Bir sanat formu olarak edebiyat. Edebiyatın diğer sanatlar arasındaki yeri.

Özet, ZO P. A. Khorunzhaya'nın 1. sınıf öğrencisi tarafından tamamlandı.

Krasnoyarsk Devlet Üniversitesi

Filoloji ve Gazetecilik Fakültesi

Gazetecilik Bölümü

Krasnoyarsk 2006

Giriiş.

Edebiyat kelimeyle çalışır - diğer sanatlardan temel farkı. Kelimenin anlamı İncil'de verildi - kelimenin özünün ilahi fikri. Söz, edebiyatın ana unsuru, maddi ve manevi arasındaki bağlantıdır. Kelime, kültürün ona verdiği anlamların toplamı olarak algılanır. Söz aracılığıyla dünya kültüründe ortak olanla gerçekleştirilir. Görsel kültür, görsel olarak algılanabilen bir kültürdür. Sözlü kültür - insan ihtiyaçlarına daha uygun - kelime, düşünce işi, kişiliğin oluşumu (manevi varlıklar dünyası). Ciddi bir tavır gerektirmeyen kültür alanları vardır (Hollywood filmleri çok fazla içsel bağlılık gerektirmez). Derin bir ilişki, deneyim gerektiren derin bir edebiyat var. Edebiyat derin bir uyanıştır Iç kuvvetler birçok yönden bir kişi, çünkü edebiyatın malzemesi vardır.

Kelime sanatı olarak edebiyat.

Aynı zamanda, edebiyatta, sanatın dışında hayal edilmesi imkansız olmasa da zor olan bu tür konuşma biçimleri sıklıkla kullanılır. Örneğin, günlük konuşmada A. Blok'un aşağıdaki şiirsel satırlarına benzer bir şey hayal etmek olası değildir: korkunç hikaye ve yıldız sınırı nefes alır. Yazarlar bazen konuşmanın anlamlı başlangıçlarını o kadar yoğunlaştırırlar ki, yapıtın kendisi, kelimelerin dokusuyla sanata ait olduğunu “ihanet eder”. Bu, alegorik ifadeler, olağandışı, etkileyici sözdizimsel yapıların bolluğu ile enjekte edildiğinde olur, asıl mesele, yazarın şiirsel konuşmaya dönüşmesidir.

Ancak, sanatsal konuşma ve diğer türleri arasındaki biçimsel farklılıklar isteğe bağlıdır. Sözlü ve sanatsal metinlerin, günlük konuşmanın - sözlü-konuşma dili (gerçekçi romanlarda diyalog) veya yazılı (notlar ve günlükler şeklinde nesir) kelime dağarcığına, anlambilimine ve sözdizimine sürekli olarak bağlı olduğu görülür. Ancak sanatsal konuşmanın görünüşte "sıradan" ifadelerle aynı olduğu durumlarda bile, maksimum düzenliliğe ve estetik mükemmelliğe sahiptir.

2. Kelime sanatı olarak edebiyat

Lessing, Laocoon hakkındaki incelemesinde, yaşamın resimlerini resmetmesine rağmen, göstergelerin keyfiliğini (gelenekselliğini) ve edebiyat görüntülerinin maddi olmayan doğasını vurguladı. Figüratiflik, kurguda kelimelerin yardımıyla dolaylı olarak iletilir. Yukarıda gösterildiği gibi, belirli bir ulusal dilde kelimeler, mecazilikten yoksun işaret-sembollerdir. Bu işaretler-semboller nasıl olur da işaretler-imgeler (ikonik işaretler) haline gelirler ki bunlar olmadan edebiyatın imkânsız olması mümkün değildir? Bunun nasıl olduğunu anlamak için seçkin Rus filolog A.A. Potebni. "Düşünce ve Dil" (1862) adlı çalışmasında, kelimenin iç biçimini, yani en yakın etimolojik anlamını, kelimenin içeriğinin ifade edilme şeklini seçti. Sözcüğün içsel biçimi, dinleyicinin düşüncesinin yönünü verir. Sanat, kelime ile aynı yaratıcılıktır. Şiirsel görüntü, dış biçim ile anlam, fikir arasında bir bağlantı görevi görür. Figüratif şiirsel kelimede etimolojisi yeniden canlandırılır ve güncellenir. Bilim adamı, görüntünün kelimelerin mecazi anlamlarında kullanılması temelinde ortaya çıktığını savundu ve şiiri alegori olarak tanımladı. Edebiyatta alegorinin olmadığı durumlarda, mecazi anlamı olmayan bir kelime, onu sanatsal imgeler ortamına girerek bağlam içinde kazanır. Hegel, sözlü sanat eserlerinin içeriğinin, "konuşma, kelimeler, dil açısından güzel olan bunların bir kombinasyonu" yoluyla aktarılması nedeniyle şiirsel hale geldiğini vurguladı. Bu nedenle, literatürde potansiyel olarak görsel ilke dolaylı olarak ifade edilir. Buna sözel plastisite denir. Bu tür aracılı figüratiflik, Batı ve Doğu edebiyatlarının, lirizm, epik ve drama edebiyatlarının eşit bir özelliğidir. Özellikle Arap Doğu ve Orta Asya'nın kelime sanatında, özellikle görüntünün olması nedeniyle yaygın olarak temsil edilmektedir. insan vücudu Bu ülkelerin resminde yasaktır. Onuncu yüzyılın Arap şiiri, salt edebi görevlere ek olarak, görsel Sanatlar. Bu nedenle, içinde çok kelimeye dönmek zorunda kalan "gizli bir resim" var.

Avrupa şiiri de bir silüet çizer ve şu kelimenin yardımıyla renkleri iletir:

şiirsel kurguyu azaltmak

Soluk mavi emaye üzerinde

Nisan ayında akla gelebilecek olan,

Huş ağacı dalları kaldırdı

Ve anlaşılmaz bir şekilde akşam.

Desen keskin ve güzel,

Dondurulmuş ince ağ

Porselen tabaktaki gibi

İyi çizilmiş bir çizim.

O. Mandelstam'ın bu şiiri bir tür sözlü sulu boyadır, ancak resim ilkesi burada tamamen edebi bir göreve tabidir. Bahar manzarası, Tanrı'nın yarattığı dünya ve insan tarafından yaratılan bir şeyde cisimleşen sanat eseri üzerine düşünmek için sadece bir fırsattır; sanatçının eserinin özü hakkında.

Resimsel başlangıç ​​da destanın doğasında vardır. O. de Balzac, kelime olarak resim yapma yeteneğine sahipti, I.A. Gonçarov. Bazen epik eserlerdeki figüratiflik, örneğin kompozisyon yoluyla, yukarıda belirtilen şiirlerde ve Balzac ve Goncharov'un romanlarında olduğundan daha dolaylı olarak ifade edilir. Yani, hikayenin yapısı I.S. Shmelev'in küçük kubbelerden oluşan ve menkıbe kanonuna odaklanan "Restorandan Adam", ortasında bir aziz figürü olan ve çevresinde hayatını anlatan pullar bulunan menkıbe ikonlarının bir kompozisyonunu andırıyor. ve işler. Resimselliğin böyle bir tezahürü yine tamamen edebi bir göreve tabidir: anlatıya özel bir maneviyat ve genelleme verir.

