Influența artei contemporane asupra designului. Tendințe în dezvoltarea artei contemporane: modernism și postmodernism
Prin definiție, arta contemporană este artă care poate fi privită în perioada de timp în care a fost creată. Acum în curte prima jumătate a secolului XXI. Există tendințe generale cu arta altor epoci, există modele în dezvoltare? Acestea sunt întrebările la care voi încerca să răspund, ca persoană care cunoaște istoria artei.
Alphonse Mucha. „Anotimpuri”.
Tendințe generale în dezvoltarea artei contemporane:
1. Tradițiile societății influențează întotdeauna implicit formarea stilurilor în artă.2. Orice stil trece prin mai multe faze (naștere, înflorire, declin).
3. Un stil provoacă întotdeauna apariția celuilalt nu numai de-a lungul ghidajului vertical, ci și tot felul de ramuri - forme stilistice.
Aubrey Beardsley. „Moartea lui Pierrot”.
Luați în considerare stilurile epocii MODERNE pe un exemplu specific.1. Când, unde și cum a apărut modernitatea (de la cuvântul francez moderne - modern).În secolul al XIX-lea, a fost contemporan cu generația de oameni care a trăit în acea epocă. Stilul nu a aparut chiar asa, de obicei orice noua directie apare ca un argument puternic pentru faptul ca nu mai reflecta spiritul vremurilor, nevoile estetice ale oamenilor. Modernul a înlocuit eclectismul. Se distinge prin rafinamentul formelor și în tari diferite avea nume proprii: Art Nouveau (în Franța), Jürgenstiel (în Germania), etc. Eclectismul, la rândul său, a fost punctul culminant al stilului romantic (Revoluția Franceză), dar la prima vedere nu a adus nimic nou în artă. Întreaga epocă a eclectismului a trăit, generând idei din diverse stiluri anterioare (trebuie amintit acest punct subtil). Desigur, Art Nouveau a devenit un fel de salt înainte în dezvoltarea artei mondiale. A oferit forme sofisticate nu doar în îmbrăcăminte, mobilier, arhitectură, ci și în urbanism în general. Din punct de vedere emoțional și ideologic, Art Nouveau s-a bazat pe baza goticului (amintiți-vă de catedralele franceze), dar a fost mai democratic, iar netezimea liniilor a făcut această direcție unică. Cel mai înalt punct în dezvoltarea stilului Art Nouveau se numește Decadență. Decadența a fost mult timp considerată un apendice bolnav (ca un apendice inflamat) de-a lungul istoriei artei, din motive întemeiate.
2. Epoci și obiceiuri. Art Nouveau, cu toată eleganța și estetica sa vie, a ascuns manifestările exterioare ale negativității în orice stare. Când totul în jur este rafinat, nu observi murdărie, deși este din abundență. Art Nouveau a fost un fel de înveliș frumos pentru umplerea oricăror vicii ale omenirii, care a trăit la mijlocul secolului al XIX-lea. Dar, mai devreme sau mai târziu, pasiunile încep să clocotească în societate, iar apogeul acestui clocot a fost dureroasa Decadență. Pentru a face împărțirea cel puțin relativ clară, să o definim astfel: Alphonse Mucha și domnișoarele sale estetice - Modern, Aubrey Beardsley și faunii săi vicioși - Decadență.
3. Nu întâmplător aceste tendințe particulare în arta mondială au fost luate spre studiu. Astăzi au cea mai directă relație. În Rusia, a existat încă „modern a la russe”, cel mai strălucit reprezentant al căruia poate fi considerat Viktor Vasnetsov. Ulterior, după revoluția din 1917, a existat Avangarda rusă, apoi realismul socialist și o mulțime de alte stiluri, dar astăzi cu toții trăim în epoca POSTMODERNĂ, care se bazează pe trei piloni: eclectism, modernitate și decadență. Ceea ce a dat naștere Modernului a devenit baza principală pentru Postmodern.
Rochie imprimată cu lucrări de Alphonse Mucha. Epoca postmodernă.
