от французите впечатление - впечатление), арт стил, който доминира изкуството на модернизма през 1870-1920 г. Терминът първоначално изразява общите стилистични характеристики в творчеството на представители на новото движение във френската живопис от средата. 1870 г (К. Моне, Е. Дега, О. Реноар и др.), но вече от нач. 20-ти век прилага се и към стила на произведения на други видове изкуство - музика (C. Debussy, S. Rachmaninov), скулптура (O. Rodin), литература (поети на френския и руски символизъм).

Възникването на този стил е свързано с желанието на модернистите да намерят нови начини за изобразяване и изразяване при описание на реалността - и да бъдат "по-реалистични от реалистите". Модернистите си поставят задачата да покажат всеки феномен на материалния и духовния свят, независимо дали става въпрос за бюро или чувство на любов, като уникален, неповторим феномен. Тази уникалност може да се почувства само с пряко индивидуално възприятие, общите логически определения не са подходящи за нейното предаване. Следователно един от основните принципи на импресионистите е принципът на прехвърляне на нюанси. Художниците предадоха тези нюанси на цвета, в които обектът придобива определено времедни (К. Моне). И сценаристите се фокусираха върху техники, които демонстрират индивидуална психологическа интерпретация (вид търсене на „нюанси“) от герой или лирически геройявления околен свят. Първо, тези явления са ни дадени извън тяхната логическа връзка (той се въвежда в възприемания свят от самия човек), следователно импресионистите изобразяват света не като цяло, а като част от него: не „тайнствената и слаба светлина на фенер до аптека на нощна улица, но „Нощ. Външната страна. Фенерче. Аптека ... ”(А. А. Блок) - и на читателя остава правото сам да свърже тези реалности. Второ, едно и също явление винаги може да се появи пред човек на фона на различни други и да се възприема във връзка с всеки от тях, следователно импресионистичният мироглед е отразен в субективните авторски асоциации, въплътени от метафори и сравнения.

Желанието за предаване на нюанси се простира не само върху предмета на изображението в изкуството, но и върху материала на изкуството. За поезията звуковата структура на речта е станала такъв материал. Оттук и специалното внимание на поетите символисти (П. Верлен, К. Д. Балмонт) към техниките на звуково писане, което помогна да се предадат нюанси на настроението.

Основните характеристики на импресионистичния стил са: представянето на света като „частичен“, субективността на гледането му и психологизма на описанията, реториката, особено проявена в жаждата за метафори, символи, асоциативни сравнения, музикалност на речта.

От поезията на символизма импресионистичният стил се премества в символистичната драма (М. Метерлинк, Л. Н. Андреев), след това в психологическата проза (К. Хамсун, ранният Дж. Джойс) и до средата. 20-ти век загуби изключителната си връзка с модернизма и стана общ стиллитература.

Импресионистите се стремят да уловят света около тях в неговата постоянна променливост, плавност и да изразят непосредствените си впечатления без предразсъдъци. Импресионизмът се основава на най-новите открития в оптиката и теорията на цветовете (спектрално разлагане на слънчевия лъч на седемте цвята на дъгата); в това той е в съгласие с духа научен анализ, характерни за кон. 19 век Самите импресионисти обаче не се опитаха да дадат определение теоретична основанеговото изкуство, настоявайки за спонтанността, интуитивността на творчеството на художника. Художествените принципи на импресионистите не са единни. Моне рисува пейзажи само в пряк контакт с природата, на открито (en plein air) и дори построява работилница в лодка. Дега работи в работилницата по спомени или по снимки. За разлика от представители на по-късни радикални движения, художниците не надхвърлят ренесансовата илюзорно-пространствена система, основана на използването на пряка перспектива. Те твърдо се придържаха към метода на работа от природата, който издигнаха до основен принцип на творчеството. Художниците се стремят да "рисуват това, което виждате" и "както виждате". Последователното прилагане на този метод доведе до трансформация на всички основи на съществуващата изобразителна система: цвят, композиция, пространствена конструкция. Чистите цветове бяха нанесени върху платното в малки отделни щрихи: многоцветни „точки“ лежаха една до друга, смесвайки се в цветен спектакъл не върху палитрата и не върху платното, а в окото на зрителя. Импресионистите постигнаха безпрецедентна звучност на цвета, безпрецедентно богатство на нюанси. Мазката се превърна в самостоятелно изразно средство, изпълвайки повърхността на картината с жива трептяща вибрация на цветни частици. Платното беше оприличено на мозайка, блещукаща от скъпоценни цветове. В предишната картина преобладават черни, сиви, кафяви нюанси; в платната на импресионистите цветовете блестяха ярко. Импресионистите не са използвали chiaroscuro за предаване на обеми, те са изоставили тъмните сенки, сенките в техните картини също са оцветени. Художниците широко използват допълнителни тонове (червено и зелено, жълто и лилаво), чийто контраст увеличава интензивността на цвета. В картините на Моне цветовете бяха озарени и разтворени в сиянието на слънчевите лъчи, местните цветове придобиха много нюанси.

Импресионистите изобразяват околния свят във вечно движение, преход от едно състояние към друго. Те започват да рисуват поредица от картини, като искат да покажат как един и същ мотив се променя в зависимост от времето на деня, осветлението, метеорологичните условия и т.н. "Лондонски парламент", 1903-04, К. Моне). Художниците са намерили начини да отразят в картините движението на облаците (А. Сисли. „Луан в Сен Мам“, 1882), играта на отблясъците на слънчевата светлина (О. Реноар. „Люлка“, 1876), поривите на вятъра (C. Monet. „Тераса в Sainte-Adresse“, 1866), струи дъжд (G. Caillebotte. „Jer. Effect of rain“, 1875), падащ сняг (C. Pissarro. „Opera passage. Snow effect“, 1898 г.), бързо бягане на коне (E. Manet "Races at Longchamp", 1865 г.).

Импресионистите разработват нови принципи за изграждане на композицията. Преди пространството на картината се оприличаваше на сцена, сега заснетите сцени приличаха на моментна снимка, фото рамка. Изобретен през 19 век фотографията оказа значително влияние върху композицията на импресионистичната картина, особено в работата на Е. Дега, който самият беше страстен фотограф и, по собствените му думи, се стремеше да изненада изобразените балерини, за да ги види „сякаш през ключалка”, когато техните пози, линии на тялото са естествени, изразителни и автентични. Създаването на картини на открито, желанието да уловят бързо променящото се осветление принудиха художниците да ускорят работата, да напишат "alla prima" (в една стъпка), без предварителни скици. Фрагментацията, "случайността" на композицията и динамичният живописен начин създават усещане за специална свежест в картините на импресионистите.

Любимият импресионистичен жанр беше пейзажът; портретът също беше вид "пейзаж на лицето" (О. Реноар, "Портрет на актрисата Дж. Самари", 1877 г.). В допълнение, художниците значително разшириха обхвата на живописните теми, обръщайки се към теми, които преди това се смятаха за незаслужаващи внимание: народни празници, конни надбягвания, пикници на артистичната бохема, задкулисния живот на театрите и др. Въпреки това, техните картини нямат подробен сюжет, подробен разказ; човешкият живот е разтворен в природата или в атмосферата на града. Импресионистите не са писали събития, а настроения, нюанси на чувства. Художниците фундаментално отхвърлиха историческите и литературни теми, избягва да изобразява драматично, тъмни страниживот (войни, бедствия и др.). Те се стремят да освободят изкуството от изпълнението на социални, политически и морални задачи, от задължението да се оценяват изобразените явления. Художниците възпяха красотата на света, успявайки да превърнат най-ежедневния мотив (ремонт на стая, сива лондонска мъгла, дим от парни локомотиви и др.) В очарователен спектакъл (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C Моне, „Гара Сен Лазар“, 1877).

През 1886 г. се състоя последната изложба на импресионистите (О. Реноар и К. Моне не участваха в нея). По това време бяха разкрити значителни разногласия между членовете на групата. Възможностите на импресионистичния метод се изчерпват и всеки от художниците започва да търси своя път в изкуството.

Импресионизмът като холистичен творчески метод е явление предимно във френското изкуство, но работата на импресионистите оказва влияние върху цялата европейска живопис. Стремеж към обновяване художествен език, озаряващи пъстрата палитра, експониращи изобразителни техники вече са твърдо включени в арсенала на художниците. В други страни Дж. Уислър (Англия и САЩ), М. Либерман, Л. Коринт (Германия), Дж. Сорола (Испания) са близки до импресионизма. Влиянието на импресионизма е изпитано от много руски художници (В. А. Серов, К. А. Коровин, И. Е. Грабар и др.).

