Arta stradală este arta provocării. Picturile murale și graffiti-urile însuflețesc orașele, încântă sau enervează publicul. Mulți creatori de artă stradală au trecut de la pictura ilegală pe perete la faima mondială. Cele mai bune lucrări ale maeștrilor artei stradale vă sunt oferite atenției.

1. Niciodată echipaj

Nevercrew este un proiect al doi artiști din Elveția. Christian Rebecci și Pablo Togni creează compoziții care nu numai că captivează prin frumusețea lor, ci și te pun pe gânduri. Tema muncii lor este ecologia.

Pablo și Christian au mers mai întâi la aceeași școală, apoi la Academia de Pictură. Înainte ca artiștii să decidă să creeze un proiect comun, fiecare s-a angajat în sculptură, ilustrație și graffiti. Această versatilitate se observă și pe picturile murale - imaginile par voluminoase, ceea ce înseamnă că artiștii sunt capabili să aplice tehnicile dezvoltate pentru sculptură și alte genuri. Fiecare imagine lovește cu o paletă de nuanțe. Și în fiecare imagine există neapărat umbre. Acest fleac imperceptibil este cel care creează un sentiment de realitate.

Unele poze arată fantastic, încalcă orice logică. Dar în spatele fiecăruia dintre ele se află aceeași idee: natura. Artiștii ne amintesc că există animale pe pământ care au nevoie de protecția noastră. Cel mai adesea, animalele mari se etalează în desene - balene sau urși.

Dimensiunea imaginilor are, de asemenea, sens. Acestea sunt desene uriașe, lângă care o persoană ar trebui să se simtă mică. Astfel, artiștii amintesc că omul este o parte a naturii.

2. Eduardo Cobra

Brazilia este o țară în care arta stradală este apreciată chiar și de autoritățile orașului. Eduardo Cobra este un artist brazilian a cărui lucrare este admirată pentru strălucirea sa.

În munca sa, el folosește multe tehnici și se observă. Fiecare tablou a fost lucrat cele mai mici detalii. Picturile sale murale sunt adesea denumite „fotografiti”. Într-adevăr, unele dintre ele înfățișează oameni celebri cu acuratețe fotografică, de exemplu: Dali, Einstein și Lennon.

Eduardo creează picturi tridimensionale. Dar nu cele simple - volumul lor este vizibil doar dintr-un unghi. Deci este mai interesant: poți trece pe lângă imagine și poți vedea cum se schimbă imaginea în fața ochilor tăi.

3. Leșin

Swoon înseamnă „leșin” în engleză. Acesta este pseudonimul unui artist american care creează amprente cu oameni - și decorează străzile cu ele. Cel mai adesea, artistul lucrează cu locuri abandonate - clădiri vechi, poduri, scăpări de incendiu... De ce? Swoon a primit educația artistică și a simțit că nu vrea să-și „rețină” creativitatea. Nu vrea să picteze tablouri care vor rămâne închise în muzee sau galerii. Și-a dat seama că vrea să facă parte din lume. Și era o cale de ieșire: lipirea pozelor pe pereți. Actul în sine este simbolic. Aceasta este o conexiune cu lumea, schimbarea ei.

Oamenii din tablouri sunt prieteni și rude ale artistului. Alegerea portretelor nu este, de asemenea, întâmplătoare. Swoon spune că fiecare persoană este purtătoare de sentimente. Și portretul este cel care reflectă experiențele. Puteți surprinde un moment luminos - și îl puteți transfera în imagine.

4. Etham Cru

Etam Crew este pseudonimul a doi artiști polonezi. Picturile lor murale sunt uimitoare ca dimensiuni. Desene enorme din Etham Cru decorează casele din Europa de Est. Artiștii nu se vor opri acolo și plănuiesc să călătorească în toată Europa și să viziteze America.

Autoritățile poloneze i-au apreciat pe artiști pentru adevărata lor valoare - și ei înșiși le-au ordonat să picteze următoarea casă. Deci casa se transformă într-un obiect de artă. Mulți turiști, veniți în Polonia, merg într-o excursie pentru a vedea toate picturile artiștilor.

O astfel de muncă necesită mult efort și timp, dar rezultatul justifică așteptările. În opera sa, Etam Kru apelează la motivele folclorice, precum și la stilul suprarealismului.

5. Aron de la Cruz

Aron de la Cruz este un artist și designer din California. Aron este un adevărat reformator în arta graffiti-ului. Stilul lui este minimalismul. Se pare că minimalismul este posibil în arta stradală.

