İki hikaye ve oldukça dedektif bir son.
Markin'in çalışmalarını düzenli olarak satın aldığı Kabakov hakkındaki hikayesi ve sanatçının ailesinin koleksiyoncu Markin'i kendi bokunda boğduğu Kabakov'ların büyüleyici tepkisi.

1. Markin'in hikayesi.
İlya Kabakov'u ziyaret

ile başlayalım
bütün akşam balık kustum
Emilia Kabakova tarafından özenle hazırlanmış

Şimdi, sırayla
benden 350.000 $ sponsorluk istemeden önce
Ustanın yeğeni yaptıklarını gösterdi
düzinelerce özenle yapılmış anıt ve enstalasyon modeli.
Şu anki işleri
yarışmalara katılmak
ve büyük ölçekli projeleri hayata geçirmek
kazanılırsa birkaç milyon dolar değerinde.
Projeler genelde iyidir.
ama bir şaheser yaratmak adına yapılmazlar
ama aynı kazanç için.

Gördüklerim arasında:

1. Koleksiyonumdaki gibi kanatlar,
iki kiralık asistan tarafından sıralı olarak üretilir
toplam tirajın ne olduğunu hayal etmek bile zor

2. Stokta benimkiyle aynı birkaç tabure var.
5 parçalık ek bir baskı yayınladı, sadece 10, belki daha fazla.

Ve henüz iki saat New York boşa gitmedi
Usta bizimle 40 dakika konuştu
ve belki de asıl şeyi söyledi.

Ayrıca Ağustos'ta Müze'de bir konferans sözü verdiler.
sadece 350 bin yüzünden üzülme

2. Ve işte Emilia Kabakova'nın muhteşem cevabı:

Emilia Kabakov, Igor Markin'in ziyaretiyle ilgili açıklamasına bir yanıt gönderdi (burada IZO'da, burada Rusça olarak Markin'in blogunda) ve bunu yayınlamamı istedi; Bunu yapmaktan memnunum.

Sevgili İgor,
hasta olduğun için üzgünüm İnandığımdan değil. Ya da belki daha az içmelisin?
Sadece şunu söylemek istiyorum ki sizin gibi birine sanat göstermeye kesinlikle değmez. Onu göremez, anlayamaz, takdir edemezsiniz. Her şeyde sadece doların imzasını görürsünüz.
Evet, büyük projeler yapıyoruz. Evet yarışmalara katılıyoruz ama hiçbir zaman para için bir şey yapmadık. Kamu projelerinin bütçelerinde hiçbir zaman milyonlarca dolar olmaz.
Ve senin aksine biz sanata, kültüre ve diğer insanlara saygı duyuyoruz. Ama sonra insanlarla, sanatla ve kültürel kurumlarla çalışıyoruz.
Umarım daha iyi hissedersin.

İngilizce bilmeyenler için tüm bunlar Moskova diline şu şekilde çevrilmiştir:

Sevgili İgor,
Kendini hasta hissettiğin için çok üzgünüm. Buna gerçekten inanmama rağmen. Belki sadece daha az içmeye ihtiyacın var? Sadece sizin gibi insanlara kesinlikle sanat göstermemeniz gerektiğini söylemek istiyorum. Onu göremez, anlayamaz ve takdir edemezsin. Her şeyde sadece doları görüyorsun. Evet, büyük projeler yapıyoruz. Evet, yarışmalara katılıyoruz ama hiçbir zaman para için bir şey yapmadık. Kamu projelerinin hiçbir zaman milyon dolarlık bütçeleri olmadı. Ve senin aksine biz sanata, kültüre, diğer insanlara saygı duyuyoruz. Ama sonra insanlarla, sanatla ve kültürel kurumlarla çalışıyoruz.
Umarım daha iyi hissedersin.

Rus düşüncesinin bu çok değerli mektup anıtı hakkında naçizane görüşümü ifade etmeme izin verin:
Markin'in mektubu:
1. Kaba, alaycı, alaycı.
2. Markin aşırı sert ve açık sözlü.
3. Markin, genel kabul görmüş nezaket ve nezaket normlarına uymaz.
4. Markin'in mektubu, Emilia Kabakov'un ticari sırlarını ortaya koyuyor ve aynı zamanda, onun bir koleksiyoncu olarak Markin için zararlı olan aşırı para sevgisine yönelik bir suçlama içeriyor, çünkü nesnelerin çoğaltılması onların değerini düşürüyor ve Markin, Kabakov'un bir dizi nesnesini zaten satın aldı ve bu arada , büyük para karşılığında.

Emily'nin cevabı:
1. Zehirlenme konusunda insanlık dışı karşılıklı tükürme içerir.
2. Sarhoşluk suçlaması içerir.
3. Emilia parayla ilgilenmiyormuş gibi davranıyor. Ne de olsa, bir sanat nesnesi sanat uğruna yapılır, ancak bunların çoğaltılması ve sponsorluk talepleri yalnızca para uğruna yapılır. Halihazırda yüksek meblağlara sanat eseri satılmış ve ayrıca yüklü miktarda sponsorluk istenmiş bir kişiye insanların paraya olan kayıtsızlıklarından bahsetmeleri gariptir.
4. Bir dizi kaba kişisel saldırı içerir ve açıkça nesnel olarak hak edilmemiştir, çünkü Markin sadece Rusya'daki ilk müzenin yaratıcısı değildir. çağdaş sanat, aynı zamanda Kabakov'un eserlerinin yanı sıra, bildiğiniz gibi Kabakov'un kendisinin çok takdir ettiği diğer sanatçıların bir dizi eserinin alıcısı.

Sonuç:
Benim için para sevgisini gizlemeyen Markin'in kabalığı ve açık sözlülüğü bekleniyordu.
Ama benim için Emilia Kabakova'nın daha büyük kabalığı ve paraya kayıtsız olduğuna dair inandırıcı olmayan güvenceleri şok edici bir sürprizdi.
Kabakov'lara her zaman Groy'lara davrandığım gibi davrandım, onların ince entelektüeller olduğunu, ikiyüzlülük ve kabalıktan aciz olduklarını düşündüm. İnce bir entelektüelin üzerine tükürülürse, daha güçlü bir tükürükle karşılık veremez. Sanat krallığımızda bir şeyler ters gidiyor...

Rus ve dünya sanatındaki ana kavramsal tandem adına Emilia Kabakova, Washington'daki Hirshhorn Müzesi ve Londra'daki Tate Modern'deki retrospektifler hakkında konuştu. Sonuncusu 2018'de Hermitage ve Tretyakov Galerisi'nde gösterilecek.

Ilya & Emilia Kabakov Koleksiyonu

Tate Modern'deki sergi ne olacak? Hacim olarak ne olacak? Eserler neye göre seçildi?

BİYOGRAFİ

Emilia Kabakova (kızlık soyadı Lekah)

Doğum tarihi ve yeri

1945 , SSCB, Dnepropetrovsk (şimdi Dnipro, Ukrayna)

Eğitim

1952-1958 Moskova'da bir müzik okulunda okudu

1962-1966 Irkutsk ve Dnepropetrovsk'taki müzik okullarında okudu

1973 fakülteden mezun oldu yabancı Diller Moskova Devlet Üniversitesi

yaşam ve kariyer

1973 İsrail'e göç etti

1974-1975 Belçika'da yaşadı

1975'ten beri Amerika Birleşik Devletleri'nde yaşıyor, ilk olarak Faberge'nin eserlerinde uzman olarak çalıştı, özel bir koleksiyoner danışmanı ve sanat sergileri küratörüydü.

