„Lumea artei. La 115-a aniversare de la unire”. Pictură, Kazan, Conacul Sandețki

Lobasheva Irina Faekovna - Candidat la istoria artei, profesor asociat al filialei Institutului de Artă Academică de Stat din Moscova numită după V. I. Surikov din Kazan

„Cercul nostru nu avea direcție,
… în loc de direcție, am avut gust”
A. N. Benois

„WORLD OF ARTS” (1898 - 1924) - o asociație de artiști ruși, creată la Sankt Petersburg la sfârșitul secolului al XIX-lea, s-a declarat o revistă literară și de artă cu același nume (1899 -1904) și expoziții (the ultima a avut loc la Paris în 1927). Societatea Artiștilor „World of Art” a apărut și a existat în Sankt Petersburg între 1898 și 1904 și a fost reînviată în 1910.

Fondatorii săi sunt artistul, teoreticianul și istoricul de artă, specialistul muzeal A.N. Pe lângă nucleul principal, care includea L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov, Lumea Artei a inclus mulți pictori și graficieni din Sankt Petersburg și Moscova (I. Ya. Bilibin, K. F. Bogaevsky , Ap. M. și V. M. Vasnetsovs, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov și alții). M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, precum și câțiva artiști străini au participat la expozițiile societății.

B. Kustodiev. "Lumea artei"

Schiță a unui tablou nerealizat. Înfățișat (de la stânga la dreapta): I.E. Grabar, N.K. Roerich, E.E. Lansere, I.Ya. Bilibin, A.N. Benois, G.I. Narbut, N.D. Milioti, K.A. Somov, M.V. Dobuzhinsky, K.S. Petrov-Vodkin, A.P. Ostroumova-Lebedeva, B.M. Kustodiev.
Anul creării -1916, Muzeul de Stat al Rusiei, Sankt Petersburg.

În „Lumea artei” ani diferiti a inclus mulți artiști de diferite credințe și vederi, diferite metode și stiluri creative (până în 1917, componența societății consta din numărul maxim de artiști - mai mult de 50 de membri cu drepturi depline). Toți au fost uniți de protestul împotriva artei academice oficiale, care a nivelat individualitatea creatoare, și de respingerea naturalismului în artă în persoana regretaților „Rătăcitori”. În istoria artei rusești, un astfel de fenomen precum „Lumea artei” a devenit o întorsătură către idealurile libertății creativității, către stabilirea criteriilor estetice și a priorităților pentru individualitatea artistică a personalității creatorului. Purtători ai unei înalte culturi intelectuale, artiștii „Lumii Artei” în opera lor s-au orientat atât spre trecut (idealizandu-l și făcându-l de râs), cât și către o gamă largă de domenii ale artei contemporane (interior, teatru, gravuri). , cărți etc.).

Una dintre principalele realizări ale asociației a fost celebra școală de grafică din Sankt Petersburg din acea vreme, care a apărut ca urmare a creării unui mediu estetic deosebit de către Lumea Artei, unde cea mai mare admirație pentru grafică ca formă de artă era cultivat. Această prioritate a graficii a influențat în multe feluri dezvoltarea picturii de către reprezentanții tipici ai acestei asociații, a dobândit trăsături grafice, a devenit evident liniară.

„LUMEA ARTEI”... Reflecții asupra celei mai mari asociații celebre care a apărut la Sankt Petersburg la începutul secolelor XIX-XX, ca un vitraliu fantezist, dau naștere unui volum voluminos, multidimensional și în același timp. imagine extrem de aristocratică, efemeră, a unui uimitor, profund simbolic lumea artistică, care a fost creat de maeștrii acestei uniuni.

Alexandre Benois - „Drumul Regelui” 1906

Este complicat, ornamental în spiritul Art Nouveau, diverse idei creative ale unui grup mare de artiști sunt împletite. Întruchiparea lor surprinde prin diversitatea sa: revistele „World of Art”, pline de o estetică rafinată a modernității, care au devenit cea mai valoroasă raritate printre specialiști și colecționari, tablouri, unde stilizarea și retrospectiva merg mână în mână, decoruri teatrale ale celebrelor stagiuni rusești cu soluții inovatoare din plastic și culoare, costume originale de balet și operă.

Punctul de cotitură al erei de la cumpăna dintre secolele XIX - XX, vremea răsturnărilor socio-politice majore, s-a reflectat în toate sferele vieții rusești, inclusiv în cultura rusă din acea vreme, care s-a revelat în toată diversitatea sa și individualitate. În acești ani, artiștii ruși sunt deosebit de activi în călătoriile în străinătate, făcând cunoștință cu ultimele tendințe ale artei occidentale, studiind cu atenție tot ceea ce este declarat nou în stiluri precum Jugendstil german, impresionism francez, postimpresionism. În opera celor mai faimoși maeștri ai vremii: Serov, Vrubel, Bakst, este imposibil să se evidențieze vreo linie „pură” a direcției luate odată pentru totdeauna, împletindu-se în mod complex și strâns, demonstrează o căutare intensă a o nouă metodă creativă care răspunde aspirațiilor vremurilor. După cum a scris cunoscutul critic de artă G. Yu. Sternin, „cu cât artistul era mai mare, cu atât era mai dificil să se determine apartenența lui la unul sau altul”.

Una dintre cele mai mari societăți ale acestei perioade a fost grupul de artiști „World of Art” (1898–1924), care s-au opus academismului și itinerantismului, promovând ideile estetice ale sintezei artelor care stau la baza stilului Art Nouveau, precum și un fel de retrospectivism bazat pe un studiu atent al antichității, în trăsături ale moștenirii „de aur” secolului XVIII. Ei s-au inspirat din istoria Rusiei din timpul lui Petru cel Mare sau din Franța din epoca lui Ludovic al XIV-lea (A. N. Benois, E. E. Lansere, K. A. Somov) sau au atins chiar și mai devreme culturile orientale, antice sau interne precreștine ( L. S. Bakst, V. A. Serov, N. K. Roerich). În același timp, fără a atinge teme istorice mari, maeștrii și-au concentrat atenția asupra aspectelor private ale vieții persoanelor imperiale, episoade din viața de curte a secolului al XVIII-lea sau viața Rusiei păgâne, dând o interpretare artistică deosebită a aceste evenimente, propria stilizare din unghiul viziunii lor contemporane, dotarea imaginilor create cu o anumită soluție simbolică teatrală, joc de asocieri.

Pe exemplul colecției picturale de artă internă a Muzeului Pușkin al Republicii Tatarstan, demonstrată pentru prima dată în cadrul celei de-a 115-a aniversări a „Lumea Artei” atât de complet și desfășurată din unghiul evoluției această societate, toată complexitatea și versatilitatea dezvoltării sale devin evidente. Particularitatea colecției muzeului este că majoritatea maeștrilor și picturile lor incluse în această expoziție sunt mai bine cunoscute în istoria artei ruse în legătură cu alte mișcări și asociații artistice. Între timp, mulți dintre ei, nefiind reprezentanți tipici ai lumii artei, au participat la activitățile acesteia în diferite grade și, prin urmare, este foarte interesant să urmărim dezvoltarea anumitor tendințe stilistice în opera diverșilor maeștri, să le descoperim explicite și relații ascunse. Expunerea picturală a expoziției, dezvăluind diversitatea și relațiile dintre tendințele de vârf ale acelei vremuri în istoria acestei asociații, prezintă aproximativ 50 de lucrări. Multe dintre ele fie sunt afișate pentru prima dată, fie nu au participat de mult timp la expozițiile muzeului, așa că pentru vizitatorii muzeului, cunoașterea lor va fi un fel de descoperire a noilor fațete creative ale unui anumit pictor.

Principalul grup de artiști ai „Lumii Artei” s-a format în jurul revistei cu același nume în anii 1898-1903, când, în paralel cu lansarea acestei publicații, care cuprindea diverse aspecte ale artei, literaturii, filosofiei acelei vremi și s-a remarcat prin design grafic rafinat, S. P. Diaghilev și A. N. Benois au organizat mari expoziții de artă. Colecția Muzeului Pușkin al Republicii Tatarstan include liderii asociației - ideologul și teoreticianul grupului A. N. Benois, membrii săi K. A. Somov, A. Ya. Lucrările lor, indiferent de gen, sunt marcate de o înclinație pentru teatralizare, plină de estetica stilului Art Nouveau, care a apărut pe platforma neoromantismului european și, după cum am menționat mai sus, a dat naștere diferitelor tipuri de stilizare în limba rusă. pictura.

A. Ya. Golovin „Femeia în alb” (al doilea nume este „Marquise”)

Realizat în tehnica pastelurilor „Oranienbaum” (1901) de A. N. Benois, „Femeia în alb” (al doilea nume este „Marquise”) de A. Ya. armonie lumea secolelor trecute, lumea secolului XVIII. Desigur, un astfel de apel la trecut a demonstrat un fel de negare, respingere a lumii reale înconjurătoare și a devenit motivul principal al lucrărilor asociației din acea vreme. În multe privințe, tehnica performanței a contribuit la crearea unor astfel de imagini abstracte, simbolice, rafinate. Pastelul, care era foarte îndrăgostit de lumea artei, granița sa specială între pictură și grafică a dat efectul dorit, când un tablou dobândește atât o calitate grafică clară, cât și o moliciune fluidă, fluidă a prezentării caracteristice modernității. Aproape de acest stil sunt picturile în ulei „Bosquet” (1901) de K. A. Somov, folosite de artist când lucra la celebra sa pictură „Sărutul batjocorit” (1908), depozitate în Galeria de Stat Tretiakov, precum și peisajul din P. I. Lvov „Ziua gri” .

