Влияние современного искусства на дизайн-проектирование. Тенденции развития современного искусства: модернизм и постмодернизм
По определению современным называется искусство, которое можно рассматривать в тот период времени, в котором оно создаётся. Сейчас на дворе первая половина 21 века. Существуют ли какие-то общие тенденции с искусством других эпох, есть ли некоторые закономерности в развитии? Вот на эти вопросы я и попытаюсь ответить, как человек, знающий историю искусств.
Альфонс Муха. "Времена Года".
Общие тенденции в развитии современного искусства:
1. Нравы общества всегда подспудно влияют на формирование стилей в искусстве.2. Любой стиль проходит несколько фаз (зарождение, расцвет, упадок).
3. Один стиль всегда обуславливает появление следующего не только по вертикальной направляющей, но и всевозможные ответвления – стилистические формы.
Обри Бердслей. "Смерть Пьеро".
Рассмотрим на конкретном примере стили эпохи МОДЕРН.1. Когда, где и как возник модерн (от французского слова moderne — современный). В 19 веке он был современным тому поколению людей, которое жило в ту эпоху. Стиль не появился просто так, обычно любое новое направление возникает, как веский аргумент тому, что уже не отображает дух времени, эстетических потребностей людей. Модерн пришёл на смену эклектике. Отличался утончённостью форм и в разных странах имел свои названия: Арт Нуво (во Франции), Юргенштиль (в Германии) и т.д. Эклектика, в свою очередь, была верхней точкой стиля Романтизм (французская революция), но на первый взгляд ничего нового в искусство не привнесла. Вся эпоха Эклектизма жила, генерируя идеи разных предшествующих стилей (этот тонкий момент нужно запомнить). Разумеется, что Модерн стал своеобразным скачком вперёд в развитии мирового искусства. Он предлагал утончённые формы не только в одежде, в мебели, в архитектуре, но и в градостроительстве в целом. Эмоционально и идеологически Модерн опирался на базу Готики (вспоминаем французские соборы), но был более демократичен, и плавность линий делала данное направление своеобразным. Верхняя точка развития стиля Модерн носит название – Декаданс. Декаданс долгое время считали болезненным отростком (подобие воспалённого аппендикса) во всей истории искусств, тому есть причины.
2. Эпохи и нравы. Модерн со всем своим изяществом и ярким эстетством скрывал внешние проявления негатива в любом государстве. Когда утончённо всё вокруг, то грязи не замечаешь, даже, не смотря на то, что она есть в избытке. Модерн был своего рода красивой обёрткой для начинки любых пороков человечества, жившего в середине 19 века. Но, рано или поздно, начинают кипеть страсти в обществе и, пиком этого кипения стал болезненный Декаданс. Чтобы деление было хотя бы относительно чётким, определимся так: Альфонс Муха и его эстетные барышни – Модерн, Обри Бердслей и его порочные фавны – Декаданс.
3. Совершенно не случайно взяты для изучения именно эти направления в мировом искусстве. Ко дню сегодняшнему они имеют самое прямое отношение. В России был ещё «модерн а ля рюс», ярчайшим представителем которого можно считать Виктора Васнецова. Впоследствии, после революции 1917 года, был русский Авангард, потом социалистический реализм и масса других стилей, но сегодня мы всем миром живём в эпоху ПОСТМОДЕРНА, которая базируется на трёх китах: эклектике, модерне и декадансе. То, что породило Модерн, стало основной базой для Постмодерна.
Платье, принтованное произведениями Альфонса Мухи. Эпоха Постмодерна.