В допълнение към живописта, импресионизмът е въплътен в работата на някои скулптори (Е. Дега и О. Роден във Франция, М. Росо в Италия, П. П. Трубецкой в ​​Русия) в оживено свободно моделиране на течни меки форми, което създава сложна игра светлина върху повърхността на материала и усещане за незавършеност на произведението; в пози се улавя моментът на движение, развитие. В музиката близостта до импресионизма се намира в произведенията на К. Дебюси ("Плата", "Мъгли", "Отражения във водата" и др.).

Страхотна дефиниция

—

Непълна дефиниция ↓

предмет: " Свят художествена култура"

по темата: " импресионизъм"

Челябинск

Въведение ................................................. ................................................ .. .. 3

1. Импресионизъм ................................................. ............................................ 5

2. Едгар Дега ................................................. ............................................... единадесет

3. Огюст Реноар............................................. ............................................. четиринадесет

Заключение..................................................... .............................................. 16

Литература................................................. ................................................ осемнадесет

Въведение

Импресионизъм, импресионистична живопис... Днес самото споменаване на тези обагрени с емоции понятия неизменно поражда топли чувства у тези, които са запознати с творчеството на представители на най-популярното течение съвременно изкуство. Френските думи „впечатление“ (импресия) и „импресионисти“ се свързват с поетичната атмосфера на малки пейзажи, сякаш изпълнени със слънчева светлина и вибриращ въздух, с красиви женски образи, сякаш материализиращи среща с „мимолетно видение“, с жанрови картини и портрети, излъчващи опиянение от живота, спокойствие, духовна и физическа красота.

За разлика от академичното изкуство, което се основава на каноните на класицизма, задължителното поставяне на основните актьорив центъра на картината, триизмерността на пространството, използването на исторически сюжет - импресионистите излагат свои собствени принципи за възприемане и показване на света около тях. Те престанаха да делят обектите на главни, достойни за високо изкуство, и второстепенни. Отсега нататък мотивът, изобразен на картината, може да бъде купа сено, фрагмент от нервната повърхност на каменна готическа катедрала, многоцветни сенки от предмети по обяд, люляков храст, отражение на зеленина и небе във водата, движението на тълпа, която тича по улицата. Импресионистите предпочитаха шивашки работилници, упражнения на танцьори пред балетна баре и тренировки на жокеи преди състезания пред церемониалните портрети в луксозни интериори. Те изхвърлиха повествованието от картината, опростиха го до краен предел в името на целостта и хармонията на платното, покрито с щрихи на боя. За илюзорното пространство на старата картина импресионистите поставят рамка, изтръгната от заобикалящата действителност. В същото време те не са си поставили задачата да копират преходното състояние на природата. Непрекъснатата вибрация на пулсиращи груби щрихи в картините на импресионистите разрушава илюзията за триизмерно пространство, разкривайки оригиналната двуизмерност на платното и принуждавайки зрителя да дешифрира не толкова превратностите на сюжета, колкото тайните на самата картина. .

1. Импресионизъм

Под влиянието на представители на живописта на критичния реализъм (Курбе, Домие) се появява посока в изкуството - ИМПРЕСИОНИЗЪМ (от френски Impression - впечатление). Историята му е сравнително кратка - само 12 години (от първата изложба на картини, 1874 г., до осмата, 1886 г.).

Импресионизмът е представен в творчеството на художници като Клод Моне (1840-1926), Огюст Реноар (1841-1919), Едгар Дега (1834-1917), Камий Писаро (1830-1903), Берта Моризо и др.Те се обединяват в борба за обновление на изкуството и преодоляване на официалния салонен академизъм в художественото творчество. След провеждането на осмата (първата успешна) изложба през 1886 г. тази група се разпадна, изчерпвайки възможностите за развитие като система на едно направление в живописта.

Импресионистите са първите, които се отказват от "колективния опит", което предизвиква бурен протест в общественото мнение.

Под това произволно име (произхожда от картината на Моне "Впечатление", което предизвиква вълнение в Салона от 1867 г.), обединени независими художници, противопоставени на идеала на официалната школа, но отличаващи се с творческата си индивидуалност - Мане "Дега" Моне, Реноар, Сисли, Писаро.

ОТИмпресионистите започнаха нова ера в живописта, те не могат да бъдат объркани с техните предшественици. Те правят повратна точка в изкуството (очертана отдавна), разрушавайки строгата йерархия на изобразителните жанрове. Импресионистите бяха сигурни, че темата и сюжетът на картината могат да бъдат пряко впечатление от това, което виждат. И го доказаха на своите креативност. Импресионизмът не е философия или техника, той е нова художествена визия за света.Импресионистите виждат истинността на изкуството не в идентичността с реалността, а в това, че живописта трябва да пресъздаде момента, в който човек гледа на света с безпристрастен поглед, сякаш за първи път, като дете. В този „чуден миг” пред човека се разкрива онази същност на природата, която не може да бъде обхваната с помощта на разума. Импресионизмът разкрива способността на човек да вижда света директно, интуитивно, инстинктивно; способността за образно, а не концептуално мислене.

Импресионизмът няма (и не може да има) строга доктрина и канонизирани норми. Импресионизмът е преди всичко индивидуално търсене. Импресионистите бяха упреквани за техния субективен и неразбираем възглед за света. Но тяхното цветно виждане за света не беше чисто субективно. Той отразява реалните природни закони, неясни за съвременниците, но не и загадка за днешния зрител. Основата на сложната техника на импресионистите е теорията за разлагането на цвета. Цветът се създава от вибрациите на светлината върху повърхността на предметите, в зависимост от наклона на лъчите. Състоянието на атмосферата, въздухът е единственият реален сюжет на картината. В природата няма смесени тонове, те се образуват от комбинации от седемте цвята от спектъра, които изкуствено изграждат очите ни. Импресионистите не смесват тези чисти основни цветове от спектъра върху палитрата, а ги подреждат един до друг точно върху платното. Революцията в техниката на рисуване върви ръка за ръка с опит за изразяване на съвременното изкуство. Като всяко голямо явление в изкуството, "импресионистичната революция" придобива социален оттенък. Импресионистите бяха бунтовници и обществото, което току-що се беше справило с комунарите, видя в тях нова заплаха за постигнатото спокойствие. Фактът, че официалното изкуство, реакционната преса, буржоазната публика се вдигнаха на оръжие срещу импресионистите, се наричаше общо "обществено мнение". Но това беше мнението на жител, който нямаше собствена преценка. За художника изкуството е мироглед, изразен във фигуративна форма, за зрителя е обект на забавление или покупка, ако той действа като буржоа. Неговата преценка за една картина винаги е имала консуматорска конотация, обусловена или от нейната продажна стойност, или от въпроса дали картината може да бъде окачена в хола. Тези естетически нужди на буржоазията се задоволяват от художествената продукция, която се излага главно в Салона. Художниците на Салона се срещнаха с филистерските вкусове, придавайки на творбите си характер на илюзорна, привидна истина (пристрастие към описателност). „Вината“ на обществото не беше в това, че не разбираше новото изкуство, а в това, че не искаше да го разбере, инстинктивно се отдалечаваше от всичко, което надхвърляше практическите му интереси. В това изкуството на импресионистите съдържа признаци на нов светоглед световно значениетяхното творчество.

Импресионистите рязко и безкомпромисно се противопоставят на академичното и салонното изкуство, но изпитват най-голямо уважение към овладяването на опита на великите майстори от миналото. Отправна точка за независими изследвания беше опитът на Барбизон, Курбе, Домие. Импресионистите ясно осъзнават дълбокото си родство с най-важните художествени явления на европейската култура.

Публиката, свикнала с помпозна и изгладена салонна живопис, не приема нито сюжетите на художници, които отказват да имитират вечните канони на красотата, нито техния изобразителен маниер. Импресионистите бяха упреквани за неумението си да рисуват и недовършената работа. Отне около десетилетие и половина, докато новата тенденция в живописта получи обществено признание.

През втората половина на 80-те години импресионизмът престава да бъде бойно поле и получава широко използваневъв всички големи художествени центрове на Европа, никога не се развиват извън Франция и не получават самостоятелни оригинални тенденции в други страни. Навсякъде имаше вариации в това, което беше открито от френските майстори.

Разбирането на импресионизма „отзад“ допринесе за появата постимпресионизъм- различни течения на френската живопис, които са получили често срещано име"тези, които дойдоха след това". Художници, които се наричат ​​постимпресионисти - Сезан" Ван Гог, Гоген, Синяк, Сьора -не бяха обединени от общ метод, всеки от тях е ярка индивидуалност. Постимпресионизмът засилва интереса към символните принципи на изкуството, към декоративната стилизация, към изграждането на пространство и обем. Нито един от стълбовете на следващото поколение живопис не е преминал импресионистичния етап в своето творчество.

