Dvije priče i prilično detektivski kraj.
Markinova priča o Kabakovu, čije radove redovno kupuje, i fascinantan odgovor Kabakovih, u kojima je umetnikova porodica jednostavno udavila kolekcionara Markina u sopstvenom govnu.

1. Markinova priča.
U poseti Ilji Kabakovu

Počnimo sa
da sam celo veče povraćao ribu
pažljivo pripremila Emilia Kabakova

Sada, redom
prije nego što me zamoli za 350.000 dolara za sponzorstvo
Majstorova nećaka je pokazala šta rade
desetine pažljivo izrađenih maketa spomenika i instalacija.
Njihovo trenutno poslovanje
učestvuju na takmičenjima
i realizovati velike projekte
vredan nekoliko miliona dolara, ako se osvoji.
Projekti su generalno dobri.
ali nisu napravljeni radi stvaranja remek-djela
ali za istu dobit.

Među onim što sam video:

1. Krila, kao u mojoj kolekciji,
proizvedeno u liniji od strane dva angažovana asistenta
teško je i zamisliti koliki je ukupni tiraž

2. Ima nekoliko stolica na lageru, iste kao i moje,
izdao dodatno izdanje od 5 komada, samo 10, možda i više.

A ipak dva sata od Njujork nije propao
Gospodar je razgovarao sa nama 40 minuta
i, možda, rekao ono glavno.

Obećali su i predavanje u Muzeju u avgustu
samo ne uznemiren zbog 350 hiljada

2. A evo i neverovatnog odgovora Emilije Kabakove:

Emilia Kabakov je poslala odgovor na opis njegove posete Igora Markina (ovde na IZO, ovde na ruskom na Markinom blogu) i zamolila me da ga objavim; Drago mi je da to uradim.

Dragi Igore,
Žao mi je što si se razbolio. Nije da verujem u to. Ili bi možda trebalo manje piti?
Samo želim da kažem da "definitivno ne vredi pokazivati ​​umetnost nekome poput tebe. Nisi u stanju da je vidiš, nisi u stanju da je razumeš, nisi u stanju da je ceniš. Vidiš samo dolare u svemu.
Da, radimo velike projekte. Da, učestvujemo na takmičenjima, ali nikada ništa nismo radili za novac. Javni projekti nikada nemaju milione dolara u budžetu.
I za razliku od vas, mi poštujemo umjetnost, kulturu, druge ljude. Ali onda radimo sa ljudima, sa umetnošću i sa kulturnim institucijama.
Nadam se da ti je bolje.

Za one koji ne govore engleski, sve ovo je prevedeno na moskovski jezik ovako:

Dragi Igore,
Jako mi je žao što ti je pozlilo. Mada ja baš ne verujem u to. Možda samo trebate manje piti? Samo želim da kažem da definitivno ne treba da pokazuješ umetnost ljudima poput tebe. Ne možete to da vidite, razumete i niste u stanju da to cenite. U svemu vidite samo dolar. Da, radimo velike projekte. Da, učestvujemo na takmičenjima, ali nikada ništa nismo radili za novac. Javni projekti nikada nisu imali milionske budžete. I za razliku od vas, mi poštujemo umjetnost, kulturu, druge ljude. Ali onda radimo s ljudima, s umjetnošću i kulturnim institucijama.
Nadam se da ti je bolje.

Dozvolite mi da iznesem svoje skromno mišljenje o ovom veoma vrijednom epistolarnom spomeniku ruske misli:
Markonovo pismo:
1. Grub, sarkastičan, ironičan.
2. Markin je previše oštar i iskren.
3. Markin ne poštuje opšteprihvaćene norme učtivosti i učtivosti.
4. Markinovo pismo otkriva komercijalne tajne Emilije Kabakov, a istovremeno sadrži i zamjerku njezinoj pretjeranoj ljubavi prema novcu, što je štetno za njega, Markina, kao kolekcionara, jer umnožavanje predmeta umanjuje njihovu vrijednost, a Markin je već kupio brojne Kabakovljeve objekte i to, inače, za velike pare.

Emilyin odgovor:
1. Sadrži recipročno nehumano pljuvanje u predmet trovanja.
2. Sadrži optužbu za pijanstvo.
3. Emilia se pretvara da je nezainteresovana za novac. Uostalom, jedan umjetnički predmet je napravljen radi umjetnosti, ali njihovo repliciranje, kao i zahtjevi za sponzorstvo, samo je radi novca. Čudno je kada ljudi govore o svojoj ravnodušnosti prema novcu prema osobi kojoj je već prodata umjetnička roba za veliki novac, a od koje se traži i veliko sponzorstvo.
4. Sadrži niz grubih ličnih napada, i očigledno objektivno nezasluženih, jer Markin nije samo kreator prvog muzeja u Rusiji savremena umetnost, ali i kupac dela samog Kabakova, kao i niza dela drugih umetnika, koje, kao što znate, sam Kabakov veoma ceni.

Ishod:
Za mene je bila očekivana grubost i direktnost Markina, koji ne krije ljubav prema novcu.
Ali za mene su šokantno iznenađenje još veća grubost Emilije Kabakove i njena neuvjerljiva uvjeravanja o njenoj ravnodušnosti prema novcu.
Oduvijek sam se prema Kabakovima odnosio na isti način kao i prema Grojevima, smatrajući ih suptilnim intelektualcima, nesposobnim za licemjerje i bezobrazluk. Ako se rafinirani intelektualac pljuje, on ne može odgovoriti još snažnijim pljuvanjem. Nešto nije u redu u našem kraljevstvu umjetnosti...

Ilya Kabakov. Mora se reći da je prijedlog da se organizira izložba u paru – naša i Lissitzkyjev – koji je svojedobno iznijela direkcija Ajndhovena, naravno, isprva suludo uplašio i iznenadio. Sve je govorilo da je ovaj susret potpuno nemoguć, da je to bio susret ljudi koji su bili stranci po duhu. Činjenica je da u našem mentalnom stanju pripadamo sasvim drugom periodu života u sovjetskoj zemlji.

