Istoria picturii A început când o persoană a înfățișat pentru prima dată ceva pe prima suprafață care i-a apărut cu ajutorul vopselei. Cel mai probabil, acest lucru s-a întâmplat chiar înainte de a se realiza pe deplin ca bărbat. Și din moment ce omenirea s-a dezvoltat, a fost însoțită de pictură, atunci a descrie întreaga istorie a picturii într-un articol scurt este o sarcină a cărei complexitate se limitează la imposibil. Prin urmare, acest articol nu pretinde în niciun fel să acopere istoria mondială a picturii. Scopul nostru modest va fi atins dacă următoarele vor trezi în cititor un interes sincer, pe care îl poate satisface cu ajutorul unei varietăți de literatură disponibilă.

Pictura

Cu toate acestea, înainte de a înțelege suișurile și coborâșurile istoriei, să aflăm ce este pictura.

TSB oferă următoarea definiție:

Pictură, - vedere Arte vizuale, opere de artă, care sunt create folosind vopsele aplicate pe orice suprafață solidă.

Dicționarul explicativ al limbii ruse Ushakov este scurt:

Pictura este arta de a reprezenta obiecte cu culori.

Micul dicționar enciclopedic al lui Brockhaus și Efron, dimpotrivă, este verbos:

Pictura este arta de a înfățișa obiecte la suprafață cu vopsele, cu scopul de a impresiona privitorul asemănător cu cel pe care l-ar primi de la obiectele reale ale naturii, și prin totalitatea și natura obiectelor reprezentate pentru a evoca o anumită stare de spirit în privitor sau exprima orice idee artistică.

Ei bine, dacă nu intrați în detalii (și nu vorbiți despre asta cu criticii de artă), atunci pictura este tot ceea ce este reprezentat cu vopsele pe ceva solid și reprezentând cel puțin un fel de valoare artistică. Ultima clauză spune că obscenitatea pictată pe gard, vai, nu poate fi considerată pictură.

petroglife

După cum am spus la început, pictura a apărut în momentul în care prima umanitate a înfățișat pentru prima dată ceva pe o suprafață solidă. Deoarece la începutul dezvoltării lor oamenii locuiau în peșteri și stânci, acolo au fost realizate primele lucrări de pictură, folosind mijloace improvizate.

Astfel de imagini sunt numite artă rupestre sau petroglife. Tehnica artiștilor primitivi poate părea primitivă, dar, pe de altă parte, nu trebuie uitat că cei care le-au pictat ar putea fi foarte bine strămoșii homo sapiens și, prin urmare, arta rock este și un exemplu de evoluție umană. Coloranții minerali au fost folosiți ca vopsele - în principal ocru multicolor și oxizi de mangan.

Petroglifele se reflectă într-o varietate de subiecte, de la vânătoare la motive rituale și memoriale. Cele mai comune imagini cu animale.

1. Arta rupestre Spania, pestera Altamira

Pictura din Egiptul Antic

Cu toate acestea, pe măsură ce timpul a trecut și s-a dezvoltat societatea umana. Următoarea etapă de dezvoltare după cea primitivă a fost civilizația egipteană antică, care a adus o contribuție neprețuită la istoria mondială a picturii.

O caracteristică izbitoare a picturii Egiptului Antic a fost devotamentul față de tradițiile strămoșilor și aderarea la anumite principii artistice. Istoria picturii Egiptul antic a fost în mare parte influențat de religie. Mai mult decât atât, este în general dificil să se separe arta din acea vreme de religie, iar majoritatea monumentelor supraviețuitoare ale picturii egiptene au avut un scop religios. Prin urmare, autorii lor au trebuit să urmeze anumite canoane stabilite, care proveneau dintr-o serie de convenții ale artei primitive.

Exemple în acest sens sunt imaginile cu obiecte și animale care nu sunt invizibile nici pentru privitor, nici pentru artist, dar care pot fi prezente cu siguranță într-o anumită scenă (de exemplu, pești și crocodili sub apă); o imagine a unui obiect folosind o enumerare schematică a părților sale (frunze de copaci sub forma unui set de frunze aranjate convențional sau penaj de păsări sub formă de pene individuale); o combinație în aceeași scenă de imagini cu obiecte luate din unghiuri diferite (de exemplu, o pasăre a fost înfățișată în profil, iar coada este deasupra; figura umană are un cap în profil, un ochi în față, umerii și brațele în față și picioare în profil) .

Desigur, existența unui sistem atât de strict de canoane a necesitat crearea a ceea ce, în câteva mii de ani, s-ar numi „manual al artistului”. Și astfel de dovezi scrise au ieșit la iveală. Totuși, mai târziu respectarea canoanelor a jucat un rol conservator, inhibitor, împiedicând dezvoltarea tendințelor realiste.

2. Un fragment din pictura mormântului lui Tutankamon. Egipt, cca 1450 î.Hr

Pictura din Grecia Antică

Timpul a trecut, iar civilizația egipteană a căzut în decădere. După cum toată lumea își amintește foarte bine, a fost înlocuită cu greaca veche, iar acest lucru nu a putut decât să afecteze istoria picturii mondiale.

Specificul artei grecești antice constă parțial în faptul că grecii preferau să folosească produse ceramice pentru pictură. Prin urmare, adesea pictura greacă veche este numită și pictură în vază.

Grecii antici au avansat mult în direcția picturii realiste. Arta clarobscurului descoperită de ei a făcut posibilă umplerea lucrărilor picturii cu un volum și o senzualitate fără precedent și a avut o mare influență asupra istoriei dezvoltării picturii.

Primul care a folosit noua tehnică a fost Apolodor din Atena, pentru care i s-a dat porecla Scriitorul de umbre. A fost urmat de alți pictori celebri care au aplicat această tehnică: Zeuceis, Parrhasius și Timanf. Lucrarea lor, în comparație cu grafica obișnuită, este plină de emoție, cu toate acestea, în ciuda acestui fapt, pictura monumentală nu a primit o asemenea distribuție precum pictura în vază.

Tehnica picturii în vază a fost destul de simplă: obiectele de lut erau acoperite cu ornamente și diverse subiecte. Inițial s-a folosit doar stilul figurilor negre, care consta din imagini negre pe fond roșu (lut copt). Mai târziu, a apărut un stil cu figuri roșii (lac negru), în care fundalul dintre picturi a fost aplicat cu lac negru, iar figurile în sine au rămas de culoarea lutului pe care a fost înfățișat totul.

Toate desenele erau plane, cu caracter grafic. Desenele de pe vaze ne extind înțelegerea artei grecești, a interioarelor, a vieții de zi cu zi, a costumelor oamenilor și a particularităților de a vedea lumea.

3. Pictura cu amforă attică cu figuri negre din Roma Antică.

Vorbind despre istoria mondială a picturii, este imposibil să nu vorbim despre arta Romei Antice.

Natura agresivă a politicii romane a dus la faptul că tradițiile artistice ale multor popoare s-au împletit în arta romană antică. În plus, spre deosebire de greci, romanii pragmatici erau mai prozaici în privința artei. O caracteristică a artei Romei este cea mai strânsă legătură cu viața.