Нравы общества таковы, что они не могут не влиять на формирование художественных стилей и несут в искусство не только свою энергетику, но и все пороки времени. Цитируемость предшествующих эпох убила в своё время эклектику, заменив её наиболее прогрессивным Модерном. А красота модерна была поругана Декадансом. Смотрим в этой связи на Постмодерн. Художники беззастенчиво берут идеи из всех эпох, культур любых народов, микшируют и синтезируют их, выдавая за свои изобретения. Если быть щепетильным, то это будет называться плагиатом (воровством), но это – один из основных принципов эпохи постмодерна не только в искусстве, но в обычных человеческих отношениях. Красть стало не зазорно и не стыдно – обыденно. Плюс всё это происходит на фоне технического прогресса. По большому счёту постмодерн – оцифровка творческого развития всех поколений планеты Земля находится в некоем эклектическом бреду. Пороки, которые были присущи эпохе Декаданса не ушли никуда, они усугубились: наркотики, вечный алкоголь, распущенность в половых отношениях. Эту статью пишет не обличитель человеческих пороков, а всего лишь – сухой констататор реалий и знаток истории искусств.
Вдохновение.
Сложнейшая тема для исследования. Оно приходит внезапно из глубин подсознания и исчезает точно так же – бесследно порою. Может ли современная действительность вдохновить на создание художественного шедевра в прикладных видах творчества? Думаю, что такое вполне возможно, даже если пренебречь всеми основными заповедями постмодерна:
Дисконсенсус – нежелание находить разумное решение. Вечный обострившийся конфликт не только поколений, а и любых взаимодействующих сторон.
Дискретность – отрицание очевидного прогресса в режиме он-лайн.
Нестабильность – всего, всегда, во всех сферах жизни.
Случайность – выбора любого решения, встречи во временном промежутке, фактор необходимости (взамен незапланированному элементу).
Игра – замена всего настоящего, глубокого, искреннего.
Анархия – отрицание любой иерархии, что весьма важно для понимания действий людей.
Рассеивание – отсутствие центра действия, мысли, ядра идеи.
Неопределенность – не способность правильно формулировать желания, потребности, часто невозможность выстраивать логические цепочки.
Эстетика полу-чего угодно, недо-взамен высокому вкусу. Иными словами вкусовщина во главе угла.
Виртуальная действительность, стремящаяся заменить реальную жизнь.
Высмеивание ценностей любых эпох, но в то же время использование этих же ценностей, ибо новые не созданы.
Те, кто умудряются жить принципами, привитыми с детства (если воспитание всё же имело место быть), наделены гораздо большей духовностью и потребностью этой духовностью делиться. Эти люди не испытывают суицидальных кризов, форматируют своё эмоциональное пространство и способны, со временем, предложить новое в развитии не только общества, но и культуры, изобразительного искусства, народных промыслов, опираясь на опыт прежних поколений и не страдающие пороками времени. Но таких творцов меньшинство. В мире чистогана сложно провозглашать культурные манифесты.
© Marina Ovchinnikova
P.S. Статья может быть рекомендована для распространения в сети интернет с единственной целью – дать людям шанс осмыслить идейные ценности той эпохи, в которой им выпало несчастье жить. Авторство сохранять необходимо, ибо автор готов отвечать за написанные слова сам, не перекладывая это груз на плечи других людей.
Наиболее ярко проблемы современного искусства проявляются при рассмотрении возникновения и функционирования таких направлений художественной культуры как модернизм и постмодернизм.
Возникновение модерна как изменения мировоззрения современного человека, как нового отношения к жизни, ярко выражается в художественной культуре и искусстве современности связано с новыми реалиями, которые принес начало ХХ века: разгар классовых войн, революции, первая мировая война, которые опустошили человеческую душу, уничтожили как темные, так и светлые стороны жизни, что в свою очередь приводят к расколотости мира, где человек не может найти себя. Лишение традиций, стремление к постоянной новизны является следствием расколотости мира, роздрибленности человеческого "Я", розбалансованности внутренних субстанциальных основ человеческой жизни. Такое видение мира, расколотость, "осколочнисть" присутствуют и в художественной жизни.
Модернизм - это внутренняя реакция художника на конфликтность мира, поиск своего Я в этом разобщенном мире. Часто в модернизме художник пытается не столько достичь гармонии формы и содержания, сколько из розирваннисть, и даже какую уродство, показать внутренний смысл чувствования мира художником. Человек чувственно разорвана, потому что мир разорван. Искусство, которое отражает такое состояние человека, художника, также является расторгнутым, не отвечает нам в наших поисках гармонии, не дает нам этой гармонии, но, с другой стороны, такой своим творчеством, искусство ставит проблему гармонии.