Artistul a devenit interesat de graffiti încă din copilărie - de la vârsta de 7 ani. Și de la 12 ani a început deja să se încerce în această chestiune. Ceea ce Aron creează acum nu este tocmai graffiti. Arta lui poate fi numită „stradă” dintr-un singur motiv - sunt desenele pe pereți. Artistul însuși nu se consideră că pictează graffiti. În același timp, recunoaște că fiecare privitor poate decide singur cum se numește această artă. Orice nume i se va potrivi.

Ce este arta? Aron spune că arta este o provocare. În primul rând, provoacă-te. De fiecare dată artistul verifică dacă poate crea o lucrare care să rezoneze în inimile oamenilor. Aron folosește un minim de materiale în munca sa. De asemenea, funcționează fără schițe. Desenează imediat. Creativitate spontană pe care o numește lucru cu emoții. Înseși sentimentele îl conduc. Iar procesul creativ devine o călătorie incitantă, pentru că cel care merge nu știe unde va duce drumul.

Aron locuiește și lucrează acum în San Francisco. Nu se teme de pereții mari - artistul se angajează să picteze cu plăcere spații uriașe. Mai mult, visează la o stradă întreagă împodobită cu lucrările sale. Și crede că în viitor își va îndeplini cu siguranță acest vis.

Opera lui Aron devine din ce în ce mai populară. Desenele sale decorează deja nu numai pereții, ci și hainele. Ornamentul minimalist de pe tricou arată elegant și neobișnuit.

6. Bordalo II

Și încă unul proiect de mediu. Bordalo este un artist portughez care folosește... gunoaie în arta sa. Pentru ce? Artistul s-a născut în 1987. El își numește epoca „timpul consumatorilor”. În țările dezvoltate, se produc mai multe bunuri decât are nevoie o persoană, lăsând în același timp o cantitate imensă de deșeuri.

Artistul spune:

„Ceea ce este un gunoi pentru unul este o comoară pentru altul.”

Și folosește deșeuri pentru a crea picturi murale care amintesc oamenilor de starea planetei.

7. Os Gemeos

Os Gemeos este un pseudonim în spatele căruia se află doi artiști. Frații Pandolfo - Otavio și Gustavo. Frații gemeni s-au născut în Brazilia. Cultura braziliană și arta populară au modelat stilul artiștilor.

Frații cred că stilul este individualitatea unei persoane. Fiecare dintre noi este special. Principalul lucru este să înțelegeți care este unicitatea voastră - și să o dezvoltați. În același timp, stilul nu ar trebui să limiteze creatorul. Nu-ți fie frică să mergi dincolo. Orice abatere de la stil este o căutare. Este important să nu stai pe loc, ci să te dezvolți și să experimentezi.

Drumul creator al fraților a început cu picturi stradale nu departe de casă. La început, pur și simplu și-au copiat artiștii de graffiti preferați, iar cu timpul au început să-și creeze propria artă. Cel mai adesea ei desenează oameni cu fața galbenă. De ce galben? Galbenul, potrivit fraților, este culoarea viselor. Plus influența culturii braziliene - cu culorile sale strălucitoare însorite.

Acum duetul Os Gemeos este popular în întreaga lume. Frații călătoresc mult și încearcă să decoreze cât mai multe orașe. Pictează nu numai pe pereți, ci și pe trenuri. Artiștii au dragoste pentru trenuri încă din copilărie. La începutul carierei, au pictat pe mașini în secret, iar acum sunt invitați să participe la proiecte de design auto.

În 2007, frații au pictat un castel medieval scoțian. În locul cel mai proeminent - un caracter galben tipic. Publicul a perceput acest proiect în mod ambiguu: unii oameni au fost încântați, alții au numit pictura nu creativitate, ci o profanare a castelului antic. Dar asta arată esența artei - nu ar trebui să lase oamenii indiferenți. Otavio și Gustavo cred că sarcina graffiti-ului, ca orice artă, este de a face o persoană să se simtă.

Artiștii participă adesea la expoziții. Dar de fiecare dată ei amintesc: ceea ce spectatorul vede în galerie nu mai poate fi numit artă stradală. Aceasta este pictură, design, orice altceva decât graffiti. Chiar dacă poza de la expoziție repetă exact imaginea de pe peretele străzii. Astfel, frații apără „puritatea” genului graffiti.

8. Gaia

Gaia este o artistă talentată din Baltimore, SUA. Gaia este zeița pământului în mitologia greacă. Ea este patrona întregii vieți de pe planetă. Acest nume i-a determinat artistului tema creativității. Gaia desenează animale. În acest fel, vrea să adauge natură peisajului urban gri. Respirați viață în orașele de piatră.

