Стрит-арт – это искусство вызова. Муралы и граффити оживляют города, восхищают или раздражают публику. Многие творцы стрит-арта прошли путь от нелегального разрисовывания стен – до всемирной славы. Вашему вниманию предлагаются лучшие работы мастеров уличного искусства.

1. Nevercrew

Nevercrew – это проект двух художников из Швейцарии. Кристиан Ребеччи и Пабло Тогни создают композиции, которые не только захватывают своей красотой, но и заставляют задуматься. Тема их творчества – экология.

Пабло и Кристиан сначала ходили в одну школу, а потом – академию живописи. До того, как художники решили создать общий проект, каждый занимался скульптурой, иллюстрацией и граффити. Такая разноплановость заметна и на муралах – изображения выглядят объемными, а значит, художники умеют применить приемы, выработанные для скульптуры и других жанров. Каждая картина поражает палитрой оттенков. И на каждом изображении обязательно присутствуют тени. Именно эта незаметная мелочь и создает ощущение реальности.

Некоторые картины выглядят фантастическими, ломают всякую логику. Но за каждой из них – одна и та же идея: природа. Художники напоминают, что на земле есть животные, которые нуждаются в нашей защите. Чаще всего на рисунках красуются большие звери – киты или медведи.

Размер картин тоже имеет смысл. Это огромные рисунки, рядом с которыми человек должен почувствовать себя маленьким. Таким образом художники напоминают, что человек – часть природы.

2. Эдуардо Кобра

Бразилия – страна, в которой стрит-арт ценится даже городскими властями. Эдуардо Кобра – бразильский художник, чьи работы восхищают яркостью.

В творчестве он использует множество техник, и это заметно. Каждая картина проработана до мельчайших деталей. Его муралы часто называют «фотограффити». Ведь на некоторых с фотографической точностью изображены знаменитые люди, например: Дали, Эйнштейн и Леннон.

Эдуардо создает объемные картины. Но не простые – их объем виден только под каким-то одним ракурсом. Так интересней: можно ходить мимо изображения и рассматривать, как картина меняется на глазах.

3. Swoon

Swoon в переводе с английского означает «обморок». Это псевдоним американской художницы, которая создает принты с изображением людей – и украшает ими улицы. Чаще всего художница работает с заброшенными местами – старыми зданиями, мостами, пожарными лестницами... Почему так? Swoon получила художественное образование и почувствовала, что не хочет «сдерживать» свое творчество. Не хочет писать картины, которые останутся закрытыми в музеях или галереях. Она поняла, что хочет стать частью мира. И выход нашелся: приклеивание картин к стенам. Само действие – символическое. Это соединение с миром, его изменение.

Люди на картинах – друзья и родственники художницы. Выбор портретов тоже не случайный. Swoon говорит, что каждый человек – носитель чувств. И именно портрет отражает переживания. Можно поймать яркий момент – и перенести его на картину.

4. Этам Крю

Этам Крю – псевдоним двух польских художников. Их муралы поражают размерами. Огромные рисунки от Этам Крю украшают дома по всей Восточной Европе. Художники не собираются останавливаться на достигнутом и планируют объездить всю Европу и посетить Америку.

Польские власти по достоинству оценили художников – и сами заказывают им роспись очередного дома. Так дом превращается в объект искусства. Многие туристы, приезжая в Польшу, идут на экскурсию, чтобы увидеть все картины художников.

Такая работа забирает много сил и времени, но результат оправдывает ожидания. В своем творчестве Этам Крю обращаются к фольклорным мотивам, а также стилю сюрреализм.

5. Арон де ла Круз

Арон де ла Круз – художник и дизайнер из Калифорнии. Арон – настоящий реформатор в искусстве граффити. Его стиль – минимализм. Оказывается, минимализм возможен и в уличном искусстве.

Художник заинтересовался граффити с самого детства – с 7 лет. А с 12 уже стал пробовать себя в этом деле. То, что Арон создает сейчас – не совсем граффити. Его искусство можно назвать «уличным» только по одной причине – это рисунки на стенах. Сам художник не считает, что рисует граффити. При этом признает: каждый зритель может сам решать, как называется такое искусство. Любое название его устроит.

Что такое искусство? Арон говорит, что искусство – это вызов. Прежде всего – вызов себе. Каждый раз художник проверяет – сможет ли он создать такое произведение, которое найдет отклик в сердцах людей. Арон использует минимум материалов в своем творчестве. А еще – работает без эскизов. Рисует сразу. Спонтанное творчество он называет работой с эмоциями. Сами чувства ведут его. И процесс творчества становится увлекательным путешествием, ведь идущий не знает, куда заведет дорога.

Сейчас Арон живет и работает в Сан-Франциско. Его не пугают большие стены – за роспись огромных пространств художник берется с удовольствием. Более того – он мечтает о целой улице, украшенной его работами. И верит, что в будущем обязательно осуществит эту мечту.

Творчество Арона становится все более популярным. Его рисунки уже украшают не только стены, но и одежду. Минималистический орнамент на футболке смотрится стильно и необычно.

