Ilya Kabakov ortak mutfağı. Ilya Kabakov - Olga Sviblova - Emilia Kabakova: "Tam bir Sovyet enstalasyonunda yaşadık" - Film Art
İlya Kabakov. Bir zamanlar Eindhoven müdürlüğü tarafından yapılan bir çift sergi - bizim ve Lissitzky'nin - düzenleme önerisinin, elbette, ilk başta delicesine korkmuş ve şaşırmış olduğu söylenmelidir. Her şey bu buluşmanın tamamen imkansız olduğunu, bunun ruhen yabancı olan insanların buluşması olduğunu söylüyordu. Gerçek şu ki, zihinsel durumumuzda Sovyet ülkesinde tamamen farklı bir yaşam dönemine aitiz.
Ve o zamanlar - SSCB'de yaşadığımız 1950'ler-1980'ler - bir tür soyut saygı dışında, avangard için hiçbir sempati yoktu. Rus avangardı denen şeyin estetik ya da tözel anlamını sürdürme duygusuna sahip değildim. Eğitimde, bilindiği gibi, tam bir geçici başarısızlık yaşadık, çünkü Sovyet halkı için avangard hiç yoktu - ne eğitimde ne de müze alanında. Benim için tamamen yok olmuş bir dönemdi. Bu, antik çağla bir tür ilişkiniz olduğunu söylemekle aynı şeydir. Antik çağ yoktu, bu antik çağda bir dil kaybı ve söylenenlerin anlamında bir kayıp vardı. O zaman göründüğü gibi, sonsuza dek durmuş zamanda yaşadık. Ve resmi Sovyet sanatının tamamen oluşturulmuş (sonunda, inandığımız gibi) bir Sovyet dili vardı. Eğitimimiz sadece Rus avangardını değil, tüm Batı 20. yüzyılı tamamen atladı. Binlerce yıl önce sahnelenen bir tür toplam Sovyet kurulumunda yaşıyorduk; değişmeyeceği herkes tarafından belliydi. Bununla söylemek istiyorum ki, avangard ile böyle bir buluşma için hiçbir umut yoktu. Ancak klasiklerle alışılmadık derecede iddialı bir toplantı teklifi size “düştüğünde” ...
Lissitzky, Malevich ile birlikte Vitebsk'te yeni bir dilin yaratılması üzerinde çalıştı. Mesele şu ki, insanlık 20. yüzyılda içine girdiği yeni çağda yeterince konuşmalı ve nihayet bu büyük sanatçılardan sadece Rusya veya İngiltere'de değil, her yerde konuşulabilen ve konuşulması gereken görsel dili almalıdır. Dünya. Evrensel yeni dil yeni insanlar için.
Bu dil, şimdi söyleyecekleri gibi, geometrinin tüm sanat dünyasında, mimari, tipografi vb. dahil olmak üzere tüm kapsamı ve türleri üzerindeki "çarpışması" ile ilişkilidir. formlar - yuvarlak ve antropomorfik. Bu kısmen Rodchenko'nun öğrencilerine söylediği şey: "Fırçaları, kalemleri bırakın, bir cetvel alın, pergel ve çizin..." Bu jest, genel olarak düşünmede düz bir çizginin ve net geometrinin baskınlığı ile doğrudan ilgilidir. En kısa yol düz bir çizgidedir. Bu “düz” yol, dünyanın giderek daha hızlı hareket ettiği fikriyle de ilişkilidir.
[…]
Rus avangardı kavramındaki yeni adam kim? Sürekli bir yaratıcıdır. Rodchenko'nun yazdığı şey: "Bir fincan yapıyorum, ama yarın ne yapacağımı bilmiyorum, çünkü başka bir ben hakkında başka bir fikir ortaya çıkacak." Kalıcı bir yaratıcılık gibi (sürekli bir devrim gibi).
[…]
Dünya yaratıcı ama elbette insanları yönetenlerden oluşmalıdır. İşin ilginç yanı, yönetim çalışanlarının akıllarında yönetim çalışanları var. Ancak dönüştüreceklerini pratikte görmüyorlar. Bir anlamda, bu bir ahır cihazıdır. Ben bir laboratuvarda çobanım ya da ziraat mühendisiyim, ama diğer her şey - hayvanlar, bitkiler - işleyeceğim tüm malzeme.
Bu insanlık dışı konuşma (bu kelimeyi ilk kez kullanıyorum), bu anti-hümanist, yıkıcı an, yeni bir insan yaratıcısı yaratmanın en avangart projesine gömülü. Bu dünyada yaşayan insanlığın geri kalanı birdenbire parantezlerin dışında kalır.
Gizlice ön planda olan ve en ürkütücü olan iktidar olgusu, inisiyatif alma hakkıdır. yeni Dünya ve yönetin.
Olga Sviblova. […] Nerede olduğunu kimse bilmiyor ama taşınıyoruz. İlerlememiz gerektiğine dair bir his var. Bugün, bu hareket vektörü ortadan kalktığında, oraya buraya eğildiğimizde, Rus avangardına olan ilgi iki katına çıktı. Neden dünyanın Rus avangardının bu ikinci yanını ve bizim için bloklar yaratan en büyük Lissitzky'nin ikinci yanını görmediğini düşünüyorsunuz, Lego'daki gibi unsurlar, böylece sadece çocuklar değil, aynı zamanda Bütün dünya onlarla oynayacak mı? Gerçek görsel gerçekliği yeniden düşündü ama insan içeriğini unuttu.
İlya Kabakov. Bu sadece "Rus avangardı" kavramıyla olmadı. Bu, sanatçının türünün, sanatçının öz bilincinin değiştiği 19. yüzyıldan 20. yüzyıla geçiştir. Bundan önce, sanatçı bir servis personeliydi. Başkalarının, diğer kuruluşların veya kişilerin, kilisenin veya devletin emrettiği bu işlerin icrasına katıldı.
Sanatçının müşteriden, iletişim kurması gereken "öteki"nden bu özerkleşmesi, sanatçının psişesinde inanılmaz derecede güçlü değişiklikler üretir. Sanatçı, icracı olmaktan bir dahi olmaya gider. Yani hiçbir şekilde kesinlikle kimseye borcu olmayan bir yaratıktır.
Emilia Kabakova. Ve hiçbir şeye cevap vermiyor.
İlya Kabakov. Diğer her şey sisle kaplı. Sanatçının icracıdan dehaya dönüşmesi çok önemli bir mutasyondur. Antropolojik düzeyde gerçek bir mutasyon.
Cezanne'nin sanat ufkunda belirmesi sanat dünyasındaki en önemli olaydı. İşte bu bitmemiş "kirli" kareler... Şimdi tabii ki ironi yapıyorum çünkü onu eskisi gibi tanrılaştırıyorum. Ancak, akademik okuldan farklı bir amatör ve kendi görsel sisteminin mucidi olarak ortaya çıkmasının, sanatçıyı sanatsal geleneğin her türlü kriterinden kurtarmaya yönelik önemli bir adım olduğu çok önemlidir. Bu durumda, kelimenin tam anlamıyla bir Sovyet sanat eleştirmeni olarak konuşuyorum, ancak bunda bazı gerçekler var.
Sanat okuluna duyulan güvenden bu “ayrılma” şu anda çok önemlidir. Sanat okuluna ihanet gibi. Bu durumun Sovyet döneminde tekrarlandığını söylemeliyim. Sanat ve zanaat eğitimim tamamen taklitti. Doğayı çizmeyi sevmiyordum. Ancak enstitüden atılmamak için akademik bir sonucu nasıl taklit edeceğimi biliyordum. Çocuk illüstrasyonları yapmaktan hoşlanmıyordum ama çocuk illüstrasyonlarını nasıl taklit edeceğimi biliyordum ki bunun karşılığında para alabileyim.
Sanat editörü içtenlikle tavşan çizmediğimi, başka kitaplarda tavşan imajını taklit ettiğimi görse, elbette beni yayınevinden kovacaktı. Ancak Sovyet zamanlarında kayıtsızdı: başka insanların tavşanlarına inanıp inanmama ya da kopyalamama. Bir dehanın avangard psikolojisinin ortaya çıkması için bu “yapışma”, yalan, ihanet anı çok önemlidir. Burada bir şeyi tasvir etme zorunluluğum ile benim kendi manipülatif dürtüm arasında bir mesafe var. Sonra yeni bir devrim gibi göründü: kölelikten özgürlüğe ve buluşa geçiş.