Morala societății este de așa natură încât nu pot decât să influențeze formarea stiluri artisticeși aduc în artă nu numai energia lor, ci și toate viciile vremii. Citarea epocilor anterioare a ucis eclectismul la vremea lui, înlocuindu-l cu cel mai progresist Modern. Iar frumusețea Art Nouveau a fost profanată de Decadență. În acest sens, ne uităm la Postmodern. Artiștii preiau fără rușine idei din toate epocile, culturile oricărui popor, le amestecă și le sintetizează, pretinzându-le drept invențiile lor. Pentru a fi scrupulos, se va numi plagiat (furt), dar acesta este unul dintre principiile de bază ale erei postmoderne, nu numai în artă, ci și în relațiile umane obișnuite. Furtul nu era rușinos și nu era rușine - era obișnuit. În plus, toate acestea se întâmplă pe fundalul progresului tehnologic. În general, postmodern - digitizare dezvoltare creativă din toate generațiile planetei Pământ se află într-un fel de delir eclectic. Viciile care erau inerente epocii Decadenței nu au mers nicăieri, s-au înrăutățit: droguri, alcool etern, promiscuitate în relațiile sexuale. Acest articol este scris nu de un denunțător al viciilor umane, ci doar de un constatator sec al realităților și un expert în istoria artei.
Inspirație.
Cel mai dificil subiect de cercetare. Vine brusc din adâncurile subconștientului și dispare în același mod – uneori fără urmă. Poate realitatea modernă să inspire crearea unei capodopere artistice în artele aplicate? Cred că acest lucru este foarte posibil, chiar dacă neglijăm toate preceptele principale ale postmodernității:
Neconsensul este lipsa de dorință de a găsi o soluție rezonabilă. Conflictul etern agravat nu numai al generațiilor, ci și al oricăror părți care interacționează.
Discretența este negarea progresului evident online.
Instabilitate - totul, întotdeauna, în toate sferele vieții.
Aleatorie - alegerea oricărei decizii, o întâlnire într-o perioadă de timp, un factor de necesitate (în loc de un element neplanificat).
Jocul este un înlocuitor pentru tot ceea ce este real, profund, sincer.
Anarhia este negația oricărei ierarhii, ceea ce este foarte important pentru înțelegerea acțiunilor oamenilor.
Scattering - absența unui centru de acțiune, a gândirii, a miezului unei idei.
Incertitudinea este incapacitatea de a formula corect dorințele, nevoile, adesea incapacitatea de a construi lanțuri logice.
Estetica semi-orice, sub-în loc de mare gust. Cu alte cuvinte, gustul este în prim plan.
Realitatea virtuală, care caută să înlocuiască viața reală.
Ridicul valorilor oricărei epoci, dar în același timp folosirea acelorași valori, pentru că nu au fost create altele noi.
Cei care reușesc să trăiască după principiile insuflate din copilărie (dacă educația a mai avut loc), sunt înzestrați cu o spiritualitate mult mai mare și cu nevoia de a împărtăși această spiritualitate. Acești oameni nu trec prin crize sinucigașe, nu își formatează spațiul emoțional și sunt capabili, în timp, să ofere ceva nou în dezvoltarea nu numai a societății, ci și a culturii, Arte vizuale, meșteșuguri populare, bazate pe experiența generațiilor anterioare și care nu suferă de viciile vremii. Dar astfel de artiști sunt în minoritate. În lumea unui chistogan, este greu să proclami manifeste culturale.
© Marina Ovchinnikova
P.S. Articolul poate fi recomandat pentru distribuție pe internet cu unicul scop de a oferi oamenilor șansa de a înțelege valorile ideologice ale epocii în care au avut ghinionul de a trăi. Paternitatea trebuie păstrată, deoarece autorul este gata să fie el însuși responsabil pentru cuvintele scrise, fără a muta această povară pe umerii altor oameni.
Cea mai evidentă problemă artă contemporană se manifestă atunci când se consideră apariția și funcționarea unor astfel de domenii ale culturii artistice precum modernismul și postmodernismul.
Apariția modernității ca schimbare a viziunii asupra lumii omul modern, ca o nouă atitudine față de viață, se exprimă clar în cultura și arta artistică a vremii noastre asociate cu noile realități pe care le-a adus începutul secolului XX: apogeul războaielor de clasă, revoluțiilor, primele Razboi mondial care a devastat sufletul uman, a distrus atât părțile întunecate, cât și cele luminoase ale vieții, ceea ce, la rândul său, a dus la o scindare a lumii în care o persoană nu se poate regăsi. Privarea de tradiții, dorința de noutate constantă este o consecință a scindării lumii, a fragmentării „eu-ului” uman, a dezechilibrului fundamentelor substanțiale interne. viata umana. O astfel de viziune asupra lumii, despicarea, „așchierea” sunt prezente și în viața artistică.
Modernismul este reacția interioară a artistului la conflictul lumii, căutarea Sinelui în această lume dezunită. Adesea, în modernism, artistul încearcă nu atât să atingă armonia formei și conținutului, ci mai degrabă să arate sensul interior al simțului artistului asupra lumii și chiar o oarecare urâțenie. Omul este sfâșiat senzual, pentru că lumea este sfâșiată. Arta, care reflectă o asemenea stare a unei persoane, a unui artist, este și ea dizolvată, nu ne răspunde în căutarea armoniei, nu ne oferă această armonie, dar, pe de altă parte, prin creativitatea ei, arta pune problema. de armonie.