P. I. Lvov „Peisaj. zi gri"

Căutarea armoniei, a unei lumi ideale a fost în centrul creațiilor lui V. E. Borisov-Musatov. Și deși în majoritatea lucrărilor artistului, în spatele tuturor subestimației, limbajul alegoriilor și al comparațiilor, se citește aceeași perioadă a secolului al XVIII-lea - începutul secolului al XIX-lea, el însuși nu și-a legat lucrările de un timp anume, a spus că " aceasta este doar o epocă frumoasă.” Aproape întotdeauna lumea frumoasă a artistului este o lume care se estompează, „apus de soare”, care dispare. O întruchipare directă a acestui lucru îl găsim în pictura „Armonia” (1897) a lui V. E. Borisov-Musatov, o versiune schiță a picturii cu același nume din colecția Galerii Tretiakov. Artistul nu a fost oficial membru al asociației - înșiși Lumea Artelor la început „nu l-au văzut”, recunoscând ulterior originalitatea esteticii creative a maestrului. Cu toate acestea, el a fost mereu aproape de aspirațiile lor.

V. E. Borisov-Musatov „Armonia” (1897)

F. E. Rushchits „Stream”

Peisajul „Oranienbaum” (1901) de A. N. Benois, foarte tipic pentru opera maestrului, care, în ciuda soluției de șevalet, poate fi considerat ca o schiță a unui decor teatral, a participat la expoziția „Lumea artei” în 1902. În cadrul aceleiași expoziții a fost prezentat peisajul „Stream” al artistului baltic și polonez F. E. Ruschits, care a gravitat către tendințele moderniste, a fost membru al societății artiștilor polonezi de orientare modernistă „Shtuka” („Arta”). Aceasta își găsește expresia în peisajul luat în considerare, scris, desigur, într-o cheie realistă, dar servit cu cel mai profund sunet emoțional nostalgic, atât de caracteristic Lumii Artei, dând naștere unei melodii triste a trecutului care părăsește irevocabil. O combinație similară de tradiții realiste și tehnici moderne poate fi găsită în marele portret vertical pictural al lui A. E. Wiesel-Strauss (începutul anilor 1900) al artistului E. O. Wiesel.

Una dintre principalele figuri ale vieții artistice a Rusiei la începutul secolelor XIX - XX a fost personalitatea lui V. A. Serov, un maestru de neegalat al portretului rus, care a participat activ la activitățile „Lumea artei” pe scenă. a formării societăţii. LA perioada timpurie din opera sa, a fost scrisă o lucrare pe o temă din mitologia antică „Iphigenia în Taurida”, creată la începutul anilor 1890, cu mult înainte de celebra călătorie a artistului în Grecia cu prietenul său L. S. Bakst. Ea, ca și exemplele luate în considerare, poate servi pe deplin ca o ilustrare a problemei „situației stilistice” ridicată mai sus, deoarece combină și diverse fenomene stilistice.

V.A. Serov „Iphigenia în Tauris” 1893

Se știe că mulți maeștri ai „Uniunii Artiștilor Ruși” (1903-1923), una dintre cele mai mari, alături de „Lumea Artei”, asociații de artă la cumpăna dintre secolele XIX-XX, care au apărut odată cu participarea activă a acestora din urmă, au fost incluse și în cercul Lumii Artei. Desigur, ei nu au scăpat de influența principiilor creative ale omologului lor mai vechi din Sankt Petersburg, mai ales la începutul activității Uniunii, când artiștii ambelor grupuri au fost expuși la expozițiile generale ale acestei asociații nou formate. Procesul unei astfel de influențe reciproce poate fi urmărit în mod clar în analiza picturilor unor reprezentanți majori ai „Unirii” precum K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, S. Yu. Jukovsky, I. I. Brodsky, S. V. Malyutin, I. E. Grabar, care au fost în „Lumea artei” sau au participat la expozițiile sale. La rândul lor, liderii Lumii Artei, în ciuda tuturor neînțelegerilor cu artiștii Uniunii, au absorbit noile idei artistice pe care le-au adus.

„K.A. Korovin „Trandafiri” (1916)

K. A. Korovin, un minunat colorist, un strălucit maestru al picturii de șevalet și teatrală și decorativă, este prezentat în expoziție cu o natură moartă „Trandafiri” (1916), pictată temperamental și suculent, cu o pensulă largă păstoasă. Unul dintre principalii membri ai „Uniunii Artiștilor Ruși”, a fost figura centrală a impresionismului rus. Este imposibil să nu remarcăm teatralitatea accentuată în punerea în scenă a muzeului natură moartă, apropiată de stilul picturilor cu natură moartă de A. Ya. miriskusniki.

Un alt artist semnificativ de la începutul secolelor XIX-XX, Osip Braz, de asemenea membru al Lumii Artei și al Uniunii Artiștilor Ruși, este reprezentat de magnifica pânză Lady in Yellow. Utilizarea unui unghi neobișnuit și splendoarea gradării culorii Culoarea galbena deosebit de atractiv în portret. Senzația de a revărsa căldură, lumina soarelui moale în jurul figurii și într-o reflexie în oglindă, sporită de contrastul combinațiilor de culori, trădează predilecția clară a artistului pentru culori și tonuri calde.

Un alt portret feminin original de la expoziție este un exemplu ciudat al picturii timpurii a lui B. M. Kustodiev, care s-a alăturat asociației World of Art în a doua etapă a existenței sale. Portretul unei doamne în albastru. P. M. Sudkovskaya” (1906) este neobișnuit în practica creativă a artistului: în această lucrare, maestrul a creat, în primul rând, un excelent „portret al unei rochii”, stabilind scopul principal al plasticității și colorării soluției pitorești a ținutei. . Acest portret mare pe lungime a fost pictat, fără îndoială, de Kustodiev sub impresia celebrei lucrări a lui K. A. Somov „Doamna în albastru” - un portret al unui contemporan al maestrului artist E. M. Martynova, în care Somov a reușit să-și exprime în mod deosebit subtil admirația nostalgică pentru trecut, această imagine dobândită cu adevărat simbolică.

B.M. Kustodiev „Liliac” (1906)

Există mai multe picturi de Kustodiev în colecția Muzeului Pușkin al Republicii Tatarstan și toate sunt diferite din punct de vedere stilistic. Tema teatrului a fost una dintre cele mai importante în opera Lumii Artelor. Mica pânză „În teatru” (1907 (?)) de Kustodiev atrage prin unghiul său neobișnuit - o privire din adâncurile cutiei teatrului în spatele publicului care stă în frac strict și pălării de cilindru. Maestrul folosește un mod original de iluminare din spate, care, pe de o parte, dă silueta clădirii, linia conturului luminii și, pe de altă parte, umple pânza cu emoții speciale, familiare multor iubitori de teatru, entuziasmul unui spectator întârziat pentru un spectacol, grăbit să se alăture celebrării veșnice luminoase de teatru. Un studiu pentru pictura cu același nume „Liliac” (1906) - un alt complot destul de des solicitat (amintiți-vă de faimosul „Liliac” de Vrubel) - demonstrează și întrepătrunderea stilistică în sinteza sunetului elegiac semantic cu prezentare picturală liberă.

Zalevsky (?) „Portretul unui necunoscut”

O serie de imagini feminine magnifice la expoziție surprinde prin măreția și diversitatea sa. Moliciune, căldură, un sentiment intim deosebit sunt învăluite într-un portret al fiicei sale, pictat în pastel de S. V. Malyutin. Cele mai fine combinații stilistice, gustul estetic al artistului sunt bine citite în ea. Un alt portret feminin al artistului polonez Zalewski a fost realizat și în tehnica pastelului. Imaginea unei doamne a înaltei societăți a fost creată de maestru cu un accent deosebit de tact, permițându-vă să vedeți în ea un anumit simbol perfect, idealul feminin al epocii. Epoca de argint. Efemeritate, intelectualitate rafinată, aristocrație nobilă – acestea sunt calitățile care au dat împreună o imagine pătrunzătoare și plină de spiritualitate profundă.

S. V. Malyutin - „Portretul unei fiice” 1912

Trăsătura ideologică comună a „Uniunii Artiștilor Ruși” a fost afirmarea identității naționale ruse în peisaj, tablou istoric, arta grafica. Lucrând în aer liber, din natură, pictorii acestei direcții au creat lucrări bogate emoțional, bazate pe tehnicile impresionismului. Peisajul și interiorul au fost genurile predominante ale maeștrilor acestei asociații, în special ale pictorilor moscoviți, și au acționat ca un laborator de creație în care au căutat cele mai avansate abordări picturale, au adunat noi soluții.