İlya Kabakov. Bir resim yaratma araçlarına tamamen farklı bir tutum vardı.
Avangardın ortaya çıkışı, araçların özerkliği ile bağlantılıdır. Fonlarımı kullandığım başka bir şey olmadığından, bunlar özerkleştirildi ve yeni inanılmaz fırsatları temsil ediyor.
Örneğin, Matisse'in rengi. Resmin yüzeyinde renk manipülasyonu, kompozisyonlar, renk lekelerinin kombinasyonları, rengi nesneden ayrı görmek onun keşfiydi.
Picasso, resmin kendisinin ritimlerini ve sözde titreşim anını manipüle etti. Resmin her bir parçasının, diğerlerine göre doğru bir şekilde konumlandırıldığında, belki elli metre mesafede hareket eden inanılmaz derecede güçlü bir titreşimsel saldıran enerji dalgası oluşturduğunu keşfetti.
Olga Sviblova. 20. yüzyılın artık hiçbir şeyi tasvir etmeyen bir görsel sistem ortaya çıkardığını söylemek istiyorsunuz. Ne bir zamanlar arkasında duran kutsal fikirleri, ne kökeninde ne de o zaman kutsallaştırılan gerçekliği tasvir eder. Avrupa resmini, örneğin Rönesans'ı alırsak, bir kişiye olan ilginin ortaya çıkması hakkında konuşabiliriz. Sanatçılar dini olay örgülerinden “çıkarmaya” başlarlar, ancak aynı zamanda onlar için gerçeklik, gerçekliğin istilası, doğrudan bir perspektifin ortaya çıkması da bir tür metafizik fikir haline gelir, çünkü gerçeklik böyle bir değer kazanır. Ve resimsel olanın tasvir ettiği her şeyden özgürleşmesinin Picasso, Matisse ile başladığını, kendi içinde bir değer ve görsel bir silah haline geldiğini mi söylemek istiyorsunuz?
İlya Kabakov. "Dairesinden uzaya uçan adam." Kurulum parçası. 1985
İlya Kabakov. Evet. Bir rokette olduğu gibi. Uçan, havada, uzayda takla atan roketin aşamalarından birinin yörüngesi boyunca ayrılması. Kültürden aynı ayrılık, genel dinamikler kültürün gelişimi ile gerçekleşir güzel Sanatlar 20. yüzyılın başında. Sanatsal üretimin genel kültürel süreçte var olma zorunluluğundan özerkleşmesi söz konusudur.
Olga Sviblova. Hala anlamak istiyorum. Bolşevik darbesi, sanatın önceki tüm varoluş biçimlerini yok etti ve sanatçı bir şekilde yetkililerle birleşmek zorunda kaldı: ya kalbin çağrısıyla (bir noktada çok samimiydi bence) ya da en azından sadece müşteriydi ve bu tek müşterinin ne istediğini anlamak gerekiyordu. Ve bu tek müşteri eski dünyanın yok edilmesini istiyordu.
İlya Kabakov. Doğru şekilde.
Olga Sviblova. Ama dediler ki: "Hizmet ediyoruz." Rus avangardından önce hiç kimse sanatçıların hizmetkar olduğunu ilan etmemiştir. Örneğin, Lissitzky'nin parlak başarılara imza attığı bir fotomontajı ele alalım... Klutsis, Rodchenko savaştı - ve Lissitzky de bu savaşa dahil oldu: yeni hükümete kim daha çok hizmet ediyor?
İlya Kabakov. Bu güçle ilgili değil. Bu, trajedilerle dolu ayrı bir konudur: "özgürlük" kavramından hizmete, yetkililerden gelen emirlerin yerine getirilmesine geçiş. Gerçek şu ki, tüm avangard - hem Avrupalı hem de Rus - özgürlüğün ilahıdır. Sanatsal üretimin özgürleşmesi gerekir ve bu üretimi yaratan kişi özgürdür. Bu özgürlük mücadelesi, geçmişin kültürel fenomenlerine karşı verilen mücadelede çok önemli bir andır.
Ne söylemek istiyorum? Klasik sanatta (neden müzelerde asılı duruyor ve biz var olduktan sonra neden çok uzun süre yaşayacak) üç çok önemli bileşenin olduğuna inanıyorum. Birincisi yüce, dikey, maneviyat, ne dersen de bir sanat eserinde var olan. İkincisi estetik yönüdür. Çok kaliteli, dengeli, en estetik ürünü inşa etmenin karmaşıklığı. Ve üçüncü zorunlu bileşen mevcudiyettir. insan prensibi, kişiye. İnsanın dönüşümü ve anlamı zaten yaratılış fikrindedir. sanat eseri. Başka bir kişinin anlamı. Bu başkası için yapılır, kendisi için değil. Bu diğeri ve diğeri için. Bu üç bileşen klasik anlamda çok önemlidir ve bu üç bileşene de sahip olması gereken kültür tarihine tam olarak uygundur.
Avangard devrim, hem birincinin hem de üçüncünün kaybıyla ilişkilidir. Bütün bu sanat yüce değildir. Dikey, yüksek anlamların hizmetini tamamen görmezden gelir, elbette orada hem bilinçaltı hem de arketipsellik olsa da, tüm bunların “yüce” alanla ilgisi yoktur. Tabii ki Kandinsky'yi ruhani sanatıyla örnek verebiliriz ama bu ayrı bir konu. Kural olarak, avangard devrim, tam olarak "yüce" olana olan ilginin kaybıyla bağlantılıdır. Ve bu şekilde kişiye olan ilgi kaybı ile.
Emilia Kabakova. Sanatçıların kendilerini nasıl hizmetçi ilan ettikleri sorusuna birkaç kelime eklemek istiyorum. Mesele şu ki, önceki tüm sanat sistemleri"hizmet" gibi bir şeyin parçasıydı ve bu böyle anlaşıldı. Onlar zaten "hizmetler" sistemindeydiler. Açıklanmasına gerek yoktu. Onunla doğdular, başka bir çevreye hizmet eden kültürel bir ortamda çalıştılar. Yani müzikte, tiyatrodaydı. Toplumdaki yerlerini biliyorlardı. Ortaya çıkan yeni sanatçılar kendilerini özgür ilan etmek zorundaydılar ve bunu başardılar. Burada ilk kez bir seçim yapıldı. Ve onların seçimi hizmetkar olmaktı, ancak belirli bir elitin hizmetkarı değil, özgür bir toplumun hizmetkarı olmaktı. Aynı anda hem yönetici hem de hizmetçi gibi görünüyorlardı.
Hizmet etmek gönüllü bir seçimdi. Yöneticilere hizmet etmeleri için verilmediğinden değil, gönüllü hizmeti seçtiler. Bu büyük bir fark. Bütün psikoloji buradan kaynaklanır: Yönettikleri yanılsaması, ama aynı zamanda seçimle hizmetkarlar.
Olga Sviblova. Ve çalışmalarının karmaşık ve çelişkili doğasını anlayarak Lissitzky ile nasıl bir diyalog yürüttünüz?
İlya Kabakov. Çok basit. Bu sergiyi tam anlamıyla muhalefet sistemine göre yaptık. Lissitzky bir şey söyledi ve biz başka bir şey söyledik. Genel konsepte göre, bu bir baba ve bir çocuğun konumuna benzer. Ahırı yapan baba ve enkazın altına gömülen çocuk, bu kötü inşa edilmiş ahırın çöpleri altında. Bütün bu sergi inşa edildi: baba istedi - ve olan buydu, babam hayal etti - ve bu hayallerin bedeli.
Bana Puşkin'in Bronz Süvari'sini hatırlattı. Orada da "baba" var - Peter I ve "çocuk" - "babanın" bir ev inşa etmek için yanlış yeri seçtiği yer yüzünden ölen Eugene. Acı çeken ve “Burada ne yaptın? Kuru bir yere inşa etmek mümkün olacaktır. Lissitzky sergimizde Peter'ın yerine geçiyor ve şöyle diyor: "Bir şehir inşa edeceğim, birini tehdit edeceğim." Çalışmalarımızda mevcut olan bu iğrenme ve Lissitzky'nin sahip olduğu yaratılış pathosu bu serginin ana tonunu belirledi. Birincisi: "İşe yaramalı." Cevap: "Sana bir şey olmadı baba."