Dezvoltarea modernismului, ca direcție, este posibilă în opoziția constantă a tradiției. Tradiția este mereu prezentă în modernitate, cel puțin ca opoziție cu această tendință.
Fenomenul modernismului și al artei de avangardă provoacă încă discuții în rândul cercetătorilor asupra încărcăturii sale valorice, esenței și justificării istorice, acele consecințe „antropologice” pe care le suportă arta avangardă.
Astfel, potrivit lui Levi-Strauss, avangarda apare ca o opoziție, o negare a artei clasice.
Împărțind culturile în cald și reci, Levi-Strauss clasifică societățile moderne vest-europene și americane ca fiind fierbinți, își amintesc constant istoria și încearcă să nu o repete în nimic. În astfel de societăți, se consideră că, odată ce o lucrare a fost scrisă, nu trebuie scrisă a doua oară. Într-o cultură rece, căreia îi aparțin majoritatea culturilor tradiționale, orientale, ei se străduiesc să reproducă cât mai neschimbat textul terminat. Deși aici se presupune că fiecare nou spectacol poate introduce propriile variații, setul principal de clișee standard (formule) și structura textului ar trebui să rămână neschimbate. Cu toate acestea, aceste tradiții mor în fața ochilor noștri. Avangarda, pe de altă parte, caută să transforme cultura într-una fierbinte.
Avangarda subminează schema carteziană veche și destul de îngustă (din poziția de la sfârșitul secolului al XX-lea - începutul secolului al XXI-lea) în înțelegerea esenței omului. Potrivit artei clasice, căreia i se opun avangardă, ea s-a dezvoltat în cadrul unei paradigme care a fost exprimată clar de Descartes încă din secolul al XVII-lea. Înțelegerea umanității, umanismul, cultura, au fost crescute pe idealurile rațiunii, a captat reprezentanții artei clasice și în acest domeniu au fost create un număr mare de opere de artă care corespundeau titlului de Om. În același timp, arta clasică, prin limbajul figurativ și prin mijloacele sale de exprimare, a compensat unilateralitatea și uscăciunea științismului în dezvoltarea spirituală a omului european. De menționat, de asemenea, că arta clasică și-a format propriile principii, care au determinat dinainte dezvoltarea culturii artistice. În primul rând, aceasta este convenția artei, care face întotdeauna posibilă distingerea între artă și non-artă, unicitatea unei opere de artă, care vede opera cu material și formă ca principalul lucru în opera artistului; direcție și stil care asigură continuitate și istoricism în artă. Avangarda, în schimb, a abandonat tot ceea ce s-a orientat arta clasică. Dar omul și cel mai important atribut al personalității umane - spiritualitatea - a rămas una dintre principalele probleme ale avangardei. Mai mult, se poate spune că avangarda a extins și a îmbogățit înțelegerea funcțională a omului cu noi fațete, a aprofundat conceptul de artă și continuitatea culturilor. Și, deși avangarda a distrus legăturile cu clasicii și raționalismul în cultura europeană, s-a găsit în ea ceva care o leagă de formele mitologice pre-raționale și alte forme ale culturilor timpurii, ale căror surse le găsim în Africa, America și alte regiuni.
Deci, limitând intelectul, avangarda a revenit pe deplin la instinct și emoție, spontaneitate și spontaneitate. Noii moderniști au afirmat cultul unei sensibilități speciale, spontane. Primii pași în această direcție, care a fost numită suprarealism, au fost asociați cu „eliberarea” senzualității artistului, a sufletului creator de credințele tradiționale. Emanciparea senzualității a fost o reacție la raționalismul timpurilor moderne, o reacție la primitivism și la bunul simț limitat al „filistinului”.
Arta clasică, în special pictura, chiar și datorită armoniei și armoniei sale interioare, nu putea exprima super empatia lumii. Și numai din punctul de vedere al normelor artei clasice se poate vorbi „... despre anomaliile modernismului, despre inconsecvența manifestărilor sale extreme cu însuși conceptul de artă”, pentru că pentru clasici arta modernistă este lipsită de sens.
Cu toate acestea, pentru susținătorii consecvenți ai modernismului, există o opinie inerentă, în conformitate cu care metodele figurative și conexiunile artei cu formele de viață în secolul XX. s-au epuizat, că epocile unei înfloriri deosebite a realismului realității au fost epoci de declin. Avangarda caută să distrugă formele clasice tradiționale, care, pentru că sunt clasice, trebuie reproduse pentru fiecare generație succesivă.