Unul dintre reprezentanții tipici ai „Unirii” a fost un artist de origine poloneză S. Yu. Jukovsky. Apelul la epoca secolelor trecute, prezent în tabloul „Interiorul bibliotecii casei moșierului” (1916 (?)), îl apropie pe artist de Lumea artei, în opera sa remarcându-se în general predominanța. de teme retrospective - tipuri de moșii vechi, terase, interioare, în care există invariabil o ușoară notă nostalgică. Același motiv este prezent și în „Peisaj de iarnă” (1901(?)) de S. Yu. Jukovsky, scris într-o manieră schițată. Starea de tranziție a serii de iarnă care se estompează este transmisă cu o plasticitate strălucitoare, masa de gradații tonale bine gândite demonstrează cât de sensibil și atent caută artistul să transmită frumusețea subtilă a unui peisaj atât de simplu și nepretențios.

S. Iu Jukovski. „Interiorul bibliotecii casei moșierului” (1916)

Dragostea pentru un astfel de peisaj rusesc „gri” a fost caracteristică artiștilor cu diferite „credințe” în artă și fiecare dintre ei a întruchipat-o în felul său. Două peisaje de primăvară ale artistului S. F. Kolesnikov, care a participat și la expozițiile World of Art, sunt impregnate de aceeași înțelegere subtilă specială a stării naturii. Astfel de peisaje pot fi numite vestigii ale simbolismului; în ele, autorii s-au concentrat tocmai pe starea internă a naturii. Doar noi Atitudine atentă la starea naturală o regăsim în „Peisajul de iarnă” de A.F.Gaușa, care atrage prin moliciunea absolută a prezentării, acea stare de iarnă deosebită când „în jur este acoperit de zăpadă”, și este un exemplu viu al pasiunii maestrului pentru soluții impresioniste.

I. E. Grabar „Ceaiul de dimineață” (1917)

I. E. Grabar este prezentat în cadrul expoziției cu două tablouri din colecția muzeală „Morning Tea” (1917) și „Sunset” (1907), demonstrând clar predilecțiile sale în pictură în domeniul impresionismului și puntillismului, care erau direct opuse stilisticului. esența Art Nouveau. Între timp, fiind străine din punct de vedere artistic de acest stil, inițiativele educaționale ale lui Grabar s-au intersectat invariabil cu cele ale Lumii Artei. De aceea, alături de Roerich, Kustodiev, Bilibin, Dobuzhinsky, a fost unul dintre cei mai activi participanți la „Lumea artei” în a doua perioadă, din 1910.

Artiștii puntilisti (sau, cum erau numiți și neoimpresioniştii), care au adus expresivitatea traseului pictural până la puritatea punctului de pictură, s-au apropiat cu siguranță cât mai mult de expresivitatea simbolică a imaginilor lor. Așa sunt fabuloasele peisaje de iarnă ale lui N. V. Meshcherin din colecția muzeului, dintre care „Noaptea înghețată” (1908) este în special în consonanță cu estetica modernității. Această fantezie nocturnă de iarnă, în care fiecare lovitură este gândită, verificată, precum bucăți de mozaic colorat smalt, este creată de toate nuanțele de albastru și albastru, rezultând o imagine fragilă de cristal a unui basm de iarnă geroasă.

SIMBOLISMUL a fost extrem de apropiat de filosofia modernității, prin urmare, având în vedere lucrările Lumii Artei, analizăm invariabil manifestările elementelor simbolice din acestea. La rândul lor, reminiscențe ale artei antichității, Orientului, Renașterii, cultura gotică, moștenirea artei Rusiei Antice și a artei secolului al XVIII-lea, care au avut o întruchipare originală în activitățile Lumii Artei, au apărut într-un mod deosebit în acest nou direcție artisticăînceputul secolului al XX-lea.

N. K. Roerich și K. F. Bogaevsky, elevi ai A. I. Kuindzhi, urmând principiile profesorului lor inovator în domeniul efectelor picturale în genul peisajului, și-au exprimat ideile simbolice în felul lor în temele și intrigile pe care le-au găsit, interpretarea lor originală a fost caracterul profund , conținea prototipuri antice în baza sa filozofică. Acești artiști au avut puncte de contact cu „Lumea Artei” și au lăsat o amprentă profundă asupra activităților asociației. De exemplu, rolul lui Roerich în renașterea societății în a doua etapă a existenței ei este larg cunoscut, când a condus nou formata „Lumea artei”, devenind președintele acesteia și a jucat un rol organizatoric semnificativ în dezvoltarea ei ulterioară. În general, în această etapă a activității societății este greu de evidențiat vreo direcție stilistică de conducere, modernul și-a pierdut rolul unui sistem de stil unificator, au fost puțini adevărații moștenitori ai acestui sistem. În componența „Lumii artei” de la începutul anilor 1910 a inclus maeștri ai diverselor tendințe, în primul rând de natură simbolică, datorită cărora expozițiile societății au dobândit variația și eterogenitatea caracteristice acelei vremuri.

N.K. Roerich "Mekheski - oamenii lunii" (1915)

Istorie și mitologie popoare diferite Pământurile au fost principalul început inspirator al creativității lui N. K. Roerich. Originale prin concepție și execuție, picturile „Marea Varangiană” (1909) și „Mekheski - Poporul Lunar” (1915) sunt dedicate vieții civilizațiilor antice. În compoziții construite pe combinații contrastante îndrăznețe de pete mari de culoare generalizate, în care imaginile oamenilor sunt conturate laconic, dar expresiv, artistul își aduce ideea despre relația dintre pământesc și cosmic într-un puternic simbol tridimensional. Pânze de muzeu „Țara deșertului. Theodosius (1903) și Muntele Sf. Gheorghe (1911) de artistul K.F.Bogaevsky, care a fost membru al cunoscutei școli de pictură cimmeriană, sunt, de asemenea, exemple de simbolism. Sunt dedicati temei care a devenit preferata artistului de-a lungul operei sale. Ele arată locurile natale ale maestrului, pictate ca imagini ale vechiului pământ, unde ideile fantastice ale pictorului se împletesc cu istoria antică preculturală a Crimeei, dând naștere unor imagini originale ale tărâmului fabulos al Feodosiei.

CE FACI. Bogaevsky "Țara deșertului. Feodosia" 1903

Exemple de lucrări ale direcției simboliste sunt lucrările din colecția muzeului de membri grup artistic„Trandafir albastru” (1907), care a inclus N. P. Krymov, P. V. Kuznetsov, P. S. Utkin, N. N. Sapunov, M. S. Saryan, S. Yu. Sudeikin, N. D. Milioti prezentate în această expoziție. În picturile artiștilor din acest grup, convenționalitatea, alegorismul, decorativitatea și planeitatea au fost combinate armonios. Dorința de stilizare, simbolism, uneori pentru primitivizarea imaginii în spiritul tiparului popular, creativitatea copiilor - caracteristică creativitatea de grup. Tendința generală în dezvoltarea artiștilor grupului a fost trecerea de la impresionism la postimpresionism. Li s-a alăturat V. I. Denisov, artistul V. A. Galvich a fost foarte aproape de aspirațiile lor creative, ale căror lucrări sunt expuse și la expoziție.

Este semnificativ faptul că toți – atât Lumea Artelor, cât și a Simboliștilor – au fost fascinați de teatru: teatrul este prezent în lucrările de șevalet, teatrul devine un loc de întruchipare a ambițiilor profesionale. Multe compoziții de șevalet ale goluborozoviților din colecția muzeului pot fi citite ca fundal sau schițe ale scenelor de teatru, imagini ale spectacolului (lucrări de N. P. Krymov, P. S. Utkin, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, N. D. Milioti ). În etapa târzie a existenței asociației „Lumea Artei”, în 1917 și mai târziu, aproape toți acești maeștri au făcut parte din aceasta sau au luat parte la expoziții alături de artiști de avangardă.

Inițial, V. E. Borisov-Musatov și M. A. Vrubel au participat la activitățile Urșilor albaștri, a căror artă, atât înainte, cât și după, s-a separat de acest grup, dar s-a dezvoltat pe aceeași platformă estetică a simbolismului. Arta lor a devenit punctul de plecare pentru simboliștii ruși în crearea propriei viziuni asupra procesului artistic și, prin urmare, poate fi privită ca un fel de punte între atitudinile estetice tradiționale ale modernității Lumii Artei și simbolismul care a fost dezvoltat în rândul Purtători de albastru.

M.A. Vrubel „Zborul lui Faust și Mefistofel” (1896)

Tabloul monumental de M. A. Vrubel „Zborul lui Faust și Mefistofel” (1896) este mândria colecției muzeale de artă rusă. Acest panou decorativ mare de patru metri este o versiune schiță a faimosului panou cu același nume pentru biroul gotic al conacului comercianților Vikula Alekseevich și Alexei Vikulovich Morozov din Vvedensky Lane din Moscova, construit în 1878-1879 conform proiectului dintre arhitecții de seamă D.N. Chichagov și F.O. Shekhtel. Artistul a lucrat cu pete mari izolate de culoare, având un fel de margine liniară asemănătoare cu tehnica vitraliului. Acest mod de scriere găsit, un principiu ornamental deosebit a stabilit ritmul mișcării petelor și liniilor pe suprafața pânzei, legând în mod natural imaginile lui Vrubel de Art Nouveau și, în același timp, dându-le un sunet condiționat și simbolic aparte. Astfel, Vrubel și lumea artei au fost unite printr-o înțelegere a esenței esteticii artistice, nu întâmplător maestrul s-a regăsit printre membrii consecvenți ai societății, participând la primele expoziții ale societății.