A mene u to vrijeme – 1950-1980, kada smo živjeli u SSSR-u – nisam ni zanimao – nije bilo simpatija, moglo bi se reći, za avangardu, osim nekog apstraktnog poštovanja. Nisam imao osjećaj da nastavljam estetsko ili sadržajno značenje onoga što se zvalo ruska avangarda. U obrazovanju smo imali potpuni privremeni neuspjeh, kao što je poznato, jer za sovjetski narod avangarda uopće nije postojala – ni u obrazovnom, ni u muzejskom prostoru. Za mene je to bilo potpuno nestalo doba. To je isto kao da kažete da imate neku vrstu odnosa sa antikom. Nije bilo antike, došlo je do gubitka jezika i gubitka smisla onoga što se govorilo u ovoj antici. Živjeli smo, kako je tada izgledalo, u zauvijek zaustavljenom vremenu. I postojao je potpuno formiran (konačno, kako smo vjerovali) sovjetski službeni jezik Sovjetska umjetnost. Naše obrazovanje je u potpunosti zaobišlo ne samo rusku avangardu, već i čitav zapadni 20. vek. Živjeli smo u nekom totalu Sovjetska instalacija, koji je postavljen za mnogo milenijuma unapred; svima je bilo jasno da se ona neće promeniti. Ovim želim reći da nije bilo nade za takav susret sa avangardom. Ali kada na vas "padne" tako neobično ambiciozna ponuda susreta sa klasicima...

Lissitzky je radio na stvaranju novog jezika u Vitebsku zajedno sa Malevičem. Poenta je da čovečanstvo treba da progovori adekvatno u novoj eri u koju je ušlo u 20. veku i da konačno od ovih velikih umetnika dobije onaj vizuelni jezik kojim se može i treba govoriti ne samo u Rusiji ili Engleskoj, već na celom svetu. Universal novi jezik za nove ljude.

Ovaj jezik se vezuje za priliv, kako bi sada rekli, „sudar“ geometrije na ceo svet umetnosti, na čitav njen obim i žanrove, uključujući arhitekturu, tipografiju itd. To je invazija geometrijskih oblika u organski oblici - zaobljeni i antropomorfni. To je dijelom ono što je Rodčenko rekao svojim učenicima: „Spustite četke, olovke, uzmite ravnalo, šestar i nacrtajte...“ Ovaj gest je direktno povezan s dominacijom ravne linije i jasne geometrije općenito u razmišljanju. Najkraći put je u pravoj liniji. Ovaj „pravi“ put je takođe povezan sa idejom da se svet kreće sve brže i brže.

[…]

Ko je novi čovek u konceptu ruske avangarde? To je kontinuirani kreator. O čemu Rodčenko piše: „Pravim šolju, ali ne znam šta ću raditi sutra, jer će se već pojaviti druga ideja o drugom meni.” To je kao trajna kreativnost (kao permanentna revolucija).

[…]

Svijet bi se trebao sastojati od kreativnih, ali, naravno, upravljanja ljudima. Zanimljivo je da menadžeri imaju na umu svoje zaposlene u menadžmentu. Ali one koje će transformisati, oni praktično ne vide. U određenom smislu, ovo je uređaj za dvorište. Ja sam pastir ili agronom u laboratoriji, ali sve ostalo - životinje, biljke - je sav materijal koji ću obraditi.

Ovaj razgovor o nečovječnosti (prvi put koristim ovu riječ), ovaj antihumanistički, destruktivni momenat ugrađen je u najavangardniji projekat stvaranja novog ljudskog tvorca. Ostatak čovječanstva, koji živi u ovom svijetu, odjednom ostaje izvan zagrada.

Fenomen moći koji je tajno prisutan u prvom planu - i najstrašniji - je pravo da se preuzme inicijativa za stvaranje novi svijet i upravljajte time.

Olga Sviblova. […] Niko ne zna gde, ali krećemo. Postoji osjećaj da moramo ići naprijed. Danas, kada je ovaj vektor kretanja nestao, kada se tu i tamo naginjemo, interesovanje za rusku avangardu se udvostručilo. Šta mislite zašto se dešava da svet ne vidi ovu drugu stranu ruske avangarde i drugu stranu najvećeg Lisickog, koji nam je kreirao blokove, elemente, kao u Lego kockama, tako da ne samo deca, već i ceo svet bi igrao u njima? Preispitao je stvarnu vizuelnu stvarnost, ali je zaboravio ljudski sadržaj.

Ilya Kabakov. To se dogodilo ne samo sa konceptom "ruske avangarde". To je prijelaz sa prijelaza iz 19. u 20. vek, kada se menja tip umetnika, samosvest umetnika. Prije toga, umjetnik je bio uslužno osoblje. Učestvovao je u izvođenju onih radova koje su mu naručili drugi ljudi, druge organizacije, ili pojedinci, ili crkva, ili država.

Ova autonomizacija umjetnika od kupca, od onog "drugog" s kojim mora komunicirati, proizvodi nevjerovatno snažne promjene u umjetnikovoj psihi. Umjetnik od izvođača postaje genije. Odnosno, stvorenje koje apsolutno nikome ni na koji način ne duguje.

Emilia Kabakova. I ne odgovara ni za šta.

Ilya Kabakov. Sve ostalo je prekriveno maglom. Transformacija umjetnika iz izvođača u genija je vrlo važna mutacija. Prava mutacija na antropološkom nivou.

Pojava Cezannea na umjetničkom horizontu bio je najvažniji događaj u svijetu umjetnosti. Evo ovih nedovršenih "prljavih" kvadrata... Sad sam, naravno, ironičan, jer ga oboževam na isti način kao i prije. Ali veoma je važno da se pojava amatera i pronalazača sopstvenog vizuelnog sistema, različitog od akademske škole, pokazala kao važan korak ka oslobađanju umetnika od svakojakih kriterijuma umetničke tradicije. U ovom slučaju govorim doslovno kao sovjetski likovni kritičar, ali u tome ima istine.