Una dintre principalele tendințe ale modernismului a fost distrugerea imaginii ca mod de a renunța la artă, depășind limitele acesteia. Se crede că o persoană nu este capabilă să înțeleagă lumea și să o stăpânească în imagini plastice, iar toate epocile realiste și, în general, toate fenomenele figurative ale artei trecutului sunt excluse din sfera tradițiilor fructuoase, ci o tradiție. se introduce conform căreia creaţia sau cunoștințe artistice lumea apare numai în sferele artei moderne. Modernismul regândește însăși fundația pe care se bazează arta clasică.
În cadrul modernismului au fost descoperite și dezvoltate noi metode și mijloace artistice: flux de conștiință, colaj, montaj asociativ. Aceste dispozitive stilistice au relevat o influență imensă asupra dezvoltării artei secolului trecut.
De la sfârșitul anilor 60 ai secolului XX, modernismul a început să cedeze loc postmodernismului. Postmodernismul semnifică noi tendințe care apar în conștientizarea de sine culturală a țărilor dezvoltate din Occident. Direcția generală a acestor sentimente este lupta împotriva canoanelor și tehnicilor clasice.
Principala tendință a postmodernismului - eclectismul fundamental nesistematic, deliberat. Canonul său este absența oricărui canon. Postmoderniștii au fost dezamăgiți de idealurile și valorile Renașterii și Iluminismului cu credința lor în progres, triumful rațiunii, infinit. capacităţilor umane. Susținătorii postmodernismului încearcă să aducă în domeniul lor ideologic întreaga experiență a culturii artistice mondiale, dar nu în scopul iluminării, ci în scopul supunerii acestei experiențe la ironie. Ironismul devine principiul creator de sens al artei postmoderne mozaic.
În total, principalele caracteristici ale postmodernismului includ:
principiul „codării duble”, constând în orientarea simultană către mase și elită;
apel la tradițiile artistice uitate;
pluralism stilistic (video, mediu, happening etc.);
conversie la tipuri grotești de imagini artistice, ironie, iluzie;
expansionismul artistic, care răspândește și identifică înțelegerea artei cu domenii de activitate non-artistice (ecologie, politică, informatică etc.), estetizarea istoriei și științei.
În termeni culturali și estetici, postmodernismul acționează ca un adept al avangardei, ștergând complet granițele dintre sferele anterior independente ale culturii spirituale și nivelurile de conștiință – dintre științific și obișnuit, „artă înaltă” și cultura de masă.
Postmodernismul întărește trecerea de la „muncă” la „construcție”, iar metodele sale artistice recunoscute sunt compilarea și citarea mostrelor culturale, colajul.
Experimentele postmoderne au adus la viață estomparea liniilor dintre tipurile și genurile tradiționale de artă.
Postmodernismul, în special arta pop, se caracterizează prin sarcina de a demonstra posibilitatea transformării oricărui obiect al realității într-un obiect de artă. Așadar, reprezentanții pop art au expus un suport pentru sticle, o roată de bicicletă, un pisoar ca obiecte de plăcere estetică, încercând să demonstreze că frumusețea se regăsește și în lucrurile de zi cu zi, obiectele de uz casnic.
Astfel, potrivit teoreticienilor postmodernismului, nu obiectul în sine este important, ci numele său, și deci „deschisătorul de conserve”, prezentat ca „condiții ale existenței umane”, capătă statut de operă de artă. La urma urmei, tocmai datorită numelui se trezește interesul pentru obiectul prezentat și există dorința de a exprima o opinie asupra acestuia, interpretându-l ca o operă de artă. M. Duchamp a definit operele de artă astfel: „Orice lucru este artă dacă este rupt din legăturile sale cotidiene sau dacă arăt cu degetul spre ea. Pentru un postmodernist, avantajul oricărui obiect cotidian prezentat ca artă este în originalitatea, autenticitatea, iar imaginea obiectului este considerată de artist ca o imitație, o copie, lipsită de originalitate.
În avangarda clasică și cea mai recentă artă, care a început în anii 60 cu arta pop, a apărut arta independentă, gândirea creativă liberă și-a făcut drum.