Gerçekten de, Sovyet döneminin, Sovyet iktidarının iki dönemini temsil ediyoruz. Bu, ilk çıktıkları köprü ve Sovyet iktidarının sonunda, her şeyin düştüğü ve kötü hesaplamalar nedeniyle çöktüğü aynı köprü.
Emilia Kabakova. Enkazın üzerinde oturuyoruz.
İlya Kabakov. Kötü inşa edilmiş bir binanın enkazındaki çocuklar gibi. İşte bu serginin ana konsepti. Bu devasa binanın üzerine düştüğü bir adamın bakışı. Tatlin Kulesi.
İlya Kabakov. Bize uzay sözü verildiği ortaya çıktı ...
Olga Sviblova. ... ve içine havasız bir tahtakurusu koyun.
İlya Kabakov. Böyle bir cevap verebilirsiniz. Hayal etmek, bir ütopya yaratmak, kağıt üzerine çizim yapmak, kısa bir prospektüs olarak çizim yapmak (geleceği inşa edelim, yeni bir insan yaratalım) - bunlar en iyi şekilde bir proje şeklinde, kağıt şeklinde, tahta şeklinde bırakılır. , çivilenmiş Tatlin Towers projesi. Tüm bu projeleri böyle bir ön formda bırakmak en iyisidir, ancak bunları hiçbir şekilde uygulamayın.
Neden? Niye? Güvende kalırlar. Hayatta fark edilmeleri, olabilecek en korkunç suç haline gelir.
Sosyalizm güzeldir ama projede kalmalı. Pek çok insan, Sovyet devriminin sonu çöp yığınıyla bitiyorsa, amacının ne olduğunu soruyor. İşte anlamı. Ütopya gerçekte gerçekleştirilmemelidir.
İlya Kabakov. Şimdi (belki de sonuç olarak) bu sergiden, hatta bu söyleşiden nasıl bir sonuç çıkarılabileceğini söylemek istiyorum. İnsanlık yaşadığı sürece her birimiz bir ütopya üretiriz. Projelerin yaratılması, salgıların serbest bırakılması gibi insanın doğasında vardır. İnsan olduğumuz sürece hayal kurarız. Planlar yapıyoruz, programlar yapıyoruz, bir şeyler oluşturuyoruz. Ama bu projeler hayatta, özellikle de iktidardaki insanlar tarafından yapıldığında felaket, kan, yıkım ya da kaosla sonuçlanıyor.
Korkunç bir yay ortaya çıkıyor: projeler kaçınılmaz olarak yapılır, ancak kaçınılmaz olarak çöküş ve kaosla sonuçlanır. Soru ortaya çıkıyor: bu projektif ve üretken bileşeni nereye koyacağız?
Cevap şudur: götürün, özel "ütopik alıcılara" yönlendirin. Belki bir Ütopya Müzesi veya çoğul olarak bu tür müzeler inşa etmek gerekir.
İlya Kabakov. Sanatçı dinlenilmeyi umuyor. Bu en derin yanılsamadır. İzleyici sanatçının içinden bakar. Bu sanatçıya ait olmayan bir şey bu sanatçı aracılığıyla ses vermelidir.
İlya Kabakov. "Çöp Kutusu" 1981
İlya Kabakov.
Bütün dünya, burada beni çevreleyen her şey, bana sınırsız, sonsuz bir çöplük, tükenmez çeşitlilikte bir çöp denizi gibi görünüyor. Koca bir şehrin bu kalıntılarında, tüm geçmişinin güçlü nefesi hissedilebilir. Bütün bu çöplük, flaşlar, parıldayan yıldızlar, yansımalar ve kültür parçalarıyla dolu: ya bazı kitaplar, ya da fotoğraf ve metinler içeren bazı dergilerin denizi ya da bazı insanlar tarafından kullanılan şeyler ... Büyük geçmiş arkada yükseliyor. bu kutular, baloncuklar, çantalar, görünüşe göre geçmiş yaşam, saklıyorlar... Bu geçmiş yaşam hissi bir görüntü doğuruyor... Nasıl bir görüntü olduğunu belirlemek zor... Belki de bazı uygarlıkların görüntüsü, bilinmeyen afetlerin baskısı altında, yavaş yavaş dibe batıyor ama yine de bazı olaylar. Devasa, kozmik bir varlık hissi bu çöplüklerde insanı kucaklıyor; hiçbir şekilde bir terk edilme, felaket bir yaşam duygusu değil, tersine dönüşü, dolaşımı, çünkü hafıza var olduğu sürece, hayata dahil olan her şey yaşayacak.
Ama yine de, çöplük ve görüntüsü neden hayal gücümü tekrar tekrar bu kadar cezbediyor, neden hep onlara dönüyorum? ...Bazen düşünürsünüz - diğer ülkelerde bu büyük çöplükler yok, çöp yok, ama sadece bir "temiz ürün" var mı? Bir keresinde Çekoslovakya'daki akrabaları ziyarete gitmiştim ve oradaki temizliğin beni en çok etkilediğini hatırlıyorum. Neden, orası nasıl bu kadar temiz?.. Sanki sürekli temizliyorlar, temizliyorlar, çöpü dışarı çıkarıyorlar - zamanı nereden buluyorlar! - ve her şey başka bir yerde ve yakınlarda değil - her şeyi çıkarırlar, “oradan”, “uzaktan” çıkarırlar. Sonra aklıma geldi: Yanında bir o kadar temiz bir ev varken, ona yakın da temiz, arkası da aynıyken nasıl atacaklar... Ama bizim ülkemizde çöp atılıyor. tam orada evin yanında, sadece eşiğin üzerine getirildi ve zaten kimsenin arazisi yok, arka bahçeler ve tüm komşular onu süpürüp atıyorlar - çok fazla kimsenin arazisi yok! Ve evimizin arkasında bir çöplük haline gelen bu kimsenin olmadığı topraklar - her gün kalenin etrafındaki bir düşman gibi tehditkar bir şekilde duvarlarımızın arkasında durmuyor, tekrar tekrar evimize dönüyor, onu sular altında bırakmıyor mu?
Ve ya daha da kötüsü - düşünmek bile korkutucuysa: tüm geniş bölgemiz dünyanın geri kalanından bir çöplük mü?
“Birçoğu şimdi Kabakov'un Rusya'da ilk 30 yıl çalıştığını unutuyor. ABD'den getirdi Sovyetler Birliğiçok sayıda tablo” diyor sanatçı Emilia'nın karısı. Şimdi 76 yaşında olan Ilya Kabakov'un kariyeri 1950'lerin ortalarında başladı. Surikov Enstitüsü mezununun uzun yıllar resmi çalışması, çocuk kitaplarının illüstrasyonuydu, ancak aynı zamanda işi "kendisi için" yaptı. O ve onun gibilere uyumsuzlar ve sanatsal muhalifler deniyordu, gayri resmiydi. Sovyet sanatı. Kabakov, Moskova romantik kavramsalcılığı olarak adlandırılan yönün kurucu babalarından biri olarak kabul edilir - 1970'lerde onun hakkında çalışmalar ve kitaplar yazılmıştır. 1960'ların ortalarından itibaren, Kabakov Sovyetler Birliği'nde ve yurtdışında birçok sergiye (dairelerde) katıldı ve 1980'lerin başında ülke dışındaki en ünlü "resmi olmayan" Sovyet sanatçılarından biriydi.
