Artistët më të famshëm bashkëkohorë në botë

Arti i rrugës është arti i sfidës. Muralet dhe mbishkrimet gjallërojnë qytetet, kënaqin ose bezdisin publikun. Shumë krijues të artit të rrugës kanë kaluar nga pikturimi i paligjshëm i mureve në famë botërore. Veprat më të mira të mjeshtrave të artit të rrugës ofrohen në vëmendjen tuaj.

1. Nevercrew

Nevercrew është një projekt i dy artistëve nga Zvicra. Christian Rebecci dhe Pablo Togni krijojnë kompozime që jo vetëm magjepsin me bukurinë e tyre, por edhe të bëjnë të mendosh. Tema e punës së tyre është ekologjia.

Pablo dhe Christian fillimisht shkuan në të njëjtën shkollë, dhe më pas në Akademinë e Pikturës. Para se artistët të vendosnin të krijonin një projekt të përbashkët, secili ishte i angazhuar në skulpturë, ilustrim dhe grafiti. Kjo shkathtësi vërehet edhe në murale - imazhet duken voluminoze, që do të thotë se artistët janë në gjendje të zbatojnë teknikat e zhvilluara për skulpturën dhe zhanre të tjera. Çdo foto godet me një gamë hijesh. Dhe në çdo imazh ka domosdoshmërisht hije. Është kjo gjë e vogël e padukshme që krijon një ndjenjë realiteti.

Disa foto duken fantastike, thyejnë çdo logjikë. Por pas secilës prej tyre qëndron e njëjta ide: natyra. Artistët na kujtojnë se ka kafshë në tokë që kanë nevojë për mbrojtjen tonë. Më shpesh, kafshët e mëdha shfaqen në vizatime - balena ose arinj.

Madhësia e fotografive gjithashtu ka kuptim. Këto janë vizatime të mëdha, pranë të cilave një person duhet të ndihet i vogël. Kështu, artistët kujtojnë se njeriu është pjesë e natyrës.

2. Eduardo Kobra

Brazili është një vend ku arti i rrugës vlerësohet edhe nga autoritetet e qytetit. Eduardo Cobra është një artist brazilian, puna e të cilit admirohet për shkëlqimin e saj.

Në punën e tij ai përdor shumë teknika dhe kjo bie në sy. Çdo pikturë është punuar detajet më të vogla. Muralet e tij shpesh quhen "fotografiti". Në të vërtetë, disa prej tyre përshkruajnë njerëz të famshëm me saktësi fotografike, për shembull: Dali, Einstein dhe Lennon.

Eduardo krijon piktura tredimensionale. Por jo ato të thjeshta - vëllimi i tyre është i dukshëm vetëm nga një kënd. Pra, është më interesante: mund të kaloni pranë imazhit dhe të shihni se si ndryshon fotografia para syve tuaj.

3. Kërcim

Swoon do të thotë "dëshpërim" në anglisht. Ky është pseudonimi i një artisti amerikan që krijon printime njerëzish - dhe zbukuron rrugët me to. Më shpesh, artisti punon me vende të braktisura - ndërtesa të vjetra, ura, zjarre... Pse është kështu? Swoon mori arsimin e saj për art dhe ndjeu se nuk donte të "frenonte" krijimtarinë e saj. Ai nuk dëshiron të pikturojë piktura që do të mbeten të mbyllura në muze apo galeri. Ajo e kuptoi se donte të bëhej pjesë e botës. Dhe kishte një rrugëdalje: ngjitja e fotografive në mure. Vetë akti është simbolik. Kjo është një lidhje me botën, ndryshimi i saj.

Personat në piktura janë miq dhe të afërm të artistit. Zgjedhja e portreteve gjithashtu nuk është e rastësishme. Swoon thotë se çdo person është bartës i ndjenjave. Dhe është portreti që pasqyron përvojat. Ju mund të kapni një moment të ndritshëm - dhe ta transferoni atë në foto.

4. Etham Cru

Etam Crew është pseudonimi i dy artistëve polakë. Muralet e tyre janë mahnitëse në përmasa. Vizatime të mëdha nga Etham Cru dekorojnë shtëpitë në të gjithë Evropën Lindore. Artistët nuk do të ndalen me kaq dhe planifikojnë të udhëtojnë në të gjithë Evropën dhe të vizitojnë Amerikën.