Totuși, atitudinea, care este considerată postmodernistă, și anume: de a atrage un public larg prin asimilarea experienței întregii culturi mondiale, nu este o descoperire exclusivă a artei celei de-a doua jumătate a secolului XX. Întotdeauna a fost important ca un artist să fie de înțeles, chiar și atunci când exprimă personalul, subiectivul, așa cum face un artist de avangardă. Dar un artist poate fi înțeles și recunoscut de oameni doar dacă se adresează oamenilor într-o formă sau alta. După cum a arătat postmodernismul, există două astfel de forme. Acesta este momentul în care un artist vorbește despre valorile universale complet de la sine, exprimându-și originalitatea prin forma de artă și materialul unui anumit tip de artă. Aceasta este poziția clasicilor și a modernismului timpuriu. Și, când vorbește despre aceleași valori, artistul vorbește cu citate, lucruri din stradă, scene din viață. Aceasta este poziția postmodernismului și a artei apropiate.
Contracultura secolului XX - Acestea sunt aceleași fapte de tip nou, non-clasic, fie capturate acceptate, fie capturate ignorate. Chiar dacă contracultura în ansamblu nu poate fi considerată ca fundament al artei viitoare, ea a făcut totuși posibilă o nouă privire asupra tradițiilor artei clasice, a descoperit bazele formării de noi tradiții, a readus chipul filosofilor și gânditori la tradițiile artistice ale culturii timpurii și moderne a Orientului. Estetica postmodernă reabilește treptat mirosul, atingerea și gustul - așa-numitele simțuri inferioare în comparație cu culoarea și sunetul. O imaginație extinsă și o intuiție sunt atașate experienței artei în întregul spectru al sensibilității umane. Iar îmbogățirea senzualității prin sfera artei poate merge în două moduri: prin noi tehnologii care dublează și triplează eficiența simțurilor și prin studiul suplimentar al abilităților extrasenzoriale umane.
***
În acest fel, cultura artistică este o componentă importantă a culturii totale a omenirii, acumulează experiența spirituală a generațiilor anterioare, în artă pune și rezolvă problemele interacțiunii umane cu sine, cu o altă persoană, cu lumea, cu Dumnezeu, extinde orizonturile personalității umane, caută noi forme de înțelegere umană a realității.
Revenirea triumfală a picturii clasice; Revoluția digitală Andy Warhol și alte lucruri interesante care se întâmplă în lumea artelor plastice
Arta modernă nu mai este modernă. Arta contemporană, cu toate trucurile ei postmoderne, a fost inventată cu un secol în urmă.
Carcase jupuite de vaci, spectacole video - la început a fost incitant, dar se pune întrebarea, ce urmează. Pot artiștii să vină cu ceva și mai abstract și de neînțeles decât pătratul lui Kazimir Malevich și stropirile lui Jackson Pollock?
Gandeste in afara cutiei– îl sfătui notoriul Banksy. Noile tendințe în artă și piața artei au venit dintr-o direcție neașteptată.
Tendința numărul 1.
Imagine desenată manual: întoarcerea la tron
Potrivit criticilor, pictura era „pe moarte” până de curând, fiind înlocuită cu alte tipuri de artă – artă video, instalație... La sfârșitul anilor 2000, situația s-a schimbat dramatic: pictura a fost reînviată ca gen.
Granița dintre arta plastică („fine art” realizată la modă veche, cu pensula pe pânză) și arta contemporană (cu nebunia ei deliberată și noncoformismul) a dispărut brusc undeva.
Spectatorii, și în primul rând - artiștii înșiși - au ratat teribil de picturi în sensul tradițional. Și se dovedește că aici s-a spus departe de tot.
Cu toate acestea, pentru a atrage atenția pe piața de artă gigantică și suprasaturată, o pictură trebuie să fie cu adevărat talentată.
Artiștii cehi Svetlana Kurmaz și Alexander Sokht sunt reprezentanți strălucitori ai noului trend. Renumite în Europa și SUA, sunt aproape necunoscute în Rusia, deși provin din Teritoriul Krasnodar.
Cuplul căsătorit a emigrat la Praga cu mult timp în urmă. Destul de repede, munca lor a câștigat succes în comunitatea occidentală.
Emigranții ruși cu o soartă dificilă sunt acum incluși în lista celor mai căutate grupuri de participanți la prestigioase târguri de artă și bienale mondiale.
Nu în ultimul rând datorită unei noi abordări de a face afaceri cu artă - prin urmare, tocmai pe exemplul lor vom lua în considerare cele mai recente tendințe.
De la mine voi spune: recent m-am intersectat cu strălucitele lucrări ale lui Kurmaz și Sokht și, fără nicio ezitare, vă îndemn să vă familiarizați cu el. O merită absolut.
Tendința numărul 2.
O revoluție a interfețelor: desenezi pe o tabletă, primești o pânză cu ulei.