Развитие модернизма, как направление, возможен в постоянном противопоставлении традиции. Традиция присутствует всегда в модерне, хотя бы как оппозиция данном направлению.
Явление модернизма и авангардного искусства до сих пор вызывает дискуссии у исследователей по его ценностного нагрузки, сущности и исторической оправданности, тех "антропологических" последствий, которые несет в себе авангардное искусство.
Так, по мнению Леви-Стросс, авангард возникает как противопоставление, отрицание классического искусства.
Разделяя культуры на горячие и холодные, Леви-Стросс к горячим относит современное западноевропейское и американское общества, постоянно помнят о своей истории, и стараются ни в чем ее не повторить. В таких обществах придерживаются мнения о том, что когда произведение уже написано, то не следует его писать вторично. В холодной культуре, к которой относится большинство традиционных, восточных культур, стремятся воспроизводить готовый текст по возможности в неизменном виде. Хотя здесь предполагается мнение, что каждое новое исполнение может вносить свои вариации, но основной набор стандартных клише (формул) и схема построения текста должен быть все же неизменным. Однако эти традиции умирают на глазах. Авангард же стремится превратить культуру на горячую.
Авангард подрывает старую, и достаточно узкую (с позиций конца XX века - начала XXI вв.) Картезианскую схему в понимании сущности человека. По классического искусства, которому противостоит авангард, то оно развивалось в рамках парадигмы, которая была четко выражена Декартом еще в XVII веке. Понимание человечности, гуманизма, культуры, были воспитанные на идеалах разума, захватили представителей классического искусства и на этом поприще было создано большое количество произведений искусства, которые соответствовали званию Человека. Заодно классическое искусство через свою образный язык и средства выражения компенсировало односторонность и сухость сциентизма в духовном развитии европейского человека. Нужно упомянуть и о том, что классическим искусством были сформированы и собственные принципы, которые определили заранее развитие художественной культуры. Прежде всего это условность искусства, что позволяет всегда различить искусство и неискусство, уникальность художественного произведения, которая усматривает главным в творчестве художника работу с материалом и формой; направление и стиль, которые обеспечивают преемственность и историзм в искусстве. Авангард же отказался от всего, на что ориентировалось классическое искусство. Но человек и важнейшая атрибутивная признак человеческой личности - духовность осталась одной из основных проблем авангарда. Более того, можно сказать, что авангард расширил и обогатил функциональное понимание человека новыми гранями, углубил понятие художественности и преемственности культур. И хотя авангард разрушил связи с классикой и рационализмом в европейской культуре, но в нем найдено то, что связывает его с дорациональнимы мифологическими и другими формами ранних культур, источники которых находим в Африке, Америке, и других регионах.
Итак, ограничив интеллект, авангард вполне вернулся к инстинкту и эмоции, непосредственности и спонтанности. Новые модернисты утверждали культ особой, спонтанной чувственности. Первые шаги этого направления, которое было названо сюрреализмом, были связаны с "освобождением" чувственности художника, творческой души от традиционных убеждений. Раскрепощения чувственности было реакцией на рационализм Нового времени, реакцией на примитивизм и Ограниченный здравого смысла "обывателя".
Классическое искусство, в частности живопись, даже благодаря своей внутренней гармонии и стройности, не могло выразить суперечливись мира. И только с точки зрения норм классического искусства можно говорить "... об аномалиях модернизма, о несоответствии крайних его проявлений самому понятию искусства", поскольку для классики модернистское искусство бессодержательное.
Однако для последовательных сторонников модернизма присущей есть мнение, в соответствием с которой фигуративные методы и связи искусства с формами жизни в ХХ в. исчерпали себя, что эпохи особого расцвета реализма действительности были эпохами упадка. Авангард стремится разрушить традиционные классические формы, которые, поскольку являются классическими, должны воспроизводиться для каждого последующего поколения.