Artistul ia în serios alegerea animalului care se va arăta pe perete. Fiecare imagine are propriul ei sens. Uneori este tradițional. De exemplu, un porumbel este un simbol al păcii. Dar cel mai adesea, Gaia combină mai multe animale într-o singură imagine: un tigru cu urechi de iepure sau o girafă cu o coadă de pește.

Artistul este constant la lucru. Rutina lui zilnică este să se trezească la 9 dimineața, câteva ore libere care merg să verifice rețelele de socializare, iar apoi să lucreze până seara. Gaia lucrează la noi proiecte în fiecare zi. Iar artistul nu va uita de graffiti. Arta stradală pentru el este o modalitate de a explora lumea din jurul lui.

9.Stejar Stejar

Artist francez care creează artă stradală distractivă și creativă. El se autointitulează fie „pictor”, fie „măturător de străzi”, dar talentul se ascunde în spatele unei astfel de modestii. El știe să transforme fiecare lucru mic în artă. Scări, țevi, stâlpi, asfalt denivelat, grătare, umbre de copaci... Absolut totul.

Dacă crezi că toți marii artiști sunt în trecut, atunci nu ai idee cât de greșit ai. În acest articol, veți afla despre cei mai faimoși și talentați artiști ai timpului nostru. Și, crede-mă, lucrările lor vor sta în memoria ta nu mai puțin profund decât lucrările maestrului din epoci trecute. Wojciech Babski

Wojciech Babski este un artist polonez contemporan. Și-a terminat studiile la Institutul Politehnic din Silezia, dar s-a legat de pictură. În ultima vreme pictează mai ales femei. Se concentrează pe manifestarea emoțiilor, caută să obțină cel mai mare efect posibil prin mijloace simple.

Iubește culoarea, dar folosește adesea nuanțe de negru și gri pentru a obține cea mai bună impresie. Nu-ți este frică să experimentezi cu noi tehnici. Recent, a câștigat din ce în ce mai multă popularitate în străinătate, în special în Marea Britanie, unde își vinde cu succes lucrările, care se găsesc deja în multe colecții private. Pe lângă artă, el este interesat de cosmologie și filozofie. Ascultă jazz. În prezent locuiește și lucrează în Katowice.

Warren Chang

Warren Chang este un artist american contemporan. Născut în 1957 și crescut în Monterey, California, a absolvit magna cum laude la Art Center College of Design din Pasadena în 1981, cu o diplomă de licență în arte plastice în pictură. În următoarele două decenii, a lucrat ca ilustrator pentru diverse companii din California și New York înainte de a-și începe cariera ca artist profesionist în 2009.

Picturile sale realiste pot fi împărțite în două categorii principale: picturi interioare biografice și picturi care înfățișează oameni muncitori. Interesul său pentru acest stil de pictură își are rădăcinile în opera pictorului din secolul al XVI-lea Jan Vermeer și se extinde la obiecte, autoportrete, portrete ale membrilor familiei, prieteni, studenți, studio, clasă și interioare de casă. Scopul său este de a crea starea de spirit și emoția în picturile sale realiste prin manipularea luminii și utilizarea culorilor dezactivate.

Chang a devenit faimos după trecerea la artele vizuale tradiționale. În ultimii 12 ani, el a câștigat numeroase premii și onoruri, cea mai prestigioasă fiind Master Signature de la Oil Painters Association of America, cea mai mare comunitate de pictură în ulei din Statele Unite. Doar o persoană din 50 este onorată cu ocazia de a primi acest premiu. În prezent, Warren locuiește în Monterey și lucrează în studioul său, el predă și (cunoscut ca un profesor talentat) la Academia de Arte din San Francisco.

Aurelio Bruni este un pictor italian. Născut în Blair, 15 octombrie 1955. A absolvit cu o diplomă în scenografie la Institutul de Artă din Spoleto. Ca artist, el este autodidact, deoarece a „construit în mod independent casa cunoașterii” pe fundația așezată în școală. A început să picteze în ulei la vârsta de 19 ani. În prezent locuiește și lucrează în Umbria.

Pictura timpurie a lui Bruni își are rădăcinile în suprarealism, dar de-a lungul timpului începe să se concentreze pe apropierea romantismului liric și a simbolismului, întărind această combinație cu rafinamentul rafinat și puritatea personajelor sale. Obiectele animate și neînsuflețite capătă demnitate egală și arată aproape hiper-realiste, dar, în același timp, nu se ascund în spatele unei perdele, ci îți permit să vezi esența sufletului tău. Versatilitatea și rafinamentul, senzualitatea și singurătatea, chibzuința și rodnicia sunt spiritul lui Aurelio Bruni, hrănit de splendoarea artei și armonia muzicii.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos este un artist polonez contemporan specializat în pictura în ulei. Născut în 1970 în Gliwice, Polonia, dar din 1989 locuiește și lucrează în SUA, în orașul Shasta, California.