2 Göç
1987'de Kabakov, sanatçıları destekleyen Avusturyalı bir kar amacı gütmeyen kuruluştan ilk hibeyi aldı, daha sonra Fransız hükümetinden bir hibe vardı, o zaman - Alman değişim servisinden. Hibeler yurtdışında yaşamayı, enstalasyonlar oluşturmayı ve sergiler düzenlemeyi mümkün kıldı. Kabakov, SSCB'de giderek daha az zaman geçirdi ve sonunda hiç geri dönmemeye karar verdi: evde, yurtdışında sahip olduğu fırsatların küçük bir kısmına bile sahip değildi. 1980'lerin sonunda, Sovyet alternatif sanatına "perestroyka" ilgisinin zirvesi vardı, bu yüzden Kabakov çok zamanında ayrıldı. Tretyakov Galerisi'nin son trendler bölümünün başkanı Kirill Svetlyakov, “Genel olarak, neslini en son terk eden oydu, burada çok şey biriktirdi ve uluslararası sahneye büyük bir bagajla girdi” diyor. Göç gerçeği ona yardım etmedi daha fazla kariyer- Gelecek vaat eden Sovyet sanatçılarının çoğu Batı'da talep görmüyordu - daha da önemlisi, Kabakov yerleşik bir usta olarak ayrıldı ve "belirli bir izleyici kitlesi için belirli projelerle" diye açıklıyor Svetlyakov. Ayrıca, Kabakov'un uluslararası kariyerinin mevcut haliyle gerçekleşmesi sayesinde toplantı yurtdışında gerçekleşti.
3 Emilia
1989'da Kabakov, 1973'te Sovyetler Birliği'nden ayrılan müstakbel eşi Emilia Lekah ile çalışmaya başladı. “Birkaç sanatçı karısında sadece bir arkadaş ve güvenilir bir yönetici değil, aynı zamanda bir ortak yazar bulmayı başardı, sadece Dali akla geliyor. Böyle bir tandem örnekleri Sanat Tarihi Sotheby's Rusya ve BDT Genel Müdürü Mikhail Kamensky, 20. yüzyılın bazı örnekleri var, ancak muhtemelen o kadar başarılı değil" diyor. 1990'dan beri tüm yeni eserler "Ilya ve Emilia Kabakov" imzalı. Emilia yaratıcı düetin menajeri, organizatörü ve saymanı olur ve Ilya'nın gündelik ayrıntılarla dikkati dağılmadan yaratmak için mutlu bir fırsatı vardır. Forbes'a konuşan Emilia, "Birçoğu bana inanmıyor, ama aslında o mutlak bir idealist, bankada ne kadar paramız olduğunu, paramız olup olmadığını asla bilmiyor, bana tüm hakları ve tüm yönetimi verdi" dedi. . Kabakov, SSCB'den çok sayıda eser getirdi, ancak ilk aşamada satılabilecekleri maksimum fiyat 50.000 dolardı ve eserlerin çoğu yaklaşık 15.000 $ 'a gitti - daha sonra Kabakov'lar bu eserleri geri almaya çalıştı. . Emilia, sanatçının pazarla olan ilişkisini kendi eline alarak her şeyi değiştirmeye karar verdi.
4 Strateji
“1994'te fiyatları diğer yazarların fiyatlarıyla karşılaştırmaya ve onları artırmaya karar verdim - bir yerleştirme için 250.000-450.000 ABD Dolarına ve bir tablo için 200.000-350.000 ABD Dolarına kadar. Bayilerimiz bunu kabul etti ve o zamandan beri fiyatları çok yavaş artırıyoruz” diye hatırlıyor Emilia. Kabakovların yeni stratejisinin varsayımlarından biri, piyasada çok fazla iş olmaması gerektiğidir. Kabakov'un hayatı boyunca yarattığı 600'den fazla eserden yaklaşık yarısı hala sanatçı ailesinde. “Ona resim yapmamasını söyleyemem - mesela geçen ay üç tane yaptı, burada hesap yapılamaz ama bir seferde pek çok eseri piyasaya çıkaramam ve bu bir hesaplamadır” diye açıklıyor. Emilia. Ayrıca kar amacı gütmeyen sanatçı Kabakov'un siparişe göre yaratmaması gerektiğine karar verdi. “En başından beri bir şeyi anladık: Bir çift olarak birlikte hayatta kalacağız: Yap, satmalısın demezsem. Paramız yoksa, bu benim sorunum, maliyetleri düşüreceğiz ama aşırı durumlar dışında satmayacağız,” diye açıklıyor Emilia. Ancak Kabakov'ların stratejisinin bir istisnası var: Müze bunu yaparsa komisyon üzerinde çalışıyorlar.
5 Müze
"Çoğu sanatçı "istediğini" ya da "sattığını" yapar. Kabakov, sanatçılarımızın en kurnazıdır: Rusya'dan ayrıldıktan sonra, sadece herkesi değil, çağdaş sanatta karar veren insanları (müze çalışanları, küratörler, büyük koleksiyoncular vb.) ., ”diyor koleksiyoncu ve müze sahibi çağdaş sanat ART4.ru Igor Markin. Emilia Kabakova, müzenin Kabakov'un eserinin piyasa fiyatını ödeyememesi durumunda, eserin kendisine daha az paraya satılacağını veya kalıcı olarak sergilenmesi şartıyla tamamen bağışlanacağını söylüyor Emilia Kabakova. Genel olarak, ona göre, satılan bir eser için yaklaşık iki bağış var. Strateji meyvesini verdi: Kabakov'un eserleri, ABD'deki Modern Sanat Müzesi ve Solomon Guggenheim Müzesi, Fransa'daki Georges Pompidou Merkezi, Ludwig Müzesi ve Almanya'daki Modern Sanat Müzesi gibi en büyük çağdaş sanat müzelerinin çoğunda bulunuyor. , İngiltere'deki Tate Modern Müzesi, vb. Aidan Galerisi'nin sahibi Aidan Salakhova, önde gelen müzelerin koleksiyonlarına girmek sanatçının eserlerinin maliyetini doğrudan etkilediğinden, buradaki fedakarlık oldukça belirgindir. “Örneğin, bir zamanlar Dubossarsky-Vinogradov'un fiyatları, çalışmalarının Pompidou Merkezi tarafından satın alınmasından ve 25 eserin başkaları tarafından satın alınmasından değil, müzelere girmesinden etkilendi. fiyat hareketinin kaldıracıdır,” diye açıklıyor Salakhova.
6 Kod
Bir koleksiyoncu Forbes'a şunları söylüyor: "Kabakov, küratörlere görmek istedikleri Rusya imajını veriyor ve çoğu zaman bu imaj sahte." Koleksiyoncu bu tür taktiklere olumsuz davranır. Igor Markin, tam tersine, bunun normal olduğunu belirtiyor: “Olağanüstü bir yeteneğe sahip olarak, kendini onların yerine koyarak, beklentilerini doğru bir şekilde hesapladı ve onları parlak bir şekilde yerine getirdi.” Tretyakov Galerisi'nden Kirill Svetlyakov, bunu sanatçı Kabakov için büyük bir artı olarak görüyor. Svetlyakov, “Evet, diğerleri gibi Sovyet materyalleriyle çalıştı, ancak Sovyet materyali Kabakov'un yorumunda okundu, çünkü uluslararası bir dil konuşuyordu” diye açıklıyor Svetlyakov. Tür " toplam kurulum Kabakov'un müzeler ve büyük sergi merkezleriyle çalıştığı ”, Sovyet gayri resmi sanatının hiç çalışmadığı devasa alanları organize etme yeteneğini ima ediyor, bu yüzden meslektaşlarının çoğu Batı müzelerinin büyük salonlarında kayboldu. “Örneğin, nesnenin kendisini büyüttüler, örneğin 10 resim yerine 1000 boyadılar ve Kabakov uzayda ustalaşmanın yollarını arıyordu ve birkaç kişiden biri olan apartman formatından çıkmayı başardı” diyor. Svetlyakov. “Sovyet bilincini bir koda çevirebilen ve onu deşifre edecek anahtarları sunan ilk kişi Kabakov'du, bu da dünyayı işine, dünyayı da işine açtı. Kamensky, 20. yüzyılın ikinci yarısında “Rusya'dan sanatçı” kategorisinden uluslararası sanat yıldızları kategorisine geçen ilk kişi oldu” diye açıklıyor. “Sanatsal ve anlamsal benzersizliği nedeniyle, Rusça'yı sembolize etmeye başladı, uluslararası bir bağlam düzeyine yükseldi, bu da onun için büyük bir izleyici ve pazar izleyicisi yarattı” diye ekliyor.