1988'den 2017'ye Ilya ve Emilia Kabakov, aralarında Bordeaux Şehri Anıtı (Fransa, 2009), Avrupa'dan Amerika'ya Göçmenler Anıtı (Almanya, 2010), Yaşam Kemeri (Japonya, 2015) ve 28 kamu projesi dahil olmak üzere 203 enstalasyon yaptı: sekizi Türkiye'de Almanya, İtalya'da beş, Japonya'da üç, Hollanda'da iki ve ABD, Norveç ve Güney Kore'de birer

Başlıca kişisel sergiler

MoMA (New York, 1991), Hirschhorn Müzesi ve Heykel Bahçesi (Washington, 1991), Documenta (Kassel, 1989, 1992), Ludwig Müzesi (Köln, 1992, 2002), Stedelijk Müzesi (Amsterdam, 1993, 1995), Venedik Bienali (1988, 1993, 1995, 1997, 2003, 2007), Centre Pompidou (Paris, 1995), Mori Museum (Tokyo, 2003, 2004), MAXXI (Roma, 2004), State Tretyakov Gallery (Moskova, 2003-2004), 2004-2005), Devlet İnziva Yeri Müzesi (St. Petersburg, 1994, 2004, 2005, 2010, 2013), Puşkin Müzesi im. Puşkin (Moskova, 2008), Müze çağdaş sanat Garaj (Moskova, 2008), Multimedya Sanat Müzesi (Moskova, 2013), Grand Palais'deki Monumenta (Paris, 2014), Çin Bienali (Pekin, 2017) ve diğerleri

Enstalasyonlar Hermitage (St. Petersburg), Tretyakov Galerisi (Moskova), Guggenheim Müzesi (New York), MoMA (New York), Stedelijk Müzesi (Amsterdam), Caixa Forum (Barselona), Centre Pompidou koleksiyonlarında yer almaktadır. (Paris), Tate Modern (Londra), Avustralya, Almanya, Norveç, İsviçre, Japonya ve diğer ülkelerdeki müzelerde

Ödüller ve unvanlar

Şövalye ve Sanat ve Edebiyat Düzeni Komutanı (Fransa, 1995, 2014). Kaiserring sanat ödülü sahibi (Goslar, Almanya, 1998). Bern Üniversitesi'nden Fahri Felsefe Doktoru (İsviçre, 2000). Oscar Kokoschka Ödülü sahibi (Viyana, 2002). Sorbonne Üniversitesi'nden Fahri Felsefe Doktorası (Paris, 2007). "Heykel" adaylığında İmparatorluk Ödülü sahibi (Japonya, 2008). Halkların Dostluk Düzeni Şövalyesi (Rusya, 2008). Fahri Akademisyen Rus Akademisi Sanat (Rusya, 2008). "En İyi Amerikalı Sanatçılar" ödülünün sahibi (Washington, ABD, 2010). İnovasyon Ödülü sahibi (Rusya, 2011). Diğer birçok ödül ve ödülün sahibi

Tate Modern'deki sergi, mümkün olduğu kadar eksiksiz olmasa da, gerçekten bizim en özgün retrospektifimiz. Adlarında “retrospektif” geçen birçok serginin aksine, aslında retrospektif değillerdi. Belli bir plana göre, belli bir konsept etrafında inşa edilmiş, yani topyekûn enstalasyonlardı.

Sergide yer alan en eski, en yeni eserler hangileri olacak?

Tate Modern'deki sergi için, eserler özellikle retrospektif sergilemek üzere seçildi: İlya'nın 1964'te yaptığı ve kayıp olduğunu düşündüğümüz ilk kavramsal tablosu “Futbolcu” ile başlayan tablolar, çizimler, enstalasyonlar, maketler. Ama aniden tekrar dışarı çıktı ve onu kurtarmayı başardık. Ve sonra 1950'lerin, 1960'ların, 1970'lerin, 1980'lerin ve en sonunda 1990'ların tabloları var, günümüze kadar. Tate projesi 1950'lerin sonundan başlayıp son eserler 2017.

En önemli sergilerinizden hangisini hatırlıyorsunuz?

Şimdi hangi sergilerin en önemli olduğunu (veya hatırlandığını) söylemek zor, ama tabii ki öncelikle 1988'de Ronald Feldman Gallery'deki sergiden, ardından 1992'de Kassel'deki Documenta'dan, Venedik Bienali'nden bahsetmek istiyorum. 1993 yılında Büyük Arşiv enstalasyonu ile Stedelijk Müzesi'ndeki sergi ve neredeyse inşa ettiğimiz Pompidou Merkezi tüm şehir- "Burada yaşıyoruz" (1995). MoMA'daki (“Köprü”, 1991) ve Monumenta (“Strange City”, 2014) çerçevesinde gerçek bir şehir inşa ettiğimiz Paris'teki Grand Palais'deki projeler de önemliydi.

Şimdi Rusya'daki sergilerden bahsetmiyorum (ilki sergiydi) "Müzedeki Olay" ve 2004 yılında Hermitage'deki diğer enstalasyonlar, Stella Sanat Vakfı'nın yardımıyla düzenlendi. — TANR). Bizim için bir yandan inanılmaz derecede güçlü bir “dönüş” izlenimiydi, diğer yandan orada ruhen ve dünya görüşü olarak bize çok yakın olan insanlar dışında çok az kişinin anladığı garip bir duygu yaşadık. Bu sergilerin içeriği. Özellikle Garaj'daki sergi (2008'de Alternatif Sanat Tarihi. — TANR), bu hem tam bir enstalasyon hem de saf bir konseptti, ancak birçok kişi tarafından retrospektif olarak algılandı. Her ne kadar yanılıyor olsak da.

Sonbaharda Washington'daki Hirshhorn Müzesi'nde de bir serginizin olacağını söylemiştiniz. Oraya ne girecek?

Bu sergi geçmişe nostaljik bir yürüyüş gibi. Gerçek şu ki, 1991'de Amerika'daki ilk gerçek müze sergimiz bu müzede açıldı, grup değil, kişisel bir sergi.

O sırada “On Karakter” enstalasyonu sergilendi ve bu müzenin güvenlik görevlisiyle “ortak apartmanların” ne olduğu ve insanların zorla şartlara yerleştirildiği küçücük bir alanda yaşanan tutkular hakkında yaptığım konuşmayı hatırlıyorum. bir arada yaşamanın, yaşamı boyunca yan yana olmaya zorlanmıştır. Aşk ve nefret hakkında, kavgalar ve karşılıklı destek hakkında, garip bir kolektif insan simbiyozu fenomeni hakkında. Serginin ziyaretçilere açılmasının ardından küratör İlya ve ben koridorlarda dolaşıyorduk ve birdenbire güvenlik görevlimizin büyük bir coşkuyla bir grup ziyaretçiye sanatçının niyetini anlattığını duyduk ve gördük. Küratörün "Biz ona bunun için değil, sergi alanını koruması için para ödüyoruz" demesine karşın, elbette bundan çok memnun kaldık.

Eylül ayında gerçekleşen ve gerçekleşmeyen projelerimizin maketlerini göstereceğiz. Amerika'da bir ev satın alıp burada birkaç bina inşa ettiğimizde, “gerçekleşmemiş projeler müzesi” yaratma fikri ortaya çıktı. Şimdi, 20 yıl sonra, birçoğu zaten gerçek oldu, ancak büyük bir kısmı büyük olasılıkla "gerçekleşmemiş" statüsünde kalacak.

Ilya ve Emilia Kabakov. "Liya Mironovna Kovaleva: "Bu kepçe kimin?" 1989. Kanvas, petrol, metal

Amerika, Avrupa ve Rusya'da sergilerin hazırlanması farklı mıdır?

Oldukça garip bir soru. Çalıştığımız veya çalışmakta olduğumuz bu müzelerde kurumlar, yapı, küratörler ve insan grupları farklılık göstermektedir.

Bu arada, en iyisi kolay iş, iki koşul nedeniyle Moskova Garajında ​​gerçekleşti. Dasha Zhukova herhangi bir şikayete anında tepki gösterdi (ve şikayet edilecek bir şey vardı: yeniden yapılanmadan sonra Melnikovsky garajında ​​​​kapı yoktu, çatı sızdırıyordu vb.). Ve elbette, tüm inşaatı denetleyen Alexander Starovoitov'un çalışması harikaydı ( toplam kurulum"Alternatif Sanat Tarihi". — TANR), gelecek yıl Tretyakov Galerisi'nde retrospektif yapacağız (oraya Tate Modern'den taşınacak, ancak genişletilecek).

Ve ikinci sergi, Grand Palais'de, Parisian Monumenta'da, günde 24 saat, haftada 18 gün çalışmamıza rağmen, bir o kadar kolaydı. 100 kişi bizimle çalıştı. Küratörümüz, dünyanın en iyi küratörlerinden biri olan Jean-Hubert Martin'di.