Odată cu transferul de accent pe interior și apariția camerelor de ceremonie în casele și vile romane, un sistem de picturi murale extrem de artistice s-a dezvoltat pe baza tradiției grecești. Picturile pompeiene introduc principalele caracteristici ale frescelor antice. Romanii foloseau pictura și pentru decorarea fațadelor, folosindu-le ca semne pentru spații comerciale sau ateliere de meșteșuguri. În istoria picturii, picturile pompeiene sunt de obicei împărțite în 4 grupe, numite condiționat stiluri. Primul stil, incrustat, larg răspândit în secolul al II-lea. î.Hr e. Imită placarea pereților cu pătrate de marmură multicoloră sau jasp.

Din anii 1980 î.Hr e. a fost folosit al doilea stil - arhitectural și promițător. Pereții au rămas netezi și au fost împărțiți de coloane, pilaștri, cornișe și portice executate pitoresc - iluzoriu. Interiorul a căpătat splendoare datorită faptului că o compoziție mare cu mai multe figuri a fost adesea plasată între coloane, reproducând în mod realist comploturi pe teme mitologice din lucrările unor artiști greci celebri. Atracția față de natură inerentă romanilor i-a determinat să reproducă iluzoriu peisaje pe scene folosind perspective liniare și aeriene și, prin urmare, să extindă spațiul interior al încăperii.

Al treilea stil, oriteizing, este caracteristic epocii imperiului. Spre deosebire de splendoarea celui de-al doilea stil, al treilea stil se distinge prin rigoare, grație și simțul proporției. Compoziții echilibrate, ornament liniar, pe un fundal luminos, subliniază planul peretelui. Uneori iese în evidență câmpul central al zidului, unde sunt reproduse picturile unui maestru antic celebru.

Al patrulea stil decorativ se răspândește la mijlocul secolului I. ANUNȚ Cu splendoarea și decorativitatea soluției spațiale și arhitecturale, el continuă tradiția celui de-al doilea stil. În același timp, bogăția motivelor ornamentale amintește de picturile murale din al treilea stil.

4. Frescă romană antică.

Istoria picturii ruse

Vorbind despre istoria dezvoltării picturii, nu se poate să nu menționăm pictura rusă. Cercetătorii cred că rădăcinile picturii rusești se află în tradiția poporului slav de est, care era bine cunoscut în Europa în secolul al VI-lea. Și se numea ante.

Ca toate celelalte state ale Europei, în a doua jumătate a secolului al XI-lea, Rusia a cunoscut o perioadă de fragmentare națională și atunci arta rusăși-a dobândit unic trăsături de caracter. Artă Rusia Kievană a fost de ajuns nivel inalt, cu toate acestea, cu greu poate fi numită originală, deoarece, fiind botezat în secolul al X-lea, prințul Vladimir a împrumutat în același timp tradițiile artistice ale Bizanțului, care s-au împletit în mod complex cu principiile artistice păgâne. Desigur, slavii estici aveau o cultură foarte dezvoltată și, prin urmare, tradițiile bizantine s-au schimbat rapid în conformitate cu rușii originari.

Arta rusă propriu-zisă s-a dezvoltat din arta bizantino-rusă a Rusiei Kievene. Mai mult, s-a dezvoltat ca artă a principatelor individuale care s-au separat de ținuturile Galice-Volyn, Rostov-Suzdal și Novgorod. Până în secolul al XII-lea, arta rusă poate fi considerată pe deplin formată. Din păcate, dezvoltarea picturii rusești a fost serios încetinită din cauza jugului greu tătar, care a durat mai bine de trei sute de ani.

O nouă ascensiune în istoria picturii ruse a început în secolul al XV-lea, când majoritatea ținuturilor s-au unit în jurul Moscovei. Această epocă este adesea numită epoca de aur a artei antice rusești. În acest moment, au fost create lucrări care au devenit exemple clasice ale școlii de la Moscova. Dezvoltarea culturii ruse a avut loc pe o cale comună țărilor europene. Atât în ​​Apus, cât și în Răsărit, pictura a fost, în primul rând, pictură bisericească, deci, în primul rând, a fost pictura icoană și pictura monumentală - fresce.

Pictura icoanelor rusești a moștenit tehnicile maeștrilor bizantini. În același timp, propriile lor tradiții s-au născut în Rusia. Icoanele rusești nu erau simple imitații, ci aveau propriul stil, iar maeștri precum Andrei Rublev au ridicat nivelul picturii icoanelor la noi culmi.

Primele portrete realiste au apărut în Rusia în secolul al XVII-lea; la mijlocul până la sfârșitul secolului al XVIII-lea, în Rusia au apărut pictori importanți precum Levitsky și Borovikovsky.

De atunci, istoria picturii ruse a urmat tendințele globale. Artiști marcanți prima jumătate a secolului al XIX-lea au fost Kiprensky, Bryullov, Ivanov („Apariția lui Hristos către oameni”).

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, pictura realistă a înflorit. A fost fondată Asociația creativă a artiștilor ruși „Asociația Călătorilor”. Expoziții de artă(The Wanderers), care includea artiști atât de mari precum Vasnetsov, Kramskoy, Shishkin, Kuindzhi, Surikov, Repin, Savrasov.

5. Tabloul lui Vasnețov „Bogatyrs”.

Desigur, istoria artei nu se limitează la ceea ce am spus noi. Timpul a trecut și istoria s-a schimbat. S-a dezvoltat civilizația umană și odată cu ea s-a dezvoltat și pictura. Evul Mediu, Renaștere, Reforma, Nou și Cel mai nou timp a adus multe stiluri și tendințe noi în pictură. Din fericire, există acum o mare cantitate de literatură în care se poate găsi o relatare detaliată a fiecăreia dintre aceste mari epoci.

http://www.vlasta-tula.ru/articles/show-15.htm

Pictura a apărut în epoca paleoliticului târziu (acum 40-8 mii de ani). S-au păstrat picturi rupestre (în peșterile Font-de-Gaume din sudul Franței, Altamira din nordul Spaniei etc.), umplute cu culori pământii (roșu, galben și maro ocru, umbriu), funingine neagră și cărbune folosind bețe despicate. , bucăți de blană și doar degete; Au fost create imagini veridice, expresive, dinamice ale animalelor individuale și apoi scene de vânătoare. Picturile paleolitice conțin atât imagini cu siluetă liniară, cât și modelare simplă, dar elementul de compoziție este încă slab exprimat în el. Ideile mai dezvoltate, mai abstract generalizate despre lume s-au reflectat în pictura abstractă, ritmică a neoliticului (picturi din Valtorta, Spania). în imaginile neolitice, legate conștient de cicluri narative, apare o persoană.

Pictura societății sclavagiste avea un sistem figurativ deja dezvoltat, mijloace tehnice bogate; vopselele (pământ - galben, roșu și maro; minerale - albastru și albastru deschis) au fost aplicate într-un strat uniform pe pământ alb; au apărut lianți (albumină, cazeină, glutină, rășini de gumă), perii de păr.