În copilărie, a studiat arta sub îndrumarea tatălui său Jan, artist și sculptor autodidact, așa că de la o vârstă fragedă, activitate artistică a primit sprijin deplin din partea ambilor părinți. În 1989, la vârsta de optsprezece ani, Balos a părăsit Polonia în Statele Unite, unde profesoara sa și artista cu fracțiune de normă Cathy Gaggliardi l-a încurajat pe Alcasander să se înscrie la școala de artă. Balos a primit apoi o bursă completă la Universitatea din Milwaukee Wisconsin, unde a studiat pictura cu profesorul de filozofie Harry Rosin.

După ce și-a terminat studiile în 1995 și a primit o diplomă de licență, Balos s-a mutat la Chicago pentru a merge la școală. Arte vizuale, ale cărui metode se bazează pe opera lui Jacques-Louis David. Realismul figurativ și portretele au constituit cea mai mare parte a operei lui Balos în anii 90 și începutul anilor 2000. Astăzi, Balos folosește figura umană pentru a evidenția trăsăturile și neajunsurile existenței umane, fără a oferi soluții.

Compozițiile intriga ale picturilor sale sunt destinate să fie interpretate independent de către privitor, abia atunci pânzele își vor dobândi adevăratul sens temporal și subiectiv. În 2005, artistul s-a mutat în California de Nord, de atunci sfera lucrării sale s-a extins semnificativ și acum include metode mai libere de pictură, inclusiv abstracția și diverse stiluri multimedia care ajută la exprimarea ideilor și idealurilor de a fi prin pictură.

Alyssa Monks este o artistă americană contemporană. S-a născut în 1977 în Ridgewood, New Jersey. A devenit interesată de pictură când era încă copil. A urmat cursurile New School din New York și Montclair State University și a absolvit Boston College în 1999 cu o diplomă de licență. În același timp, a studiat pictura la Academia Lorenzo Medici din Florența.

Apoi și-a continuat studiile în cadrul programului de master la New York Academy of Art, în cadrul Departamentului de Artă Figurativă, absolvind în 2001. A absolvit Fullerton College în 2006. De ceva vreme a ținut prelegeri la universități și institutii de invatamantîn toată țara, predând pictura la Academia de Artă din New York, precum și la Universitatea de Stat Montclair și la Lyme Academy College of Art.

„Folosind filtre precum sticlă, vinil, apă și abur, deformez corpul uman. Aceste filtre vă permit să creați zone mari de design abstract, cu insule de culoare care ies cu ochiul prin ele - părți ale corpului uman.

Picturile mele schimbă aspectul modern asupra ipostazei și gesturilor tradiționale deja consacrate ale femeilor care fac baie. Ei ar putea spune spectatorului atent multe despre lucruri aparent evidente de la sine, cum ar fi beneficiile înotului, dansului și așa mai departe. Personajele mele sunt lipite de geamul ferestrei cabinei de duș, deformându-și propriul corp, realizând că influențează astfel aspectul notoriu masculin al unei femei goale. Straturile groase de vopsea sunt amestecate împreună pentru a imita sticla, aburul, apa și carnea de la distanță. Totuși, de aproape, încântător proprietăți fizice vopsea cu ulei. Experimentând cu straturi de vopsea și culoare, găsesc momentul în care liniile abstracte devin altceva.

Când am început să pictez corpul uman, am fost imediat fascinat și chiar obsedat de el și am simțit că trebuie să-mi fac picturile cât mai realiste posibil. Am „profesit” realismul până când a început să se dezlege și să se deconstruiască. Acum explorez posibilitățile și potențialul unui stil de pictură în care pictura reprezentativă și abstracția se întâlnesc - dacă ambele stiluri pot coexista în același timp, o voi face.

artist italian - observator al timpului„- Antonio Finelli s-a născut pe 23 februarie 1985. În prezent trăiește și lucrează în Italia, între Roma și Campobasso. Lucrările sale au fost expuse în mai multe galerii din Italia și din străinătate: Roma, Florența, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York și pot fi găsite și în colecții private și publice.

Desene in creion " Observatorul timpului» Antonio Finelli ne trimite într-o călătorie eternă prin lumea interioara temporalitatea umană și analiza riguroasă a acestei lumi asociată acesteia, al cărei element principal este trecerea în timp și urmele pe care le pune pe piele.

