St.Petersburg
(Inv. 2773)

„Madonna Benois” sau "Madona cu o floare"(-) - o pictură timpurie a lui Leonardo da Vinci, probabil lăsată neterminată. În 1914, a fost achiziționat de Schitul Imperial de la Maria Alexandrovna, soția arhitectului curții Leonti Nikolaevici Benois.

Descriere

„Madona cu floare” este una dintre primele lucrări ale tânărului Leonardo. Galeria Uffizi din Florența are un desen cu următoarea intrare:

Se crede că una dintre ele este Madona Benois, iar a doua este Madona cu Garoafa din Munchen.

Este probabil ca ambele picturi să fi fost primele lucrări ale lui Leonardo ca pictor independent. Pe atunci avea doar 26 de ani și deja șase ani, de când a părăsit atelierul profesorului său Andrea Verrocchio. Avea deja propriul stil, dar bineînțeles că el într-o mare măsură pe baza experienţei florentinilor din secolul al XV-lea. De asemenea, nu există nicio îndoială că Leonardo știa despre pictura „Madona și Pruncul”, realizată de profesorul său în -1470. În consecință, pentru ambele imagini aspecte comune sunt atât o întorsătură de trei sferturi a trupurilor, cât și asemănarea imaginilor: tinerețea ambelor Madone și capetele mari ale pruncilor.

Da Vinci plasează Madona cu Pruncul într-o cameră semiîntunecată, unde singura sursă de lumină este o fereastră dublă situată în spate. Lumina sa verzuie nu poate risipi amurgul, dar în același timp este suficientă pentru a evidenția figura Madonei și a tânărului Hristos. Principala „lucrare” este realizată de lumina care se revarsă din stânga sus. Datorită lui, maestrul reușește să reînvie tabloul cu jocul clarobscurului și să sculpteze volumul a două figuri.

„Unul dintre primii muncă independentă tânărul pictor se remarcă prin noutatea interpretării intrigii, rezolvată ca o scenă de viață, în care o tânără mamă, îmbrăcată în costumul contemporanilor lui Leonardo și pieptănată în moda acelor ani, jucându-se cu fiul ei, îi înmânează un floare cruciferă. Simbolul tradițional al răstignirii este perceput ca o jucărie nevinovată, la care pruncul Iisus ajunge stângaci într-un mod copilăresc, evocând zâmbetul unei tinere Madone care admiră primele încercări ale fiului ei de a stăpâni lumea.

În lucrarea sa despre Madonna Benois, Leonardo a folosit o tehnică de pictură în ulei pe care aproape nimeni din Florența nu o cunoștea înainte. Și deși culorile s-au schimbat inevitabil de-a lungul celor cinci secole, devenind mai puțin strălucitoare, se observă totuși clar că tânărul Leonardo a abandonat variația de culori tradițională pentru Florența. În schimb, el folosește pe scară largă posibilitățile vopselelor în ulei pentru a transmite mai exact textura materialelor și nuanțele de lumină și umbră. Gama de verde-albăstrui a înlocuit lumina roșie în care era îmbrăcată de obicei Madona din imagine. Totodată, pentru mâneci și mantie a fost aleasă o culoare ocru, armonizarea raportului dintre nuanțe reci și calde.

„Madonna” de Leonardo era cunoscută pe scară largă de artiștii din acea vreme. Și nu numai maeștrii italieni au folosit tehnicile tânărului da Vinci în lucrările lor, ci și pictori din Țările de Jos. Se crede că cel puțin o duzină de lucrări au fost realizate sub influența sa. Printre acestea se numără „Madona cu Pruncul cu Ioan Botezătorul” de Lorenzo di Credi de la Galeria de Artă din Dresda, precum și „Madona cu Garoafe” de Rafael. Cu toate acestea, atunci urmele ei s-au pierdut și timp de secole imaginea lui Leonardo a fost considerată pierdută.