7 Rus parası
2000'li yılların ortalarında çağdaş sanat fiyatları hızla yükselmeye başladığında, Kabakov açık ara farkla dünyanın en tanınmış Rus temsilcisiydi. Uluslararası seviye. Emilia Kabakova'nın dediği gibi, eserlerinin fiyatları yaklaşık olarak aynı seviyede tutuldu, - taahhütte bulunmadan birkaç yüz bin dolar atlar aşağı veya yukarı. Kamensky, “Çağdaş sanat, yalnızca empresyonist ve modernist piyasayı değil, aynı zamanda komşu şov dünyası piyasasını da büyüme ve yıldız sayısı açısından geride bırakmaya başladığında, o zaman eşi görülmemiş bir yüksekliğe yükseldi” diyor. Sadece Kabakov'un fiyatı aniden yükselmedi - tüm çağdaş sanat pazarı keskin bir şekilde yükseldi, bu da bir noktada dünya pazarında mütevazı bir konuma sahip olan Rus sanatını onunla birlikte çekti. Svetlyakov, kalkışının bu kadar keskin hale gelmesi Rus koleksiyonerlerin esası olduğundan emin. Kabakov ve diğerleri uluslararası müzayedelerde uluslararası sanatçı olarak satıldığı sürece fiyatlar öngörülebilir sınırlar içinde dalgalandı, ancak Rus sanatçılar olarak satılmaya başlayınca durum kontrolden çıktı. “Rus müzayedelerine ağırlıklı olarak Ruslar katılmaya başladığında, fiyatlar artık hiçbir gerçekle karşılaştırılamayacak kadar yükseldi. Kendimizi dünya topluluğunun bir parçası olduğumuza ne kadar ikna edersek edelim, bu takla sonucunda kendimizi bir tür paralel gerçeklikte bulduk ”diyor Svetlyakov. Örneğin Zhuk, Akron'un sahibi Vladislav Kantor (Altın Yüz'de 48 numara, 1,3 milyar dolar) tarafından satın alındı. Bugüne kadar, "Böcek" ve "Lüks", çağdaş Rus sanatının şimdiye kadar satılan en pahalı iki eseri olmaya devam ediyor. Doğru, o zamandan beri karşılaştırılabilir bir ölçek sunan tek bir açık artırma olmadı, ancak er ya da geç bu fiyatların gerçeğe nasıl karşılık geldiğini öğreneceğiz.
Rus ve dünya sanatının ana kavramsal tandem adına Emilia Kabakova, Washington'daki Hirshhorn Müzesi ve Londra'daki Tate Modern'de retrospektifler hakkında konuştu. Sonuncusu 2018'de Hermitage ve Tretyakov Galerisi'nde gösterilecek.
İlya & Emilia Kabakov Koleksiyonu
Tate Modern'deki sergi ne olacak? Hacim olarak ne olacak? Eserler neye göre seçildi?
BİYOGRAFİ
Emilia Kabakova (kızlık soyadı Lekah)
Doğum tarihi ve yeri
1945 , SSCB, Dnepropetrovsk (şimdi Dnipro, Ukrayna)
Eğitim
1952-1958 Moskova'da bir müzik okulunda okudu
1962-1966 Irkutsk ve Dnepropetrovsk'taki müzik okullarında okudu
1973 fakülteden mezun oldu yabancı Diller Moskova Devlet Üniversitesi
yaşam ve kariyer
1973 İsrail'e göç etti
1974-1975 Belçika'da yaşadı
1975'ten beri Faberge'in eserlerinde uzman olarak ilk kez çalıştığı Amerika Birleşik Devletleri'nde yaşıyor, özel bir koleksiyoncuya danışmanlık ve sanat sergilerinin küratörüydü.
1988'den 2017'ye Ilya ve Emilia Kabakov, Bordeaux Şehri Anıtı (Fransa, 2009), Avrupa'dan Amerika'ya Göçmenler Anıtı (Almanya, 2010), Yaşam Kemeri (Japonya, 2015) ve 28 kamu projesi dahil olmak üzere 203 kurulum yaptı: sekizi Almanya, İtalya'da beş, Japonya'da üç, Hollanda'da iki ve ABD, Norveç ve Güney Kore'de birer tane
Başlıca kişisel sergiler
MoMA (New York, 1991), Hirschhorn Museum and Sculpture Garden (Washington, 1991), Documenta (Kassel, 1989, 1992), Ludwig Museum (Köln, 1992, 2002), Stedelijk Museum (Amsterdam, 1993, 1995), Venedik Bienali (1988, 1993, 1995, 1997, 2003, 2007), Centre Pompidou (Paris, 1995), Mori Müzesi (Tokyo, 2003, 2004), MAXXI (Roma, 2004), Devlet Tretyakov Galerisi (Moskova, 2003-2004), 2004-2005), Devlet İnziva Yeri Müzesi (St. Petersburg, 1994, 2004, 2005, 2010, 2013), Puşkin Müzesi im. Puşkin Müzesi (Moskova, 2008), Garage Museum of Contemporary Art (Moskova, 2008), Multimedya Sanat Müzesi (Moskova, 2013), Monumenta at the Grand Palais (Paris, 2014), Çin Bienali (Pekin, 2017) ve diğerleri
Enstalasyonlar Hermitage (St. Petersburg), Tretyakov Galerisi (Moskova), Guggenheim Müzesi (New York), MoMA (New York), Stedelijk Müzesi (Amsterdam), Caixa Forumu (Barcelona), Centre Pompidou koleksiyonlarında yer almaktadır. (Paris), Tate Modern (Londra), Avustralya, Almanya, Norveç, İsviçre, Japonya ve diğer ülkelerdeki müzelerde
Ödüller ve unvanlar
Sanat ve Edebiyat Nişanı Şövalyesi ve Komutanı (Fransa, 1995, 2014). Kaiserring sanat ödülünün sahibi (Goslar, Almanya, 1998). Bern Üniversitesi'nden Fahri Felsefe Doktoru (İsviçre, 2000). Oscar Kokoschka Ödülü sahibi (Viyana, 2002). Sorbonne Üniversitesi'nden Fahri Felsefe Doktorası (Paris, 2007). "Heykel" adaylığında İmparatorluk Ödülü sahibi (Japonya, 2008). Halkların Dostluk Düzeninin Cavalier'i (Rusya, 2008). Fahri Akademisyen Rus Akademisi Sanat (Rusya, 2008). "En İyi Amerikalı Sanatçılar" ödülünün sahibi (Washington, ABD, 2010). İnovasyon Ödülü sahibi (Rusya, 2011). Diğer birçok ödül ve ödülün sahibi
Tate Modern'deki sergi, mümkün olduğu kadar eksiksiz olmayacak olsa da, gerçekten bizim en özgün retrospektifimiz. Başlıklarında “retrospektif” kelimesi geçen birçok serginin aksine, aslında retrospektif değildiler. Belli bir plana göre, belli bir konsepte göre yapılmış sergilerdi, yani toplu yerleştirmelerdi.
Sergide hangi eserler en erken, hangileri en yeni olacak?
Tate Modern'deki sergi için, İlya'nın 1964'te yaptığı ve eksik olduğunu düşündüğümüz ilk kavramsal tablo “Futbolcu” ile başlayan resimler, çizimler, yerleştirmeler, modeller, retrospektif sergi için özel olarak seçildi. Ama aniden tekrar dışarı çıktı ve onu kurtarmayı başardık. Bir de 1950'lerin, 1960'ların, 1970'lerin, 1980'lerin ve en sonunda, 1990'ların, günümüze kadar gelen tabloları var. Tate projesi 1950'lerin sonlarından günümüze kadar olan dönemi kapsamaktadır. son çalışmalar 2017.
Sergilerinizden hangisini en önemli olarak hatırlıyorsunuz?
Şimdi hangi sergilerin en önemli olduğunu (veya hatırlandığını) söylemek zor, ama tabii ki öncelikle 1988'de Ronald Feldman Gallery'deki sergiden, ardından 1992'de Kassel'deki Documenta'dan, Venedik Bienali'nden bahsetmek istiyorum. 1993 yılında Büyük Arşiv yerleştirmesiyle Stedelijk Müzesi'ndeki sergi ve neredeyse inşa ettiğimiz Pompidou Merkezi tüm şehir- "Burada yaşıyoruz" (1995). Ayrıca MoMA (“The Bridge”, 1991) ve Monumenta çerçevesinde gerçek bir şehir inşa ettiğimiz Paris'teki Grand Palais (“Strange City”, 2014) projeleri de önemliydi.
