Çağdaş sanatın tasarıma etkisi. Çağdaş Sanatın Gelişimindeki Eğilimler: Modernizm ve Postmodernizm
Tanım olarak çağdaş sanat, yaratıldığı zaman diliminde görülebilen sanattır. Şimdi bahçede 21. yüzyılın ilk yarısı. Diğer dönemlerin sanatıyla ilgili genel eğilimler var mı, gelişimde herhangi bir kalıp var mı? Sanat tarihini bilen biri olarak cevaplamaya çalışacağım sorular bunlar.
Alphonse Mucha. "Mevsimler".
Çağdaş sanatın gelişimindeki genel eğilimler:
1. Toplumun adetleri, sanatta üslupların oluşumunu her zaman örtük olarak etkiler.2. Herhangi bir stil birkaç aşamadan geçer (doğum, gelişme, düşüş).
3. Bir stil her zaman bir sonrakinin yalnızca dikey kılavuz boyunca değil, aynı zamanda her türlü dalın - stilistik formların ortaya çıkmasına neden olur.
Aubrey Beardsley. "Pierrot'un Ölümü".
MODERN dönemin stillerini belirli bir örnek üzerinde düşünün.1. Modernite ne zaman, nerede ve nasıl ortaya çıktı (Fransızca moderne - modern kelimesinden). 19. yüzyılda, o çağda yaşayan insan neslinin çağdaşıydı. Tarz öyle görünmüyordu, genellikle herhangi bir yeni yön, artık zamanın ruhunu, insanların estetik ihtiyaçlarını yansıtmadığı gerçeğine güçlü bir argüman olarak ortaya çıkıyor. Modern, eklektizmin yerini aldı. Formların karmaşıklığı ile ayırt edilir ve Farklı ülkeler kendi isimleri vardı: Art Nouveau (Fransa'da), Jürgenstiel (Almanya'da), vb. Eklektizm ise Romantik üslubun (Fransız Devrimi) doruk noktasıydı, ancak ilk bakışta sanata yeni bir şey getirmedi. Eklektizm döneminin tamamı, önceki çeşitli stillerden fikirler üreterek yaşadı (bu ince nokta hatırlanmalıdır). Elbette Art Nouveau, dünya sanatının gelişiminde bir tür ileri sıçrama haline geldi. Sadece giyimde, mobilyada, mimaride değil, genel olarak şehir planlamasında da sofistike formlar sundu. Art Nouveau, duygusal ve ideolojik olarak Gotik temeline dayanıyordu (Fransız katedrallerini hatırlayın), ancak daha demokratikti ve çizgilerin düzgünlüğü bu yönü benzersiz kıldı. Art Nouveau tarzının gelişimindeki en yüksek noktaya Decadence denir. Decadence, sanat tarihi boyunca uzun zamandır hastalıklı bir apandisit (iltihaplı bir apandisit gibi) olarak kabul edilmiştir.
2. Çağlar ve gelenekler. Art Nouveau, tüm zarafeti ve canlı estetiği ile olumsuzluğun dışa dönük tezahürlerini herhangi bir durumda sakladı. Etrafınızdaki her şey rafine edildiğinde, bol miktarda olmasına rağmen kiri fark etmezsiniz. Art Nouveau, 19. yüzyılın ortalarında yaşayan insanlığın herhangi bir kusurunu doldurmak için bir tür güzel sargıydı. Ancak toplumda er ya da geç tutkular kaynamaya başlar ve bu kaynamanın zirvesi acı veren Çöküştür. Bölmeyi en azından nispeten açıklığa kavuşturmak için şöyle tanımlayalım: Alphonse Mucha ve estetik genç hanımları - Modern, Aubrey Beardsley ve onun kısır faunları - Decadence.
3. Dünya sanatındaki bu özel eğilimlerin incelenmesi tesadüf değildir. Bugün en doğrudan ilişkiye sahipler. Rusya'da hala en parlak temsilcisi Viktor Vasnetsov olarak kabul edilebilecek "modern a la russe" vardı. Daha sonra, 1917 devriminden sonra, Rus avangardı, ardından sosyalist gerçekçilik ve bir dizi başka tarz vardı, ancak bugün hepimiz üç sütuna dayanan POSTMODERN çağında yaşıyoruz: eklektizm, modernite ve çöküş. Modern'i doğuran şey, Postmodern'in ana temeli oldu.
Alphonse Mucha'nın eserleriyle basılmış elbise. Postmodern dönem.
Toplumun ahlakı öyledir ki, oluşumu etkilemekten başka bir şey yapamazlar. sanatsal stiller ve sanata sadece enerjilerini değil, aynı zamanda zamanın tüm kötülüklerini de getirir. Önceki dönemlerin alıntıları, zamanında eklektizmi öldürdü ve onun yerine en ilerici Modern'i getirdi. Ve Art Nouveau'nun güzelliği Decadence tarafından lekelendi. Bu bağlamda Postmodern'e bakıyoruz. Sanatçılar utanmadan her devirden, her milletten fikir alır, karıştırır, sentezler, kendi icatları gibi gösterirler. Vicdanlı olmak gerekirse, buna intihal (hırsızlık) denecek, ancak bu, postmodern çağın sadece sanatta değil, sıradan insan ilişkilerinde de temel ilkelerinden biridir. Hırsızlık utanç verici değildi ve utanılacak bir şey değildi - sıradan bir şeydi. Ayrıca, tüm bunlar teknolojik ilerleme zemininde gerçekleşiyor. Genel olarak, postmodern - dijitalleşme yaratıcı Gelişim Dünya gezegeninin tüm nesilleri bir tür eklektik hezeyan içindedir. Decadence döneminde içkin olan ahlaksızlıklar hiçbir yere gitmedi, daha da kötüye gitti: uyuşturucu, sonsuz alkol, cinsel ilişkilerde karışıklık. Bu makale, insan kusurlarını kınayan biri tarafından değil, yalnızca kuru bir gerçekler tespitcisi ve sanat tarihi uzmanı tarafından yazılmıştır.