V.G. Purvit „Turnul Vechi” (până în 1920)

În conformitate cu simbolismul, a continuat evoluția operei artiștilor din Lumea Artei, foarte diferiți în exprimarea lor creativă. Acest lucru se vede clar în lucrările viitorului cubist și suprematist N. I. Altman prezentate la această expoziție, reprezentantul și organizatorul expozițiilor din Lumea Artei K. V. Kondaurov, artistul școlii lui K. S. Petrov-Vodkin M. M. Nakhman. Pe lângă aceste lucrări, expoziția prezintă și lucrări de grafică ale artiștilor cunoscuți din World of Arts B.I. » (carton gri, tempera)).
Între timp, istoria lungă și complexă a Lumii Artei a fost plină de evenimente și puncte de cotitură. În special, prin prisma ultimului deceniu în evoluția Lumii Artei, se pot lua în considerare parțial denumirile artistice ale colecției muzeului, binecunoscute în formarea altor tendințe în arta rusă, adesea deloc coincide, și uneori direct opus, dominantului creator al asociaţiei. Un exemplu interesant în acest sens este participarea la expozițiile asociației unor artiști de avangardă chiar înainte de formarea aspirațiilor lor creative inovatoare. De exemplu, cunoscutul primitivist, autorul teoriei raionismului, M.F. Larionov, la expoziția Lumea artei din 1906, a prezentat peisajul Grădina primăverii, demonstrând în mod clar apelul artistului la impresionism într-un stadiu incipient al Munca lui. Mai târziu, în anii pre-revoluționari și revoluționari, acești maeștri, majoritatea reprezentanți ai „Jack of Diamonds”, au jucat la expozițiile din Lumea Artelor cu exemplele lor caracteristice de avangardă de creativitate.

I.I. Mashkov „Flori într-o vază”, sfârșitul anilor 1900

Numai într-una dintre aceste lucrări, în natura moartă timpurie a lui I. I. Mashkov „Flori într-o vază” de la sfârșitul anilor 1900, suntem surprinși să remarcăm cea mai rară combinație de stilizări sofisticate arabesc ale modernității cu căutări inovatoare de construire a formei.

Majoritatea lucrărilor prezentate la expoziție au fost transferate la Muzeul Orașului Kazan în anii 1920 - 1930 din Fondul Muzeului de Stat și muzeele de artă ale capitalei (Galeria de Stat Tretiakov, Muzeul de Stat Rus), când secțiuni de artă internă pre-revoluționară iar arta locală s-a format intens în muzeu.marginile. Una dintre cele mai mari încasări pentru toți anii de existență a muzeului a avut loc în 1920, când Muzeul Orașului Kazan a împlinit douăzeci și cinci de ani, iar în cinstea acestei date aniversare, Fondul Muzeului de Stat a trimis la Kazan o sută treizeci și doi. picturi ale artiștilor de diferite tendințe și stiluri la începutul secolelor XIX-XX. Colecția muzeului a fost îmbogățită cu lucrări ale Lumea Artei, Uniunea Artiștilor Ruși, Trandafirul Albastru și altele.

MODERN (fr. moderne, din latină modernus - nou, modern) - stil în arta europeană și americană sfârşitul XIX-lea- începutul secolului al XX-lea. (alte denumiri sunt Art Nouveau (Art Nouveau în Franța și Anglia), Jugendstil (Jugendstil în Germania), Liberty (Liberty în Italia)).

A. N. Benois - „Oranienbaum” 1901

Terenul ideologic și filozofic pe care s-a dezvoltat „noua artă” a modernității a fost neoromantismul, care într-o nouă etapă a reînviat ideile romantice de conflict între individ și societate. Estetica originală a Art Nouveau s-a bazat pe ideea unei sinteze a artelor, care se baza pe arhitectură, unind toate tipurile de artă - de la pictură și teatru până la modele de îmbrăcăminte. Unul dintre principiile cheie ale esteticii moderne a devenit principiul asimilării formă făcută de om firesc și invers. Acest lucru s-a reflectat în forma arhitecturală, în detaliile clădirilor, în ornament, care a primit o dezvoltare extraordinară în modernitate în toate tipurile de artă și a avut cea mai diversă expresie artistică. Prototipul de forme și ornamente în sistemul Art Nouveau a fost atât forme naturale, cât și trăsături ale stilurilor din trecut, care au suferit o regândire radicală datorită stilizării (pe baza unor materiale de referință speciale).

A. N. Benois - Screensaver al revistei „World of Art”

LUCRARE DE CURS

la disciplina „Culturologie”

pe tema: „Asociația” Lumea artei „”

Introducere

1. Istoria revistei și rolul lui Diaghilev în crearea ei

2. Principiile publicării revistei și conceptul acesteia

3. Rolul și semnificația revistei în viața culturală a Rusiei

Concluzie

În viața culturală a Rusiei, răsturnarea celor două secole ale secolelor al XIX-lea și al XX-lea a fost marcată de înființarea revistei „World of Art”. Primii care au câștigat încrederea în sine pentru a ieși din cadrul artei private pentru publicul larg nu au fost criticii și poeții, ci artiștii, muzicienii și oamenii îndrăgostiți de operă, teatru și balet. Ei au fost cei care au fondat prima asociație și apoi prima revistă modernistă rusă. Ei și-au pus sarcina de a „îngriji pictura rusă, de a o curăța și, cel mai important, de a o aduce în Occident, de a o glorifica în Occident”.

Scopul lucrării de curs este de a studia în detaliu activitățile revistei moderniste „World of Art”. Pentru atingerea scopului s-au stabilit următoarele sarcini: să aibă în vedere în detaliu crearea asociației artiștilor „World of Art” și a revistei „World of Art”; studiază conceptul revistei și principiile publicării acesteia; să analizeze rolul și semnificația revistei „Lumea artei” în viața culturală a Rusiei.

La sfârșitul secolului al XIX-lea, viața artistică în Rusia era foarte animată. Societatea a manifestat un interes sporit pentru numeroase expoziții și licitații de artă, pentru articole și periodice dedicate artelor plastice. Nu numai Moscova și Sankt Petersburg, ci și multe ziare și reviste provinciale aveau titluri permanente corespunzătoare. Au apărut diverse feluri de asociații de artă, punându-și diverse sarcini, dar mai ales de natură educațională, care a fost influențată de tradițiile pribegilor. Una dintre aceste asociații a fost „Lumea artei” (1898–1904), care a inclus în diferite momente aproape toți artiștii ruși de top: L. Bakst, A. Benois, M. Vrubel, A. Golovin, M. Dobuzhinsky, K. Korovin, E. Lansere, I. Levitan, M. Nesterov, V. Serov, K. Somov ș.a. Toți, foarte diferiți, au fost uniți printr-un protest împotriva artei oficiale promovate de Academie și a naturalismului pribegilor. .

Apariția asociației „Lumea artei” a fost precedată de un mic „cerc de autoeducație” acasă în apartamentul lui A. Benois, unde s-au adunat prietenii săi de la gimnaziul privat al lui K. May: D. Filosofov, V. Nouvel, iar apoi L. Bakst, S. Diaghilev, E. Lansere, A. Nurok, K. Somov. Sloganul cercului era „arta de dragul artei” în sensul că creativitatea artistică în sine poartă cea mai mare valoare și nu are nevoie de prescripții ideologice din afară. În același timp, această asociație nu a reprezentat nicio mișcare, regie sau școală artistică. Era format din indivizi strălucitori, fiecare a mers pe drumul său.

Arta „Lumii Artei” a apărut „pe marginea penelor subțiri ale graficienilor și poeților”. Atmosfera de nou romantism, care a pătruns în Rusia din Europa, a dus la capriciile vignetelor revistelor la modă de atunci ale simboliștilor moscoviți „Scale”, „Lână de aur”. Designul gardurilor cu model din Sankt Petersburg a fost legat de aspirațiile artiștilor cercului Abramtsevo I. Bilibin, M. Vrubel, V. Vasnetsov, S. Malyutin de a crea un „stil național rus”.