Şimdi Rusya'daki sergilerden bahsetmiyorum (ilk sergi 2004 yılında Hermitage'da "" Müzedeki Olay "ve diğer enstalasyonlar", Stella Sanat Vakfı'nın yardımıyla düzenlendi. - TANR). Bizim için, bir yandan, “dönüş”ün inanılmaz derecede güçlü bir izlenimiydi ve diğer yandan, ruh ve dünya görüşü olarak bize çok yakın olan insanlar dışında çok az insanın anladığı garip bir his yaşadık. Bu sergilerin içeriği. Özellikle Garajdaki sergi (2008'deki Alternatif Sanat Tarihi. — TANR), hem tam bir kurulum hem de saf bir konseptti, ancak birçok kişi tarafından geriye dönük olarak algılandı. Her ne kadar yanılıyor olsak da.
Sonbaharda Washington'daki Hirshhorn Müzesi'nde de bir serginiz olacağını söylemiştiniz. Oraya ne girecek?
Bu sergi geçmişe nostaljik bir yürüyüş gibi. Gerçek şu ki, Amerika'daki ilk gerçek müze sergimiz 1991'de bu müzede açıldı, kişisel bir grup değil.
“On Karakter” yerleştirmesi o zaman sergilendi ve bu müzenin güvenlik görevlisiyle “ortak apartmanların” ne olduğu ve insanların zorla koşullara yerleştirildiği küçücük bir alanda azgın tutkular hakkında konuşmamı hatırlıyorum. hayatı boyunca yan yana yaşamak zorunda kalır. Aşk ve nefret hakkında, kavgalar ve karşılıklı destek hakkında, kollektif insan simbiyozunun garip bir fenomeni hakkında. Serginin ziyaretçilere açılmasından sonra, küratör İlya ve ben salonlarda dolaşıyorduk ve aniden güvenlik görevlimizi duyduk ve gördük ve büyük bir coşkuyla bir grup ziyaretçiye sanatçının niyetini anlattık. Tabii ki, “Bunun için değil, sergi alanını koruması için ona para ödüyoruz” diyen küratörün aksine, bundan memnun kaldık.
Eylül ayında gerçekleştirdiğimiz ve gerçekleşmeyen projelerimizin modellerini göstereceğiz. Amerika'da bir ev aldığımızda ve burada birkaç bina inşa ettiğimizde, “gerçekleşmemiş projeler müzesi” yaratma fikri ortaya çıktı. Şimdi, 20 yıl sonra, birçoğu zaten gerçek oldu, ancak çok sayıda, büyük olasılıkla, "gerçekleşmemiş" statüsünde kalacak.
İlya ve Emilia Kabakov. "Liya Mironovna Kovaleva: "Bu kimin kepçesi?" 1989. Tuval, yağ, metal
Amerika, Avrupa ve Rusya'da sergi hazırlıkları farklı mı?
Oldukça garip bir soru. Çalıştığımız veya çalışmakta olduğumuz bu müzelerde kurumlar, kompozisyonları, küratörleri ve insan grupları farklıdır.
Bu arada, en iyisi kolay iş, iki durum nedeniyle Moskova Garajında gerçekleşti. Dasha Zhukova herhangi bir şikayete anında tepki verdi (ve şikayet edilecek bir şey vardı: yeniden yapılanmadan sonra Melnikovsky garajında kapı yoktu, çatı sızdırıyordu vb.). Ve elbette, tüm inşaatı denetleyen Alexander Starovoitov'un çalışması ("Alternatif Sanat Tarihi" toplam kurulumunun) harikaydı. TANR), gelecek yıl Tretyakov Galerisi'nde bir retrospektif yapacağımız (oraya Tate Modern'den taşınacak, ancak genişletilecek).
Ve ikinci sergi, haftanın 18 günü, günde 24 saat çalışmamıza rağmen, Paris Monumenta'daki Grand Palais'de aynı derecede kolaydı. 100 kişi bizimle çalıştı. Küratörümüz, dünyanın en iyi küratörlerinden biri olan Jean-Hubert Martin'di.
Olga Sviblova'nın Moskova Multimedya Sanat Müzesi'ndeki sergide de her şey çok iyi yapıldı (“Ütopya ve Gerçeklik? El Lissitzky, Ilya ve Emilia Kabakov” 2013. — TANR). Her şey net bir şekilde, zamanında, sorunsuz bir şekilde gerçekleştirildi. İki Olgas orada her şeyi mükemmel bir şekilde organize etti: ilk olarak, Olga Sviblova'nın kendisi ve ikincisi, Sviblova'nın sağ eli Olga Nestertseva.
Dolayısıyla projelerin hazırlanması konusunda çok şanslı olduğumuzu söyleyebiliriz. Ve çeşitli nedenlerle en zoru, Paris'teki Pompidou Merkezi'ndeki ve Amsterdam'daki Stedelijk Müzesi'ndeki sergilerdi.
İlya ve Emilia Kabakov. "Yukarı bakıyor. kelimeleri okumak" . 1997. Münster'de kurulum çizimi
Yakın gelecekte hangi sergileri planladınız ve orada neler göstereceksiniz?
Tüm fuarlar 2022 yılına kadar planlanmıştır. Ancak şimdiye kadar bunlar sadece planlar: gerçeklik, şimdi yaş ve sağlık nedenlerinden dolayı bunları gerçekleştirmeyi her zaman mümkün kılmıyor.
Örneğin, 2018-2019 için ABD, Dallas'taki Dallas Contemporary'de, fevkalade iyi ve ilginç bir sergi yapabileceğiniz devasa bir alana sahip bir retrospektif planlanıyor.
New Paltz'daki Samuel Dorsky Sanat Müzesi (New York, ABD. — TANR) üniversitede açık, bu yüzden orada öğrencilerle birlikte çalışacağız.
Nisan 2018'de Rostock'ta bir sergi planlanıyor, ardından Berlin ve Münih'te sergiler olacak.
"Hoşgörü Gemisi" enstalasyonu şu anda Roma'da gösteriliyor. Bunu Vatikan (ve bizzat Papa ile) ve İtalya Eğitim Bakanlığı ile birlikte yaptık. Ayrıca bu proje Londra, Oslo, Rostock, Washington ve Palermo'da gösterilmek üzere hazırlanıyor. En iyi şekilde, 4.000 çocuğun ve ebeveynlerinin, şehrin sıradan sakinlerinin ve bakımevlerinden gelen hastaların yanı sıra en kalabalık ülkelerden gelen mültecilerin bulunduğu İsviçre'nin Zug kentinde yapıldı. Farklı ülkeler. Üç ilin müze ve belediye başkanları, proje programını daha önce hiç yapılmamış bir şekilde gerçekleştirdi. Şimdi bu programın İsviçre'deki diğer şehirlerde uygulanmasına yardımcı oluyorlar.
Yakın gelecekte Rusya'da planlanan herhangi bir sergi veya sanat projesi var mı?
İlk olarak, Şubat 2018'de Londra'daki Tate Modern'den bir retrospektif, Devlet Hermitage Müzesi'ne taşınacak, ardından gelecek yıl Eylül ayında Krymsky Val'deki Yeni Tretyakov Galerisi'nde gösterilecek.
İlya ve Emilia Kabakov. "Mart 1961'den önce yapmam gerekenlerin listesi." 1989. Sunta üzerine dört parça (kumaş), yağ ve emaye
En iyi nerede çalışıyorsun?
İlya'nın resim yaptığı ve tüm projeler ve sergiler için planlar geliştirdiğimiz evde (özellikle yaratıcı çalışma hakkında soruyorsanız) çalışmak en iyisidir.
Bilgisayarı ne sıklıkla ve nasıl kullanıyorsunuz?
İlya sadece bilgisayar değil, telefon bile kullanmıyor. Bilgisayarımı esas olarak iletişim için kullanırım: posta, Skype, haberler ve internette ilginç bir şey bulursam İlya için Rusça makaleler de basarım.
Bilgisayar ve İnternet sanatın gelişimini etkiler mi?
Bu, bilgisayarı sanat eserleri yaratmak için kullanan çağdaş sanatçılara sorulmalıdır. Bu soruya cevap veremeyiz.
Mevcut Rus sanatı uluslararası bağlamda nasıl görünüyor?