Импресионистични тенденции, проявени в различни видовеизкуство, смесено с други художествени методи. Често в творчеството на един и същи автор могат да се намерят черти на реализъм, символизъм и импресионизъм. Човек от 19 век беше в по-сложно взаимодействие с външния свят, отколкото в предишните епохи, художествената култура стана по-сложна. В ежедневието на изкуството се появиха предмети, които се смятаха за антиестетични. За първи път в поезията, в живописта, темата за голям модерен град. Импресионистите виждаха само красотата му, поетите се опитваха да предадат грозотата на градската цивилизация. Градът беше тяхната любов и проклятие (Бодлер, Верлен, Рембо). В тяхното описание на градския пейзаж виждаме същите художествени техники като в живописта: стойността на фрагмент, рисуване на „парче“, пресъздаване на момент.

Импресионистичните тенденции бяха отразени и в работата на скулпторите. Сред тях е най-забележителният скулптор на 19 век Огюст Роден (1840–1917). Роден създава нов стил на скулптура. Неговата заслуга е, че той направи решителна крачка за възраждането на истинската скулптура, такава, каквато е била в продължение на много векове и каквато е престанала да бъде в годините на своята криза през 19 век. език пластично изкуствоостарели и се нуждаят от актуализация. По негово време имаха бегла представа какво е истинското изкуство. Древна Гърция. Роден не само се доближи до истинската класика, той се възхищаваше на изкуството на средновековната готика (без страстта си към късните готически скръбници, той не би могъл да създаде свой собствен "Граждани на Кале"оцени изкуството на Изтока. Роден има необичайно широк поглед върху историята на световното изкуство, чиито шедьоври му служат не като модел, а като отправна точка. Изкуството на Роден рязко се противопоставя на академичната класическа скулптура на 19 век. Сега ни е трудно да оценим цялата иновация на този брилянтен скулптор, защото неговите творби се сливат за нас в безкрайното море от пластичност на 20-ти век, което се появи в резултат на нов стил, в началото на който стоеше Роден.

Роден открива нови възможности за скулптура и нови техники на изработка. Човешкото тялопридоби от Роден такива възможности за движение и себеизразяване, за които дори не можеше да се мечтае преди. Стана гъвкав, пластичен, устремен, в движение. Фигурите на Роден са потопени в пространството, в стихията на светлината (това го сродява с импресионистите). Той обработва повърхността на мрамора толкова меко и неясно, че фигурите изглеждат като в мъгла, сливат се една с друга. Изглежда, че не само фигурите, но и пространството около тях са издълбани от мрамор. Роден подчинява пластичната форма на умственото преживяване. Той лиши скулптурата от обичайната гладка повърхност, за да постигне усещане за живописност и неспокойно движение.

Характерната техника на Роден, която е широко разпространена в съвременната скулптура, е непълното освобождаване на пластично изображение от каменен блок. На зрителя се дава право да участва в творчеството процес ("Вечна пролет" и "Целувка").

Роден направи голямо откритие: един фрагмент може да бъде изразителен сам по себе си. Част от цялото, която крие своя образ в себе си, сама може да повлияе на художественото усещане. Този принцип е използван в живописта на Моне и Дега. Роден има много скулптури, изобразяващи само торсове или ръце. Например, "Катедралата":композиция от две ръце, докосващи се с върховете на пръстите си, е символ на свещена защита.

Роден не създава школа, а разчиства пътя на модерната скулптура. Всички форми и техники, с които живее, се съдържат в произведенията на Роден.

Под влияние на художествените течения на френската култура терминът "импресионизъм" започва да се използва по отношение на музиката. Може би първият, който се опита да го пренесе в музикалното изкуство, беше художникът Реноар, който нарече едно от произведенията на Вагнер импресионистично. Новото име се затвърждава само от композиторската школа, ръководена от Клод дьо Бюси (1862-1918). Симфоничната прелюдия на Дебюси се смята за първото импресионистично произведение в музиката. "Следобедът на един фавн"(1892), замислен като акомпанимент към четенето на символистичната поема на Маларме. Но това беше свободна илюстрация, самостоятелно симфонично произведение, в което се усеща култът към изисканите настроения. Прелюдии за пиано, симфонични "Ноктюрни"Дебюси са изградени върху образно-емоционални асоциации, капризи на спомените. За композитори импресионисти (Равел, Шабрие, Шарпантие)външният свят изглежда като поток от асоциации. Те се характеризират с търсене на нови темброви цветове, необичайни комбинации от музикални инструменти.

в литературата, музиката, живопис XIXвек драматичната конфронтация между позитивизма и романтизма не спира. В началото на века романтичното движение беше по-влиятелно, в средата на века то отстъпи на заден план, отчаяно се съпротивляваше на неумолимия темп на научно-техническия прогрес и неговото идеологическо и психологическо отражение - позитивизма. Романтизмът се оказва "вътрешен емигрант" в една прагматична, технистична, материалистична култура. В края на века романтичното движение все повече приема формата на бягство към "кулата от слонова кост", декаданс (от френски, декаданс - разлагане, упадък). И едва през първата половина на следващия век става ясно, че позитивизмът и романтизмът са две противоположни страни на европейската цивилизация, невъзможни една без друга и взаимно допълващи се.

2. Едгар Дега

Дега е един от класиците на импресионизма. Ако сведем изкуството на импресионизма преди всичко до задължението да се работи директно от природата, до предаването на светлината, до промените в палитрата, свързани с всичко това, тогава Дега с неговото негативно отношение към пленерната живопис и убедеността му в преобладаващото значение на рисунката в сравнение с цвета, разбира се, остава извън импресионистичното движение. С посоката го свързват приликите, които са по-малко очевидни, но по-дълбоки. Такова сходство беше желанието за ново, модерно изкуство, изразено в изобразяването на заобикалящия живот, в желанието да се улови видимото явление в неговата мигновена уникалност и същевременно типичност. Но, следвайки основните принципи на импресионистичното изкуство, работата на Дега направи значителни корекции в тях. Дега изобразява само това, което вижда, но това "какво" е различно за него. Импресионистите отидоха до целта си, фиксирайки промените в цвета, а Дега - наблюдавайки движението.

Живата традиция на мнозинството от импресионистите идва от колористичните завоевания на Делакроа. Тя беше повлияна от тоналното богатство на картините на Коро и цветното сливане на живописта на Курбе. Дега, който проявява голям интерес към картините на Делакроа и Курбе, също ги оценява високо, но това не оказва значително влияние върху творчеството му. Той се представя като различен учител - Енгр, ревностен привърженик на класическата доктрина, блестящ чертожник, който провъзгласява, че "рисунката съдържа три четвърти и половина от това, което представлява живописта".

Именно възхищението от картините на Енгр подтиква Дега да поеме по пътя на художника, да напусне да учи право и да влезе в работилницата на ученика на Енгр Ламот, въпреки че остава там само няколко месеца. Дега предпочита да се развива самостоятелно, копирайки старите майстори. Картините, които той избра за модели, едва ли биха привлекли вниманието на бъдещите му другари, дори и да смятат метода на работа в музеите за подходящ и плодотворен за себе си.

Едгар Дега (1834-1917), подобно на Мане, се посвещава изцяло на изобразяването на човека. Брилянтен художник, той е едновременно прекрасен майстор на пастели и чертожник. AT последните годиниживота Дега се оказа изключителен скулптор. Дега е може би най-дълбокият от всички импресионисти. Той винаги се стреми да разкрие образа психологически, да покаже по нов начин вътрешния свят на човека. Започва кариерата си като майстор на реалистичния портрет. В ранните му портрети същата острота на възприятие като в портретите на Мане, същата живопис и непосредственост, но Дега има повече настроение, вътрешна топлина, концентрация, наблюдение.

Портретите представляват най-значимата част от работата на ранния Дега. Отличават се с високо майсторство, рядко срещано за толкова млад майстор.

За Дега, както и за други импресионисти, „мигновено“ не е еквивалентно на „случайно“, напротив, тези две концепции са точно противоположни, тъй като образът на художника за момент е резултат от внимателно наблюдение, дълбок анализ и след това максимално обобщение. „В изкуството нищо не трябва да бъде като случайността, дори движението“, каза Дега. Но, предавайки движение с помощта на композиционно решение и все още придържайки се към рисунката като основа на своята картина, художникът е изправен пред неизбежна трудност, която все още трябва да преодолее, тъй като рисунката на Дега, който е овладял принципите на класицизма на Енгр, беше малко полезен за предаване на движение.

