Utjecaj savremene umjetnosti na dizajn. Trendovi u razvoju savremene umjetnosti: modernizam i postmodernizam
Po definiciji, savremena umjetnost je umjetnost koja se može promatrati u vremenskom periodu u kojem je nastala. Sada u dvorištu prva polovina 21. veka. Postoje li opći trendovi s umjetnošću drugih epoha, postoje li obrasci u razvoju? Ovo su pitanja na koja ću pokušati da odgovorim, kao osoba koja poznaje istoriju umetnosti.
Alphonse Mucha. "Godišnja doba".
Opšti trendovi u razvoju savremene umetnosti:
1. Običaji društva uvijek implicitno utiču na formiranje stilova u umjetnosti.2. Svaki stil prolazi kroz nekoliko faza (rađanje, procvat, pad).
3. Jedan stil uvijek uzrokuje pojavu sljedećeg ne samo duž vertikalne vodilice, već i svih vrsta grana - stilskih oblika.
Aubrey Beardsley. "Pjeroova smrt".
Razmotrite stilove MODERNE ere na konkretnom primjeru.1. Kada, gdje i kako je nastala modernost (od francuske riječi moderne - moderan). U 19. veku bio je savremen generaciji ljudi koji su živeli u to doba. Stil nije nastao tek tako, obično se svaki novi pravac javlja kao jak argument da više ne odražava duh vremena, estetske potrebe ljudi. Moderna je zamijenila eklekticizam. Odlikuje se sofisticiranošću oblika i u različite zemlje imala svoja imena: Art Nouveau (u Francuskoj), Jürgenstiel (u Njemačkoj) itd. Eklekticizam je, pak, bio vrhunac romantičnog stila (Francuska revolucija), ali na prvi pogled nije donio ništa novo u umjetnost. Cijela era eklekticizma je živjela, generirajući ideje iz različitih prethodnih stilova (ova suptilna točka se mora zapamtiti). Naravno, Art Nouveau je postao svojevrsni iskorak u razvoju svjetske umjetnosti. Nudio je sofisticirane forme ne samo u odjeći, namještaju, arhitekturi, već iu urbanističkom planiranju općenito. Emocionalno i ideološki, Art Nouveau se oslanjao na gotiku (sjetite se francuskih katedrala), ali je bio demokratičniji, a glatkoća linija činila je ovaj pravac jedinstvenim. Najviša tačka u razvoju stila Art Nouveau naziva se dekadencija. Dekadencija se dugo smatrala bolesnim slijepim crijevom (poput upaljenog slijepog crijeva) kroz povijest umjetnosti, s dobrim razlogom.
2. Epohe i običaji. Art Nouveau, sa svom svojom elegancijom i živopisnom estetikom, skrivao je vanjske manifestacije negativnosti u bilo kojem stanju. Kada je sve okolo dotjerano, ne primjećujete prljavštinu, iako je ima u izobilju. Secesija je bila neka vrsta prelijepog omota za popunjavanje svih poroka čovječanstva, koje je živjelo sredinom 19. stoljeća. Ali, prije ili kasnije, strasti počnu ključati u društvu, a vrhunac tog ključanja bila je bolna dekadencija. Da bi podjela bila barem relativno jasna, definirajmo je na sljedeći način: Alphonse Mucha i njegove estetske mlade dame - Modern, Aubrey Beardsley i njegovi zlobni fauni - Decadence.
3. Nije slučajno da su ovi posebni trendovi u svjetskoj umjetnosti uzeti za proučavanje. Danas imaju najdirektniji odnos. U Rusiji je još uvijek postojao "moderni a la russe", čiji se najsjajniji predstavnik može smatrati Viktorom Vasnjecovim. Kasnije, nakon revolucije 1917. godine, postojala je ruska avangarda, zatim socijalistički realizam i mnoštvo drugih stilova, ali danas svi živimo u POSTMODERNOM eru, koje se zasniva na tri stuba: eklekticizmu, modernosti i dekadenciji. Ono što je rodilo modernu postalo je glavna baza za postmodernu.
Haljina štampana sa djelima Alphonsea Mucha. Postmoderno doba.
Moral društva je takav da ne može a da ne utiče na formiranje umjetničkih stilova i unose u umjetnost ne samo svoju energiju, već i sve poroke tog vremena. Citiranje prethodnih era ubilo je eklekticizam u svoje vrijeme, zamijenivši ga najprogresivnijim modernim. A ljepotu secesije oskrnavila je dekadencija. U tom smislu gledamo na postmodernu. Umjetnici besramno preuzimaju ideje iz svih epoha, kultura bilo kojeg naroda, miješaju ih i sintetizuju, izdajući ih kao svoje izume. Da budemo skrupulozni, to će se nazvati plagijatom (krađom), ali to je jedan od osnovnih principa postmoderne ere, ne samo u umjetnosti, već i u običnim ljudskim odnosima. Krađa nije bila sramota i nije sramota – bilo je uobičajeno. Osim toga, sve se to dešava u pozadini tehnološkog napretka. Uglavnom, postmoderna - digitalizacija kreativni razvoj svih generacija planete Zemlje je u nekoj vrsti eklektičnog delirijuma. Poroci koji su bili svojstveni eri dekadencije nisu otišli nikuda, pogoršali su se: droga, vječni alkohol, promiskuitet u seksualnim odnosima. Ovaj članak nije napisao osuđivač ljudskih poroka, već samo suvi konstatator stvarnosti i stručnjak za istoriju umjetnosti.