Esin.
Araştırma için en zor konu. Bilinçaltının derinliklerinden aniden gelir ve aynı şekilde kaybolur - bazen iz bırakmadan. Modern gerçeklik, uygulamalı sanatlarda sanatsal bir başyapıt yaratılmasına ilham verebilir mi? Postmodernitenin tüm ana ilkelerini ihmal etsek bile, bunun oldukça mümkün olduğunu düşünüyorum:
Anlaşmazlık, makul bir çözüm bulma isteksizliğidir. Sadece nesillerin değil, aynı zamanda etkileşim halindeki tarafların da ebedi ağırlaştırılmış çatışması.
Ayrıklık, çevrimiçi ortamda bariz ilerlemenin inkar edilmesidir.
Kararsızlık - her şey, her zaman, yaşamın her alanında.
Rastgelelik - herhangi bir kararın seçimi, bir zaman diliminde bir toplantı, bir gereklilik faktörü (planlanmamış bir unsur yerine).
Oyun, gerçek, derin, samimi her şeyin yerini alıyor.
Anarşi, insanların eylemlerini anlamak için çok önemli olan herhangi bir hiyerarşinin inkarıdır.
Saçılma - bir eylem merkezinin, düşüncenin, bir fikrin çekirdeğinin yokluğu.
Belirsizlik, arzuları, ihtiyaçları doğru bir şekilde formüle edememe, genellikle mantıksal zincirler oluşturamamadır.
Yüksek lezzet yerine yarı her şeyin estetiği. Başka bir deyişle, lezzet ön plandadır.
Sanal gerçeklik, gerçek hayatın yerini almaya çalışıyor.
Herhangi bir çağın değerlerinin alay konusu, ancak aynı zamanda aynı değerlerin kullanılması, çünkü yenileri yaratılmadı.
Çocukluktan aşılanan ilkelerle yaşamayı başaranlar (eğer eğitim hala devam ediyorsa), çok daha fazla maneviyat ve bu maneviyatı paylaşma ihtiyacı ile donatılmıştır. Bu insanlar intihar krizleri yaşamazlar, duygusal alanlarını biçimlendirmezler ve zamanla sadece toplumun değil aynı zamanda kültürün de gelişiminde yeni bir şeyler sunabilirler. görsel Sanatlar, önceki nesillerin deneyimlerine dayanan ve zamanın ahlaksızlıklarından muzdarip olmayan halk el sanatları. Ancak bu tür sanatçılar azınlıktadır. Bir chistogan dünyasında kültürel manifestolar ilan etmek zordur.
© Marina Ovchinnikova
not Makale, yalnızca insanlara yaşamak için talihsizlik yaşadıkları dönemin ideolojik değerlerini kavrama şansı vermek amacıyla İnternet'te dağıtılmak üzere önerilebilir. Yazarlık korunmalıdır, çünkü yazar, bu yükü diğer insanların omuzlarına yüklemeden, yazılı kelimelerden kendisinin sorumlu olmaya hazırdır.
En bariz sorun çağdaş sanat modernizm ve postmodernizm gibi sanatsal kültür alanlarının ortaya çıkışı ve işleyişi göz önüne alındığında kendini gösterir.
Dünya görüşünde bir değişiklik olarak modernitenin ortaya çıkışı modern adam, yaşama yeni bir tutum olarak, yirminci yüzyılın başlangıcının getirdiği yeni gerçeklerle ilişkili zamanımızın sanatsal kültür ve sanatında açıkça ifade edilir: sınıf savaşlarının yüksekliği, devrimler, ilk Dünya Savaşı insan ruhunu harap eden, hayatın hem karanlık hem de aydınlık yanlarını yok eden, insanın kendini bulamayacağı bir dünyada bölünmeye yol açan olay. Geleneklerden yoksun bırakma, sürekli yenilik arzusu, dünyanın bölünmesinin, insan "Ben" inin parçalanmasının, içsel tözsel temellerin dengesizliğinin bir sonucudur. insan hayatı. Böyle bir dünya görüşü, bölme, "parçalanma" sanatsal yaşamda da mevcuttur.
Modernizm, sanatçının dünyanın çatışmasına verdiği içsel tepkidir, bu bölünmüş dünyada kişinin Benliğini arayışıdır. Çoğu zaman modernizmde, sanatçı biçim ve içeriğin uyumunu sağlamaktan çok, sanatçının dünya algısının içsel anlamını ve hatta bazı çirkinlikleri göstermeye çalışır. İnsan, dünya paramparça olduğu için duyusal olarak parçalanmıştır. Bir insanın, bir sanatçının böyle bir halini yansıtan sanat da çözülür, ahenk arayışımızda bize cevap vermez, bize bu ahengi vermez ama öte yandan yaratıcılığıyla sanat sorun yaratır. uyum.