Istoria picturii

Până acum, nu există informații exacte despre soarta timpurie a imaginii. Se crede că M. F. Bocchi a vorbit despre ea în cartea sa „Atracții ale orașului Florența”, publicată în 1591:

Pictura, ale cărei urme s-au pierdut până în secolul al XIX-lea, și-a primit porecla de la ultimii proprietari - dinastia artistică rusă Benois. În 1914, a fost achiziționat de Schitul Imperial de la soția arhitectului de curte Leonty Nikolaevich Benois - Maria Alexandrovna (1858-1938), născută Sapozhnikova. Tabloul a fost moștenit de la tatăl ei, un negustor milionar și filantrop A. A. Sapozhnikov (fiul proprietarului). Galerie de artă A. P. Sapozhnikov). În familie a existat o legendă că tabloul a fost cumpărat de la muzicieni italieni rătăciți din Astrakhan, unde Sapozhnikov avea o mare pescuit. Nu existau alte informații despre soarta picturii la începutul secolului al XX-lea.

Câțiva ani mai târziu, el s-a corectat:

Această versiune a fost replicată pe scară largă de alți autori. Adesea, fără nicio referire la surse, au adăugat că lucrarea a fost odată în colecția conților Konovnitsyn.

Se presupune că maestrul care a efectuat traducerea a fost un fost angajat al Ermitajului Imperial și un absolvent al Academiei de Arte Evgraf Korotky. Nu este clar dacă la acel moment pictura se afla încă în colecția generalului Korsakov sau fusese deja cumpărată de Sapozhnikov.

Publicul dorea ca tabloul să rămână în Rusia. M. A. Benois a vrut același lucru și, prin urmare, a renunțat la „Madona” pentru 150 de mii de ruble Ermitului. Suma a fost plătită în rate, iar ultimele plăți au fost făcute după Revoluția din octombrie.

Note

Literatură

• "Timp nou". 1913. 5, 11, 27 noiembrie.
• Wrangel N.N. Benois Madonna de Leonardo da Vinci. SPb., 1914.
• Bannikov A.P. Colecția Astrakhan a lui A.P. Sapozhnikov // Panorama artelor. M., 1988. Emisiunea. unsprezece.
• Maho O.G. Leonardo da Vinci. „Madona cu floare”. - St.Petersburg. : Schitul Statului, 2007. - 20 p. - ISBN 5-93572-246-1.

„Madonna Benois” sau "Madona cu o floare"(-) - tablou al marelui artist italian Leonardo da Vinci. În 1914, a fost achiziționat de Schitul Imperial de la Maria Alexandrovna, soția arhitectului curții Leonti Nikolaevici Benois.

Câțiva ani mai târziu, el s-a corectat:

Această versiune a fost replicată pe scară largă de alți autori. Adesea, fără nicio referire la surse, au adăugat că lucrarea a fost odată în colecția Conților Konovnitsyn.

Descriere

„Madona cu floare” este una dintre primele lucrări ale tânărului Leonardo. Galeria Uffizi din Florența are un desen cu următoarea intrare:

Se crede că una dintre ele este Madona Benois, iar a doua este Madona cu Garoafa din Munchen.

Este probabil ca ambele picturi să fi fost primele lucrări ale lui Leonardo ca pictor independent. Pe atunci avea doar 26 de ani și deja șase ani, de când a părăsit atelierul profesorului său Andrea Verrocchio. Avea deja propriul stil, dar, desigur, s-a bazat foarte mult pe experiența florentinilor din secolul al XV-lea. De asemenea, nu există nicio îndoială că Leonardo știa despre pictura „Madona și Pruncul”, realizată de profesorul său în -1470. Drept urmare, pentru ambele tablouri, atât întorsătura de trei sferturi a corpurilor, cât și asemănarea imaginilor sunt trăsături comune: tinerețea ambelor Madoane și capete mari ale Bebelușilor.