Ovo „odvajanje“ od poverenja u umetničku školu je veoma važno u ovom trenutku. To je kao izdaja umjetničke škole. Moram reći da se ova situacija ponovila iu sovjetskim vremenima. Moja obuka za umjetnost i zanat je bila potpuno imitacija. Nisam voleo da crtam prirodu. Ali znao sam imitirati akademski rezultat da me ne izbace iz instituta. Nisam volio raditi dječje ilustracije, ali sam znao imitirati dječiju ilustraciju da bih za to mogao dobiti novac.

Da likovni urednik vidi da ne crtam iskreno zeca, već da imitiram sliku zeca u drugim knjigama, naravno, izbacio bi me iz izdavačke kuće. Ali u sovjetsko vrijeme bilo je svejedno: da li vjerujem ili kopiram tuđe zečeve. Ovaj momenat „odlepljivanja“, laži, izdaje veoma je važan za nastanak avangardne psihologije genija. Ovdje postoji distanca između obaveze da nešto prikažem i vlastitog manipulativnog impulsa. Tada je to izgledalo kao nova revolucija: prijelaz iz ropstva u slobodu i izum.

Ilya Kabakov. Postojao je potpuno drugačiji stav prema sredstvima za stvaranje slike.

Pojava avangarde povezana je sa autonomijom sredstava. S obzirom da ne postoji ništa drugo za šta koristim svoja sredstva, ona su autonomizirana i predstavljaju nove nevjerovatne mogućnosti.

Na primjer, Matisseova boja. Manipulacija bojom na površini slike, kompozicije, kombinacije kolornih mrlja, viđenje boje odvojeno od predmeta bilo je njegovo otkriće.

Pikaso je manipulisao ritmovima i takozvanim vibracionim momentom same slike. Otkrio je da svaki komad slike, ako je pravilno pozicioniran u odnosu na druge, formira nevjerovatno moćan vibracijski napadajući energetski val koji djeluje na udaljenosti od možda pedesetak metara.

Olga Sviblova. Hoćete da kažete da je 20. vek stvorio vizuelni sistem koji više ništa ne prikazuje. Ne oslikava ni svete ideje koje su nekada stajale iza njega, na njegovom početku, niti stvarnost koja je tada bila sakralizovana. Ako uzmemo evropsko slikarstvo, na primjer, renesansu, možemo govoriti o pojavi interesa za osobu. Umjetnici počinju da se „odljepljuju“ od sistema religijskih zapleta, ali istovremeno za njih stvarnost, invazija stvarnosti, pojava direktne perspektive postaje i neka vrsta metafizičke ideje, jer stvarnost kao takva dobiva vrijednost. I hoćete li reći da upravo s Picassom, Matisseom počinje oslobađanje figurativnosti od svega što je prikazala, da ona postaje vrijednost za sebe i vizualno oružje?

Ilya Kabakov. "Čovjek koji je iz svog stana doletio u svemir." Fragment instalacije. 1985

Ilya Kabakov. Da. Kao u raketi. Odvajanje jedne od stepenica rakete, koja leti, prevrćući se u vazduhu, u svemiru, duž svoje putanje. Isto odvajanje od kulture, od ukupna dinamika razvoj kulture se dešava sa likovne umjetnosti početkom 20. veka. Dolazi do autonomizacije umjetničke produkcije od obaveze prisutnosti u općem kulturnom procesu.

Olga Sviblova. I dalje želim da razumem. Boljševički puč uništio je sve dotadašnje oblike postojanja umjetnosti, a umjetnik se nekako morao ujediniti sa vlastima: ili na poziv srca (mislim da je u nekom trenutku bilo vrlo iskreno), ili barem zato što je samo kupac i bilo je potrebno razumjeti šta taj pojedinačni kupac želi. I ovaj jedini kupac je želio uništenje starog svijeta.

Ilya Kabakov. Ispravno.

Olga Sviblova. Ali oni su rekli: "Mi služimo." Niko nikada prije ruske avangarde nije izjavio da su umjetnici sluge. Uzmimo, na primjer, foto montažu, gdje je i Lissitzky imao briljantne uspjehe... Klutsis, Rodchenko su se borili - a Lissitzky je također bio uključen u ovu bitku: ko više služi novoj vladi?

Ilya Kabakov. Ne radi se o moći. Ovo je posebna tema, puna tragedije: prelazak sa koncepta "slobode" na službu, na ispunjavanje naloga vlasti. Činjenica je da je cijela avangarda – i evropska i ruska – apoteoza slobode. Umjetnička produkcija mora biti oslobođena, a osoba koja stvara ovu produkciju je slobodna. Ova borba za slobodu je veoma važan momenat u borbi protiv kulturnih fenomena prošlosti.

Šta želim da kažem? Uvjeren sam da u klasičnoj umjetnosti (zašto visi u muzejima i zašto će živjeti još dugo nakon našeg postojanja) postoje tri vrlo važne komponente. Prvi je uzvišen, okomit, duhovnost, kako god to nazvali, što je prisutno u umjetničkom djelu. Druga je estetska strana. Vrlo visok kvalitet, izbalansiranost, složenost izgradnje najestetičnijeg proizvoda. I treća obavezna komponenta je prisustvo ljudski princip, osobi. Obraćenje i smisao čovjeka je već u samoj ideji stvaranja. umetničko delo. Implikacija druge osobe. Ovo se radi za drugog, a ne za sebe. Ovo je za drugog i za drugog. Ove tri komponente su veoma važne u klasičnom smislu i u potpunosti se uklapaju u istoriju kulture, koja bi takođe trebalo da ima ove tri komponente.

Avangardna revolucija povezana je s gubitkom i prve i treće. Sva ova umjetnost nije uzvišena. Potpuno zanemaruje službu vertikalnih, viših značenja, iako tu, naravno, ima i podsvijesti i arhetipizma, ali sve to nema veze sa „uzvišenim“ područjem. Naravno, kao primjer se može navesti Kandinski s njegovom duhovnom umjetnošću, ali to je posebna tema. Po pravilu, avangardna revolucija je povezana s gubitkom interesa upravo za „uzvišeno“. I sa gubitkom interesa za osobu kao takvu.