Din punct de vedere al metodei artistice, dacă vorbim despre cel mai important lucru din opera artiștilor „tipici” din World of Art, ei sunt mai sintetici decât analiști, graficieni decât pictori. În grafica lui Miriskusniks, desenul urmează adesea un model pre-compus, iar pata de culoare este conturată pentru a sublinia la maximum caracterul său „sintetic”, decorativ. De aici raționalitate, ironie, joc, decorativism. Desenul, pictura și chiar sculptura s-au supus principiului decorativ-grafic. Acest lucru explică și atracția pentru sinteză. diferite feluriși genuri de artă: combinarea într-o singură compoziție a unui peisaj, natură moartă, portret sau „studiu istoric”; includerea picturii, sculpturii, reliefului în arhitectură, dorința de a folosi materiale noi, „ieșirea” către grafica de carte și teatrul muzical. Totuși, dorința de „sinteză artistică”, în general caracteristică perioadei moderne, care, s-ar părea, ar fi trebuit să ducă la crearea unui „stil grandios”, în cel mai paradoxal mod a devenit motivul creativității limitate a Lumea artei. Acești artiști „au redus conceptul de pictorial interpretându-l ca o senzație decorativă a realității... iată o contradicție care a dus la o criză profundă, dezintegrarea rapidă a unei direcții atât de strălucitoare și energice... Din activitatea intensă a o epocă strălucitoare, au rămas o mulțime de lucrări frumoase ... Dar complet nu au existat lucrări cu totul semnificative ... "

Pe biografiile lui Benois, în calitate de unul dintre organizatorii și inspiratorii asociației, iar mai târziu revista „Lumea Artei” ne vom opri mai detaliat.

Pictor și grafician de șevalet, ilustrator și designer de cărți, maestru al decorului teatral, regizor, autor de librete de balet, Benois a fost în același timp un istoric remarcabil al artei rusești și vest-europene, un teoretician și publicist ascuțit, un critic perspicace, o figură importantă a muzeului, un cunoscător incomparabil al teatrului, muzicii și coregrafiei. Principala trăsătură a personajului său ar trebui să fie numită o dragoste atotconsumătoare pentru artă; versatilitatea cunoașterii a servit doar ca o expresie a acestei iubiri. În toate activitățile sale, în știință, în critica de artă, în fiecare mișcare a gândirii sale, Benois a rămas întotdeauna un artist. Contemporanii au văzut în el întruchiparea vie a spiritului artistic.

Alexandru Nikolaevici Benois- fiul lui Nikolai Leontievich Benois, academician și arhitect, și muzicianul Kamilla Albertovna (n. Kavos) - s-a născut la 3 mai 1870. Prin naștere și creștere, Benois a aparținut inteligenței artistice din Sankt Petersburg. Timp de generații, arta a fost o profesie ereditară în familia sa. Străbunicul matern al lui Benois K. A. Cavos a fost compozitor și dirijor, bunicul său a fost un arhitect care a construit multe în Sankt Petersburg și Moscova; tatăl artistului a fost și un arhitect important, fratele mai mare era faimos ca pictor de acuarelă. Conștiința tânărului Benois s-a dezvoltat într-o atmosferă de impresii artistice și interese artistice.

Gusturile și opiniile artistice ale tânărului Benois s-au format în opoziție cu familia sa, care a aderat la opiniile „academice” conservatoare. Decizia de a deveni artist s-a maturizat foarte devreme la el; dar după o scurtă ședere la Academia de Arte, care a adus doar dezamăgire, Benois a preferat să obțină o diplomă de drept la Universitatea din Sankt Petersburg și să urmeze singur un curs profesional de artă, conform propriului program.

Munca zilnică asiduă, pregătirea constantă în desenul din natură, exercițiul fanteziei în lucrul la compoziții, combinat cu un studiu aprofundat al istoriei artei, i-au oferit artistului o abilitate încrezătoare, care nu este inferioară priceperii colegilor săi care au studiat la Academia. Cu aceeași perseverență, Benois s-a pregătit pentru munca unui istoric de artă, studiind Ermitajul, studiind literatura specială, călătorind prin orașe istorice și muzee din Germania, Italia și Franța.

Studiul personal în pictură (în principal acuarelă) nu a fost în zadar, iar în 1893 Benois a apărut pentru prima dată ca pictor peisagist la expoziția „Societății Acuarelelor” ruse.

Un an mai târziu, și-a făcut debutul ca istoric de artă, publicând pe limba germana un eseu despre arta rusă în cartea lui Muther The History of Painting in the 19th Century, publicată la München. (Traducerile în rusă ale eseului lui Benois au fost publicate în același an în revistele Artist și Russian Art Archive.) Imediat s-a vorbit despre el ca un critic de artă talentat, care a dat peste cap ideile consacrate despre dezvoltarea artei rusești.

Declarându-se imediat atât un practicant, cât și un teoretician al artei în același timp, Benois a menținut această dublă unitate în anii următori, talentul și energia lui au fost suficiente pentru orice.

În 1895–1899 Alexander Benois a fost curatorul colecției de picturi și desene moderne europene și rusești ale Prințesei M. K. Tenisheva; în 1896 a organizat un mic departament rusesc pentru expoziţia Secesiune din München; în același an a făcut prima călătorie la Paris; a pictat vederi ale Versaillesului, inițiind seria sa pe teme de Versailles, atât de iubit de el de-a lungul vieții.

Seria de acuarele „Ultimele plimbări ale lui Ludovic al XIV-lea” (1897–1898, Muzeul Rus și alte colecții), creată pe baza impresiilor din călătoriile în Franța, a fost prima sa lucrare serioasă în pictură, în care s-a arătat fii un artist original. Acest serial a aprobat multă vreme pentru el gloria „cântărețului din Versailles și Louis”.

Motivând apariția Lumii artei, Benois a scris: „Am fost ghidați nu atât de considerații de ordine „ideologică”, cât de considerații de necesitate practică. O serie de tineri artiști nu au avut încotro. Fie nu au fost acceptați deloc la expoziții mari - academice, de călătorie și acuarelă, fie au fost acceptați doar cu respingerea a tot ceea ce artiștii înșiși vedeau expresia cea mai clară a căutărilor lor... Și de aceea Vrubel a ajuns următorul lui Bakst, iar Somov alături de Malyavin. „Nerecunoscuților” li s-au alăturat cei „recunoscuți” care s-au simțit inconfortabil în grupurile aprobate. În principal Levitan, Korovin și, spre marea noastră bucurie, Serov au venit la noi. Din nou, din punct de vedere ideologic și în întreaga lor cultură, ei aparțineau unui alt cerc, erau ultimii descendenți ai realismului, nu fără o „colorare rătăcitoare”. Dar ei erau legați de noi prin ura lor față de tot ce este învechit, stabilit, mort.”

De-a lungul lungii sale călătorii ca artist, critic și istoric de artă, Benois a rămas fidel înțelegerii înalte a tradiției clasice și a criteriilor estetice în artă, a apărat valoarea inerentă a creativității artistice și a culturii fine bazate pe tradiții puternice. De asemenea, este important că toate activitățile cu mai multe fațete ale lui Benois au fost, de fapt, dedicate unui singur scop: glorificarea artei ruse.

A. Benois a fost sufletul redacției revistei Mir iskusstva, iar S. Diaghilev a fost organizatorul acesteia.

S.P. Diaghilev s-a născut la 19 martie 1872 în Perm, provincia Novgorod, într-o familie nobilă bine născută. Tatăl său era general-maior în armata țaristă, îi plăcea să cânte. În copilărie, la insistențele mamei sale adoptive (propria mamă a murit la naștere), Diaghilev a învățat să cânte la pian.

În 1890 Diaghilevii s-au mutat la Sankt Petersburg. Serghei a intrat la Universitatea din Sankt Petersburg la Facultatea de Drept. În timpul studiilor, s-a împrietenit cu A. Benois și L. Bakst. Concomitent cu studiile la universitate, a fost voluntar la clasa de canto a Conservatorului din Sankt Petersburg și a luat lecții de compoziție.

În 1896 Diaghilev a absolvit universitatea cu o diplomă de drept.

După eșecul zdrobitor al primei sale producții, Diaghilev și-a abandonat cariera de compozitor, dar a decis să se dedice artei într-o altă calitate. La începutul anului 1898, a organizat la Sankt Petersburg o expoziție de artiști ruși și finlandezi. Au participat Bakst, Benois, A. Vasnetsov, K. Korovin, Nesterov, Lansere, Levitan, Malyutin, E. Polenova, Ryabushkin, Serov, Somov și alții.

În același 1898, Diaghilev a reușit să convingă figuri celebre și iubitorii de artă S.I. Mamontov și M.K. Tenishev să finanțeze o revistă lunară de artă. Curând, la Sankt Petersburg a fost publicat un număr dublu al revistei „Lumea artei”, iar Serghei Pavlovici Diaghilev a devenit redactorul acesteia.

Primul număr al revistei a fost deschis de un articol amplu semnat de Diaghilev „Întrebări dificile”. În esență, articolul a fost un discurs în apărarea dezvoltării ulterioare a școlii realiste rusești. Unele dintre prevederile sale sunt relevante până în zilele noastre, cum ar fi nevoia unui artist de a se conecta cu generația sa contemporană.

Capacitatea „Lumii Artei” de a privi nu numai înainte, ci și înapoi, dincolo de trecutul recent, până la antichitatea îndepărtată, a fost rezultatul nu numai al diferențelor de clasă și viziune asupra lumii ale participanților săi, ci și al diferențelor dintre ei. gusturile și interesele individuale. În nucleul interior al revistei și al mișcării „World of Art” a existat o scindare în „conservatori” (adică cei care erau interesați în principal de arta trecutului) și „radicali”. Benois, Lansere, Merezhkovsky, uneori Serov aparțineau „conservatorilor”, iar Nurok, Nouvel, Bakst, Z. Gippius și același Serov aparțineau „radicalilor”. Un rol de echilibru l-au jucat Diaghilev și Filozofi (editor al departamentului literar creat mai târziu). Foarte des, pe paginile revistei au fost aduse dezacorduri. În general, această publicație extrem de eclectică a oferit fiecărui autor libertate deplină în exprimarea opiniilor sale.