Inspiracija.
Najteža tema za istraživanje. Dolazi iznenada iz dubine podsvijesti i nestaje na isti način - ponekad bez traga. Može li moderna stvarnost inspirirati stvaranje umjetničkog remek-djela u primijenjenoj umjetnosti? Mislim da je to sasvim moguće, čak i ako zanemarimo sve glavne propise postmoderne:
Diskonsenzus je nespremnost da se pronađe razumno rješenje. Vječno zaoštreni sukob ne samo generacija, već i svih strana u interakciji.
Diskretnost je poricanje očiglednog napretka na mreži.
Nestabilnost - sve, uvek, u svim sferama života.
Slučajnost - izbor bilo koje odluke, sastanak u vremenskom periodu, faktor nužnosti (umjesto neplaniranog elementa).
Igra je zamjena za sve stvarno, duboko, iskreno.
Anarhija je negacija svake hijerarhije, što je veoma važno za razumevanje postupaka ljudi.
Rasipanje - odsustvo centra radnje, misli, srži ideje.
Neizvjesnost je nesposobnost da se pravilno formuliraju želje, potrebe, često nemogućnost izgradnje logičkih lanaca.
Estetika polu-bilo čega, pod-umjesto visokog ukusa. Drugim riječima, ukus je u prvom planu.
Virtuelna stvarnost, koja nastoji da zameni stvarni život.
Ismijavanje vrijednosti bilo kojeg doba, ali istovremeno korištenje istih vrijednosti, jer nove nisu stvorene.
Oni koji uspijevaju živjeti po principima usađenim od djetinjstva (ako je obrazovanje ipak bilo), obdareni su mnogo većom duhovnošću i potrebom da tu duhovnost dijele. Ovi ljudi ne doživljavaju samoubilačke krize, formiraju svoj emocionalni prostor i u stanju su vremenom da ponude nešto novo u razvoju ne samo društva, već i kulture, vizualna umjetnost, narodni zanati, zasnovani na iskustvu prethodnih generacija i ne trpeći poroke tog vremena. Ali takvi umjetnici su u manjini. U svijetu čistogana teško je proglašavati kulturne manifeste.
© Marina Ovchinnikova
P.S. Članak se može preporučiti za distribuciju na Internetu s jedinom svrhom da ljudima pruži priliku da shvate ideološke vrijednosti doba u kojem su imali nesreću živjeti. Autorstvo se mora sačuvati, jer je autor spreman da i sam odgovara za napisane riječi, ne prebacujući ovaj teret na ramena drugih ljudi.
Najočigledniji problem savremena umetnost manifestiraju se kada se sagleda nastanak i funkcioniranje takvih područja umjetničke kulture kao što su modernizam i postmodernizam.
Pojava modernosti kao promjena svjetonazora savremeni čovek, kao novi odnos prema životu, jasno je izražen u umjetničkoj kulturi i umjetnosti našeg vremena povezan s novim realnostima koje je donio početak dvadesetog stoljeća: vrhunac klasnih ratova, revolucija, prve Svjetski rat koja je opustošila ljudsku dušu, uništila i tamnu i svijetlu stranu života, što je dovelo do rascjepa svijeta u kojem se čovjek ne može pronaći. Lišavanje tradicije, želja za stalnim novitetom posljedica je cijepanja svijeta, fragmentacije ljudskog "ja", neravnoteže unutrašnjih suštinskih temelja. ljudski život. Takvo viđenje svijeta, cijepanje, "cijepanje" prisutni su i u umjetničkom životu.
Modernizam je umjetnikova unutrašnja reakcija na svjetski sukob, potragu za vlastitim Ja u ovom razjedinjenom svijetu. Često se u modernizmu umjetnik trudi ne toliko da postigne harmoniju forme i sadržaja, koliko da pokaže unutrašnje značenje umjetnikovog osjećaja svijeta, pa čak i neku ružnoću. Čovek je čulno rastrgan, jer je svet rastrgan. Umjetnost, koja odražava takvo stanje čovjeka, umjetnika, također je rastvorena, ne odgovara nam u potrazi za harmonijom, ne daje nam taj sklad, ali, s druge strane, umjetnost svojom kreativnošću postavlja problem harmonije.
