Ndikimi i artit bashkëkohor në dizajn. Tendencat në zhvillimin e artit bashkëkohor: modernizmi dhe postmodernizmi
Sipas përkufizimit, arti bashkëkohor është art që mund të shihet në periudhën kohore në të cilën është krijuar. Tani në oborr gjysma e parë e shekullit të 21-të. A ka ndonjë tendencë të përgjithshme me artin e epokave të tjera, a ka ndonjë model në zhvillim? Këto janë pyetjet që do të përpiqem t'u përgjigjem, si një person që e njeh historinë e artit.
Alphonse Mucha. "Stinët".
Tendencat e përgjithshme në zhvillimin e artit bashkëkohor:
1. Traditat e shoqërisë gjithmonë ndikojnë në mënyrë implicite në formimin e stileve në art.2. Çdo stil kalon nëpër disa faza (lindje, lulëzim, rënie).
3. Një stil gjithmonë shkakton shfaqjen e tjetrit jo vetëm përgjatë udhëzuesit vertikal, por edhe të gjitha llojet e degëve - forma stilistike.
Aubrey Beardsley. "Vdekja e Pierrot".
Konsideroni stilet e epokës MODERNE në një shembull specifik.1. Kur, ku dhe si lindi moderniteti (nga fjala franceze moderne - moderne). Në shekullin e 19-të, ai ishte bashkëkohor i brezit të njerëzve që jetuan në atë epokë. Stili nuk u shfaq vetëm ashtu, zakonisht çdo drejtim i ri lind si një argument i fortë se nuk pasqyron më frymën e kohës, nevojat estetike të njerëzve. Moderne ka zëvendësuar eklekticizmin. Dallohet nga sofistikimi i formave dhe në vende të ndryshme kishte emrat e vet: Art Nouveau (në Francë), Jürgenstiel (në Gjermani), etj. Eklekticizmi, nga ana tjetër, ishte pika më e lartë e stilit romantik (Revolucioni Francez), por në shikim të parë nuk solli asgjë të re në art. E gjithë epoka e eklekticizmit jetoi, duke gjeneruar ide nga stile të ndryshme të mëparshme (kjo pikë delikate duhet mbajtur mend). Sigurisht, Art Nouveau është bërë një lloj hapi përpara në zhvillimin e artit botëror. Ai ofronte forma të sofistikuara jo vetëm në veshje, mobilje, arkitekturë, por edhe në urbanistikë në përgjithësi. Emocionalisht dhe ideologjikisht, Art Nouveau mbështetej në bazën e gotikës (kujtoni katedralet franceze), por ishte më demokratik, dhe lëmimi i linjave e bëri këtë drejtim unik. Pika më e lartë në zhvillimin e stilit Art Nouveau quhet Dekadencë. Dekadenca është konsideruar prej kohësh një apendiks i sëmurë (si një apendiks i përflakur) gjatë historisë së artit, për arsye të mira.
2. Epokat dhe zakonet. Art Nouveau, me gjithë elegancën dhe estetikën e tij të gjallë, fshehu manifestimet e jashtme të negativitetit në çdo gjendje. Kur gjithçka përreth është e rafinuar, nuk vëreni papastërti, edhe pse është me bollëk. Art Nouveau ishte një lloj mbështjellësi i bukur për të mbushur çdo ves të njerëzimit, i cili jetoi në mesin e shekullit të 19-të. Por, herët a vonë, pasionet fillojnë të ziejnë në shoqëri dhe kulmi i këtij vlimi ishte Dekadenca e dhimbshme. Për ta bërë ndarjen të paktën relativisht të qartë, le ta përkufizojmë si më poshtë: Alphonse Mucha dhe zonjat e tij estetike - Moderne, Aubrey Beardsley dhe faunët e tij vicioz - Dekadenca.
3. Jo rastësisht janë marrë për studim këto prirje të veçanta në artin botëror. Sot ata kanë lidhjen më të drejtpërdrejtë. Në Rusi, ekzistonte ende "a la russe moderne", përfaqësuesi më i ndritshëm i të cilit mund të konsiderohet Viktor Vasnetsov. Më pas, pas revolucionit të vitit 1917, pati avangardën ruse, pastaj realizmin socialist dhe një mori stilesh të tjera, por sot të gjithë jetojmë në epokën POSTMODERNE, e cila bazohet në tre shtylla: eklekticizmi, moderniteti dhe dekadenca. Ajo që i dha fill Modernes u bë baza kryesore për Postmodernen.
Fustan i printuar me punime nga Alphonse Mucha. Epoka postmoderne.
Morali i shoqërisë është i tillë që nuk mund të mos ndikojë në formim stilet artistike dhe sjellin në art jo vetëm energjinë e tyre, por edhe të gjitha veset e kohës. Citimi i epokave të mëparshme vrau eklekticizmin në kohën e tij, duke e zëvendësuar atë me modernen më progresive. Dhe bukuria e Art Nouveau u përdhos nga Dekadenca. Në këtë drejtim, ne shikojmë Postmodernen. Artistët marrin paturpësisht ide nga të gjitha epokat, kulturat e çdo populli, i përziejnë dhe i sintetizojnë, duke i kaluar si shpikje të tyre. Për të qenë skrupuloz do të quhet plagjiaturë (vjedhje), por ky është një nga parimet bazë të epokës postmoderne, jo vetëm në art, por në marrëdhëniet e zakonshme njerëzore. Vjedhja nuk ishte e turpshme dhe jo turp - ishte e zakonshme. Plus, e gjithë kjo po ndodh në sfondin e përparimit teknologjik. Në përgjithësi, postmodern - dixhitalizimi zhvillimin krijues e të gjitha gjeneratave të planetit Tokë është në një lloj deliriumi eklektik. Veset që ishin të qenësishme në epokën e Dekadencës nuk shkuan askund, ato u përkeqësuan: droga, alkooli i përjetshëm, shthurja në marrëdhëniet seksuale. Ky artikull është shkruar jo nga një denoncues i veseve njerëzore, por vetëm nga një konstatues i thatë i realiteteve dhe një njohës i historisë së artit.
frymëzim.