Edebiyatta başka bir şeyin -Lessing'in gözlemine göre görünmez, yani resmin reddettiği resimlerin damgalanması, sözel-sanatsal dolaylı plastisiteden daha az önemli değildir. Bunlar yansımalar, duyumlar, deneyimler, inançlardır - bir kişinin iç dünyasının tüm yönleri. Söz sanatı, insan ruhunun gözlemlenmesinin doğduğu, oluştuğu ve büyük mükemmellik ve inceliğe ulaştığı alandır. Diyaloglar ve monologlar gibi konuşma biçimlerinin yardımıyla gerçekleştirildiler. damgalama insan bilinci konuşma yoluyla erişilebilir tek tür sanattan edebiyata.

3. Yer kurgu sanatta.

İnsanlığın kültürel gelişiminin farklı dönemlerinde, edebiyata, önde gelenden sonuncusuna kadar bir dizi başka sanat türünde farklı bir yer verildi. Bu, edebiyattaki bir veya başka bir eğilimin baskınlığının yanı sıra teknik medeniyetin gelişme derecesinden kaynaklanmaktadır.

Örneğin, antik düşünürler, Rönesans sanatçıları ve klasikçiler, heykel ve resmin edebiyat üzerindeki avantajlarına ikna olmuşlardı. Leonardo da Vinci, Rönesans değer sistemini yansıtan bir vakayı tanımlamış ve analiz etmiştir. Şair Kral Matta'ya doğduğu günü öven bir şiir sunduğunda ve ressam hükümdarın sevgilisinin bir portresini sunduğunda, kral resmi kitaba tercih etti ve şaire şöyle dedi: "Bana öyle bir şey ver ki, Görebiliyor, dokunabiliyordum ve sadece dinlemiyordum ve çalışmanızı dirseğimin altına koyduğum gerçeği için seçimimi suçlamıyorum ve resim işini iki elimle tutuyorum, gözlerimi üzerinde sabitliyorum: sonuçta, eller, duymaktan daha değerli bir duyguya hizmet etmeyi üstlendi. Aynı ilişki, ressamın bilimi ile, nesnelerin yapıldığı karşılık gelen duygular arasında var olan şairin bilimi arasında olmalıdır. Benzer bir bakış açısı, erken dönem Fransız eğitimci J.B. Dubos. Ona göre şiirin resimden daha az güçlü olmasının nedenleri, şiirsel imgelerde görselleştirme eksikliği ve şiirde göstergelerin yapaylığıdır (gelenekselliği).

Romantikler her türlü sanat içinde ilk sıraya şiiri ve müziği koyarlar. F.V.'nin konumu Şiirde (edebiyatta) gören Schelling, "çünkü fikirlerin yaratıcısı", "tüm sanatların özü". Sembolistler müziği en yüksek kültür biçimi olarak görüyorlardı.

Bununla birlikte, zaten 18. yüzyılda, Avrupa estetiğinde farklı bir eğilim ortaya çıktı - edebiyatın ilk etapta tanıtımı. Temelleri, edebiyatın heykel ve resim üzerindeki avantajlarını gören Lessing tarafından atıldı. Daha sonra, Hegel ve Belinsky bu eğilime övgüde bulundular.

Hegel, sözlü sanatın hem içeriği hem de sunulma şekli açısından diğer tüm sanatlardan ölçülemeyecek kadar geniş bir alana sahip olduğunu savundu. Şiir, ruhun ve tabiatın tüm nesneleri, olaylar, hikayeler, işler, işler, dış ve iç haller tarafından özümsenir ve şekillendirilir, “şiirdir”. evrensel sanat". Aynı zamanda, Alman düşünür edebiyatın bu kapsamlı içeriğinde önemli bir dezavantaj gördü: Hegel'e göre şiirde "sanatın kendisi çözülmeye başlar ve felsefi bilgi için dini fikirlere bir geçiş noktası edinir. bilimsel düşüncenin düzyazısının yanı sıra." Ancak, literatürün bu özelliklerinin eleştiriyi hak etmesi pek olası değildir. Dante'ye itiraz, W. Shakespeare, I.V. Goethe, A.S. Puşkin, F.I. Tyutchev, L.N. Tolstoy, F.M. Dostoyevski, T. Mann, dini ve felsefi konulara edebi şaheserlerin yaratılmasına yardımcı oldu.

Hegel'in ardından V.G., diğer sanat türleri yerine edebiyata da el verdi. Belinski. “Şiir, sanatın en yüksek türüdür. Şiir, hem ses hem de resim olan ve kesin, açıkça ifade edilmiş bir temsil olan özgür insan sözünde ifade edilir. Bu nedenle şiir, diğer sanatların her birine ayrı ayrı verilen tüm araçları kullanıyormuş gibi, diğer sanatların tüm unsurlarını içerir. Dahası, Belinsky'nin konumu Hegel'inkinden daha edebi merkezlidir: Rus eleştirmen, Alman estetiğinin aksine, edebiyatta onu diğer sanat türlerinden daha az önemli kılacak hiçbir şey görmez.

N.G.'nin yaklaşımı Chernyshevsky. "Gerçek eleştiri"nin bir destekçisi, edebiyatın olanaklarını takdir ederek, diğer tüm sanatlardan farklı olarak fantaziye göre hareket ettiğinden, "sübjektif izlenimin gücü ve netliği açısından şiirin yalnızca gerçekliğin değil, gerçekliğin de çok altında olduğunu" yazdı. , aynı zamanda diğer tüm sanatlar. ". Aslında edebiyatın zaafları vardır: Sözel imgelerin özsüzlüğüne, uzlaşımsallığına ek olarak, aynı zamanda edebiyattır. Ulusal dil, edebi eserlerin her zaman yaratıldığı ve bunun sonucunda diğer dillere tercüme edilme ihtiyacı.

Modern edebiyat kuramcısı, sözcüğün sanatının olanaklarını çok yüksek düzeyde değerlendirir: "Edebiyat, "eşitler arasında ilk" sanattır." Mitolojik ve edebi olay örgüleri ve motifler genellikle resim, heykel, tiyatro, bale, opera, çeşitli sanatlar, program müziği, sinema gibi diğer sanat türlerinin birçok eserinin temelini oluşturur. Gerçekten nesnel olan, edebiyatın olanaklarının bu değerlendirmesidir.

Çözüm

Edebiyat - geniş anlamda, herhangi bir yazılı metnin toplamı. Çoğu zaman edebiyat, kurgu olarak, yani edebiyat bir sanat biçimi olarak anlaşılır. Ancak bu modern anlayış, günümüzden uzak dönemlerin kültürüne doğrudan uygulanmamalıdır. Eski bilimsel incelemeler ve dini mitolojik eserler - örneğin, Hesiod'un Theogony'si veya Lucretius'un Şeylerin Doğası Üzerine - çağdaşların bakış açısından, örneğin epik şiirlere (Homer'in İlyada'sı veya Virgil'in Aeneid'i) karşı değildi. kurgusal olmayan kurgu edebiyatı olarak. 1820'lerde Rusya'da eleştirmenler, Rus nesirinin en iyi örneklerinin Karamzin'in Rus Devleti Tarihi ve Nikolai Turgenev'in Vergi Teorisinde Bir Deneyim olduğu konusunda hemfikirdi. Diğer dönemlerin kurgusunu dini, felsefi, bilimsel, kamusal literatürden ayırarak modern fikirlerimizi geçmişe yansıtırız ve bu dikkatli olmayı gerektirir.

bibliyografya

1 . Edebi eleştiriye giriş: Proc. içinfilol.. uzman. yüksek kürklü botlar / G.N. Pospelov, P.A. Nikolaev, I.F. Volkov ve diğerleri; Ed. G.N. Pospelov. - 3. baskı,vereferans. ve ek - M.:daha yüksek. şk., 200 8. - 528'ler.