Olga Sviblova'nın Moskova Multimedya Sanat Müzesi'ndeki sergisinde de her şey çok iyi yapıldı (“Ütopya ve Gerçek? El Lissitzky, Ilya ve Emilia Kabakov” 2013). — TANR). Her şey zamanında, sorunsuz ve net bir şekilde gerçekleştirildi. İki Olgas orada her şeyi mükemmel bir şekilde organize etti: birincisi, Olga Sviblova'nın kendisi ve ikincisi, Sviblova'nın sağ kolu Olga Nestertseva.

Dolayısıyla proje hazırlama konusunda çok şanslı olduğumuzu söyleyebiliriz. Ve çeşitli nedenlerle en zoru, Paris'teki Pompidou Center ve Amsterdam'daki Stedelijk Müzesi'ndeki sergilerdi.

Ilya ve Emilia Kabakov. “Yukarı bakıyorum. Sözleri okumak" . 1997. Münster'de montaj çizimi

Yakın gelecek için hangi sergileri planlıyorsunuz ve orada neleri sergileyeceksiniz?

Tüm sergiler 2022 yılına kadar planlanmıştır. Ancak şimdiye kadar bunlar sadece planlar: gerçeklik, şimdi yaş ve sağlık nedenlerinden dolayı bunları gerçekleştirmeyi her zaman mümkün kılmıyor.

Örneğin, 2018-2019 için ABD, Dallas'taki Dallas Contemporary'de fevkalade iyi ve ilginç bir sergi yapabileceğiniz devasa bir alana sahip bir retrospektif planlanıyor.

New Paltz'daki Samuel Dorsky Sanat Müzesi (New York, ABD. — TANR) üniversitede açık, bu yüzden orada öğrencilerle birlikte çalışacağız.

Nisan 2018'de Rostock'ta bir sergi planlanıyor, ardından Berlin ve Münih'te sergiler olacak.

"Hoşgörü Gemisi" enstalasyonu şu anda Roma'da gösteriliyor. Bunu Vatikan (ve bizzat Papa ile) ve İtalya Eğitim Bakanlığı ile birlikte yaptık. Ayrıca bu proje Londra, Oslo, Rostock, Washington ve Palermo'da gösterilmek üzere hazırlanıyor. En iyi, 4.000 çocuğun ve ebeveynlerinin, şehrin sıradan sakinlerinin ve bakımevlerinden gelen hastaların yanı sıra en çok mültecilerin bulunduğu İsviçre'nin Zug kentinde yapıldı. Farklı ülkeler. Üç şehrin müzesi ve belediye başkanları, proje programını daha önce hiç yapılmamış bir şekilde yürüttü. Şimdi bu programın İsviçre'deki diğer şehirlerde uygulanmasına yardımcı oluyorlar.

Yakın gelecekte Rusya'da planlanan herhangi bir sergi veya sanat projesi var mı?

İlk olarak Şubat 2018'de Londra'daki Tate Modern'den bir retrospektif Devlet İnziva Yeri Müzesi'ne taşınacak, ardından gelecek yıl Eylül ayında Krymsky Val'deki Yeni Tretyakov Galerisi'nde gösterilecek.

Ilya ve Emilia Kabakov. "Mart 1961'den önce yapmak zorunda olduklarımın listesi." 1989. Sunta üzerine dört parça (kumaş), yağ ve emaye

En iyi nerede çalışıyorsun?

Evde en iyi şekilde çalışır (özellikle şunu soruyorsanız) yaratıcı iş) - İlya'nın resim yaptığı ve tüm projeler ve sergiler için planlar geliştirdiğimiz yer.

Bilgisayarı ne sıklıkla ve nasıl kullanıyorsunuz?

İlya sadece bilgisayar değil, telefon bile kullanmıyor. Bilgisayarımı esas olarak iletişim için kullanırım: posta, Skype, haberler ve ayrıca internette ilginç bir şey bulursam İlya için Rusça makaleler yazdırıyorum.

Bilgisayar ve İnternet sanatın gelişimini etkiler mi?

Bu, bilgisayarı sanat eseri yaratmak için kullanan çağdaş sanatçılara sorulmalıdır. Bu soruyu cevaplayamayız.

Mevcut Rus sanatı uluslararası bağlamda nasıl görünüyor?

Rusya'da yaşamadığımız için çağdaş Rus sanatını yargılayamayız. Her yerde ve her zaman olduğu gibi, Rusya'da çok ilginç sanatçılar var ve sadece kötü olanlar var.

Şimdi sanatın krizi hakkında çok fazla konuşma var. Bundan bir çıkış yolu var mı yoksa bu durum sonsuza kadar mı sürecek?

Hiç kimse sanatın krizinden bahsetmedi mi? Eski sanat tarihi dergilerine, eski sanatçıların makalelerine, eleştirmenlere ve sanat eleştirmenlerine bakın.

Sizce modern sanat hangi aşamadan geçiyor?

Bir öncekinden hemen sonra gelen bir sonraki aşama. Artık paranın, piyasanın ve diğer trajik durumların zaferinden bahsedebiliriz. modern dünya genel olarak ve özel olarak sanat. Ancak yakın zamanda Rönesans sanatçılarının yapılan iş için müşterilere nasıl fatura gönderdiklerini ve bunları nasıl değerlendirdiklerini anlatan bir kitap okudum ... O yüzden mevcut durum hakkında yorum yapmasam iyi olur.

İlya Kabakov. "Futbol oyuncusu". 1964. Tuval üzerine yağlı boya

Çeşitli bienallere katılım sizin için ne kadar önemli?

Tabii bir zamanlar uluslararası projelerde genel durum ve atmosferin tamamen farklı olması çok ilginçti. O zamanlar, herkesin en iyisi olmak istediği, ancak aynı zamanda bir yoldaşlık duygusunun geliştiği bir sanatçılar topluluğu vardı. Bu devasa sergilerin kültürel ve tarihi önemi son derece önemliydi. Ve o zamanlar Venedik Bienali ve Documenta'nın Harald Szeemann, Germano Celant, Jean-Hubert Martin, Robert Storr ve diğerleri gibi son derece yetenekli küratörler tarafından organize edilen büyük tematik projeler olduğu için şanslıydık.

Bugün dünyada çok fazla bienal var ve açıkçası bunlara katılamıyoruz. Kuvvet yok. Şu anda Birinci Ermenistan Trienali'ne ve Vladivostok Bienali'ne katılıyoruz. Ama artık oraya gidemeyiz.

Kavramcılık yaşıyor mu? Rusya'daki mevcut siyasi durum ona yardımcı mı yoksa engel mi?

Tabii ki yaşıyor. Sistemin kendisi inanılmaz bir konsept. Sanatsal bir fenomen olarak kavramsalcılığa gelince, o zaman Rusya'da yaşayanlara sormalısınız: Andrei Monastyrsky, Elena Elagina, Igor Makarevich ve diğer aktif sanatçılar.

Rus kavramsalcılığının kurucu babaları ve onların takipçileri arasında kişisel ve yaratıcı bağlar korundu mu?

Bazı bağlantılar kaldı, bazıları kayboldu. Zaten belirli insanlara ve aralarındaki ilişkiye, her türlü yaşam durumuna bağlıdır. Tüm bunları açıklamak çok zor ama prensipte bize düşünce olarak yakın olan insanların bizim dostumuz olduğunu ve öyle kaldığını söyleyebiliriz. Gerisi basitçe yaşam tarafından götürüldü.

Ilya ve Emilia Kabakov. "Köprü". 1991. Kurulum çizimi

Modern Rus edebiyatını takip ediyor musunuz? Burada seni ilgilendiren bir şey var mı? Akunin, Pelevin, Ulitskaya, Sorokin?

Nadiren Rusça kitaplar okurum. Sadece şiir ve sadece klasik. İlya sadece Rusça okuyor ama bunlar çoğunlukla sanat kitapları. Ya da şiir, klasik edebiyat, onun için bulduğum makaleler, anılar, biyografiler, Vladimir Sorokin ve Boris Groys, Mikhail Epstein'ın metinleri.

Groys dışında hangi eleştirel metinler ve işinizin yorumları size en yakın?

Her şeyden önce, elbette, Robert Storr ve Matthew Jesse Jackson. Ve onların yanı sıra, bizim çalışmamız da dahil olmak üzere Rus sanatçılar hakkında yazan birçok Batılı sanat tarihçisi var. Genellikle bunlar çok ilginç ve profesyonel yorumlardır.