Această libertate de la bun început a produs o revoluție decisivă atât în ​​ceea ce privește gustul literar, cât și cel artistic. „Lumea artei” nu numai că a deschis ochii cititorului asupra frumuseții clasice a Sankt-Petersburgului și a palatelor din jur, asupra eleganței romantice caracteristice epocilor domniei lui Pavel și Alexandru I și asupra frumuseții puțin apreciate a medievalului. arhitectura și pictura icoanelor rusești înaintea lui, dar și-a pus pe gânduri sens modern civilizațiile și credințele antice și nevoia de a-și reevalua serios propria moștenire literară.

Spre deosebire de edițiile anterioare, care publicau în principal doar rapoarte despre viața artistică, revista a început să publice în mod sistematic articole monografice despre maeștrii ruși și europeni. Mulți pictori și graficieni străini au devenit familiari publicului rus abia după publicarea Lumii artei. Mai mult, autorii au fost scriitori și artiști europeni consacrați: J. Huysmans, I. Israels, M. Lieberman, M. Maeterlinck, D. Ruskin, I. Meyer-Grefe, R. Muter, F. Lenbach.

Principalul succes a însoțit revista în publicații despre arta rusă. Au fost redescoperite perioade întregi de artă și nu doar numele și lucrările unor maeștri individuali: lucrările artiștilor, sculptorilor și arhitecților din secolul al XVIII-lea - prima jumătate a secolului al XIX-lea, precum și artele decorative și aplicate, care au fost considerate la acea dată genul „inferior” de artă, nedemn de atenție serioasă. Eseurile și articolele istorice și artistice s-au distins prin conținut ridicat și formă strălucitoare, au folosit adesea materiale de arhivă și puțin cunoscute. Aceste publicații, așa cum este acum recunoscut, au avut o contribuție semnificativă la istoria artei ruse.

Revista a acordat multă atenție artei contemporane rusești, dedicând numere întregi unui număr de artiști - V. Vasnetsov, Repin, Serov, Levitan, Somov, E. Polenova, Malyutin, Nesterov și alții. Unii artiști înșiși au acționat ca autori de articole și eseuri - Bilibin, Yaremich, Nesterov.

„World of Art” a manifestat, de asemenea, interes pentru muzică și pentru afacerile teatrale, în special pentru proiectarea artistică a spectacolelor.

Printre producția de reviste din acea vreme, World of Art s-a remarcat prin ea aspect. A fost o ediție de format mare pe hârtie excelentă. Textele au fost tipărite în grafia elisabetană, pe care membrii redacției l-au găsit la Academia de Științe. Editorii au acordat o atenție deosebită designului artistic. Coperta, primele pagini, rame, capete, finalul fiecărui număr au fost interpretate de artiști din lumea artei Bakst, K. Korovin, Somov, Lansere, Dobuzhinsky și alții. Revista, de regulă, conținea multe ilustrații excelente - fotografii și reproduceri de artă realizate în diferite tehnici. Adesea erau comandate și pregătite în străinătate. Apariția revistei „World of Art” a devenit o etapă semnificativă în istoria graficii și tipăririi autohtone.

În timpul publicării revistei, sarcinile acesteia s-au schimbat, devenind din ce în ce mai largi. În ea au început să apară articole despre marii reprezentanți ai culturii mondiale - Pușkin, Tolstoi, Dostoievski, Wagner - care dețineau apoi mințile inteligenței ruse. În 1900, în jurnal a fost creat un departament literar, cu care au colaborat D. Merezhkovsky, Z. Gippius, V. Bryusov și alții.

Serghei Diaghilev a jucat un rol important nu numai în înființarea revistei World of Art, ci și în toate activitățile sale ulterioare. Diaghilev a apărut în revistă ca unul dintre autorii acesteia.

În epoca critică de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, problema criticii de artă și a normelor după care ar trebui să fie ghidată a devenit foarte acută. Diaghilev nu putea ignora această problemă arzătoare. El credea că critica de artă nu își îndeplinește scopul înalt. Neputința și lipsa de calificare a criticilor și recenzenților au fost deosebit de evidente când a fost vorba de noile tendințe în artă.

Nu fără motiv, Diaghilev a afirmat: „... cu toată dorința de a aprofunda în nevoile artei moderne, foarte puțini oameni le-au putut înțelege încă măcar puțin, și chiar și cei mai binevoitori critici atribuie constant „inovatorilor” un o mulțime de lucruri care le sunt străine și uneori sunt direct împotriva opiniilor lor.

Pentru a depăși haosul și arbitrariul absolut care domnea atunci în judecățile presei, Diaghilev a cerut corelarea lucrărilor artiștilor contemporani cu realizările veșnic frumoase ale Renașterii. „Trebuie să ne ridicăm la înălțimile Florenței, pentru a judeca apoi toată arta actuală”, a spus el. a subliniat Diaghilev mare importanță critica de artă, susținând că este prin natura sa „creativitate artistică independentă”.

Articolul său „Cu privire la cartea lui A.N. Benois „Istoria picturii ruse în secolul al XIX-lea, partea a II-a”. Diaghilev l-a acuzat pe bună dreptate pe Benois de „denaturarea perspectivei istorice”, care a fost exprimată în „sentințe severe” împotriva „cele mai mari autorități artistice ale noastre” și în laudele nemoderate ale tinerilor artiști, chiar și a unor artiști atât de înzestrați precum Serov, Levitan și K. Korovin. Condamnând autorul pentru subiectivitatea și convenționalitatea aprecierilor. Diaghilev a pus problema valorii artei generațiilor anterioare, a unei atitudini atente și nepărtinitoare față de mostenire culturala. De aici rezultă că Diaghilev nu a mers, așa cum se credea uneori, pe gustul lui Benoit. Preocuparea pentru moștenirea neprețuită a vechilor maeștri pătrunde în articolul său „Despre muzeele rusești”.

Aceste articole ale lui Diaghilev nu au fost întâmplătoare. Au fost rodul multor gândiri, deoarece el însuși intenționa să creeze o lucrare în mai multe volume, Istoria picturii rusești în secolul al XVIII-lea. Diaghilev devreme, la fel ca Benois și Grabar, a început să studieze materialele de arhivă. Cu toate acestea, în afară de cartea despre D. G. Levitsky, publicată în 1902 - nu și-a pierdut semnificația până în prezent - și un articol despre portreticul Shibanov, Diaghilev nu mai era angajat în cercetări în domeniul artei.

Diaghilev, ca critic de artă, a acordat totuși atenția principală nu trecutului, ci artei contemporane. El a spus: „Sunt mai interesat de ceea ce îmi va spune nepoata mea decât de ceea ce va spune bunicul meu, deși este nemăsurat mai înțelept.” Această focalizare pe viitor este foarte caracteristică lui Diaghilev, pătrunzând eseurile și articolele sale despre maeștrii contemporani și evenimentele din viața artistică. Ce în artă corespunde dictelor vremii, ce este perisabil și ce va trece posterității sau chiar eternității? Această întrebare l-a deranjat mereu.

Diaghilev a considerat talentul o comoară națională. El a fost înzestrat cu o abilitate rară de a-l recunoaște încă de la început. Unul dintre primii pe care i-a remarcat și l-a susținut pe Bakst, Alexandra Benois, Malyutin, Malyavin, Ostroumov, Yuon, Yakunchikov și alții. Pixul său aparține caracteristicilor excelente și profund semnificative ale multor artiști care trăiesc atunci. El a considerat de datoria lui morală să onoreze memoria oamenilor care s-au îmbogățit arta rusă. Necrologurile dedicate lor de I. Levitan și M. V. Yakunchikova au fost scrise de acesta cu multă dragoste și înțelegere a locului istoric al acestor artiști.

Diaghilev a fost primul critic care a acordat atenție ilustrației de carte. În 1899, în articolul „Ilustrații pentru Pușkin”, el a exprimat o serie de judecăți despre natura și trăsăturile acestei arte dificile, care își păstrează semnificația până astăzi.

Pe paginile revistei World of Art, Diaghilev, ca autor, a atins o gamă largă de probleme: scopurile și obiectivele artei și criticii, clasici și artă Modernă, ilustrație și grafică de carte, munca muzeală, cultura artistică a altor țări și, în sfârșit, ceea ce înțelegem acum prin cuvintele „cooperare culturală internațională”.

Diaghilev a fost primul care a formulat și a ridicat unele dintre aceste teme în istoria artei ruse, iar poziția pe care a luat-o merită atenție, în special părerile sale cu privire la problema schimbului cultural între țări.