Utilizarea pe scară largă a mecanicului iPad a afectat serios tehnologia de creare a picturilor. De exemplu, imprimarea frontală diasec a devenit populară: într-un principiu similar cu tipărirea fotografiilor, vopselele sunt aplicate pe acrilic.
Nadezhda Voronina, critic de artă:
- Alexander Sokht își creează lucrările în programe grafice, pe care apoi le transferă pe pânză, hârtie sau diasec. În acest fel, tehnicile inovatoare ajută la evoluția metodei creative.
Tendința numărul 3.
Democratizarea pieței de artă: acum arta este colecționată nu de milionari plictisiți, ci de studenți obișnuiți și gospodine.
Fapt surprinzător: opera originală a unui maestru celebru poate costa acum mai puțin de 100 USD. Publicul european a gustat deja deliciile cumpărăturilor de artă și cumpără masiv lucrările contemporanilor.
Democratizarea prețurilor la arta înaltă se remarcă mai ales în succesul pe termen lung al celui mai mare târg internațional AAF(Târg de artă accesibil, târg de artă accesibil)
Pentru organizatorii săi, cel mai important criteriu de selecție a lucrărilor este costul acestora: nu trebuie să depășească plafonul de preț disponibil pentru persoanele cu venituri medii.
Marketingul în era copy-paste și repost a reinterpretat ideile lui Warhol: imaginea poate fi acum produsă în mai multe versiuni și la prețuri diferite.
De exemplu, lucrările aceluiași Kurmaz și Sokhta sunt destul de scumpe. Dar au venit cu o strategie care le permite să capteze trei categorii de preț diferite.
Strategia de accesibilitate se realizează prin lansarea unor ediții limitate pe hârtie și pânze ale originalelor autorului.
Adică, o lucrare poate exista în cinci exemplare, dar fiecare dintre ele este un original, care este confirmat de un certificat internațional.
Tendința numărul 5.
Galeriile sunt deschise acum nu de galeriști, ci de artiștii înșiși.
Cea mai importantă tendință: galeria personală a artiștilor devine principalul loc de interacțiune între participanții pieței de artă. Aceasta este aceeași formație avansată ca un mic magazin, unde proprietarul însuși stă în spatele tejghelei.
Nadezhda Voronina, critic de artă
- În centrul Praga, Kurmaz și Sokht au propria lor galerie, creată pentru a se expune. Poate că aceasta este una dintre cele mai de succes opțiuni pentru o galerie modernă care expune și vinde artă, deoarece totul este îmbinat aici - un concept clar, scopuri și obiective ale artistului. Acesta este tipul de galerie a viitorului, pentru că în arta modernă totul este simplificat.
În acest caz, mecanica Facebook și Twitter funcționează. Comunicarea directă între autor și cunoscătorii operei sale devine o strategie mai câștigătoare decât comunicarea prin agenți și cumpărători.
Conferințe
IMPACTUL ARTEI CONTEMPORANE ASUPRA DESIGNULUI
În prezent, pentru a rezolva problemele artistice, designerii se îndreaptă către arta secolului al XX-lea, în care văd o sursă de noi idei originale în dezvoltarea tehnicilor și instrumentelor de design. Arta îmbogățește designerii într-un mod creativ, ajută la creșterea încărcăturii lor emoționale. Studiul realizărilor artei de avangardă ca domeniu experimental în dezvoltarea metodelor și mijloacelor artistice de creație imagini artistice permite designerilor să dezvolte gândirea creativă. Este necesar să se ia în considerare caracteristicile influenței artiștilor abstracti asupra tendințelor în dezvoltarea diferitelor tendințe stilistice în design. În același timp, dacă studiezi trăsăturile designului, poți înțelege arta contemporană, explicând-o cu ajutorul instrumentelor de design. M. Ragon leagă respingerea artei contemporane cu faptul că oamenii nu percep operele de artă abstractă și modernă. mediu inconjurator ca un intreg, per total.
Pentru evaluarea istoriei artei a produselor de design, pentru activitățile practice ale designerilor, precum și pentru dezvoltarea teoriei designului asupra problemelor creativității artistice în activitățile de design, este necesar să se apeleze la arta contemporană și să se identifice formele influenței acesteia. privind proiectarea, nivelurile de împrumut prin proiectare a mijloacelor și metodelor utilizate la art. Să luăm în considerare proiectarea mediului subiect-spațial prin următoarele elemente constitutive ale artei: metoda artistică, principiile modelării.