Tema më e vështirë për kërkime. Ajo vjen papritur nga thellësitë e nënndërgjegjes dhe zhduket në të njëjtën mënyrë - ndonjëherë pa lënë gjurmë. A mund të frymëzojë realiteti modern krijimin e një kryevepre artistike në artet e aplikuara? Unë mendoj se kjo është mjaft e mundur, edhe nëse neglizhojmë të gjitha parimet kryesore të postmodernitetit:
Diskonsensusi është mosgatishmëria për të gjetur një zgjidhje të arsyeshme. Konflikti i rënduar i përjetshëm jo vetëm i brezave, por edhe i çdo palësh ndërvepruese.
Diskretiteti është mohimi i përparimit të dukshëm në internet.
Paqëndrueshmëria - gjithçka, gjithmonë, në të gjitha sferat e jetës.
Rastësia - zgjedhja e çdo vendimi, një takim në një periudhë kohore, një faktor domosdoshmërie (në vend të një elementi të paplanifikuar).
Loja është një zëvendësim për gjithçka reale, të thellë, të sinqertë.
Anarkia është mohimi i çdo hierarkie, e cila është shumë e rëndësishme për të kuptuar veprimet e njerëzve.
Shpërndarja - mungesa e një qendre veprimi, mendimi, thelbi i një ideje.
Pasiguria është paaftësia për të formuluar saktë dëshirat, nevojat, shpesh pamundësia për të ndërtuar zinxhirë logjikë.
Estetika e gjysmë-çdo gjëje, nën-në vend të shijes së lartë. Me fjalë të tjera, shija është në krye.
Realiteti virtual, duke kërkuar të zëvendësojë jetën reale.
Tallje me vlerat e çdo epoke, por në të njëjtën kohë përdorimin e të njëjtave vlera, sepse të reja nuk janë krijuar.
Ata që arrijnë të jetojnë sipas parimeve të rrënjosura që nga fëmijëria (nëse edukimi ka ndodhur ende), janë të pajisur me shpirtërore shumë më të madhe dhe nevojën për të ndarë këtë shpirtërore. Këta njerëz nuk përjetojnë kriza vetëvrasëse, nuk formatojnë hapësirën e tyre emocionale dhe janë në gjendje, me kalimin e kohës, të ofrojnë diçka të re në zhvillimin jo vetëm të shoqërisë, por edhe të kulturës. artet pamore, zeje popullore, bazuar në përvojën e brezave të mëparshëm dhe të mos vuajtur nga veset e kohës. Por artistë të tillë janë në pakicë. Në botën e një çistogani, është e vështirë të shpallësh manifeste kulturore.
© Marina Ovchinnikova
P.S. Artikulli mund të rekomandohet për shpërndarje në internet me qëllimin e vetëm për t'u dhënë njerëzve një shans për të kuptuar vlerat ideologjike të epokës në të cilën ata patën fatkeqësinë për të jetuar. Autorësia duhet të ruhet, sepse autori është i gatshëm të përgjigjet vetë për fjalët e shkruara, pa e zhvendosur këtë barrë mbi supet e njerëzve të tjerë.
Problemi më i dukshëm Art Bashkëkohor manifestohen kur merret parasysh shfaqja dhe funksionimi i fushave të tilla të kulturës artistike si modernizmi dhe postmodernizmi.
Shfaqja e modernitetit si një ndryshim në botëkuptimin njeriu modern, si një qëndrim i ri ndaj jetës, shprehet qartë në kulturën artistike dhe artin e modernitetit të lidhur me realitetet e reja që solli fillimi i shekullit të njëzetë: kulmi i luftërave të klasave, revolucioneve, të parët. Lufte boterore e cila shkatërroi shpirtin e njeriut, shkatërroi të dyja anët e errëta dhe të ndritshme të jetës, të cilat nga ana e tyre çojnë në një ndarje në botë ku një person nuk mund ta gjejë veten. Privimi i traditave, dëshira për risi të vazhdueshme është pasojë e ndarjes së botës, copëzimit të "Unë" njerëzore, çekuilibrit të themeleve të brendshme thelbësore. jeta njerëzore. Një vizion i tillë i botës, përçarja, “shkëputja” janë të pranishme edhe në jetën artistike.
Modernizmi është reagimi i brendshëm i artistit ndaj konfliktit të botës, kërkimi i vetvetes në këtë botë të përçarë. Shpesh në modernizëm, artisti përpiqet jo aq shumë të arrijë harmoninë e formës dhe përmbajtjes, por më tepër të tregojë kuptimin e brendshëm të ndjenjës së artistit për botën, madje edhe njëfarë shëmtie. Njeriu është shqyer sensualisht, sepse bota është copëtuar. Arti, i cili pasqyron një gjendje të tillë të një personi, një artisti, gjithashtu tretet, nuk na përgjigjet në kërkimin tonë të harmonisë, nuk na jep këtë harmoni, por, nga ana tjetër, arti me krijimtarinë e tij shtron problemin. të harmonisë.