Opera sahnesinin etkisi, "Toplam Kurulum Üzerine" ders dizisinde açıklanan toplam kurulumların nasıl çalıştığından farklı mıdır?

Bir opera yapımında hiç tiyatroda çalışmadık. Bu enstalasyonun içinde sadece opera sahnelemek için kullanılan bir enstalasyon yapıyorduk. Buradaki tek fark, tiyatroda izleyicinin dışarıda oturması ve oyuncunun tüm enstalasyonun içinde olması, müzede ise izleyicinin aynı zamanda oyuncu olmasıdır. İçeride olduğu ve enstalasyonda ilerlediği için, aslında sanatçının kendisi için tasarladığı rolü "oynar".

Hayatının sonunda Madrid Kraliyet Tiyatrosu'nun baş şefi ve sanat yönetmeni olan, Bochum'daki Salzburg'daki müzik festivalinin yönetmeni olan ünlü impresario Gerard Mortier ile birkaç kez çalıştığımız için şanslıydık. Bu adam, olduğu gibi, Sergei Diaghilev'in modern reenkarnasyonuydu.

Ortak bir apartman dairesinde yaşama eşlik eden korkudan bahsettiniz. Bu korku zamanla azaldı mı? Hala korkuyor musun?

Hiç ortak bir apartman dairesinde yaşamadım ve genel olarak korku duygum yok ve asla olmadı.

Paranın yanı sıra sanatsal yaratıcılığın başarısı ve "doğruluğu" için kriterler var mı?

Finansal başarı bizim için hiçbir zaman bir başarı ölçüsü olmadı. İlya asla “satılık” eserler (resimler, çizimler ve enstalasyonlar) yapmadı. Bu nedenle çok koleksiyonerimiz yok. Çalışmalarımız ağırlıklı olarak müze alanları, müze izleyicileri, sanat tarihçileri için tasarlanıyor, ancak belirli bir koleksiyoncu için tasarlanmıyor. İşimizin muhatabı her zaman sanat tarihi, kültür tarihi olmuştur.

Bir sanatçı aç mı yoksa tok mu olmalı?

Üzgünüm ama bu pek akıllıca bir soru değil. Bir sanatçı her şeyden önce sanatçı olmalı, sonra nasıl olacağına kader karar verecek.

Ilya ve Emilia Kabakov. "İki Korku Anıları". 1990. Berlin'deki bir enstalasyonun çizimi

Sanat elitist mi yoksa erişilebilir mi olmalı?

Sanat kitleleri kendi seviyesine yükseltmeli ama asla kitlelerin seviyesine inmemeli.

Sanat hayatta yardımcı olur mu? İş hayatında kazanılan deneyim, özel hayatınızın faydalarına nasıl yansıyor?

Sanat tüm hayatımız, bu yüzden bu soruyu cevaplamamız imkansız. Neredeyse hiç mahremiyetimiz yok.

Faaliyetin ana sonucunun olduğunu söylemek doğru mu? çağdaş sanatçı kendisi mi yoksa onunla ilgili efsane mi?

Sanatçının faaliyetinin ana sonucu, eseri, tüm yaratıcılığıdır. Görünüşe göre sen ve ben farklı düşünüyoruz çünkü böyle bir soru benim aklıma bile gelmezdi.

Diğer sanat dallarında neler olup bittiğini takip ediyor musunuz?

Hem sanat dünyasının içinde yaşayıp hem de etrafta olup biteni takip etmemek mümkün değil. Dünya çok hızlı değişiyor ve sürekli yeni, genç sanatçılar, yazarlar, yönetmenler geliyor. Bizim için son derece ilginçler.

Operaya gider misin, televizyon izler misin?

Operaya, baleye ve konserlere her zaman, her yerde gideriz. Doğru, şimdi İlya'nın kendini pek iyi hissetmemesi nedeniyle tüm bunlar sınırlı. Ama torunlarımız profesyonel müzisyen oldukları için biz onların konserlerine gideriz, onlar da bazen ziyarete gelirler ve evimizde konserler düzenlerler.

İLE drama tiyatrosu incelikler nedeniyle durum daha sorunlu görünüyor İngilizce, ancak bazen - ancak, çok nadiren - bu tür performanslara gideriz.

Moskova veya St. Petersburg'dayken neredeyse her zaman tiyatroya gideriz. Eylül ayında sadece bir gün Moskova'daydım ama Bolşoy'a gittim. İlya ile geldiğimizde hep tiyatroya Pyotr Fomenko'ya giderdik.

Kitap okur musun, sinemaya gider misin? Hollywood genel olarak iyi mi yoksa kötü mü?

Kitap okuyoruz, sinemaya gidiyoruz, film izliyoruz. Hollywood bir "rüya fabrikasıdır" ve herhangi bir rüya, herhangi bir fantezi gibi, bunlar ya iyi somutlaştırılır ya da hiçbir şekilde somutlaştırılmaz, sadece vasattır. Yalnızca başkaları tarafından zaten kontrol edilmiş olanları izlemeye çalışıyoruz. Az önce Leviathan'ı izledim. Sadece harika bir film! Çok uzun bir süre tam bir umutsuzluk izleniminden uzaklaştık.

Hangi bestecileri dinliyorsunuz?

İlya, Chopin, Mozart, Prokofiev, Bach vb. Genellikle romantizm içerir, ancak yalnızca iyi performansta. Ama çoğunlukla sadece klasik müzikle çalışıyor. Büyük bir plak koleksiyonumuz var. Genellikle İlya çizdiğinde kendi kendine şarkı söyler. Ayrıca stüdyoda telefon yok, bu nedenle kimse ve hiçbir şey işten rahatsız olmuyor.

Hirshhorn Müzesi, Washington
Ilya ve Emilia Kabakov. "Ütopik projeler"
7 Eylül 2017 - 4 Mart 2018

Tate Modern, Londra
Ilya ve Emilia Kabakov. “Geleceğe herkes götürülmeyecek”
10 Ekim 2017 - 28 Ocak 2018

“Birçok kişi Kabakov'un ilk olarak Rusya'da 30 yıl çalıştığını unutuyor. ABD'den getirdi Sovyetler Birliğiçok sayıda tablo,” diyor sanatçının eşi Emilia. Şu anda 76 yaşında olan İlya Kabakov'un kariyeri 1950'lerin ortalarında başladı. Surikov Enstitüsü mezununun uzun yıllar resmi işi çocuk kitaplarının illüstrasyonuydu ama aynı zamanda işi "kendisi için" yaptı. O ve onun gibiler, uyumsuzlar ve sanatsal muhalifler olarak adlandırıldı, bu resmi olmayan Sovyet sanatıydı. Kabakov, Moskova romantik kavramsalcılığı adı verilen yönün kurucu babalarından biri olarak kabul ediliyor - 1970'lerde onun hakkında araştırmalar ve kitaplar yazıldı. 1960'ların ortalarından itibaren Kabakov, Sovyetler Birliği'nde ve yurtdışında birçok sergiye (apartmanlarda) katıldı ve 1980'lerin başında ülke dışındaki en ünlü "gayri resmi" Sovyet sanatçılarından biri oldu.

2 Göç

1987'de Kabakov, sanatçıları destekleyen Avusturyalı kar amacı gütmeyen bir kuruluştan ilk hibeyi aldı, ardından Fransız hükümetinden ve ardından Alman değişim servisinden bir hibe vardı. Hibeler yurtdışında yaşamayı, enstalasyonları yaratmayı ve sergiler düzenlemeyi mümkün kıldı. Kabakov, SSCB'de giderek daha az zaman geçirdi ve sonunda hiç geri dönmemeye karar verdi: yurtdışında sahip olduğu fırsatların küçük bir kısmına bile evinde sahip değildi. 1980'lerin sonunda, Sovyet alternatif sanatına "perestroyka" ilgisinin zirvesi vardı, bu nedenle Kabakov çok zamanında ayrıldı. Tretyakov Galerisi'nin son trendler departmanı başkanı Kirill Svetlyakov, "Genel olarak, neslini terk eden son kişiydi, burada çok şey biriktirdi ve uluslararası sahneye büyük bir bagajla girdi" diyor. Göç gerçeği ona yardımcı olmadı ileri kariyer Svetlyakov, - umut verici olduğu düşünülen Sovyet sanatçılarının çoğu Batı'da rağbet görmüyordu - daha da önemlisi, Kabakov yerleşik bir usta olarak ve "belirli bir izleyici kitlesi için belirli projelerle" ayrıldı, diye açıklıyor Svetlyakov. Ayrıca, büyük ölçüde Kabakov'un uluslararası kariyerinin mevcut haliyle gerçekleşmesi sayesinde toplantı yurtdışında gerçekleşti.