Bir yön olarak modernizmin gelişimi, geleneğin sürekli muhalefetinde mümkündür. Gelenek, modernitede her zaman mevcuttur, en azından bu eğilime bir muhalefet olarak.
Modernizm ve avangard sanat olgusu, araştırmacılar arasında hala değer yükü, özü ve tarihsel gerekçesi, avangard sanatın taşıdığı “antropolojik” sonuçlar hakkında tartışmalara neden oluyor.
Böylece, Levi-Strauss'a göre avangard, klasik sanatın bir karşıtlığı, bir reddi olarak ortaya çıkar.
Kültürleri sıcak ve soğuğa ayıran Levi-Strauss, modern Batı Avrupa ve Amerika toplumlarını sıcak olarak sınıflandırır, tarihlerini sürekli hatırlar ve hiçbir şeyde tekrarlamamaya çalışırlar. Bu tür toplumlarda bir eser yazıldıktan sonra ikinci defa yazılmaması gerektiği görüşü hakimdir. Çoğu geleneksel Doğu kültürünün ait olduğu soğuk bir kültürde, bitmiş metni olabildiğince değişmeden yeniden üretmeye çalışırlar. Burada her yeni performansın kendi varyasyonlarını ortaya çıkarabileceği varsayılsa da, ana standart klişeler (formüller) ve metnin yapısı hala değişmemelidir. Ancak bu gelenekler gözlerimizin önünde ölüyor. Avangard ise kültürü sıcak bir kültüre dönüştürmeyi amaçlar.
Avangard, insanın özünü anlamada eski ve oldukça dar (20. yüzyılın sonundan - 21. yüzyılın başından itibaren) Kartezyen düzenini baltalar. Avangardın karşı çıktığı klasik sanata göre, 17. yüzyılda Descartes tarafından açıkça ifade edilen bir paradigma çerçevesinde gelişmiştir. İnsanlık, hümanizm, kültür anlayışları aklın idealleri üzerinde yetiştirilmiş, klasik sanatın temsilcilerini ele geçirmiş ve bu alanda İnsan unvanına tekabül eden çok sayıda sanat eseri yaratılmıştır. Aynı zamanda, klasik sanat, figüratif dili ve ifade araçlarıyla, Avrupa insanının ruhsal gelişiminde bilimciliğin tek yanlılığını ve kuruluğunu telafi etti. Klasik sanatın da, sanatsal kültürün gelişimini önceden belirleyen kendi ilkelerini oluşturduğu da belirtilmelidir. Her şeyden önce bu, sanat ve sanat olmayanı ayırt etmeyi her zaman mümkün kılan, bir sanat eserinin biricikliğini, malzemeyi ve biçimi sanatçının eserinde ana şey olarak gören sanatın uzlaşımıdır; sanatta sürekliliği ve tarihselciliği sağlayan yön ve üslup. Avangard ise klasik sanatın yöneldiği her şeyi terk etti. Ancak insan ve insan kişiliğinin en önemli özelliği - maneviyat - avangardın ana sorunlarından biri olarak kaldı. Ayrıca avangardın insanın işlevsel anlayışını yeni yönlerle genişlettiği ve zenginleştirdiği, sanat kavramını derinleştirdiği ve kültürlerin devamlılığını sağladığı söylenebilir. Avangard, Avrupa kültüründeki klasikler ve rasyonalizmle olan bağları yok etse de, onda onu, kaynaklarını Afrika, Amerika ve Afrika'da bulduğumuz rasyonel öncesi mitolojik ve diğer erken kültür biçimleriyle birleştiren bir şey bulundu. diğer bölgeler.
Böylece, aklı sınırlayan avangard, tamamen içgüdüye ve duyguya, kendiliğindenliğe ve kendiliğindenliğe geri döndü. Yeni modernistler özel, kendiliğinden bir duyarlılık kültünü öne sürdüler. Sürrealizm olarak adlandırılan bu yöndeki ilk adımlar, sanatçının duygusallığının, yaratıcı ruhun geleneksel inançlardan “kurtulması” ile ilişkilendirildi. Duygusallığın kurtuluşu, modern zamanların rasyonalizmine, ilkelciliğe ve "filistin" sınırlı sağduyusuna bir tepkiydi.
Klasik sanat, özellikle resim, içsel uyumu ve uyumu nedeniyle bile dünyanın süper empatisini ifade edemedi. Ve sadece klasik sanatın normları açısından "... modernizmin anormallikleri hakkında, aşırı tezahürlerinin sanat kavramıyla tutarsızlığı hakkında" konuşulabilir, çünkü klasikler için modernist sanat anlamsızdır.
Bununla birlikte, modernizmin tutarlı destekçileri için, yirminci yüzyılda sanatın figüratif yöntemleri ve yaşam biçimleriyle olan bağlantılarına uygun olarak içsel bir görüş vardır. Gerçekliğin gerçekçiliğinin özel olarak geliştiği dönemlerin düşüş dönemleri olduğu konusunda kendilerini tükettiler. Avangard, klasik oldukları için birbirini izleyen her nesil için yeniden üretilmesi gereken geleneksel klasik biçimleri yok etmeye çalışır.