Autoritetet polake i vlerësuan artistët me vlerën e tyre të vërtetë - dhe ata vetë i urdhërojnë ata të pikturojnë shtëpinë tjetër. Kështu shtëpia kthehet në një objekt arti. Shumë turistë, që vijnë në Poloni, shkojnë në një ekskursion për të parë të gjitha pikturat e artistëve.

Një punë e tillë kërkon shumë përpjekje dhe kohë, por rezultati i justifikon pritshmëritë. Në veprën e tij Etam Kru i drejtohet motiveve folklorike, si dhe stilit të surrealizmit.

5. Aron de la Cruz

Aron de la Cruz është një artist dhe stilist nga Kalifornia. Aron është një reformator i vërtetë në artin e grafitit. Stili i tij është minimalizmi. Rezulton se minimalizmi është i mundur në artin e rrugës.

Artisti u interesua për mbishkrimet që nga fëmijëria - që në moshën 7-vjeçare. Dhe që në moshën 12-vjeçare ai tashmë filloi të provonte veten në këtë çështje. Ajo që Aron po krijon tani nuk është tamam mbishkrime. Arti i tij mund të quhet "rrugë" vetëm për një arsye - janë vizatimet në mure. Vetë artisti nuk e konsideron veten duke pikturuar mbishkrime. Në të njëjtën kohë, ai pranon se çdo shikues mund të vendosë vetë se si quhet ky art. Çdo emër do t'i përshtatet atij.

Çfarë është arti? Aron thotë se arti është një sfidë. Para së gjithash, sfidoni veten. Çdo herë artisti kontrollon nëse mund të krijojë një vepër që do të rezonojë në zemrat e njerëzve. Aron përdor një minimum materialesh në punën e tij. Gjithashtu, funksionon pa skica. Vizaton menjëherë. Krijimtarinë spontane ai e quan punë me emocione. Vetë ndjenjat e çojnë atë. Dhe procesi krijues bëhet një udhëtim emocionues, sepse ai që ecën nuk e di se ku do të çojë rruga.

Aron tani jeton dhe punon në San Francisko. Ai nuk ka frikë nga muret e mëdha - artisti merr përsipër të pikturojë hapësira të mëdha me kënaqësi. Për më tepër, ai ëndërron një rrugë të tërë të zbukuruar me veprat e tij. Dhe ai beson se në të ardhmen do ta përmbushë patjetër këtë ëndërr.

Puna e Aron po bëhet gjithnjë e më popullore. Vizatimet e tij tashmë dekorojnë jo vetëm muret, por edhe rrobat. Ornamenti minimalist në T-shirt duket elegant dhe i pazakontë.

6. Bordalo II

Dhe një tjetër projekt mjedisor. Bordalo është një artist portugez që përdor... plehrat në artin e tij. Per cfare? Artisti ka lindur në vitin 1987. Ai e quan epokën e tij "koha e konsumatorëve". Në vendet e zhvilluara prodhohen më shumë mallra sesa i nevojiten një personi, duke lënë një sasi të madhe mbetjesh.

Artisti thotë:

"Ajo që është mbeturinë për një është thesar për një tjetër."

Dhe përdor mbetjet për të krijuar murale që u kujtojnë njerëzve gjendjen e planetit.

7. Os Gemeos

Os Gemeos është një pseudonim pas të cilit qëndrojnë dy artistë. Vëllezërit Pandolfo - Otavio dhe Gustavo. Vëllezërit binjakë kanë lindur në Brazil. Ishte kultura braziliane dhe arti popullor që formësuan stilin e artistëve.

Vëllezërit besojnë se stili është individualiteti i një personi. Secili prej nesh është i veçantë. Gjëja kryesore është të kuptoni se cila është veçantia juaj - dhe ta zhvilloni atë. Në të njëjtën kohë, stili nuk duhet të kufizojë krijuesin. Mos kini frikë të shkoni përtej. Çdo devijim nga stili është një kërkim. Është e rëndësishme të mos qëndroni ende, por të zhvilloni dhe eksperimentoni.

Rruga krijuese e vëllezërve filloi me pikturat e rrugëve jo shumë larg shtëpisë. Në fillim ata thjesht kopjuan artistët e tyre të preferuar të grafitit dhe me kalimin e kohës filluan të krijojnë artin e tyre. Më shpesh ata vizatojnë njerëz me fytyrë të verdhë. Pse e verdhë? E verdha, sipas vëllezërve, është ngjyra e ëndrrave. Plus ndikimi i kulturës braziliane - me ngjyrat e saj të ndritshme me diell.