Одной из главных тенденций модернизма стало разрушение образа, как способа отречения от искусства, выхода за его пределы. Производится мнение, что человек не в состоянии осознать мир и освоить его в пластических образах, а из сферы плодотворно действующих традиций исключаются все реалистичные эпохи и вообще все фигуративные явления искусства прошлого, зато внедряется традиция, согласно которой создание или художественное познание мира происходит лишь в сферах модернового искусства. Модернизм переосмысливает само основание, на котором базируется классическое искусство.
В рамках модернизма были открыты и разработаны новые художественные методы и средства: поток сознания, коллаж, ассоциативный монтаж. Эти стилевые приемы обнаружили огромное влияние на развитие искусства прошлого века.
С конца 60-ых годов XX века модернизм начинает уступать свои позиции постмодернизма. Постмодернизмом позначуються новые тенденции, наметившиеся в культурной самосознания развитых стран Запада. Общей направленность этих настроений является борьба против канонов и классических приемов.
Главная тенденция постмодернизма - принципиальная несистематичностью, умышленное эклектизм. Его каноном выступает отсутствие любого канона. Постмодернисты разочаровались в идеалах и ценностях Возрождения и Просвещения с их верой в прогресс, торжество разума, безграничность человеческих возможностей. Сторонники постмодернизма пытаются привлечь к своему идейному поля весь опыт мировой художественной культуры, но не с целью просвещения, а с целью подвергнуть иронии этот опыт. Иронизм становится смислотворчу принципу мозаичного постмодернистского искусства.
Всего к Основные характеристики постмодернизма можно отнести:
принцип "двойного кодирования", состоящий из одновременной ориентации на массу и элиту;
обращение к забытым художественных традиций;
стилевой плюрализм (видео, инвайронмент, хэппенинг и др.);
обращение в гротескных типов художественной образности, иронии, иллюзии;
художественный экспансионизм, который распространяет и отождествляет понимание искусства с позахудожнимы сферами деятельности (экология, политика, информатика и др.), эстетизация истории и науки.
В культурно-эстетическом плане постмодернизм выступает как последователь авангардизма, полностью стирая грани между ранее самостоятельными сферами духовной культуры и уровнями сознания - между научным и обыденным, "высоким искусством" и массовой культурой.
Постмодернизм закрепляет переход от "произведения" до "конструкции", а его признанными художественными методами становятся компиляция и цитирование культурных образцов, коллаж.
Постмодернистские эксперименты вызвали к жизни стирание граней между традиционными видами и жанрами искусства.
Для постмодернизма, в частности поп-арта, характерно задача доказать возможность превращения любого предмета действительности на предмет искусства. Так, представители поп-арта подставку для бутылок, велосипедное колесо, писсуар выставляли в качестве предметов для эстетического наслаждения, пытаясь этим доказать, что красоту можно найти и в повседневных вещах, предметах быта.
Так, по мнению теоретиков постмодернизма, важен не сам предмет, а его название, а потому "консервная открывашка", представленной как "условия человеческого существования", приобретает статус произведения искусства. Ведь именно благодаря названию пробуждается интерес к представленному предмету и появляется желание высказать мнение относительно него, интерпретируя его как произведение искусства. М. Дюшан определил произведения искусства следующим образом: "Любая вещь является искусством, если она вырвана из ее бытовых связей, или если я показываю на нее пальцем. Для постмодерниста преимущество любого предмета повседневности, представленного как искусство, в его оригинальности, подлинности, а изображение предмета художником рассматривается как имитация, копия, лишенная оригинальности.
В классическом авангарде и новейшем искусстве, которое началось в 60-е годы с поп-арта, возникал независимое искусство, пробивалась свободная творческая мысль.
Однако установка, которую считают постмодернистской, а именно: обращаться к широкой аудитории через усвоение опыта всей мировой культуры не является исключительной находкой искусства второй половины XX в. Для художника всегда было значимым быть понятным, даже в том случае, когда он высказывает личное, субъективное, как это делает авангардист. Но художник лишь в том случае может быть понятным и признанным людьми, если он в той или иной форме обращается к людям. Как показал постмодернизм, такие формы есть две. Это когда художник говорит об общечеловеческих ценностях полностью от себя, выражая свою оригинальность через художественную форму и материал того или иного вида искусства. Это позиция классики и раннего модернизма. И, когда об этих же ценности, художник говорит цитатами, вещами с улицы, сценами из жизни. Это позиция постмодернизма и близкого к нему искусства.