Modernizmin ana eğilimlerinden biri, sanattan vazgeçmenin, sınırlarının ötesine geçmenin bir yolu olarak görüntünün yok edilmesiydi. Bir kişinin dünyayı kavrayamayacağına ve plastik görüntülerde ustalaşamayacağına ve tüm gerçekçi dönemlerin ve genel olarak geçmişin sanatının tüm figüratif fenomenlerinin verimli gelenekler alanından dışlandığına, ancak bir gelenek olduğuna inanılmaktadır. yaratılış veya buna göre tanıtıldı sanatsal bilgi dünya sadece modern sanatın alanlarında gerçekleşir. Modernizm, klasik sanatın dayandığı temeli yeniden düşünür.
Modernizm çerçevesinde yeni sanatsal yöntemler ve araçlar keşfedildi ve geliştirildi: bilinç akışı, kolaj, çağrışımsal montaj. Bu üslup cihazları, geçen yüzyılın sanatının gelişimi üzerinde büyük bir etki ortaya koydu.
XX yüzyılın 60'lı yıllarının sonundan itibaren modernizm yerini postmodernizme bırakmaya başladı. Postmodernizm, Batı'nın gelişmiş ülkelerinin kültürel öz-farkındalığında ortaya çıkan yeni eğilimleri ifade eder. Bu duyguların genel yönü, kanonlara ve klasik tekniklere karşı verilen mücadeledir.
Postmodernizmin ana eğilimi - temel sistematik olmayan, kasıtlı eklektizm. Kanonu, herhangi bir kanonun yokluğudur. Postmodernistler, ilerlemeye, aklın zaferine, sonsuzluğa olan inançlarıyla Rönesans ve Aydınlanma'nın ideal ve değerlerinde hayal kırıklığına uğradılar. insan yetenekleri. Postmodernizmin savunucuları, dünya sanat kültürünün tüm deneyimini ideolojik alanlarına getirmeye çalışıyorlar, ancak aydınlanma amacıyla değil, bu deneyimi ironiye maruz bırakmak amacıyla. İronizm, mozaik postmodern sanatın anlam yaratan ilkesi haline gelir.
Toplamda, postmodernizmin temel özellikleri şunları içerir:
kitlelere ve seçkinlere yönelik eşzamanlı yönelimden oluşan "çifte kodlama" ilkesi;
unutulmuş sanatsal geleneklere hitap etmek;
üslupsal çoğulculuk (video, çevre, olay vb.);
grotesk sanatsal imge, ironi, yanılsama türlerine dönüşüm;
Sanat anlayışını sanatsal olmayan faaliyet alanlarıyla (ekoloji, politika, bilgisayar bilimi vb.) yayan ve tanımlayan sanatsal yayılmacılık, tarihin ve bilimin estetikleştirilmesi.
Kültürel ve estetik açıdan postmodernizm, daha önce bağımsız olan manevi kültür alanları ile bilinç düzeyleri arasındaki - bilimsel ve sıradan, "yüksek sanat" ve kitle kültürü arasındaki sınırları tamamen silerek avangardın takipçisi olarak hareket eder.
Postmodernizm, "iş"ten "inşaata" geçişi güçlendirir ve tanınmış sanatsal yöntemleri, kültürel örneklerin derlenmesi ve alıntılanması, kolajdır.
Postmodern deneyler, geleneksel sanat türleri ve türleri arasındaki çizgilerin bulanıklaşmasına hayat verdi.
Postmodernizm, özellikle pop art, herhangi bir gerçeklik nesnesini bir sanat nesnesine dönüştürme olasılığını kanıtlama görevi ile karakterize edilir. Böylece, pop art temsilcileri bir şişe tutacağı, bir bisiklet tekerleği, bir pisuar estetik zevk için nesneler olarak sergilediler ve güzelliğin günlük şeylerde, ev eşyalarında da bulunabileceğini kanıtlamaya çalıştılar.
Dolayısıyla postmodernizm teorisyenlerine göre önemli olan nesnenin kendisi değil, adıdır ve dolayısıyla “insan varoluşunun koşulları” olarak sunulan “kutu açacağı” bir sanat eseri statüsü kazanır. Ne de olsa, sunulan nesneye olan ilginin uyandığı ve onun hakkında bir fikir ifade etme, onu bir sanat eseri olarak yorumlama arzusu tam olarak isim sayesinde. M. Duchamp sanat eserlerini şu şekilde tanımlamıştır: "Herhangi bir şey, gündelik bağlarından koparsa ya da ben ona işaret edersem sanattır. Bir postmodernist için, sanat olarak sunulan herhangi bir gündelik nesnenin avantajı, kendi içindedir. özgünlük, özgünlük ve nesnenin imgesi, sanatçı tarafından özgünlükten yoksun bir taklit, bir kopya olarak kabul edilir.
60'lı yıllarda pop art ile başlayan klasik avangard ve en son sanatta bağımsız sanat ortaya çıktı, özgür yaratıcı düşünce yolunu açtı.
Bununla birlikte, postmodernist olarak kabul edilen tutum, yani tüm dünya kültürünün deneyiminin özümsenmesi yoluyla geniş bir kitleye hitap etmek, 20. yüzyılın ikinci yarısının sanatının münhasır bir bulgusu değildir. Avangard bir sanatçının yaptığı gibi kişisel, öznel olanı ifade ederken bile bir sanatçının anlaşılabilir olması her zaman önemli olmuştur. Ancak bir sanatçı, ancak insanlara şu veya bu biçimde hitap ederse, insanlar tarafından anlaşılabilir ve tanınabilir. Postmodernizmin gösterdiği gibi, bu tür iki biçim vardır. Bu, bir sanatçının evrensel değerlerden tamamen kendinden bahsetmesi, özgünlüğünü belirli bir sanat türünün sanat formu ve malzemesi aracılığıyla ifade etmesidir. Klasiklerin ve erken modernizmin konumu budur. Ve sanatçı aynı değerlerden bahsederken alıntılarla, sokaktan şeyler, hayattan sahneler ile konuşuyor. Postmodernizmin ve ona yakın sanatın konumu budur.