Rusya'da yaşamadığımız için çağdaş Rus sanatını yargılayamayız. Her yerde ve her zaman olduğu gibi, Rusya'da çok ilginç sanatçılar var ve sadece kötü olanlar var.
Şimdi sanatın krizi hakkında çok şey konuşuluyor. Bundan kurtulmanın bir yolu var mı yoksa bu durum sonsuza kadar sürecek mi?
Hiç kimse sanatın krizinden bahsetmedi mi? Eski sanat tarihi dergilerine, eski sanatçıların makalelerine, eleştirmenlere ve sanat eleştirmenlerine bakın.
Sizce modern sanat hangi aşamadan geçiyor?
Bir öncekinden hemen sonra gelen bir sonraki aşama. Artık paranın zaferi, piyasa ve diğer trajik koşullardan bahsedebiliriz. modern dünya genel olarak ve özellikle sanat. Ancak son zamanlarda Rönesans sanatçılarının yaptıkları iş için müşterilere nasıl fatura gönderdiği ve bunları nasıl değerlendirdiği hakkında bir kitap okudum... O yüzden şu anki durum hakkında yorum yapmasam iyi olur.
İlya Kabakov. "Futbol oyuncusu". 1964. Tuval üzerine yağlı boya
Çeşitli bienallere katılım sizin için ne kadar önemli?
Elbette, bir zamanlar uluslararası projelerdeki genel durum ve atmosferin tamamen farklı olması çok ilginçti. O zamanlar herkesin en iyi olmak istediği, ancak aynı zamanda bir dostluk duygusunun geliştiği bir sanatçılar topluluğu vardı. Bu devasa sergilerin kültürel ve tarihi önemi son derece önemliydi. Ve o zamanlar Venedik Bienali ve Documenta'nın Harald Szeemann, Germano Celant, Jean-Hubert Martin, Robert Storr ve diğerleri gibi son derece yetenekli küratörler tarafından düzenlenen büyük tematik projeler olduğu için şanslıydık.
Bugün dünyada çok fazla bienal var ve açıkçası onlara katılamıyoruz. Güç yok. Şu anda Ermenistan Birinci Trienali ve Vladivostok Bienali'ne katılıyoruz. Ama artık oraya gidemeyiz.
Kavramcılık yaşıyor mu? Rusya'daki mevcut siyasi durum ona yardım mı ediyor yoksa onu engelliyor mu?
Elbette yaşıyor. Sistemin kendisi inanılmaz bir kavramdır. Sanatsal bir fenomen olarak kavramsallığa gelince, Rusya'da yaşayanlara sormanız gerekir: Andrei Monastyrsky, Elena Elagina, Igor Makarevich ve diğer aktif sanatçılar.
Rus kavramsalcılığının kurucu babaları ve onların takipçileri çevresinde kişisel ve yaratıcı bağlar korundu mu?
Bazı bağlantılar kaldı, bazıları kayboldu. Zaten belirli insanlara ve aralarındaki ilişkiye, her türlü yaşam durumuna bağlıdır. Bütün bunları açıklamak çok zor, ama prensipte, bize yakın düşünen insanların arkadaşımız olduğunu ve kaldığını söyleyebiliriz. Gerisi sadece yaşam tarafından alındı.
İlya ve Emilia Kabakov. "Köprü". 1991. Kurulum çizimi
Modern Rus edebiyatını takip ediyor musunuz? Burada seni ilgilendiren bir şey var mı? Akunin, Pelevin, Ulitskaya, Sorokin?
Nadiren Rusça kitap okurum. Sadece şiir ve sadece klasik. İlya sadece Rusça okur, ancak bunlar çoğunlukla sanat kitaplarıdır. Ya da şiir, klasik edebiyat, onun için bulduğum makaleler, anılar, biyografiler, Vladimir Sorokin ve Boris Groys, Mikhail Epstein'ın metinleri.
Groys dışında hangi eleştirel metinler ve işinize ilişkin yorumlar size en yakın?
Her şeyden önce, tabii ki Robert Storr ve Matthew Jesse Jackson. Ve bunların yanı sıra, bizim çalışmalarımız da dahil olmak üzere Rus sanatçılar hakkında yazan birçok Batılı sanat tarihçisi var. Genellikle bunlar çok ilginç ve profesyonel yorumlardır.
Opera manzarasının etkisi, “Toplam Kurulum Üzerine” ders dizisinde açıklanan toplam kurulumların çalışma biçiminden farklı mı?
Bir tiyatroda hiç opera prodüksiyonu üzerinde çalışmadık. Biz sadece bu enstalasyonun içinde opera sahnelemek için kullanılan bir enstalasyon yapıyorduk. Buradaki tek fark, tiyatroda izleyicinin dışarıda oturması ve oyuncunun tüm yerleştirmenin içinde olması, müzede ise izleyicinin aynı zamanda oyuncu olmasıdır. İçeride olduğu ve yerleştirmede ilerlediği için, aslında sanatçının kendisi için tasarladığı rolü "oynuyor".
Hayatının sonunda Madrid Kraliyet Tiyatrosu'nun baş şefi ve sanat yönetmeni olan Bochum'daki Salzburg'daki müzik festivalinin yönetmeni olan ünlü impresario Gerard Mortier ile birkaç kez çalıştığımız için şanslıydık. Bu adam, olduğu gibi, Sergei Diaghilev'in modern reenkarnasyonuydu.
Ortak bir apartman dairesinde yaşama eşlik eden korkudan bahsettiniz. Bu korku zamanla azaldı mı? Hala korkuyor musun?
Hiç ortak bir apartman dairesinde yaşamadım ve genel olarak korku hissim yok ve asla olmadı.
Sanatsal yaratıcılığın başarısı ve "doğruluğu" için paranın yanı sıra kriterler var mı?
Finansal başarı bizim için hiçbir zaman bir başarı ölçüsü olmadı. İlya asla “satılık” işler (resimler, çizimler ve enstalasyonlar) yapmadı. Bu nedenle çok fazla koleksiyonerimiz yok. Eserlerimiz esas olarak müze alanları, müze izleyicileri, sanat tarihçileri için tasarlanmıştır, ancak belirli bir koleksiyoncu için değil. Çalışmamızın muhatabı her zaman sanat tarihi, kültür tarihi olmuştur.
Bir sanatçı aç mı yoksa tok mu olmalı?
Üzgünüm ama bu çok akıllıca bir soru değil. Bir sanatçı, her şeyden önce bir sanatçı olmalıdır ve bunun nasıl olacağına kader karar verecektir.
İlya ve Emilia Kabakov. "Korku İki Anıları". 1990. Berlin'de bir enstalasyonun çizimi
Sanat elitist mi olmalı, ulaşılabilir mi?
Sanat kitleleri kendi seviyesine yükseltmeli ama asla kitlelerin seviyesine inmemelidir.
Sanat hayatta yardımcı olur mu? İş sırasında kazanılan deneyim, özel hayatınızın faydalarına nasıl dönüşüyor?
Sanat bizim tüm hayatımızdır, bu yüzden bu soruyu cevaplamamız imkansız. Pratikte mahremiyetimiz yok.
Faaliyetin ana sonucunun olduğunu söylemek doğru mu? çağdaş sanatçı kendisi mi yoksa onun hakkındaki efsane mi?
Sanatçının faaliyetinin ana sonucu, eseri, tüm yaratıcılığıdır. Görünüşe göre, sen ve ben farklı düşünüyoruz, çünkü böyle bir soru aklıma bile gelmezdi.
Diğer sanat dallarında neler olup bittiğini takip ediyor musunuz?
Sanat dünyasında yaşamak ve aynı zamanda etrafta olup biteni takip etmemek imkansızdır. Dünya çok hızlı değişiyor ve sürekli yeni, genç sanatçılar, yazarlar, yönetmenler geliyor. Bizim için son derece ilginçler.
Operaya gider misin, televizyon izler misin?
Operaya, baleye ve konserlere her zaman, her yerde gideriz. Doğru, şimdi, İlya'nın kendini pek iyi hissetmemesi nedeniyle, tüm bunlar sınırlı. Ama torunlarımız profesyonel müzisyen oldukları için konserlerine gidiyoruz bazen de gelip evimize konser veriyorlar.