Контркультура XX века - Это те же факты нового, неклассического типа, или захвачены принимаемых или захвачены игнорируются. Даже если контркультуру в целом и невозможно рассматривать в качестве фундамента будущего искусства, и все же она дала возможность по-новому взглянуть на традиции классического искусства, обнаружила основы для формирования новых традиций, вернула лицом философов и мыслителей к художественным традициям ранней и современной культуры Востока. Постмодернистская эстетика постепенно реабилитирует обоняние, осязание и вкус - так называемые низшие чувства сравнению с цветом и звуком. К переживанию искусства во всем спектре человеческой чувственности прилагается развернутая воображение и интуиция. А обогащение чувственности через сферу искусства может пойти двумя путями: путем новых технологий, которые удваивают и утраивают эффективность чувств и путем дальнейшего изучения экстрасенсорных способностей человека.
***
Таким образом, художественная культура является важной составляющей совокупной культуры человечества, аккумулирует духовный опыт предшествующих поколений, в искусстве ставит и решает проблемы взаимодействия человека с самим собой, другим человеком, миром, Богом, расширяет горизонты человеческой личности, ищет новые формы постижения человеком действительности.
Триумфальное возвращение классической картины; digital-революция имени Энди Уорхола и другие любопытные вещи, которые происходят в мире изящных искусств
Современное искусство больше не современно. Сontemporary art со всеми своими постмодернистскими трюками было придумано век назад.
Освежеванные туши коров, видеоперформансы, - поначалу это было увлекательно, но возникает вопрос, что же дальше. Смогут ли художники придумать что-то еще более абстрактное и непостижимое, чем квадрат Казимира Малевича и брызги Джексона Поллока?
Think outside the box, – советовал небезызвестный Бэнкси. Новые тренды в искусстве и арт-рынке пришли с неожиданной стороны.
Тренд № 1.
Рисованная картина: возвращение на трон
По мнению критиков, картина еще недавно «умирала», вытесняясь другими видами искусства – видеоартом, инсталляцией… В конце нулевых ситуация кардинально поменялась: картина возродилась как жанр.
Граница между fine art («изящное искусство», сделанное по старинке, кистью по холсту) и актуальным искусством (с его нарочитым безумием и нонкоформизмом) - внезапно куда-то улетучилась.
Зрители, а в первую очередь – сами художники - страшно соскучились по картинам в традиционном смысле. И выясняется, что здесь еще далеко не все сказано.
Однако, чтобы привлечь к себе внимание на гигантском, перенасыщенном арт-рынке, картина должна быть действительно талантливой.
Чешские художники Светлана Курмаз и Александр Сохт – яркие представители нового тренда. Знаменитые в Европе и США, они почти неизвестны в России, хоть и родом из Краснодарского края.
Супружеская пара давно эмигрировала в Прагу. Довольно быстро их работы обрели успех у западного сообщества.
Русские эмигранты с непростой судьбой теперь входят в список самых востребованный пул участниками престижных мировых арт-ярмарок и биеннале.
Не в последнюю очередь благодаря новому подходу к ведению арт-дел – поэтому именно на их примере мы рассмотрим свежие тренды.
От себя скажу: я недавно пересекся с блестящими работами Курмаз и Сохта и, совершенно не стесняясь, призываю вас с ним ознакомиться . Оно того решительно заслуживает.
Тренд № 2.
Революция интерфейсов: рисуешь на планшете, получается холст с маслом.
Повсеместное использование iPad-механик серьезно повлияло на технологию создания картин. Например, стала популярна фронтальная печать diasec: принципу, схожему с печатью фотографий, краски наносятся на акрил.
Надежда Воронина, арт-критик:
- Александр Сохт создает свои произведения в графических программах, которые затем переносит на холст, бумагу или diasec. Таким образом инновационные техники помогают эволюции творческого метода.