Tani dueti Os Gemeos është i njohur në të gjithë botën. Vëllezërit udhëtojnë shumë dhe përpiqen të dekorojnë sa më shumë qytete. Ata pikturojnë jo vetëm në mure, por edhe në trena. Artistët kanë pasur dashuri për trenat që në fëmijëri. Në fillim të karrierës së tyre, ata pikturuan në makina në fshehtësi, dhe tani ata janë të ftuar të marrin pjesë në projekte të projektimit të makinave.

Në vitin 2007, vëllezërit pikturuan një kështjellë mesjetare skoceze. Në vendin më të spikatur - një karakter tipik i verdhë. Publiku e perceptoi këtë projekt në mënyrë të paqartë: disa njerëz u kënaqën, të tjerë e quajtën pikturën jo kreativitet, por një përdhosje të kështjellës antike. Por kjo tregon thelbin e artit - nuk duhet t'i lërë njerëzit indiferentë. Otavio dhe Gustavo besojnë se detyra e grafitit, si çdo art, është të bëjë një person të ndihet.

Artistët shpesh marrin pjesë në ekspozita. Por sa herë kujtojnë: ajo që shikon shikuesi në galeri nuk mund të quhet më art rruge. Kjo është pikturë, dizajn, gjithçka përveç grafitit. Edhe nëse fotografia në ekspozitë përsërit saktësisht imazhin në murin e rrugës. Kështu, vëllezërit mbrojnë "pastërtinë" e zhanrit të grafitit.

8. Gaia

Gaia është një artiste e talentuar nga Baltimore, SHBA. Gaia është perëndeshë e tokës në mitologjinë greke. Ajo është mbrojtësja e gjithë jetës në planet. Ky emër i nxiti artistit temën e krijimtarisë. Gaia vizaton kafshë. Në këtë mënyrë, ai dëshiron t'i shtojë natyrën peizazhit gri urban. Jepni frymë qyteteve të gurta.

Artisti e merr seriozisht zgjedhjen e kafshës që do të tregojë në mur. Çdo foto ka kuptimin e vet. Ndonjëherë është tradicionale. Për shembull, një pëllumb është një simbol i paqes. Por më shpesh, Gaia kombinon disa kafshë në një foto: një tigër me veshë lepur ose një gjirafë me një bisht peshku.

Artisti është vazhdimisht në punë. Përditshmëria e tij është zgjimi në orën 9 të mëngjesit, disa orë të lira që shkojnë për të kontrolluar rrjetet sociale dhe më pas punë deri në mbrëmje. Gaia po punon çdo ditë në projekte të reja. Dhe artisti nuk do të harrojë grafitin. Arti i rrugës për të është një mënyrë për të eksploruar botën përreth tij.

9.Lisi lisi

Artist francez që krijon art argëtues dhe kreativ në rrugë. Ai e quan veten ose "piktor", ose "fshesar i rrugëve", por pas një modestie të tillë fshihet talenti. Ai di të kthejë çdo gjë të vogël në art. Shkallët, tubacionet, shtyllat, asfalti i pabarabartë, grilat, hijet e pemëve... Absolutisht gjithçka.

Nëse mendoni se të gjithë artistët e mëdhenj janë në të kaluarën, atëherë nuk e keni idenë se sa gabim e keni. Në këtë artikull do të mësoni për artistët më të famshëm dhe më të talentuar të kohës sonë. Dhe, më besoni, veprat e tyre do të qëndrojnë në kujtesën tuaj jo më pak thellë se veprat e maestros nga epokat e kaluara. Wojciech Babski

Wojciech Babski është një artist bashkëkohor polak. Studimet i kreu në Institutin Politeknik Silesian, por u lidh me pikturën. Kohët e fundit ai pikturon kryesisht femra. Përqendrohet në shfaqjen e emocioneve, kërkon të marrë efektin më të madh të mundshëm me mjete të thjeshta.

I pëlqen ngjyra, por shpesh përdor nuancat e zezë dhe gri për të arritur përshtypjen më të mirë. Nuk keni frikë të eksperimentoni me teknika të reja. Kohët e fundit ai po fiton gjithnjë e më shumë popullaritet jashtë vendit, kryesisht në Britaninë e Madhe, ku shet me sukses veprat e tij, të cilat tashmë mund të gjenden në shumë koleksione private. Përveç artit, ai është i interesuar për kozmologji dhe filozofi. Dëgjon xhaz. Aktualisht jeton dhe punon në Katovicë.

