matyushin și Guro a fost creată Uniunea Tineretului din Sankt Petersburg, cea mai radicală asociație a forțelor artistice din ambele capitale. Lucrarea pitorească a lui Matyushin, în ciuda prieteniei sale strânse cu generatori atât de puternici de idei artistice precum Kazimir Malevich, s-a dezvoltat conform propriilor legi și a condus în cele din urmă la crearea unei direcții originale, numită de autorul cărții ZORVED cunoaștere vigilentă, viziune asupra viziunii cunoştinţe.

Artistul și studenții săi au studiat cu atenție mediul spațial și de culoare, modelarea naturală a organicelor vizibile ale lumii naturale le-a servit ca model și exemplu pentru construcțiile plastice în picturile lor. În pânza lui Matyushin Crystal, pictată în culori albastre reci, folosind o construcție liniară complexă, numele însuși era un diapazon atât de sens figurativ, cât și plastic. Mihail Larionov 1881-1964, alături de Kazimir Malevich Piața Neagră și Wassily Kandinsky, a fost figura centrală a avangardei ruse. În picturile sale concentrat tehnici artisticeși metode de diferite stiluri și epoci de la impresionism, fauvism, expresionism până la icoana rusă, tiparul popular, arta populară, a devenit și creatorul propriului sistem pictural, raionismul, care a precedat epoca non-obiectivității în artă.

Elev al lui Levitan și Serov, Larionov a fost adevăratul lider al tinereții artistice rebele, instigatorul multor acțiuni scandaloase care au marcat apariția avangardei pe scena publică rusă. Cu toate acestea, talentul său excepțional s-a manifestat nu numai în organizarea de asociații de artă, organizarea de expoziții revoltătoare, ci și în crearea de pânze, dintre care multe pot fi numite capodopere picturale.

P.V. Kuznetsov 1879-1968 a fost unul dintre organizatorii expoziției Blue Rose, care a determinat o întreagă tendință în arta rusă la începutul secolului al XX-lea. În lucrările sale timpurii, executate sub influența picturilor elegiace ale lui Borisov-Musatov, Kuznețov a apelat la motivele somnului, viselor, imaginilor instabile și fantomatice, viziuni învăluite în cea mai subțire luminoasă ceață.

Ecouri ale acestor tendințe Goluborozov pot fi văzute și în Suita Kirghiz a lui Kuznetsov, un ciclu de picturi care recreează cursul calm și măsurat al vieții popoarelor nomade din regiunea Trans-Volga, aspectul și obiceiurile lor, precum și întinderea nemărginită străpunsă de lumina soarelui stepelor. Un simț sofisticat al culorii, o înclinație pentru grotesc, o poftă de exotism romantic, caracteristică inițial lui G.B. Yakulov 1884-1928, combinat organic în opera sa cu stilul picturii rusești de la începutul secolului XX. În același timp, artistul a considerat și arta orientală, în special miniatura persană, ca moștenire spirituală, îmbinarea tradițiilor decorative ale artei orientale și cele mai recente realizări ale picturii europene i-au fost oferite fără efort, în mod firesc.

Faima puternică i-a adus lui Yakulov opera sa teatrală. În spectacol expresiv, în amploarea și libertatea picturii luminoase, Yakulov a căutat noi posibilități de concepte spațiale decorative și plastice, care au fost apoi introduse în design și construcții scenice.

CONCLUZIE. O generație de artiști o înlocuiește pe alta și fiecare dintre ei aduce o contribuție unică la vistieria picturii rusești, cronica artistică a țării și epocii. Secolul al XX-lea, saturat până la limită cu schimbări și răsturnări sociale, politice, culturale grandioase, a predeterminat evoluția neobișnuit de dinamică și rapidă a artei plastice, structura sa figurativă și mijloace de exprimare.

Dar legătura timpurilor nu este ruptă, iar astăzi pentru sute și mii de artiști, milioane și milioane de spectatori, creațiile perfecte ale clasicilor ruși, creațiile lui D. Levitsky și O. Kiprensky, K. Bryullov și A. Venetsianov, A. Ivanov și P. Fedotov, V. Perov și I. Kramskoy, I. Repin și V. Surikov, V. Serov și M. Vrubel rămân o moștenire neprețuită care a găsit o nouă viață în realitatea modernă, bogăția noastră spirituală, inspiratoare. exemple de cea mai înaltă măiestrie.

Cunoașterea și dezvoltarea acestui fond de aur al artei rusești, dezvoltare creativă cele mai bune tradiții ale sale sunt necesare pentru a crea cultura artistică a erei noastre.

Sfârșitul lucrării -

Acest subiect aparține:

Pictura rusă de la clasicism la avangardă

Arta clasicismului se caracterizează printr-o dorință de exprimare a unui mare conținut social, a unor idealuri morale înalte, eroice. subiectul principal arta clasicismului este triumful principiilor publice asupra celor personale, ... Absolutismul a exprimat ideea de putere solidă, a fost promovată eternitatea sistemului absolutist. Deși maturitate deplină...

Dacă aveți nevoie de material suplimentar pe această temă, sau nu ați găsit ceea ce căutați, vă recomandăm să utilizați căutarea în baza noastră de date de lucrări:

Ce vom face cu materialul primit:

Dacă acest material s-a dovedit a fi util pentru dvs., îl puteți salva pe pagina dvs. de pe rețelele sociale:

Caracteristici generale ale situaţiei artistice la începutul secolului. Formarea modernității în cultura rusă, trăsăturile sale. Grupări artistice majore. scoli de arta. Reflecție în artă a evenimentelor revoluției ruse din 1905-1907. Cercul Mamut din Abramtsevo este centrul noilor căutări artistice în cultura rusă. Arta decorativ-aplicata si teatral-decorativa. Lucrări de V. M. Vasnetsov, S. V. Malyutin, K. A. Korovin. E. D. Polenova, A. Ya. Golovina, M. A. Vrubel, M. V. Nesterov în acest domeniu. Artizanat în Talashkino ca o dezvoltare a principiilor cercului mamut.

Reînvierea arhitecturii la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX. Etapele „pitorești”, „grafice” și „raționaliste” ale arhitecturii Art Nouveau. F. O. Shekhtel este un reprezentant al arhitecturii moderne. Versiunea „neo-rusă”, „națională” a modernității. Stația Yaroslavsky F. O. Shekhtel, casa lui Pertsov S. V. Malyutin, stația Kazansky A. V. Shchusev (toate clădirile din Moscova). Neoclasicismul în arhitectură. I. A. Fomin, V. A. Schuko, I. V. Zholtovsky, R. I. Klein.