Тренд № 3.
Демократизация арт-рынка: теперь искусство коллекционируют не скучающие миллионеры, а обычные студенты и домохозяйки.
Удивительный факт: подлинник работы известного мастера теперь может стоить меньше 100 долларов. Европейская аудитория уже распробовала прелести арт-шоппинга и массово скупает работы современников.
Демократизация цен на высокое искусство особенно заметно на примере многолетнего успеха крупнейшей международной ярмарки AAF (Affordable Art Fair, «ярмарка доступного искусства»)
Для его организаторов важнейшим критерием отбора работ является их стоимость: она не должна превышать ценовой потолок, доступный людям среднего достатка.
Маркетинг эпохи копипаста и перепоста по-новому осмыслил идеи Уорхола: картина теперь может выпускаться в нескольких вариантах и с различной ценой.
Например, произведения тех же Курмаз и Сохта стоят совсем недешево. Но они придумали стратегию, которая позволяет захватить три разных ценовых категории.
Стратегия доступности достигается путем выпуска ограниченного тиража на бумаге и холстах авторских оригиналов.
То есть произведение может существовать в пяти копиях, но при этом каждая из них является оригиналом, что подтверждает сертификат международного образца.
Тренд № 5.
Галереи теперь открывают не галеристы, а сами художники.
Важнейшая тенденция: главным местом взаимодействия участников арт-рынка становится персональная галерея художников. Это такая же передовая формация, как маленькая лавочка, где хозяин сам стоит за прилавком.
Надежда Воронина, арт-критик
- В центре Праги у Курмаз и Сохта есть собственная галерея, созданная для выставления самих себя. Пожалуй, это один из самых успешных вариантов современной галереи, выставляющей и продающей искусство, так как здесь слито воедино все необходимое – четкая концепция, цели и задачи художника. Это тип галереи будущего, ведь в современном искусстве все упрощается.
В данном случае работает механика фейсбука и твиттера. Прямая коммуникация между автором и ценителями его творчества становится более выигрышной стратегией, чем общение через агентов и байеров.
Конференции
ВЛИЯНИЕ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА НА ДИЗАЙН-ПРОЕКТИРОВАНИЕ
В настоящее время для решения художественных задач дизайнеры обращаются к искусству XX века, в котором видят источник новых оригинальных идей в развитии дизайнерских приемов и средств. Искусство обогащает дизайнеров в творческом плане, способствует повышению их эмоционального заряда. Изучение достижений авангардного искусства как экспериментальной сферы в области разработки художественных методов и средств создания художественных образов позволяет формировать у дизайнеров креативное мышление. Существует необходимость в рассмотрении особенностей влияния художников-абстракционистов на тенденции в развитии разнообразных стилевых течений в дизайне. В тоже время, если изучать особенности дизайна, то можно понять и современное искусство, объясняя его с помощью дизайнерских средств. М. Рагон связывает непринятие современного искусства с тем, что люди не воспринимают произведения абстрактного искусства и современную окружающую среду как единое целое .
Для искусствоведческой оценки продуктов дизайна, для практической деятельности дизайнеров, а также для развития теории дизайна по проблемам художественного творчества в дизайнерской деятельности необходимо обратиться к современному искусству и выявить формы его влияния на дизайн, уровни заимствования дизайном средств и методов, используемых в искусстве. Рассмотрим дизайн предметно-пространственной среды через следующие составляющие элементы искусства: художественный метод, принципы формообразования.