През седемдесетте години Дега поема по пътя на импресионизма. Портретът отстъпва битов жанр- Дега създава серия, посветена на живота на жокеите, хиподрумите, след това създава обширна серия, централна за творчеството му, посветена на балета. Дега, за разлика от предишните си художници, показа балета не само от неговата празнична страна - балерини на сцената; той съсредоточава основното си внимание върху обикновения задкулисен живот на балета: рисува балерини на репетиции, почивка на уморени танцьори, изтощени от монотонни упражнения и т.н. Балетната поредица е заменена от прекрасна поредица, посветена на певиците от евтини кафенета и ресторанти. Тогава темата за художествения труд се заменя с темата за физическия труд - поредица от перачки, гладачки, модистки, шапкари и т.н. През последния период Дега работи много върху образа на гола женска фигура.

Самият метод на работа на Дега, неговият стремеж към съвършенство пораждат постоянно недоволство в художника, съмнения относно постигнатите успехи, тласкат го към безкрайни промени. „Направете рисунка, започнете я отначало, прехвърлете я върху паус, започнете отново и пак паус“, съветва той младите художници.

По едно време интересът към „ежедневното писане“ доведе до факта, че груповите портрети бяха за Дега само претекст за изобразяване на определени ситуации, а изобразените лица се превърнаха в прости герои от ежедневни сцени. В зряла възраст, когато образът на заобикалящия живот става основна линия в творчеството на художника, проблемът за груповия портрет го интересува много по-малко. Но въпреки че портретният жанр отдавна не е в центъра на вниманието на Дега, той продължава да го занимава. Най-съвършените произведения в тази област трябва да се считат за портретите на писателя Дюранти и гравьора Мартели, направени през 1876 г.

Композицията става основна изразни средствав зрелия Дега. Това се отразява в преобладаването на интелектуалния принцип в творчеството му, което самият той упорито подчертава: „Всичко, което правя, е резултат от размисъл и изучаване на старите майстори; за спонтанност, вдъхновение, темперамент нямам представа. Никоя композиция на импресионистите не изигра толкова ефективна роля като неговата.

В по-късните произведения на Дега могат да се отбележат редица нови характеристики. Това се отнася преди всичко до рисунката: ясна, донякъде суха, релефна линия изчезва, променя се, постепенно става по-свободна и драматична и в същото време по-живописна и мека.

Дега е майстор на характерен, изразителен жест; той показва героите си в действие, подчертава професионалните движения и пози в постановката на фигурите. Неговите композиции са неочаквани, но винаги жизнено вероятни; нейните интериори на театри и ателиета са обвити в ефирна атмосфера.

3. Огюст Реноар

Огюст Реноар (1841–1919) започва кариерата си с рисуване на порцелан и почитатели на живописта. Но скоро той се разделя с този занаят и се отдава с цялата си страст на "чистото" изкуство на рисуването. Художниците от рококо (Буше, Вато), които първоначално изучава по силата на професията си, са заменени от нови идоли - Курбе, Коро, Диас, които Реноар се стреми да имитира.

Сближаването с Моне прави Реноар верен последовател на импресионизма. Тъмните тонове, ясната триизмерна форма отстъпват място на интригите на светлите тонове, трептящи на слънчева светлина, на открито. Къпането в Сена е ярък пример за тези нови картинни търсения. Но в бъдеще пейзажът не заема видно място в творчеството на Реноар; вниманието му е погълнато от: портрет, предимно на жена, жанрови сцени и голо тяло. В последния период голотата доминира в творчеството му.

Реноар е изключителен портретист сред своите съвременници. Портретът на художника Самари е типичен пример за неговото портретно творчество. Художникът умее да улови и предаде мимолетното движение на лицето, фигури, внезапно изражение, мигновен блясък в очите, движението на устните, променящите се цветове на лицето.

Жанрови картини Реноар посвещава на останалите парижани: "Танци в Moulin de la Gallette", "Закуска след разходка с лодка". А.В. Луначарски нарича Реноар „художник на щастието“. Това е много вярно. Картините му са весели - това ви позволява да сравните Реноар с най-веселия художник в света - Рубенс. Също така не е случайно, че Реноар толкова обичаше да изобразява децата - най-щастливата и безгрижна възраст. Цветовете на Реноар са пълни с безделие, грациозната, преливаща се игра на най-фините щрихи, деликатните нюанси на бяло, розово, синьо, оранжево, зелено и лилаво пораждат радостни цветни симфонии.

Кризата на импресионизма, започнала в края на 80-те години, прави Реноар един от първите, които напускат кораба, довел го до славата. Той търси чиста пластичност, връща се към една тоналност, интензивно изучава помпейската живопис. Но произведенията, изпълнени по този нов начин, са по-ниски от тези, създадени от него в първия период на импресионизма.

Заключение

Импресионизмът (от френски Impression - впечатление) е течение в изкуството от последната третина на 19 - началото на 20 век. Най-пълен израз имаше във френската живопис. Отхвърляйки сюжета (присъщ, например, на академизма), художниците импресионисти се стремят да запазят силата и свежестта на първото впечатление, което ви позволява да уловите в картината уникален черти на характера. Импресионизмът намира израз в музиката, литературата и скулптурата.

Импресионистите се стремят да уловят отделни моменти от съществуването на човека и природата, стремят се, без да надхвърлят малките периоди от време, да уловят и разкрият живота във всичко. Те се втурват към истината, но самото разбиране на истината донякъде ги обеднява. Те не искат да знаят нищо предварително за това, което пишат, те искат само да видят, само да наблюдават. Ако за реалистите истината е опитът на хората, това е знание, придобито в продължение на дълго време, то за импресионистите истината е опитът на самия художник, това е впечатлението, което той получава от съзерцанието на заобикалящата го среда. Те отказват сложни типични образи, основани на дълбоко познаване на отделните явления и тяхната връзка помежду си, но в същото време разбират живота като непрекъснато движение, промяна, намират живописни средства, за да уловят и покажат в картината. самата тръпка от живота..

Доволни само от преките впечатления, импресионистите ограничават и обедняват своето творчество. Те живяха само един ден и не искаха да си спомнят героичното минало на Париж и Франция, да мислят за бъдещето му, да забележат всички нарастващи социални противоречия наоколо. Някои от импресионистите бяха смътно наясно с това ограничение и копнееха за по-големи социални и героични теми. Реноар говори за упадъка на модерното изкуство и главната причинасмяташе, че това е липсата на идеал.

В края на 1870-те импресионизмът се е изчерпал, оказал се е безперспективен и това е изиграло роля за факта, че много по-млади съвременници на импресионистите, които са ги последвали, са започнали да виждат целите на изкуството само в изобретението. на нови живописни техники, в работата върху самата форма, т.е. поеха по пътя на формализма.

Литература

1. Грибунина Н.Г. История на световната художествена култура. - Твер, 1993 г.

2. Денвир Б. Импресионизъм. Художници и картини. – М.: 2008 г.

3. Живопис на импресионистите и постимпресионистите: Албум. – Л.: 1986.

4. Зарецкая Д.М., Смирнова В.В. Световно изкуство. Урокза старши класове на училища, гимназии, лицеи, както и за студенти от висшите образователни институции. – М.: 2008 г.

5. Илиина Т.В. История на изкуството. западноевропейско изкуство. – М.: висше училище, 1993.

6. Калитина Н.Н. Френското изобразително изкуство от края на 16-20 век. – Л.: 1990.

7. Mannering D. Животът и работата на Дега. Б. м.: Спика, 2003.

8. Популярна художествена енциклопедия. В 2 тома - М .: Съветска енциклопедия, 1986.

9. Rewald D. История на импресионизма. – М.: 2003 г.

10. Терас А. Дега Едгар: Кат. картини – Берлин: Кн. 1, 2 2001 г.

11. Енциклопедичен речник на млад художник. - М .: Педагогика, 1983.

Импресионизмът се основава на сетивното възприятие. Принципът на впечатлението произтича от двойственото единство на обективното и субективното: както външно, така и вътрешно, където преобладава субективното. Специфичният баланс на тези две части. Когато балансът е нарушен, импресионизмът произвежда приближение до реализъм и натурализъм. Въз основа на теорията, изградена от Рикерт и Мах: отричането на обективната същност външен свят, съдържанието на съзнанието на субекта е реално. Макс - усещането е единственото истинско. В духа на субективния идеализъм Мах твърди, че светът е "комплекс от усещания". Усещането се превърна в един от начините за познаване на реалния свят.