İTİBAREN drama tiyatrosu incelikler nedeniyle durum daha sorunlu görünüyor İngilizce dili, ancak bazen - ancak, çok nadiren - bu tür performanslara gidiyoruz.
Moskova'da veya St. Petersburg'dayken hemen hemen her zaman tiyatroya gideriz. Eylül ayında Moskova'da sadece bir gün kaldım ama Bolşoy'a gittim. İlya ile geldiğimizde, hep tiyatroya Pyotr Fomenko'ya gittik.
Kitap okur musun, sinemaya gider misin? Hollywood genel olarak iyi mi kötü mü?
Kitap okuruz, sinemaya gideriz, film izleriz. Hollywood bir "rüya fabrikasıdır" ve herhangi bir rüya, herhangi bir fantezi gibi, ya iyi bir şekilde ya da hiçbir şekilde somutlaştırılmamıştır, sadece vasattır. Sadece başkaları tarafından zaten kontrol edilenleri izlemeye çalışıyoruz. Leviathan'ı yeni izledim. Sadece harika bir film! Çok uzun bir süre tamamen umutsuzluk izleniminden uzaklaştık.
Hangi bestecileri dinliyorsunuz?
İlya, Chopin, Mozart, Prokofiev, Bach ve benzerlerinin müziğine çalışır. Genellikle romantizm içerir, ancak yalnızca iyi performansta. Ama çoğunlukla sadece klasik müzikle çalışıyor. Büyük bir kayıt koleksiyonumuz var. Genellikle İlya çizdiğinde, kendisi şarkı söyler. Ayrıca stüdyoda telefon yok, bu yüzden hiç kimse ve hiçbir şey işten dikkati dağıtmıyor.
Hirshhorn Müzesi, Washington
İlya ve Emilia Kabakov. "Ütopik projeler"
7 Eylül 2017 - 4 Mart 2018
Tate Modern, Londra
İlya ve Emilia Kabakov. “Herkes geleceğe alınmayacak”
10 Ekim 2017 - 28 Ocak 2018
İki hikaye ve oldukça dedektif bir son.
Markin'in çalışmalarını düzenli olarak satın aldığı Kabakov hakkındaki hikayesi ve sanatçının ailesinin koleksiyoncu Markin'i kendi pisliklerinde boğduğu Kabakov'ların büyüleyici tepkisi.
1. Markin'in hikayesi.
İlya Kabakov'u ziyaret etmek
ile başlayalım
bütün akşam balık kustum
Emilia Kabakova tarafından özenle hazırlanmış
Şimdi, sırayla
benden 350.000$ sponsorluk istemeden önce
Ustanın yeğeni yaptıklarını gösterdi
onlarca özenle yapılmış anıt ve enstalasyon modelleri.
Mevcut işleri
yarışmalara katılmak
ve büyük ölçekli projeleri hayata geçirmek
kazanılırsa birkaç milyon dolar değerinde.
Projeler genellikle iyidir.
ama bir şaheser yaratmak için yapılmazlar.
ama aynı kazanç için.
Gördüklerim arasında:
1. Kanatlar, koleksiyonumda olduğu gibi,
işe alınan iki asistan tarafından in-line olarak üretildi
toplam dolaşımın ne olduğunu hayal etmek bile zor
2. Stokta benimkiyle aynı olan birkaç tabure var,
sadece 10, belki daha fazla olmak üzere 5 parçadan oluşan ek bir baskı yayınladı.
Ve henüz iki saat New York boşa gitmedi
Usta bizimle 40 dakika konuştu
ve belki de asıl şeyi söyledi.
Ayrıca Ağustos'ta Müze'de bir konferans sözü verdiler.
sadece 350 bin yüzünden üzülmedim
2. Ve işte Emilia Kabakova'nın muhteşem cevabı:
Emilia Kabakov, Igor Markin'in ziyaretiyle ilgili açıklamasına (burada IZO'da, burada Rusça olarak Markin'in blogunda) bir yanıt gönderdi ve benden bunu yayınlamamı istedi; Bunu yapmaktan memnunum.
Sevgili Igor,
hastalandığın için üzgünüm. İnandığımdan değil. Ya da belki daha az içmelisin?
Sadece şunu söylemek istiyorum "Senin gibi birine sanat göstermeye kesinlikle değmez. Göremezsin, anlayamazsın, takdir edemezsin. Her şeyde sadece dolar işaretini görürsün.
Evet, büyük projeler yapıyoruz. Evet yarışmalara katılıyoruz ama hiçbir zaman para için bir şey yapmadık. Kamu projelerinin bütçelerinde asla milyonlarca dolar olmaz.
Ve senin aksine biz sanata, kültüre ve diğer insanlara saygı duyuyoruz. Ama sonra insanlarla, sanatla ve kültürel kurumlarla çalışıyoruz.
Umarım daha iyi hissedersin.
İngilizce bilmeyenler için, tüm bunlar Moskova dili tarafından şöyle çevrilmiştir:
Sevgili Igor,
Kendini hasta hissetmene çok üzüldüm. Buna pek inanmasam da. Belki daha az içmeye ihtiyacın var? Sadece senin gibi insanlara kesinlikle sanat göstermemen gerektiğini söylemek istiyorum. Onu göremiyor, anlayamıyor ve takdir edemiyorsunuz. Her şeyde sadece doları görüyorsunuz. Evet, büyük projeler yapıyoruz. Evet, yarışmalara katılıyoruz ama hiçbir zaman para için bir şey yapmadık. Kamu projelerinin hiçbir zaman milyon dolarlık bütçeleri olmadı. Ve senin aksine biz sanata, kültüre ve diğer insanlara saygı duyuyoruz. Ama sonra insanlarla, sanatla ve kültür kurumlarıyla çalışıyoruz.
Umarım daha iyi hissedersin.
Rus düşüncesinin bu çok değerli mektup anıtı hakkında mütevazi görüşümü ifade etmeme izin verin:
Markin'in mektubu:
1. Kaba, alaycı, ironik.
2. Markin aşırı sert ve açık sözlüdür.
3. Markin, genel kabul görmüş nezaket ve nezaket normlarına uymaz.
4. Markin'in mektubu, Emilia Kabakov'un ticari sırlarını ortaya koyuyor ve aynı zamanda, bir koleksiyoncu olarak Markin'e zarar veren aşırı para sevgisine dair bir sitem içeriyor, çünkü nesnelerin kopyalanması onların değerini düşürüyor ve Markin zaten bir dizi Kabakov'un eşyalarını satın aldı ve bu arada büyük paralar karşılığında.
Emily'nin cevabı:
1. Zehirlenme konusunda karşılıklı insanlık dışı tükürme içerir.
2. Sarhoşluk suçlaması içerir.
3. Emilia parayla ilgilenmiyormuş gibi davranıyor. Sonuçta, bir sanat nesnesi sanat uğruna yapılır, ancak onları çoğaltmak ve sponsorluk talepleri sadece para uğruna. Halihazırda yüksek meblağlarda sanat ürünleri satılmış ve ayrıca büyük miktarda sponsorluk talep edilmiş bir kişiye, insanların paraya karşı ilgisizliklerinden bahsetmeleri tuhaftır.
4. Bir dizi kaba kişisel saldırı içeriyor ve açıkçası nesnel olarak hak edilmemiş, çünkü Markin yalnızca Rusya'daki ilk müzenin yaratıcısı değil çağdaş sanat, aynı zamanda Kabakov'un eserlerinin alıcısı ve bildiğiniz gibi Kabakov'un kendisini çok takdir ettiği diğer sanatçıların bir dizi eseri.
Sonuç:
Benim için para sevgisini gizlemeyen Markin'in kabalığı ve açık sözlülüğü bekleniyordu.
Ama benim için, Emilia Kabakova'nın daha da büyük kabalığı ve paraya karşı kayıtsızlığına dair inandırıcı olmayan güvenceleri şok edici bir sürprizdi.
Kabakov'lara her zaman Groy'lara davrandığım gibi davrandım, onları kurnaz entelektüeller, ikiyüzlülükten ve kabalıktan aciz insanlar olarak değerlendirdim. Rafine bir entelektüel üzerine tükürülürse, daha güçlü bir tükürükle karşılık veremez. Sanat krallığımızda yolunda gitmeyen bir şeyler var...