Emilia Kabakova. Želim dodati nekoliko riječi na pitanje kako su se umjetnici deklarirali kao sluge. Poenta je da je sve prethodno umjetnički sistemi bili dio takve stvari kao što je "usluga", i to je tako i shvaćeno. Oni su već bili u sistemu "službe". Nije trebalo to najavljivati. Oni su rođeni s tim, radili su u kulturnoj sredini koja je služila drugoj sredini. Tako je bilo u muzici, u pozorištu. Znali su svoje mjesto u društvu. Novi umetnici u nastajanju morali su i mogli da se proglase slobodnima. Ovdje je po prvi put postojao izbor. I njihov izbor je bio da postanu sluge, ali ne sluge određene elite, već sluge slobodnog društva. Činilo se da su istovremeno i vladari i sluge.

Bio je to dobrovoljan izbor služenja. Ne da su dani da služe vladarima, nego su izabrali dobrovoljnu službu. Ovo je velika razlika. Otuda cijela psihologija: iluzija da oni vladaju, ali da su istovremeno i sluge po izboru.

Olga Sviblova. A kako ste vodili dijalog s Lissitzkim, razumijevajući složenu i kontradiktornu prirodu njegovog rada?

Ilya Kabakov. Veoma jednostavno. Ovu izložbu smo napravili bukvalno po opozicionom sistemu. Lisicki je rekao jedno, a mi drugo. Prema opštem konceptu, ovo liči na položaj oca i djeteta. Tata koji je sagradio štalu, i dijete koje je zatrpano pod ruševinama, ispod smeća u koje je ova loše izgrađena štala postala. Cijela ova izložba je izgrađena: tata je htio - i to se dogodilo, tata je sanjao - i to je cijena ovih snova.

Podseća me na Puškinovog Bronzanog konjanika. Tu su i "tata" - Petar I i "dete" - Eugene, koji je umro zbog mesta koje je "tata" izabrao pogrešno mesto za izgradnju kuće. Zauzeli smo poziciju Eugenea, koji pati i kaže: „Šta si uradio ovde? Mogla bi se graditi na suhom mjestu. Lissitzky zamjenjuje Petera na našoj izložbi, koji je rekao: "Ja ću izgraditi grad, prijetiću nekome." Taj patos gađenja, koji je prisutan u našim radovima, i patos stvaranja koji ima Lissitzky, dali su glavni ton ovoj izložbi. Prvo: "Trebalo bi raditi." Odgovor: "Ništa ti se nije dogodilo, tata."

Zaista, mi predstavljamo dvije epohe sovjetske ere, sovjetske vlasti. Ovo je most na koji su se prvi popeli, i isti onaj most na kraju sovjetske vlasti, na kojem se sve otkotrljalo i koji se zbog loših proračuna srušio.

Emilia Kabakova. Sjedimo na ruševinama.

Ilya Kabakov. Kao djeca na ruševinama loše izgrađene zgrade. Evo glavnog koncepta ove izložbe. Pogled čovjeka na kojeg je pala ova ogromna zgrada. Toranj Tatlin.

Ilya Kabakov. Ispostavilo se da nam je obećan prostor...

Olga Sviblova. ... i stavite u zagušljivu stenicu.

Ilya Kabakov. Možete dati takav odgovor. Sanjati, stvarati utopiju, crtati na papiru, crtati kao kratak prospekt (gradimo budućnost, stvaramo novu osobu) - to je najbolje ostaviti u obliku projekta, u obliku papira, u obliku drvene , zakucan projekat Tatlin Towers. Najbolje je sve ove projekte ostaviti u takvom preliminarnom obliku, ali ih nikako ne realizirati.

Zašto? Oni ostaju sigurni. Činjenica da se ostvare u životu postaje najstrašniji zločin koji može biti.

Socijalizam je lijep, ali mora ostati u projektu. Mnogi ljudi pitaju koja je svrha sovjetske revolucije ako je završila na đubrištu. Evo njegovog značenja. Utopiju ne treba ostvariti u stvarnosti.

Ilya Kabakov. Sada bih želio reći (možda čak i zaključno) kakav zaključak se može izvući iz ove izložbe ili čak iz ovog razgovora. Dokle god živi čovečanstvo, svako od nas proizvodi utopiju. Čovjeku je svojstveno stvaranje projekata, poput oslobađanja sekreta. Dokle god smo ljudi, maštamo. Pravimo planove, programe, komponujemo nešto. Ali kada se ti projekti provode u životu, posebno ljudi na vlasti, svi se završavaju katastrofom, krvlju, uništenjem ili haosom.

Ispada užasan luk: projekti se neizbježno prave, ali isto tako neizbježno završavaju kolapsom i haosom. Postavlja se pitanje: gdje staviti ovu projektivnu i produktivnu komponentu?

Odgovor je: odnesite ga, kanalizirajte u posebne "utopijske prijemnike". Možda je potrebno izgraditi Muzej utopija ili takve muzeje u množini.

Ilya Kabakov. Umjetnik se nada da će ga se slušati. Ovo je najdublja zabluda. Gledalac gleda kroz umetnika. Nešto što ne pripada ovom izvođaču trebalo bi da zvuči kroz ovog izvođača.

Ilya Kabakov. "kutija za smeće" 1981

Ilya Kabakov.