În despotismele răsăritene ( Egiptul anticși alte state), în America antică exista pictura monumentală (pictura de morminte, mai rar - clădiri), asociată de obicei cu cultul funerar și purtând un caracter narativ detaliat; locul principal era ocupat de o reprezentare generalizată și adesea schematică a unei persoane. Canonizarea strictă a imaginilor inerentă acestui gen de pictură, precum și particularitățile compoziției și corelarea figurilor, au reflectat ierarhia rigidă care a predominat în societatea de sclavi. Pictura antică poseda și calități decorative; prin planeitatea sa, această pictură a subliniat suprafața peretelui. Pictura mormintelor egiptene antice a atins un nivel deosebit de ridicat de perfecțiune (picturi viata de apoi, inclusiv scene domestice și de luptă, imagini animale) cu ritmul său muzical și claritatea compoziției, rafinamentul liniilor.

În antichitate, pictura acționează încă în sinteză cu arhitectura și sculptura, servind împreună cu acestea nu numai scopurilor de cult, ci și laice; se întâmplă (în special Grecia antică) conștientizarea semnificației sociale (inclusiv morale și educaționale) a picturii, precum și a întregii arte în general. Treptat, se dezvăluie noi posibilități specifice ale picturii, oferind o reflectare mai amplă a realității în termeni de teme decât sculptura, luptă pentru o întruchipare senzuală plină de sânge a lumii. Pictura antică, cu claritatea sa plastică a formei, se caracterizează fie prin imagini de contur plane, fie tridimensionale, precum și prin scriere amplă, liberă, o reprezentare exactă a obiectelor și parțial a spațiului; paleta de culori pe măsură ce dezvoltarea picturii s-a extins și s-a îmbogățit; a apărut pictura tonală, care a existat concomitent cu pictura cu culoare locală. În antichitate, se nasc principiile clarobscurului, variante deosebite ale perspectivei liniare și aeriene. Odată cu scenele mitologice, cotidiene și istorice, au fost create peisaje, portrete, naturi moarte. Pictura monumentală și decorativă (frescuri și mozaicuri păstrate la Pompei, Herculaneum, Paestum, Kazanlak, regiunea nordică a Mării Negre), care împodobeau temple, locuințe, morminte, stătea, a ajuns la o schimbare iluzorie a spațiului arhitectural și a formelor arhitecturale ca urmare a unei dezvoltare îndelungată. O frescă antică (pe tencuială multistrat cu un amestec de praf de marmură în straturile superioare) avea o suprafață lucioasă, lucioasă. În Grecia antică, pictura de șevalet (pe plăci, mai rar pe pânză), care nu a supraviețuit până în zilele noastre, a apărut în principal în tehnica encaustică (vezi Pictura în ceară; vopselele cu lipici și tempera erau mai rar utilizate), ceea ce a făcut posibilă sculptați expresiv volumele; vreo idee despre antic pictura de șevalet da portrete Fayum.

În Evul Mediu, în Europa de Vest, Bizanț, Rusia, Caucaz și Balcani, care s-au dezvoltat în principal în conformitate cu ideologia creștină ecleziastică, au fost create imagini religios-ascetice pline de expresie spirituală. În ciuda canonizării stricte a imaginilor, reprezentările populare (de exemplu, în Rusia în icoanele și frescele lui Teofan Grecul, Andrei Rublev și Dionysius) și observațiile individuale (adesea naive) și-au găsit un ecou în pictura medievală. Principalele tipuri de pictură sunt frescă (atât pe tencuială uscată, cât și pe cea umedă, adesea aspră, aplicată pe piatră sau cărămidă), pictura cu icoane (icoanele au fost pictate pe scânduri grunduite în principal în tempera de ou, care a determinat în principal interpretarea plană a formelor) și miniaturi.în manuscrise (pe pergament amorsat sau hârtie; executat cu tempera, acuarelă, guașă, lipici și alte vopsele); succesiunea execuției, tipul imaginii, compoziția, colorarea - toate acestea au fost reglementate. Realizate cu grija inerentă lucrărilor de artizanat, icoanele, picturile murale (sub rezerva diviziunilor arhitecturale și planul peretelui), precum și mozaicurile, vitraliile, împreună cu arhitectura, formau un singur ansamblu în interioarele bisericilor. Emoționalitatea și decorativitatea crescută a picturii medievale se datorează exprimării culorii sonore, saturate și liniei ritmice accentuate, precum și expresivității contururilor clare; formele în pictura medievală sunt plane, stilizate, fundalul este abstract, adesea auriu; există și metode condiționate de modelare a volumelor, parcă proeminente pe un plan pitoresc, lipsit de adâncime. Un rol semnificativ l-a jucat simbolismul compoziției și al culorii (de exemplu, în pictura vest-europeană, albastrul este culoarea Maicii Domnului). In moara I. e. pictura monumentală (cu vopsele adezive pe gips alb sau grund de var pe sol argilos-pai) a cunoscut o creștere mare în țările din Asia de Vest și Centrală, în India, China și Ceylon. În epoca feudală în Mesopotamia, Iran, India, Asia Centrală, Azerbaidjan, Turcia s-a dezvoltat arta miniaturii decorative plane, atrăgând atât prin colorat subtil, eleganță a ritmului ornamental, cât și strălucirea observațiilor individuale ale vieții. Pictura din Orientul Îndepărtat cu cerneală, acuarelă și guașă pe suluri de mătase și hârtie - în China, Coreea, Japonia - s-a remarcat prin poezie profundă, vigilență uimitoare a viziunii oamenilor și a naturii, concizia șlefuită de-a lungul secolelor de stil de pictură, cel mai fin. transmiterea tonale a perspectivei aeriene.