3 Emilia

1989'da Kabakov, 1973'te Sovyetler Birliği'nden ayrılan müstakbel eşi Emilia Lekah ile çalışmaya başladı. “Birkaç sanatçı eşinde sadece bir arkadaş ve güvenilir bir yönetici değil, aynı zamanda bir ortak yazar bulmayı başardı, sadece Dali akla geliyor. Böyle bir tandem örnekleri Sanat Tarihi 20. yüzyılın bazı örnekleri var, ancak muhtemelen o kadar başarılı değiller, ”diyor Sotheby's'in Rusya ve BDT Genel Müdürü Mikhail Kamensky. 1990'dan beri tüm yeni eserler "İlya ve Emilia Kabakov" imzasını taşıyor. Emilia, yaratıcı düetin yöneticisi, destekçisi ve mali işler sorumlusu olur ve Ilya'nın eline, gündelik ayrıntılarla dikkati dağılmadan yaratma fırsatı gelir. Emilia, "Birçok kişi bana inanmıyor, ama aslında o mutlak bir idealist, bankada ne kadar paramız olduğunu, hiç paramız olup olmadığını asla bilmiyor, bana tüm hakları ve tüm yönetimi verdi," diyor Emilia Forbes . Kabakov, SSCB'den çok sayıda eser getirdi, ancak ilk aşamada satılabilecekleri maksimum fiyat 50.000 dolardı ve eserlerin çoğu yaklaşık 15.000 dolarlık bir fiyata gitti - daha sonra Kabakovlar bu eserleri geri almaya çalıştı. . Emilia, sanatçının pazarla ilişkisini kendi ellerine alarak her şeyi değiştirmeye karar verdi.

4 Strateji

“1994'te fiyatları diğer yazarların fiyatlarıyla karşılaştırmaya ve bir enstalasyon için 250.000-450.000$'a ve bir resim için 200.000-350.000$'a yükseltmeye karar verdim. Bayilerimiz bu konuda hemfikirdi ve o zamandan beri fiyatları çok yavaş artırıyoruz,” diye anımsıyor Emilia. Kabakov'ların yeni stratejisinin varsayımlarından biri, piyasada çok fazla iş bulunmaması gerektiğidir. Kabakov'un hayatı boyunca yarattığı 600'den fazla eserin yaklaşık yarısı hala sanatçı ailesinde. "Ona fotoğraf çekmemesini söyleyemem - örneğin geçen ay üç tane yaptı, burada bir hesaplama yapılamaz ama aynı anda piyasada çok sayıda eser yayınlayamam ve bu bir hesap" diye açıklıyor. Emilia. Ayrıca kar amacı gütmeyen sanatçı Kabakov'un sipariş üzerine yaratmaması gerektiğine karar verdi. “En başından beri bir şeyi anladık: Yap, satmalısın demezsem bir çift olarak birlikte hayatta kalacağız. Paramız yoksa bu benim sorunum, maliyetleri kısacağız ama olağanüstü durumlar dışında satış yapmayacağız,” diye açıklıyor Emilia. Ancak Kabakov'ların stratejisinin bir istisnası var: müze yaparsa komisyonla çalışıyorlar.

5 Müze

"Çoğu sanatçı "istediğini" veya "sattığını" yapar. Kabakov, sanatçılarımızın en kurnazıdır: Rusya'dan ayrıldıktan sonra, sadece kimseyi değil, çağdaş sanatta karar veren insanları da memnun etme ihtiyacına dayanan orijinal tanıtım stratejisini buldu: müze çalışanları, küratörler, büyük koleksiyonerler, vb. ., ”diyor Çağdaş Sanat Müzesi'nin koleksiyoncusu ve sahibi ART4.ru Igor Markin. Emilia Kabakova, müzenin Kabakov'un eserinin piyasa fiyatını ödeyememesi durumunda, eserin ona daha az paraya satılacağını veya kalıcı olarak sergilenmesi şartıyla tamamen bağışlanacağını söylüyor. Genel olarak, ona göre satılan bir eser için bağışlanan yaklaşık iki eser var. Strateji işe yaradı: Kabakov'un eserleri en büyük çağdaş sanat müzelerinin çoğunda - ABD'de Modern Sanat Müzesi ve Solomon Guggenheim Müzesi, Fransa'da Georges Pompidou Merkezi, Almanya'da Ludwig Müzesi ve Modern Sanat Müzesi , İngiltere'deki Tate Modern Müzesi vb. Aidan Galerisi'nin sahibi Aidan Salakhova, önde gelen müzelerin koleksiyonlarına girmenin sanatçının eserlerinin maliyetini doğrudan etkilediği için buradaki fedakarlığın oldukça belirgin olduğunu söylüyor. “Örneğin, bir zamanlar Dubossarsky-Vinogradov'un fiyatları, çalışmalarının başkaları tarafından 25 eserin satın alınmasından değil, tam olarak Pompidou Merkezi tarafından satın alınmasından etkilendi - müzelere giriyor. fiyat hareketinin kaldıracıdır,” diye açıklıyor Salakhova.

6 Kod

Bir koleksiyoncu Forbes'a şunları söylüyor: "Kabakov, küratörlere görmek istedikleri Rusya imajını veriyor ve çoğu zaman bu imaj sahte." Koleksiyoncu bu tür taktiklere olumsuz davranır. Igor Markin ise bunun normal olduğunu belirtiyor: "Olağanüstü bir yeteneğe sahip olarak, kendini onların yerine koyarak, beklentilerini doğru bir şekilde hesapladı ve onları parlak bir şekilde yerine getirdi." Tretyakov Galerisi'nden Kirill Svetlyakov, bunu sanatçı Kabakov için çok büyük bir artı olarak görüyor. Svetlyakov, "Evet, diğerleri gibi Sovyet materyalleriyle çalıştı, ancak Kabakov'un yorumuna göre Sovyet materyalleri okundu çünkü uluslararası bir dil konuşuyordu" diye açıklıyor Svetlyakov. Kabakov'un müzeler ve büyük sergi merkezleriyle çalıştığı "toptan yerleştirme" türü, Sovyet resmi olmayan sanatının asla işlemediği devasa alanları organize etme becerisini ima ediyor, bu yüzden birçok meslektaşı Batı müzelerinin büyük salonlarında kayboldu. "Nesnenin kendisini basitçe artırdılar, örneğin, 10 resim yerine 1000 resim yaptılar ve Kabakov, uzayda ustalaşmanın yollarını arıyordu ve birkaç kişiden biri olan apartman formatından çıkmayı başardı" diyor. Svetlyakov. “Sovyet bilincini bir koda çevirebilen ve onu deşifre etmek için anahtarları sunabilen ilk kişi Kabakov'du, bu da dünyayı işine ve dünyayı işine açtı. Kamensky, 20. yüzyılın ikinci yarısında "Rusya'dan sanatçı" kategorisinden uluslararası sanat yıldızları kategorisine geçen ilk kişiydi" diye açıklıyor. "Sanatsal ve anlamsal benzersizliği nedeniyle, Rusya'yı sembolize etmeye başladı, uluslararası bağlam düzeyine yükseltildi, bu da onun için büyük bir izleyici kitlesi ve pazar izleyicisi yarattı" diye ekliyor.