Cijeli svijet, sve što me ovdje okružuje, čini mi se kao bezgranična, beskrajna deponija, nepresušno raznoliko more smeća. U ovim ostacima ogromnog grada osjeća se moćan dah cijele njegove prošlosti. Cijela ova deponija puna je bljeskova, zvjezdanog treptaja, odsjaja i djelića kulture: ili neke knjige, ili more ​​​časopisa sa fotografijama i tekstovima, ili stvari koje koriste neki ljudi... Velika prošlost se diže iza ove kutije, mehurići, kese, oni kao da vape za svojim prošli život, oni to čuvaju... Taj osjećaj prošlog života stvara sliku... teško je odrediti kakva je to slika... Možda slika određenih civilizacija koje su pod pritiskom nepoznatih kataklizmi, polako tonu na dno, ali to su još neki događaji. Osećaj ogromnog, kosmičkog bića zagrli čoveka na ovim deponijama; nikako ne osjećaj napuštenosti, pogubnog života, već, naprotiv, njegovog povratka, kruženja, jer dok postoji sjećanje, živjet će sve što je uključeno u život.
Ali ipak, zašto deponija i njen imidž toliko privlače moju maštu iznova i iznova, zašto im se uvijek vraćam? ...Ponekad pomislite - u drugim zemljama nema ovih ogromnih deponija, nema smeća, ali postoji samo jedan "čist proizvod"? Jednom sam otišao kod rodbine u Čehoslovačku i sjećam se da je čistoća tamo ostavila najveći utisak na mene. Zašto, kako je tamo tako čisto?.. Osećaj kao da stalno čiste, čiste, iznose smeće - odakle im vremena! - i sve je negdje drugdje, a ne u blizini - sve iznesu, iznesu "tamo", "daleko". Onda mi je sinulo: kako će to baciti kad je pored nje jednako čista kuća, a blizu je i čista, a iza nje isto... Ali kod nas se đubre baca baš tu kod kuće, samo što se preko praga dovede, a već nema ničije zemlje, okućnice, a sve komšije pometu, bacite - toliko nema ničije! A ova ničija zemlja koja je postala smetlište iza naše kuće - zar ne stoji svaki dan prijeteći iza naših zidina, kao neprijatelj oko tvrđave, iznova se vraća u našu kuću, plaveći je?

A šta ako je još gore - čak je i zastrašujuće pomisliti: cijela naša ogromna teritorija je smetlište ostatka svijeta?

U ime glavnog konceptualnog tandema ruske i svjetske umjetnosti Emilia Kabakova govorila je o retrospektivama u Hirshhorn muzeju u Washingtonu i Tate Modern u Londonu. Poslednji će biti prikazan u Ermitažu i Tretjakovskoj galeriji 2018

Kolekcija Ilya & Emilia Kabakov

Šta će biti izložba u Tate Modernu? Šta će to biti u smislu obima? Na osnovu čega su odabrani radovi?

BIOGRAFIJA

Emilia Kabakova (rođena Lekah)

Datum i mjesto rođenja

1945 , SSSR, Dnjepropetrovsk (sada Dnjepar, Ukrajina)

Obrazovanje

1952-1958 studirao u muzičkoj školi u Moskvi

1962-1966 studirao je u muzičkim školama u Irkutsku i Dnjepropetrovsku

1973 diplomirao na fakultetu strani jezici Moskovski državni univerzitet

Život i karijera

1973 emigrirao u Izrael

1974-1975 živio u Belgiji

Od 1975živi u Sjedinjenim Državama, gdje je prvo radila kao specijalista za Fabergeova djela, bila savjetnica privatnog kolekcionara i kustosica umjetničkih izložbi

Od 1988 do 2017 Ilya i Emilia Kabakov napravili su 203 instalacije, uključujući Spomenik gradu Bordou (Francuska, 2009.), Spomenik emigrantima iz Evrope u Ameriku (Njemačka, 2010.), Arch of Life (Japan, 2015.) i 28 javnih projekata: osam u Njemačka, pet u Italiji, tri u Japanu, dva u Holandiji i po jedan u SAD-u, Norveškoj i Južnoj Koreji

Velike samostalne izložbe

MoMA (New York, 1991.), Hirschhorn muzej i vrt skulptura (Vašington, 1991.), Documenta (Kassel, 1989., 1992.), Muzej Ludwig (Keln, 1992., 2002.), Muzej Stedelijk (Amsterdam, Venecija, 1993.), (1988, 1993, 1995, 1997, 2003, 2007), Centar Pompidu (Pariz, 1995), Muzej Mori (Tokio, 2003, 2004), MAXXI (Rim, 2004), Državna Tretjakovska galerija (Moskva) 403-, 20 2004-2005), Državni muzej Ermitaž (Sankt Peterburg, 1994, 2004, 2005, 2010, 2013), Muzej Puškina im. Puškin (Moskva, 2008), Muzej savremena umetnost Garaža (Moskva, 2008), Muzej multimedijalne umetnosti (Moskva, 2013), Monumenta u Grand Palaisu (Pariz, 2014), Kineski bijenale (Peking, 2017) i mnogi drugi

Instalacije se nalaze u kolekcijama Ermitaža (Sankt Peterburg), Tretjakovske galerije (Moskva), Gugenhajmovog muzeja (Njujork), MoMA (Njujork), Stedelijk muzeja (Amsterdam), Caixa Foruma (Barselona), Centra Pompidu (Pariz), Tate Modern (London), u muzejima Australije, Njemačke, Norveške, Švicarske, Japana i drugih zemalja

Nagrade i titule

Vitez i komandant Ordena umetnosti i književnosti (Francuska, 1995, 2014). Dobitnik nagrade za umjetnost Kaiserring (Goslar, Njemačka, 1998.). Počasni doktor filozofije sa Univerziteta u Bernu (Švajcarska, 2000). Dobitnik nagrade Oscar Kokoschka (Beč, 2002). Počasni doktor filozofije na Univerzitetu Sorbona (Pariz, 2007). Laureat Imperijalne nagrade u nominaciji "Skulptura" (Japan, 2008). Kavalir Ordena prijateljstva naroda (Rusija, 2008). Počasni akademik Ruska akademija Umjetnost (Rusija, 2008). Dobitnik nagrade "Najbolji američki umjetnici" (Vašington, SAD, 2010.). Laureat nagrade za inovacije (Rusija, 2011). Dobitnik mnogih drugih nagrada i nagrada

Izložba u Tate Modernu je zaista naša najautentičnija retrospektiva, iako ni ona neće biti što kompletnija. Za razliku od mnogih izložbi koje smo radili, a u naslovu imaju riječ „retrospektiva“, one zapravo nisu bile retrospektive. To su jednostavno bile ekspozicije građene po određenom planu, oko određenog koncepta, odnosno totalne instalacije.