Da Vinci plasează Madona cu Pruncul într-o cameră semiîntunecată, unde singura sursă de lumină este o fereastră dublă situată în spate. Lumina sa verzuie nu poate risipi amurgul, dar în același timp este suficientă pentru a evidenția figura Madonei și a tânărului Hristos. Principala „lucrare” este realizată de lumina care se revarsă din stânga sus. Datorită lui, maestrul reușește să reînvie tabloul cu jocul clarobscurului și să sculpteze volumul a două figuri.

În lucrarea sa despre Madonna Benois, Leonardo a folosit o tehnică de pictură în ulei pe care aproape nimeni din Florența nu o cunoștea înainte. Și deși culorile s-au schimbat inevitabil de-a lungul celor cinci secole, devenind mai puțin strălucitoare, se observă totuși clar că tânărul Leonardo a abandonat variația de culori tradițională pentru Florența. În schimb, el folosește pe scară largă posibilitățile vopselelor în ulei pentru a transmite mai exact textura materialelor și nuanțele de lumină și umbră. Gama de verde-albăstrui a înlocuit lumina roșie în care era îmbrăcată de obicei Madona din imagine. Totodată, pentru mâneci și mantie a fost aleasă o culoare ocru, armonizarea raportului dintre nuanțe reci și calde.

În secolul al XIX-lea, „Madona cu floare” a fost transferată cu succes de pe tablă pe pânză, care este menționată în „Registrul picturilor domnului Alexander Petrovici Sapozhnikov, întocmit în 1827”:

Se presupune că maestrul care a efectuat traducerea a fost un fost angajat al Ermitajului Imperial și un absolvent al Academiei de Arte Evgraf Korotky. Nu este clar dacă la acel moment pictura se afla încă în colecția generalului Korsakov sau fusese deja cumpărată de Sapozhnikov.

Note

Literatură

O. G. Makho Leonardo da Vinci. „Madona cu floare”. - Sankt Petersburg: Schitul de Stat, 2007. - 20 p. - ISBN 5-93572-246-1

Leonardo da Vinci este unul dintre cei mai mari reprezentanți ai artei Înaltei Renașteri, un exemplu de „om universal”.

A fost artist, sculptor, arhitect, om de știință (anatomista, naturalist), inventator, scriitor, muzician.
Numele lui întreg este Leonardo lui Piero da Vinci, tradus din Italianăînseamnă „Leonardo, fiul domnului Piero de Vinci”.
În sensul modern, Leonardo nu avea un nume de familie - „da Vinci” înseamnă pur și simplu „(născut) din orașul Vinci”.
Leonardo este cunoscut în primul rând de contemporanii noștri ca artist. Cunoscut 19 tablouri pitorești pensule de Leonardo.

Presupus autoportret de Leonardo da Vinci
Criticii de artă nu pot spune cu certitudine că portret celebru bătrânul este un autoportret. Poate că acesta este doar un studiu al capului apostolului pentru Cina cea de Taină.
Din vastul patrimoniu artistic și științific al lui Leonardo da Vinci (1452-1519), în acest articol vom lua în considerare doar imaginile pitorești ale Madonelor.

„Madona cu garoafa” (1478)

Lemn, ulei. 42x67 cm. Alte Pinakothek (München)
Se crede că acest tablou a fost pictat de tânărul Leonardo da Vinci când era elevul său în atelierul sculptorului și pictorului italian Verrocchio, unul dintre profesorii lui Leonardo.