Warren Chang

Warren Chang është një artist bashkëkohor amerikan. I lindur në vitin 1957 dhe i rritur në Monterey, Kaliforni, ai u diplomua me lavdi të madhe nga Kolegji i Dizajnit të Qendrës së Artit në Pasadena në vitin 1981 me një diplomë Bachelor në Artet e Bukura në pikturë. Për dy dekadat e ardhshme, ai punoi si ilustrues për kompani të ndryshme në Kaliforni dhe Nju Jork përpara se të fillonte karrierën e tij si artist profesionist në 2009.

Pikturat e tij realiste mund të ndahen në dy kategori kryesore: piktura biografike të brendshme dhe piktura që përshkruajnë njerëzit që punojnë. Interesi i tij për këtë stil të pikturës i ka rrënjët në punën e piktorit të shekullit të 16-të, Jan Vermeer, dhe shtrihet në objekte, autoportrete, portrete të anëtarëve të familjes, miqve, studentëve, studios, klasës dhe ambienteve të brendshme të shtëpisë. Qëllimi i tij është të krijojë humor dhe emocion në pikturat e tij realiste përmes manipulimit të dritës dhe përdorimit të ngjyrave të heshtura.

Chang u bë i famshëm pas kalimit në artet pamore tradicionale. Gjatë 12 viteve të fundit, ai ka fituar çmime dhe nderime të shumta, ku më prestigjiozja është nënshkrimi Master nga Oil Painters of America, komuniteti më i madh i pikturës së vajit në Shtetet e Bashkuara. Vetëm një person nga 50 është i nderuar me mundësinë për të marrë këtë çmim. Aktualisht, Warren jeton në Monterey dhe punon në studion e tij, ai gjithashtu jep mësim (i njohur si mësues i talentuar) në Akademinë e Arteve të San Franciskos.

Aurelio Bruni është një piktor italian. Lindur në Blair, 15 tetor 1955. Është diplomuar për skenografi në Institutin e Arteve në Spoleto. Si artist, ai është autodidakt, pasi në mënyrë të pavarur “ndërtoi shtëpinë e dijes” mbi themelet e hedhura në shkollë. Ai filloi të pikturojë me vaj në moshën 19-vjeçare. Aktualisht jeton dhe punon në Umbria.

Piktura e hershme e Brunit i ka rrënjët në surrealizëm, por me kalimin e kohës ai fillon të fokusohet në afërsinë e romantizmit lirik dhe simbolizmit, duke e përforcuar këtë kombinim me sofistikimin dhe pastërtinë e hollë të personazheve të tij. Objektet e gjalla dhe të pajetë fitojnë dinjitet të barabartë dhe duken pothuajse hiper-realiste, por në të njëjtën kohë, ato nuk fshihen pas një perde, por ju lejojnë të shihni thelbin e shpirtit tuaj. Shkathtësia dhe sofistikimi, sensualiteti dhe vetmia, mendimi dhe frytshmëria janë shpirti i Aurelio Brunit, i ushqyer nga shkëlqimi i artit dhe harmonia e muzikës.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos është një artist bashkëkohor polak i specializuar në pikturën në vaj. I lindur në vitin 1970 në Gliwice të Polonisë, por që nga viti 1989 jeton dhe punon në SHBA, në qytetin Shasta të Kalifornisë.

Si fëmijë, ai studioi artin nën drejtimin e babait të tij Janit, një artist dhe skulptor autodidakt, kështu që që në moshë të re, veprimtari artistike mori mbështetje të plotë nga të dy prindërit. Në vitin 1989, në moshën tetëmbëdhjetë vjeç, Balos u largua nga Polonia për në Shtetet e Bashkuara, ku mësuesja e tij e shkollës dhe artistja me kohë të pjesshme Cathy Gaggliardi inkurajoi Alcasander të regjistrohej në shkollën e artit. Balos më pas mori një bursë të plotë në Universitetin e Milwaukee Wisconsin, ku studioi pikturë me profesorin e filozofisë Harry Rosin.

Pasi përfundoi studimet në 1995 dhe mori një diplomë bachelor, Balos u transferua në Çikago për të ndjekur shkollën. artet pamore, metodat e të cilit bazohen në veprën e Jacques-Louis David. Realizmi figurativ dhe portreti përbënin pjesën më të madhe të punës së Balos në vitet '90 dhe në fillim të viteve 2000. Sot, Balos përdor figurën njerëzore për të nxjerrë në pah veçoritë dhe të metat e ekzistencës njerëzore, pa ofruar asnjë zgjidhje.