Koji će radovi na izložbi biti najraniji, a koji najnoviji?

Za izložbu u Tate Modern, radovi su odabrani posebno za retrospektivnu izložbu: slike, crteži, instalacije, modeli, počevši od prve konceptualne slike „Fudbaler“ koju je Ilya napravio 1964. godine i koju smo smatrali nestalom. Ali odjednom je ponovo izašla i uspjeli smo je iskupiti. A tu su i slike pedesetih, šezdesetih, sedamdesetih, osamdesetih i na samom kraju devedesetih, pa sve do današnjih radova. Projekat Tate pokriva period od kasnih 1950-ih do najnoviji radovi 2017.

Koju svoju izložbu pamtite kao najznačajniju?

Sada je teško reći koje su izložbe bile (ili zapamćene) najvažnije, ali, naravno, prije svega želim spomenuti izložbu u galeriji Ronald Feldman 1988., zatim Documentu u Kasselu 1992., Venecijansko bijenale 1993. izložba u Muzeju Stedelijk sa postavkom Velikog arhiva i Pompidou centar, gdje smo izgradili skoro cijeli grad- "Mi ovdje živimo" (1995). Važni su bili i projekti u MoMA-i (“Most”, 1991.) iu Grand Palais-u u Parizu, gdje smo izgradili pravi grad u okviru Monumente (“Čudan grad”, 2014.).

Sad ne spominjem izložbe u Rusiji (prva je bila izložba Incident u Muzeju i drugim instalacijama u Ermitažu 2004. godine, organizovan uz pomoć Stella Art Foundation. — TANR). Za nas je to, s jedne strane, bio nevjerovatno snažan utisak o „povratku“, a s druge strane, tamo smo doživjeli čudan osjećaj da malo ljudi, osim ljudi koji su nam po duhu i svjetonazoru vrlo bliski, razumije sadržaj ovih izložbi. Posebno izložba u Garaži (Alternativna istorija umjetnosti 2008. — TANR), koji je bio i totalna instalacija i čisti koncept, ali su ga mnogi percipirali kao retrospektivu. Iako možda grešimo.

Rekli ste da ćete na jesen imati i izložbu u Hirshhorn muzeju u Washingtonu. Šta će unutra?

Ova izložba je poput nostalgične šetnje u prošlost. Činjenica je da je 1991. godine upravo u ovom muzeju otvorena naša prva prava muzejska izložba u Americi, lična, a ne grupna.

Tada je bila izložena instalacija „Deset likova“, a sećam se svog razgovora sa čuvarom ovog muzeja o tome šta su „komunalni stanovi“ i o strastima koje divljaju u malom prostoru u kome ljudi, nasilno smešteni u uslove suživota, primorani su rame uz rame tokom cijelog života. O ljubavi i mržnji, o svađama i međusobnoj podršci, o čudnom fenomenu kolektivne ljudske simbioze. Nakon otvaranja izložbe za posetioce, kustos, Ilja i ja, šetali smo hodnicima i odjednom smo čuli i ugledali našeg čuvara, koji sa velikim oduševljenjem grupi posetilaca priča o umetnikovoj nameri. Naravno, nas je to oduševilo, za razliku od kustosa koji je rekao: „Ne plaćamo mi za to, nego da čuva izložbeni prostor“.

U septembru ćemo prikazati modele naših realizovanih i nerealizovanih projekata. Kada smo kupili kuću u Americi i izgradili nekoliko zgrada ovde, došla je ideja da napravimo „muzej nerealizovanih projekata“. Sada, 20 godina kasnije, mnoge od njih su već postale stvarnost, ali će veliki broj njih, najvjerovatnije, ostati u statusu "nerealizovanih".

Ilya i Emilia Kabakov. "Lija Mironovna Kovaleva: "Čija je ovo kutlača?" 1989. Platno, ulje, metal

Da li se priprema izložbi u Americi, Evropi i Rusiji razlikuje?

Prilično čudno pitanje. Razlikuju se institucije, njihov sastav, kustosi i grupe ljudi u ovim muzejima u kojima smo radili ili radimo.

Usput, najbolji lak posao, zbog dvije okolnosti, dogodio se u moskovskoj garaži. Daša Žukova je odmah reagovala na svaku pritužbu (i bilo je na šta da se žalimo: nakon rekonstrukcije nije bilo vrata u garaži Melnikovskog, krov je curio i tako dalje i tako dalje). I naravno, rad Aleksandra Starovoitova, koji je nadgledao čitavu izgradnju (od ukupne instalacije „Alternativna istorija umetnosti“ je bio fantastičan. — TANR), s kojim ćemo sljedeće godine napraviti retrospektivu u Tretjakovskoj galeriji (tamo će se preseliti iz Tate Moderna, ali će biti proširena).

I druga izložba u Grand Palais-u u pariskoj Monumenti izašla je isto tako lako, iako smo tamo radili 24 sata dnevno bez slobodnih dana 18 dana. Sa nama je radilo 100 ljudi. Naš kustos je bio Jean-Hubert Martin, jedan od najboljih kustosa na svijetu.

Sve je bilo odlično urađeno i na izložbi u Moskovskom muzeju multimedijalne umetnosti Olge Sviblove („Utopija i stvarnost? El Lisicki, Ilja i Emilija Kabakov“ 2013. — TANR). Sve je obavljeno jasno, na vrijeme, bez ikakvih problema. Dvije Olge su tamo sve savršeno organizirale: prvo, sama Olga Sviblova, i drugo, Olga Nestertseva, desna ruka Sviblove.

Tako da možemo reći da imamo veliku sreću sa pripremom projekata. A najteže su, iz raznih razloga, bile izložbe u Pompidou centru u Parizu i Stedelijk muzeju u Amsterdamu.

Ilya i Emilia Kabakov. "Gledam gore. Čitanje riječi" . 1997. Nacrt instalacije u Münsteru

Koje izložbe planirate u bliskoj budućnosti i šta ćete tamo prikazati?