metoda artistica. Designul, ca și arta abstractă, este o formă independentă de activitate creativă. Arta abstractă se bazează pe creativitatea artistică asociată cu metoda artistică. Activitatea de design constă în creativitate științifică, tehnică și artistică, prin urmare limbajul vizual al formei de design se formează și se dezvoltă în procesul creativității artistice și științifice și tehnice. Creativitatea artistică în design este asociată cu creativitatea rațională, constructivă. Acest raport este definitoriu, dar măsura componentelor sale este diferită. Prin urmare, în design, există mai multe domenii de activitate de design care au relații inegale cu arta contemporană. Gradul de legătură dintre design și artă este determinat de metodele utilizate în proiectare. Există trei abordări ale designului: design tehnic, modelare artistică, design artistic, care, respectiv, se referă la design ingineresc, design artistic, design utilitar-artistic. Produsul activității de design sunt lucruri care au un alt nivel de valoare artistică și practică. Designul artistic este asociat cu crearea de lucrări unice, cu designul figurativ-plastic, forma de arta lucruri. Această direcție a designului se apropie de creativitatea decorativă și artistică, de arta contemporană. În art design, un lucru se ridică de la un nivel utilitar la unul artistic, adică cuierul devine un fel de operă de artă. În același timp, există o activitate de design asociată cu „dezvoltarea artistică a bazei utilitare a subiectului”. Designerul lucrează la o soluție de formă figurativă. Deci, activitatea lui este legată de gândirea figurativă. Astfel, alcătuirea metodei de proiectare a designului artistic și a designului utilitar-artistic include metoda artistică care există în artă, pe care Yu.B. Borev definește ca un mod de gândire figurativă.
Principiile modelării, împrumutate de design în art. Diverse domenii ale artei secolului XX, angajate în căutarea unor noi forme de explorare a lumii, au un impact asupra dezvoltării designului în domeniul modelării. În design, ca și în arta abstractă, au loc în mod constant schimbări stilistice asociate căutărilor experimentale, artistice. Să luăm în considerare această problemă pe exemplul unor astfel de curente ale artei contemporane precum pop art, op art, minimalism.
În arta anilor 1960 - 1980 apare direcția conceptuală a minimalismului, „declarând și implementând în practică principiile economiei marginale ale” „mijlocurilor” vizuale și expresive . Ideea conceptuală a artiștilor minimalisti despre libertatea spațială a fost dezvoltată în proiectarea mediului obiect-spațial, în crearea de interioare minimaliste, mobilier minimalist. Lucrările artiștilor minimalisti sunt sculpturi metalice, construcții, cutii goale, rame fără tablouri, diverse forme geometrice (Fig. 1). Obiectele de artă create sunt organizate dintr-un număr minim de detalii, au o formă simplă, concisă, clară. Combinațiile monocromatice sunt utilizate în schemele de culori. Aceleași mijloace minime sunt folosite de designeri pentru a organiza spațiul, în proiectarea mobilierului (Fig. 2, 3). Sticla mata si transparenta, rafturi suspendate, dulapuri, minim suprafete oarbe, pereti glisanti, pereti netezi si uniformi, nuante de alb, gri, culori albastre fac o lumina interioara minimalista, transparenta, deschisa. Mobilierul este realizat sub formă de forme geometrice simple, „pure”.
În arta de la mijlocul secolului al XX-lea a apărut direcția pop art, care în engleză înseamnă artă populară. Această direcție exprima ideile societății industriale a consumului de masă, estetica lumii materiale a lucrurilor în concretitatea și materialitatea lor. Pop art s-a opus abstracționismului non-obiectiv. Lucrările de artă pop au fost create din elemente de producție în masă (cutii de bere, dopuri, cuie, etichete, ziare etc.) (Fig. 4).
Obiectele de artă erau considerate a fi obiecte de consum în masă, situate într-un anumit mediu, într-un mediu spațial special creat. Teoreticienii artei pop cred că „... într-un anumit context, fiecare obiect își pierde sensul original și devine operă de artă”. Artistul nu creează un obiect artistic, ci dă o calitate artistică unui obiect obișnuit. Același lucru se observă și în proiectarea formelor arhitecturale mici, atunci când chioșcurile, copertinele, foișoarele sunt realizate sub formă de cizme de beton, pălării, prăjituri sau hot dog mărite la dimensiuni gigantice.
pop art ca direcție artistică, are mai multe tendințe: op art (artă optică); e-art (artă în mișcare); okr-art (arta înconjurătoare). Op art a combinat arta pop cu tradițiile abstracționismului geometric. Compozițiile op art sunt combinații organizate de cercuri, linii, puncte și pete care creează efecte optice interesante, iluzii spațiale (Fig. 5).