LA Europa de Vestîn Renaștere se afirmă principiile unei noi arte umaniste iubitoare de viață, bazate pe o viziune antifeudală asupra lumii, redescoperind și cunoscând iscoditor lumea pământească, materială, impregnată de spiritul antropocentrismului burghez timpuriu; din această cauză, rolul picturii crește, dezvoltând un sistem de mijloace pentru o reprezentare realistă a realității. Realizările individuale ale picturii renascentiste au fost anticipate în secolul al XIV-lea. Pictorul italian Giotto. studiu științific perspective, optică și anatomie, utilizarea tehnicii picturii în ulei îmbunătățită de J. van Eyck (Olanda) a contribuit la dezvăluirea largă a posibilităților inerente naturii picturii; formele volumetrice sunt reproduse convingător în pictură (cu ajutorul modelării luminii și umbrelor) în unitate cu spațiul adânc (desfășurat în spatele planului pitoresc distrus vizual) și mediul luminos, bogăția de culoare a lumii este stăpânită. O frescă a cunoscut o nouă perioadă de glorie, extinzând uneori vizual interiorul unui palat sau al unei biserici, dar a căpătat importanță și pictura de șevalet, care, totuși, a păstrat o unitate decorativă cu mediul obiectiv din jur. Sentimentul armoniei universului, fascinația pentru prospețimea detaliilor individuale luminoase ale vieții, interesul pentru o persoană reală, activitatea spirituală a imaginilor sunt caracteristice compozițiilor pe teme religioase și mitologice, portrete, scene domestice și istorice, imagini de nuduri. Tempera a fost înlocuită mai întâi de o tehnică combinată (glazura și prelucrarea detaliilor cu ulei pe un strat de tempera), iar apoi de o pictură cu lac în ulei cu mai multe straturi perfectă din punct de vedere tehnic, fără tempera. Alături de pictura netedă, detaliată, pe scânduri cu fond alb (caracteristică artiștilor școlii olandeze), școala venețiană de pictură dezvoltă tehnicile picturii libere, late, păstoase pe pânză cu baze colorate. Concomitent cu pictura în culori locale, adesea luminoase, cu model clar, s-a dezvoltat și pictura tonală (în școala venețiană, care a relevat subtil și divers bogăția posibilităților coloristice ale picturii). Cei mai mari pictori ai Renașterii - Masaccio, Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto în Italia, J. van Eyck, P. Brueghel în Țările de Jos, A Durer, X Holbein cel Tânăr, M. Nithardt (Grunewald) în Germania.

În secolele 17-18. procesul de dezvoltare a picturii europene devine mai complicat. Puse una peste cealaltă şcoli naţionaleîn Franța (J. Latour, F. Champigne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. Chardin, O. Fragonard, J. L. David), în Italia (M. Caravaggio, D. Fetti, P. da Cortona, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi, F. Guardi), Spania (El Greco, D. Velasquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Flandra (P. P. Rubens , J. Jordans, A. van Dyck, F. Snyders), Olanda (F Hale, Rembrandt, J. Vermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), Anglia (T. Gainsborough, W. Hogarth), Rusia (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky). Există o luptă intensă de curente, idei progresiste și reacţionare, tendințe avansate împotriva academicismului, diferite sisteme stilistice de pictură coexistă, proclamă noi idealuri sociale și civice, apelează la o imagine mai detaliată și mai exactă. viata realaîn mișcarea și diversitatea sa, în special în mediul cotidian al unei persoane (peisaj, interior, obiecte de uz casnic); problemele psihologice se adâncesc, interacțiunea conflictuală a individului și a lumii este realizată și întruchipată. În secolul al XVII-lea sistemul de genuri s-a extins și a prins clar contur. În secolele 17-18. pictura monumentală și decorativă înflorește (mai ales în stilul baroc), existând în strânsă unitate cu sculptura și arhitectura și creând, adesea cu ajutorul efectelor iluzionistice, un mediu emoțional care afectează intens o persoană. În același timp, rolul picturii de șevalet a crescut.

Complicarea problemelor picturii, abundența sarcinilor cu care se confruntă ea, diferențierea de clasă și de clasă a viziunii asupra lumii a dus la formarea unor sisteme picturale variate, ca având trăsături stilistice comune (bogată emoțional, pictură barocă dinamică, cu o caracteristică deschisă). , compoziție în spirală; pictura strict echilibrată a clasicismului cu cultul ei al unui model clar, strict, clar, predominanța unui principiu volumetrico-chiaroscuro asupra culorii, localitatea culorii; pictura rococo cu jocul ei al celor mai rafinate și fluide nuanțe. de culoare, tonuri deschise și decolorate) și nu se încadra în niciun cadru stilistic specific. Luptând pentru cea mai fină reproducere a strălucirii lumii, a mediului lumină-aer, mulți artiști au îmbunătățit sistemul picturii tonale.Toate acestea au determinat o individualizare accentuată a metodelor tehnice care au predominat în secolele 17-18. pictură în ulei multistrat. În același timp, picturile erau adesea realizate simultan de mai mulți artiști specializați în anumite motive picturale. Creșterea picturii de șevalet și nevoia crescută de lucrări concepute pentru contemplarea intimă a dus la dezvoltarea unor tehnici de pictură mai intime, subtile și mai ușoare - pastel, acuarelă, cerneală și diferite tipuri de miniaturi portret. În secolul 19 noi școli naționale de jurnalism prind contur în Europa (în țările balcanice) și în America. Relațiile dintre pictura europeană și alte părți ale lumii se extind, unde experiența picturii realiste europene și realizările formale individuale primesc propria lor interpretare, adesea pe baza tradițiilor locale străvechi (în India, China, Japonia și alte țări) . Pictura europeană este influențată și de arta țărilor non-europene (în principal Japonia și China), ceea ce se reflectă în reînnoirea anumitor metode de organizare decorativă și ritmică a planului pictural. În secolul 19 pictura este mai amplă și mai profundă decât alte tipuri de artă plastică, rezolvă probleme complexe și urgente de viziune asupra lumii, joacă un rol activ în viața publică, fiind adesea asociată cu mișcările de eliberare socială și națională; important în pictura secolului al XIX-lea. a dobândit o critică ascuțită a realității sociale. Totodată, pe tot parcursul secolului al XIX-lea. canoanele academice, idealizarea abstractă a imaginilor, au fost cultivate oficial în pictură, au apărut tendințe naturaliste care ignorau specificitatea, exprimarea independentă. mijloace de exprimare pictura. În lupta împotriva acestor tendințe, împotriva raționalismului și abstractității picturii oficiale de salon-academice, pictura romantismului se dezvoltă cu intensitatea ei emoțională, interesul activ pentru evenimentele dramatice ale istoriei și modernității, manifestarea unor puternice pasiuni umane, energia a limbajului pictural, dinamica construcțiilor, contrastul luminii și umbrei, culoarea de saturație (T. Gericault, E. Delacroix în Franța; în multe feluri O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov în Rusia). Respingând idealurile clasice ale perfecțiunii armonice, el ajunge la o descriere vizuală mai completă, concret de încredere, deseori accentuată a vieții vieții realiste, bazată pe observația directă. fenomene caracteristice realitatea (G. Courbet, J. F. Millet, O. Daumier, K. Corot, maeștri ai școlii Barbizon din Franța; J. Constable în Anglia; A. Menzel, V. Leibl în Germania; A. G. Venetsianov, P. A. Fedotov în Rusia). Zh. realismul democratic arată pe scară largă viața și munca oamenilor, lupta lor pentru drepturile lor, se referă la cele mai importante evenimente ale istoriei, creează imagini vii, aprofundate din punct de vedere psihologic oameni normaliși personalități publice de top; în multe țări, apar școli de peisaje naționale realiste. Strâns legată de etapa burghezo-democratică, Rus. mișcarea revoluționară Zh. Rătăcitori și artiști apropiați - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin, I. I. Levitan.