6. Bordalo II

И еще один экологический проект. Bordalo – португальский художник, который использует в творчестве... мусор. Зачем? Художник родился в 1987 году. Свою эпоху он называет «временем потребителей». В развитых странах производится больше товаров, чем нужно человеку, при этом остается огромное количество отходов.

Художник говорит:

«То, что для одного мусор – для другого сокровище».

И использует отходы производства для создания муралов, которые напоминают людям о состоянии планеты.

7. Ос Жемеос

Ос Жемеос – это псевдоним, за которым стоят два художника. Братья Пандольфо – Отавио и Густаво. Братья-близнецы родились в Бразилии. Именно бразильская культура и народное творчество сформировали стиль художников.

Братья считают, что стиль – это индивидуальность человека. Каждый из нас – особенный. Главное понять, в чем же твоя уникальность – и развивать ее. При этом, стиль не должен ограничивать творца. Не стоит бояться выйти за рамки. Любое отклонения от стиля – это поиск. Важно не стоять на месте, а развиваться и экспериментировать.

Творческий путь братьев начался с росписей улиц недалеко от дома. Сначала они просто копировали своих любимых граффити-мастеров, а со временем начали творить собственное искусство. Чаще всего они рисуют желтолицых людей. Почему желтый? Желтый, по мнению братьев, это цвет мечты. Плюс влияние бразильской культуры – с ее яркими солнечными красками.

Теперь дуэт Ос Жемеос популярен по всему миру. Братья много путешествуют и стараются разукрасить как можно больше городов. Они рисуют не только на стенах, но и на поездах. Любовь к поездам у художников с детства. В начале карьеры они рисовали на вагонах тайком, а теперь их приглашают поучаствовать в проектах дизайна вагонов.

В 2007 году братья расписали шотландский средневековый замок. На самом видном месте – типичный желтый персонаж. Публика восприняла этот проект неоднозначно: одни люди были в восторге, другие называли роспись не творчеством, а надругательством над древним замком. Но это и показывает суть искусства – оно не должно оставлять людей равнодушными. Отавио и Густаво считают, что задача граффити, как и любого искусства – заставить человека чувствовать.

Художники часто принимают участия в выставках. Но каждый раз они напоминают: то, что зритель видит в галерее – уже нельзя назвать уличным искусством. Это живопись, дизайн, все что угодно – только не граффити. Даже если картина на выставке точно повторяет изображение на уличной стене. Таким образом братья отстаивают «чистоту» жанра граффити.

8. Гея

Гея – талантливый художник из города Балтимор, США. Гея – богиня земли в греческой мифологии. Она – покровительница всего живого на планете. Это имя и подсказало художнику тематику творчества. Гея рисует животных. Таким образом он хочет добавить природу в серый городской пейзаж. Вдохнуть жизнь в каменные города.

Художник серьезно относится к выбору животного, которое будет красоваться на стене. Каждая картина имеет свой смысл. Иногда – традиционный. Например, голубь – символ мира. Но чаще всего Гея совмещает несколько животных в одной картине: тигр с ушами зайца или жираф с рыбьим хвостом.

Художник постоянно в работе. Его режим дня – это подъем в 9 утра, несколько свободных часов, которые уходят на проверку соцсетей, а дальше – работа до самого вечера. Каждый день Гея работает над новыми проектами. И про граффити художник не собирается забывать. Уличное искусство для него – это способ познавать мир вокруг.

9. OakOak

Французский художник, который создает веселый и креативный стрит-арт. Себя называет то «малевателем», то «марателем улиц», но за такой скромностью прячется талант. Любую мелочь он умеет превратить в искусство. Лестницы, трубы, столбы, неровный асфальт, решетки, тени от деревьев... Абсолютно все.

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.Wojciech Babski

Войцех Бабски - современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг - современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них - Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Аурелио Бруни - итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно «возводил дом знаний» на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос - современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Алисса Монкс - современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

«Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета - частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я «исповедовала» реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция - если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю».

Итальянский художник - «Наблюдатель времени » - Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом «Наблюдателя времени » Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: «Автопортрет», потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони - итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда - масло, потому что она любит «coiffer la pate» и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Денис Чернов - талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на «Кристис».

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом - один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

Iruvan Karunakaran

Ируван Карунакаран - индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана - тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

«Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть «куда-то» и «что-то» сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку - он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?»

Vasiliy Hribennikov

Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски - современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг - современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них - Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни - итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно «возводил дом знаний» на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос - современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс - современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

«Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета - частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я «исповедовала» реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция - если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю».

Antonio Finelli

Итальянский художник - «Наблюдатель времени » - Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом «Наблюдателя времени » Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: «Автопортрет», потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони - итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда - масло, потому что она любит «coiffer la pate» и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов - талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на «Кристис».

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом - один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

Iruvan Karunakaran

Ируван Карунакаран - индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана - тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

«Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть «куда-то» и «что-то» сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку - он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?»

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.