2. Kültürel çalışmalar. öğretici OG Petrova, Moskova 2004 tarafından geliştirildi

3. Florensky P.A. Sanatsal ve görsel çalışmalarda mekansallık ve zaman analizi. M., 2003

4. Genç bir edebiyat eleştirmeninin ansiklopedik sözlüğü, Berdnikov G.P., M., 2007 tarafından düzenlendi.

Kurgu, daha geniş bir insan faaliyeti alanına aittir - sanat. Sözlü bir sanat eseri, bir yandan nesnel bir gerçekliktir. Ama öte yandan, algılayan bilincin dışında mevcut değildir ve burada estetik deneyimin öznel gerçekliğinden bahsetmek gerekir. Üçüncü taraftan, bir sanat eserinin anlamı, öznelerarası (kişilerarası, söylemsel) bir yapıya sahiptir.

Sözlü sanatı yeterince algılamak için sözlü sanatın doğasını, verili bir nesne olarak yapıtı, yaratıldığı yasaları anlamamız gerekir. Edebi metin son derece düzenli ve son derece anlamlıdır. Modern edebi kavramlardan birinde, yazarı V.I. Tyup, bu sözlü sanat yasalarını formüle etmek için bir girişimde bulunuldu.

kavram sanat ("sanatsal" tanımının yanı sıra, sanatın özelliklerini belirtmeye hizmet eder, içeriği bu tür faaliyetleri (düşünme biçimi, kültür alanı) felsefe ve dinden, bilim ve gazetecilikten, üretkenlikten ayıran şeydir. emek ve siyaset.

Sanatın özelliklerinin temeli, estetik doğasıdır. Sanatçının eseri, bireyin manevi yaşamının estetik ihtiyaçlarını karşılayan ve insanlar arasındaki etik ilişkiler alanını oluşturan bir etkinliktir. Sanatsallık yücedir kültürel biçim insanın dünyayla estetik ilişkisi, çünkü "estetik kendini yalnızca sanatta gerçekleştirir" (M. Bakhtin).

VE. Tyupa aşağıdakileri formüle eder sanat yasaları (sanat kanunları).

1. Kanun bütünlük sanatsal bütünün içsel bütünlüğünü (bütünlüğünü) ve yoğunlaşmasını (artık olmamasını) ima eder. Prensip olarak, bu nihai düzen anlamına gelir formlar onun hakkında yazılar içerik estetik bir nesne olarak; bir şaheser metninde tesadüfi, kayıtsız, isteğe bağlı hiçbir şey yoktur. Bununla birlikte, edebiyat tarihi, N.A. Nekrasov'un (“Rusya'da kim iyi yaşamalı”) veya yazar tarafından kasıtlı olarak kesilen (A.S. Puşkin'in (“Sonbahar”) gibi bitmemiş metinleri de bilir. işin iç bütünlüğü ve ona tam bir estetik tutum.

2. Estetik deneyimin bir tür "mekanizması" olarak duygusal yansıma, sanatsal bir yasa üretir. sözleşmeler . En gerçekçi sanat bile tamamen gelenekseldir (geleneksel, sembolik), çünkü doğrudan duygusal etkileri değil, metinsel olarak aracılık edilen “deneyimleri” harekete geçirmeyi amaçlar. Trajediyi temsil eden tiyatro sahnesinde gerçek kan dökülürse estetik durum bozulur. Uzlaşım yasasına göre, bir sanat eseri bir metne indirgenmez, aksine bir tür geleneksel sanat eseridir. dünya.

Bir sanat eserinin dili gelenekseldir. yaratıcı sanatsal dünya, eserin yazarı bize kelimelerin günlük pratik dilinde değil, sanatsal dil, ikincil olan. Böylece, bir kişi, ahlaki ve manevi bir deneyim olarak hareket eden gerçek kederi hakkında, birincil işaret sistemi olan dünyevi dili kullanarak konuşabilir. Bir kayıp hakkında yazılan bir ağıtta ifade edilen duygu zaten ikincil ve dolayımlı bir deneyimdir (özellikle, mersiye yazma tür geleneğinin dolayımladığı). Buradaki duygusal yansıma, yazarın yaratıcı bir öz denetime sahip olmasını ve ikincil bir işaret sistemine - ağıt şiirinin diline - yönelmesini gerektirir.

Edebi bir metnin tek bir kelimesi doğrudan yazarın kişiliğiyle ilişkilendirilmemelidir. AT Edebi çalışmalar ya yazara (karakterler) ya da yardımcılarına (anlatıcılar, lirik özneler) alternatif figürler ifade edilir. Her ikisi de nihayetinde statüye sahip edebi kahramanlar. En mahrem otobiyografik sözlerde bile konuşan değil, bu konuşmacıyı dinleyen, anlayan, onu “öteki” olarak değerlendiren yazardır. Yazar kendini “kendinden” ancak sanattan yoksun metinlerde (röportajlar, hatıralar, denemeler, mektuplar) ifade eder, burada kendisi hakkında, gerçek hayatı hakkında konuşur.

3. İç hukuk hedefleme nispeten yakın zamanda edebiyat teorisi tarafından kabul edilmiştir. Sadece XX yüzyılda. Sanatsal bütünün, tam olarak bir bütün olarak, her zaman az ya da çok uzak, bilinmeyen bir muhataba yöneldiği, şairin varlığından şüphe duymadan şüphe edemeyeceği açıktır. Edebi bir metnin dışsal olarak hitap edilmesi (adanma, okuyucuya hitap etme) sanat için isteğe bağlıdır ve hiçbir şekilde onun sanatsal özgünlüğünü karakterize etmez. İkincisi, yapıtın -koşullu bütünlüğü (izolasyon ve yoğunlaşma) sayesinde- okuyucu-muhatap için hazırlanmış, yalnızca bütün bütünlüğü içinde açıldığı bir iç bakış açısı içermesinden ibarettir.

“Sanat”, A.A. Potebnya, sanatçının dilidir ve nasıl bir insan düşüncelerini bir başkasına bir sözcükle iletemez, ancak kendi içindekini uyandırabilirse, bir sanat eserinde de onu iletemez”; bir sanat eserinin içeriği “gerçekten içsel biçimi tarafından koşullandırılmıştır, ancak sanatçının hesaplamalarına hiçbir şekilde dahil edilemez”, bu nedenle “böyle bir eserin özü, gücü yazarın kastettiği şeyde değildir, ama okuyucuyu veya izleyiciyi nasıl etkilediği konusunda ...” . Sanatsal bütünün estetik olarak hedeflenmesi, hazır bir anlamın iletilmesinden değil, belirli bir anlam üretme biçimine aşina olmaktan ibarettir. Eser, sanatsal algının yazarın niyetine dair bir ipucu değil, ortak bir anlama giden bireysel bir yol olacağı bir muhatabı ima eder.

Sanat, estetik bir tutuma indirgenmediğinden, dahası, yeni (sanatsal) bir gerçekliğin yanı sıra, bilim veya felsefenin mantıksal kavramlarına çevrilemeyen yaşam hakkında tamamen özel bir bilgi biçiminin yaratılması, iki tane daha var. kanunlar sanatta yer alır.