Descrierea imaginii

Madonna este înfățișată cu o aparență abia vizibilă de zâmbet pe buze. Nu există alt sentiment pe chipul ei.
Ținuta ei se potrivește cu lanțul muntos bizar din fundal. Madona este înfățișată prin recepție sfumato. Această tehnică a fost dezvoltată de Leonardo da Vinci. Constă în faptul că contururile figurilor și obiectelor sunt atenuate de aerul care le învăluie (sfumato (italian sfumato - umbrit, la propriu: „disparând ca fumul”).
Pruncul Isus, dimpotrivă, este înfățișat într-o mișcare viguroasă. Cu mâinile sale încă neîndemânatice, încearcă să apuce garoafa roșie, pe care Mama lui o ține în mâna ei grațioasă. Cu piciorul drept Bebelușul se sprijină pe pernă, iar cel stâng este ridicat în tensiune. El vrea atât de mult să ajungă la floare!
Există o părere că aceasta este doar o copie a originalului, care încă nu este cunoscută.

„Madonna Benois” (sau „Madona cu floare”), 1478-1480

Pânză (tradusă din lemn), ulei. 48x31,5 cm Muzeul Ermitaj de Stat (Sankt Petersburg)
Acest tablou aparține și lucrărilor timpurii ale lui Leonardo. Este considerat neterminat. Titlul tabloului nu este al autorului. În 1914, Schitul l-a achiziționat de la Maria Alexandrovna Benois, soția arhitectului curții. Leonty Nikolaevici Benois, arhitect și profesor rus. Poza cu Leonardo da Vinci i-a fost prezentată de socrul său, un bogat negustor de pește din Astrahan.

Descrierea imaginii

Madona și Pruncul sunt înfățișați într-o cameră semiîntunecată. Singura sursă de lumină din el este o fereastră dublă situată în spate. Lumina de la această fereastră este cea care evidențiază figurile din imagine și o înviorează cu un joc de clarobscur.
Artista o înfățișează pe Madona ca pe o tânără obișnuită, o mamă, care se uită cu drag la copilul ei, care face primele încercări de a stăpâni lumea, privind o floare. Madona este îmbrăcată într-un costum purtat de contemporanii lui Leonardo. Și a fost pieptănată la moda acelor ani.
Floarea indică simbolismul imaginii crucifere. Acesta este simbolul crucificării. Dar pentru copil în acest moment este doar o jucărie nevinovată.
„Madona cu o floare” de Leonardo da Vinci, la un moment dat, era cunoscută pe scară largă de artiștii din acea vreme. Sub influența ei, au fost realizate și alte lucrări ale unor artiști celebri, printre care Rafael.
Dar apoi, timp de secole, pictura lui Leonardo a fost considerată pierdută.

„Madonna Litta” (1490-1491)

Pânză, tempera. 42x33 cm Muzeul Ermitaj de Stat (Sankt Petersburg)

Litta- Prenume aristocratic milanez din secolele XVII-XIX. Pictura a fost într-o colecție privată a acestei familii timp de câteva secole - de unde și numele. Titlul original al picturii este Madona cu Pruncul. Madona a fost achiziționată de Ermitaj în 1864.
Se crede că pictura a fost pictată la Milano, unde artistul s-a mutat în 1482.
Apariția ei a marcat o nouă etapă în arta Renașterii - stabilirea stilului Înaltei Renașteri.
Un desen pregătitor pentru pânza Ermitaj este păstrat la Paris la Luvru.

Desenul la Luvru

Descrierea imaginii

O tânără frumoasă care își alăptează copilul reprezintă dragostea maternă ca cea mai mare valoare umană.
Compoziția imaginii este simplă și armonioasă. Figurile Mariei și ale pruncului Hristos sunt subliniate de clarobscur ușor. Armonia în relația dintre personajele din imagine este subliniată de peisajul montan în ferestre simetrice, evocând un sentiment de grandoare a universului.
Chipul Madonnei este prezentat în profil cu un zâmbet abia perceptibil la colțurile gurii. Bebelușul este concentrat pe ocupația lui, privind absent la public. Cu mâna dreaptă ține sânul mamei sale, iar în stânga ține un cardon.

„Madonna în stânci”

Leonardo da Vinci a creat două picturi care sunt similare ca compoziție. Unul a fost scris mai devreme, expus în prezent la Luvru (Paris). Un altul (scris înainte de 1508) este expus la Galeria Națională din Londra.