Sve izložbe su planirane do 2022. godine. Ali za sada su to samo planovi: realnost ne omogućava uvijek da ih se ispuni, sada zbog godina i zdravstvenih razloga.

Na primjer, planirana je retrospektiva 2018-2019 u Dallas Contemporaryju u Dallasu, SAD - sa ogromnim prostorom gdje možete napraviti fantastično dobru i zanimljivu izložbu.

Muzej umjetnosti Samuela Dorskyja u New Paltzu (Njujork, SAD. — TANR) je otvoren na univerzitetu, pa ćemo tamo raditi zajedno sa studentima.

Planirana je izložba u aprilu 2018. godine u Rostocku, zatim će biti izložbe u Berlinu i Minhenu.

Instalacija "Brod tolerancije" trenutno se prikazuje u Rimu. Učinili smo to zajedno sa Vatikanom (i lično sa Papom) i italijanskim Ministarstvom obrazovanja. Takođe, ovaj projekat se priprema za prikazivanje u Londonu, Oslu, Rostoku, Vašingtonu i Palermu. Najbolje je to urađeno u Zugu u Švajcarskoj, gde je učestvovalo 4.000 dece i njihovih roditelja, običnih stanovnika grada i pacijenata iz staračkih domova, kao i izbeglica iz naj različite zemlje. Muzej i gradonačelnici tri grada realizovali su program projekta na način koji do sada nije urađen. Sada pomažu u implementaciji ovog programa u drugim gradovima Švicarske.

Planiraju li se neka izložba ili umjetnički projekti u Rusiji u bliskoj budućnosti?

Prvo će se u februaru 2018. retrospektiva iz londonskog Tejt Moderna preseliti u Državni muzej Ermitaž, a zatim će u septembru sledeće godine biti prikazana u Novoj Tretjakovskoj galeriji na Krimskom dolinu.

Ilya i Emilia Kabakov. "Lista onoga što sam morao da uradim pre marta 1961." 1989. Četiri predmeta (tkanina), ulje i emajl na lesonit

Gdje najbolje radite?

Najbolje je raditi kod kuće (ako se posebno pitate o kreativnom radu) - gdje Ilya slika i gdje razvijamo planove za sve projekte i izložbe.

Koliko često koristite računar i kako?

Ilja ne koristi samo kompjuter, već čak ni telefon. Računar koristim uglavnom za komunikaciju: pošta, Skype, vesti, a takođe štampam članke na ruskom za Ilju ako nađem nešto zanimljivo na internetu.

Kompjuter i internet utiču na razvoj umetnosti?

Ovo treba pitati one savremene umjetnike koji koriste kompjuter za stvaranje umjetničkih djela. Ne možemo odgovoriti na ovo pitanje.

Kako sadašnja ruska umjetnost izgleda u međunarodnom kontekstu?

Pošto ne živimo u Rusiji, ne možemo suditi o savremenoj ruskoj umetnosti. Kao i svuda i kao i uvek, u Rusiji ima veoma interesantnih umetnika, a ima jednostavno loših.

Sada se mnogo govori o krizi umjetnosti. Ima li izlaza iz toga ili će ova situacija trajati zauvijek?

Zar niko nikada nije pričao o krizi umetnosti? Pogledajte stare časopise o povijesti umjetnosti, članke starih umjetnika, kritičara i likovnih kritičara.

Šta mislite kroz koju fazu prolazi moderna umjetnost?

Sljedeća faza, koja slijedi odmah nakon prethodne. Sada možemo govoriti o trijumfu novca, tržištu i drugim tragičnim okolnostima. savremeni svet uopšte i umetnosti posebno. Međutim, nedavno sam pročitao knjigu o tome kako su umjetnici renesanse slali račune kupcima za izvedene radove i kako su ih ocjenjivali... Tako da je bolje da sadašnje stanje ne komentiram.

Ilya Kabakov. "Fudbalista". 1964. Ulje na platnu

Koliko vam je važno učešće na raznim bijenalima?

Naravno, svojevremeno je bilo vrlo zanimljivo kada je opšta situacija i atmosfera na međunarodnim projektima bila potpuno drugačija. Tada je postojala zajednica umjetnika u kojoj su svi željeli postati najbolji, ali je istovremeno cvjetao osjećaj drugarstva. Kulturno-istorijski značaj ovih ogromnih izložbi bio je izuzetno važan. I imali smo sreću da su u to vrijeme Venecijanski bijenale i Documenta bili veliki tematski projekti koje su organizirali izuzetno talentirani kustosi kao što su Harald Szeemann, Germano Celant, Jean-Hubert Martin, Robert Storr i mnogi drugi.

Danas je u svijetu previše bijenala i, iskreno, jednostavno ne možemo na njima učestvovati. Bez sila. Upravo sada učestvujemo na Prvom trijenalu Jermenije i na Bijenalu u Vladivostoku. Ali ne možemo više tamo.

Da li je konceptualizam živ? Da li mu trenutna politička situacija u Rusiji pomaže ili koči?

Naravno da je živ. Sam sistem je nevjerovatan koncept. Što se tiče konceptualizma kao umjetničkog fenomena, onda trebate pitati one koji žive u Rusiji: Andreja Monastirskog, Elenu Elaginu, Igora Makareviča i druge aktivne umjetnike.

Da li su u krugu osnivača ruskog konceptualizma i njihovih sljedbenika očuvane lične i kreativne veze?

Neke veze su ostale, neke nestale. To već zavisi od konkretnih ljudi i odnosa među njima, svakojakih životnih situacija. Vrlo je teško sve ovo objasniti, ali, u principu, možemo reći da su nam ljudi koji su nam bliski razmišljanjem bili i ostali prijatelji. Ostalo je jednostavno život oduzeo.

Ilya i Emilia Kabakov. "Most". 1991. Instalacioni crtež

Pratite li modernu rusku književnost? Postoji li ovdje nešto što vas zanima? Akunjin, Pelevin, Ulitskaja, Sorokin?