Finelli pictează portrete ale oamenilor de orice vârstă, sex și naționalitate, ale căror expresii faciale indică trecerea în timp, iar artistul speră să găsească și dovezi ale necruțării timpului asupra trupurilor personajelor sale. Antonio își definește lucrările ca una, denumirea comună: „Autoportret”, pentru că în desenele sale în creion el nu numai că înfățișează o persoană, dar permite privitorului să contemple rezultate reale trecerea timpului în interiorul unei persoane.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni este o artistă italiană în vârstă de 37 de ani, fiica unui diplomat. Ea are trei copii. Doisprezece ani a trăit la Roma, trei ani în Anglia și Franța. A primit o diplomă în istoria artei la BD School of Art. Apoi a primit o diplomă în specialitatea restaurator de opere de artă. Înainte de a-și găsi chemarea și de a se dedica în totalitate picturii, a lucrat ca jurnalist, colorist, designer și actriță.

Pasiunea Flaminiei pentru pictură a apărut în copilărie. Mediul ei principal este uleiul pentru că iubește „coiffer la pate” și, de asemenea, se joacă cu materialul. Ea a învățat o tehnică similară în lucrările artistului Pascal Torua. Flaminia este inspirată de marii maeștri ai picturii precum Balthus, Hopper și François Legrand, precum și din diverse mișcări artistice: arta stradală, realismul chinezesc, suprarealismul și realismul renascentist. Artistul ei preferat este Caravaggio. Visul ei este să descopere puterea terapeutică a artei.

Denis Chernov este un artist ucrainean talentat, născut în 1978 în Sambir, regiunea Lviv, Ucraina. După ce a absolvit Colegiul de Artă din Harkov în 1998, a rămas la Harkov, unde locuiește și lucrează în prezent. A studiat și la Harkov academiei de stat design și arte, catedra de grafică, absolvită în 2004.

El participă în mod regulat la Expoziții de artă, pe acest moment erau peste şaizeci, atât în ​​Ucraina, cât şi în străinătate. Majoritatea lucrărilor lui Denis Chernov sunt păstrate în colecții private din Ucraina, Rusia, Italia, Anglia, Spania, Grecia, Franța, SUA, Canada și Japonia. Unele dintre lucrări au fost vândute la Christie's.

Denis lucrează într-o gamă largă de tehnici de grafică și pictură. Desenele în creion sunt una dintre metodele sale preferate de pictură, lista de subiecte a desenelor sale în creion este de asemenea foarte diversă, pictează peisaje, portrete, nuduri, compoziții de gen, ilustrații de carte, reconstituiri literare și istorice și fantezii.

Iruvan Karunakaran

Iruvan Karunakaran este un artist indian care pictează picturi realiste bazate pe satul indian. Esența nepretențioasă a Indiei rurale prinde viață în lucrările sale.

Arta Iruvan - redări meticuloase, dar complicate ale scenelor viata la tara, străzi, diverse amintiri ale vechimii satului, oameni care săvârșesc ritualuri sau absorbiți de rutina zilnică care este adânc înrădăcinată în sângele sătenilor. Opera sa de artă realistă, realizată folosind un cuțit de paletă, te va uimi de fiecare dată când o vei privi.

„Venind din Madurai, Tamil Nadu, în sat, mă bucur de senzația de absență a timpului în sat și de liniștea oamenilor. În calitate de locuitor urban care locuiește în Hyderabad de mai bine de un deceniu, sunt fascinat de împletirea complicată a istoricului și modernului pe care o vezi în unele dintre cele mai emblematice locuri din India. Străzile mă inspiră cel mai mult. Ei vin de undeva și pleacă în altă parte...

Există un sentiment ca și cum ai sta într-un punct numit astăzi, cu ieri la spate și mâine în față. Oamenii tind spre străzi și drumuri... vor să ajungă „undeva” și „ceva” de făcut. Personajele picturilor mele pot fi oricine: un bărbat care trage un cărucior - doar s-a resemnat cu dificultățile vieții... un negustor ocupat care se încăpățânează să se îndrepte spre obiectivul său... o ricșă de motociclete singuratică sau un biciclist... o femeie în vârstă vinde flori și un câine somnoros care se odihnește în ciuda zgomotului... mișcarea continuă și schimbarea străzilor îi face pe oameni să se simtă vii. Există un loc mai bun pentru a urmări viața decât pe străzi?”

Vasili Hribennikov

Numele artistului Vasily Ivanovich Gribennikov este bine cunoscut unei game largi de colecționari de artă din Rusia, Europa, SUA și China. Pictura sa este un exemplu viu al continuării tradițiilor școlii clasice a marilor maeștri ruși. Vasily Ivanovici s-a născut în 1951 în satul Zavetnoye, regiunea Rostov.