4. Hukuk bireyleşme (yaratıcı özgünlük), yalnızca gerçekten benzersiz, yeniden üretilemeyen bir şeyin bir sanat eseri olarak kabul edilebileceğini ve el sanatı etkinliğinin bir ürünü olmadığını öne sürüyor. F.V. Schelling, Kant gibi, "şiirin temel yasasının özgünlük olduğuna" inanıyordu. Bir sanat eserinin özgünlüğü sadece kendini ifade etme değildir. bireysel kişilik sanatçı, aynı zamanda algının bireyselliğine de hitap eder, okuyucunun, izleyicinin, dinleyicinin özgünlüğünü uyandırır ve harekete geçirir.

5. Öte yandan, yasa genelleme , Bir dizi teorisyen tarafından "yaratıcı tipleştirme yasası" olarak yorumlanan, dünyadaki bireysel bir insan "Ben" in varlığının kişisel deneyiminin genelleştirilmesinin nihai ölçüsünü sanatta görür. Schelling'e göre, "eser ne kadar özgünse, o kadar evrenseldir."

Sanatsal metinler, dünya ve yaşam hakkında en çeşitli (özellikle bilimsel) bilgileri yakalayabilir, ancak hepsi isteğe bağlıdır ve sanata özgü değildir. Aslında, B.L.'ye göre sanatsal bilgi. Roman kahramanına emanet edilen Pasternak, “her şeyi kapsayan genişliğiyle yaşam hakkında bir tür ifadedir, ayrı kelimelere ayrıştırılamaz” ve aynı zamanda “dar ve konsantre”, nihayetinde “sanat dahil olmak üzere”. trajik, varoluşun mutluluğunun bir hikayesidir." Böyle bir bilginin konusu, insan varoluşunun fenomenlerinin özgül bütünlüğüdür: ben-dünyada , ya da modern felsefi dilde konuşursak, varoluş özellikle insani bir varoluş tarzıdır (dış gerçeklikte içsel mevcudiyet). Her "Ben" benzersizdir ve aynı zamanda evrenseldir, herkesle "ilişkilidir"; herhangi bir insan böyle bir dünyada-ben'dir. İç “Ben” in sırrı (kişiliğin çekirdeği ve kabukları değil: psikoloji, karakter, sosyal davranış) prensipte herhangi bir mantıksal bilgiye erişilemez. Bu arada, kahramanın sanatsal gerçekliği, sırrı başlangıçta onu yaratan sanatçıya ait olan başka bir (hayali, koşullu) bireyselliktir. Sanatsal bir görüntü aynı zamanda bir yanılsamadır, birincil gerçeklikte var olmayan, ancak hayal gücünde var olan bir şeydir (“görünmez bir misafir sürüsü, eski tanıdıklar, rüyamın meyveleri” - Puşkin “Sonbahar”). Eserde yakalanan tarihsel figürler bile basit bir yeniden üretim değil, göstergebilimsel anlam ve estetik olarak kavramsal anlamla donatılmış bir analoğun yaratılmasıdır. Bu, öncelikle kahramanın kurgusal bir insan olduğu gerçeğinde kendini gösterir. Bunlar, Puşkin'in Boris Godunov'unda Dimitry the Pretender Sumarokov, Boris Godunov ve Grishka Otrepiev, Kaptanın Kızı'nda Pugachev, Tolstoy'un Savaş ve Barış'ında Napolyon ve Kutuzov, A. Tolstoy'un romanında Büyük Peter. Sanatsal imgeyi kavrayarak, kişiliğin özü olan içsel "ben" in sırrını ve aslında eserdeki kişilik kavramını kavrarız. İçsel kişilik kavramının anlaşılmasına giriş, kişisel mevcudiyetin ruhsal deneyimimizi zenginleştirir. dış dünya ve sanatsal algının bir tür çekirdeğini oluşturur.

Bölüm 1 Sanatın türlere ayrılması

Sanat - sanatsal görüntü - işaret - alegori - sembol - G.E. Resim ve edebiyat üzerine Lessing - I.G. Müzik ve Edebiyat Herder - Sözün Sanatı Olarak Edebiyat

Edebiyat nedir ve diğer sanat türlerinden farkı nedir? Resim, müzik ve edebiyat arasındaki bariz farka rağmen, analizleri için neden aynı terimler kullanılıyor: portre, manzara, detay, kompozisyon, leitmotif, çok seslilik, ritim? Bu soruları cevaplamadan önce, özü anlamaya çalışmalıyız. Sanat.

Ünlü dilbilimci V.V. Vinogradov, "sanat" kelimesinin etimolojisini deneyim kavramıyla, "eylemlerin sık tekrarlanmasıyla elde edilen bilgi", yani belirli bir beceri düzeyinin belirlenmesiyle ilişkilendirir. Yunanca "τέχνη" kelimesi, sanat, aynı zamanda "zanaatkarlık" olarak da çevrilir. Gerçekten de, bir zanaatkarın becerisini gerçek bir sanatçının ilham verici yaratıcılığından ayırmak her zaman kolay değildir.

Antik çağda, klasisizm çağında, şair özgür bir yaratıcı gibi hissetmiyordu, ustaların otoritesi, “öğretmenler” onun için önemliydi, belirli, yerleşik kuralları takip etti ve bu konuda bir zanaatkar gibi görünüyor. Ayrıca bu dönem sanatçıları için eserlerinin pratik faydalar sağlaması, yani bir eğitim aracı, bir “yaşam ders kitabı” olması önemliydi.

Tabii ki, herhangi çağdaş sanatçı kaçınılmaz olarak seleflerinin tekniklerini miras alır, ancak yazarın ve şairin el yazısının benzersiz özellikleri okuyucular için özel bir değer taşır. Gerçek bir sanat eserini tanımladığımız önemli bir kriter özgünlüktür.

Sanat yaratıcı etkinlik, yani, temelde yeni bir şeyin yaratılması. Yeni dünyalar keşfeden bir yolcunun sevincini yaşıyoruz, çünkü sanat eserlerinin yaratıcısı bize dünyaya, insan ilişkilerine, evrenine bakışını veriyor. Ancak sanatın bu yanı onu bilime, felsefeye yaklaştırır: tüm bu tür insan aktivitelerinde yeni, benzersiz bir nesnenin (dünya modelleri, teoriler, icatlar) yaratılması vardır. Bununla birlikte, bir bilim adamının matematiksel doğruluğa, yapılarının mantığına ve bir sanatçı için daha büyük ölçüde duyumları ve duyguları aktarmada doğruluğa ihtiyacı vardır. Bilim öznellikten korkar, sanat bireyseldir. Bilim formülleri, soyut kavramları (örneğin sınıf, cinsiyet, gerçek, güzellik, adalet, güç) ve sanatı kullanır - sanat görüntüleri, semboller.

Sanattaki görüntü geniş olarak anlaşılabilir: bir bütün olarak eser, yazarın hayal gücünde doğan ve çevreleyen gerçekliğe ilişkin algısını, düşüncelerini ve duygularını, değerlendirmelerini, zevklerini yansıtan dünyanın bir görüntüsüdür. Görüntünün maksimum nesnelliği için çabalayan yazar-yaratıcı, kendini tamamen terk edemez. Aynı zamanda, kasıtlı olarak öznel çalışma, yalnızca yazarın deneyimini, belirli bir kuşağa aidiyetini, çevresinin dünya görüşünü değil, aynı zamanda bilinçaltından gelen dünyanın kişiötesi, arketipsel görüntüsünü de yansıtır. Sanat, bir yandan dünyaya başkalarının gözünden bakmamızı, olağandışı bir bakış açısıyla görmemizi ve genel olarak fark etmediğimiz ayrıntılara bakmamızı sağlar. Diğer taraftan, Sanat Eserleri bilinçaltımıza hitap eden evrensel görüntülerle dolu.