Sculptură sfârşitul XIX-lea- începutul secolului al XX-lea. Reînnoirea limbajului plastic, influența impresionismului asupra operei sculptorilor ruși. P. P. Trubetskoy. Portrete. Caracteristicile genului în sculptură sunt „Mama cu copil”, „Copii”, „Femeie necunoscută cu o fată”, „Doamnă așezată pe o bancă”, „Fata cu un câine”, „Mama și fiul”. A. S. Golubkina. Portrete. Tema proletariatului în opera lui Golubkina. „Fier”, „Merg”, „Sclav”, „Muncitor”, „Așezat”. Compoziții decorative. „Wave”, „Away music and lights”. Imagine generalizată într-un portret. „Rătăcitor”, „Baba”, „Izergil”, „Bătrân”. A. T. Matveev „Băieți adormiți”, „Gândire”, „Calm”, piatră funerară pentru V. E. Borisov-Musatov. S. T. Konenkov. Imagini de gen narativ și monumental-generalizate ale operelor sale. „Luptător cu piatră”, „Samson rupând legăturile”, „Militant muncitor Ivan Churkin”, „Slav”, „Ateu”, „Țăran”. Folclor și imagini de basm. „Stribog”, „Moș-Polevici”. Căutarea idealului. Nike, Lada, Winged, Dream. Șevalet și sculptură monumentală de N. A. Andreev (1873 -1932). Portretele lui Andreev. Monumentul lui N.V. Gogol. Ceramica si plastic decorativ.

Pictura rusă la începutul secolului. Rătăcitori „juniori”. Lucrarea lui N. A. Kasatkin „Miner”, „Mineri de cărbune. Schimbare”, „Muncitor-militant”, „Student”, „După căutare”. S. A. Korovin „Despre lume”. S. V. Ivanov. Genul și lucrările istorico-cotidiene ale artistului. „Sosirea străinilor la Moscova secolului al XVII-lea”, „Țarul. XVI”, „Familie”. A. E. Arkhipova. Imagini cu o țărancă rusă în opera artistului.

Crearea Uniunii Artiștilor Ruși. Perioada pre-revoluționară din opera lui M. V. Nesterov a reflectat căutarea spirituală și religioasă a epocii în pictura sa. „Sihastrul”, „Viziunea flăcăului Bartolomeu”, „Sub vestea cea bună”, un ciclu de lucrări despre viața lui Serghie de Radonezh, „Tonsura mare”, „Sfânta Rusia”, „În Rusia”. Portretele lui Nesterov. „Filozofi”, „Amazon”, portretul lui Lev Tolstoi. F. A. Malyavin, originalitatea sistemului pictural, decorativitatea lucrărilor de la sfârșitul anilor 1890 - 1900. Tema Rusiei rurale în opera sa. „Râsete”, „Vârtej”, „Fata”.

Rolul peisajului în arta începutului de secol. O nouă percepție a naturii, căutarea unor noi mijloace de exprimare. Levitan este creatorul unei imagini-peisaj, a unui peisaj de dispozitie. „Ziua de toamnă în Sokolniki”, „Seara pe Volga”, „După ploaie”, „Vântul proaspăt”, „Clopotele de seară”, „Locuința liniștită”, „Golden Reach”, „Birch Grove”, „Primăvara. Apă mare”, „Martie”, „Toamna de aur „Deasupra păcii eterne”, „Amurg. Căpițe de fân”, „Lac. Rus”. Structură figurativă, compoziție, culoare.

Impresionismul rusesc, trăsăturile sale. K. A. Korovin „Paris Cafe”, „Paris. Bulevardul Capucinilor”, seria Gurzuf. Peisaje, naturi moarte, portrete. Pictură de peisaj de I. E. Grabar „Azuriu februarie”, „Burg”, „Zăpada de martie”, „Crizanteme”, „Masa neîngrijită”. Peisaje „epopee” de A. A. Rylov, K. F. Yuon, A. M. Vasnetsov.

V. A. Serov al impresionismului rus timpuriu „Fata cu piersici”, „Fata luminată de soare”. Portrete de ceremonie și de cameră. Desenele lui Serov și priceperea sa grafică. Portretele lui G. L. Girshman, I. A. Morozov, O. K. Orlova, Ida Rubinstein. Lucrări istorice ale lui Serov, problema monumentalității și decorativității. „Petru I”. Peisaj în opera lui Serov. Lucrări monumentale și decorative. „Răpirea Europei”, „Odiseu și Nausicaa”. Serov este profesor.

M. A. Vrubel. Primele lucrări monumentale ale lui Vrubel. Frescuri și icoane în Biserica Sf. Chiril, schițe de fresce pentru Catedrala Sf. Volodimir din Kiev. Tema Demonului din opera lui Vrubel este tragedia singurătății și pieirii. Caracteristici ale formei artistice a operelor artistului. „Pan”, „Liliac”, „Noaptea”, „Bogatyr”, „Prițesa lebăda”. Vrubel este colorist. Portretele lui Vrubel (S. I. Mamontov, N. I. Zabela-Vrubel, fiul). Portrete grafice și autoportrete. Portretul lui V. Ya. Bryusov. Pictură monumentală și decorativă. „Spania”, „Veneția”, „Prițesa visurilor”, „Judecata de la Paris”, „Faust și Mefistofel”, „Dimineața. Zi. Seară". Peisajul teatral al lui Vrubel. Lucrările sale sunt în domeniul sculpturii și al artelor și meșteșugurilor.

Noi asociații de artă. „Lumea artei”. Grafică de carte și artă teatrală și decorativă. Locul și rolul „Lumii artei” în dezvoltarea culturii ruse a secolului XX. Influența Art Nouveau asupra operei artiștilor din lumea artei. A. N. Benois ca pictor, grafician, artist de teatru, critic și istoric de artă. Grafica cărții. Genul „galant retrospectiv” al lui Somov, temele preferate ale operelor sale (viața nobiliară a secolului al XVIII-lea - începutul secolului al XIX-lea, motive ale comediei italiene, carnavale, artificii, scene erotice). MV Dobuzhinsky Tendințele retrospective și un simț acut al modernității în opera sa. Peisaje, portrete, grafică de carte și peisaje teatrale. EE Lansere Pictură istorică, peisaj și grafică de carte. Grafică de A.P. Ostroumova-Lebedeva L.S. Bakst - portrete, panouri decorative, lucrări de teatru. „Lumea artei” anii 1910. I. Ya. Bilibin Stilul Art Nouveau în grafica lui Bilibin. B. M. Kustodiev „Târguri”, „Shrovetide”, „Sărbătorile satului”. Ciclul „Comerciant” („Frumusețe”, „Comerciant”, etc.), peisaje, portrete, lucrări de teatru. N. K. Roerich. Lucrări teatrale și monumentale. A. Ya. Golovin este un maestru al portretului, peisajului, naturii moarte, artist de teatru. Z. E. Serebryakova este un reprezentant al neoclasicismului în pictura rusă de la începutul secolului.