Baza pentru ascensiunea la înălțimi profesionale a fost educația artistică. În 1974 a absolvit departamentul de artă și grafică din Kuban universitate de stat. Dezvoltarea abilităților naturale ale artistului și îmbunătățirea abilităților tehnice dobândite în anii de studiu au fost facilitate de munca creativă activă, care a continuat și după absolvirea universității. Astăzi, experiența dobândită de pictor îi permite să aplice liber la diferite genuri pictură, creează peisaje și naturi moarte, lucrează în genul istoric.

Dacă crezi că toți marii artiști sunt în trecut, atunci nu ai idee cât de greșit ai. În acest articol, veți afla despre cei mai faimoși și talentați artiști ai timpului nostru. Și, crede-mă, lucrările lor vor sta în memoria ta nu mai puțin profund decât lucrările maestrului din epoci trecute.

Wojciech Babski

Wojciech Babski este un artist polonez contemporan. Și-a terminat studiile la Institutul Politehnic din Silezia, dar s-a conectat cu pictura. În ultima vreme pictează mai ales femei. Se concentrează pe manifestarea emoțiilor, caută să obțină cel mai mare efect posibil prin mijloace simple.

Iubește culoarea, dar folosește adesea nuanțe de negru și gri pentru a obține cea mai bună impresie. Nu-ți este frică să experimentezi cu noi tehnici. Recent, a câștigat din ce în ce mai multă popularitate în străinătate, în special în Marea Britanie, unde își vinde cu succes lucrările, care se găsesc deja în multe colecții private. Pe lângă artă, el este interesat de cosmologie și filozofie. Ascultă jazz. În prezent locuiește și lucrează în Katowice.

Warren Chang

Warren Chang este un artist american contemporan. Născut în 1957 și crescut în Monterey, California, a absolvit magna cum laude la Art Center College of Design din Pasadena în 1981, cu o diplomă de licență în arte plastice în pictură. În următoarele două decenii, a lucrat ca ilustrator pentru diverse companii din California și New York înainte de a-și începe cariera ca artist profesionist în 2009.

Picturile sale realiste pot fi împărțite în două categorii principale: picturi interioare biografice și picturi care înfățișează oameni muncitori. Interesul său pentru acest stil de pictură își are rădăcinile în opera pictorului din secolul al XVI-lea Jan Vermeer și se extinde la obiecte, autoportrete, portrete ale membrilor familiei, prieteni, studenți, studio, clasă și interioare de casă. Scopul său este de a crea starea de spirit și emoția în picturile sale realiste prin manipularea luminii și utilizarea culorilor dezactivate.

Chang a devenit faimos după trecerea la artele vizuale tradiționale. În ultimii 12 ani, el a câștigat numeroase premii și onoruri, cea mai prestigioasă fiind Master Signature de la Oil Painters Association of America, cea mai mare comunitate de pictură în ulei din Statele Unite. Doar o persoană din 50 este onorată cu ocazia de a primi acest premiu. În prezent, Warren locuiește în Monterey și lucrează în studioul său, el predă și (cunoscut ca un profesor talentat) la Academia de Arte din San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni este un pictor italian. Născut în Blair, 15 octombrie 1955. A absolvit cu o diplomă în scenografie la Institutul de Artă din Spoleto. Ca artist, el este autodidact, deoarece a „construit în mod independent casa cunoașterii” pe fundația așezată în școală. A început să picteze în ulei la vârsta de 19 ani. În prezent locuiește și lucrează în Umbria.

Pictura timpurie a lui Bruni își are rădăcinile în suprarealism, dar de-a lungul timpului începe să se concentreze pe apropierea romantismului liric și a simbolismului, întărind această combinație cu rafinamentul rafinat și puritatea personajelor sale. Obiectele animate și neînsuflețite capătă demnitate egală și arată aproape hiper-realiste, dar, în același timp, nu se ascund în spatele unei perdele, ci îți permit să vezi esența sufletului tău. Versatilitatea și rafinamentul, senzualitatea și singurătatea, chibzuința și rodnicia sunt spiritul lui Aurelio Bruni, hrănit de splendoarea artei și armonia muzicii.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos este un artist polonez contemporan specializat în pictura în ulei. Născut în 1970 în Gliwice, Polonia, dar din 1989 locuiește și lucrează în SUA, în orașul Shasta, California.