Pentru întruchiparea vie a lumii înconjurătoare în naturalețea și imediata ei, variabilitatea constantă vine la începutul anilor 1870. Impresionismul (pictură de C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley și parțial de E. Manet și E. Degas în Franța), depășind convenționalitatea și negrumul culorii care predomina în pictură în acei ani și actualizarea tehnicii și metodelor de organizare a suprafeței picturale, dezvăluind frumusețea culorii pure, pitorescul tremurător, efectele texturale. În secolul 19 în Europa, pictura de șevalet în ulei domină, decorativ și mai puțin decât înainte, asociată cu mediul obiectului. Tehnica picturii în ulei dobândește în multe cazuri un caracter viu individual, liber, dar își pierde treptat minuțiozitatea anterioară, sistematicitatea strictă și multi-stratificația; durabilitatea lucrărilor lui Zh. este în scădere (ceea ce a fost facilitat și de răspândirea noilor vopsele fabricate în fabrică pentru a înlocui vopselele realizate manual utilizate anterior); paleta se extinde (se creează noi pigmenți și lianți); în locul solurilor de culoare închisă, caracteristice secolului al XVIII-lea, încă de la începutul secolului al XIX-lea. se introduc din nou soluri albe. Ca și alte tipuri de artă monumentală (arhitectură, sculptură), pictura monumentală și decorativă, care a fost folosită în secolul al XIX-lea. aproape exclusiv lipici sau vopsele în ulei, au căzut în descompunere în acest moment. Abia la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. se încearcă revigorarea picturii monumentale și îmbinarea diferitelor tipuri de pictură cu lucrări de artă, meșteșuguri și arhitectură într-un singur ansamblu (în principal în arta modernă); Se actualizează și mijloacele tehnice ale picturii monumentale și decorative, se dezvoltă tehnica picturii pe silicați.

La sfârşitul secolelor 19-20. peste tot în lume, dezvoltarea picturii devine deosebit de complexă și contradictorie; curentele realiste și moderniste coexistă și se luptă în același timp. Fecundată de idealurile Marii Revoluții din Octombrie și înarmată cu metoda realismului socialist, pictura se dezvoltă intens în URSS și în alte țări socialiste. Noi școli de pictură apar în Asia și Africa, Australia și America Latină. Pictura realistă la sfârșitul secolului al XIX-lea și al XX-lea. Cu tendințele sale democratice și legătura strânsă cu viața, urmează cele mai bune tradiții ale lui Zh. din epocile anterioare. În același timp, se remarcă prin dorința de a cunoaște și a arăta lumea în toate contradicțiile ei, esența proceselor profunde care au loc în realitatea socială, sensul interior al fenomenelor de viață, care uneori nu au un aspect suficient de vizual. ; prin urmare, reflectarea și interpretarea multor fenomene ale realității capătă adesea un caracter simbolic puternic subiectiv, generalizat. Pictura din secolul XX alături de modul senzorial-fiabil, iluzoriu, volumetrico-spațial de a descrie, el folosește pe scară largă principii condiționale noi (precum datând din antichitate) pentru interpretarea lumii vizibile. Deja în pictura postimpresionismului (P. Cezanne, V. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) și parțial în pictura apar trăsături „moderne” care au determinat caracteristicile unor tendințe ale secolului XX. secol. (o expresie activă a unei atitudini pur personale a artistului față de lume, forța emoțională și psihologică și asociativitatea culorii, puțin legată de relațiile colorate observate în viață, exagerarea formelor, decorativitatea). În prima tendință apărută în secolul al XX-lea - în fauvism - caracterul imaginii, strălucirea contrastelor de culori strălucitoare sunt clar dictate în primul rând de voința subiectivă a artistului, care experimentează intens realitatea. Lumea este cuprinsă într-un mod nou în arta marilor pictori ruși de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. - în picturi bogate social, ascuțite figurativ de V. A. Serov, lucrări intens dramatice de M. A. Vrubel.

În secolul al XX-lea realitatea se realizează și se realizează în diferite aspecte în pictura celor mai mari artiști ai țărilor capitaliste: P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet în Franța; D. Rivera, J. C. Orozco, D. Siqueiros în Mexic; R. Guttuso în Italia; J. Bellows, R. Kent în SUA. În multe dintre picturile și picturile lor murale, o adevărată înțelegere a contradicțiilor tragice ale realității a găsit o expresie emoțională ridicată, transformându-se într-o denunțare a deformărilor sistemului capitalist; pictura realizată de artiști de top promovează ideile politice progresiste ale timpului nostru, recreând evenimente istorice și contemporane cu o amploare, epic și expresivitate deosebite; a întruchipat și o percepție veselă și optimistă a lumii, o pasiune pentru materialitatea ei. Înțelegerea estetică a noii ere „tehnice” este legată nu numai de reflectarea patosului industrializării vieții, nu doar de pătrunderea în pictură a formelor geometrice, „mașină”, la care sunt adesea reduse formele organice, dar şi cu căutarea în pictură care să întâlnească viziunea asupra lumii omul modern, nevoile sale spirituale de scheme de culori emoționale imaginative, forme noi care pot fi folosite în artele decorative, arhitectură și industrie. Utilizare largăîn pictură, mai ales în ţările capitaliste, de la începutul secolului XX. a primit diverse curente moderniste (vezi Modernismul), reflectând criza generală a culturii societății burgheze, rupând într-o măsură sau alta legătura vie cu realitatea; Cu toate acestea, pictura modernistă reflectă uneori indirect problemele „bolnave” ale timpului nostru și spiritul nestăpânit de protest (de exemplu, în pictura expresionistă, cu furia ei dramatică și stările de criză). În pictura multor mișcări moderniste (cubism, futurism, suprarealism), elemente individuale mai mult sau mai puțin ușor de recunoscut ale lumii vizibile sunt fragmentate sau geometrizate, apar în combinații neașteptate, uneori ilogice, care dau naștere la multe asocieri, uneori se contopesc cu pur abstracte. forme. Evoluția ulterioară a multora dintre aceste curente deja în anii 1910. a condus la eșec complet de la figurativitate, la apariția picturii abstracte....

Pictura este o artă străveche care a evoluat de-a lungul mai multor secole de la picturile rupestre din paleolitic la cele mai recente tendințe în pictură ale secolului al XX-lea. Pictura are o gamă largă de posibilități pentru a întruchipa o idee de la realism la abstractionism. În cursul dezvoltării sale s-au acumulat comori spirituale enorme.

LA epocă antică a existat dorința de a reproduce lumea reală așa cum o vede o persoană. Acest lucru a determinat apariția principiilor clarobscurului, elementelor de perspectivă, apariția imaginilor picturale tridimensionale. Au fost dezvăluite noi posibilități tematice de înfățișare a realității prin mijloace picturale. Pictura a servit la decorarea templelor, locuințelor, mormintelor și a altor structuri, a fost în unitate artistică cu arhitectura și sculptura.

Pictura medievală avea un conținut predominant religios. S-a remarcat prin expresia culorilor sonore, mai ales locale, a contururilor expresive. Fundalul frescelor și picturilor, de regulă, era condiționat, abstract sau auriu, întruchipând ideea divină în strălucirea ei misterioasă. Simbolismul culorilor a jucat un rol semnificativ.