"Sanatsal imge" terimi de daha dar anlamda, yani sanatla ilgili olarak kullanılır. bireysel partiler eserler: bir halkın veya bir kahramanın imajı, Rusya'nın imajı, bir şehir veya bir köy. Kahramanın imajı, görünüşünün imajından, konuşmasının özelliklerinden, iç dünyasının yansımasından inşa edilir.

Bir eserin ayrı bir katmanı olarak ayırt edilir. figüratif taraf: belirli nesneler, yazar tarafından oluşturulan yüzler. Ayrıntılar, yazarın yarattığı dünyaya şehvetli bir somutluk verir, onu sesler, renkler, aromalarla doldurur. Karakterlerin kullandığı şeylerin dünyası, Chichikov'un kutusu ve şezlongu veya Anna Karenina'nın elbisesindeki dantel gibi, yaşam tarzları, iç dünyaları hakkında bize bir fikir veriyor. I.A.'nın eserlerinde, içlerindeki anlamın belirsizliğine, sembole derinlemesine yaklaşan görüntüler var: Dante kahramanının düştüğü kasvetli orman veya kahramanların buluştuğu karanlık sokaklar. Bunin, "Ölü Ruhlar" daki yol (1842) N.V. "Anna Karenina" (1877) L.N.'de Gogol veya raylar. Tolstoy. Yazar, herhangi bir kahramana, zamanının, çevresinin karakteristiği olan bireysel ve “tipik” özellikler verir. Kahramanın imajı genelleştirilebilir veya sembolik (Blok'un şarkı sözlerinde Yabancı), açık veya karmaşık olabilir.

"Sembol", "alegori" ve "gösterge" kavramları, açık bir yoruma açık oldukları ölçüde farklılık gösterirler. Sembol- bu, anlamı açık bir şekilde yorumlanamayan bir görüntüdür, çünkü “fikri” somut, şehvetli düzenlemesinden ayrılamaz. Ünlü Rus filolog S.S. Averintsev, bu kavramın "gösterge" ve "alegori" kavramlarıyla karşılaştırılarak ortaya çıktığına inanmaktadır. İşaret- başka bir öğeyi temsil eden bir öğe. Kural olarak, gösterge ile gösterilen arasında doğrudan, doğal bir bağlantı yoktur. Örneğin, bir kelime bir işarettir. “e-l-e-k-t-r-i-ch-e-s-t-v-o” ses seti ile elektrik arasındaki bağlantı nedir? Giriş yok işareti, yani kırmızı bir arka plan üzerinde beyaz bir dikdörtgen ile giriş yok arasındaki ilişki nedir? Bu bağlantı şartlıdır. İnsanlar, belirli bir ses, nesne, renk veya ses kümesinin belirli bir anlamı ifade edeceği konusunda kendi aralarında anlaşmışlardır.

alegori(gr. alegori- alegori) - soyut bir kavramın belirli bir görüntü aracılığıyla ifadesi. Örneğin, soyut "kurnazlık" kavramı bir tilki görüntüsü ile ifade edilir. İmge ile ne anlama geldiği arasındaki bağlantı, işaretin aksine daha yakındır. Tavşan bir korkaklık alegorisidir. Yırtıcı hayvanlara karşı mücadelede ana stratejisi ustaca uçuş olan tavşan, insanlara gerçekten bir korkağı hatırlatıyor. Yazarlar ve sanatçılar genellikle bireysel olanları değil, tarihsel olarak geliştirilmiş alegorileri kullanırlar: örneğin, lir yaratıcılığın bir alegorisidir, tırpan ölüm alegorinin bir özelliğidir. Alegorik görüntü belirsizdir, bu nedenle alegori didaktik için tipiktir (Yunanca. didaktikos-öğretici) türler (masal, ahlak): yazar, okuyucularına bir akıl hocası gibi hisseder ve düşüncesinin mümkün olduğunca şeffaf olmasını sağlamaya çalışır.

sembol, alegoriden farklı olarak, açık bir şekilde yorumlanamaz, zihin tarafından kavranamaz, bir formüle, bir şemaya indirgenemez. Bu nedenle, Anna Karenina ve Vronsky'nin St. Petersburg yolunda platformda buluşması sırasında bir kar fırtınası görüntüsünün anlamı, kapsamlı bir yoruma meydan okuyor. Tutkunun başlangıcı neden bu özel görüntüyle ilişkilendiriliyor? Tolstoy için tutku, her şeyden önce yoluna çıkan her şeyi süpüren bir unsurdur. Ama Karenina için tutku, ölçülü, sıkıcı varoluşunda aynı zamanda bir nefestir: Havasız tren vagonundan ayrılan Anna, bir kar fırtınasının, buz gibi havanın tadını çıkarır. Bir kar fırtınası görüntüsünün anlamını kavramak için tek başına rasyonel analiz yeterli değildir. Herhangi bir eseri analiz ederken, şematizasyondan, içerdiği anlamın biraz basitleştirilmesinden kaçınamayacağımızı anlamalıyız, çünkü yazarın düşüncesi yarattığı görüntülerden koparılamaz: sadece hayal gücünde platforma taşınarak. , soğuğu ve tazeliği, gücü ve güçlü rüzgarı hissederek, Anna'nın iç dünyasına nüfuz edebilir ve yazarın duygularına karşı tutumunu anlayabilirsiniz.

Bir görüntü, bir sembolün derinliğini elde edebilir. açılış konuşması yani, çalışmanın sayfalarında birkaç kez görünür: her seferinde yeni koşullarda ortaya çıkan böyle bir görüntü, ek, belki de beklenmedik anlam tonları kazanır. Modern Rus yazar Tatyana Tolstaya'nın “Ay Sisten Çıktı” adlı kısa öyküsünde, kahraman Natasha, canavarın imajını kullanarak sorunlarının özünü formüle ediyor: büyüyor, kendi içinde utanç verici arzuları keşfediyor, “ ...bir ürperti ile, dişi, kirli, hayvani cinsini tahmin ederek” . Canavar onun için aşağılık, iğrenç her şeyin bir alegorisi haline gelir. Ama bu imge gelişimini alır, hikayenin ana motifine dönüşür ve değişerek simgeye muğlaklık açısından yaklaşır. Canavar, kahramanın “utanç verici” fantezilerinde ortaya çıkıyor: “Ya çocuklar tahmin ederse - ne ayıp -“ boksit tortusu ”nun Natasha'ya - üzgün, büyük burunlu bir öğretmen - tombul bir orman mağarasına sunulduğunu tahmin ederse , kırmızımsı, yuvarlak toplardaki pürüzsüz köpekler birbiri ardına düşüyor. spor dövüş eldivenleri. Ortak bir tuvalete küçük düşürücü bir ziyarete, bir köpek tasmasını anımsatan sifon deposundaki bir zincir görüntüsü eşlik eder. Natasha'nın epizodik tutkusuna da bu görüntü eşlik ediyor: sevgilisinin peşinden bir "köpek" gibi koştu ve ondan ayrıldıktan sonra "kurt gibi uludu ...". Yaşlılık, yalnız bir hayvan olan bir kedinin görüntüsünün ortaya çıkmasıyla işaretlenir, ancak ev sıcaklığına ve rahatlığına bağlıdır: öğrencilerinden bir hediye olarak "Cats of Europe" albümünü alır. Canavarın görüntüsü kesin olarak olumsuz çağrışımını kaybeder, bir alegori olarak algılanmayı bırakır: hem bir insandaki yaratıcı ilkeyi (Natasha'nın fantezileri) hem de aşk, sevgi ve onun insanlık dışı özlemini hayal eder.