Articolele lui Diaghilev propun un întreg program de acțiuni concrete cu scopul de a schimba radical situația în arta de atunci. Cu o energie și perseverență excepționale, a căutat să o pună în practică. Cuvântul „trebuie”, atât de des întâlnit în discursurile lui Diaghilev, amintea de datoria oamenilor de artă față de ei înșiși și față de societate. Uneori, aceste „trebuie” în înțelegerea lui Diaghilev capătă caracterul destinului istoric al tinerei generații artistice la cumpăna dintre secolele XIX și XX.

Spectacolele lui Diaghilev în „Lumea artei” au stârnit un interes puternic, atât în ​​rândul oamenilor care au păreri asemănătoare, cât și în rândul adversarilor. Artistul M. F. Larionov a susținut, de exemplu, că Diaghilev ar putea spune „mai mult și mai interesant decât alții pe multe pagini” în treizeci de rânduri ale unei note.

Autoritatea lui Diaghilev în rândul contemporanilor care iubeau arta și scriau despre ea a fost foarte mare. De remarcată este nota celebrului critic de artă S. S. Goloushev către I. S. Ostroukhov din 16 februarie 1905, care spunea: „Spune-i lui Diaghilev că m-ar împrumuta foarte mult dacă îmi permite să merg la el și să merg cu el la Tauride să-l văd pe Somov. Vreau să aud explicația lui despre Somov.

Ar trebui să-i dea credit și lui Diaghilev redactorul. El a reușit să atragă tineri artiști talentați și critici ai timpului său pentru a lucra în revistă. El a deschis talentul de istoria artei al lui A. N. Benois cititorului general și în primăvara anului 1899 l-a invitat pe I. E. Grabar, pe atunci critic începător, să colaboreze. Fără ajutorul zilnic și cuprinzător al artiștilor, ar fi fost imposibil să publicăm revista timp de mai bine de cinci ani. Nu numai că au lucrat la designul său, ci au fost și preocupați de conținutul notelor și articolelor. În 1902, Serov, de exemplu, a cerut să posteze un mesaj despre activitatea Consiliului Galerii Tretiakov. Sub presiunea lui Diaghilev, unii dintre artiști au luat condeiul pentru prima dată, alții au căutat fonduri pentru publicarea revistei în rândul clientelei lor, iar unii ei i-au pus la dispoziție. suport material. Artiștii considerau revista ca o creație a lor și nu fără motiv M. V. Nesterov, ca răspuns la abuzul lui V. P. Burenin asupra lui Diaghilev, a declarat în 1898: „Pentru Diaghilev, acele nume de oameni cinstiți și talentați care au avut încredere în el, recunoscând el ca o persoană capabilă și de bun gust”.

A.P.Cehov a dat o apreciere înaltă a acestei activități a lui Diaghilev. „Lumea artei, în special”, îi scria lui Diaghilev în 1903, „ar trebui editată numai de tine”.

Cu toate acestea, Diaghilev a fost angajat nu numai în revistă. În același timp, a dedicat mult timp și efort organizării de expoziții de artă. Amenajând expoziții, Diaghilev nu s-a limitat la îngrijorările legate de componența participanților și de alegerea exponatelor. El a început mai întâi să considere expoziția ca „ piesă de artă”, în care „toate părțile trebuie să fie unite printr-un sens interior”, ca „un fel de poem, clar, caracteristic și, cel mai important, întreg”. Diaghilev a demonstrat cu brio arta expunerii până atunci complet necunoscută la expozițiile asociate cu numele său.

Expozițiile de artă organizate de World of Art au fost un succes răsunător. În 1899 a avut loc Prima Expoziție Internațională a revistei „Lumea Artei”. A prezentat peste 350 de lucrări. La expoziție au participat 42 de artiști europeni, inclusiv P. de Chavannes. D. Whistler, E. Degas, C. Monet, O. Renoir. Expoziția a permis artiștilor și spectatorilor ruși să se familiarizeze cu diverse domenii ale artei occidentale.

Din 1900 până în 1903 au avut loc trei expoziții ale „Lumea artei”. Organizând aceste expoziții, Diaghilev s-a concentrat pe tinerii artiști ruși. Erau din Petersburg - Bakst, Benois. Somov, Lansere și moscoviți - Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Malyutin, Ryabushkin și alții. Diaghilev și-a pus cele mai mari speranțe în moscoviți. El a scris: „... toată arta noastră prezentă și tot ceea ce ne putem aștepta la viitor se află la Moscova”. Prin urmare, a încercat în toate modurile posibile să atragă artiștii moscoviți la expozițiile din lumea artei, ceea ce nu a reușit întotdeauna.

Expozițiile din lumea artei au introdus în detaliu societatea rusă lucrările unor maeștri ruși celebri și ale artiștilor emergenti care nu au obținut încă recunoaștere, cum ar fi Bilibin, Ostroumova, Dobuzhinsky, Lansere, Kustodiev, Yuon, Sapunov, Larionov, P. Kuznetsov, Saryan .

În 1903, Lumea Artelor a fuzionat cu grupul din Moscova „36 Artiști”, formând „Uniunea Artiștilor Ruși”.

Diaghilev, la doi ani după ce a fost întreruptă publicarea revistei, în ajunul plecării sale la Paris, a organizat o altă expoziție de rămas bun, The World of Art, ținută în St. World of Art” a creat un climat favorabil. Lucrările tuturor stâlpilor grupului au fost expuse alături de lucrări alese de M. Vrubel, V. Borisov-Musatov, P. Kuznetsov, N. Sapunov, N. Milioti. Noile nume au fost Feofilaktov și M. Larionov.

Apoi, Lumea Artei și-a expus lucrările la expoziția de artă rusă de la Salonul de Toamnă de la Paris, expusă ulterior la Berlin și Veneția. Din acel moment, Diaghilev a început activități independente de promovare a artei rusești în Occident. În 1906 pe „Rus expozitie de arta» la Paris, Diaghilev a prezentat colecții de icoane și picturi din secolul al XVIII-lea-începutul secolului al XIX-lea. și lucrări ale artiștilor din „Lumea artei”; în 1907 a organizat la Paris cinci „Concerte istorice rusești” reprezentând muzica rusă de la M.I. Glinka către A.N. Scriabin; în 1908, pe scena Marii Opere din Paris, pune în scenă opera M.P. Mussorgsky „Boris Godunov” cu participarea lui F.I. Chaliapin. Punctul culminant al acestei activități au fost așa-numitele „Anotimpuri rusești”, desfășurate anual la Paris în anii 1909-1914. Spectacole de operă și balet pe muzică clasică și modernă în producții inovatoare ale tinerilor coregrafi, interpretate de o întreagă galaxie de vedete, proiectate de Bakst, Benois, Bilibin, Golovin, Korovin, Roerich, au constituit o eră în istoria nu numai a Rusiei, ci și de asemenea, cultura mondială.

Din 1910, începe o nouă, a doua etapă din istoria asociației „Lumea Artei”. UN. Benois și șaptesprezece artiști cu el au părăsit „Uniunea Artiștilor Ruși” și au creat o societate independentă sub numele deja cunoscut. Membrii săi au fost L.S. Bakst, eu. Bilibin, O.E. Braz, I. E. Grabar, G.I. Narbut, M.V. Dobuzhinsky, B.M. Kustodiev, E.E. Lansere, A..L. Ober, A.P. Ostroumova-Lebedeva, N.K. Roerich, V.A. Serov, K.A. Somov, N.A. Tarhov, Ya.F. Zionglinsky, S.P. Yaremich. Noua asociație a desfășurat o activitate expozițională activă în Sankt Petersburg-Petrograd și în alte orașe ale Rusiei. Principalul criteriu de selecție a lucrărilor pentru expoziții a fost proclamat „deprindere și originalitate creativă”. O asemenea toleranță a atras mulți artiști talentați în expoziții și în rândurile asociației. Asociația a crescut rapid. I s-a alăturat B.I. Anisfeld, K.F. Bogaevsky, N.S. Goncharova, V.D. Zamirailo, P.P. Konchalovsky, A.T. Matveev, K.S. Petrov-Vodkin, M.S. Saryan, Z.E. Serebryakova, S.Yu. Sudeikin, P.S. Utkin, I.A. Fomin, V.A. Shuko, A.B. Shchusev, A.E. Yakovlev și alții.Numele lui I.I. Brodsky, D.D. Burliuk, B.D. Grigorieva, M.F. Larionova, A.V. Lentulova, I.I. Mashkova, V.E. Tatlin, R.R. Falka, M.Z. Chagall și alții.

Este clar că atitudinile creative diferite, uneori direct opuse, ale participanților nu au contribuit la unitatea artistică atât a expozițiilor, cât și a asociației în sine. De-a lungul timpului, acest lucru a dus la o scindare serioasă a asociației. Ultima expoziție a „Lumea artei” a avut loc în 1927 la Paris.

Asociația „World of Art” nu a fost un fenomen întâmplător în arta rusă, ci condiționat istoric. Așa a fost, de exemplu, părerea lui I.E. Grabar: „Dacă nu ar exista Diaghilev, inevitabil ar apărea arta acestui ordin”.

Referitor la problema succesiunii cultura artistica, spunea Diaghilev în 1906: „Tot prezentul și viitorul rusului artă plastică se va hrăni cumva cu aceleași precepte pe care Lumea Artei le-a luat dintr-un studiu atent al marilor maeștri ruși încă de pe vremea lui Petru.