Zhvillimi i modernizmit, si drejtim, është i mundur në kundërshtimin e vazhdueshëm të traditës. Tradita është gjithmonë e pranishme në modernitet, të paktën si një kundërshtim i kësaj prirjeje.
Fenomeni i modernizmit dhe i artit avangard shkakton ende diskutime mes studiuesve mbi ngarkesën vlerore, thelbin dhe justifikimin historik të tij, ato pasoja “antropologjike” që mbart arti avangardë.
Kështu, sipas Levi-Strauss-it, avangarda lind si një kundërshtim, një mohim i artit klasik.
Duke i ndarë kulturat në të nxehta dhe të ftohta, Levi-Strauss i klasifikon shoqëritë moderne evropiane perëndimore dhe amerikane si të nxehta, ata vazhdimisht kujtojnë historinë e tyre dhe përpiqen të mos e përsërisin atë në asgjë. Në shoqëri të tilla, mendohet se pasi të jetë shkruar një vepër, ajo nuk duhet të shkruhet për herë të dytë. Në një kulturë të ftohtë, të cilës i përkasin shumica e kulturave tradicionale lindore, ata përpiqen të riprodhojnë tekstin e përfunduar sa më të pandryshuar. Megjithëse këtu supozohet se çdo shfaqje e re mund të prezantojë variacionet e veta, grupi kryesor i klisheve standarde (formula) dhe struktura e tekstit duhet të jenë ende të pandryshuara. Megjithatë, këto tradita po vdesin para syve tanë. Nga ana tjetër, avangarda kërkon ta shndërrojë kulturën në të nxehtë.
Avant-garda minon skemën e vjetër, dhe mjaft të ngushtë (nga pozicioni i fundit të shekullit të 20-të - fillimi i shekullit të 21-të) karteziane në kuptimin e thelbit të njeriut. Sipas artit klasik, i cili kundërshtohet nga avangarda, ai u zhvillua në kuadrin e një paradigme që u shpreh qartë nga Dekarti në shekullin e 17-të. Kuptimi i njerëzimit, humanizmit, kulturës, u edukua mbi idealet e arsyes, pushtoi përfaqësuesit e artit klasik dhe në këtë fushë u krijuan një numër i madh veprash arti që korrespondonin me titullin Njeriu. Në të njëjtën kohë, arti klasik me gjuhën e tij figurative dhe mjetet shprehëse kompensoi njëanshmërinë dhe thatësinë e shkencës në zhvillimin shpirtëror të njeriut evropian. Duhet përmendur gjithashtu se edhe arti klasik formoi parimet e veta, të cilat përcaktuan paraprakisht zhvillimin e kulturës artistike. Para së gjithash, ky është konvencioni i artit, i cili gjithmonë bën të mundur dallimin midis artit dhe joartit, veçantinë e një vepre arti, që e sheh veprën me materialin dhe formën si gjënë kryesore në veprën e artistit; drejtim dhe stil që ofrojnë vazhdimësi dhe historiizëm në art. Nga ana tjetër, avangarda braktisi gjithçka ku ishte orientuar arti klasik. Por njeriu dhe atributi më i rëndësishëm i personalitetit njerëzor - spiritualiteti - mbeti një nga problemet kryesore të avangardës. Për më tepër, mund të thuhet se avangarda zgjeroi dhe pasuroi kuptimin funksional të njeriut me aspekte të reja, thelloi konceptin e artit dhe vazhdimësinë e kulturave. Dhe megjithëse avangarda shkatërroi lidhjet me klasikët dhe racionalizmin në kulturën evropiane, në të u gjet diçka që e lidh atë me mitologjike pararacionale dhe forma të tjera të kulturave të hershme, burimet e të cilave i gjejmë në Afrikë, Amerikë dhe rajone të tjera.
Pra, duke e kufizuar intelektin, avangarda i është kthyer plotësisht instinktit dhe emocionit, spontanitetit dhe spontanitetit. Modernistët e rinj pohuan kultin e një ndjeshmërie të veçantë, spontane. Hapat e parë në këtë drejtim, që u quajt surrealizëm, u shoqëruan me "çlirimin" e sensualitetit të artistit, shpirtit krijues nga besimet tradicionale. Emancipimi i sensualitetit ishte një reagim ndaj racionalizmit të kohëve moderne, një reagim ndaj primitivizmit dhe sensit të kufizuar të përbashkët të "filistit".
Arti klasik, veçanërisht piktura, edhe për shkak të harmonisë dhe harmonisë së tij të brendshme, nuk mund të shprehte super thjeshtësinë e botës. Dhe vetëm nga pikëpamja e normave të artit klasik mund të flitet "...për anomalitë e modernizmit, për mospërputhjen e manifestimeve ekstreme të tij me vetë konceptin e artit", sepse për klasikët arti modernist është i pakuptimtë.
Megjithatë, për mbështetësit konsekuentë të modernizmit, ekziston një mendim i natyrshëm, në përputhje me të cilin metodat figurative dhe lidhja e artit me format e jetës në shek. e kanë shteruar veten, se epokat e një lulëzimi të veçantë të realizmit të realitetit ishin epoka të rënies. Avangarda kërkon të shkatërrojë format tradicionale klasike, të cilat, për shkak se janë klasike, duhet të riprodhohen për çdo brez të njëpasnjëshëm.