Bu nedenle, sanatı diğer insan faaliyetlerinden ayırmamıza izin veren işaretler olarak benzersizlik, özel bir dil - görüntülerin dili olarak adlandırdık. Ancak, bir sanat eseri ile bir zanaatkârın maharetli bir el sanatı veya profesyonelce yazılmış bir metin arasına bir çizgi çekmeyi mümkün kılan temel ölçüt, sağlamlıktır. estetik darbe. Duyularla algılayan ve bazı nesnelerin, seslerin anlamını kavrayan bir kişi, kesinlikle onların faydacı, yani pratik, yaşamdaki uygulamalarını düşünür. Ama aynı zamanda, onları güzellik açısından değerlendirir ve bariz pratik kullanımı olmayan bazı görüntüler, sesler onun tarafından olağanüstü değerli, içsel hayatı için önemli, özel, estetik, zevk veren bir şey olarak algılanır. . adam Gündelik Yaşam gözlerini memnun edecek güzel şeylerle çevrelenir insan, kulaklarını şenlendiren hoş seslerle çevrelenir ama bir sanat eserinin uyandırdığı duygular daha derindir. Gerçek bir sanat eseri, sadece bir insanın hayatının geçtiği hoş bir arka plan değildir: hayatın rutin akışından çıkmamızı, kendimizi düşünmemizi, çevremizdeki dünyanın güzelliğini görmemizi sağlar.

Sanatın en yüksek tezahüründe güzelliği yarattığına inanılır. Ama güzellik nedir? Bir zamanlar gerçekten güzel olanın herkesin sevdiği şey olduğuna inanılıyordu. Ancak, "güzellik" kavramı belirsiz, özneldir ve bunun açık bir kanıtı elit sanat, avangarddır. Örneğin, Malevich'in "Siyah Karesi" bir sanat eseri olarak adlandırılabilir mi?

Güzelliğin orantılı, dengeli bir şey olduğuna dair antik çağda oluşmuş klasik bir fikir vardır. Bu güzellik, bir kişinin iç dünyasını uyumlu hale getirir. Ama güzellik sadece uyumlu orantıda değil, aynı zamanda güçte, güçte, ihtişamdadır; aynı zamanda kaosta, elementlerdedir. Yazara, dünya düzeni adaletsiz görünebilir, bir kişinin iç dünyası - kaotik, karanlık ve çalışmalarında umutsuzluğu itici görüntüler şeklinde ifade edebilir. Böyle bir eserin içeriği tiksinti, dehşete neden olabilir, ancak aynı zamanda yazarın tasvir ettiği dünyanın neden olduğu olumsuz duygulara rağmen okuyucuya gerçek bir zevk getirecektir. 20. yüzyılın ilk yarısının İspanyol filozofu. X. Ortega y Gasset ilginç bir fikir dile getirdi: Estetik zevk, bir sanat eserinin yazarının bize bulaştırdığı duygularla bağlantılı değildir. Performansın güzelliğinden, yazarın fantezilerinin dünyasını canlandıran işçilikten, formun tüm bileşenlerinin tutarlılığından gerçek estetik zevk alıyoruz. Yani L.N. Tolstoy, Anna Karenina (1877) romanı hakkında şunları yazdı: “Mimarlıkla gurur duyuyorum - tonozlar bir araya getirildi, böylece kalenin nerede olduğunu bile fark edemezsiniz. Ve en çok bunu yapmaya çalıştım." Özel bir dünya görüşünün estetik değeri vardır: beklenmedik bir açı, alışılmadık bir metafor, yazar tarafından fark edilen canlı, kesin bir ayrıntı.

"Sanat" kavramının tanımı, yukarıda sayılan özelliklerin bütününden kaynaklanmaktadır. Sanat- bu, estetik açıdan değerli nesnelerin ortaya çıktığı yaratıcı bir etkinliktir; bu, gerçekliği sanatsal görüntüler aracılığıyla anlamanın, bilmenin özel bir yoludur.

Sanat ikiye ayrılır Farklı çeşit: müzik, resim, mimari, heykel, tiyatro sanatı, dans, film sanatı, fotoğraf sanatı vb.

Bu sanat türleri nasıl farklıdır? Antik çağlardan beri sanat teorisyenleri, bazı sanat türlerinin özelliklerini ve hatta diğerlerine göre avantajlarını belirlemek için bu soruyu cevaplamaya çalıştılar. En ilginç çalışmalardan biri "Laocoon veya Resim ve Şiirin Sınırları Üzerine"(1766) 18. yüzyılın Alman oyun yazarı ve sanat kuramcısı. G.E. Azaltmak.Şiirin plastik sanatlar üzerindeki avantajlarını kanıtlamaya çalışır - resim ve heykel (onlara şiirin küçük kız kardeşleri diyor). Açık bir farkla, resim ve edebiyatın çok ortak noktası var - insanları, nesneleri, olayları, şeyleri tasvir ediyorlar. Edebiyattan bir arsa bir sanatçıya ilham verebilir ve bunun tersi de geçerlidir. Lessing hatırlıyor ünlü söz Yunan şair Simonides: "Resim sessiz şiirdir, şiir ise resim konuşmaktır." Ancak Lessing'in amacı bu tür sanatlar arasında ayrım yapmaktır. Bunu yapmak için, Truvalı rahip Laocoon ve iki oğlunun ölümünün görüntüsünü, Rodos ustalarının ünlü heykel grubu "Laocoon" ve antik Roma şairi Virgil'in "Aeneid" şiirinde karşılaştırır. Lessing, heykeltıraşın neden kahramanının yüzündeki acının tüm gücünü tasvir etmediğini, acının ifadesini yumuşatmadığını ve çığlığı "boğutmadığını" merak ediyor ve şair hem Laocoön'ün ürkütücü çığlığını hem de ıstırabının birçok korkunç detayını anlattı? Lessing, heykeltıraşın yalnızca bir anı, bir anı betimleyebildiği gerçeğiyle "bağlı" olduğuna inanır. Sanatçı, Laocoön'ün acısını en yüksek noktasında yakalarsa, o zaman heykeli dikkatlice ve uzun süre inceleyen izleyici, kahraman için iğrenme hissetmeye başlayacaktır, çünkü acı tarafından çarpıtılmış bir yüz kendi içinde çirkin ve iticidir. Lessing ayrıca, heykeldeki kahraman için rastgele, karakteristik olmayan bir yüz ifadesinin tasvirinin, izleyiciden karakterinin özünü gizleyebileceğini not eder: Laocoön'ün yüzünde bir çığlık donduysa, o zaman bu zoraki zayıflık ifadesi, acıyla parçalanmış olabilir. karakter zayıflığının bir tezahürü olarak yorumlanır. Şiirde farklıdır: Laocoön'ün iradesini gösterdiği, kendisiyle birlikte yok olan çocuklara olan sevgisinin tüm gücünün ortaya çıktığı, acılarının dayanılmaz hale geldiği ve ağlamasını engelleyemediği anda görürüz. Bu nedenle Lessing'e göre şiirin resme göre açık bir üstünlüğü vardır: olayların gelişimini tasvir edebilir.