Kompozimet e komplotit të pikturave të tij synohen të interpretohen në mënyrë të pavarur nga shikuesi, vetëm atëherë kanavacat do të fitojnë kuptimin e tyre të vërtetë kohor dhe subjektiv. Në vitin 2005, artisti u transferua në Kaliforninë Veriore, që atëherë fushëveprimi i punës së tij është zgjeruar ndjeshëm dhe tani përfshin metoda më të lira të pikturës, duke përfshirë abstraksionin dhe stile të ndryshme multimediale që ndihmojnë në shprehjen e ideve dhe idealeve të të qenit përmes pikturës.

Alyssa Monks është një artiste bashkëkohore amerikane. Ajo ka lindur në vitin 1977 në Ridgewood, New Jersey. Ajo u interesua për pikturën kur ishte ende fëmijë. Ajo ndoqi shkollën e re në Nju Jork dhe Universitetin Shtetëror Montclair dhe u diplomua në Kolegjin e Bostonit në vitin 1999 me një diplomë bachelor. Në të njëjtën kohë ajo studioi për pikturë në Akademinë Lorenzo Medici në Firence.

Më pas ajo vazhdoi studimet nën programin për master në Akademinë e Arteve të Nju Jorkut, në Departamentin e Artit Figurativ, duke u diplomuar në vitin 2001. Ajo u diplomua në Kolegjin Fullerton në 2006. Për disa kohë ajo ligjëroi në universitete dhe institucionet arsimore në të gjithë vendin, duke mësuar pikturë në Akademinë e Artit të Nju Jorkut, si dhe në Universitetin Shtetëror Montclair dhe Kolegjin e Artit të Akademisë Lyme.

“Duke përdorur filtra të tillë si qelqi, vinili, uji dhe avulli, unë shtrembëroj Trupi i njeriut. Këta filtra ju lejojnë të krijoni zona të mëdha të dizajnit abstrakt, me ishuj ngjyrash që vështrojnë nëpër to - pjesë të trupit të njeriut.

Pikturat e mia ndryshojnë pamjen moderne të pozave dhe gjesteve tashmë të vendosura, tradicionale të grave që lahen. Ata mund t'i tregonin shumë një shikuesi të vëmendshëm për gjëra të tilla në dukje të vetëkuptueshme si përfitimet e notit, kërcimit etj. Personazhet e mi janë të shtypur pas xhamit të dritares së kabinës së dushit, duke shtrembëruar trupin e tyre, duke kuptuar se në këtë mënyrë ndikojnë në pamjen famëkeqe mashkullore ndaj një gruaje lakuriq. Shtresat e trasha të bojës përzihen për të imituar qelqin, avullin, ujin dhe mishin nga larg. Megjithatë, nga afër, i lezetshëm vetitë fizike boje vaji. Duke eksperimentuar me shtresat e bojës dhe ngjyrës, gjej momentin kur goditjet abstrakte bëhen diçka tjetër.

Kur nisa për herë të parë të pikturoja trupin e njeriut, u magjepsa dhe madje u fiksova pas tij dhe ndjeva se duhej t'i bëja pikturat e mia sa më realiste. Unë e "profesova" realizmin derisa filloi të zbërthehej dhe zbërthehej. Tani po eksploroj mundësitë dhe potencialin e një stili pikture ku piktura përfaqësuese dhe abstraksioni takohen - nëse të dy stilet mund të bashkëjetojnë në të njëjtin moment në kohë, unë do ta bëj atë.

Artisti italian - vëzhgues i kohës“- Antonio Finelli ka lindur më 23 shkurt 1985. Aktualisht jeton dhe punon në Itali midis Romës dhe Campobasso. Punimet e tij janë ekspozuar në disa galeri në Itali dhe jashtë saj: Romë, Firence, Novara, Xhenova, Palermo, Stamboll, Ankara, Nju Jork, si dhe mund të gjenden në koleksione private dhe publike.

vizatime me laps " Vrojtues i kohës» Antonio Finelli na dërgon në një udhëtim të përjetshëm Bota e brendshme përkohshmërinë njerëzore dhe analizën rigoroze të kësaj bote të lidhur me të, elementi kryesor i së cilës është kalimi në kohë dhe gjurmët që ajo shkakton në lëkurë.