Razvoj modernizma, kao pravca, moguć je u stalnoj suprotnosti tradicije. Tradicija je uvijek prisutna u modernosti, barem kao opozicija ovom trendu.
Fenomen modernizma i avangardne umjetnosti još uvijek izaziva rasprave među istraživačima o njegovom vrijednosnom opterećenju, suštini i povijesnoj opravdanosti, onim „antropološkim“ posljedicama koje nosi avangardna umjetnost.
Dakle, prema Levi-Straussu, avangarda nastaje kao opozicija, negacija klasične umjetnosti.
Deleći kulture na tople i hladne, Levi-Stros klasifikuje moderna zapadnoevropska i američka društva kao vruća, ona se stalno sećaju svoje istorije i trude se da je ne ponove ni u čemu. U takvim društvima postoji mišljenje da jednom napisano djelo ne treba pisati drugi put. U hladnoj kulturi, kojoj pripada većina tradicionalnih, istočnjačkih kultura, oni nastoje reproducirati gotov tekst što je moguće nepromijenjeniji. Iako se ovdje pretpostavlja da svaka nova izvedba može unijeti svoje varijacije, glavni skup standardnih klišea (formula) i struktura teksta i dalje bi trebali ostati nepromijenjeni. Međutim, ove tradicije umiru pred našim očima. Avangarda, s druge strane, nastoji da kulturu pretvori u vruću.
Avangarda podriva staru, i prilično usku (sa pozicije kraja 20. veka - početka 21. veka) kartezijansku shemu u razumevanju suštine čoveka. Prema klasičnoj umjetnosti, kojoj se suprotstavlja avangarda, ona se razvila u okviru paradigme koju je jasno izrazio Descartes još u 17. stoljeću. Razumijevanje čovječanstva, humanizma, kulture, odgajani su na idealima razuma, zaokupljali su predstavnike klasične umjetnosti i na ovom polju nastao je veliki broj umjetničkih djela koja su odgovarala tituli čovjeka. Istovremeno, klasična umjetnost je svojim figurativnim jezikom i izražajnim sredstvima kompenzirala jednostranost i suhoću scijentizma u duhovnom razvoju evropskog čovjeka. Treba napomenuti i da je i klasična umjetnost formirala svoje principe, koji su unaprijed odredili razvoj umjetničke kulture. Prije svega, to je konvencija umjetnosti, koja uvijek omogućava razlikovanje umjetnosti od ne-umetnosti, jedinstvenost umjetničkog djela, koja vidi rad s materijalom i formom kao glavnu stvar u stvaralaštvu umjetnika; pravac i stil koji obezbeđuju kontinuitet i istoricizam u umetnosti. Avangarda je, s druge strane, napustila sve ono čemu je bila orijentirana klasična umjetnost. Ali čovjek i najvažniji atribut ljudske ličnosti - duhovnost - ostao je jedan od glavnih problema avangarde. Štaviše, može se reći da je avangarda proširila i obogatila funkcionalno razumijevanje čovjeka novim aspektima, produbila koncept umjetnosti i kontinuiteta kultura. I premda je avangarda uništila veze s klasikom i racionalizmom u evropskoj kulturi, u njoj se našlo nešto što je povezuje s predracionalnim mitološkim i drugim oblicima ranih kultura, čije izvore nalazimo u Africi, Americi i druge regije.
Dakle, ograničivši intelekt, avangarda se potpuno vratila instinktu i emocijama, spontanosti i spontanosti. Novi modernisti su zastupali kult posebnog, spontanog senzibiliteta. Prvi koraci u tom pravcu, koji je nazvan nadrealizmom, bili su povezani sa „oslobađanjem“ senzualnosti umetnika, kreativne duše od tradicionalnih verovanja. Emancipacija senzualnosti bila je reakcija na racionalizam modernog vremena, reakcija na primitivizam i ograničeni zdrav razum "filistera".
Klasična umjetnost, a posebno slikarstvo, čak ni zbog svog unutrašnjeg sklada i harmonije, nije mogla izraziti svjetsku super empatiju. I samo sa stanovišta normi klasične umjetnosti može se govoriti „...o anomalijama modernizma, o nedosljednosti njegovih ekstremnih manifestacija sa samim pojmom umjetnosti“, jer je za klasike modernistička umjetnost besmislena.
Međutim, za dosljedne pristalice modernizma postoji inherentno mišljenje, u skladu s kojim su figurativne metode i veze umjetnosti s oblicima života u dvadesetom stoljeću. iscrpili sebe, da su epohe posebnog procvata realizma stvarnosti bile epohe opadanja. Avangarda nastoji da uništi tradicionalne klasične forme, koje se, budući da su klasične, moraju reproducirati za svaku narednu generaciju.