În Renaștere, un sentiment al armoniei universului, antropocentrismul (omul în centrul universului) s-a reflectat în compoziții picturale pe teme religioase și mitologice, în portrete, scene domestice și istorice. Rolul picturii a crescut, fiind dezvoltat un sistem bazat științific de perspectivă liniară și aeriană, clarobscurul.

Procesul de dezvoltare a picturii europene în secolele XVII-XVIII. devine mai complexă, se formează școli naționale, fiecare cu propriile tradiții și caracteristici. Pictura a proclamat noi idealuri sociale și civice, problemele psihologice s-au adâncit, un sentiment al relației conflictuale dintre individ și lumea din jurul lui. Apelul la diversitatea vieții reale, în special la mediul de zi cu zi al unei persoane, a condus la formarea clară a unui sistem de genuri: peisaj, natură moartă, portret, gen casnic etc. S-au format diverse sisteme picturale: pictura barocă dinamică, cu compoziția sa caracteristică deschisă, în spirală; pictură rococo cu un joc de nuanțe rafinate de culoare, tonuri deschise; pictură a clasicismului cu un model clar, strict și clar.

În secolul 19 pictura a jucat un rol activ în viața publică. Pictura romantismului s-a remarcat printr-un interes activ pentru evenimentele dramatice ale istoriei și modernității, contrastul de lumină și umbră și saturația culorii.

Revoluția în pictură, care a influențat dezvoltarea acesteia timp de mulți ani, a fost apariția impresionismului, care a căutat să transmită frumusețea în schimbare a lumii, care a dezvăluit posibilitățile de amestecare optică a culorilor pure și efectele transferului de texturi. Artiștii au ieșit să-și picteze tablourile în aer liber.

LA sfârşitul XIX-XX secole dezvoltarea picturii devine deosebit de complexă și contradictorie. Diferite mișcări realiste și moderniste își câștigă dreptul de a exista.

Apare pictura abstracta(avangardă, abstractionism, underground), care a marcat respingerea figurativității și expresia activă a atitudinii personale a artistului față de lume, emotivitatea și convenționalitatea culorii, exagerarea și geometrizarea formelor, decorativitatea și asociativitatea soluțiilor compoziționale. .

În secolul XX. continuă căutarea de noi culori și mijloace tehnice de realizare a picturilor, ceea ce va duce, fără îndoială, la apariția de noi stiluri în pictură, dar pictura în ulei rămâne încă una dintre cele mai îndrăgite tehnici ale artiștilor.

Cele mai multe dintre picturile pe care le vedeți sunt picturi de șevalet. Acest termen înseamnă că picturile au fost pictate pe un șevalet special. Pot fi înrămate, atârnate pe perete sau oferite cadou. Cu alte cuvinte, un tablou de șevalet este un tablou pictat pe un fundal plat: hârtie, pânză, tablă. Acest tip de pictură este dominat de picturile în ulei, dar există și tablouri în care se folosesc alte materiale - guașă și acuarelă, pastel, cerneală, cărbune, vopsele acrilice, creioane colorate etc.

Unul dintre tipurile aplicate de pictură de șevalet este pictura teatrală și decorativă - schițe de costume pentru eroi și mise-en-scene.

Pictura monumentală - pictura clădirilor

Pictura monumentală nu poate exista separat de locul în care se realizează. Acest tip de pictură a fost foarte popular în secolele XVI-XIX, când au fost construite temple maiestuoase și cei mai buni artiștiși-au pictat bolțile. Cel mai comun tip de pictură monumentală este frescă, pictura cu vopsele pe bază de apă pe tencuială udă.

Pictura pe tencuială uscată - secco - era și ea comună, dar astfel de lucrări au supraviețuit mai rău până în vremurile noastre. Cel mai faimos exemplu de pictură monumentală este pictura pe scară largă a Capelei Sixtine, la care a participat Michelangelo. Potrivit criticilor, frescele capelei pot fi echivalate cu A opta minune a lumii.

Cele mai vechi lucrări de pictură monumentală sunt picturile rupestre ale primilor oameni.

Pictura decorativa - arta aplicata

Pictura decorativă este strâns legată de arte și meșteșuguri. Ea joacă un rol de susținere în decor. diverse articole. Pictura decorativă este o varietate de modele și ornamente care decorează articole de uz casnic, mobilier, arhitectură. Autorii acestui tip de pictură pot fi necunoscuți - picturi simple de case țărănești și mobilier aparțin și ele acestui tip.

Pictură în miniatură - lucruri mici drăguțe

Inițial, pictura în miniatură a fost arta proiectării cărților. Cărțile vechi erau făcute cu mare grijă și erau foarte scumpe. Pentru decorarea lor au fost angajați meșteri speciali, care au proiectat frumos majusculele, copertele și screensaverele dintre capitole. Aceste publicații au fost o adevărată operă de artă. Au existat mai multe școli care au aderat la canoanele stricte ale picturii în miniatură.

Mai târziu, miniaturile au început să fie numite orice pictură la scară mică. Au fost folosite ca suveniruri și cadouri memorabile. În ciuda dimensiunilor sale mici, acest tip de pictură necesita o mare precizie și îndemânare. Cele mai populare materiale pentru miniaturi suvenir au fost lemnul, osul, piatra și plăcile metalice.

Sfatul 2: Care sunt tipurile de șevalet: de bază și populare

Desenul este una dintre cele mai interesante direcții ale creativității. Dar pentru a picta o imagine, trebuie să alegeți corect nu numai pensulele și vopselele, ci și un șevalet.

Pentru unii oameni, creativitatea, și anume desenul, este o parte integrantă a vieții sub forma unui hobby sau activitate profesională. Artiștii și amatorii acordă o importanță deosebită materialelor și dispozitivelor cu care lucrează. Deci șevaletele sunt o parte integrantă proces creativ, deci este nevoie să luați în considerare aceste elemente auxiliare mai detaliat.

Deci in acest moment Există trei tipuri principale de șevalet, acestea sunt: ​​șevalet trepied, șevalet cu panouri verticale (staționare) și caiete de schițe. Fiecare tip de șevalet are propriul său trasaturi caracteristice. De exemplu, trepiedele sunt foarte ușor de asamblat și utilizat. Un astfel de șevalet poate fi întotdeauna dezasamblat, în timp ce atunci când este pliat, acest dispozitiv ocupă foarte puțin spațiu.

Totodată, șevaletele cu panouri verticale sunt foarte convenabile, având funcții de reglare a înălțimii și unghiului de înclinare, dar ocupă mult spațiu datorită staționarității. Principiul de fixare a hârtiei sau pânzei întinse în aceste tipuri de șevalet este practic neschimbat. În partea de jos există un mic panou pentru amplasarea consumabilelor: creioane, vopsele, pensule și alte lucruri.

Caietele de schițe pot fi folosite în natură pentru a picta imagini din viață. În același timp, la asamblare, acest dispozitiv se transformă într-o valiză mică cu care poți face călătorii lungi până la locul unde este scrisă pânza.