În copilărie, a studiat arta sub îndrumarea tatălui său Jan, artist și sculptor autodidact, așa că de la o vârstă fragedă, activitatea artistică a primit sprijin deplin din partea ambilor părinți. În 1989, la vârsta de optsprezece ani, Balos a părăsit Polonia în Statele Unite, unde profesoara sa și artista cu fracțiune de normă Cathy Gaggliardi l-a încurajat pe Alcasander să se înscrie la școala de artă. Balos a primit apoi o bursă completă la Universitatea din Milwaukee Wisconsin, unde a studiat pictura cu profesorul de filozofie Harry Rosin.

După ce și-a terminat studiile în 1995 cu o diplomă de licență, Balos s-a mutat la Chicago pentru a studia la Școala de Arte Frumoase, ale cărei metode se bazează pe opera lui Jacques-Louis David. Realismul figurativ și portretele au constituit cea mai mare parte a operei lui Balos în anii 90 și începutul anilor 2000. Astăzi, Balos folosește figura umană pentru a evidenția trăsăturile și neajunsurile existenței umane, fără a oferi soluții.

Compozițiile intriga ale picturilor sale sunt destinate să fie interpretate independent de către privitor, abia atunci pânzele își vor dobândi adevăratul sens temporal și subiectiv. În 2005, artistul s-a mutat în California de Nord, de atunci sfera lucrării sale s-a extins semnificativ și acum include metode mai libere de pictură, inclusiv abstracția și diverse stiluri multimedia care ajută la exprimarea ideilor și idealurilor de a fi prin pictură.

Alyssa Monks

Alyssa Monks este o artistă americană contemporană. S-a născut în 1977 în Ridgewood, New Jersey. A devenit interesată de pictură când era încă copil. A urmat cursurile New School din New York și Montclair State University și a absolvit Boston College în 1999 cu o diplomă de licență. În același timp, a studiat pictura la Academia Lorenzo Medici din Florența.

Apoi și-a continuat studiile în cadrul programului de master la New York Academy of Art, în cadrul Departamentului de Artă Figurativă, absolvind în 2001. A absolvit Fullerton College în 2006. Ea a ținut scurt prelegeri la universități și instituții de învățământ din întreaga țară și a predat pictura la Academia de Artă din New York, precum și la Universitatea de Stat Montclair și la Colegiul de Artă a Academiei Lyme.

„Folosind filtre precum sticlă, vinil, apă și abur, deformez corpul uman. Aceste filtre vă permit să creați zone mari de design abstract, cu insule de culoare care ies cu ochiul prin ele - părți ale corpului uman.

Picturile mele schimbă aspectul modern asupra ipostazei și gesturilor tradiționale deja consacrate ale femeilor care fac baie. Ei ar putea spune spectatorului atent multe despre lucruri aparent evidente de la sine, cum ar fi beneficiile înotului, dansului și așa mai departe. Personajele mele sunt lipite de geamul ferestrei cabinei de duș, deformându-și propriul corp, realizând că influențează astfel aspectul notoriu masculin al unei femei goale. Straturile groase de vopsea sunt amestecate împreună pentru a imita sticla, aburul, apa și carnea de la distanță. De aproape, însă, proprietățile fizice uimitoare ale vopselei în ulei devin evidente. Experimentând cu straturi de vopsea și culoare, găsesc momentul în care liniile abstracte devin altceva.

Când am început să pictez corpul uman, am fost imediat fascinat și chiar obsedat de el și am simțit că trebuie să-mi fac picturile cât mai realiste posibil. Am „profesit” realismul până când a început să se dezlege și să se deconstruiască. Acum explorez posibilitățile și potențialul unui stil de pictură în care pictura reprezentativă și abstracția se întâlnesc - dacă ambele stiluri pot coexista în același timp, o voi face.

Antonio Finelli

artist italian - observator al timpului„- Antonio Finelli s-a născut pe 23 februarie 1985. În prezent trăiește și lucrează în Italia, între Roma și Campobasso. Lucrările sale au fost expuse în mai multe galerii din Italia și din străinătate: Roma, Florența, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York și pot fi găsite și în colecții private și publice.

Desene in creion " Observatorul timpului» Antonio Finelli ne trimite într-o călătorie eternă prin lumea interioară a temporalității umane și analiza riguroasă a acestei lumi asociată acesteia, al cărei element principal este trecerea prin timp și urmele pe care le provoacă pe piele.