Një nga tendencat kryesore të modernizmit ishte shkatërrimi i imazhit si një mënyrë për të hequr dorë nga arti, duke shkuar përtej kufijve të tij. Besohet se një person nuk është në gjendje të kuptojë botën dhe ta zotërojë atë në imazhe plastike, dhe të gjitha epokat realiste dhe, në përgjithësi, të gjitha fenomenet figurative të artit të së kaluarës janë të përjashtuara nga sfera e traditave të frytshme, por një traditë. është futur sipas të cilit krijimi ose njohuri artistike bota ndodh vetëm në sferat e artit modern. Modernizmi rimendon vetë themelin mbi të cilin bazohet arti klasik.
Në kuadrin e modernizmit u zbuluan dhe u zhvilluan metoda dhe mjete të reja artistike: rrjedha e ndërgjegjes, kolazhi, montazhi asociativ. Këto pajisje stilistike zbuluan një ndikim të madh në zhvillimin e artit të shekullit të kaluar.
Nga fundi i viteve 60 të shekullit XX, modernizmi filloi t'i hapë rrugën postmodernizmit. Postmodernizmi nënkupton prirje të reja që shfaqen në vetëdijen kulturore të vendeve të zhvilluara të Perëndimit. Drejtimi i përgjithshëm i këtyre ndjenjave është lufta kundër kanuneve dhe teknikave klasike.
Trendi kryesor i postmodernizmit - eklekticizmi themelor josistematik, i qëllimshëm. Kanuni i tij është mungesa e ndonjë kanuni. Postmodernistët ishin të zhgënjyer nga idealet dhe vlerat e Rilindjes dhe iluminizmit me besimin e tyre në progres, triumfin e arsyes, pafundësinë. aftësitë njerëzore. Ithtarët e postmodernizmit po përpiqen të sjellin në fushën e tyre ideologjike të gjithë përvojën e kulturës artistike botërore, por jo për qëllim iluminizmit, por për t'ia nënshtruar kësaj eksperience ironisë. Ironizmi bëhet parimi kuptimbërës i artit postmodern të mozaikut.
Në total, karakteristikat kryesore të postmodernizmit përfshijnë:
parimi i "kodimit të dyfishtë", i përbërë nga orientimi i njëkohshëm drejt masave dhe elitës;
thirrje për traditat e harruara artistike;
pluralizmi stilistik (video, ambient, ndodhi etj.);
shndërrimi në lloje groteske të përfytyrimeve artistike, ironi, iluzion;
ekspansionizëm artistik, i cili përhap dhe identifikon të kuptuarit e artit me fusha joartistike të veprimtarisë (ekologji, politikë, informatikë etj.), estetizimin e historisë dhe shkencës.
Në aspektin kulturor dhe estetik, postmodernizmi vepron si një ndjekës i avangardës, duke fshirë plotësisht kufijtë midis sferave të mëparshme të pavarura të kulturës shpirtërore dhe niveleve të vetëdijes - midis shkencës dhe të zakonshmes, "artit të lartë" dhe kulturës masive.
Postmodernizmi përforcon kalimin nga "puna" në "ndërtim", dhe metodat e njohura artistike të tij janë përmbledhja dhe citimi i mostrave kulturore, kolazhi.
Eksperimentet postmoderne sollën në jetë mjegullimin e linjave midis llojeve tradicionale dhe zhanreve të artit.
Postmodernizmi, në veçanti arti pop, karakterizohet nga detyra për të provuar mundësinë e shndërrimit të çdo objekti të realitetit në një objekt arti. Pra, përfaqësuesit e artit pop ekspozuan një mbajtëse shishe, një rrotë biçiklete, një utural si objekte për kënaqësi estetike, duke u përpjekur të dëshmojnë se bukuria mund të gjendet edhe në gjërat e përditshme, sendet shtëpiake.
Kështu, sipas teoricienëve të postmodernizmit, nuk është i rëndësishëm objekti në vetvete, por emri i tij, prandaj "hapësi i kanaçes", i paraqitur si "kushte të ekzistencës njerëzore", merr statusin e një vepre arti. Në të vërtetë, është pikërisht falë emrit që zgjohet interesi për objektin e paraqitur dhe lind dëshira për të shprehur një mendim për të, duke e interpretuar atë si një vepër arti. M. Duchamp i përkufizoi veprat e artit si më poshtë: "Çdo gjë është art nëse shkëputet nga lidhjet e saj të përditshme, ose nëse drejtoj gishtin drejt saj. Për një postmodernist, përparësia e çdo objekti të përditshëm të paraqitur si art është në origjinaliteti, autenticiteti dhe imazhi i objektit konsiderohet nga artisti si një imitim, një kopje, pa origjinalitet.
Në avangardën klasike dhe artin e fundit, i cili filloi në vitet '60 me artin pop, lindi arti i pavarur, mendimi i lirë krijues bëri rrugën e tij.