Cele mai populare șevalet

Sevaletele trepied sunt cele mai populare. Acest lucru se datorează confortului și compactității lor. În plus, un astfel de șevalet poate fi realizat independent dacă nu doriți să cheltuiți bani pentru a-l cumpăra.

Pentru lucrul în studio sau acasă, se folosesc adesea șevalet de masă, adică șevalet cu panou vertical. Acest tip este convenabil atunci când lucrați într-un singur loc, deoarece transportul său este îngreunat de incapacitatea de a dezasambla obiectul în mai multe piese mici urmată de asamblare. În același timp, fiecare tip de șevalet este proiectat pentru o utilizare specifică, cu toate acestea, trepiedul poate fi considerat pe drept cel mai versatil, deoarece poate fi folosit atât pentru loc de munca permanentîn studio și pentru lucrul din natură în natură, desigur, dacă nu este prea mare.

Surse:

• Clasificarea șevaletelor

Arta de a decora suprafețele cu vopsele și o pensulă se numește pictură artistică. Însuși conceptul de pictură este foarte diferit de pictură, deoarece face parte din spațiul conceput de artist.

Pictura artistică a fost aplicată inițial oricăror materiale democratice și ușor de obținut: piele, lemn, țesături naturale, lut și os. Abilitățile au fost transmise din generație în generație de către maeștri, specific tehnici artistice, care a ajutat la recunoașterea produsului. De-a lungul timpului, s-a ales cea mai semnificativă și expresivă aplicare a ornamentului. În arhitectură, tavanele, bolțile, pereții, grinzile erau decorate cu picturi, iar în viața de zi cu zi, decorul era aplicat articolelor de uz casnic.

Sistematizarea diferitelor tipuri de pictură a fost începută pentru prima dată în 1876 de către profesorul A.A. Isaev în cartea sa în două volume intitulată „Meșteșugurile provinciei Moscova”. Întreprinderile de pictură artistică își dezvoltă încă afacerile pentru a satisface cererea de pe piețele din Rusia și din străinătate.

Pictura Khokhloma

Îndemânarea unei pensule fine, care provenea de la mănăstiri, era folosită în bogatul ornament floral. De acolo, secretul a fost derivat despre cum să pictezi vasele în culoarea aurie fără a folosi aur. Pictura nu s-a schimbat în prezent, iar procesul din cele mai vechi timpuri până în zilele noastre este același. Un semifabricat de vase este transformat din lemn pe un strung, apoi amorsat cu o soluție de argilă special preparată sau se folosesc grunduri artificiale. Vasele sunt acoperite cu vopsea pe bază de tablă sau argint, mai rar - aluminiu. Ei pictează în funcție de motivul conceput și îl usucă într-un cuptor, apoi îl lac și fac din nou uscare la cald.

Deoarece produsul este supus unui tratament termic intensiv de mai multe ori, vopselele au fost alese dintre cele a căror strălucire temperaturi mari nu a influențat. Este negru, auriu și cinabru.

porțelan Gzhel

Gzhel este unic, deoarece fiecare artist, folosind motive clasice și familiare, creează tehnica individual. Rolul principal revine experienței maestrului și mișcării pensulei sale. În același timp, tranzițiile armonioase de la albastru închis la albastru pal apar pe alb dintr-o singură lovitură. Se folosește o singură vopsea, cobalt, iar desenul se face foarte repede, prima dată.

Matryoshka

Aceste figurine de diferite dimensiuni, cuibărite una în alta, provin din Japonia. Aceste păpuși au câștigat o mare popularitate în 1900, după o expoziție la Paris. Producția principală a avut loc în satul Polkhovsky Maidan, care era renumit atât pentru pictură, cât și pentru strungari - la urma urmei, forma păpușilor de cuib trebuia sculptată.

Matryoshka Polhov are trăsături distinctive, prin care poate fi recunoscut printre altele. Ea are o față pictată cu mici linii și o floare de trandafir sălbatic în zona frunții. Culoarea eșarfei contrastează cu culoarea rochiei de soare, iar din spate matrioșca este 2/3 stacojiu sau verde. Șorțul este oval și merge de la gât până la pământ.

Cea mai dificil de procesat, matrioșca încrustă cu paie de la Vyatka.

Aproape fiecare fată, dacă ea timp liber nu este supraîncărcat cu studii sau întâlniri, are unul sau mai multe hobby-uri. Unii dintre ei o captivează cu originalitatea lor pentru scurt timp, alții sunt însoțitori de viață.

Instruire

Cel mai obișnuit tip de hobby feminin poate fi numit toate tipurile de ac: tricotat și croșetat, macrame, cusut, broderie. Un astfel de hobby nu apare de la zero, el vine în mod tradițional de la mame și bunici care sunt angajate în ele în prezența fiicelor și nepoatelor lor. Fetița devine curioasă și le roagă pe adulți să-i arate cum să facă butoniere, noduri, cusături sau cusături de lanț. La început, nu funcționează și poate chiar să renunțe la noul ei hobby pentru o vreme, dar după câțiva ani natura își va face plăcere, iar acum o adolescentă își va coase primii blugi sau va tricota o beretă.

Nu necesită atât de mult timp, lăsând serile libere pentru alte activități, este floricultura. Toate femeile iubesc florile, iar cele crescute cu propriile mâini sunt de cel mai mare interes. Urmărirea aspectului lăstarilor, creșterea lor în dimensiune și înflorirea ulterioară este asemănătoare cu maternitatea, motiv pentru care face plăcere multora dintre sexul frumos. Dacă nu aveți răbdarea să aveți grijă de trandafiri și violete, puteți începe cu chlorophytum, spathiphyllum sau cactusi simpli.

Primele hobby-uri pe care le are un copil mic sunt desenul și trecerea la muzică. Dacă există talent pentru ei, atunci întreprinderile nu vor fi pierdute, ci se vor dezvolta în capacitatea de a afișa exteriorul și lumile interioare prin pictură și dans. Dacă nu există talent, dar sufletul cere insistent exprimarea tuturor impulsurilor sale, atunci fata devine un fotograf bun. Fotografiile ei prezintă cel mai adesea rude și prieteni, locuri semnificative și colțuri ale naturii care au captat imaginația.

O altă metodă de a-ți realiza potențialul este să faci meșteșuguri din diverse materiale. Aceasta este modelarea cu lut și fabricarea de săpun, sculptura și design. Acesta din urmă se poate transforma într-o profesie și poate deveni o modalitate bună de a câștiga bani. Și sculptura poate fi numită un fel de hobby comun, dar departe de atotcuprinzător - gătitul. Aproape fiecare fată este capabilă să gătească cel mai simplu terci și supă, să coace pizza din tot ce se află în frigider, dar doar câteva dintre ele au arta de a pregăti mâncăruri originale.