V. E. Borisov-Musatov și „Trandafirul albastru”. „Plein airism decorativ” al sistemului artistic, „colorarea tapiseriei”. Schițe de panouri decorative, peisaje. Influența operei lui Borisov-Musatov asupra simboliștilor ruși. "Trandafir albastru". P. V. Kuznețov, M. S. Saryan. Pictură de N. N. Sapunov și S. Yu. Sudeikin, opera lor în teatru. Pictură de peisaj de N. P. Krymov.

Situația artistică din Rusia în anii pre-revoluționari, aprofundarea și extinderea interacțiunii culturii ruse cu cultura vest-europeană.

„Jack of Diamonds”. Programul de artă și practica artistică a pictorilor moscoviți. „sezanisti” ruși. Creativitatea lui P. P. Konchalovsky și I. I. Mashkov Portret și natură moartă în pictura artiștilor „Jack of Diamonds”. Experimente de artă de A. V. Lentulova. Portret, pictură peisaj a lui Lentulov și naturile lui moarte. „Cubism liric” și „Psihologism pitoresc” de R. R. Falk.

avangarda rusă. Primitivismul în lucrările lui M. F. Larionov și N. S. Goncharova. Pictură teatrală și decorativă. „Cocoșul de aur” de N. A. Rimsky-Korsakov, „Pasarea de foc” de I. F. Stravinsky. Futurismul în opera lui Goncharova. „Biciclist”, „Avion peste tren”. Expoziții de futuriști, legătură cu poezia futurismului. Luchismul lui Larionov este primul manifest al artei neobiective. Strămoșii și teoreticienii picturii abstracte. „Pictură pură” de V. V. Kandinsky și „Suprematism” de K. S. Malevich. Fantezie și grotesc în operele lui M. Z. Chagall Expresionismul rus de P. N. Filonov K. S. Petrov-Vodkin Simbolismul în lucrările timpurii ale artistului. „Mal”, „Somn”. Căutarea unui stil „mare”, un apel la arta antică rusă. „Băieți”, „Scăldarea calului roșu”, „Mama”, „Fetele pe Volga”, „Dimineața. Scăldatori”, „Amiază”.

Ca și în literatură, Arte Frumoase La sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, au existat multe tendințe, fiecare dintre ele având fanii și adversarii săi. Au apărut o serie de grupări, cercuri, asociații de artiști. Au apărut noi tehnici, stiluri de scriere, noi genuri vizuale. Toate acestea au stimulat interesul publicului pentru pictură, care, la rândul său, a provocat o adevărată înflorire a activităților expoziționale și editoriale în acest domeniu. Aristar rkh Vasilyevich Lentulov „Vasili cel Fericitul” 1913 Ilya Ivanovich Mashkov „Natura moartă” 1913

Tendința realistă, care își pune ca sarcină o reproducere creativă, dar în același timp cea mai fidelă a realității, a fost reprezentată în pictura de atunci de I. E. Repin. În anii 1990, a realizat numeroase portrete în care scrisul puternic și colorat se îmbină cu psihologismul profund, abilitatea de a folosi poziția și gestul modelului pentru a o caracteriza figurativ (de exemplu, portretul Eleonorei Duse). Ilya Efimovici Repin „Portretul Eleonorei Duse” 1891

Isaac Ilici Levitan, care a stăpânit cu brio abilitățile picturii peisajului, a creat genul „peisajului conceptual” sau „peisajului de dispoziție” la sfârșitul secolului al XIX-lea. În lucrările sale, starea naturii este cuprinsă ca o expresie a mișcărilor sufletului uman; Schițele de peisaj transmit o întreagă gamă de asocieri și experiențe înțelese în mod obișnuit - de la tulburător la liric intim ("Evening Bells", "Above Eternal Peace", "March"). „Clopotele de seară” 1892 „Over Eternal Peace” 1894 „Martie” 1895

Un fenomen notabil pentru acea epocă a fost și opera lui Viktor Mihailovici Vasnețov, unul dintre primii artiști care s-au orientat către folclorul rus. El și-a pictat picturile bazate pe epopee și povești populare rusești („Ivan Țarevici pe un lup gri”, „Bogatyrs”), precum și pe teme din istoria națională („Țarul Ivan Vasilyevici cel Groaznic”). În picturile murale ale Catedralei Vladimir din Kiev, Vasnețov a încercat să reînvie pictura monumentală a bisericii, care a căzut în declin complet în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. „Alyonushka” 1881

Cel mai proeminent reprezentant al impresionismului din Rusia este Konstantin Alekseevich Korovin. În anii 1990, a folosit o schemă de culori ușoară, parcă strălucitoare, scrierea de schițe de impuls, iar în anii 1800 a trecut la un impasto larg, adesea decorativ luminos, pictura cu o culoare groasă saturată. Lucrând ca decorator de teatru, Korovin a creat un nou tip de peisaj colorat și spectaculos. „Portretul lui F. I. Chaliapin” 1911 „Gurzuf” 1914

Elevul lui Repin, Valentin Alexandrovici Serov, poate fi considerat pe bună dreptate figura centrală în arta începutului de secol. Opera sa s-a format sub influența realismului, totuși, în lucrări precum „Fata cu piersici”, „Fata luminată de soare”, trăsături ale impresionismului rus timpuriu sunt vizibile. Artistul a lucrat diferite genuri, dar talentul său de portretist, înzestrat cu un simț sporit al frumosului și cu capacitatea de analiză sobră, este deosebit de semnificativ. Începând cu anii 1990, trăsăturile impresioniste din opera lui Serov au dispărut treptat, dar principiile stilului Art Nouveau s-au dezvoltat din ce în ce mai constant. „Fata cu piersici” 1887 „Fata luminată de soare” 1888