Megjithatë, qëndrimi, i cili konsiderohet postmodernist, përkatësisht: të apelosh për një audiencë të gjerë përmes asimilimit të përvojës së të gjithë kulturës botërore, nuk është një gjetje ekskluzive e artit të gjysmës së dytë të shekullit të 20-të. Gjithmonë ka qenë e rëndësishme që një artist të jetë i kuptueshëm, edhe kur shpreh personalen, subjektiven, siç bën një artist avangardë. Por një artist mund të kuptohet dhe njihet nga njerëzit vetëm nëse u drejtohet njerëzve në një formë ose në një tjetër. Siç ka treguar postmodernizmi, ekzistojnë dy forma të tilla. Kjo është kur një artist flet për vlerat universale tërësisht nga vetja, duke shprehur origjinalitetin e tij përmes formës së artit dhe materialit të një lloji të veçantë arti. Ky është pozicioni i klasikëve dhe i modernizmit të hershëm. Dhe, kur flet për të njëjtat vlera, artisti flet me citate, gjëra nga rruga, skena nga jeta. Ky është pozicioni i postmodernizmit dhe artit afër tij.
Kundërkultura e shekullit XX - Këto janë të njëjtat fakte të një lloji të ri, jo klasik, ose të kapur të pranuar ose të kapur të injoruar. Edhe nëse kundërkultura në tërësi nuk mund të konsiderohet si themeli i artit të ardhshëm, megjithatë ajo bëri të mundur një vështrim të ri në traditat e artit klasik, zbuloi themelet për formimin e traditave të reja, ktheu fytyrën e filozofëve dhe mendimtarët ndaj traditave artistike të kulturës së hershme dhe moderne të Lindjes. Estetika postmoderne gradualisht rehabiliton nuhatjen, prekjen dhe shijen - të ashtuquajturat shqisat inferiore në krahasim me ngjyrën dhe tingullin. Një imagjinatë dhe intuitë e zgjeruar i bashkangjiten përvojës së artit në të gjithë spektrin e ndjeshmërisë njerëzore. Dhe pasurimi i sensualitetit përmes sferës së artit mund të shkojë në dy mënyra: përmes teknologjive të reja që dyfishojnë dhe trefishojnë efektivitetin e shqisave, dhe përmes studimit të mëtejshëm të aftësive ekstrasensore njerëzore.
***
Në këtë mënyrë, kulturën e artitështë një komponent i rëndësishëm i kulturës totale të njerëzimit, grumbullon përvojën shpirtërore të gjeneratave të mëparshme, në art shtron dhe zgjidh problemet e ndërveprimit njerëzor me veten e tij, një person tjetër, me botën, Zotin, zgjeron horizontet e personalitetit njerëzor, kërkon të reja. format e të kuptuarit njerëzor të realitetit.
Rikthimi triumfues i pikturës klasike; Revolucioni dixhital i Andy Warhol dhe gjëra të tjera interesante që po ndodhin në botën e arteve të bukura
Arti modern nuk është më modern. Arti bashkëkohor, me të gjitha truket e tij postmoderne, u shpik një shekull më parë.
Kufomat me lëkurë të lopëve, shfaqje video - në fillim ishte emocionuese, por lind pyetja, çfarë do të ndodhë më pas. A mund të vijnë artistët me diçka edhe më abstrakte dhe të pakuptueshme se sheshi i Kazimir Malevich dhe spërkatjet e Jackson Pollock?
Mendoni jashtë kutisë- këshilloi famëkeqi Banksy. Tendencat e reja në art dhe në tregun e artit erdhën nga një drejtim i papritur.
Trendi numër 1.
Fotografi e vizatuar me dorë: kthimi në fron
Sipas kritikëve, piktura po “vdiste” deri vonë, duke u zëvendësuar nga lloje të tjera arti – video art, instalacion… Në fund të viteve 2000, situata ndryshoi në mënyrë dramatike: piktura u ringjall si zhanër.
Kufiri midis artit të bukur ("art i bukur" i bërë në mënyrën e vjetër, me një penel në telajo) dhe artit bashkëkohor (me çmendurinë dhe jokoformizmin e tij të qëllimshëm) u zhduk papritmas diku.
Spektatorët, dhe para së gjithash - vetë artistët - u mungonin tmerrësisht pikturat në kuptimin tradicional. Dhe rezulton se këtu është thënë larg gjithçkaje.
Megjithatë, për të tërhequr vëmendjen në tregun gjigant dhe të tepruar të artit, një pikturë duhet të jetë vërtet e talentuar.
Artistët çekë Svetlana Kurmaz dhe Alexander Sokht janë përfaqësues të ndritshëm të trendit të ri. Të famshëm në Evropë dhe SHBA, ata janë pothuajse të panjohur në Rusi, megjithëse vijnë nga Territori i Krasnodarit.
Çifti i martuar ka emigruar në Pragë prej kohësh. Shumë shpejt, puna e tyre fitoi sukses me komunitetin perëndimor.
Emigrantët rusë me një fat të vështirë tashmë janë përfshirë në listën e grupit më të kërkuar të pjesëmarrësve në panairet dhe bienalet prestigjioze botërore të artit.
Jo më pak falë një qasjeje të re për të bërë biznes arti - prandaj, është në shembullin e tyre që ne do të shqyrtojmë tendencat më të fundit.
Nga vetja do të them: Së fundmi kam kryqëzuar rrugët me veprat brilante të Kurmazit dhe Sokhtit dhe, pa asnjë hezitim, ju bëj thirrje që të njiheni me të. E meriton absolutisht.
Trendi numër 2.
Një revolucion i ndërfaqeve: vizatoni në një tabletë, merrni një kanavacë me vaj.