„Madona în stânci” (1483-1486)

Arborele, tradus în pânză, ulei. 199x122 cm Luvru (Paris)
Această versiune a fost creată pentru capela din biserica San Francesco Grande din Milano. În secolul al XVIII-lea. a fost cumpărat de artistul englez Gavin Hamilton și adus în Anglia. Apoi a fost în diferite colecții private, până când în 1880 a fost cumpărată de Galeria Națională.
În 2005, sub această pictură a fost descoperită o altă pictură folosind cercetări în infraroșu, așa că unii cercetători cred că Leonardo a plănuit inițial să scrie închinarea pruncului Isus.

„Madona în stânci”. Galeria Națională din Londra

Descrierea picturilor

Ambele pânze o înfățișează pe Fecioara Maria în genunchi, ținându-și mâna pe capul micuțului Ioan Botezătorul. În dreapta este pruncul Isus ținut de un înger. Isus a ridicat mâna în semn de binecuvântare. Scena relației personajelor reprezentate și fundalul peisajului contrastează: pe de o parte, liniștea și tandrețea, pe de altă parte, sentimentul tulburător al peisajului dur. Artistul folosește tehnica sa preferată (sfumato) pentru a înmuia contururile fețelor și ale obiectelor.

„Madona cu fus” (circa 1501)

Originalul acestui tablou s-a pierdut. Dar există trei copii, dintre care două au fost create în 1501 de Leonardo da Vinci (sau elevii școlii sale). O altă copie a fost făcută în 1510.

Galeria Națională a Scoției
Un exemplar se află în prezent la National Gallery of Scotland din Edinburgh, celălalt se află într-o colecție privată din New York.
Contemporanilor lui Leonardo le-a plăcut acest mic tablou cu o Madonă cu Pruncul foarte tânără. Prin urmare, s-au făcut copii.

„Madona cu fus” (1501)
Lemn, ulei. 48,3 x 36,9 cm. Colecție privată
Dar este foarte posibil ca aceasta să nu fie o copie, ci o nouă versiune creată în același 1501 cu originalul.

„Madona cu fus” (1510)
Ulei, pânză pe lemn, 50,2x36,4 cm. Colecție privată (New York)
Calitatea înaltă a picturii demonstrează că a fost executată în atelierul lui Leonardo da Vinci, eventual sub supravegherea acestuia.

Descrierea imaginii

Pictura o înfățișează pe tânăra Fecioară Maria și pe copilul Hristos ținând un fus în formă de crucifix - simbol atât al vetrei, cât și al crucii. În mitologia clasică, fusul simbolizează destinul uman.
Întreaga figură a Mariei exprimă dragostea pentru copil. Se pare că vrea să distragă atenția copilului de la fus. Dar nici Mama nu poate împiedica Răstignirea, care este destinată lui Hristos.
Iar copilul este complet întors către simbolul viitoarei Sale Patimi și se îndepărtează de privirea iubitoare a Mamei.

Italia |Leonardo da Vinci(1452-1519)|"Madonna Benois"|1478|ulei pe pânză|Stat. Schitul| St.Petersburg

Printre lucrările timpurii ale lui Leonardo, care datează din anii 70, pe vremea când tocmai părăsise atelierul maestrului, există mai multe imagini ale Madonelor. Diverși autori moduri diferite de a delimita paternitatea lui Leonardo. Cea mai de încredere atribuire a lui Leonardo se află în celebrul Ermitage Benois Madonna, numit după foștii proprietari.