Și, în sfârșit, hobby-ul general al femeilor de toate vârstele și categoriile sociale este ghicitorul. Cel mai adesea pe cărți, dar pentru a obține rezultate sunt folosite și pendulele, zațul de cafea, chiromanția și alte metode de divinație. A cunoaște trecutul și viitorul nu poate fi plictisitor și specializarea în formă separată poate transforma o fată într-un adevărat maestru.

Rotund și plat, cu mâner de lemn și plastic, jder și ponei. O varietate de forme și tipuri de pensule îl ajută pe artist să creeze capodopere pe pânză sau hârtie. Deci, de exemplu, o perie de veveriță este folosită în principal pentru a lucra cu vopsea acuarelă, iar o perie liniară este folosită pentru scris.

Forme de pensule

Una dintre cele mai comune și versatile forme de perie este rotundă. Un pachet dintr-o astfel de perie este fixat într-o clemă rotundă, de obicei metalică. Periile pot fi de diferite dimensiuni. Un fascicul mic este folosit pentru a crea miniaturi, iar un fascicul mare este folosit pentru peisaje mari. O pensulă rotundă oferă o linie uniformă de aceeași grosime, deși un artist priceput o poate varia.

Este bine să lucrați suprafețe mari ale compoziției cu perii plate, acestea țin multă vopsea în sine. Mișcările cu o astfel de perie sunt netede și largi.

Peria numită „ochi de pisică” are o formă ovală sau bombată. O astfel de perie este foarte individuală în utilizare și poate fi aplicată în același mod ca rotund și plat.

O subspecie de perii plate este contur, au o formă similară, dar pachetul este mai scurt și, în consecință, mai elastic. Astfel de pensule sunt folosite pentru tehnicile de pictură în ulei, sunt ușor de realizat mișcări plate și contururi clare.

Pensulele tip au o grămadă lungă rotundă, cu un vârf subțire, ascuțit, care vă permite să scrieți și să aplicați contururi. Astfel de perii sunt folosite cu vopsele lichide.

Periile de retuș aparțin și unei varietăți de perii plate, particularitatea lor constă în vârful tăiat în unghi. Aceste pensule sunt folosite pentru a crea linii foarte subțiri și tranziții fine și precise de la o culoare la alta. Acest lucru se datorează vârfului subțire și ascuțit.

Pensule de linie, ca și pensule de tip, au o formă rotundă, lungă de fascicul și sunt folosite pentru a aplica inscripții și pentru a crea linii lungi și uniforme. Periile de linie sunt mai scurte decât cele de tip, dar mai lungi și mai subțiri decât cele rotunde.

Pensulele Flute, pe lângă vopsire, se folosesc la aplicarea machiajului, și anume, pudră sau fard de obraz. Aceste pensule moi sunt concepute pentru pictura gratuită cu acuarele. Rețin multă apă, astfel încât pot desena linii lungi, solide și uniforme fără întrerupere.

Periile pentru evantai au o grămadă subțire în formă de evantai. Sunt folosite pentru a crea întinderi subtile de culoare, tranziții de culoare și contraste.

Tipuri de perii

Pe lângă forme și dimensiuni, există o diferență semnificativă în ceea ce privește tipurile de perii, și anume, din ce fel de păr este făcut pachetul. Cel mai comun tip de perie este veverița. Astfel de perii sunt făcute din firele de păr prelucrate ale unei veverițe, deoarece cea mai lungă grămadă se află în coadă. Periile de veveriță sunt foarte moi și delicate, așa că necesită îngrijire specială. Sunt folosite pentru a lucra cu vopsea de acuarelă sau altă vopsea pe bază de apă.

Periile Kolinsky sunt fabricate din părul de coadă kolinsky prelucrat. Aceste perii sunt destul de moi si in acelasi timp elastice. Prin urmare, sunt folosite

Cuvântul „pictură” provine din cuvintele rusești „vii” și „scrie”, se obține sintagma „scris în direct”. Pictura ca formă de artă înseamnă imaginea lumii reale, desenată cu ajutorul materialelor improvizate (creioane, vopsele, plastilină etc.) pe suprafețe plane. Putem spune că proiecția lumii reale prin prisma imaginației artistului - aceasta este pictura.

Tipuri de pictură

Acesta este plin cu o varietate de tipuri și tehnici de înfățișare a realității, care depind nu numai de tehnica de realizare a operei artistului și de materialele utilizate, ci și de conținutul și mesajul semantic al creativității. Pentru a transmite sentimente, emoții și gânduri, artistul folosește în primul rând regulile jocului cu culoarea și lumina: raportul de nuanțe de culoare și jocul de lumini și umbre. Datorită acestui secret, imaginile sunt cu adevărat vii. Pentru a obține acest efect, trebuie să utilizați cu pricepere materiale colorate. Prin urmare, pictura, ale cărei tipuri depind de tehnica de desen și tipurile de vopsea, poate folosi acuarelă, ulei, tempera, pastel, guașă, ceară, acrilic și așa mai departe. Totul depinde de dorința artistului.

În artele vizuale, există astfel de tipuri principale de pictură:

1. Pictură monumentală. Din chiar numele acestui tip de artă reiese că creația va trăi multe secole. Acest tip implică o simbioză între arhitectură și arte plastice. cel mai des văzut în templele religioase: acestea sunt pereți pictați, bolți, arcade și tavane. Când desenul și clădirea în sine devin una, astfel de lucrări au un sens profund și poartă o valoare culturală globală. Frescele se încadrează din ce în ce mai des sub acest tip de pictură. Ele, de regulă, sunt executate nu numai cu vopsele, ci și cu plăci ceramice, sticlă, pietre colorate, rocă de coajă etc.

2. Tipurile de astfel de artă plastică sunt foarte comune și accesibile oricărui artist. Pentru ca un tablou să fie considerat șevalet, creatorul va avea nevoie de o pânză (șevalet) și de un cadru pentru el. Astfel, imaginea va fi independentă și nu există nicio diferență unde și în ce structură arhitecturală se află.

3. Pictura decorativă și aplicată. Tipurile și formele de exprimare ale creativității sunt nelimitate, iar acest tip de artă poate servi drept dovadă. există de mai bine de o mie de ani: acestea sunt decorațiuni pentru casă, pictură de vase, creare de suveniruri, pictură țesături, mobilier etc. Esența creativității este că obiectul și desenul de pe el devin una. Este considerat de prost gust atunci când un artist înfățișează un desen complet nepotrivit pe un obiect.

4. presupune un design vizual pentru spectacole de teatru, precum și pentru cinema. Acest tip de artă permite privitorului să înțeleagă și să accepte mai precis imaginea unei piese de teatru, a unei piese de teatru sau a unui film.

Genuri de pictură

În teoria artei, este, de asemenea, important să evidențiem genurile de pictură, fiecare dintre ele având propriile caracteristici:

Portret.

Natură moartă.

Iconografie.

Animalitate.

Poveste.

Acestea sunt principalele care există de multă vreme în istoria artei. Dar progresul nu stă pe loc. În fiecare an, lista genurilor crește și crește. Așa că au apărut abstracția și fantezia, minimalismul etc.