XX yüzyılın karşı kültürü - Bunlar, kabul edilen veya göz ardı edilen yeni, klasik olmayan türden aynı gerçeklerdir. Bir bütün olarak karşı kültür, geleceğin sanatının temeli olarak kabul edilemese de, yine de klasik sanat geleneklerine yeni bir bakış açısı getirmeyi mümkün kıldı, yeni geleneklerin oluşumunun temellerini keşfetti, filozofların yüzünü geri verdi ve Doğu'nun erken ve modern kültürünün sanatsal geleneklerine düşünürler. Postmodern estetik, koku, dokunma ve tadı - renk ve sese kıyasla daha düşük duyular olarak adlandırılan - kademeli olarak rehabilite ediyor. Genişletilmiş bir hayal gücü ve sezgi, insan duyarlılığının tüm yelpazesinde sanat deneyimine bağlanır. Ve sanat alanı yoluyla şehvetin zenginleştirilmesi iki şekilde olabilir: duyuların etkinliğini ikiye ve üçe katlayan yeni teknolojiler yoluyla ve insanın duyu dışı yeteneklerinin daha fazla incelenmesi yoluyla.
***
Böylece, Sanat kültürü insanlığın toplam kültürünün önemli bir bileşenidir, önceki nesillerin manevi deneyimini biriktirir, sanatta insanın kendisiyle, başka bir kişiyle, dünyayla, Tanrı ile etkileşiminin sorunlarını ortaya çıkarır ve çözer, insan kişiliğinin ufkunu genişletir, yeni arayışlar insanın gerçekliği anlama biçimleri.
Klasik resmin muzaffer dönüşü; Andy Warhol dijital devrimi ve güzel sanatlar dünyasında meydana gelen diğer ilginç şeyler
Modern sanat artık modern değil. Çağdaş sanat, tüm postmodern hileleriyle bir asır önce icat edildi.
Derili inek karkasları, video performansları - ilk başta heyecan vericiydi, ancak sırada ne var sorusu ortaya çıkıyor. Sanatçılar, Kazimir Malevich'in karesinden ve Jackson Pollock'un sıçramalarından daha soyut ve anlaşılmaz bir şey bulabilir mi?
At gözlüklerini çıkar- kötü şöhretli Banksy'ye tavsiyede bulundu. Sanat ve sanat piyasasındaki yeni trendler beklenmedik bir yönden geldi.
Trend numarası 1.
Elle çizilmiş resim: tahta dönüş
Eleştirmenlere göre, resim yakın zamana kadar “ölüyordu”, yerini diğer sanat türlerine bıraktı - video sanatı, yerleştirme… 2000'lerin sonunda durum çarpıcı bir şekilde değişti: resim bir tür olarak yeniden canlandırıldı.
Güzel sanatlar ("eski moda bir şekilde, tuval üzerine bir fırça ile yapılmış güzel sanatlar") ile çağdaş sanat (kasten deliliği ve uyumsuzlukla) arasındaki sınır aniden bir yerlerde kayboldu.
Seyirciler ve her şeyden önce - sanatçıların kendileri - geleneksel anlamda resimleri çok özlediler. Ve burada her şeyin söylendiği ortaya çıktı.
Ancak, devasa, aşırı doygun sanat pazarında dikkat çekmek için bir tablonun gerçekten yetenekli olması gerekir.
Çek sanatçılar Svetlana Kurmaz ve Alexander Sokht, yeni trendin parlak temsilcileri. Avrupa ve ABD'de ünlüler, Krasnodar Bölgesi'nden gelmelerine rağmen Rusya'da neredeyse bilinmiyorlar.
Evli çift uzun zaman önce Prag'a göç etti. Oldukça hızlı bir şekilde, çalışmaları Batı toplumu ile başarı kazandı.
Zor bir kaderi olan Rus göçmenler, prestijli dünya sanat fuarları ve bienallerinin en çok aranan katılımcı havuzu listesine dahil edildi.
En azından sanat işi yapmaya yönelik yeni bir yaklaşım sayesinde - bu nedenle, en son trendleri ele alacağımız onların örneğidir.
Kendi adıma şunu söyleyeceğim: Kısa süre önce Kurmaz ve Sokht'un muhteşem eserleriyle yolum kesişti ve hiç tereddüt etmeden kendinizi tanımaya davet ediyorum. Kesinlikle hak ediyor.
Trend numarası 2.
Arayüzlerde devrim: Bir tablete çizim yaparsınız, yağlı bir tuval elde edersiniz.
iPad tamircisinin yaygın kullanımı, resim oluşturma teknolojisini ciddi şekilde etkiledi. Örneğin, diasek ön baskı popüler hale geldi: fotoğraf basımına benzer bir prensipte, akrilik üzerine boyalar uygulanır.