Jedan od glavnih trendova modernizma bilo je uništavanje slike kao načina odricanja od umjetnosti, prevazilaženja njenih granica. Vjeruje se da osoba nije u stanju shvatiti svijet i ovladati njime u plastičnim slikama, a iz sfere plodnih tradicija isključene su sve realističke ere i općenito sve figurativne pojave umjetnosti prošlosti, već tradicija. uvodi se prema kojem tvorba ili umjetničko znanje svijet se javlja samo u sferama moderne umjetnosti. Modernizam preispituje same temelje na kojima se temelji klasična umjetnost.
U okviru modernizma otkrivaju se i razvijaju nove umjetničke metode i sredstva: tok svijesti, kolaž, asocijativna montaža. Ova stilska sredstva otkrila su ogroman uticaj na razvoj umetnosti prošlog veka.
Od kraja 60-ih godina XX veka, modernizam je počeo da ustupa mesto postmodernizmu. Postmodernizam označava nove trendove koji se pojavljuju u kulturnoj samosvijesti razvijenih zemalja Zapada. Opšti pravac ovih osećanja je borba protiv kanona i klasičnih tehnika.
Glavni trend postmodernizma - temeljni nesistematski, namjerni eklekticizam. Njen kanon je odsustvo bilo kakvog kanona. Postmodernisti su se razočarali u ideale i vrijednosti renesanse i prosvjetiteljstva svojom vjerom u napredak, trijumf razuma, beskonačnost ljudske sposobnosti. Zagovornici postmodernizma nastoje da u svoje ideološko polje prenesu cjelokupno iskustvo svjetske umjetničke kulture, ali ne u svrhu prosvjetiteljstva, već u svrhu podvrgavanja ovog iskustva ironiji. Ironizam postaje značenjski princip mozaičke postmoderne umjetnosti.
Sve u svemu, glavne karakteristike postmodernizma uključuju:
princip "dvostrukog kodiranja", koji se sastoji od istovremene orijentacije prema masama i eliti;
pozivanje na zaboravljene umjetničke tradicije;
stilski pluralizam (video, okruženje, hepening, itd.);
pretvaranje u groteskne vrste umjetničkih slika, ironiju, iluziju;
umjetnički ekspanzionizam, koji širi i poistovjećuje razumijevanje umjetnosti sa neumjetničkim područjima djelovanja (ekologija, politika, informatika itd.), estetizacija historije i nauke.
U kulturnom i estetskom smislu, postmodernizam djeluje kao sljedbenik avangarde, potpuno brišući granice između dotadašnjih nezavisnih sfera duhovne kulture i nivoa svijesti – između naučnog i običnog, „visoke umjetnosti“ i masovne kulture.
Postmodernizam učvršćuje prijelaz sa "rada" na "konstrukciju", a njegove prepoznatljive umjetničke metode su kompilacija i citiranje kulturnih uzoraka, kolaž.
Postmoderni eksperimenti oživjeli su brisanje linija između tradicionalnih tipova i žanrova umjetnosti.
Postmodernizam, posebno pop art, karakterizira zadatak dokazivanja mogućnosti transformacije bilo kojeg predmeta stvarnosti u predmet umjetnosti. Tako su predstavnici pop arta izložili držač za flaše, točak bicikla, pisoar kao predmete za estetski užitak, pokušavajući da dokažu da se ljepota može pronaći i u svakodnevnim stvarima, predmetima za domaćinstvo.
Tako, prema teoretičarima postmodernizma, nije važan sam predmet, već njegovo ime, pa stoga „otvarač za konzerve“, predstavljen kao „uslovi ljudske egzistencije“, dobija status umetničkog dela. Doista, upravo se zahvaljujući imenu budi interesovanje za predstavljeni predmet i javlja se želja da se o njemu izrazi mišljenje, tumačeći ga kao umjetničko djelo. M. Duchamp je ovako definisao umjetnička djela: "Svaka stvar je umjetnost ako je istrgnuta iz svojih svakodnevnih veza, ili ako upirem prstom u nju. Za postmodernistu, prednost svakog svakodnevnog predmeta predstavljenog kao umjetnost je u njegovoj originalnost, autentičnost i sliku predmeta umetnik smatra imitacijom, kopijom, lišenom originalnosti.
U klasičnoj avangardi i najnovijoj umjetnosti, koja je započela 60-ih s pop artom, nastala je nezavisna umjetnost, probila se slobodna kreativna misao.
Međutim, stav koji se smatra postmodernističkim, a to je: apelirati na široku publiku kroz asimilaciju iskustva cjelokupne svjetske kulture, nije ekskluzivno otkriće umjetnosti druge polovine 20. stoljeća. Za umjetnika je uvijek bilo važno da bude razumljiv, čak i kada izražava lično, subjektivno, kao što to čini avangardni umjetnik. Ali umjetnika ljudi mogu razumjeti i prepoznati samo ako se obraća ljudima u ovom ili onom obliku. Kao što je postmodernizam pokazao, postoje dva takva oblika. To je kada umjetnik govori o univerzalnim vrijednostima potpuno iz sebe, izražavajući svoju originalnost kroz umjetničku formu i materijal određene vrste umjetnosti. Ovo je pozicija klasike i ranog modernizma. A, kada se govori o istim vrednostima, umetnik govori citatima, stvarima sa ulice, scenama iz života. To je pozicija postmodernizma i umjetnosti koja mu je bliska.