Като цяло импресионизмът е (фр. импресионизъм, от впечатление- впечатление) - посока в изкуството, възникнала във Франция през втората половина на 19 век. Обикновено терминът "импресионизъм" се отнася до посока в живописта, въпреки че неговите идеи са намерили своето въплъщение в други форми на изкуството, например в музиката и литературата. Импресионизмът е двойна революция в живописта: във визията на света и в техниката на рисуване. В импресионистичната живопис – движещ се свят, ефимерен, неуловим; затова акцентът е върху този неуловим момент, върху настоящето. Импресионизмът предпочита светлината, докосването, цветната вибрация. Импресионистите са пионери и основатели на модерното изкуство. Те установяват пряка връзка между окото на художника и светлината. Оттук и движението за връщане към природата, която е източник на всички впечатления. В същото време – абсолютно доверие в субективното виждане на твореца, неговата индивидуалност. Тези два пътя захранват европейското изкуство до средата на 20 век. Началото на търсенето на импресионистите датира от 1860 г. През 1869 г. в Бужевал К. Моне и О. Реноар спонтанно откриват принципа на разделяне на цветовете в атмосферата, който ще стане основата на революция в живописната техника. Първата важна изложба на импресионистите се състоя от 15 април до 15 май 1874 г. в студиото на фотографа Надар. Бяха представени 30 автора, общо 165 творби. Платно Моне - „Импресия. Изгряващото слънце“, написана през 1872 г., ражда термина „импресионизъм“: враждебен критик нарече групата „импресионисти“ за смях. Художниците от предизвикателство приемат този епитет, по-късно той се вкоренява и губи първоначалния си отрицателен смисъл.

Представители на импресионизма в живописта. Импресионистите не са имали програма, но са имали обща амбиция: разбиране за ролята на светлината, влияеща върху формата и обекта. Светлината се превръща в основен елемент на тяхната живопис. Естествено, контурната рисунка, подобно на chiaroscuro, отсъства от импресионистите; дълбочината не се предава чрез перспектива, а чрез омекотяване на цветовите тонове. Предимство - живи цветове на слънчевия спектър. Черните, кафявите и сивите обикновено се игнорират и не се включват в палитрата. запад. Импресионистите са различни личности, като Едуард Мане, Е. Дега, К. Моне, О. Реноар, А. Сислей, К. Писаро, Базил, Моризо. П. Гоген, О. Редон, Ж. Сьора понякога участваха в изложби на импресионистите; К. Малевич също рисува пейзажи в духа на импресионизма. Пиер Огюст Реноар (1841-1919). Френски художник, график и скулптор, един от основоположниците на импресионизма. Една от най-ярките му картини в стила на импресионизма е „Портрет на актрисата Жана Самари“, 1878 г. (Държавният музей за изящни изкуства „Пушкин“). Портретът на Жана Самари от колекцията на Държавния музей за изящни изкуства „Пушкин“ в Москва може да се счита за един от най-добрите портрети на Реноар. Той също така се нарича един от най-импресионистичните портрети в цялото му творчество. Той акцентира върху емоционалността на артистичната натура и усещането за пълнота на битието. Други картини: "Чадъри", 1879 г., "Жабата", 1868 г. и др. Едуард Мане (1832-1883). Един от основоположниците на импресионизма. Сближаване с импресионистите след Френско-пруската война и Парижката комуна. Доказателство са картините, нарисувани на открито рамо до рамо с Клод Моне в Аржантьой през 1874 г. Картините „Закуска на тревата“, „Над халба бира“ 1873 г. Русия. В Русия влиянието на импресионизма е изпитано от К. Коровин (най-близкият в естетиката му до импресионистите), ранният В. Серов, а също и И. Грабар. К. Коровин (1861-1939). В Русия той е най-близък по своята естетика до импресионистите. Значително място в творчеството на Коровин заема Париж. Градските пейзажи явно са под силното влияние на френските импресионисти. Картини: "Париж след дъжда", 1900 г., "Пролет", 1917 г. И. Грабар - "Балюстрада", 1901 г. Ф. А. Маялявин (1869-1940 г.). Картина "Жени", 1914 г.

Представители на импресионизма в литературата. В литературата, за разлика от живописта, импресионизмът не се развива като отделно течение. По-скоро можем да говорим за характеристиките на импресионизма в различни направления на епохата, предимно в рамките на натурализма и символизма. Традиционният образ изискваше абстрахиране от конкретен обект и впечатления от него, обобщаването им и подчертаването на определена средна идея, докато беше необходимо да се отреже произволното, да се улови общото, основното. Импресионизмът, от друга страна, беше срещу общото, отстояваше частното, импресионистите изобразяваха всеки момент. Това означаваше: няма сюжет, няма история. Мисълта беше заменена от възприятие, разумът от инстинкт. запад. В прозата в стила се появяват черти на импресионизма дневниции романите на братя Гонкур, Пейзажи и преживявания J. Laforga (публ. 1903), в романите и разказите на G. de Maupassant. Последният е смятан за най-изявения писател импресионист. В допълнение към разказите на Мопасан, в малката проза се развива т. нар. импресионистична техника. „Богоявления“ на Джойс (цикъл от разкази Дъблинчани, 1905, публ. 1914). БогоявлениеДжойс са наравно с „психологическия роман” на Мопасан, А. Чехов, И. Бунин, С. Андерсън, Е. Хемингуей. Русия. Като специален стил И., със своя принцип за стойността на първото впечатление, направи възможно разказването чрез такива детайли, сякаш уловени на случаен принцип, което очевидно нарушаваше строгата съгласуваност на плана на разказа и принципа за избор на съществени, но със своята „странична” правдивост придават на разказа необикновена яркост и свежест, а на художествената идея – неочаквана разклоненост и многообразие. Оставайки стилистично явление, И. не означаваше, особено сред великите писатели (например А. П. Чехов, И. А. Бунин и др.), Нарушавайки художествените принципи реализъм , но се отразява в обогатяването на тези принципи и непрекъснато нарастващото изкуство на описанията (например описанието на гръмотевична буря от Чехов в разказа "Степта"; Л. Н. Толстой отбеляза чертите на И. в стила на Чехов). Рисуван в импресионистичен стил произведение на изкуствотокартината обикновено не е придружена от разсъждения, логическа интерпретация на автора или героя (както например в реалистично произведение). В поетичния речник конкретно-чувствените представи преобладават над абстрактно мислимите понятия (особено Зайцев). Вместо логически ясно определени понятия, думите стават намеци, полутонове, не толкова изпълващи комуникативна функцияколко предизвикване на неясни емоции, настроения. Вместо "обещаващо" последователно развитие на предмета като цяло, И. дава или бегло общо впечатление за него, или няколко впечатляващи подробности (особено Чехов). Това съответства на преобладаването на миниатюрата (разкази на Чехов, Зайцев, малкият размер на стиховете на Блок, Балмонт, първите драми на Блок); голямото произведение е повече или по-малко механична комбинация от различни 486 живопис („Степ“ на Чехов, „Спокойствие“ на Зайцев). I. поправя този моментизвън неговата причинност и времева перспектива. Оттук - разказът в сегашно време (от Зайцев, понякога от Чехов), често липсата на биографии на герои, фалшификати (Зайцев, Чехов). Б. К. Зайцев (1881-1972). Започва като импресионист. 1-ви сборник, 1906 г. "Новела за чистото настроение". Чувствено обективно усещане за света. Обектът на Зайцев е слят емоционален комплекс. Социалните мотиви звучат приглушено. В лирическата проза се засилва сугестивността. Оцветяване - черни и бели цветове. В разказа „Мила” има много импресионистични елементи. Фаталната неизбежност на края. Лилава трева, огнени зори, опияняващи момини сълзи, благоуханно слънце. Въздействие чрез недиректни, далечни образи, ритмични и звукови асоциации. Епитетът беше "нежно-кристален".

Импресионизъм в живописта, музиката и литературата

Въведение

Импресионизмът като явление в изкуството

Импресионизъм в живописта

Художници – импресионисти

3.1 Клод Моне

3.2 Едгар Дега

3.3 Алфред Сислей

3.4 Камий Писаро

Импресионизъм в музиката

Импресионизмът в литературата

Заключение

Библиографски списък

Въведение

Това есе е посветено на импресионизма в изкуството, музиката и литературата.

Импресионизмът е едно от най-ярките и важни явления в европейското изкуство, което до голяма степен определя цялото развитие на съвременното изкуство. В момента произведенията на импресионистите, които тогава не са били признати, са високо ценени и техните художествени достойнства са неоспорими. Уместността на избраната тема се обяснява с необходимостта всеки съвременен човек да разбере стиловете на изкуството, да знае основните етапи на неговото развитие.

Избрах тази тема, защото импресионизмът беше вид революция в изкуството, която промени идеята за произведенията на изкуството като цялостни, монументални неща. Импресионизмът извежда на преден план индивидуалността на твореца, собствената му визия за света, избутва на заден план политическите и религиозните теми, академичните закони. Интересното е, че емоциите и впечатленията, а не сюжетът и моралът, играят основна роля в произведенията на импресионистите.