În 1903, expozanții de la Moscova au înființat Asociația Uniunea Artiștilor Ruși. Creativitatea nucleului principal al „Uniunii Artiștilor Ruși” se caracterizează printr-o orientare democratică, interes pentru natura nativă și trăsături distinctive viata populara. În măruntaiele Unirii, versiunea rusă a impresionismului și sinteza originală a gen casnic cu un peisaj arhitectural (K. F. Yuon, „Trinity Lavra in Winter”). Igor Emmanuilovich Grabar „February Blue” 1904 Konstantin Fedorovich Yuon „Trinity Lavra in Winter” 1910

În 1907, la Moscova a apărut o altă mare asociație de artă - Blue Rose. Participanții săi au experimentat, pe de o parte, influența tehnicilor postimpresioniste ale lui Borisov-Musatov și, pe de altă parte, stilul Art Nouveau. De aici și trăsăturile caracteristice ale picturii lor: planeitatea și stilizarea decorativă a formelor, căutarea unor soluții cromatice sofisticate, lirismul imaginilor, motive orientaliste. orientalistul Pavel Varfolomeevich Kuznetsov Natura morta „Bukhara” 1913

Artiștii asociației „Jack of Diamonds” s-au opus atât tradițiilor realismului secolului al XIX-lea, cât și tendințelor mistico-simboliste de la începutul secolului al XX-lea. Ei au făcut din identificarea materialității originale și a „lucrurii” naturii principiul principal al artei lor. Construcția formei după culoare, deformarea accentuată și generalizarea volumelor, grosolănia și tangibilitatea deliberată a texturii, strălucirea atrăgătoare, veselă, aproape populară - datorită tuturor acestora, artiștii „Jack of Diamonds” au afirmat în pictând laturile senzual pline de sânge și colorate ale vieții. Puțin mai târziu o componentă importantă stil fin„Jack of diamonds” a devenit futurism. Aristar rkh Vasilyevich Lentulov „Voiul cel Fericitul” 1913

Futurismul a fost prins în arta abstractă, refuzând în mod fundamental orice semn de reprezentare a obiectelor reale în pictură și grafică și folosind pete și linii de culoare, compoziții non-picturale menite să exprime sentimentele și fanteziile autorului. Teoreticieni și practicieni ai artei abstracte în Rusia au fost V. V. Kandinsky („Doamnele în Crinoline”, „Improvizație 7”) și K. S. Malevich („Piața Neagră”). Vasily Vasilyevich Kandinsky „Improvizația 7” 1910 Kazimir Severinovici Malevici „Piața Suprematistului Negru” 1915

Orientalismul este o anumită tendință în manifestările unei anumite tradiții culturale (literatură, pictură, concepte istorice și etnografice etc.), bazată pe o serie de trăsături pe trăsături exotice relativ la această tradiție în sine, caracteristică viziunii orientale asupra lumii într-unul sau alta dintre formele sale. Suprematismul este o tendință în arta avangardă, fondată în prima jumătate a anilor 1990 de K. S. Malevich. Fiind un fel de artă abstractă, Suprematismul s-a exprimat în combinații de planuri multicolore ale celor mai simple contururi geometrice (în formele geometrice ale unei linii drepte, pătrat, cerc și dreptunghi). Combinația de figuri geometrice multicolore și de dimensiuni diferite formează compoziții suprematiste asimetrice echilibrate, impregnate de mișcare interioară. Abstracționismul este o direcție a artei care a abandonat reprezentarea formelor apropiate de realitate în pictură și sculptură. Unul dintre scopurile abstractionismului este acela de a realiza „armonizare” prin reprezentarea anumitor combinații de culori și forme geometrice, determinând privitorul să simtă completitatea și completitudinea compoziției.

Pictura rusă la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea.

Vrubel și-a creat cele mai mature picturi și lucrări grafice la începutul secolului - în genul peisajului, portretului, ilustrației de carte, mitologiei (genul basmului). În organizarea și interpretarea decorativ-plană a unei pânze sau a unei foi, într-o combinație de real și fantastic, într-un angajament pentru ornamental, ritmic decizii dificileîn lucrările sale din această perioadă, trăsăturile modernității se afirmă tot mai mult.

La fel ca K. Korovin, Vrubel a lucrat mult în teatru. Cele mai bune decoruri ale lui au fost interpretate pentru operele lui Rimski-Korsakov Fecioara zăpezii, Sadko, Povestea țarului Saltan și altele pe scena Operei private din Moscova, adică pentru acele lucrări care i-au oferit ocazia de a „comunica” cu folclorul rus. , basme, legendă.

Universalismul talentului, imaginația nemărginită, pasiunea extraordinară în afirmarea idealurilor nobile îl deosebesc pe Vrubel de mulți dintre contemporanii săi.

Lucrarea lui Vrubel mai strălucitoare decât altele a reflectat contradicțiile și aruncările dureroase ale erei de hotar. Odată cu Vrubel, intrăm într-un nou secol, epoca „Epocii de Argint”, ultima perioadă a culturii din Sankt Petersburg Rusia, care este ruptă atât de „ideologia revoluționismului”, cât și de „cu putere culturală autocrația și statul. Ascensiunea gândirii filozofice și religioase ruse este asociată cu începutul secolului, cel mai înalt nivel poezie, teatru și teatru muzical, balet, „descoperirea” artei rusești a secolului al XVIII-lea, pictura antică icoană rusă; cel mai fin profesionalism al picturii și graficii de la începutul secolului. Dar „Epoca de Argint” a fost neputincioasă în fața evenimentelor tragice iminente din Rusia, care se îndrepta spre o catastrofă revoluționară.

3 Influența simbolismului în pictură. Apariția unor noi tendințe în artele vizuale. avangarda rusă.

Simbolismul rusesc a apărut la sfârșitul anilor 80 - 90. al XIX-lea și s-a realizat ca tendință ideologică - artistică și religios-filosofică de frunte. Ea a absorbit toate realizările culturii de la începutul secolului și, prin urmare, a determinat în mare măsură cele mai mari realizări filozofice, artistice și, de asemenea, indirect științifice și socio-politice ale Epocii de Argint, inclusiv avangarda artistică, filozofia religioasă rusă. Simbolismul din Rusia pretindea că îndeplinește funcții universale, ideologice, în viața socială și culturală a Rusiei (spre deosebire de simbolismul francez, german sau scandinav, care a rămas fenomene literare și artistice).