Kontrakultura XX veka - To su iste činjenice novog, neklasičnog tipa, ili uhvaćene prihvaćene ili uhvaćene ignorisane. Čak i ako se kontrakultura u cjelini ne može smatrati temeljem buduće umjetnosti, ona je ipak omogućila novi pogled na tradiciju klasične umjetnosti, otkrila temelje za formiranje novih tradicija, vratila obraz filozofima i mislilaca umjetničkim tradicijama rane i moderne kulture Istoka. Postmoderna estetika postepeno rehabilituje miris, dodir i ukus – takozvana inferiorna čula u odnosu na boju i zvuk. Iskustvu umjetnosti u cijelom spektru ljudskog senzibiliteta vezana je proširena mašta i intuicija. A obogaćivanje senzualnosti kroz sferu umjetnosti može ići na dva načina: kroz nove tehnologije koje udvostručuju i utrostručuju djelotvornost osjetila i kroz dalje proučavanje ljudskih ekstrasenzornih sposobnosti.
***
Na ovaj način, likovne kulture je važna komponenta ukupne kulture čovječanstva, akumulira duhovno iskustvo prethodnih generacija, u umjetnosti postavlja i rješava probleme čovjekove interakcije sa samim sobom, drugom osobom, svijetom, Bogom, širi vidike ljudske ličnosti, traži novo oblici ljudskog poimanja stvarnosti.
Trijumfalni povratak klasičnog slikarstva; digitalna revolucija Andyja Warhola i druge radoznale stvari koje se događaju u svijetu likovne umjetnosti
Moderna umjetnost više nije moderna. Savremena umjetnost, sa svim svojim postmodernim trikovima, izmišljena je prije jednog stoljeća.
Oguljeni leševi krava, video performansi - u početku je bilo uzbudljivo, ali postavlja se pitanje šta dalje. Mogu li umjetnici smisliti nešto još apstraktnije i nerazumljivije od trga Kazimira Maleviča i prskanja Jacksona Pollocka?
Razmišljajte izvan okvira- savjetovao je ozloglašeni Banksy. Novi trendovi u umjetnosti i umjetničkom tržištu došli su iz neočekivanog smjera.
Trend broj 1.
Ručno nacrtana slika: povratak na tron
Slika je, po mišljenju kritičara, donedavno „umirala“, zamjenjivali su je druge vrste umjetnosti – video umjetnost, instalacija... Krajem 2000-ih situacija se dramatično promijenila: slika je ponovo oživjela kao žanr.
Granica između likovne umjetnosti („likovne umjetnosti“ rađene na starinski način, kistom na platnu) i suvremene umjetnosti (s namjernim ludilom i nekoformizmom) odjednom je negdje nestala.
Gledaocima, a prije svega - samim umjetnicima - užasno su nedostajale slike u tradicionalnom smislu. I ispostavilo se da je ovdje rečeno daleko od svega.
Međutim, da bi privukla pažnju na gigantskom, prezasićenom tržištu umjetnina, slika mora biti zaista talentirana.
Češki umjetnici Svetlana Kurmaz i Alexander Sokht sjajni su predstavnici novog trenda. Poznati u Evropi i SAD-u, u Rusiji su gotovo nepoznati, iako potiču iz Krasnodarskog kraja.
Bračni par je davno emigrirao u Prag. Vrlo brzo, njihov rad je postigao uspjeh u zapadnoj zajednici.
Ruski emigranti teške sudbine sada su uvršteni na listu najtraženijih učesnika prestižnih svetskih sajmova i bijenala.
Ne samo zahvaljujući novom pristupu umjetničkom poslovanju – stoga ćemo upravo na njihovom primjeru razmatrati najnovije trendove.
Od sebe ću reći: nedavno sam se raskrstio sa briljantnim djelima Kurmaza i Sokhta i, bez ikakvog ustručavanja, pozivam vas da se upoznate s tim. Apsolutno to zaslužuje.
Trend broj 2.
Revolucija interfejsa: crtate na tabletu, dobijate platno sa uljem.
Široka upotreba iPad mehaničara ozbiljno je utjecala na tehnologiju stvaranja slika. Na primjer, dijasec frontalni tisak je postao popularan: po principu sličnom štampanju fotografija, boje se nanose na akril.