Pop art folosește tehnica colajului, fotomontajului, combinându-le cu pictura tradițională. Artiștii folosesc o varietate de materiale, combinând materiale tradiționale cu sunet neobișnuit, lumină, efecte optice. Compozițiile sunt create prin combinarea modelelor de volum, sculpturilor cu imagini plane. Aceeași combinație de pictură și relief este folosită de designerii de interior, creând efectul de a transforma volumul sau spațiul într-o iluzie. Astfel de exemple pot fi găsite în proiectele lui O. Hayek. Designerii creează spații suprareale, iluzorii prin utilizarea graficelor (supergrafice), picturi pe planuri de perete în interiorul și exteriorul clădirilor și utilizarea suprafețelor oglinzilor. Spațiile neobișnuite afectează o persoană, creează o anumită atmosferă emoțională, evocă o varietate de sentimente și asocieri. Picturile murale de pe pereți, precum lucrările artiștilor de artă pop, combină mai multe forme și stări: realul și pictat. De exemplu, o fereastră deschisă este desenată pe un perete real al casei cu o conductă de scurgere reală (Figura 6).
Pentru a finisa podeaua sau pereții din interioarele clădirilor rezidențiale și publice, în tapițeria mobilierului, se folosește un model tridimensional iluzoriu. Uneori, decorarea pereților se realizează împreună cu podeaua sau tavanul, ușile, mobilierul, realizând efectul de fuziune, tranziții reciproce de la unul la altul. Pentru a extinde vizual un spațiu mic, adăugați un număr de ferestre, designerii folosesc o fereastră falsă făcută dintr-o oglindă. Pentru a organiza un spațiu misterios, pulsatoriu, pentru a crea un joc de lumini și umbre, elemente luminoase sunt plasate în tavan, podea, pereți, mobilier și articole de interior.
Un alt mijloc de creație opere de artă arta pop este utilizarea de materiale neobișnuite sau lucruri vechi, uzate, sparte. O tehnică similară există și în designul interior, proiectat în stil country, când, dimpotrivă, în cel nou creează efectul de suprafețe îmbătrânite de pereți sau podele, picturi murale decolorate, mobilier uzat. Sau creează din echipamente vechi formă nouă mobilierul, cum ar fi o mașină de cusut veche și spartă, se transformă într-o masă de toaletă. Materiale neobișnuite sunt uneori folosite pentru decorarea interioară, cum ar fi scoici pictate, sticle de sticlă, fragmente de porțelan, oglinzi, sticlă. Pop art a influențat cultura vizuală, dezvoltarea instrumentelor de design și a tehnicilor de modelare. Principiile estetice ale pop art-ului sunt principiile publicității (vizibilitate, atrăgătoare, inteligibilitate), utilitarismul, combinația dintre iluzoriu și real, cu ajutorul căruia se exercită un anumit efect asupra privitorului, scopul de a „poetiza lucrurile. " este dus la bun sfârșit. Aceleași principii sunt apropiate de unele domenii de proiectare (Fig. 7).
Materialul discutat mai sus arată că influența artei contemporane asupra designului este una dintre problemele estetice importante. Cercetătorii de artă și design contemporan notează că schimbările în viziunea asupra lumii asociate cu dezvoltarea științei și tehnologiei în secolul al XX-lea au influențat artele plastice și au transformat structura vizuală (ritmuri, proporții, culoare, compoziție).
În concluzie, trebuie menționat că în secolul XX artiștii își formează o nouă gândire vizuală, o nouă viziune asupra lumii obiective. Artiștii din pictură, grafică, sculptură apelează la ceea ce este inaccesibil viziunii și reproducerii directe. Arta de avangardă care a apărut la începutul secolului al XX-lea a inclus o varietate de tendințe. Unii dintre ei au încercat să transmită lumea interioara a unei persoane, starea sa mentală și emoțiile și altele - să construiască o nouă realitate, să dezvăluie structura, structura lucrurilor, prin care să sublinieze expresivitatea și informativitatea realității înconjurătoare. Arta de avangardă se caracterizează printr-o viziune „colectivă”, dorința de convenție, de tipificare, crearea de simboluri universale, formule plastice comprimate și abstracțiuni. De exemplu, în cubism, figurile antropomorfe sunt asamblate din aceleași detalii din care este modelat mediul subiectului, adică există o asemănare cu designul, construcția arhitecturală (Fig. 8, 9).
 |
 |
| Fig.8. J. Căsătoria. Natura moartă cu chitară | Fig.9. P. Picasso. Trei muzicieni mascați. 1921 . - M.: VNIITE, 1990. - 89 p.: ill. - Biblioteca designerului și ergonomului.
Articole similare |