7 Rus parası

2000'lerin ortalarında çağdaş sanat fiyatları fırlamaya başladığında, Kabakov açık ara dünyanın en tanınmış Rus temsilcisiydi. Uluslararası seviye. Emilia Kabakova'nın dediği gibi, eserlerinin fiyatları yaklaşık aynı seviyede tutuldu - taahhütte bulunmadan birkaç yüz bin dolar atlar aşağı veya yukarı. Kamensky, "Ve çağdaş sanat, yalnızca izlenimci ve modernist pazarı değil, aynı zamanda komşu gösteri dünyası pazarını da büyüme ve yıldız sayısı açısından geride bırakmaya başladığında, o zaman eşi benzeri görülmemiş bir yüksekliğe yükseldi" diyor. Sadece Kabakov'un fiyatı aniden yükselmedi - tüm çağdaş sanat pazarı keskin bir şekilde yükseldi ve bu da bir noktada dünya pazarında mütevazı bir konuma sahip olan Rus sanatını beraberinde çekti. Svetlyakov, kalkışının bu kadar keskin hale gelmesinin Rus koleksiyonerlerin erdemi olduğundan emin. Kabakov ve diğerleri uluslararası müzayedelerde uluslararası sanatçılar olarak satıldıkları sürece fiyatlar tahmin edilebilir sınırlar içinde dalgalandı, ancak Rus sanatçılar olarak satılmaya başladıklarında durum kontrolden çıktı. “Rus müzayedelerine ağırlıklı olarak Ruslar katılmaya başladığında, fiyatlar artık hiçbir gerçekle karşılaştırılamayacak kadar yükseldi. Svetlyakov, kendimizi dünya topluluğunun bir parçası olduğumuza ne kadar ikna edersek edelim, bu takla sonucunda kendimizi bir tür paralel gerçeklikte bulduk ”diyor Svetlyakov. Örneğin Zhuk, Akron'un sahibi Vladislav Kantor tarafından satın alındı ​​(Altın Yüz'de 48 numara, 1,3 milyar dolar). Bugüne kadar, "Beetle" ve "Lüks" çağdaş Rus sanatının şimdiye kadar satılan en pahalı iki eseri olmaya devam ediyor. Doğru, o zamandan beri karşılaştırılabilir bir ölçek sunan tek bir müzayede olmadı, ancak er ya da geç bu fiyatların gerçeğe nasıl karşılık geldiğini öğreneceğiz.

İlya Kabakov. Bir zamanlar Eindhoven müdürlüğü tarafından yapılan bir çift sergi - bizimki ve Lissitzky'nin - düzenleme önerisinin, elbette, ilk başta delicesine korktuğunu ve şaşırdığını söylemeliyim. Her şey, bu toplantının tamamen imkansız olduğunu, bunun ruhen yabancı olan insanların bir toplantısı olduğunu söyledi. Gerçek şu ki, zihinsel durumumuzla Sovyet ülkesinde tamamen farklı bir yaşam dönemine aitiz.

Ve o zamanlar - SSCB'de yaşadığımız 1950'ler-1980'ler - hiçbir ilgim yoktu, avangard için bir tür soyut saygı dışında hiçbir sempati yoktu. Rus avangard denen şeyin estetik ya da özsel anlamını devam ettirecek hiçbir fikrim yoktu. Eğitimde, iyi bilindiği gibi, tam bir geçici başarısızlık yaşadık, çünkü Sovyet halkı için avangard hiç yoktu - ne eğitimde ne de müze alanında. Benim için tamamen kaybolmuş bir dönemdi. Bu, antik çağla bir tür ilişkiniz olduğunu söylemekle aynı şeydir. Antik çağ yoktu, bu antik çağda bir dil kaybı ve söylenenlerin anlamında bir kayıp vardı. O zamanlar göründüğü gibi sonsuza dek durmuş bir zamanda yaşadık. Ve tamamen oluşturulmuş (nihayet inandığımız gibi) bir Sovyet resmi dili vardı. Sovyet sanatı. Eğitimimiz yalnızca Rus avangardını değil, tüm Batı 20. yüzyılını tamamen atladı. Binlerce yıl boyunca sahnelenen bir tür tam Sovyet enstalasyonunda yaşıyorduk; değişmeyeceği herkes için açıktı. Bununla avant-garde ile böyle bir buluşma için umut olmadığını söylemek istiyorum. Ama klasiklerle böylesine alışılmadık derecede iddialı bir buluşma teklifi üzerinize "düştüğünde" ...

Lissitzky, Malevich ile birlikte Vitebsk'te yeni bir dilin yaratılması üzerinde çalıştı. Mesele şu ki, insanlık 20. yüzyılda girdiği yeni çağda yeterince konuşmalı ve nihayet bu büyük sanatçılardan sadece Rusya'da veya İngiltere'de değil, her yerde konuşulabilen ve konuşulması gereken görsel dili almalıdır. Dünya. Evrensel yeni dil yeni insanlar için

Bu dil, şimdi dedikleri gibi, geometrinin tüm sanat dünyasında, mimari, tipografi vb. formlar - yuvarlak ve antropomorfik. Bu kısmen Rodchenko'nun öğrencilerine söylediği şeydi: "Fırçaları, kalemleri bırakın, bir cetvel alın, pergeller ve çizin..." Bu jest, genel olarak düşünmede düz bir çizginin ve net geometrinin hakimiyetiyle doğrudan ilgilidir. En kısa yol düz bir çizgidir. Bu "düz" yol aynı zamanda dünyanın gittikçe daha hızlı hareket ettiği fikriyle de ilişkilendirilir.

[…]

Rus avangard konseptindeki yeni adam kim? Sürekli bir yaratıcıdır. Rodchenko'nun hakkında yazdığı şey: "Bir bardak yapıyorum ama yarın ne yapacağımı bilmiyorum, çünkü başka bir ben hakkında şimdiden başka bir fikir ortaya çıkacak." Kalıcı bir yaratıcılık gibi (kalıcı bir devrim gibi).

[…]

Dünya yaratıcı ama tabii ki yöneten insanlardan oluşmalıdır. İlginç olan şey, yönetim çalışanlarının aklında yönetim çalışanlarının olmasıdır. Ancak dönüştürecekleri kişileri pratikte görmezler. Bir anlamda, bu bir ahır cihazıdır. Ben bir çobanım ya da bir laboratuvarda agronomistim ama geri kalan her şey - hayvanlar, bitkiler - işleyeceğim tüm malzemeler.

İnsanlık dışılık hakkındaki bu konuşma (bu kelimeyi ilk kez kullanıyorum), bu anti-hümanist, yıkıcı an, yeni bir insan yaratıcısı yaratmanın en avangart projesine gömülü. Bu dünyada yaşayan insanlığın geri kalanı birdenbire köşeli parantezlerin dışında kalır.

Gizlice ön plana çıkan -ve en korkulan- güç olgusu, yaratmak için inisiyatif alma hakkıdır. yeni Dünya ve yönetin.

Olga Sviblova. […] Kimse nereye olduğunu bilmiyor ama biz hareket ediyoruz. İlerlememiz gerektiğine dair bir his var. Bugün, bu hareket vektörü ortadan kalktığında, oraya buraya eğildiğimizde, Rus avangardına olan ilgi iki katına çıktı. Sizce neden dünya, Rus avangardının bu ikinci yüzünü ve bizim için bloklar, Lego'daki gibi unsurlar yaratan en büyük Lissitzky'nin ikinci yüzünü görmüyor, böylece sadece çocuklar değil, aynı zamanda bütün dünya onlarda oynar mıydı? Gerçek görsel gerçekliği yeniden düşündü, ancak insan içeriğini unuttu.

İlya Kabakov. Bu sadece "Rus avangard" kavramıyla olmadı. Bu, sanatçı türünün, sanatçının özbilincinin değiştiği 19. yüzyılın başından 20. yüzyıla geçiştir. Bundan önce sanatçı bir servis elemanıydı. Başka kişiler, başka kuruluşlar veya kişiler, kilise veya devlet tarafından kendisine emredilen bu eserlerin icrasına katıldı.

Sanatçının müşteriden, iletişim kurmak zorunda olduğu o "öteki"nden bu şekilde özerkleşmesi, sanatçının ruhunda inanılmaz derecede güçlü değişiklikler üretir. Sanatçı, icracı olmaktan dahi olmaya gider. Yani kesinlikle kimseye hiçbir şekilde borcu olmayan bir varlık.

Emilia Kabakova. Ve hiçbir şey için cevap vermiyor.

İlya Kabakov. Diğer her şey sisle kaplı. Bir sanatçının icracıdan dahiye dönüşmesi çok önemli bir mutasyondur. Antropolojik düzeyde gerçek bir mutasyon.