1. Импресионизмът като явление в изкуството

Импресионизмът - една от най-ярките и интересни тенденции във френското изкуство от последната четвърт на 19 век, се ражда в много трудна среда, характеризираща се с пъстрота и контрасти, и дава тласък на появата на много модерни течения. Импресионизмът, въпреки кратката си продължителност, оказа значително влияние върху изкуството не само на Франция, но и на други страни: САЩ, Германия, Белгия, Италия, Англия. В Русия влиянието на импресионизма е изпитано от К. Балмонт, Андрей Бели, Стравински, К. Коровин (най-близък по естетика до импресионистите), ранният В. Серов, а също и И. Грабар. Импресионизмът е последното голямо художествено движение във Франция през 19 век, което очертава границата между модерното и модерното изкуство.

Според М. Аплатов „чист импресионизъм вероятно не е имало. Импресионизмът не е доктрина, той не може да има канонизирани форми... Френските художници импресионисти в различна степен притежават едни или други негови черти.“ Обикновено терминът "импресионизъм" означава посока в живописта, въпреки че неговите идеи са намерили своето въплъщение в други форми на изкуството, например в музиката.

Импресионизмът е преди всичко изкуство за наблюдение на реалността, предаване или създаване на впечатление, достигнало безпрецедентна изтънченост, изкуство, в което сюжетът не е важен. Това е нова, субективна художествена реалност. Импресионистите излагат свои собствени принципи на възприемане и показване на околния свят. Те изтриха границата между главните обекти, достойни за високо изкуство, и второстепенните предмети.

Важен принцип на импресионизма беше отклонението от типичността. Преходността, непринуденият поглед е влязъл в изкуството, изглежда, че платната на импресионистите са написани от обикновен минувач, който се разхожда по булевардите и се наслаждава на живота. Това беше революция във визията.

Като художествено течение импресионизмът, особено в живописта, бързо изчерпва възможностите си. Класическият френски импресионизъм е твърде тесен и малцина остават верни на неговите принципи през целия си живот. В процеса на развитие на импресионистичния метод субективността на изобразителното възприятие надделя над обективността и се издигна на все по-високо формално ниво, отваряйки пътя за всички течения на постимпресионизма, включително символизма на Гоген и експресионизма на Ван Гог. Но въпреки тясната времева рамка - около две десетилетия, импресионизмът изведе изкуството на коренно различно ниво, оказвайки значително влияние върху цялата съвременна живопис, музика и литература, както и върху киното. Някои от принципите на импресионизма - предаването на мигновено движение, плавността на формата - засягат скулптурата от 1880-1910 г. в различна степен.

2. Импресионизъм в живописта

През пролетта на 1874 г. група млади художници, включително Моне, Реноар, Писаро, Сисли, Дега, Сезан и Берта Моризо, пренебрегват официалния салон и подреждат собствена изложба, като по-късно стават централни фигури на новото направление. Провежда се от 15 април до 15 май 1874 г. в студиото на фотографа Надар в Париж, на булевард де Капуцини. Бяха представени 30 автора, общо 165 творби. Подобен акт сам по себе си беше революционен и скъса с вековните основи, докато картините на тези художници на пръв поглед изглеждаха още по-враждебни към традицията. Отне години, преди тези, по-късно признати, класици на живописта да успеят да убедят публиката не само в своята искреност, но и в своя талант. Всички тези толкова различни художници бяха обединени от обща борба срещу консерватизма и академизма в изкуството. Импресионистите организират осем изложби, последната през 1886 г.

На първата изложба през 1874 г. в Париж се появява картина на Клод Моне, изобразяваща изгрев. Тя привлече вниманието на всички преди всичко с необичайното заглавие: „Впечатление. Изгрев". Но самата картина беше необичайна, тя предаваше онази почти неуловима, променлива игра на цветове и светлина. Името на тази картина - "Импресия" - благодарение на подигравката на един от журналистите, бележи началото на цяла тенденция в живописта, наречена импресионизъм (от френската дума "impression" - впечатление).

Опитвайки се да изразят възможно най-точно своите непосредствени впечатления от нещата, импресионистите създават нов метод на рисуване. Същността му беше да предаде външното впечатление за светлина, сянка, рефлекси върху повърхността на предмети с отделни щрихи от чисти цветове, които визуално разтваряха формата в заобикалящата светло-въздушна среда.

Достоверността беше принесена в жертва на личното възприятие - импресионистите, в зависимост от визията си, можеха да напишат небето зелено, а тревата синя, плодовете в техните натюрморти бяха неузнаваеми, човешките фигури бяха неясни и схематични. Важното беше не какво е изобразено, а „как“ беше важно. Обектът стана повод за решаване на визуални проблеми.

Характерна е краткостта, етюдната природа на творческия метод на импресионизма. В края на краищата само едно кратко изследване направи възможно точното записване на отделните природни състояния. Това, което преди беше разрешено само в скици, сега се превърна в основна характеристика на завършените платна. Художниците импресионисти се опитват с всички сили да преодолеят статичността на живописта, за да уловят завинаги цялото очарование на един неуловим момент. Те започнаха да използват асиметрични композиции, за да подчертаят по-добре героите и обектите, които ги интересуват. В някои методи на импресионистично изграждане на композиция и пространство влиянието на страстта към възрастта е осезаемо - не античността, както преди, японската гравюра (от такива майстори като Кацушика Хокусай, Хирошиге, Утамаро) и отчасти фотографията, нейните близки планове и нови гледни точки.

Импресионистите също актуализират колорита, изоставят тъмните, земни бои и лакове и прилагат чисти, спектрални цветове върху платното, почти без да ги смесват първо в палитрата. Условното, "музейно" черно в техните платна отстъпва място на играта на цветни сенки.

Благодарение на изобретяването на готови за носене метални туби за бои, които замениха старите ръчно правени бои от масло и прахообразни пигменти, художниците можеха да напуснат ателиетата си, за да работят на открито. Те работеха много бързо, защото движението на слънцето променяше осветлението и цвета на пейзажа. Понякога те изстисквали боята върху платното директно от тубичката и получавали чисти искрящи цветове с ефект на мазка с четка. Поставяйки капка от една боя до друга, те често оставяха повърхността на картините грапава. За да запазят свежестта и разнообразието от цветове на природата в картината, импресионистите създават изобразителна система, която се отличава с разлагането на сложни тонове в чисти цветове и взаимното проникване на отделни щрихи на чист цвят, сякаш се смесват в окото. на зрителя, с цветни сенки и се възприема от зрителя според закона за допълнителните цветове.

Стремейки се към максимална непосредственост при предаването на околния свят, импресионистите за първи път в историята на изкуството започват да рисуват предимно на открито и издигат значението на скица от природата, която почти измества традиционния тип живопис, внимателно и бавно създадени в студиото. По силата на самия метод на работа на открито, пейзажът, включително откритият от тях градски пейзаж, заема много важно място в изкуството на импресионистите. Основната тема за тях беше трепереща светлина, въздух, в който хората и предметите са сякаш потопени. В техните картини се усещаше вятърът, влажната, затоплена от слънцето земя. Те се стремяха да покажат удивителното богатство на цветовете в природата.

Импресионизъмвъвежда нови теми в изкуството - ежедневието на града, уличните пейзажи и забавленията. Неговият тематичен и сюжетен диапазон беше много широк. В своите пейзажи, портрети и многофигурни композиции художниците се стремят да запазят безпристрастността, силата и свежестта на „първото впечатление“, без да навлизат в отделни детайли, където светът е непрекъснато променящ се феномен.

Импресионизмът се отличава със своята ярка и непосредствена жизненост. Характеризира се с индивидуалността и естетическата стойност на платната, тяхната умишлена произволност и незавършеност. Като цяло произведенията на импресионистите се отличават с жизнерадост, страст към чувствената красота на света.

3. Художници импресионисти

Централни фигури на импресионизма са Сезан, Дега, Мане, Моне, Писаро, Реноар и Сисли, като приносът на всеки от тях за неговото развитие е уникален. Нека разгледаме по-отблизо работата на някои от тях.

3.1 Клод Моне

Името на Клод Моне (1840-1926) често се свързва с такива постижения на импресионизма като предаването на неуловими преходни състояния на осветление, вибрацията на светлината и въздуха, тяхната взаимосвързаност в процеса на непрекъснати промени и трансформации. Работил е предимно в областта на пейзажа. Клод Моне рисува общо около 200 картини, сред които „Закуска на тревата“, „Люляци на слънце“, „Булевард на капуцините“ и др.