Finelli pikturon portrete të njerëzve të çdo moshe, gjinie dhe kombësie, shprehjet e fytyrës së të cilëve tregojnë kalimin nëpër kohë, dhe artisti gjithashtu shpreson të gjejë prova të pamëshirshmërisë së kohës në trupat e personazheve të tij. Antonio i përcakton veprat e tij si një, emer i perbashket: "Autoportret", sepse në vizatimet e tij me laps ai jo vetëm që përshkruan një person, por lejon shikuesin të sodit rezultate reale kalimi i kohës brenda një personi.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni është një artiste italiane 37-vjeçare, vajza e një diplomati. Ajo ka tre fëmijë. Dymbëdhjetë vjet ajo jetoi në Romë, tre vjet në Angli dhe Francë. Mori një diplomë në histori arti nga Shkolla e Artit BD. Pastaj ajo mori një diplomë në specialitetin e restauruesit të veprave të artit. Para se ta gjente thirrjen e saj dhe t'i përkushtohej tërësisht pikturës, ajo punoi si gazetare, koloriste, stiliste dhe aktore.

Pasioni i Flaminias për pikturën lindi që në fëmijëri. Mediumi i saj kryesor është vaji, sepse i pëlqen “coiffer la pate” dhe luan edhe me materialin. Ajo mësoi një teknikë të ngjashme në veprat e artistit Pascal Torua. Flaminia është frymëzuar nga mjeshtrit e mëdhenj të pikturës si Balthus, Hopper dhe François Legrand, si dhe nga lëvizje të ndryshme arti: arti i rrugës, realizmi kinez, surrealizmi dhe realizmi i rilindjes. Artisti i saj i preferuar është Caravaggio. Ëndrra e saj është të zbulojë fuqinë terapeutike të artit.

Denis Chernov është një artist i talentuar ukrainas, i lindur në 1978 në Sambir, rajoni Lviv, Ukrainë. Pas diplomimit në Kolegjin e Arteve në Kharkov në vitin 1998, ai qëndroi në Kharkov, ku jeton dhe punon aktualisht. Ai gjithashtu studioi në Kharkov akademi shtetërore dizajn dhe art, dega e grafikës, e diplomuar në vitin 2004.

Ai merr pjesë rregullisht në ekspozita arti, në ky moment kishte më shumë se gjashtëdhjetë prej tyre, si në Ukrainë ashtu edhe jashtë saj. Shumica e veprave të Denis Chernov mbahen në koleksione private në Ukrainë, Rusi, Itali, Angli, Spanjë, Greqi, Francë, SHBA, Kanada dhe Japoni. Disa nga veprat u shitën në Christie's.

Denis punon në një gamë të gjerë teknikash grafike dhe pikture. Vizatimet me laps janë një nga metodat e tij të preferuara të pikturës, lista e temave të vizatimeve të tij me laps është gjithashtu shumë e larmishme, ai pikturon peizazhe, portrete, nudo, kompozime zhanre, ilustrime librash, rindërtime letrare dhe historike dhe fantazi.

Iruvan Karunakaran

Iruvan Karunakaran është një artist indian që pikturon piktura realiste të bazuara në fshatin indian. Thelbi jo modest i Indisë rurale merr jetë në veprat e tij.

Arti Iruvan - interpretime të përpikta por të ndërlikuara të skenave jetë fshati, rrugë, kujtime të ndryshme të lashtësisë së fshatit, njerëz që kryejnë rituale apo të zhytur në përditshmërinë e rrënjosur thellë në gjakun e fshatarëve. Vepra e tij realiste e artit, e bërë duke përdorur një thikë palete, të mahnit sa herë që e shikon.

“Duke ardhur nga Madurai, Tamil Nadu, në një fshat, më pëlqen ndjesia e mungesës së kohës që kalon në fshat dhe qetësisë së njerëzve të tij. Si një banor urban që ka jetuar në Hyderabad për më shumë se një dekadë, unë jam i magjepsur nga ndërthurja e ndërlikuar e historisë dhe modernes që shihni në disa nga vendet më ikonike në Indi. Rrugët më frymëzojnë më shumë. Ata vijnë nga diku dhe shkojnë diku tjetër….