„Madonna Benois” dovedește originalitatea gândirii artistice a lui Leonardo în primele etape ale formării operei sale. Există o mulțime de noi fundamentale pentru pictura florentină aici - în compoziție, în raport cu clarobscurul, cu culoarea. ... De asemenea, este remarcabil faptul că figurile sunt date pe un fundal întunecat. În loc de motiv peisagistic sau arhitectural condiționat, aici se dă o adâncime calmă, umbrită, a cărei spațialitate subliniază imaginea ferestrei. Cumva simțim că fereastra este suficient de departe în adâncime.
Umbrirea acestei camere sugerează cel mai fin clarobscur dezvoltat. Deja în această lucrare, Leonardo conturează acele principii celebre ale sfumatului care vor fi caracteristice metodei sale de modelare a formei cu clarobscur. Sfumato în italiană înseamnă „obscur, împrăștiat, moale”. Acesta este clarobscur, dar nu activ, unul care sculptează stereometric forma, trăgând volumul din întuneric cu contrastul de întuneric și luminozitate și luminând-o puternic, dar gradații de umbrire aproape indescriptibile. Mai mult, observăm că pentru Leonardo în sfumato-ul său, umbra este mai importantă decât lumina. Și ulterior, rareori va oferi zone de volum orbitor de iluminate. În timp, ținând cont de toată experiența lui viitoare, această ușoară umbrire va ataca întreaga figură, întreaga compoziție. Acest lucru este și bine și rău. Pe de o parte, acest lucru a oferit ochiului său strălucit și ager ocazia de a urmări cea mai subtilă mișcare a aerului din compoziție, mișcarea și starea atmosferei în toate părțile spațiului reprezentat. Figurat vorbind, sub fiecare pliu. Pe de altă parte, consacrandu-se în pictura lui Leonardo, trecând de la el la studenții săi, această practică a umbririi ușoare în rândul artiștilor mai puțin vigilenți, mai puțin talentați s-a transformat într-o greață binecunoscută de clarobscur, într-o anumită umbrire, sumbră a tonul general. Ulterior, lui Leonardo i se va reproșa că a învățat pictura să fie pivniță, negru mohorât, că a întârziat de secole dezvoltarea culorii, dezvoltarea culorii în direcția unei mai mari luminări a tonului, luminări a culorii în ansamblu. La urma urmei, Leonardo în însemnările sale, în așa-numitul său „Tratat de pictură” (care nu este un tratat, a fost redus la un întreg mai târziu) spune uneori lucruri uimitor de îndrăznețe, inclusiv despre culoare. De exemplu, examinând nuanțele de culoare care ar trebui citite în rochia albă a unei figuri feminine luminată de soare pe un gazon verde, vorbește despre umbre albastre, despre reflexe calde și reci, spune că abia în secolul al XIX-lea. primită empiric de impresionişti. Dar acest lucru nu este cazul în propria sa practică. Pictura lui dă cu totul diferite efecte, efectele acestui spațiu ușor umbrit, aer ușor umed, prin care vedem figurile. Și deși în Benois Madonna acest clarobscur ca sistem încă nu a prins contur, aici se văd deja primele semne ale prezenței sale. Și clarobscurul dictează subtilitatea relațiilor de culoare în detalii, în culoarea țesăturilor, în preferatul lui gălbui-auriu și nedefinit violet-albastru cu un verde ușor.
Fragilitatea aproape copilărească a Madonei și formele mari și grele ale unui bebeluș bine hrănit sunt minunat contrastate. Există în aceasta un echivalent special cu starea psihologică a personajelor. Deja în opoziția fizică a mamei-fete și a copilului mare, se așează unele grăunte suplimentare ale complotului.
Ușor și firesc, Leonardo concentrează atenția Maicii Domnului și a micuțului Iisus asupra jocului cu floarea. În sine, acest motiv este departe de a fi nou - Hristos jucându-se cu o floare. Și olandezii în secolul al XV-lea. de multe ori a fost scris, iar italienii - o floare sau o pasăre în mână, uneori o floare cu semnificație simbolică. Dar aici bucuria copilărească a Mariei este foarte proaspătă, ca și cum ea se bucură în egală măsură de jocul fiului ei și de frumusețea florii însăși. Și oricât de veselă este mama, pe atât de serios este copilul. Un fel de imens munca interioară se întâmplă în el când examinează petalele unei flori cu mâinile sale mici. Și aceasta este, de asemenea, o comparație psihologică oarecum neașteptată. Lucrul, în ciuda dimensiunilor sale aparent de cameră, este destul de complex organizat atât plastic-spațial, cât și emoțional-psihologic.