Cezanne'ın sanat ufkunda görünmesi sanat dünyasının en önemli olayıydı. İşte bu bitmemiş "kirli" kareler ... Şimdi, elbette ironi yapıyorum çünkü onu eskisi gibi tanrılaştırıyorum. Ancak akademik ekolden farklı bir amatör ve kendi görsel sisteminin mucidinin ortaya çıkmasının, sanatçıyı sanatsal geleneğin her türlü kriterinden kurtarmaya yönelik önemli bir adım olduğu ortaya çıkması çok önemlidir. Bu durumda, kelimenin tam anlamıyla bir Sovyet sanat eleştirmeni olarak konuşuyorum, ancak bunda bazı gerçekler var.

Sanat okuluna duyulan güvenden bu "kopma" şu anda çok önemlidir. Sanat okuluna ihanet gibi. Bu durumun Sovyet döneminde tekrarlandığını söylemeliyim. Sanat ve zanaat eğitimim tamamen taklit üzerineydi. Doğayı çizmeyi sevmezdim. Ama enstitüden atılmamak için akademik bir sonucu nasıl taklit edeceğimi biliyordum. Çocuk illüstrasyonları yapmaktan hoşlanmazdım ama para kazanmak için çocuk illüstrasyonlarını nasıl taklit edeceğimi biliyordum.

Sanat editörü içtenlikle tavşan çizmediğimi, başka kitaplardaki tavşan görüntüsünü taklit ettiğimi görse tabii ki beni yayınevinden kovardı. Ancak Sovyet döneminde kayıtsızdı: Başkalarının tavşanlarına inansam da kopyalasam da. Bir dehanın avangart psikolojisinin ortaya çıkması için bu “geri çekilme”, yalanlar, ihanet anları çok önemlidir. Burada bir şeyi tasvir etme zorunluluğu ile kendi manipülatif dürtüm arasında bir mesafe var. Sonra yeni bir devrim gibi göründü: kölelikten özgürlüğe ve buluşa geçiş.

İlya Kabakov. Resim yaratma araçlarına karşı tamamen farklı bir tutum vardı.

Avangardın görünümü, araçların özerkliği ile bağlantılıdır. Paramı kullandığım başka bir şey olmadığı için, bunlar özerk ve yeni inanılmaz fırsatları temsil ediyor.

Örneğin, Matisse'in rengi. Resmin yüzeyinde renk manipülasyonu, kompozisyonlar, renk noktalarının kombinasyonları, rengi nesneden ayrı görmek onun keşfiydi.

Picasso, resmin kendisinin ritimlerini ve sözde titreşimsel anını manipüle etti. Tablonun her bir parçasının, diğerlerine göre doğru bir şekilde konumlandırılması durumunda, belki elli metrelik bir mesafede hareket eden, inanılmaz derecede güçlü bir titreşimsel saldıran enerji dalgası oluşturduğunu keşfetti.

Olga Sviblova. 20. yüzyılın artık hiçbir şeyi tasvir etmeyen bir görsel sisteme yol açtığını söylemek istiyorsunuz. Ne kökenlerinde bir zamanlar arkasında duran kutsal fikirleri, ne de o zamanlar kutsallaştırılan gerçekliği tasvir ediyor. Avrupa resmini, örneğin Rönesans'ı ele alırsak, bir kişiye olan ilginin ortaya çıkışından bahsedebiliriz. Sanatçılar dini olay örgüsü sistemlerinden "sıyrılmaya" başlarlar, ancak aynı zamanda onlar için gerçeklik, gerçekliğin istilası, doğrudan bir perspektifin ortaya çıkışı da bir tür metafizik fikir haline gelir, çünkü gerçeklik bu şekilde değer kazanır. Ve resmin tasvir ettiği her şeyden Picasso, Matisse ile kurtuluşunun başladığını, kendi başına bir değer ve görsel bir silah haline geldiğini mi söylemek istiyorsunuz?

İlya Kabakov. "Dairesinden uzaya uçan adam." Kurulum parçası. 1985

İlya Kabakov. Evet. Bir rokette olduğu gibi. Yörüngesi boyunca havada, uzayda takla atan, uçan roketin aşamalarından birinin ayrılması. Kültürden aynı ayrılık, genel dinamikler kültürün gelişimi ile gerçekleşir. güzel Sanatlar 20. yüzyılın başında. Genel kültürel süreçte var olma zorunluluğundan sanatsal üretimin özerkleşmesi söz konusudur.

Olga Sviblova. yine de anlamak istiyorum. Bolşevik darbesi, sanatın önceki tüm varoluş biçimlerini yok etti ve sanatçı bir şekilde yetkililerle birleşmek zorunda kaldı: ya kalbinin çağrısı üzerine (sanırım bir noktada çok samimiydi) ya da en azından öyle olduğu için sadece müşteri ve bu tek müşterinin ne istediğini anlamak gerekiyordu. Ve bu tek müşteri, eski dünyanın yok edilmesini istiyordu.

İlya Kabakov. Sağ.

Olga Sviblova. Ama "Hizmet ediyoruz" dediler. Hiç kimse Rus avangardından önce sanatçıların hizmetkar olduğunu ilan etmedi. Örneğin, Lissitzky'nin de parlak başarılar elde ettiği bir fotomontajı ele alalım... Klutsis, Rodchenko savaştı - ve Lissitzky de bu savaşa dahil edildi: yeni hükümete daha çok kim hizmet ediyor?

İlya Kabakov. Bu güçle ilgili değil. Bu, trajediyle dolu ayrı bir konudur: "özgürlük" kavramından hizmete, yetkililerden gelen emirlerin yerine getirilmesine geçiş. Gerçek şu ki, tüm avangard - hem Avrupalı ​​hem de Rus - özgürlüğün özüdür. Sanatsal üretim özgürleştirilmelidir ve bu üretimi yaratan kişi özgürdür. Bu özgürlük mücadelesi, geçmişin kültürel fenomenlerine karşı mücadelede çok önemli bir andır.

Ne söylemek istiyorum? Klasik sanatta (neden müzelerde asılı kaldığı ve neden biz var olduktan sonra çok uzun süre yaşayacağı) üç çok önemli bileşen olduğuna inanıyorum. Birincisi yüce, dikey, maneviyat, ne dersen de, bir sanat eserinde var olan. İkincisi estetik yönüdür. Çok yüksek kalite, denge, karmaşık yapı en estetik ürünü. Ve üçüncü zorunlu bileşen, mevcudiyettir. insan ilkesi, kişiye. İnsanın dönüşümü ve anlamı zaten yaratılış fikrinin ta içindedir. sanat eseri. Başka bir kişinin anlamı. Bu başkası için yapılır, kendisi için değil. Bu diğeri için ve diğeri için. Bu üç bileşen, klasik anlamda çok önemlidir ve bu üç bileşeni de taşıması gereken kültür tarihine tam olarak uyar.

Avangard devrim, hem birinci hem de üçüncünün kaybıyla ilişkilidir. Bütün bu sanat yüce değil. Dikey, daha yüksek anlamların hizmetini tamamen görmezden gelir, ancak elbette orada hem bilinçaltı hem de arketiplik vardır, ancak tüm bunların "yüce" alanla hiçbir ilgisi yoktur. Elbette manevi sanatıyla Kandinsky'yi örnek verebiliriz ama bu ayrı bir konu. Kural olarak, avangard devrim, tam olarak "yüceye" olan ilginin kaybıyla bağlantılıdır. Ve bu şekilde kişiye olan ilgi kaybıyla.

Emilia Kabakova. Sanatçıların kendilerini nasıl uşak ilan ettikleri sorusuna birkaç söz eklemek istiyorum. Mesele şu ki, önceki tüm sanat sistemleri"hizmet" gibi bir şeyin parçasıydı ve bu böyle anlaşıldı. Zaten "hizmetler" sistemindeydiler. Duyurulmasına gerek yoktu. Onunla doğdular, başka bir ortama hizmet eden kültürel bir ortamda çalıştılar. Yani müzikte, tiyatrodaydı. Toplumdaki yerlerini biliyorlardı. Ortaya çıkan yeni sanatçılar, kendilerini özgür ilan etmek zorunda kaldılar ve bunu yapabildiler. Burada ilk kez bir seçim yapıldı. Ve onların tercihi, belirli bir seçkinlerin hizmetkarları değil, özgür bir toplumun hizmetkarları olmaktı. Aynı anda hem hükümdar hem de hizmetkar gibi görünüyorlardı.