Finelli pictează portrete ale oamenilor de orice vârstă, sex și naționalitate, ale căror expresii faciale indică trecerea în timp, iar artistul speră să găsească și dovezi ale necruțării timpului asupra trupurilor personajelor sale. Antonio își definește lucrările cu un singur titlu, general: „Autoportret”, deoarece în desenele sale în creion el nu înfățișează pur și simplu o persoană, ci permite privitorului să contemple rezultatele reale ale trecerii timpului în interiorul unei persoane.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni este o artistă italiană în vârstă de 37 de ani, fiica unui diplomat. Ea are trei copii. Doisprezece ani a trăit la Roma, trei ani în Anglia și Franța. A primit o diplomă în istoria artei la BD School of Art. Apoi a primit o diplomă în specialitatea restaurator de opere de artă. Înainte de a-și găsi chemarea și de a se dedica în totalitate picturii, a lucrat ca jurnalist, colorist, designer și actriță.

Pasiunea Flaminiei pentru pictură a apărut în copilărie. Mediul ei principal este uleiul pentru că iubește „coiffer la pate” și, de asemenea, se joacă cu materialul. Ea a învățat o tehnică similară în lucrările artistului Pascal Torua. Flaminia este inspirată de marii maeștri ai picturii precum Balthus, Hopper și François Legrand, precum și din diverse mișcări artistice: arta stradală, realismul chinezesc, suprarealismul și realismul renascentist. Artistul ei preferat este Caravaggio. Visul ei este să descopere puterea terapeutică a artei.

Denis Chernov

Denis Chernov este un artist ucrainean talentat, născut în 1978 în Sambir, regiunea Lviv, Ucraina. După ce a absolvit Colegiul de Artă din Harkov în 1998, a rămas la Harkov, unde locuiește și lucrează în prezent. De asemenea, a studiat la Academia de Stat de Design și Arte din Harkov, Departamentul de Grafică, a absolvit în 2004.

El participă în mod regulat la expoziții de artă, în prezent fiind mai mult de șaizeci, atât în ​​Ucraina, cât și în străinătate. Majoritatea lucrărilor lui Denis Chernov sunt păstrate în colecții private din Ucraina, Rusia, Italia, Anglia, Spania, Grecia, Franța, SUA, Canada și Japonia. Unele dintre lucrări au fost vândute la Christie's.

Denis lucrează într-o gamă largă de tehnici de grafică și pictură. Desenele în creion sunt una dintre metodele sale preferate de pictură, lista de subiecte a desenelor sale în creion este de asemenea foarte diversă, pictează peisaje, portrete, nuduri, compoziții de gen, ilustrații de carte, reconstituiri literare și istorice și fantezii.

Iruvan Karunakaran

Iruvan Karunakaran este un artist indian care pictează picturi realiste bazate pe satul indian. Esența nepretențioasă a Indiei rurale prinde viață în lucrările sale.

Arta lui Iruvan este reprezentări meticuloase, dar complicate ale scenelor vieții satului, străzi, diverse amintiri ale antichității satului, oameni care efectuează ritualuri sau absorbiți de rutina zilnică care este adânc înrădăcinată în sângele sătenilor. Opera sa de artă realistă, realizată folosind un cuțit de paletă, te va uimi de fiecare dată când o vei privi.

„Venind din Madurai, Tamil Nadu, în sat, mă bucur de senzația de absență a timpului în sat și de liniștea oamenilor. În calitate de locuitor urban care locuiește în Hyderabad de mai bine de un deceniu, sunt fascinat de împletirea complicată a istoricului și modernului pe care o vezi în unele dintre cele mai emblematice locuri din India. Străzile mă inspiră cel mai mult. Ei vin de undeva și pleacă în altă parte...

Există un sentiment ca și cum ai sta într-un punct numit astăzi, cu ieri la spate și mâine în față. Oamenii tind spre străzi și drumuri... vor să ajungă „undeva” și „ceva” de făcut. Personajele picturilor mele pot fi oricine: un bărbat care trage un cărucior - doar s-a resemnat cu dificultățile vieții... un negustor ocupat care se încăpățânează să se îndrepte spre obiectivul său... o ricșă de motociclete singuratică sau un biciclist... o femeie în vârstă vinde flori și un câine somnoros care se odihnește în ciuda zgomotului... mișcarea continuă și schimbarea străzilor îi face pe oameni să se simtă vii. Există un loc mai bun pentru a urmări viața decât pe străzi?”

Baza pentru ascensiunea la înălțimi profesionale a fost educația artistică. În 1974 a absolvit departamentul de artă și grafică a Universității de Stat din Kuban. Dezvoltarea abilităților naturale ale artistului și îmbunătățirea abilităților tehnice dobândite în anii de studiu au fost facilitate de munca creativă activă, care a continuat și după absolvirea universității. Astăzi, experiența dobândită de pictor îi permite să se aplice liber la diferite genuri de pictură, să creeze peisaje și naturi moarte și să lucreze în genul istoric.