Ka një ndjenjë sikur jeni duke qëndruar në një pikë të quajtur sot, me të djeshmen pas shpine dhe të nesërmen përpara. Njerëzit priren në rrugë dhe rrugë ... duan të arrijnë "diku" dhe "diçka" për të bërë. Çdokush mund të jetë personazhet e pikturave të mia: një burrë që tërheq një karrocë - ai sapo u dorëzua nga vështirësitë e jetës ... një tregtar i zënë që ecën me kokëfortësi drejt qëllimit të tij ... një moto rickshaw i vetmuar ose një çiklist ... një grua e moshuar shitja e luleve dhe një qen i përgjumur që pushon pavarësisht zhurmës...lëvizja e vazhdueshme dhe ndërrimi i rrugëve i bën njerëzit të ndihen të gjallë. A ka vend më të mirë për të parë jetën sesa në rrugë?”

Vasily Hribennikov

Emri i artistit Vasily Ivanovich Gribennikov është i njohur për një gamë të gjerë koleksionistësh arti në Rusi, Evropë, SHBA dhe Kinë. Piktura e tij është një shembull i gjallë i vazhdimit të traditave të shkollës klasike të mjeshtrave të mëdhenj rusë. Vasily Ivanovich lindi në 1951 në fshatin Zavetnoye, Rajoni i Rostovit.

Edukimi artistik shërbeu si bazë për ngritjen në lartësitë profesionale. Në vitin 1974 u diplomua në departamentin e artit dhe grafikës të Kubanit Universiteti Shtetëror. Zhvillimi i aftësive natyrore të artistit dhe përmirësimi i aftësive teknike të fituara gjatë viteve të studimit u lehtësuan nga puna aktive krijuese, e cila vazhdoi edhe pas diplomimit në universitet. Sot, përvoja e fituar nga piktori e lejon atë të aplikojë lirisht zhanre të ndryshme pikturë, krijimin e peizazheve dhe natyrave të qeta, punë në zhanrin historik.

Nëse mendoni se të gjithë artistët e mëdhenj janë në të kaluarën, atëherë nuk e keni idenë se sa gabim e keni. Në këtë artikull do të mësoni për artistët më të famshëm dhe më të talentuar të kohës sonë. Dhe, më besoni, veprat e tyre do të mbeten në kujtesën tuaj jo më pak thellë se veprat e maestros nga epokat e kaluara.

Wojciech Babski

Wojciech Babski është një artist bashkëkohor polak. Ai përfundoi studimet në Institutin Politeknik Silesian por u lidh me pikturën. Kohët e fundit ai pikturon kryesisht femra. Përqendrohet në shfaqjen e emocioneve, kërkon të marrë efektin më të madh të mundshëm me mjete të thjeshta.

Warren Chang

Aurelio Bruni

Aleksander Balos

Që fëmijë studioi për art nën drejtimin e babait të tij Janit, një artist dhe skulptor autodidakt, ndaj që në moshë të vogël veprimtaria artistike mori mbështetje të plotë nga të dy prindërit. Në vitin 1989, në moshën tetëmbëdhjetë vjeç, Balos u largua nga Polonia për në Shtetet e Bashkuara, ku mësuesja e tij e shkollës dhe artistja me kohë të pjesshme Cathy Gaggliardi inkurajoi Alcasander të regjistrohej në shkollën e artit. Balos më pas mori një bursë të plotë në Universitetin e Milwaukee Wisconsin, ku studioi pikturë me profesorin e filozofisë Harry Rosin.

Pas përfundimit të studimeve në vitin 1995 me një diplomë bachelor, Balos u zhvendos në Çikago për të studiuar në Shkollën e Arteve të Bukura, metodat e të cilit bazohen në punën e Jacques-Louis David. Realizmi figurativ dhe portreti përbënin pjesën më të madhe të punës së Balos në vitet '90 dhe në fillim të viteve 2000. Sot, Balos përdor figurën njerëzore për të nxjerrë në pah veçoritë dhe të metat e ekzistencës njerëzore, pa ofruar asnjë zgjidhje.

Alyssa Monks

Më pas ajo vazhdoi studimet nën programin për master në Akademinë e Arteve të Nju Jorkut, në Departamentin e Artit Figurativ, duke u diplomuar në vitin 2001. Ajo u diplomua në Kolegjin Fullerton në 2006. Ajo ligjëroi shkurtimisht në universitete dhe institucione arsimore anembanë vendit dhe dha mësim pikturë në Akademinë e Artit të Nju Jorkut, si dhe në Universitetin Shtetëror Montclair dhe Kolegjin e Artit të Akademisë Lyme.