Ideea sintezei artei, filozofiei, vieții, crearea unui „stil holistic” - a devenit apoteoza simbolismului rus. Această calitate a fost cea care l-a distins de alte tipuri naționale de simbolism. Spre deosebire de simbolismul vest-european, care a evoluat în anii 1920 în expresionism, suprarealism etc., simbolismul rus a stat la baza fenomenelor post-simboliste ale culturii ruse, precum avangarda, acmeismul, transformate în neoclasicism și futurism, care a devenit unul dintre cele mai importante tendințe din cultura revoluționară în împreună cu fenomene apropiate tipologic - Imagismul și constructivismul.

epoca de argint se străduiește pentru o nouă organicitate - de aici și dorința sa nelimitată de artă magică, un fel de sacralitate, purificare și transformare a realității.

Începutul simbolic a fost principalul conținut definitoriu al lumii și chiar mai real decât manifestarea sa concretă în realitatea socială.

Pentru simbolismul rus, fenomenul de ergie a fost caracteristic - realizarea creativă a principiului divin de către o persoană sau asimilarea de sine cu Dumnezeu Creatorul. Prin urmare, orientarea creativă și realizarea personalității vin în prim-plan (în orice domeniu de activitate - filozofie, artă, știință etc.), prin urmare, cea mai importantă trăsătură a simbolismului rus nu este cunoașterea lumii, ci transformarea ei. , nu contemplație, ci „construirea vieții”.

Simbolismul, neoclasicismul, modernul au o influență notabilă asupra M.A. Vrubel, artiști din „Lumea artei” (A. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva) și „Trandafir albastru” (S. Sudeikin, N. Krymov, V. Borisov- Musatov).

În anii 1910 se naște avangarda rusă – ca dorință de a reconstrui fundamentele artei până la negarea artei însăși. O serie de artiști și asociații creative creează noi școli și tendințe care au influențat decisiv dezvoltarea artelor plastice mondiale. Toate curentele artei de avangardă se caracterizează prin înlocuirea conținutului spiritual cu pragmatismul, emotivitatea cu calculul sobru, imagistica artistică cu simpla armonizare, estetica formelor, compoziția cu construcția, ideile mari cu utilitarismul. Noua artă cucerește cu libertate nestăpânită, captivează și captivează, dar în același timp mărturisește degradarea, distrugerea integrității conținutului și formei. Atmosfera de ironie, joc, carnavalism și mascarada inerentă unor tendințe în arta avangardă nu doar măști, ci mai degrabă dezvăluie o discordie interioară profundă în sufletul artistului. Conceptul de „avangardă” unește în mod convențional cele mai diverse tendințe din arta secolului XX. (constructivism, cubism, orfism, op art, pop art, purism, suprarealism, fauvism). Principalii reprezentanți ai acestei tendințe în Rusia sunt V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender și alții.

4 Grupa „Lumea artei”.

Asociația de Artă„World of Art” s-a anunțat odată cu lansarea revistei cu același nume la începutul secolelor XIX-XX. Lansarea primului număr al revistei „World of Art” la Sankt Petersburg la sfârșitul anului 1898. a fost rezultatul a zece ani de comunicare între un grup de pictori și graficieni condus de Alexandru Nikolaevici Benois (1870-1960).

Scopul principal al creativității artistice a fost declarat a fi frumusețea, iar frumusețea în înțelegerea subiectivă a fiecărui maestru. O astfel de atitudine față de sarcinile artei i-a oferit artistului libertate absolută în alegerea temelor, imaginilor și mijloacelor de exprimare, ceea ce era destul de nou și neobișnuit pentru Rusia.

Lumea artei a deschis publicului rus multe fenomene interesante și necunoscute anterior ale culturii occidentale, în special pictura finlandeză și scandinavă, artiștii prerafaeliți englezi și graficianul Aubrey Beardsley.

O trăsătură distinctivă a artiștilor din „Lumea artei” a fost versatilitatea. Ei erau angajați în pictură și proiectarea de producții teatrale și arte și meșteșuguri. Cu toate acestea, cel mai important loc din moștenirea lor aparține graficii.

Cele mai bune lucrări Benois - grafic; printre acestea, sunt deosebit de interesante ilustrațiile pentru poezia lui A. S. Pușkin „Călărețul de bronz”. Petersburg a devenit principalul „erou” al întregului ciclu: străzile, canalele, capodoperele arhitecturale sale apar fie în severitatea rece a liniilor subțiri, fie în contrastul dramatic al punctelor luminoase și întunecate. La punctul culminant al tragediei, când Eugene fuge de formidabilul gigant care galopează după el - un monument al lui Petru, maestrul pictează orașul cu culori întunecate și sumbre.

Creativitate Benoit aproape de ideea romantică de a se opune unui erou singuratic suferind și lumii, indiferent față de el și astfel ucidendu-l.

Designul spectacolelor de teatru este cea mai strălucitoare pagină din opera lui Lev Samuilovich Bakst (1866 - 1924). Cele mai interesante lucrări ale sale sunt asociate cu producțiile de operă și balet din anotimpurile rusești de la Paris în 1907-1914. - un fel de festival de artă rusă, organizat de Diaghilev. Mai ales remarcabile sunt schițele de costume, care au devenit lucrări grafice independente. Artistul a modelat costumul, concentrându-se pe sistemul de mișcări al dansatorului, prin linii și culoare, a căutat să dezvăluie tiparul dansului și natura muzicii. În schițele sale, claritatea viziunii imaginii, o înțelegere profundă a naturii mișcărilor de balet și grația uimitoare sunt izbitoare.

Una dintre temele principale pentru mulți maeștri ai „Lumii Artei” a fost apelul la trecut, tânjul după lumea ideală pierdută. Epoca preferată a fost secolul al XVIII-lea și mai ales perioada rococo. Imaginile „epocii galante” sunt asociate cu lucrările lui Benois, în care palatele și parcurile din Versailles sunt prezentate ca o lume frumoasă și armonioasă, dar abandonată de oameni. Yevgeny Evgenievich Lanceray (1875 - 1946) a preferat să înfățișeze imagini ale vieții rusești în secolul al XVIII-lea.

Cu o expresivitate deosebită, motivele rococo au apărut în lucrările lui Konstantin Andreevich Somov (1869 - 1939). După absolvirea Academiei de Arte, tânărul maestru a devenit un mare cunoscător al picturii vechi. Somov a imitat cu brio tehnica ei în picturile sale. Genul principal al operei sale ar putea fi numit variații pe tema „scenei galante”. Într-adevăr, personajele lui Watteau prind din nou viață pe pânzele artistului - doamne în rochii și peruci magnifice, actori ai comediei măștilor. Flirtează, flirtează, cântă serenade pe aleile parcului, înconjurați de strălucirea mângâietoare a luminii apusului.