Nadezhda Voronina, sanat eleştirmeni:
- Alexander Sokht çalışmalarını grafik programlarında yaratır ve ardından tuvale, kağıda veya diasec'e aktarır. Bu şekilde, yenilikçi teknikler yaratıcı yöntemin evrimine yardımcı olur.
Trend numarası 3.
Sanat piyasasının demokratikleşmesi: Artık sanat, sıkılmış milyonerler tarafından değil, sıradan öğrenciler ve ev kadınları tarafından toplanıyor.
Şaşırtıcı gerçek: Ünlü bir ustanın orijinal eseri şimdi 100 dolardan daha ucuza mal olabilir. Avrupalı izleyici, sanat alışverişinin zevklerini çoktan tatmış ve çağdaşlarının eserlerini kitlesel olarak satın alıyor.
Yüksek sanat için fiyatların demokratikleşmesi, en büyük uluslararası fuarın uzun vadeli başarısında özellikle dikkat çekicidir. AAF(Uygun fiyatlı Sanat Fuarı, erişilebilir sanat fuarı)
Organizatörleri için eser seçimindeki en önemli kriter maliyetleridir: ortalama gelirli insanlar için mevcut tavan fiyatını aşmamalıdır.
Kopyala-yapıştır ve yeniden postalama çağında pazarlama, Warhol'un fikirlerini yeniden yorumladı: resim artık çeşitli versiyonlarda ve farklı fiyatlarla üretilebilir.
Örneğin, aynı Kurmaz ve Sokhta'nın eserleri oldukça pahalıdır. Ancak, üç farklı fiyat kategorisini yakalamalarına izin veren bir strateji geliştirdiler.
Erişilebilirlik stratejisi, yazarın orijinallerinin kağıt ve tuvallerinde sınırlı sayıda basılmasıyla elde edilir.
Yani, bir eser beş nüsha olarak bulunabilir, ancak her biri uluslararası bir sertifika ile onaylanan orijinaldir.
Trend numarası 5.
Galeriler artık galericiler tarafından değil, sanatçıların kendileri tarafından açılıyor.
En önemli eğilim: sanatçıların kişisel galerisi, sanat piyasası katılımcıları arasındaki ana etkileşim yeri haline geliyor. Bu, sahibinin tezgahın arkasında durduğu küçük bir dükkan ile aynı gelişmiş oluşumdur.
Nadezhda Voronina, sanat eleştirmeni
- Prag'ın merkezinde, Kurmaz ve Sokht'un kendilerini sergilemek için yaratılmış kendi galerileri var. Belki de bu, sanat sergileyen ve satan modern bir galeri için en başarılı seçeneklerden biridir, çünkü burada her şey birleştirilir - sanatçının net bir konsepti, amaçları ve hedefleri. Bu geleceğin galeri türüdür, çünkü modern sanatta her şey basitleştirilmiştir.
Bu durumda, Facebook ve Twitter'ın mekaniği çalışıyor. Yazar ve işini bilenler arasındaki doğrudan iletişim, aracılar ve alıcılar aracılığıyla iletişimden daha kazanan bir strateji haline gelir.
Konferanslar
ÇAĞDAŞ SANATIN TASARIM ÜZERİNE ETKİSİ
Şu anda, sanatsal sorunları çözmek için tasarımcılar, tasarım tekniklerinin ve araçlarının geliştirilmesinde yeni orijinal fikirlerin kaynağını gördükleri 20. yüzyılın sanatına yöneliyorlar. Sanat, tasarımcıları yaratıcı bir şekilde zenginleştirir, duygusal yüklerini artırmaya yardımcı olur. Sanatsal yöntemlerin ve yaratma araçlarının geliştirilmesinde deneysel bir alan olarak avangard sanatın başarılarının incelenmesi sanatsal görüntüler tasarımcıların yaratıcı düşünme geliştirmelerini sağlar. Tasarımda çeşitli stilistik eğilimlerin geliştirilmesinde soyut sanatçıların eğilimler üzerindeki etkisinin özelliklerini dikkate almaya ihtiyaç vardır. Aynı zamanda tasarımın özelliklerini incelerseniz, çağdaş sanatı tasarım araçları yardımıyla açıklayarak anlayabilirsiniz. M. Ragon, çağdaş sanatın reddini, insanların soyut sanat eserlerini ve modern sanat eserlerini algılamadıkları gerçeğiyle ilişkilendirir. çevre bir bütün olarak.
Tasarım ürünlerinin sanat tarihi değerlendirmesi, tasarımcıların pratik faaliyetleri ve tasarım faaliyetlerinde sanatsal yaratıcılık sorunları üzerine tasarım teorisinin geliştirilmesi için çağdaş sanata yönelmek ve onun etki biçimlerini belirlemek gerekir. tasarımda, sanatta kullanılan araç ve yöntemlerin tasarım yoluyla ödünç alınma seviyeleri. Konu-mekânsal çevrenin tasarımını, sanatın aşağıdaki kurucu unsurları aracılığıyla ele alalım: sanatsal yöntem, biçimlendirme ilkeleri.