Acest tablou, numit după unul dintre foștii proprietari, diferă de Madonele altor artiști prin culorile mai închise și subtilitatea reproducerii luminii. În schițele acestei perioade, Leonardo a încercat să transmită impresia de mișcare, mișcarea este transmisă și aici.Tânărul artist Leonardo da Vinci, care tocmai își terminase studiile, a pictat tabloul la Florența la sfârșitul anilor șaptezeci ai secolului al XV-lea. . A fost acceptată cu entuziasm, s-au făcut multe copii, iar la începutul secolului al XVI-lea... s-au pierdut.Trei sute de ani mai târziu, o trupă de actori rătăciți a făcut turneul Astrahanului. Unul dintre slujitorii lui Melpomene i-a oferit admiratorului local al muzelor și celui mai bogat dintre negustorii orașului, Alexandru Sapozhnikov, să cumpere un tablou întunecat de bătrânețe, pictat pe o tablă. Înțelegerea a avut loc.Mulți ani mai târziu, nepoata sa Maria s-a căsătorit. Crearea unui italian necunoscut a fost, de asemenea, atașată de adaosul de lux, căruia la început puțini oameni i-au acordat atenție. Nu se știe ce s-ar fi întâmplat cu el dacă arhitectul de succes și viitorul președinte al Academiei de Arte Leonty Benois (fiul unui arhitect și mai faimos) nu ar fi devenit soțul Mariei Alexandrovna și dacă fratele său mai mic nu ar fi devenit fost artist faimos, critic de artă și organizator al asociației „World of Art” Alexander. „Auzind cererile persistente ale fratelui Leonty și ale soției sale”, își amintește el, „a trebuit să rămân la Berlin. Cert este că m-au instruit să arăt pictura pe care o dețin celebrului Bode.” (Notăm între paranteze că Bode este una dintre principalele autorități în istoria artei europene, directorul Muzeelor ​​de Stat din Berlin). absent, dar mai mulți specialiști de renume mondial s-au dovedit a fi în muzeu „Sentința lor a fost severă: tabloul nu este o lucrare a lui Leonardo, ci mai degrabă, a fost scrisă de unul dintre colegii săi în atelierul lui Verrocchio. Mai târziu, Bode el însuși a confirmat această concluzie." și apoi a fost dus înapoi la Sankt Petersburg și întors la proprietari. Cu toate acestea, după opt ani (aceasta era deja în 1914), când era în agitația și necazurile asociate cu pregătirea rusă. expoziție la Paris, i s-a dat carte de vizită cu numele unuia dintre specialiștii berlinez: „Profesor Moller Walde.” „Nu am avut timp să accept să-l accept”, a spus Alexandru Benois- în timp ce propria lui persoană a zburat spre mine cu un strigăt: "Acum sunt ferm convins că Madonna ta este Leonardo!" Imediat, fără să mă așez, fără să mă lase să-mi revin în fire, roșu de emoție, a început să scoată dintr-o servietă uriașă, bine îndesată, o grămadă de fotografii cu acele desene neîndoielnice ale lui Leonardo, care erau în ochii lui (și de fapt ) confirmarea încrederii sale în paternitatea marelui maestru.Benois a refuzat oferta de a vinde capodopera muzeelor ​​din Berlin, transferând-o în colecția Ermitajului Imperial. Acolo se află imaginea până astăzi, cunoscută lumii întregi sub numele de „Madonna Benois”.