Somov a reușit să-și exprime admirația nostalgică pentru trecut mai ales subtil prin imagini feminine. Celebra lucrare „Lady in Blue” este un portret al unui contemporan al maestrului artist E. M. Martynova. Ea este îmbrăcată la modă veche și este înfățișată pe fundalul unui parc peisagistic poetic. Felul de a picta imită strălucit stilul Biedermeier. Dar morbiditatea evidentă a înfățișării eroinei (Martynova a murit în scurt timp de tuberculoză) trezește un sentiment de dor acut, iar moliciunea idilică a peisajului pare ireală, existând doar în imaginația artistei.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875 - 1957) sa concentrat în principal pe peisajul urban. Sankt-Petersburgul său, spre deosebire de Sankt-Petersburgul lui Benois, este lipsit de un halou romantic. Artistul alege cele mai neatractive, priveliști „gri”, arătând orașul ca un mecanism uriaș care ucide sufletul unei persoane.

Compoziția picturii „Omul cu ochelari” („Portretul lui K. A. Syunnerberg”) se bazează pe opoziția eroului și a orașului, care este vizibil printr-o fereastră largă. La prima vedere, șirul pestriț de case și figura unui bărbat cu chipul cufundat în umbră par izolate una de cealaltă. Dar există o legătură interioară profundă între cele două planuri. În spatele strălucirii culorilor se află tocimea „mecanică” a caselor din oraș. Eroul este detașat, cufundat în sine, în fața lui nu există decât oboseală și gol.

Concluzie.

Toate procesele care au izbucnit rapid în viața societății ruse la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea nu au putut decât să influențeze dezvoltarea culturii. Ar fi greșit să le simplificăm impactul, a fost indirect, complex, contradictoriu. Etapa considerată a istoriei culturii a fost foarte fructuoasă, strălucitoare, extrem de diversă. Nu e de mirare că N.A. Berdiaev a apreciat-o drept o „renaștere culturală rusă”. „În acești ani”, a scris el, „multe cadouri au fost trimise Rusiei. A fost epoca trezirii gândirii filozofice independente în Rusia, înflorirea poeziei și ascuțirea sensibilității estetice, anxietatea și căutarea religioasă, interesul pentru misticism și ocult.”

Bibliografie:

Abarenkova E. - Miracole: Din istoria vieții artistice a Rusiei, con. XIX - timpuriu. secolele XX 1995.

Benois A. - Apariția „Lumii artei” 1998

Avangardismul în cultura artistică a secolului XX: la studiul cursului „Lumea cultura artistică" 1996.

Artă. Rusia. secolul XX. 1995

Portnova T. V. – Tema baletului în artele plastice rusești. XIX - timpuriu. XX (Probleme de interpretare) 1995

Ministerul Culturii, Naționalităților, Politicii Informaționale și Arhivelor

Republica Chuvash

BEI HPE „Institutul de Stat de Cultură și Artă din Chuvash”

Facultatea de Cultură

Departamentul de Științe Umaniste și Discipline Socio-Economice

ESEU

la disciplina Istoria artei

tema: Pictura de la sfârșitul secolului al XIX-lea, începutul secolului al XX-lea.

„Trandafir albastru”, „Jack of Diamonds”,

„Suprematismul lui Kazimir Malevich”

Completat de: student anul I

ZO SKD Osipova L.B.

Verificat de: Grishin V.I.

Ceboksary, 2012

Introducere………………………………………………………………… 3

Capitolul 1 Pictura de la sfârșitul secolului al XIX-lea de la începutul secolului al XX-lea.……………2

Capitolul 2 „Trandafir albastru”………………………………………..9

Capitolul 3 „Jack of Diamonds”…..……………………………....13

Capitolul 4 „Suprematismul lui Kazimir Malevici”……………..17

Concluzie………………………………………………………

Pictură de la sfârșitul secolului al XIX-lea-începutul secolului al XX-lea

Odată cu criza mișcării populiste din anii 1990, „metoda analitică a realismului secolului al XIX-lea”, așa cum este numită în știința rusă, devine învechită. Mulți dintre Wanderers au experimentat un declin creativ, au intrat în „la scară mică” a unei imagini de gen distractive.

Pentru pictorii de la începutul secolului sunt caracteristice alte moduri de exprimare decât cele ale Rătăcitorilor, alte forme de creativitate artistică - în imagini contradictorii, complicate și reflectă modernitatea fără ilustrativitate și narațiune. Artiștii caută dureros armonia și frumusețea într-o lume care este fundamental străină atât de armonie, cât și de frumusețe. De aceea mulți și-au văzut misiunea de a cultiva simțul frumuseții.

Acest timp de „ajuni”, așteptarea schimbărilor în viața publică, a dat naștere multor tendințe, asocieri, grupări, o ciocnire de viziuni și gusturi diferite asupra lumii. Dar a dat naștere și universalismului unei întregi generații de artiști care s-au prezentat după Wanderers „clasici”.

Lecțiile impresioniste ale picturii în aer liber, compoziția „încadrării aleatorii”, maniera picturală liberă largă - toate acestea sunt rezultatul evoluției în dezvoltarea mijloacelor picturale în toate genurile de la începutul secolului. În căutarea „frumuseții și armoniei”, artiștii își încearcă mâna la o varietate de tehnici și forme de artă - de la pictura monumentală și peisaje de teatru până la design de cărți și arte și meșteșuguri.

La începutul secolului s-a dezvoltat un stil care a afectat toate artele plastice, începând în primul rând cu arhitectura (în care eclectismul a dominat multă vreme) și terminând cu grafica, care a fost numită stilul Art Nouveau. Acest fenomen nu este lipsit de ambiguitate, în modernitate există și pretenție decadentă, pretenție, destinată în principal gusturilor burgheze, dar există și o dorință de unitate de stil care este semnificativă în sine. Art Nouveau este o nouă etapă în sinteza arhitecturii, picturii și artelor decorative.

În artele vizuale, Art Nouveau s-a manifestat: în sculptură - prin fluiditatea formelor, expresivitatea deosebită a siluetei, dinamismul compozițiilor; în pictură - simbolismul imaginilor, dependența de alegorii.

Reticența, „subtextul”, un detaliu expresiv bine regăsit fac și mai tragic tabloul lui Serghei Vasilevici Ivanov (1864-1910) „Pe drum. Moartea unui colonist” (1889, Galeria de stat Tretiakov). Arborele care ies în afară, parcă ar fi ridicate într-un strigăt, dramatizează acțiunea mult mai mult decât mortul înfățișat în prim plan sau femeia care urlă peste el. Ivanov deține una dintre lucrările dedicate revoluției din 1905 - „Execuția”.