Pek çoğu, sanatçının resmindeki portrenin, doğrudan algılandığı için edebiyattaki bir yüz tasvirinden daha "anlamlı" olduğu konusunda hemfikir olacaktır. Yazar tarafından yaratılan portre, okuyucunun aktif olarak birlikte yaratılmasını, hayal gücümüzün çalışmasını gerektirir (yazarın kahramanını bizim yaptığımız gibi hayal etmediği açıktır). Ama Lessing için bir insandaki hayal gücü en değerli yeteneklerden biridir. Olayın zirvesindeki heykeldeki görüntü, izleyicinin hayal gücünü zorluyor: Laocoon'un iniltisini görürse, ağlamasını hayal etmesi zor değildir ve eğer ağlamayı görürse, hayal gücü onu o ana götürür. ölümün, yani ıstırabın sonuna, arsanın sonuna veya bu ağlamanın başlangıcına, yani duygusal olarak daha az yoğun bir ana kadar.

Lessing, hayal gücümüzün portreyi tamamlaması için şairin kahramanın diğer karakterlerde bıraktığı izlenimi aktarmasının yeterli olduğuna dikkat çekiyor. Lessing, Homeros'un İlyada'sında bir örnek bulur. Şiirin yazarı zor bir görevle karşı karşıya kaldı - neden olan en güzel kadın Elena'yı tasvir etmek Truva savaşı. Homer bu görevle ustaca başa çıkıyor: Truva halkının yaşlıları konseyinde toplanan saygıdeğer yaşlılar üzerinde bıraktığı izlenimi bize aktarıyor. İçlerinden biri diyor ki:

Hayır, Truva oğulları ve Achaeans'ı kınamak mümkün değil.

Böyle bir eş için azarlama ve sıkıntılar çok uzun süre dayanır;

Gerçekten o, güzellikte ebedi tanrıçalar gibidir.

Genç erkekler değil, yaşlılar Elena'ya bakarlar, ayrıca onu halkının talihsizliklerinin suçlusu olarak görürler ve bu, güzelliğinin gücünü tanımalarını daha da değerli kılar. Elena'nın gerçek bir güzel olduğuna inanmamız için şairin karakterlerin tepkisini belirtmesi yeterliydi.

Bir görüntünün yokluğunun en ayrıntılı portreden nasıl daha anlamlı olduğunun canlı bir örneği "Eugene Onegin" (1823-1831)'de bulunabilir. OLARAK. Puşkin. Ana karakter Eugene Onegin genç, zeki, canı sıkılmış bir aristokrattır. Puşkin, yüzünün özelliklerini tarif etmiyor, ancak bize kahramanın gerçek bir züppe olduğunu açıkça gösteriyor. Puşkin, Onegin'in güzellik tanrıçası Venüs ile ironik bir karşılaştırmasına başvurur:

İkinci Chadaev, Eugene'im,

Kıskanç yargılardan korkmak

Giysilerinde bir bilgiç vardı

Ve züppe dediğimiz şey.

En az üç saat

Aynaların önünde geçirdi

Ve tuvaletten çıktı

Rüzgarlı Venüs gibi

Bir erkek kıyafeti giydiğinde,

Onegin hizmet etmez, aşkta, dostlukta hayal kırıklığına uğrar, dünyevi eğlencelerden bıkmıştır. Mirası aldıktan sonra yeni mülküne gider. Orada Onegin, Vladimir Lensky ile tanışır. İkincisinin portresinde, Puşkin sadece bir tanesini vurgular, ancak ayrıntıyı anlatır - uzun, kıvırcık saç, romantik bir şairin bir özelliği, bir hayalperest. Yazar, görünüşünün izlenimini tek kelimeyle aktarıyor - yakışıklı:

Vladimir Lensköy adına,

Doğrudan Goettingen'den gelen bir ruhla,

Yakışıklı, dolu dolu yıllar içinde,

Kant'ın hayranı ve şairi.

O sisli Almanya'dan

Öğrenmenin meyvelerini getirin:

özgürlük rüyalar,

Ruh ateşli ve oldukça garip,

Her zaman coşkulu bir konuşma

Edebiyat, diğer yaratıcı etkinlik türleri gibi, yaşamı bilmenin ve dönüştürmenin bir yoludur. Antik çağ, kurgunun ana kategorilerini bir sanat formu olarak felsefi olarak doğruladı. "Ahlaki" ve "estetik" kavramları arasındaki ilişkiyi tartışan Plato, özünde, ruhun doğası hakkında daha genel bir fikirden yola çıkan sanatsal yaratıcılığın ilk tanımını sundu.

"Phaedrus" diyaloğunda, ruhun ebedi kendi kendine hareketinin ölümsüzlüğü hakkındaki tez, bir fikrin dönüşümü ve ruhun göçü hakkında bir peri masalı tarafından örneklendirilir. Platon'a göre fikir (“eidos” biçim, tür, görünüm, görüntü anlamına gelen bir kelimedir), günahkar dünyanın kaygıları tarafından köleleştirilmiş, seçilmiş kişinin ruhundaki ilahi, ebedi olanın bir hatırasıdır: Sokrates, Phaedrus'ta, "Sonuçta, bir kişi gerçeği, aklın bir araya getirdiği birçok şehvetli temsillerden oluşan sözde tür biçimi altında bilmelidir - der - ve bu, ruh, Tanrı'ya eşlik ederken biliyordu ve şu anda var olan her şeyi hor görerek, gerçek varlığa düşünceye nüfuz etti." "Eidos", böylece, - Genel fikir duyusal tanımların somutluğundan yoksun değildir. Onun ön temeli, ebedi gerçeğin bir anısı veya tefekküri olarak fikirdir.

Platon, Devlet'te tartıştığı gibi, bir filozof, düşünceyle yıldızlar üstü fikirler alemiyle doğrudan temasa geçerse ve bir zanaatkar ya da sanatçı "eidos"un maddi enkarnasyonlarını yaratırsa, şair zihinleri tamamen farklı bir yoldan cezbeder. Doğrudan deneyime ait şeylere o kadar zincirlenmiştir ki, yalnızca "gölgelerin gölgelerini", "taklitlerin taklidlerini" üretir. Şairin getirdiği kamu yararı açısından bakmak, ikna edici deliller gerektirir.

Ve Platon, Homer'i hesaba çekerek sorar: Savaşı, yasaları ve hastalıkları bu kadar inandırıcı bir şekilde tasvir eden Homer, neden ordunun başında hiç olmadı, kimseyi tedavi etmedi, hiçbir yasa yaratmadı? Sadece erdemlerin ve başarıların gölgelerini çizdi. Filozofun titizliği, "kötü" örnekleri ve tutkuları tanımlayan trajedicilerin eserlerine kadar uzanır.

Platon, ideal devletten kovulmaları gerektiğine inanıyor. Platon tarafından geliştirilen "mimesis" kavramı - sanat doğayı taklit eder - sanatsal genelleme için birincil formülü sunar. Sanatın bilişsel, ahlaki ve sivil-estetik işlevlerinin anlaşılmasını büyük ölçüde bu formül belirleyecektir.

Platon, bir sanat eserinde, gerçekliğin bir imgesini değil, yalnızca kişi-ötesi bir ruhsal tözün ortaya çıkışını görür.

Antik filozofun fikirleri, sanatın gerçeklikle ilişkisi sorununu netleştirmenin özelliklerini büyük ölçüde belirledi.

Sanat, Aristoteles tarafından insan doğasının, sosyal yaşamın taklidi olarak tanımlanır. Ama bu taklittir, aynalı üreme değil. Amacı, rastgele tekilliği içinde "gerçekte olan"ı kaydetmek değil, "olasılık veya zorunlulukla mümkün olanı" somutlaştırmaktır.