Художественный метод. Дизайн, как и абстрактное искусство, является самостоятельным видом творческой деятельности. В основе абстрактного искусства лежит художественное творчество, связанное с художественным методом. Дизайнерская деятельность состоит из научного, технического и художественного творчества, поэтому визуальный язык дизайнерской формы формируется и развивается в процессе художественного и научно-технического творчества. Художественное творчество в дизайне связано с рациональным, конструктивным творчеством. Это соотношение является определяющим, но мера его составляющих различна. Поэтому в дизайне существует несколько направлений проектной деятельности, которые имеют неодинаковые взаимоотношения с современным искусством. Степень связи дизайна с искусством определяется используемыми методами в проектировании. Выделяют три подхода к проектированию: техническое конструирование, художественное формообразование, художественное конструирование, которыe, соответственно, относят к инженерному дизайну, арт-дизайну, дизайну утилитарно-художественному. Продуктом дизайнерской деятельности становятся вещи, имеющие разный уровень художественной и практической ценности. Арт-дизайн связан с созданием уникальных произведений, с проектированием образно-пластической, художественной формы вещи. Это направление дизайна сближается с декоративно-художественным творчеством, с современным искусством. В арт-дизайне вещь поднимается с утилитарного до художественного уровня, то есть вешалка становится неким произведением искусства. В тоже время существует дизайнерская деятельность, связанная с «художественным освоением утилитарной основы предмета» . Дизайнер работает над образным решением формы. Значит, его деятельность связана с образным мышлением. Таким образом, в состав проектного метода арт-дизайна и дизайна утилитарно-художественного включается художественный метод, существующий в искусстве, который Ю.Б. Борев определяет как способ образного мышления .
Принципы формообразования, заимствованные дизайном в искусстве. Разнообразные направления искусства XX века, занимающиеся поиском новых форм освоения мира, оказывают влияние на развитие дизайна в области формообразования. В дизайне, как и в абстрактном искусстве, постоянно происходят стилевые изменения, связанные с экспериментальными, художественными исканиями. Рассмотрим данный вопрос на примере таких течений современного искусства как поп-арт, оп-арт, минимализм.
В искусстве 1960 - 1980-х г.г. появляется концептуальное направление минимализм, «декларировавшее и реализовывавшее на практике принципы предельной экономии «изобразительно-выразительных» средств» . Концептуальная идея художников-минималистов о пространственной свободе получила свое развитие в дизайне предметно-пространственной среды, в создании минималистских интерьеров, минималистской мебели. Произведения художников-минималистов - это металлические скульптуры-конструкции, пустые ящики, рамы без картин, разнообразные геометрические формы (рис. 1). Создаваемые арт-объекты организованы из минимального количества деталей, имеют простую, лаконичную, ясную форму. В цветовых решениях используются монохромные сочетания. Эти же минимальные средства применяются дизайнерами для организации пространства, в проектировании мебели (рис. 2, 3). Матовое и прозрачное стекло, подвешенные полки, шкафчики, минимум глухих плоскостей, раздвижные перегородки, гладкие и ровные стены, оттенки белого, серого, синего цветов делают минималистский интерьер легким, прозрачным, открытым. Мебель выполняется в виде простых, «чистых» геометрических форм.
В искусстве середины XX века возникло направление поп-арт, что в переводе с английского означает популярное искусство. Это направление выражало идеи индустриального общества массового потребления, эстетику материального мира вещей в их конкретности и вещественности. Поп-арт противопоставил себя беспредметному абстракционизму. Произведения поп-арта создавались из элементов массовой продукции (пивные банки, пробки, гвозди, этикетки, газеты и т.д.) (рис.4).
Художественными стали считаться предметы массового потребления, находящиеся в определенном окружении, в специально созданной пространственной среде. Теоретики поп-арта считают, что «…в определенном контексте каждый предмет теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства» . Художник не создает художественный предмет, а придает обычному предмету художественные качества. Тоже самое наблюдается и в проектировании малых архитектурных форм, когда киоски, навесы, беседки выполняются в форме конкретных, увеличенных до гигантских размеров сапога, шляпы, торта или хот-дога.
Поп-арт, как художественное направление, имеет несколько течений: оп-арт (оптическое искусство); эл-арт (движущееся искусство); окр-арт (окружающее искусство). Оп-арт объединил поп-арт с традициями геометрического абстракционизма. Композиции оп-арта - это организованные комбинации из кружков, линий, точек и пятен, создающие интересные оптические эффекты, пространственные иллюзии (рис. 5).