“Duke përdorur filtra si qelqi, vinili, uji dhe avulli, unë shtrembëroj trupin e njeriut. Këta filtra ju lejojnë të krijoni zona të mëdha të dizajnit abstrakt, me ishuj ngjyrash që vështrojnë nëpër to - pjesë të trupit të njeriut.

Pikturat e mia ndryshojnë pamjen moderne të pozave dhe gjesteve tashmë të vendosura, tradicionale të grave që lahen. Ata mund t'i tregonin shumë një shikuesi të vëmendshëm për gjëra të tilla në dukje të vetëkuptueshme si përfitimet e notit, kërcimit etj. Personazhet e mi janë të shtypur pas xhamit të dritares së kabinës së dushit, duke shtrembëruar trupin e tyre, duke kuptuar se në këtë mënyrë ndikojnë në pamjen famëkeqe mashkullore ndaj një gruaje lakuriq. Shtresat e trasha të bojës përzihen për të imituar qelqin, avullin, ujin dhe mishin nga larg. Megjithatë, nga afër, vetitë fizike të mahnitshme të bojës së vajit bëhen të dukshme. Duke eksperimentuar me shtresat e bojës dhe ngjyrës, gjej momentin kur goditjet abstrakte bëhen diçka tjetër.

Antonio Finelli

vizatime me laps " Vrojtues i kohës» Antonio Finelli na dërgon në një udhëtim të përjetshëm nëpër botën e brendshme të përkohshmërisë njerëzore dhe analizën rigoroze të kësaj bote të lidhur me të, elementi kryesor i së cilës është kalimi në kohë dhe gjurmët që ajo shkakton në lëkurë.

Finelli pikturon portrete të njerëzve të çdo moshe, gjinie dhe kombësie, shprehjet e fytyrës së të cilëve tregojnë kalimin nëpër kohë, dhe artisti gjithashtu shpreson të gjejë prova të pamëshirshmërisë së kohës në trupat e personazheve të tij. Antonio i përkufizon veprat e tij me një titull të përgjithshëm: "Autoportret", sepse në vizatimet e tij me laps ai nuk përshkruan thjesht një person, por lejon shikuesin të mendojë rezultatet reale të kalimit të kohës brenda një personi.

Flaminia Carloni

Denis Chernov

Denis Chernov është një artist i talentuar ukrainas, i lindur në 1978 në Sambir, rajoni Lviv, Ukrainë. Pas diplomimit në Kolegjin e Arteve në Kharkov në vitin 1998, ai qëndroi në Kharkov, ku jeton dhe punon aktualisht. Ai gjithashtu studioi në Akademinë Shtetërore të Dizajnit dhe Arteve në Kharkov, Departamenti i Grafikës, i diplomuar në 2004.

Ai merr pjesë rregullisht në ekspozita arti, për momentin ka pasur më shumë se gjashtëdhjetë prej tyre, si në Ukrainë ashtu edhe jashtë saj. Shumica e veprave të Denis Chernov mbahen në koleksione private në Ukrainë, Rusi, Itali, Angli, Spanjë, Greqi, Francë, SHBA, Kanada dhe Japoni. Disa nga veprat u shitën në Christie's.

Iruvan Karunakaran

Iruvan Karunakaran është një artist indian që pikturon piktura realiste të bazuara në fshatin indian. Thelbi jo modest i Indisë rurale merr jetë në veprat e tij.

Arti i Iruvanit është përshkrim i përpiktë por i ndërlikuar i skenave të jetës së fshatit, rrugëve, kujtimeve të ndryshme të lashtësisë së fshatit, njerëzve që kryejnë rituale ose të zhytur në rutinën e përditshme që është rrënjosur thellë në gjakun e fshatarëve. Vepra e tij realiste e artit, e bërë duke përdorur një thikë palete, të mahnit sa herë që e shikon.

Edukimi artistik shërbeu si bazë për ngritjen në lartësitë profesionale. Në vitin 1974 u diplomua në departamentin e artit dhe grafikës të Universitetit Shtetëror Kuban. Zhvillimi i aftësive natyrore të artistit dhe përmirësimi i aftësive teknike të fituara gjatë viteve të studimit u lehtësuan nga puna aktive krijuese, e cila vazhdoi edhe pas diplomimit në universitet. Sot, përvoja e fituar nga piktori e lejon atë të aplikojë lirisht në zhanre të ndryshme të pikturës, të krijojë peizazhe dhe natyra të qeta dhe të punojë në zhanrin historik.