Nadežda Voronina, likovni kritičar:
- Alexander Sokht svoje radove stvara u grafičkim programima, koje potom prenosi na platno, papir ili dijasek. Na taj način, inovativne tehnike pomažu evoluciji kreativne metode.
Trend broj 3.
Demokratizacija tržišta umjetnosti: umjetnost sada ne skupljaju milioneri kojima je dosadno, već obični studenti i domaćice.
Iznenađujuća činjenica: originalni rad poznatog majstora sada može koštati manje od 100 dolara. Evropska publika je već okusila užitke umjetničkog šopinga i masovno otkupljuje djela suvremenika.
Demokratizacija cijena visoke umjetnosti posebno je uočljiva u dugogodišnjem uspjehu najvećeg međunarodnog sajma AAF(Sajam pristupačne umjetnosti, pristupačan sajam umjetnosti)
Za njegove organizatore, najvažniji kriterij za odabir radova je njihova cijena: ne bi trebala prelaziti gornju granicu cijene koja je dostupna osobama prosječnog prihoda.
Marketing u eri copy-paste i repost-a reinterpretirao je Warholove ideje: slika se sada može proizvesti u nekoliko verzija i po različitim cijenama.
Na primjer, djela istog Kurmaza i Sokhte prilično su skupa. Ali smislili su strategiju koja im omogućava da uhvate tri različite cjenovne kategorije.
Strategija pristupačnosti ostvaruje se izdavanjem ograničenih izdanja na papiru i platnima autorskih originala.
Odnosno, djelo može postojati u pet primjeraka, ali svaki od njih je original, što je potvrđeno međunarodnim certifikatom.
Trend broj 5.
Galerije sada ne otvaraju galeristi, već sami umjetnici.
Najvažniji trend: lična galerija umjetnika postaje glavno mjesto interakcije između učesnika na tržištu umjetnosti. Ovo je ista napredna formacija kao mala radnja, u kojoj sam vlasnik stoji iza pulta.
Nadežda Voronina, likovna kritičarka
- U centru Praga, Kurmaz i Sokht imaju svoju galeriju, stvorenu da sami izlažu. Možda je ovo jedna od najuspješnijih opcija za modernu galeriju koja izlaže i prodaje umjetnost, jer je ovdje sve spojeno - jasan koncept, ciljevi i zadaci umjetnika. Ovo je tip galerije budućnosti, jer je u modernoj umetnosti sve pojednostavljeno.
U ovom slučaju, mehanika Facebooka i Twittera funkcionira. Direktna komunikacija između autora i poznavalaca njegovog rada postaje dobitnija strategija od komunikacije preko agenata i kupaca.
Konferencije
UTICAJ SAVREMENE UMJETNOSTI NA DIZAJN
Trenutno se za rješavanje umjetničkih problema dizajneri okreću umjetnosti 20. stoljeća, u kojoj izvor novih originalnih ideja vide u razvoju dizajnerskih tehnika i alata. Umjetnost obogaćuje dizajnere na kreativan način, pomaže u povećanju njihovog emocionalnog naboja. Proučavanje dostignuća avangardne umjetnosti kao eksperimentalnog polja u razvoju umjetničkih metoda i sredstava stvaranja umjetničke slike omogućava dizajnerima da razviju kreativno razmišljanje. Potrebno je razmotriti karakteristike utjecaja apstraktnih umjetnika na trendove u razvoju različitih stilskih pravaca u dizajnu. U isto vrijeme, ako proučavate karakteristike dizajna, možete razumjeti suvremenu umjetnost, objašnjavajući je uz pomoć dizajnerskih alata. M. Ragon odbacivanje savremene umjetnosti povezuje s činjenicom da ljudi ne percipiraju djela apstraktne umjetnosti i moderne umjetnosti. okruženje kao cjelina.
Za procjenu povijesti umjetnosti dizajnerskih proizvoda, za praktične aktivnosti dizajnera, kao i za razvoj teorije dizajna o problemima umjetničkog stvaralaštva u dizajnerskim djelatnostima, potrebno je okrenuti se savremenoj umjetnosti i identificirati oblike njenog utjecaja. o dizajnu, nivoi pozajmljivanja dizajnom sredstava i metoda korištenih u umjetnosti. Razmotrimo oblikovanje predmetno-prostornog okruženja kroz sljedeće sastavne elemente umjetnosti: likovni metod, principe oblikovanja.