Hizmet etmek gönüllü bir seçimdi. Hükümdarlara hizmet etmeleri için verilmediğinden değil, gönüllü hizmeti seçtiler. Bu büyük bir fark. Dolayısıyla tüm psikoloji: yönettikleri yanılsaması, ama aynı zamanda seçimle hizmetkarlar.

Olga Sviblova. Çalışmalarının karmaşık ve çelişkili doğasını anlayarak Lissitzky ile nasıl bir diyalog yürüttünüz?

İlya Kabakov. Çok basit. Bu sergiyi tam anlamıyla muhalefet sistemine göre yaptık. Lissitzky bir şey söyledi, biz de başka bir şey söyledik. Genel konsepte göre bu, bir baba ve bir çocuğun konumuna benziyor. Ahırı yapan baba ve enkazın altına gömülen çocuk, bu kötü inşa edilmiş ahırın dönüştüğü çöplüğün altında. Bütün bu sergi inşa edildi: babam istedi - ve olan buydu, babam hayal etti - ve bu rüyaların bedeli bu.

Bana Puşkin'in Bronz Süvari'sini hatırlattı. Orada da "baba" - Peter I ve "çocuk" - "babanın" bir ev inşa etmek için yanlış yeri seçtiği yer nedeniyle ölen Eugene var. Acı çeken ve “Burada ne yaptın? Kuru bir yerde inşa etmek mümkün olacaktır. Lissitzky, sergimizde "Bir şehir inşa edeceğim, birini tehdit edeceğim" diyen Peter'ın yerini alıyor. İşlerimizde var olan bu tiksinti duygusu ve Lissitzky'nin sahip olduğu yaratım duygusu bu serginin ana tonunu belirledi. Birincisi: "İşe yaramalı." Cevap: "Sana bir şey olmadı baba."

Gerçekten de, Sovyet döneminin, Sovyet iktidarının iki dönemini temsil ediyoruz. Bu, ilk tırmandıkları köprü ve Sovyet iktidarının sonunda, her şeyin yuvarlandığı ve kötü hesaplamalar nedeniyle çöktüğü aynı köprü.

Emilia Kabakova. Enkazın üzerinde oturuyoruz.

İlya Kabakov. Kötü inşa edilmiş bir binanın enkazı üzerindeki çocuklar gibi. İşte bu serginin ana konsepti. Bu koca binanın üzerine yıkıldığı bir adamın bakışı. Tatlin Kulesi.

İlya Kabakov. Bize uzay sözü verildiği ortaya çıktı ...

Olga Sviblova. ... ve havasız bir tahtakurusu koyun.

İlya Kabakov. Böyle bir cevap verebilirsiniz. Hayal kurmak, bir ütopya yaratmak, kağıt üzerinde çizim yapmak, kısa bir prospektüs olarak çizim yapmak (geleceği inşa edelim, yeni bir insan yaratalım) - bunlar en iyi proje şeklinde, kağıt şeklinde, tahta şeklinde bırakılır. , Tatlin Towers projesini çiviledi. Tüm bu projeleri böyle bir ön formda bırakmak en iyisidir, ancak hiçbir şekilde bunları uygulamamalısınız.

Neden? Güvende kalırlar. Hayatta gerçekleşmiş olmaları, olabilecek en korkunç suç haline gelir.

Sosyalizm güzel ama projede kalmalı. Pek çok insan, eğer bir çöp yığınıyla sonuçlanıyorsa, Sovyet devriminin amacının ne olduğunu soruyor. İşte anlamı. Ütopya gerçekte gerçekleşmemelidir.

İlya Kabakov. Şimdi bu sergiden ve hatta bu konuşmadan hangi sonucun çıkarılabileceğini (hatta belki sonuç olarak) söylemek istiyorum. İnsanlık yaşadığı sürece her birimiz bir ütopya üretiyoruz. Projelerin yaratılması, salgıların salınması gibi insanın doğasında vardır. İnsan olduğumuz sürece hayal kurarız. Planlar, programlar yaparız, bir şeyler oluştururuz. Ancak bu projeler hayatta, özellikle de iktidardaki kişiler tarafından hayata geçirildiğinde, hepsinin sonu felaketle, kanla, yıkımla veya kaosla sonuçlanıyor.

Korkunç bir eğri ortaya çıkıyor: projeler kaçınılmaz olarak yapılır, ancak aynı kaçınılmaz olarak çöküş ve kaosla sonuçlanır. Şu soru ortaya çıkıyor: Bu projektif ve üretken bileşen nereye koyulmalı?

Cevap şudur: onu alıp götürün, özel "ütopik alıcılara" kanalize edin. Belki de bir Ütopyalar Müzesi veya çoğul olarak bu tür müzeler inşa etmek gerekiyor.

İlya Kabakov. Sanatçı dinlenilmeyi umuyor. Bu en derin yanılsamadır. İzleyici sanatçıya bakar. Bu sanatçıya ait olmayan bir şey bu sanatçı aracılığıyla seslendirilmelidir.

İlya Kabakov. "Çöp Kutusu" 1981

İlya Kabakov.

Bütün dünya, beni burada çevreleyen her şey bana sınırsız, sonsuz bir çöplük, tükenmez çeşitlilikte bir çöp denizi gibi görünüyor. Devasa bir şehrin bu kalıntılarında, tüm geçmişinin güçlü nefesi hissedilebilir. Tüm bu çöplük, flaşlarla, yıldız parıltılarıyla, yansımalarla ve kültür parçalarıyla dolu: ya bazı kitaplar ya da fotoğraf ve metin içeren bazı dergiler denizi veya bazı insanlar tarafından kullanılan şeyler ... Arkasında büyük geçmiş yükseliyor bu kutular, baloncuklar, çantalar, sanki onların geçmiş yaşam, saklıyorlar... Bu geçmiş yaşam duygusu bir imaj yaratıyor... Bunun nasıl bir imaj olduğunu tespit etmek zor... Belki bazı uygarlıkların imajı, bilinmeyen afetlerin baskısı altında, yavaş yavaş dibe batıyorlar ama yine de bazı olaylar. Kocaman, kozmik bir varlık duygusu sarıyor insanı bu çöplüklerde; hiçbir şekilde bir terk edilmişlik, felaket bir yaşam duygusu değil, aksine, geri dönüşü, dolaşımı, çünkü hafıza var olduğu sürece, hayata dahil olan her şey yaşayacaktır.
Ama yine de, çöp sahası ve görüntüsü neden hayal gücümü tekrar tekrar bu kadar etkiliyor, neden her zaman onlara dönüyorum? ...Bazen düşünürsünüz - diğer ülkelerde bu kadar büyük çöplük yok, çöp yok, ama sadece bir "temiz ürün" var mı? Bir keresinde Çekoslovakya'daki akrabalarımı ziyarete gittiğimde oradaki temizliğin bende en büyük etkiyi yarattığını hatırlıyorum. Neden, orası nasıl bu kadar temiz?.. Sanki sürekli temizlik yapıyorlar, temizlik yapıyorlar, çöpleri atıyorlar - zamanı nereden buluyorlar! - ve her şey başka bir yerde ve yakınlarda değil - her şeyi çıkarıyorlar, "orada", "uzakta" çıkarıyorlar. Sonra aklıma geldi: Yanında eşit derecede temiz bir ev varken onu nasıl atacaklar, yakını da temiz, arkası da aynı ... Ama ülkemizde çöp atılıyor tam orada evin yanında, sadece eşiğin üzerine getiriliyor ve zaten hiç kimsenin arazisi yok, arka bahçeler ve tüm komşular onu süpürüyor, atıyor - o kadar çok insansız arazi var ki! Ve evimizin arkasında bir çöplük haline gelen bu insansız arazi - her gün duvarlarımızın arkasında tehditkar bir şekilde durmuyor mu, kalenin etrafındaki bir düşman gibi, tekrar tekrar evimize dönüp onu sular altında bırakmıyor mu?

Ya daha da kötüsüyse - düşünmek bile korkutucu: tüm geniş bölgemiz dünyanın geri kalanından bir çöplük mü?