Përdorimi i gjerë i mekanikut iPad ka ndikuar seriozisht në teknologjinë e krijimit të pikturave. Për shembull, printimi frontal diasek është bërë i njohur: në një parim të ngjashëm me printimin e fotografive, bojërat aplikohen në akrilik.
Nadezhda Voronina, kritike arti:
- Alexander Sokht krijon veprat e tij në programe grafike, të cilat më pas i transferon në kanavacë, letër ose diasek. Në këtë mënyrë, teknikat inovative ndihmojnë në evoluimin e metodës krijuese.
Trendi numër 3.
Demokratizimi i tregut të artit: tani arti nuk mblidhet nga milionerë të mërzitur, por nga studentë dhe amvise të zakonshme.
Fakt befasues: vepra origjinale e një mjeshtri të famshëm tani mund të kushtojë më pak se 100 dollarë. Publiku evropian tashmë ka shijuar kënaqësitë e blerjeve të artit dhe po blen masivisht veprat e bashkëkohësve.
Demokratizimi i çmimeve për artin e lartë është veçanërisht i dukshëm në suksesin afatgjatë të panairit më të madh ndërkombëtar FASH(Panairi i Artit i përballueshëm, panair i artit i aksesueshëm)
Për organizatorët e tij, kriteri më i rëndësishëm për përzgjedhjen e punimeve është kostoja e tyre: nuk duhet të kalojë tavanin e çmimeve që disponojnë njerëzit me të ardhura mesatare.
Marketingu në epokën e copy-paste-it dhe repost-it riinterpretoi idetë e Warhol-it: fotografia tani mund të prodhohet në disa versione dhe me çmime të ndryshme.
Për shembull, veprat e të njëjtit Kurmaz dhe Sokhta janë mjaft të shtrenjta. Por ata dolën me një strategji që u lejon atyre të kapin tre kategori të ndryshme çmimesh.
Strategjia e aksesueshmërisë arrihet përmes lëshimit të botimeve të kufizuara në letër dhe kanavacë të origjinaleve të autorit.
Domethënë, një vepër mund të ekzistojë në pesë kopje, por secila prej tyre është origjinale, e cila vërtetohet me një certifikatë ndërkombëtare.
Trendi numër 5.
Galeritë tani nuk hapen nga galeristët, por nga vetë artistët.
Trendi më i rëndësishëm: galeria personale e artistëve po bëhet vendi kryesor i ndërveprimit midis pjesëmarrësve të tregut të artit. Ky është i njëjti formacion i avancuar si një dyqan i vogël, ku vetë pronari qëndron pas banakut.
Nadezhda Voronina, kritike arti
- Në qendër të Pragës, Kurmaz dhe Sokht kanë galerinë e tyre, të krijuar për të ekspozuar veten. Ndoshta kjo është një nga opsionet më të suksesshme për një galeri moderne që ekspozon dhe shet art, pasi gjithçka është shkrirë këtu - një koncept, qëllime dhe objektiva të qartë të artistit. Ky është lloji i galerisë së së ardhmes, sepse në artin modern gjithçka është thjeshtuar.
Në këtë rast, funksionon mekanika e Facebook dhe Twitter. Komunikimi i drejtpërdrejtë midis autorit dhe njohësve të veprës së tij bëhet një strategji më fituese sesa komunikimi përmes agjentëve dhe blerësve.
Konferenca
NDIKIMI I ARTIT BASHKËKOHOR NË DIZAJN
Aktualisht, për të zgjidhur problemet artistike, dizajnerët po i drejtohen artit të shekullit të 20-të, në të cilin shohin një burim idesh të reja origjinale në zhvillimin e teknikave dhe mjeteve të projektimit. Arti pasuron stilistët në një mënyrë krijuese, ndihmon në rritjen e ngarkesës së tyre emocionale. Studimi i arritjeve të artit avangardë si një fushë eksperimentale në zhvillimin e metodave dhe mjeteve artistike të krijimit imazhe artistike i lejon dizajnerët të zhvillojnë të menduarit krijues. Është e nevojshme të merren parasysh tiparet e ndikimit të artistëve abstraktë në tendencat në zhvillimin e tendencave të ndryshme stilistike në dizajn. Në të njëjtën kohë, nëse studioni tiparet e dizajnit, mund të kuptoni artin bashkëkohor, duke e shpjeguar atë me ndihmën e mjeteve të dizajnit. M. Ragon e lidh refuzimin e artit bashkëkohor me faktin se njerëzit nuk i perceptojnë veprat e artit abstrakt dhe modern. mjedisi në tërësi.
Për një vlerësim të kritikës së artit të produkteve të dizajnit, për aktivitetet praktike të stilistëve, si dhe për zhvillimin e teorisë së dizajnit mbi problemet e krijimtarisë artistike në aktivitetet e dizajnit, është e nevojshme t'i drejtohemi artit bashkëkohor dhe të identifikojmë format e ndikimit të tij. mbi dizajnin, nivelet e huamarrjes sipas projektimit të mjeteve dhe metodave të përdorura në art. Le të shqyrtojmë dizajnin e mjedisit lëndor-hapësinor nëpërmjet elementeve përbërës të artit të mëposhtëm: metodës artistike, parimeve të formësimit.