umjetnička metoda. Dizajn je, kao i apstraktna umjetnost, samostalan oblik kreativne aktivnosti. Apstraktna umjetnost temelji se na umjetničkoj kreativnosti povezanoj s umjetničkim metodom. Dizajnerska djelatnost se sastoji od naučnog, tehničkog i umjetničkog stvaralaštva, pa se vizualni jezik dizajnerske forme formira i razvija u procesu umjetničkog i naučno-tehničkog stvaralaštva. Umjetnička kreativnost u dizajnu povezana je s racionalnom, konstruktivnom kreativnošću. Ovaj odnos je određujući, ali je mera njegovih komponenti drugačija. Dakle, u dizajnu postoji nekoliko oblasti dizajnerske delatnosti koje imaju neravnopravan odnos sa savremenom umetnošću. Stepen povezanosti dizajna i umjetnosti određen je metodama koje se koriste u dizajnu. Postoje tri pristupa dizajnu: tehničko oblikovanje, umjetničko oblikovanje, umjetnički dizajn, koji se, respektivno, odnose na inženjerski dizajn, umjetnički dizajn, utilitarno-umjetnički dizajn. Proizvod dizajnerske djelatnosti su stvari koje imaju različit nivo umjetničke i praktične vrijednosti. Likovni dizajn povezuje se sa stvaranjem unikatnih radova, sa dizajnom figurativno-plastike, umjetnička forma stvari. Ovaj smjer dizajna približava se dekorativnoj i umjetničkoj kreativnosti, suvremenoj umjetnosti. U umjetničkom dizajnu stvar se uzdiže od utilitarne do umjetničke razine, odnosno vješalica postaje svojevrsno umjetničko djelo. Istovremeno, postoji i dizajnerska aktivnost povezana s "umjetničkim razvojem utilitarne osnove predmeta". Dizajner radi na rješenju figurativnog oblika. Dakle, njegova aktivnost je povezana sa figurativnim razmišljanjem. Dakle, sastav dizajnerske metode umjetničkog dizajna i utilitarno-umjetničkog dizajna uključuje umjetnički metod koji postoji u umjetnosti, a koji Yu.B. Borev definira kao način figurativnog mišljenja.
Principi oblikovanja, pozajmljeni dizajnom u umjetnosti. Različite oblasti umetnosti XX veka, koje se bave potragom za novim oblicima istraživanja sveta, utiču na razvoj dizajna u oblasti oblikovanja. U dizajnu, kao iu apstraktnoj umjetnosti, stalno se događaju stilske promjene povezane s eksperimentalnim, umjetničkim traganjima. Razmotrimo ovo pitanje na primjeru takvih strujanja suvremene umjetnosti kao što su pop art, op art, minimalizam.
U umjetnosti 1960-ih - 1980-ih pojavljuje se konceptualni pravac minimalizma, "deklarisanje i implementacija u praksi principa marginalne ekonomije" vizuelnih i ekspresivnih "sredstava". Konceptualna ideja minimalističkih umjetnika o prostornoj slobodi razvijena je u dizajnu objektno-prostornog okruženja, u kreiranju minimalističkih interijera, minimalističkog namještaja. Radovi minimalističkih umjetnika su metalne skulpture, konstrukcije, prazne kutije, okviri bez slika, razni geometrijski oblici (sl. 1). Stvoreni umjetnički objekti organizirani su od minimalnog broja detalja, imaju jednostavnu, sažetu, jasnu formu. U shemama boja koriste se monokromatske kombinacije. Ista minimalna sredstva dizajneri koriste za organizaciju prostora, u dizajnu namještaja (sl. 2, 3). Matirano i prozirno staklo, viseće police, ormari, minimum slijepih površina, klizne pregrade, glatki i ujednačeni zidovi, nijanse bijele, sive, plave boje čine minimalistički interijer svijetlim, providnim, otvorenim. Namještaj je izrađen u obliku jednostavnih, "čistih" geometrijskih oblika.
U umjetnosti sredine 20. stoljeća nastao je pravac pop arta, što na engleskom znači popularna umjetnost. Ovaj pravac izražavao je ideje industrijskog društva masovne potrošnje, estetiku materijalnog svijeta stvari u njihovoj konkretnosti i materijalnosti. Pop art se suprotstavio neobjektivnom apstrakcionizmu. Pop art radovi nastali su od elemenata masovne proizvodnje (limenke piva, čepovi, ekseri, etikete, novine, itd.) (Sl. 4).
Umjetničkim predmetima smatrani su predmeti masovne potrošnje, smješteni u određenom okruženju, u posebno kreiranom prostornom okruženju. Teoretičari pop arta smatraju da "...u određenom kontekstu svaki predmet gubi svoje izvorno značenje i postaje umjetničko djelo". Umjetnik ne stvara umjetnički predmet, već običnom objektu daje umjetnički kvalitet. Isto se primjećuje i kod oblikovanja malih arhitektonskih formi, kada se kiosci, tende, sjenice izrađuju u obliku betonskih čizama, šešira, kolača ili hrenovki uvećanih do gigantskih veličina.
pop art like umjetnički smjer, ima nekoliko trendova: op art (optička umjetnost); e-art (pokretna umjetnost); okr-art (umjetnost okruženja). Op art je spojio pop art sa tradicijom geometrijskog apstrakcionizma. Op art kompozicije su organizovane kombinacije krugova, linija, tačaka i tačaka koje stvaraju zanimljive optičke efekte, prostorne iluzije (sl. 5).