Ранната работа на Моне е доста традиционна. Те все още съдържат човешки фигури, които по-късно постепенно изчезват от картините му. През 1870-те години импресионистичният стил на художника, който се посвещава изцяло на пейзажа, най-накрая се оформя и декоративният ефект на неговите творби се засилва. Оттогава той работи почти изключително на открито. Именно в неговото творчество окончателно се утвърждава типът голяма картина-етюд. Моне прави както фигурите, така и пейзажа от обобщени светлинни петна, чиито нюанси и цвят зависят само от осветлението; в неговите творби няма ясни контури на обекти. Усещането за движение на въздуха се засилва от самата текстура на картината: тя престава да бъде гладка, а се състои от отделни петна-щрихи. Той съзнателно изгражда композицията така, че картината да създава впечатление за произволно изтръгнат фрагмент от потока на живота. Един от първите, Клод Моне започва да създава поредица от картини, в които един и същи мотив се повтаря в различно време на годината и деня, при различно осветление и метеорологични условия.

Моне се стреми да покаже живота около себе си в цялото му разнообразие: играта на слънчеви отблясъци върху люлеещата се повърхност на водата, претъпкана пъстра тълпа от летовници, която се разтваря в пейзажа и образува едно цяло с него.

Прости сюжети на картини 1860-1870. дават път на все по-сложните. Моне е привлечен от сериали. В тях, следвайки импресионистичен маниер, художникът се стреми да предаде различна степен на осветеност на едни и същи обекти при различно време, по различно време на деня, използвайки разнообразна тоналност на своята палитра. Промяната в стила на рисуване на художника е съпроводена с промени в личния му живот - умират близки хора.

Моне участва в изложби през 1874, 1876, 1877, 1879 и 1882 г. Творбите му обаче почти не се продават - всичките му иновации се отхвърлят от публиката и критиците. Воден от нуждата, художникът живее там, където животът е по-евтин. След като се установява в Аржантьой, той рисува с ентусиазъм Сена, нейните мостове, платноходки, плъзгащи се по водната повърхност.Появяват се известните му серии, посветени на гара Сен Лазар, полета с цъфтящи макове, Руанска катедрала, Лондонски мостове, които поразяват със свежест на цветове и интензивност на цвета. Постигайки чистота и звучност на цвета, Моне избягва смесването на цветовете върху палитрата; за да предаде необходимия тон на зелената зеленина, художникът поставя щрихи от жълто и синьо до него, на разстояние те се сливат, „смесват се“ в окото на зрителя и листата изглеждат зелени.

В края на 1880-те години неговото изкуство все повече привлича обществеността и критиците. Признанието носи материално богатство. Скоро финансовото състояние на художника се подобрява толкова много, че той купува собствена къща в Живерни, където се провежда късният период от работата му. През този период художникът е напълно погълнат от работата върху поредица от пейзажи, в които развива най-добрите светлинни ефекти.

3.2 Едгар Дега

Едгар Дега става известен с уникалното си умение да изобразява човешкото тяло в движение. Едгар Дега използва различни цветове, но предпочита пастели. Човек винаги е бил в центъра на изкуството на Едгар, докато пейзажът, почти водещият жанр на импресионистите, не играе съществена роля в творчеството му. Голям почитател на Енгр, той отдава изключително значение на рисунката, интересува се от Пусен и копира неговите картини.

Едгар Дега е роден през 1834 г. в богато семейство, което принадлежи към висшите слоеве на френското общество и има близки връзки с Италия и Съединените щати. До 1860 г. Дега успява да създаде няколко невероятни портрета в най-добрите класически традиции. От 1862 г. Дега започва да рисува коне, състезания, жокеи. Освен това отделни музиканти или цели оркестри стават герои по време на изпълнението на произведения. Дега се интересуваше особено от висококачественото изпълнение на картините, ясна рисунка на движенията на тялото. За да постигне лекота в предаването на едно мимолетно движение, художникът го разлага на съставни части, включвайки предходните и последващите моменти. Новаторството на Дега в предаването на движение е неразривно свързано с неговото композиционно майсторство. При него дори повече, отколкото при Мане, се усеща непреднамереност, случайност, изтръгване на отделен епизод от потока на живота. Той постига това чрез неочаквани асиметрии и необичайни гледни точки (често отгоре или отстрани, под ъгъл).

Основните му теми са светът на балета и конните надбягвания, само в редки случаи той излиза отвъд тях, обръщайки се към живота на парижката бохема, изобразявайки модистки, гладачки и перачки. Основната форма на неговата живопис винаги е била предметната композиция. В него ясно се разкриват характерните черти на творческата индивидуалност на художника - естествеността и необикновената будност на художественото виждане, повишеният интерес към предаването на движението, безпощадната, почти безстрастна аналитичност и в същото време насмешлива ирония.

Желанието за безкомпромисен анализ и липсата на илюзии го принуди да избере сюжети и теми, които позволяват да се покажат истинските взаимоотношения на хората в буржоазното общество, онази грешна страна на живота, която досега остава извън границите на изкуството. Той предпочиташе не блестящата феерия на премиерата, а изтощителните делнични дни на репетиции, когато движенията на балерините са неелегантни и ъглови, не красотата и динамиката на състезанието, а управлението на коне и професионалното кацане на жокеите. Острата наблюдателност и дълбокият психологизъм бяха неизменно присъщи на творбите на Дега.

3.3 Алфред Сислей

Сред импресионистите трябва да се спомене и името на Алфред Сисли (1839-1899). Той, англичанинът, живял във Франция, е най-умереният сред класиците на импресионизма. Сисли използва импресионистичния метод, без да се увлича от неговите крайности и без да избягва материалността, за да изрази любовта към природата, нейното лирично преживяване.

Произведенията на Сисли, които са около 40 картини, се отличават с особена живописна елегантност. Блестящ майстор на пленера, той успя да предаде чистия въздух на ясна зимна утрин, лека мъгла, затоплена от слънцето, облаци, които бягат по небето във ветровит ден. Неговата гама се отличава с богатството на нюанси и прецизността на тоновете. Пейзажите на художника винаги са пропити с дълбоко настроение, отразяващо основното му лирично възприемане на природата. Пейзажът на Сисли е пейзаж на настроението. Неговите прости пейзажи са посветени главно на околностите на Париж и природата на Ил дьо Франс.Сисли най-лесно изобразява природата, обитавана от човека, уютна - предградия, малки площади на провинциални градове, брегове на заливи с къщи и лодки на кея .

Трудно е да се повярва, че реалист като Сисли също е смятан за разрушител на основите. Например, той беше упрекнат, че изобразява слънчевото осветление в розови тонове. Той се взря в небето и започна да рисува картина от него - небето придава дълбочина на картината и съобщава движение.

Най-плодотворният творчески период идва в началото на 1870-те години, когато се установява със семейството си близо до Париж. След като се развива в началото на 80-те години, стилът на Сисли, за разлика от Писаро или Моне, впоследствие се променя малко. Сдържан и срамежлив, съсредоточен изключително върху работата, художникът нямаше особен интерес към скандални декларации.

Отдавайки се изцяло на една картина, общувайки само със семейството си, той води полубедно съществуване, получава нищожни суми за картините си и затъва все по-дълбоко в дългове. Поетичен и фин артист, той не беше достатъчно иновативен, за да предизвика объркване, и не достатъчно традиционен, за да се хареса на публиката. Той почина в края на века, без да чака лъч на славата, малък град в Морет. По ирония на съдбата, след смъртта на Сисли, цените на неговите произведения веднага се повишиха няколко пъти.

3.4 Камий Писаро

Творческият път на Камил Писаро е много труден (1831-1903), но той е единственият художник, участвал във всички изложби на импресионистите, своеобразен "патриарх" на това движение. Той, подобно на Моне, последователно следва избрания път. Официалният дебют на Писаро е в Салона през 1857 г., където той представя „Пейзаж в Монморанси“ и картината има успех.

Зола привлече вниманието към един от своите пейзажи в салона от 1865 г. Той пише, че картината на Писаро му е дала „половин час наслада и релаксация“. През живота си Камий Писаро създава около 60 картини.

Започвайки с пейзажи, близки по живопис до барбизонците, той, под влиянието на Едуард Мане и неговите млади приятели, започва да работи на пленер, като последователно озарява палитрата. Постепенно той развива собствен импресионистичен метод. Един от първите той отказа да използва черна боя. Поради склонността си към аналитичен подход към рисуването, той за известно време беше очарован от пуантелизма, теорията, че чистите, несмесени бои, насложени върху бяла основа, трябва да се слеят в окото на зрителя, създавайки ефекта на панел или мозайка.

Всички пейзажи на Писаро носят отпечатъците на човешката дейност, ежедневието на селяните. Тяхната композиция е винаги обмислена и балансирана, лишена от всякаква случайност. Всички части на неговите пейзажи са неразривно свързани.