sanatsal yöntem. Tasarım, soyut sanat gibi bağımsız bir yaratıcı etkinlik biçimidir. Soyut sanat, sanatsal yöntemle ilişkili sanatsal yaratıcılığa dayanır. Tasarım etkinliği bilimsel, teknik ve sanatsal yaratıcılıktan oluşur, bu nedenle tasarım formunun görsel dili, sanatsal ve bilimsel ve teknik yaratıcılık sürecinde oluşturulur ve geliştirilir. Tasarımda sanatsal yaratıcılık, rasyonel, yapıcı yaratıcılıkla ilişkilidir. Bu oran belirleyicidir, ancak bileşenlerinin ölçüsü farklıdır. Bu nedenle tasarımda, çağdaş sanatla eşitsiz ilişkileri olan birçok tasarım faaliyeti alanı vardır. Tasarım ve sanat arasındaki bağlantının derecesi tasarımda kullanılan yöntemlerle belirlenir. Tasarıma üç yaklaşım vardır: teknik tasarım, sanatsal şekillendirme, sanatsal tasarım sırasıyla mühendislik tasarımı, sanat tasarımı, faydacı-sanatsal tasarım anlamına gelir. Tasarım etkinliğinin ürünü, farklı düzeyde sanatsal ve pratik değere sahip şeylerdir. Sanat tasarımı, figüratif-plastik tasarımı ile benzersiz eserlerin yaratılması ile ilişkilidir, Sanat formuşeyler. Bu tasarım yönü, dekoratif ve sanatsal yaratıcılığa, çağdaş sanata yaklaşıyor. Sanat tasarımında, bir şey faydacıdan sanatsal bir düzeye yükselir, yani askı bir tür sanat eseri olur. Aynı zamanda, "konunun faydacı temelinin sanatsal gelişimi" ile ilişkili bir tasarım etkinliği vardır. Tasarımcı, figüratif bir form çözümü üzerinde çalışıyor. Bu nedenle, etkinliği figüratif düşünme ile bağlantılıdır. Böylece, sanat tasarımının tasarım yönteminin ve faydacı-sanatsal tasarımın bileşimi, sanatta var olan sanatsal yöntemi içerir, Yu.B. Borev, figüratif düşünmenin bir yolu olarak tanımlar.
Sanatta tasarım tarafından ödünç alınan şekillendirme ilkeleri. Dünyanın yeni keşif biçimlerinin araştırılmasıyla uğraşan XX yüzyılın çeşitli sanat alanları, şekillendirme alanındaki tasarımın gelişimi üzerinde bir etkiye sahiptir. Tasarımda, soyut sanatta olduğu gibi, deneysel, sanatsal arayışlarla ilişkili üslup değişiklikleri sürekli olarak gerçekleşmektedir. Pop art, op art, minimalizm gibi çağdaş sanat akımları örneğinde bu konuyu ele alalım.
1960'ların - 1980'lerin sanatında Minimalizmin kavramsal yönü, "görsel ve ifade edici" araçların "marjinal ekonomisinin ilkelerini ilan eden ve pratikte uygulayan" ortaya çıkar. Minimalist sanatçıların mekansal özgürlük hakkındaki kavramsal fikri, nesne-mekansal ortamın tasarımında, minimalist iç mekanların, minimalist mobilyaların yaratılmasında geliştirildi. Minimalist sanatçıların eserleri metal heykeller, yapılar, boş kutular, resimsiz çerçeveler, çeşitli geometrik şekillerdir (Res. 1). Oluşturulan sanat objeleri minimum sayıda ayrıntıdan organize edilmiş, basit, özlü, net bir forma sahiptir. Renk şemalarında monokromatik kombinasyonlar kullanılır. Aynı minimal araçlar, tasarımcılar tarafından mobilya tasarımında mekanı düzenlemek için kullanılır (Şekil 2, 3). Buzlu ve şeffaf cam, asma raflar, dolaplar, minimum kör yüzeyler, sürgülü bölmeler, pürüzsüz ve düz duvarlar, beyaz, gri, mavi renk tonları minimalist bir iç mekan ışığı, şeffaf, açık hale getirir. Mobilya, basit, "saf" geometrik şekiller şeklinde yapılır.
20. yüzyılın ortalarındaki sanatta, İngilizce'de popüler sanat anlamına gelen pop art yönü ortaya çıktı. Bu yön, sanayi toplumunun kitlesel tüketim fikirlerini, somutluk ve maddiliklerinde şeylerin maddi dünyasının estetiğini ifade etti. Pop art, nesnel olmayan soyutlamacılığa karşı çıktı. Pop art eserleri, seri üretim unsurlarından (bira kutuları, mantarlar, çiviler, etiketler, gazeteler vb.) oluşturulmuştur (Şekil 4).
Sanat nesneleri, belirli bir çevrede, özel olarak yaratılmış bir mekansal çevrede bulunan kitlesel tüketim nesneleri olarak kabul edildi. Pop art teorisyenleri, "... belirli bir bağlamda, her nesne orijinal anlamını kaybeder ve bir sanat eseri olur" olduğuna inanırlar. Sanatçı sanatsal bir nesne yaratmaz, sıradan bir nesneye sanatsal bir nitelik kazandırır. Aynısı, küçük mimari formların tasarımında, kiosklar, tenteler, çardaklar, beton çizme, şapka, kek veya sosisli sandviç şeklinde devasa boyutlara büyütüldüğünde gözlenir.
pop sanat gibi sanatsal yön, çeşitli eğilimlere sahiptir: op art (optik sanat); e-art (hareketli sanat); okr-art (çevreleyen sanat). Op art, pop sanatını geometrik soyutlama gelenekleriyle birleştirdi. Op art kompozisyonları, ilginç optik efektler, uzamsal yanılsamalar yaratan dairelerin, çizgilerin, noktaların ve noktaların organize edilmiş kombinasyonlarıdır (Şekil 5).