Pop art koristi tehniku kolaža, fotomontaže, kombinujući ih sa tradicionalnim slikarstvom. Umjetnici koriste različite materijale, kombinirajući tradicionalne materijale sa neobičnim zvukom, svjetlom, optički efekti. Kompozicije nastaju kombinovanjem zapreminskih modela, skulptura sa ravnim slikama. Istu kombinaciju slikanja i reljefa koriste dizajneri interijera, stvarajući efekt pretvaranja volumena ili prostora u iluziju. Takvi primjeri se mogu naći u projektima O. Hayeka. Dizajneri stvaraju nadrealne, iluzorne prostore korištenjem grafike (supergrafike), slikanja na zidnim ravnima unutar i izvan zgrada i korištenjem zrcalnih površina. Neobični prostori utiču na osobu, stvaraju određenu emocionalnu atmosferu, izazivaju razne osjećaje i asocijacije. Murali na zidovima, poput djela pop art umjetnika, spajaju nekoliko oblika i stanja: stvarno i oslikano. Na primjer, otvoreni prozor je nacrtan na zidu prave kuće sa pravom odvodnom cijevi (slika 6).
Za završetak poda ili zidova u unutrašnjosti stambenih i javnih zgrada, u presvlakama namještaja, koristi se iluzorni trodimenzionalni uzorak. Ponekad se zidna dekoracija izvodi zajedno s podom ili stropom, vratima, namještajem, postizanjem efekta fuzije, međusobnih prijelaza s jednog na drugi. Da biste vizualno proširili mali prostor, dodajte nekoliko prozora, dizajneri koriste lažni prozor napravljen od ogledala. Da bi se organizirao misteriozan, pulsirajući prostor, da bi se stvorila igra svjetla i sjene, svjetlosni elementi postavljaju se u strop, pod, zidove, namještaj i predmete interijera.
Još jedno sredstvo stvaranja Umjetnička djela pop art je korištenje neobičnih materijala ili starih, korištenih, pokvarenih stvari. Slična tehnika postoji u dizajnu interijera, dizajniranom u seoskom stilu, kada, naprotiv, u novom stvaraju efekt ostarjelih zidnih ili podnih površina, izblijedjelih murala, korištenog namještaja. Ili stvaraju od stare opreme nova forma namještaj, poput stare, pokvarene šivaće mašine, pretvara se u toaletni stočić. Za uređenje interijera ponekad se koriste neobični materijali, poput oslikanih školjki, staklenih boca, ulomaka porculana, ogledala, stakla. Pop art je utjecao na vizualnu kulturu, razvoj dizajnerskih alata i tehnika oblikovanja. Estetski principi pop arta su principi oglašavanja (vidljivost, privlačnost, razumljivost), utilitarizam, kombinacija iluzornog i stvarnog, uz pomoć kojih se vrši određeni učinak na gledatelja, cilj „poetizacije stvari ” se postiže. Isti principi su bliski nekim oblastima dizajna (slika 7).
Gore navedeni materijal pokazuje da je utjecaj suvremene umjetnosti na dizajn jedan od važnih estetskih problema. Istraživači savremene umjetnosti i dizajna primjećuju da su promjene u svjetonazoru povezane s razvojem nauke i tehnologije u 20. stoljeću utjecale na plastiku i transformisale vizuelnu strukturu (ritmove, proporcije, boju, kompoziciju).
U zaključku treba napomenuti da umjetnici u 20. stoljeću formiraju novo vizualno mišljenje, novu viziju objektivnog svijeta. Umjetnici u slikarstvu, grafici, skulpturi okreću se onome što je nedostupno direktnoj viziji i reprodukciji. Avangardna umjetnost koja je nastala početkom 20. stoljeća uključivala je različite trendove. Neki od njih su pokušali da prenesu unutrašnji svet osobe, njenog mentalnog stanja i emocija i drugih - da se izgradi nova stvarnost, da se otkrije struktura, struktura stvari, kroz koje se naglašava ekspresivnost i informativnost okolne stvarnosti. Avangardnu umjetnost karakterizira "kolektivna" vizija, želja za konvencijom, za tipizacijom, stvaranjem univerzalnih simbola, komprimiranih plastičnih formula i apstrakcija. Na primjer, u kubizmu se antropomorfne figure sklapaju od istih detalja od kojih se modelira predmetno okruženje, odnosno postoji sličnost sa dizajnom, arhitektonskom konstrukcijom (sl. 8, 9).
 |
 |
| Fig.8. J. Brak. Mrtva priroda sa gitarom | Fig.9. P. Picasso. Tri maskirana muzičara. 1921 . - M.: VNIITE, 1990. - 89 str.: ilustr. - Biblioteka dizajnera i ergonoma.
povezani članci |