metodë artistike. Dizajni, si arti abstrakt, është një formë e pavarur e veprimtarisë krijuese. Arti abstrakt bazohet në krijimtarinë artistike të lidhur me metodën artistike. Veprimtaria e projektimit përbëhet nga krijimtaria shkencore, teknike dhe artistike, prandaj gjuha pamore e formës së projektimit formohet dhe zhvillohet në procesin e krijimtarisë artistike, shkencore dhe teknike. Krijimtaria artistike në dizajn është e lidhur me krijimtarinë racionale, konstruktive. Ky raport është përcaktues, por masa e përbërësve të tij është e ndryshme. Prandaj, në dizajn ka disa fusha të veprimtarisë së dizajnit që kanë marrëdhënie të pabarabarta me artin bashkëkohor. Shkalla e lidhjes midis dizajnit dhe artit përcaktohet nga metodat e përdorura në dizajn. Ekzistojnë tre qasje ndaj dizajnit: dizajni teknik, formësimi artistik, dizajn artistik, të cilat përkatësisht i referohen dizajnit inxhinierik, art dizajnit, dizajnit utilitar-artistik. Produkt i veprimtarisë së projektimit janë gjërat që kanë një nivel të ndryshëm vlerash artistike dhe praktike. Dizajni i artit shoqërohet me krijimin e veprave unike, me dizajnin figurative-plastike, formë arti gjërat. Ky drejtim dizajni po i afrohet krijimtarisë dekorative dhe artistike, artit bashkëkohor. Në dizajnin e artit, një gjë ngrihet nga një nivel utilitar në një nivel artistik, domethënë, varëse rrobash bëhet një lloj vepre arti. Në të njëjtën kohë, ekziston një aktivitet projektues që lidhet me "zhvillimin artistik të bazës utilitare të subjektit". Dizajneri po punon për një zgjidhje të formës figurative. Pra, veprimtaria e tij lidhet me të menduarit figurativ. Kështu, metoda e projektimit të dizajnit të artit dhe dizajnit utilitar-artistik përfshin metodën artistike që ekziston në art, të cilën Yu.B. Borev e përkufizon si një mënyrë të të menduarit figurativ.
Parimet e formësimit të huazuara nga dizajni në art. Fusha të ndryshme të artit të shekullit XX, të angazhuara në kërkimin e formave të reja të eksplorimit të botës, kanë një ndikim në zhvillimin e dizajnit në fushën e formësimit. Në dizajn, si në artin abstrakt, ndryshimet stilistike po ndodhin vazhdimisht të shoqëruara me kërkime eksperimentale, artistike. Le ta shqyrtojmë këtë çështje në shembullin e rrymave të tilla të artit bashkëkohor si pop art, op art, minimalism.
Në artin e viteve 1960 - 1980 shfaqet drejtimi konceptual i minimalizmit, "duke deklaruar dhe zbatuar në praktikë parimet e ekonomisë margjinale të" "mjeteve" vizuale dhe shprehëse. Ideja konceptuale e artistëve minimalistë për lirinë hapësinore u zhvillua në hartimin e mjedisit objekt-hapësinor, në krijimin e ambienteve minimaliste, mobiljeve minimaliste. Veprat e artistëve minimalistë janë skulptura metalike, konstruksione, kuti boshe, korniza pa piktura, forma të ndryshme gjeometrike (Fig. 1). Objektet e artit të krijuara organizohen nga një numër minimal detajesh, kanë një formë të thjeshtë, koncize, të qartë. Kombinimet monokromatike përdoren në skemat e ngjyrave. Të njëjtat mjete minimale përdoren nga projektuesit për të organizuar hapësirën, në projektimin e mobiljeve (Fig. 2, 3). Xhami i ngrirë dhe transparent, raftet e varura, dollapët, një minimum sipërfaqesh bosh, ndarjet rrëshqitëse, muret e lëmuara dhe të njëtrajtshme, nuancat e ngjyrave të bardha, gri, blu e bëjnë një dritë të brendshme minimaliste, transparente, të hapur. Mobiljet janë bërë në formën e formave gjeometrike të thjeshta, "të pastra".
Në artin e mesit të shekullit të 20-të, lindi drejtimi i artit pop, që në anglisht do të thotë art popullor. Ky drejtim shprehte idetë e shoqërisë industriale të konsumit masiv, estetikën e botës materiale të sendeve në konkretitetin dhe materialitetin e tyre. Pop-art i kundërvihej vetes abstraksionizmit jo objektiv. Punimet e pop-artit u krijuan nga elementë të prodhimit masiv (kanë birre, tapa, gozhdë, etiketa, gazeta, etj.) (Fig. 4).
Objektet e artit konsideroheshin objekte të konsumit masiv, të vendosura në një mjedis të caktuar, në një mjedis hapësinor të krijuar posaçërisht. Teoricienët e artit pop besojnë se "... në një kontekst të caktuar, çdo objekt humbet kuptimin e tij origjinal dhe bëhet një vepër arti". Artisti nuk krijon një objekt artistik, por i jep një cilësi artistike një objekti të zakonshëm. E njëjta gjë vërehet edhe në projektimin e formave të vogla arkitekturore, kur kioskat, tendat, belvederët bëhen në formë çizmesh betoni, kapele, torta apo hot dog të zmadhuara në përmasa gjigante.
pop art si drejtimi artistik, ka disa tendenca: op art (arti optik); e-art (art në lëvizje); okr-art (arti rrethues). Op arti kombinoi pop artin me traditat e abstraksionizmit gjeometrik. Kompozimet op art janë kombinime të organizuara rrathësh, vijash, pikash dhe pikash që krijojnë efekte optike interesante, iluzione hapësinore (Fig. 5).