Pop art, onları geleneksel resimle birleştirerek kolaj, fotomontaj tekniğini kullanır. Sanatçılar, geleneksel malzemeleri sıra dışı ses, ışık, optik efektler. Hacim modelleri, heykeller ile düzlemsel görüntülerin birleştirilmesiyle kompozisyonlar oluşturulur. Aynı resim ve rölyef kombinasyonu, iç mimarlar tarafından kullanılır ve hacmi veya alanı bir illüzyona dönüştürme etkisi yaratır. Bu tür örnekler O. Hayek'in projelerinde bulunabilir. Tasarımcılar, grafik (süper grafik), binaların içindeki ve dışındaki duvar düzlemlerinde boyama ve ayna yüzeylerinin kullanımı yoluyla gerçeküstü, yanıltıcı alanlar yaratırlar. Olağandışı alanlar bir kişiyi etkiler, belirli bir duygusal atmosfer yaratır, çeşitli duygular ve çağrışımlar uyandırır. Duvarlardaki duvar resimleri, pop art sanatçılarının eserleri gibi, çeşitli formları ve durumları birleştirir: gerçek ve boyalı. Örneğin, gerçek bir evin duvarına gerçek bir drenaj borusu ile açık bir pencere çizilir (Şekil 6).
Konut ve kamu binalarının iç mekanlarında zemini veya duvarları bitirmek için, mobilya döşemesinde yanıltıcı üç boyutlu bir desen kullanılır. Bazen duvar dekorasyonu zemin veya tavan, kapılar, mobilyalar, füzyon etkisinin sağlanması, birinden diğerine karşılıklı geçişler ile birlikte gerçekleştirilir. Küçük bir alanı görsel olarak genişletmek için birkaç pencere ekleyin, tasarımcılar aynadan yapılmış sahte bir pencere kullanır. Gizemli, titreşen bir alan düzenlemek, bir ışık ve gölge oyunu yaratmak için tavana, zemine, duvarlara, mobilyalara ve iç eşyalara ışık elemanları yerleştirilir.
Yaratmanın başka bir yolu Sanat Eserleri pop art, alışılmadık malzemelerin veya eski, kullanılmış, kırılmış şeylerin kullanılmasıdır. Benzer bir teknik, ülke tarzında tasarlanmış iç tasarımda, aksine, yenisinde eski duvar veya zemin yüzeylerinin, solmuş duvar resimlerinin, kullanılmış mobilyaların etkisini yarattıklarında mevcuttur. Veya eski ekipmanlardan yaratırlar yeni form eski, kırık bir dikiş makinesi gibi mobilyalar tuvalet masasına dönüşür. İç dekorasyonda bazen, boyalı kabuklar, cam şişeler, porselen parçaları, aynalar, cam gibi olağandışı malzemeler kullanılır. Pop art, görsel kültürü, tasarım araçlarının gelişimini ve şekillendirme tekniklerini etkilemiştir. Pop sanatının estetik ilkeleri, reklamcılık ilkeleri (görünürlük, akılda kalıcılık, anlaşılabilirlik), faydacılık, yanıltıcı ve gerçeğin birleşimidir, bunun yardımıyla izleyici üzerinde belirli bir etki uygulanır, “şeyleri şiirleştirme” hedefi. " elde edilir. Aynı ilkeler bazı tasarım alanlarına yakındır (Şekil 7).
Yukarıda tartışılan malzeme, çağdaş sanatın tasarım üzerindeki etkisinin önemli estetik sorunlardan biri olduğunu göstermektedir. Çağdaş sanat ve tasarım araştırmacıları, 20. yüzyılda gelişen bilim ve teknolojiyle bağlantılı olarak dünya görüşündeki değişikliklerin plastik sanatları etkilediğini ve görsel yapıyı (ritimler, orantılar, renk, kompozisyon) dönüştürdüğünü belirtmektedir.
Sonuç olarak, 20. yüzyılda sanatçıların yeni bir görsel düşünce, nesnel dünyaya dair yeni bir vizyon oluşturduğuna dikkat edilmelidir. Resimdeki, grafikteki, heykeldeki sanatçılar, doğrudan görme ve yeniden üretim için erişilemeyen şeylere yönelirler. 20. yüzyılın başında ortaya çıkan avangard sanat, çeşitli eğilimleri içeriyordu. Bazıları anlatmaya çalıştı iç dünya bir kişinin zihinsel durumu ve duyguları ve diğerleri - yeni bir gerçeklik inşa etmek, çevredeki gerçekliğin ifadesini ve bilgilendiriciliğini vurgulayan şeylerin yapısını, yapısını ortaya çıkarmak. Avangard sanat, "kolektif" bir vizyon, uzlaşma arzusu, tipleştirme, evrensel sembollerin yaratılması, sıkıştırılmış plastik formüller ve soyutlamalar ile karakterize edilir. Örneğin, kübizmde antropomorfik figürler, konu ortamın modellendiği aynı ayrıntılardan birleştirilir, yani tasarım, mimari yapı ile benzerlik vardır (Şekil 8, 9).
 |
 |
| Şekil 8. J. Evlilik. gitar ile natürmort | Şekil 9. P. Picasso. Üç maskeli müzisyen. 1921. - M.: VNIITE, 1990. - 89 s.: hasta. - Tasarımcı ve ergonomist kütüphanesi.
İlgili Makaleler |