În anii 90 ai secolului al XIX-lea. un artist intră în artă, care face din muncitor protagonistul lucrărilor sale. În 1894, un tablou de N.A. Kasatkina (1859-1930) „Miner” (TG), în 1895

La începutul secolului, o cale de dezvoltare ușor diferită de cea a lui Surikov este conturată în tema istorică. Deci, de exemplu, Andrei Petrovici Ryabushkin (1861–1904) lucrează mai mult în genul istoric decât în ​​genul pur istoric. „Femeile ruse ale secolului al XVII-lea în biserică” (1899, Galeria de stat Tretiakov), „Trenul de nuntă la Moscova. Secolul al XVII-lea” (1901, Galeria de stat Tretiakov), „Vin. (Poporul Moscovei în timpul intrării unei ambasade străine la Moscova la sfârșitul secolului al XVII-lea) ”(1901, Muzeul Rusiei),„ Strada Moscovei din secolul al XVII-lea într-o vacanță ”(1895, Muzeul Rusiei), etc. - acestea sunt scene cotidiene din viața Moscovei în secolul al XVII-lea.

Apolinar Mihailovici Vasnețov (1856–1933) acordă și mai multă atenție peisajului în compozițiile sale istorice. Subiectul lui preferat este și secolul al XVII-lea, dar nu scenele de zi cu zi, ci arhitectura Moscovei. („Strada din Kitay-gorod. Începutul secolului al XVII-lea”, 1900, Muzeul Rus). Tabloul „Moscova la sfârșitul secolului al XVII-lea. În zorii de la porțile învierii (1900, Galeria de stat Tretiakov) poate să fi fost inspirată de introducerea operei Hovanshchina a lui Musorgski, pentru care Vasnețov schițase peisajul cu puțin timp înainte.

Philip Andreevich Malyavin (1869–1940) a creat un nou tip de pictură, în care tradițiile artistice folclorice au fost stăpânite într-un mod cu totul special și traduse în limbajul artei moderne. Picturile sale sunt mereu expresive și, deși sunt, de regulă, lucrări de șevalet, primesc o interpretare monumentală și decorativă sub pensula artistului. „Râsul” (1899, Muzeul de Artă Modernă, Veneția), „Vârtejul” (1906, Galeria de stat Tretiakov) este o reprezentare realistă a fetelor țărănești care râd contagios de tare sau se grăbesc necontrolat într-un dans rotund, dar acest realism este diferit de cel din a doua jumătate a secolului.

Mihail Vasilyevich Nesterov (1862–1942) abordează tema Rusiei antice, ca un număr de maeștri înaintea lui, dar imaginea Rusiei apare în picturile artistului ca un fel de lume ideală, aproape fermecată. „Viziunea tânărului Bartolomeu” (1889–1890, Galeria Tretiakov), „Mireasa lui Hristos” (1887, locație necunoscută), „Sihastrul” (1888, Muzeul Rus; 1888–1889, Galeria Tretiakov), creând imagini de înaltă spiritualitate și contemplare liniștită. „Tinerețea Sfântului Serghie”, (1892-1897), triptic „Opere ale Sfântului Serghie” (1896-1897), „Serghie de Radonezh” (1891-1899), „Tonsura mare” (1898).

În peisajele timpurii ale lui Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939), sunt rezolvate probleme pur picturale - pentru a scrie gri pe alb, negru pe alb, gri pe gri. Un peisaj „conceptual” (termenul lui M.M. Allenov), precum Savrasovski sau Levitanovski, nu-l interesează.

Pentru strălucitul colorist Korovin, lumea apare ca o „răvălită de culori”. Dăruit cu generozitate de natură, Korovin s-a angajat atât în ​​portrete, cât și în natura moartă, dar nu ar fi o greșeală să spunem că peisajul a rămas genul său preferat. („Iarna în Laponia”, „Paris. Bulevardul Capucinilor” 1906, „Paris noaptea. Bulevardul Italian” 1908) și de asemenea (Portretul lui Chaliapin, 1911, Muzeul Rus; „Pește, vin și fructe” 1916, Galeria de Stat Tretiakov) .

Unul dintre cei mai mari artiști, un inovator al picturii rusești la începutul secolului, a fost Valentin Aleksandrovich Serov (1865–1911). „Fata cu piersici” (portretul lui Verușa Mamontova, 1887, Galeria de stat Tretiakov) și „Fata luminată de soare” (portretul lui Masha Simanovici, 1888, Galeria de stat Tretiakov) reprezintă o etapă întreagă în pictura rusă.

Imaginile Verei Mamontova și Masha Simanovich sunt impregnate cu un sentiment al bucuriei vieții, un sentiment luminos de a fi, o tinerețe strălucitoare victorioasă.

Serov pictează adesea reprezentanți ai intelectualității artistice: scriitori, artiști, artiști (portrete ale lui K. Korovin, (1891), Levitan, (1893), Yermolova, 1905, Prințesa Orlova (1910–1911), „Petru I” (1907). ,).

portret, peisaj, natură moartă, gospodărie, tablou istoric; ulei, guașă, tempera, cărbune - este greu de găsit atât genuri picturale, cât și grafice în care Serov nu ar lucra și materiale pe care nu le-ar folosi.

Mihail Alexandrovici Vrubel (1856–1910). El sculptează forma ca un mozaic, din bucăți ascuțite „fațetate” de diferite culori, ca și cum ar străluci din interior („Fata pe fundalul unui covor persan”, 1886, KMRI; „Ghicătorul”, 1895, Galeria de Stat Tretiakov) . Combinațiile de culori nu reflectă realitatea relației de culori, ci au o semnificație simbolică. Natura nu are putere asupra lui Vrubel. Gravitează spre subiecte literare, pe care le interpretează abstract, încercând să creeze imagini eterne de mare putere spirituală. Deci, după ce a luat ilustrații pentru Demonul, el se îndepărtează curând de principiul ilustrației directe („Dansul Tamara”, „Nu plânge, copile, nu plânge degeaba”, „Tamara în sicriu”, etc.) și deja în același 1890 își creează „Demonul așezat”. Imaginea Demonului este imaginea centrală a întregii opere a lui Vrubel, tema sa principală. În 1899 a scris „Demonul zburător”, în 1902 – „Demonul oprit”.