Aristoteles felsefesindeki "katarsis" kelimesi, sonuç olarak çok sayıda teoriye yol açan belirsizlik ve belirsizlik ile işaretlenmiştir - dini, estetik, estetik-etik, tıbbi.

Kavramın yorumlanmasının belirsizliğinin nedeni, bize ulaşan Poetika metninin parçalı doğası ve aynı zamanda “özgür vatandaş”ın manevi imajını yeniden inşa etmenin bariz zorluğu ile açıklanabilir. modern bilinç modellerini kullanarak antik çağ. AT Genel görünüm"katarsis", "ıstırap ve korku yoluyla arınma" anlamına gelir, yani. Konuşuyoruz sanatın izleyici üzerindeki özel etkisi ve sanatın dönüştürücü eğitim işlevine tanıklık eden sanatsal etkisi hakkında.

Sanatın mimetik doğası fikrine dayanarak, G. W. F. Hegel, G. E. Lessing, D. Diderot, J. W. Goethe ve I. Kant, estetiğin ana ilkelerini geliştirir - gerçeklik ve edebiyat arasındaki ilişki ve "sanatsal gerçek" kavramı. .

Edebiyatın gerçekliğin özel bir yaratıcı yeniden üretimi olarak tanımlanması, edebi yaratıcılığı anlamak için özel bir öneme sahiptir. Bir edebiyat eserini yalnızca yazarın öznel niyeti veya ruhun akıl dışı bir yeteneği, estetik bir oyun olarak sunmak, sanatsal yaratım ile gerçeklik arasındaki bağlantıyı görmezden gelmek demektir.

Edebiyatın görevi, bir görüntünün tek bir nesneye karşılık gelmesine indirgenmez, yeni bir görüntünün doğuşu, bir eserde somutlaşmasıdır. Edebiyat, soyutlamaları, genellemeleri, idealleştirmeleri veya tam tersine trajik resimlerin yaratılması yoluyla tipik, özler, kalıpların somutlaşmasıdır. Yazarın gerçekliğe felsefi ve estetik olarak hakim olma çabalarının ana noktası budur - kavramak, kavramak, dönüştürmek ve sanatsal olarak tercüme etmek.

Edebiyat, yaratıcı, modelleyici, dönüştürücü bir karaktere sahiptir.

Edebiyat gerçekliğin tüm yönlerini kaydetmez, sadece yeteneklerine, doğasına ve amacına uygun olanları yeniden üretir. Gerçekliğin kapsamlı bir yansıması olarak, yaşamın tüm yönlerinin ve özelliklerinin ansiklopedik bir yeniden üretimi olarak sanatsal yaratıcılığa yüksek taleplerde bulunmak imkansızdır. sanatsal görüntü. Seçicilik, tekillik ve bireyselleştirme - karakter özellikleri sanatsal görüntü.

"Sanatsal düşünme" kavramı nispeten geç bir kökene sahiptir ve ifade ettiği fenomenden önemli bir tarihsel mesafe ile ayrılır. Kurgunun özgüllüğü çoğunlukla yazarın düşüncesinin özelliklerine dayanır. Yaratıcılık, bireysel ruhsal, sosyal ve insani gelişimin belirli yönlerini ve kalıplarını yansıtan, okuyucunun belirli felsefi ve estetik ihtiyaçlarını karşılayan bir sanat eserinin yaratılmasında somutlaşan yazarın eşsiz sanatsal deneyimi anlamına gelir.

Yaratıcılık özgürlüğü, şairin ve yazarın sınırsız imkânlarının gösterilmesine indirgenemez ve hakikatin sözcüleri mertebesine yükseltilmemelidir. Sanatsal yaratıcılık, elbette, yüksek talepler ve tavizsiz öneriler açısından gerçekliğin yeniden düşünülmesine katkıda bulunur. Yazar gerçekliği estetik idealine göre modeller, dünyanın kusurluluğundan korkar, okuyucuda belirli bir gerçeklik değerlendirmesi oluşturur.

Edebiyat, gerçekliğin özümsenmesinin tarihsel sürecinin bir parçasıdır, ancak bu özümseme genellikle yazarın güncel sorunlardan bilinçli olarak ayrılmasıyla, insan fenomeninin genel kalıplarını tasvir etme girişimiyle ilişkilendirilir. Ve bu durumda, dünyanın eserinde okuyucu tarafından tanınan mevcudiyet yanılsaması sadece ihlal edilmekle kalmayacak, aynı zamanda inandırıcı olacaktır.

Edebi yaratıcılığın tanımları çeşitlidir: yeni, sosyal açıdan önemli sanatsal değerlerin yaratılması, insan güçlerinin ve yeteneklerinin kendi kendini idame ettiren oyunu, yeni eksiksiz sistemlerin veya varsayımsal projelerin ortaya çıkmasına yol açar. Yaratıcılık, doğal ve toplumsal gerçekliğin dönüştürülmesi, yazarın değişen ve yeniden yaratılan dünyanın yasaları hakkındaki öznel fikirlerine uygun olarak yeni bir gerçekliğin yaratılmasıdır. Bu, bir kişinin, anlamak için en kışkırtıcı yöntemlerin yardımıyla, fenomeni gerçekliğin ampirizminden çıkarma konusundaki mistik yeteneğidir. rastgele özellikler insan ve genel yaşam kalıpları.

Edebi yaratıcılık prosedüreldir, doğal ve toplumsal gerçekliğin dönüşümünün dinamiklerini yakalar ve kavrar, fenomenlerin çelişkili özünü ortaya çıkarır veya onları gizemli hale getirir ve bunun sonucunda varoluşun gerçekliği yeni çözümler aramayı gerektiren bir sorun haline gelir. , kişinin kendisi hakkındaki fikirleri genişler.

Bu anlamda kurgu, yaşamın ve sosyal ilişkilerin anlaşılmasına katkıda bulunur, huzursuzluktan kaçınmanıza izin verir veya tam tersine çevreleyen fiziksel ve zihinsel ortamda bir değişim kaynağı olur. Yazarlar tarafından keşfedilen veya önerilen karakterlerin sosyal ve psikolojik başkalaşımları, okuyucuyu dünyayla yeni bağlantılar kurmaya teşvik eder, okuyucunun yaşamdaki suç ortaklığını genişletir, tesadüfi olanı evrensel seviyeye yükseltir, okuyucunun ilgisini çeker. insan soy kütüğüne kişilik.

Yazar çevreye karşı tutumunu ifade eder - insanlar, gelenekler, gelenekler, belirli bir kişinin görüşlerini ifade eder. sosyal çevre, felsefi ve etik değerlendirmeler yapar, karakterlerin ifade ettiği ahlakı klasik eserlerin ve döneminin etik normlarıyla ilişkilendirir.

F. Fellini, filmlerden birinde sadece olumsuz karakterleri ortaya çıkardığı için suçlandı. Yönetmen cevap verdi: “Kendim olumlu olmam yeterli!”

Başka bir deyişle, sanatçının toplumu eleştirdiği konum ahlaki olmalıdır ve bu yeterlidir. Genellikle yazarın kendisi, inancı, eleştirel tutumu, modernitenin eksikliklerine kayıtsızca katlanma isteksizliği olumlu bir kahraman olur.

Edebi Çalışmalara Giriş (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin ve diğerleri) / Ed. L.M. Krupchanov. - E, 2005