Retko čitam ruske knjige. Samo poezija i samo klasika. Ilja čita samo na ruskom, ali to su uglavnom knjige o umetnosti. Ili je to poezija, klasična literatura, članci koje nalazim za njega, memoari, biografije, tekstovi Vladimira Sorokina i Borisa Grojsa, Mihaila Epštajna.

Koji su vam kritički tekstovi, osim Groysa, i interpretacije vašeg rada najbliži?

Prije svega, to su, naravno, Robert Storr i Matthew Jesse Jackson. A osim njih, ima dosta zapadnih istoričara umjetnosti koji pišu o ruskim umjetnicima, uključujući i naš rad. Često su to vrlo zanimljive i profesionalne interpretacije.

Da li se uticaj operske scenografije razlikuje od načina na koji funkcionišu totalne instalacije, opisane u seriji predavanja „O totalnoj instalaciji“?

Nikada nismo radili u pozorištu na produkciji opera. Upravo smo radili instalaciju koja je služila za postavljanje opere unutar ove instalacije. Jedina razlika je u tome što u pozorištu gledalac sedi vani, a glumac unutar ukupne instalacije, dok je u muzeju gledalac i glumac. Pošto je unutra i krećući se kroz instalaciju, on zapravo "igra" ulogu koju mu je umetnik namenio.

Imali smo sreću da nekoliko puta radimo sa Gerardom Mortierom, čuvenim impresariom, direktorom muzičkog festivala u Salcburgu, u Bohumu, koji je na kraju života postao šef-dirigent i umetnički direktor Kraljevskog pozorišta u Madridu. Ovaj čovjek je, takoreći, bio moderna reinkarnacija Sergeja Djagiljeva.

Govorili ste o strahu koji prati život u zajedničkom stanu. Da li se ovaj strah vremenom smanjio? Jesi li još uvijek uplašen?

Nikada nisam živio u zajedničkom stanu, i generalno nemam osjećaj straha, niti jesam.

Postoje li kriteriji za uspješnost i "ispravnost" umjetničkog stvaralaštva, pored novca?

Finansijski uspjeh za nas nikada nije bio mjerilo uspjeha. Ilja nikada nije pravio radove (slike, crteže i instalacije) „na prodaju“. Iz tog razloga nemamo mnogo kolekcionara. Naši radovi su dizajnirani uglavnom za muzejske prostore, za gledaoce muzeja, povjesničare umjetnosti, ali ne i za nekog određenog kolekcionara. Adresat našeg rada je oduvek bila istorija umetnosti, istorija kulture.

Da li umjetnik treba biti gladan ili sit?

Izvinite, ali ovo nije baš pametno pitanje. Umjetnik prije svega mora biti umjetnik, a onda će sudbina odlučiti kako.

Ilya i Emilia Kabakov. "Dva sjećanja na strah". 1990. Crtež instalacije u Berlinu

Da li umjetnost treba biti elitistička ili pristupačna?

Umetnost mora podići mase na njen nivo, ali nikada ne potonuti na nivo mase.

Pomaže li umjetnost u životu? Kako se iskustvo stečeno tokom rada pretvara u dobrobiti vašeg privatnog života?

Umjetnost je cijeli naš život, tako da je nemoguće odgovoriti na ovo pitanje. Nemamo praktično nikakvu privatnost.

Da li je ispravno reći da je glavni rezultat aktivnosti savremeni umetnik da li je on sam ili mit o njemu?

Glavni rezultat umjetnikove aktivnosti je njegov rad, sva njegova kreativnost. Očigledno, ti i ja mislimo drugačije, jer mi takvo pitanje ne bi ni palo na pamet.

Pratite li šta se dešava u drugim oblicima umjetnosti?

Nemoguće je živjeti u svijetu umjetnosti, a pritom ne pratiti šta se dešava okolo. Svijet se vrlo brzo mijenja, a stalno dolaze novi, mladi umjetnici, pisci, reditelji. Za nas su izuzetno interesantne.

Idete li u operu, gledate li TV?

Idemo u operu, na balet i na koncerte bilo kada i bilo gdje. Istina, sada, zbog činjenice da se Ilya ne osjeća dobro, sve je to ograničeno. Ali, pošto su naši unuci profesionalni muzičari, idemo na njihove koncerte, a oni ponekad dođu u posetu i organizuju koncerte kod nas.

OD dramsko pozorište situacija izgleda problematičnija zbog suptilnosti engleskog jezika, ali ponekad - međutim, izuzetno rijetko - idemo na takve predstave.

Kada smo u Moskvi ili Sankt Peterburgu, skoro uvek idemo u pozorište. U septembru sam bio samo jedan dan u Moskvi, ali sam otišao u Boljšoj. Kada smo dolazili sa Ilijom, uvek smo išli u pozorište kod Petra Fomenka.

Da li čitate knjige ili idete u bioskop? Da li je Holivud generalno dobar ili loš?

Čitamo knjige, idemo u bioskop, gledamo filmove. Holivud je "fabrika snova", i, kao i svi snovi, svaka fantazija, oličeni su ili dobro ili nikako, jednostavno osrednji. Trudimo se da gledamo samo ono što su drugi već provjerili. Upravo sam gledao Levijatana. Samo odličan film! Dugo smo se udaljili od utiska potpunog beznađa.

Koje kompozitore slušate?

Ilja radi na muziku Šopena, Mocarta, Prokofjeva, Baha i tako dalje. Često uključuje romanse, ali samo u dobroj izvedbi. Ali uglavnom radi samo sa klasičnom muzikom. Imamo ogromnu kolekciju ploča. Često, kada Ilya crta, on sam pjeva. Osim toga, u studiju nema telefona, tako da niko i ništa ne ometa posao.

Muzej Hirshhorn, Washington
Ilya i Emilia Kabakov. "Utopijski projekti"
07.09.2017. - 04.03.2018

Tate Modern, London
Ilya i Emilia Kabakov. “Neće svi biti odvedeni u budućnost”
10. oktobar 2017. - 28. januar 2018