Tragedia viziunii artistice asupra lumii este determinată de caracteristicile portretului: discordie mentală, ruptură în autoportretele sale, vigilență, aproape frică, dar și forță maiestuoasă, monumentalitate - în portretul lui S. Mamontov (1897), confuzie, anxietate - în imaginea fabuloasă a „Prițesa lebădă” (1900), chiar și în panourile sale decorative „Spania” (1894) și „Veneția” (1893) executate pentru conacul lui E.D. Dunker, nu există pace și liniște.

„Prițesa lebădă”, el se îndreaptă către folclor: la un basm, la o epopee, care a rezultat în panourile „Mikula Selyaninovich”, „Bogatyrs”. Vrubel își încearcă mâna la ceramică, făcând sculpturi în majolică. Cele mai bune decoruri ale lui au fost interpretate pentru operele lui Rimski-Korsakov „Crăiasa zăpezii”, Sadko, Povestea țarului Saltan și altele pe scena Operei private din Moscova.

Victor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870–1905) este un exponent direct al simbolismului pictural și unul dintre primii artiști retrospectivi în artele plastice ale Rusiei în străinătate.

Lucrările sale sunt o tristețe elegiac pentru vechile „cuiburi nobiliare” goale și „livezi de cireși” muribunde, pentru femei frumoase, spiritualizate, aproape nepământene, îmbrăcate în un fel de costume atemporale care nu poartă semne exterioare ale locului și timpului.

Dorul de vremuri trecute l-a făcut pe Borisov-Musatov să se relaționeze cu artiștii „Lumii Artei” - o organizație care a apărut la Sankt Petersburg în 1898 și a unit maeștrii celei mai înalte culturi artistice. Aproape toți au participat la această asociație. artiști celebri– Benois, Somov, Bakst, E.E. Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin chiar Larionov și Goncharova.

Artistul principal al „Lumii artei” a fost Konstantin Andreevich Somov (1869-1939). Somov, așa cum îl cunoaștem, a apărut în portretul artistei Martynova („Doamna în albastru”, 1897-1900), în tabloul portret „Echoul timpului trecut” (1903).

Somov deține o serie de portrete grafice ale contemporanilor săi - elita intelectuală (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky etc.), în care folosește o tehnică generală: pe fond alb - într-un anumit timp atemporal. sferă - el desenează o față, o asemănare în care se realizează nu prin naturalizare, ci prin generalizări îndrăznețe și selecție adecvată a detaliilor caracteristice.

Înaintea oricui în lumea artei, Somov s-a orientat spre temele trecutului, spre interpretarea secolului al XVIII-lea. („Scrisoare”, 1896; „Confidențialitate”, 1897) din lucrările sale „Sărutul ridicol”, 1908, „Plușul marchizei”, 1909).

Liderul ideologic al „Lumii artei” a fost Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) - un talent neobișnuit de versatil. Pictor, grafician și ilustrator de șevalet, designer de teatru, regizor, autor de librete de balet, teoretician și istoric al artei, figură muzicală.

O compoziție clară, măreție și rigoare rece a ritmurilor, contrastând măreția monumentelor de artă și micimea figurilor umane, care sunt printre ele doar staffage (serie I Versailles din 1896-1898 numită „Ultimele plimbări ale lui Ludovic al XIV-lea”). În a doua serie a Versailles (1905–1906, The King's Walk).

Natura este percepută de Benois într-o legătură asociativă cu istoria (vederi ale lui Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo, executate de el în tehnica acuarelei).

Într-o serie de picturi din trecutul rusesc, comandate de editura Knebel din Moscova (ilustrări pentru „Vânătoarele regale”), în scene din viața nobiliară, moșierească a secolului al XVIII-lea. Benois a creat o imagine intimă a acestei epoci, deși oarecum teatrală (Parada sub Paul I, 1907, Muzeul Rus).

Benois ilustratorul (Pușkin, Hoffman) este o pagină întreagă în istoria cărții. Ilustrații pentru „Regina de pică”. Designul grafic al Călărețului de bronz (1903,1905,1916,1921–1922) a fost o capodopera de ilustrare a cărților.

Ca artist de teatru, Benois a proiectat spectacolele anotimpurilor rusești, dintre care cel mai faimos a fost baletul Petrushka pe muzică de Stravinsky, a lucrat mult la Teatrul de Artă din Moscova, iar mai târziu pe aproape toate scenele europene importante.

Al treilea în nucleul „Lumii artei” a fost Lev Samuilovich Bakst (1866-1924), care a devenit celebru ca artist de teatru. El gravitează spre antichitate, de altfel, spre arhaicul grecesc, interpretat simbolic. Pictura Narpimer „Oroarea antică” - „Terror antiquus” (1908,). Bakst s-a dedicat complet lucrărilor de teatru și peisaj. În designul său au existat spectacole cu Anna Pavlova, balete de Fokine. Artistul a realizat decoruri și costume pentru Șeherazada de Rimski-Korsakov, Pasărea de foc a lui Stravinski (ambele 1910), Daphnis și Chloe de Ravel și După-amiaza unui faun pe muzică de Debussy (ambele 1912). „După-amiaza unui faun” (ambele 1912).

Din prima generație a „Lumea artei”, cel mai tânăr a fost Evgeniy Evgenievich Lansere (1875–1946), care în lucrarea sa a atins toate problemele principale ale graficii cărților de la începutul secolului al XX-lea. (Vezi ilustrațiile sale pentru cartea „Legendele castelelor antice din Bretania”, pentru Lermontov, coperta pentru „Nevsky Prospekt” de Bozheryanov etc.). Lansere a creat o serie de acuarele și litografii din Sankt Petersburg (Podul Kalikinin, Piața Nikolsky etc.). Arhitectura ocupă un loc imens în compozițiile sale istorice („Împărăteasa Elizaveta Petrovna în Tsarskoye Selo”, 1905, Galeria de Stat Tretiakov). Una dintre cele mai bune creații ale lui Lansere - 70 de desene și acuarele pentru L.N. „Hadji Murad” de Tolstoi (1912-1915), pe care Benois o considera „un cântec independent care se potrivește perfect în muzica puternică a lui Tolstoi”. În timpul erei sovietice, Lansere a devenit un muralist proeminent.

Capitolul 2 „Trandafir albastru”………………………………………..9

Capitolul 3 „Jack of Diamonds”…..……………………………....13

Capitolul 4 „Suprematismul lui Kazimir Malevici”……………..17

Concluzie………………………………………………………