Pop arti përdor teknikën e kolazhit, fotomontazhit, duke i kombinuar me pikturën tradicionale. Artistët përdorin një sërë materialesh, duke kombinuar materialet tradicionale me tingullin, dritën e pazakontë, efektet optike. Kompozimet krijohen duke kombinuar modele vëllimi, skulptura me imazhe planare. I njëjti kombinim i pikturës dhe relievit përdoret nga dizajnerët e brendshëm, duke krijuar efektin e shndërrimit të vëllimit ose hapësirës në një iluzion. Shembuj të tillë mund të gjenden në projektet e O. Hayek. Dizajnerët krijojnë hapësira surreale, iluzore përmes përdorimit të grafikës (supergrafike), pikturës në rrafshet e mureve brenda dhe jashtë ndërtesave dhe përdorimit të sipërfaqeve të pasqyrës. Hapësirat e pazakonta prekin një person, krijojnë një atmosferë të caktuar emocionale, ngjallin një sërë ndjenjash dhe shoqërimesh. Muralet në mure, si veprat e artistëve të artit pop, ndërthurin disa forma dhe gjendje: realja dhe piktura. Për shembull, një dritare e hapur vizatohet në një mur të vërtetë shtëpie me një tub kullimi të vërtetë (Figura 6).
Për të përfunduar dyshemenë ose muret në ambientet e brendshme të ndërtesave të banimit dhe publike, në tapiceri të mobiljeve, përdoret një model iluzion tre-dimensionale. Ndonjëherë dekorimi i murit kryhet së bashku me dyshemenë ose tavanin, dyert, mobiljet, duke arritur efektin e shkrirjes, kalimet e ndërsjella nga njëri në tjetrin. Për të zgjeruar vizualisht një hapësirë të vogël, shtoni një numër dritaresh, projektuesit përdorin një teknikë të tillë si një dritare e rreme e bërë nga një pasqyrë. Për të organizuar një hapësirë misterioze, pulsuese, për të krijuar një lojë dritëhijeje, elemente të lehta vendosen në tavan, dysheme, mure, mobilje dhe sende të brendshme.
Një tjetër mjet krijimi vepra arti pop arti është përdorimi i materialeve të pazakonta ose gjërave të vjetra, të përdorura, të thyera. Një teknikë e ngjashme ekziston në dizajnin e brendshëm, të dizajnuar në stilin e vendit, kur, përkundrazi, në të renë krijojnë efektin e sipërfaqeve të vjetra të murit ose dyshemesë, pikturave të zbehta, mobiljeve të përdorura. Ose ata krijojnë nga pajisjet e vjetra formë e re mobiljet, të tilla si një makinë qepëse e vjetër, e prishur, kthehen në një tavolinë zhveshjeje. Materialet e pazakonta përdoren ndonjëherë për dekorimin e brendshëm, të tilla si predha të pikturuara, shishe qelqi, fragmente porcelani, pasqyra, xhami. Pop-art ndikoi në kulturën vizuale, zhvillimin e mjeteve të dizajnit dhe teknikat e formësimit. Parimet estetike të artit pop janë parimet e reklamimit (dukshmëria, kapshmëria, kuptueshmëria), utilitarizmi, ndërthurja e iluzores dhe reales, me ndihmën e të cilave ushtrohet një efekt i caktuar tek shikuesi, qëllimi i "poetizimit të gjërave". ” është arritur. Të njëjtat parime janë afër disa fushave të projektimit (Fig. 7).
Materiali i diskutuar më sipër tregon se ndikimi i artit bashkëkohor në dizajn është një nga problemet e rëndësishme estetike. Studiuesit e artit dhe dizajnit bashkëkohor vërejnë se ndryshimet në botëkuptimin e lidhur me zhvillimin e shkencës dhe teknologjisë në shekullin e 20-të ndikuan në artet plastike dhe transformuan strukturën vizuale (ritmet, përmasat, ngjyra, kompozimi).
Si përfundim, duhet theksuar se në shekullin e 20-të artistët formojnë një të menduar të ri pamor, një vizion të ri të botës objektive. Artistët në pikturë, grafikë, skulpturë i drejtohen asaj që është e paarritshme për vizionin dhe riprodhimin e drejtpërdrejtë. Arti avangardë që u ngrit në fillim të shekullit të 20-të përfshinte një sërë tendencash. Disa prej tyre u përpoqën të transmetonin Bota e brendshme i një personi, gjendja e tij mendore dhe emocionet, dhe të tjerët - për të ndërtuar një realitet të ri, për të zbuluar strukturën, strukturën e gjërave, përmes të cilave të theksohet ekspresiviteti dhe përmbajtja e informacionit të realitetit përreth. Arti avangardë karakterizohet nga një vizion "kolektiv", dëshira për konventë, për tipifikim, krijimi i simboleve universale, formulave plastike të ngjeshur dhe abstraksioneve. Për shembull, në kubizëm, figurat antropomorfe mblidhen nga të njëjtat detaje nga të cilat modelohet mjedisi lëndor, domethënë ka një ngjashmëri me dizajnin, ndërtimin arkitektonik (Fig. 8, 9).
 |
 |
| Fig.8. J. Martesa. Jeta e vdekur me kitarë | Fig.9. P. Pikaso. Tre muzikantë të maskuar. 1921 . - M.: VNIITE, 1990. - 89 f.: ill. - Biblioteka e projektuesit dhe ergonomistit.
Artikuj të ngjashëm |