UN. Benois a scris că tot ceea ce a făcut lumea artei „nu a însemnat deloc” că „s-au rupt de tot trecutul”. Dimpotrivă, a susținut Benois, nucleul însuși al lumii artei „a reprezentat reînnoirea multor tradiții, atât tehnice, cât și ideologice, ale artei ruse și internaționale”. Și mai departe: „... ne-am considerat în mare măsură reprezentanți ai acelorași căutări și aceleași metode creative pe care le-am prețuit la portretiştii secolului al XVIII-lea, la Kiprensky, la Venetsianov, la Fedotov, de asemenea. ca în maeștri remarcabili direct generația care ne-a precedat - în Kramskoy, Repin, Surikov.

V.E. Makovski, celebru Rătăcitor, într-un interviu acordat unui jurnalist, a spus: „Ne-am făcut treaba<...>Suntem citați în mod constant ca exemplu de Uniunea Artiștilor Ruși și Lumea Artei, unde se presupune că acum sunt concentrate toate cele mai bune forțe ale picturii rusești. Dar cine sunt ei, aceste forțe cele mai bune, dacă nu propriii noștri copii?<...>De ce ne-au părăsit? Da, pentru că s-au simțit înghesuiti și au decis să-și întemeieze noua societate.

În opera Lumii Artei, această continuitate a celor mai bune tradiții ale Rătăcitorilor s-a manifestat în timpul revoluției din 1905. Majoritatea artiștilor din „Lumea artei” s-au alăturat luptei împotriva țarismului, participând activ la lansarea publicațiilor de satiră politică.

K.S. Petrov-Vodkin scria în 1923 în memoriile sale din Lumea artei: „Care este farmecul lui Diaghilev, Benois, Somov, Bakst, Dobuzhinsky? Astfel de constelații de grupuri umane apar la granițele punctelor de cotitură istorice. Ei știu multe și poartă cu ei aceste valori ale trecutului. Ei știu să extragă lucruri din praful istoriei și, reînviindu-le, să le dea un sunet modern... Lumea Artei și-a jucat cu brio rolul istoric.” Și într-un alt loc al acelorași memorii: „Când îți amintești cum în urmă cu douăzeci de ani, în mijlocul miasmei decadenței, în mijlocul prost-gustului istoric, al întunericului și al nămolului picturii, Serghei Diaghilev și tovarășii săi și-au echipat corabia, cum atunci noi, tinerii bărbați, și-au luat aripi împreună cu ei, sufocându-se în obscurantismul care ne înconjura - amintiți-vă de toate acestea, spuneți: da, bravo, băieți, ne-ați adus în prezent pe umerii voștri.

N. K. Roerich a afirmat că „Lumea artei” a fost cea care „a ridicat steagul noilor cuceriri ale artei”.

Reamintind îndepărtatul anilor 1900 pe versantul vieții ei, A.P. Ostroumova-Lebedeva a scris: „Studenții World of Art au ales și au invitat tineri artiști în societatea lor când au observat în ei, pe lângă talent, o atitudine sinceră și serioasă față de artă și față de artă. munca lor<...>Lumea artei a avansat cu insistență principiul „meșteșugului în artă”, adică a dorit ca artiștii să realizeze picturi cu o cunoaștere completă și detaliată a materialelor cu care au lucrat și să aducă tehnica la perfecțiune.<...>În plus, toți au vorbit despre necesitatea creșterii culturii și gustului în rândul artiștilor și nu au negat niciodată temele din picturi și, prin urmare, nu au lipsit artele plastice de proprietățile sale inerente de agitație și propagandă. Concluzia lui Ostroumova-Lebedeva a fost foarte clară: „Este pur și simplu imposibil să distrugi semnificația societății Lumea Artei și să o negăm, de exemplu, așa cum fac istoricii de artă în țara noastră din cauza principiului „arta de dragul artei”.

CE FACI. Yuon a remarcat: „Lumea artei” a indicat un tărâm virgin neatins, cu diverse mijloace de exprimare artistică. El a încurajat totul pe pământ și național...”. În 1922, A. M. Gorki a definit această concentrare de talente remarcabile drept „un întreg trend care a reînviat arta rusă”.

LA Rusia modernă Tradițiile Lumii Artei sunt susținute în mod adecvat de revistele Lumea Nouă a Artei, Epoca de Aur, Patrimoniul nostru.

Revista de artă „New World of Art” există din ianuarie 1998. A fost concepută de editorul său Y. Kalinovsky ca o revistă de artă. Conceptul revistei este căutarea unui nou ton, a unui mod de a exprima impresia Arte vizuale limbaj literar. Printre angajați sunt mulți poeți, scriitori, filologi. Revista trasează o linie de percepție izolată, „pură” a obiectului de artă, separându-l de personalitatea autorului, reprezentând autosuficiența obiectului de artă.

A fost format un comitet editorial informal al revistei, un consiliu de autori, care include Arkady Ippolitov, Mihail Zolotonosov, Serghei Daniel, Nikolai Kononov. Revista se bazează pe autori tineri (mai mult de 70 la sută dintre ei). Extinderea domeniului experimentului artistic și literar, jurnalul angajează autorii să lucreze cu subiecte care înainte nu erau caracteristice pentru ei.

Jurnalul există ca editură. Afișe și un număr special pentru expoziția „Atelierele din Petersburg. XX”, expoziții ale sculptorului D.Kaminker, o carte de poezii de A.Belle și alții.

Una dintre activitățile revistei, precum și a revistei „World of Art”, este organizarea de diverse evenimente creative. În ianuarie 1998, personalul revistei s-a întâlnit cu inteligența creativă din Sankt Petersburg în Muzeul Dostoievski. În vara aceluiași an, prezentarea celui de-al treilea număr, primul tipărit în Rusia (înainte de aceasta, tipărirea se făcea în Finlanda), a avut loc în galeria „L” din Moscova. În toamna anului 1998, acțiunea Defile a avut loc în Palatul Elagin (Sankt Petersburg): actorii Teatrului Farsy s-au plimbat de-a lungul podiumului, folosind picturile ca un fel de anturaj al spectacolului teatral. Apoi publicului i s-au arătat artiștii care s-au demonstrat pe podium după lucrările lor. În iulie 1999, sub patronajul revistei din Sankt Petersburg, Muzeul Non-conformismului a găzduit expoziția Bad Art. În septembrie, în magazinul „Anglia” a avut loc o „Acțiune ceai”.

In acest termen de hârtie s-a avut în vedere crearea unei asociații de artiști „World of Art” și a revistei „World of Art”; conceptul revistei și principiile publicării acesteia; rolul și semnificația revistei „Lumea artei” în viața culturală a Rusiei.

Revista World of Art a fost fondată în 1898 și a existat până în 1904. Un rol important în crearea și activitățile revistei l-a jucat organizatorul și redactorul șef Serghei Diaghilev. În diferite momente, majoritatea covârșitoare a artiștilor ruși de top de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea au luat parte la lucrările revistei. Toți au fost uniți de protestul împotriva artei oficiale promovate de Academie și a naturalismului Rătăcitorilor.

The World of Art a fost prima revistă de artă al cărei caracter și direcție au fost determinate de artiști înșiși. Redactorii au informat cititorii că revista va lua în considerare lucrările maeștrilor ruși și străini „din toate epocile istoriei artei, în măsura în care aceste lucrări prezintă interes și semnificație pentru conștiința artistică modernă”.

Spre deosebire de publicațiile similare, care publicau în principal doar mesaje despre viața artistică, revista a început să publice în mod sistematic articole despre maeștrii picturii ruși și europeni. Revista a produs publicații interesante și detaliate despre diferite perioade ale artei rusești și s-a remarcat prin performanțe excelente de tipărire. În cursul activității sale, în jurnal a apărut un departament literar, în care au fost publicate în mod repetat articole despre marii reprezentanți ai culturii mondiale.

Expozițiile de artă organizate de World of Art au avut un mare succes. Expozițiile „Lumea artei” au introdus în detaliu societatea rusă, la fel ca și lucrările artiști străini, și stăpâni domestici cunoscuți; precum și cu lucrările artiștilor ruși emergenti care nu au obținut încă recunoașterea.

Treptat, dezacordurile care au domnit în cadrul grupului World of Art au dus la dezintegrarea atât a mișcării, cât și a revistei, care a încetat să mai existe la sfârșitul anului 1904.

Asociația „Lumea artei” nu a fost un fenomen întâmplător, ci determinat istoric în arta rusă, ceea ce este confirmat de declarațiile diverșilor oameni faimosi acel timp. În Rusia modernă, tradițiile din lumea artei sunt susținute în mod adecvat de revistele New World of Art, Golden Age, Our Heritage.

1. Asafiev B. Pictura rusă. L.–M.: Art, 1966.

2. Benois A. Apariția „Lumii artei”. L.: 1928.

3. Diaghilev S. Note autobiografice. M.: 1989.

4. Lapshina N.P. „Lumea artei”. M., 1977.

5. Petrov V.N. „Lumea artei”. M., 1975.

6. Sakharova E.V. Polenov B. Cronica unei familii de artiști. M.: Art, 1964.