В поп-арте применяется техника коллажа, фотомонтажа, совмещение их с традиционной живописью. Художники используют разнообразные материалы, комбинируя традиционные материалы с необычными звуковыми, световыми, оптическими эффектами. Композиции создаются соединением объемных муляжей, скульптур с плоскостными изображениями. Этим же соединением живописи и рельефа пользуются дизайнеры интерьеров, создавая эффект превращения объема или пространства в иллюзию. Такие примеры можно найти в проектах О.Хайека. Дизайнеры создают ирреальные, иллюзорные пространства за счет использования графики (суперграфики), живописи на плоскостях стен внутри и снаружи зданий, применения зеркальных поверхностей. Необычные пространства воздействуют на человека, создают определенную эмоциональную атмосферу, вызывают разнообразные чувства и ассоциации. Росписи на стенах, как и произведения художников поп-арта, соединяют в себе несколько форм и состояний: реальное и нарисованное. Например, открытое окно нарисовано на реальной стене дома с настоящей водосточной трубой (рис. 6).
Для отделки пола или стен в интерьерах жилых и общественных зданий, в обивке мебели применяют иллюзорно объемный рисунок. Иногда отделку стен выполняют заодно с полом или потолком, дверями, мебелью, добиваясь создания эффекта слитности, взаимных переходов одного в другое. Чтобы визуально расширить небольшое пространство, добавить количество окон, дизайнеры используют такой прием, как фальшивое окно, сделанное из зеркала. Для организации таинственного, пульсирующего пространства, для создания игры света и тени размещают световые элементы в потолке, полу, стенах, мебели, в предметах интерьера.
Другим средством создания художественных произведений поп-арта является использование необычных материалов или старых, подержанных, сломанных вещей. Похожий прием существует и в дизайне интерьеров, решенных в стиле кантри, когда, наоборот, в новом создают эффект состаренных поверхностей стен или пола, выцветшей росписи, подержанной мебели. Или из старого оборудования создают новую форму мебели, например, старая, сломанная швейная машина, превращается в туалетный столик. Для отделки интерьеров иногда применяются необычные материалы, такие, как раскрашенные ракушки, стеклянные бутылки, осколки фарфора, зеркала, стекла. Поп-арт оказал влияние на визуальную культуру, на развитие дизайнерских средств и приемов формообразования. Эстетическими принципами поп-арта становятся принципы рекламы (наглядность, броскость, доходчивость), утилитарность, соединение иллюзорного и реального, с помощью которых оказывается определенное воздействие на зрителя, достигается цель «поэтизации вещи». Эти же принципы близки некоторым направлениям дизайна (рис. 7).
Рассмотренный выше материал показывает, что влияние современного искусства на дизайн является одной из важных эстетических проблем. Исследователи современного искусства и дизайна отмечают, что изменения в представлениях о картине мира, связанные с развивающейся наукой и техникой в XX веке, повлияли на пластические виды искусства, трансформировали изобразительную структуру (ритмы, пропорции, цвет, композицию).
В заключение необходимо отметить, что в XX веке художники формируют новое визуальное мышление, новое видение предметного мира. Художники в живописи, графике, скульптуре обращаются к тому, что недоступно прямому видению и воспроизведению. Возникшее в начале XX века авангардное искусство включило в себя разнообразные направления. Одни из них пытались передать внутренний мир человека, его психическое состояние и эмоции, а другие - сконструировать новую реальность, выявить структуру, строение вещей, за счет которых подчеркнуть выразительность и информативность окружающей действительности. Для авангардного искусства характерно «собирательное» видение, стремление к условности, к типизации, создание универсальных символов, сжатых пластических формул, абстракций . Например, в кубизме антропоморфные фигуры собираются из тех же деталей, из которых моделируется предметная среда, то есть существует подобие конструированию, архитектурному построению (рис.8, 9).
 |
 |
| Рис.8. Ж.Брак. Натюрморт с гитарой | Рис.9. П. Пикассо. Три музыканта в масках. 1921 г. . - М.: ВНИИТЭ, 1990. - 89 с.: ил. - Библиотека дизайнера и эргономиста.
Статьи по теме |