Първоначално основните му теми са градски и селски антропогенни пейзажи, дилижансови пътища, простиращи се в далечината. Но с времето човекът и неговите дейности заемат все по-важно място в картините на Писаро.

Седемдесетте години са разцветът на художника. Колекцията на Лувъра дава ярка представа за творчеството на Писаро през 70-те години.

Писаро упорито търсеше признание на импресионистичното движение и направи много за това. Официалната критика нарече неговите пейзажи "неразбираеми".

Писаро работи и като чертожник, акварелист и гравьор - в техниката на офорт и литография. Най-големи постижения постига в графиката. От всички импресионисти той успя най-добре да пренесе атмосферата на мимолетното и изменчивото в офорт и литография. Последните години донесоха на Писаро дългоочаквания успех и материално благополучие. Така Камий Писаро получава приживе признание, за което останалите импресионисти могат само да мечтаят.

4. Импресионизмът в музиката

Възходът на импресионизмав изобразителното изкуство той не може да не повлияе върху формирането на индивидуалните принципи и развитието на изразните средства в литературата, музиката и театъра; обаче в тези видове изкуство то не се е превърнало в цялостна художествена система с крайъгълен камък.

Музикалният импресионизъм като едно от теченията на Арт Нуво се развива във Франция в края на 19 и началото на 20 век. Прилагането на термина "импресионизъм" към музиката е до голяма степен условно - музикалният импресионизъм не представлява пряка аналогия с импресионизма в живописта и не съвпада с него. Произходът на такава музика се крие в късния романтизъм на 19 век, в творчеството на Ф. Лист, Е. Григ и др. Музиката на импресионистите е също толкова поетична, но по-експресивна. Импресионизмът в музиката се проявява в желанието да се предаде настроението и емоциите на композитора, които са определени символи за него и неговите слушатели. В сравнение с импресионистичната живопис, която се стреми да предаде впечатление, импресионистичната музика се стреми да впечатли слушателите със символи, придобили смисъл, фини психологически нюанси. С основната линия на импресионизма в живописта, той има общо ентусиазирано отношение към живота; моменти на остри конфликти, социални противоречия в него заобикалят.

Импресионистичната музика включва стари мелодии, елементи на приказност и фантазия. Това е ярка и ентусиазирана музика, избягваща острите социални проблеми. Импресионистите въвеждат в музиката национални песенни и танцови жанрове, ориенталски изразни средства и елементи на джаза. Не последно място в него заема интересът към тембъра и хармоничната колоритност.

Основоположник на музикалния импресионизъм е Клод Дебюси – френски композитор, пианист, диригент, музикален критик. Дебюси е не само един от най-значимите френски композитори, но и една от най-значимите фигури в музиката на границата на 19-ти и 20-ти век; неговата музика представлява преходна форма от късната романтична музика към модернизма в музиката на 20 век. В творчеството си той се опира на френските музикални традиции - музиката на френските клавесинисти (Ф. Куперен, Ж. Ф. Рамо), лирическата опера и романси (Ш. Гуно, Ж. Масне). Значително е влиянието на руската музика (М. П. Мусоргски, Н. А. Римски-Корсаков), както и на френската символистична поезия и импресионистична живопис.

Дебюси въплъщава мимолетни впечатления в музиката, най-фините нюанси на човешките емоции и природните явления. Той създава импресионистична мелодия, характеризираща се с гъвкавост на нюансите и в същото време неяснота. Дебюси създава нов пианистичен стил (етюди, прелюдии). Неговите 24 прелюдии за пиано, снабдени с поетични заглавия („Делфийски танцьорки”, „Звуци и аромати витаят във вечерния въздух”, „Момиче с ленена коса” и др.), създават образи на меки, нереални пейзажи, имитират пластичността на танцови движения, предизвикват жанрови картини.

Съвременниците смятат оркестровата прелюдия към „Следобед на един фавн“ за своеобразен манифест на музикалния импресионизъм, в който се появява характерната музика на Дебюси. колебание на настроенията, изисканост, изтънченост, причудлива мелодия, цветова хармония. Творбите му се отличават с тънък психологизъм, ярка емоционалност в изразяването на чувствата на героите. Техните ехо се намират в оперите на Г. Пучини, Б. Барток, И. Ф. Стравински

Така творчеството на Дебюси, един от най-големите майстори на 20-ти век, оказа значително влияние върху композиторите в много страни, включително Русия. Импресионизмът в музиката продължава до края на първото десетилетие на 20 век.

5. Импресионизмът в литературата

Импресионизмът в литературата се разпространява през последната третина на 19 и началото на 20 век.

В литературата не се е развила като отделна посока. По-скоро можем да говорим за характеристиките на импресионизма в различни направления на епохата, предимно в рамките на натурализма и символизма.

Символизмът се стреми да върне в изкуството идеята за идеала, за висшата същност, скрита зад ежедневните предмети. Появата на света е пронизана с безброй алюзии към тази скрита същност – това е основният постулат на символизма. Но тъй като идеалът се разкрива на поета чрез видими обекти в мигновено впечатление, импресионистичната поетика се оказва подходящ начин за предаване на идеалното съдържание. Най-яркият пример за поетичен импресионизъм е стихосбирката на П. Верлен "Романси без думи", публикувана през 1874 г., когато е изложена картина на К. Моне. „Пейзажите на душата“ на Верлен показват, че в поезията (и въобще в литературата) чистият импресионизъм е невъзможен, всяка словесна „картина“ търси опора за дълбок смисъл. Той Верлен провъзгласява изискването за "музиката на първо място" и култивира принципа на "музикалността" в своята поезия. И това означаваше повишено внимание към материята на стиха, неговото звуково оборудване, желанието да се предаде психологическото състояние не само чрез описанието, но и чрез самото звучене на стихотворението. В Русия поетите импресионисти са Константин Балмонт и Инокентий Аненски. Елементи на импресионистичната поетика могат да бъдат открити в много поети символисти.

Импресионистичната поетика придобива особено качество в жанра на символистичния роман. Тук той действа преди всичко като специален принцип за изграждане на текст, основан на слабо взаимосвързани асоциации, което се проявява в нелинейността на разказа, липсата на традиционен сюжет и техниката на „потока на съзнанието“. В различна степен тези техники са разработени от Марсел Пруст ("В търсене на изгубеното време", 1913-1925), Андрей Бели ("Петербург", 1913-1914).

Импресионистичната поетика също беше доста подходяща за теорията на натурализма. Натурализмът се стреми преди всичко да изрази природата. Той изискваше истинност, вярност към природата, но това означаваше вярност към първото впечатление. А впечатлението зависи от конкретния темперамент, винаги е субективно и мимолетно. Следователно в литературата, както и в живописта, са използвани големи щрихи: една интонация, едно настроение, замяна на глаголни форми с деноминативни изречения, замяна на обобщаващи прилагателни с причастия и причастия, изразяващи процеса, ставане. Обектът е бил даден в нечие възприятие, но самият възприемащ субект е бил разтворен в обекта. Външният вид на обекта се променя, ако героят го гледа в различни състояния. Описанията на цветове, миризми, елементи бяха важни.

В прозата чертите на импресионизма се проявяват най-ярко в разказите на Ги дьо Мопасан, който се счита за най-изявения писател импресионист. По собствено признание Мопасан се стреми да изгради субективна „илюзия за света“ чрез внимателен подбор на детайли и впечатления. Но в действителност тази обстановка е просто "илюзия на импресионизма". „Чистото наблюдение“, провъзгласено от импресионистите, означава отхвърляне на идеята в изкуството, на обобщението, на пълнотата. Импресионизмът беше против общото, което означаваше, че предполагаше липсата на цялостен сюжет и затова най-ясно се проявиха кратките истории, описващи малко събитие във времето, а често и по значение.

В литературата по-последователно, отколкото в живописта, се правят опити за теоретично обосноваване на импресионизма. След романите и статиите на Зола и "Дневниците" на братя Гонкур се появяват "Импресионизмът" на Ж. Лафорг, "Изкуството на прозата" на Г. Джеймс, "За изкуството" на Валери Брюсов, в различна степен доближаващи се „поетиката на впечатленията“.

Импресионизмът намери своето въплъщение в критиката. Още през 1873 г. английският изкуствовед У. Патер в книгата си „Ренесанс“ говори за „впечатление“ като основа за възприемане на произведение на изкуството. В импресионистичното есе оценката се дава не от гледна точка на общоизвестни художествени канони, а въз основа на личното виждане и вкус на автора. „Предпочитам да чувствам, отколкото да разбирам“, пише А. Франс.

Заключение

В моето есе импресионизмът се разглежда като едно от направленията във френското изкуство от 19 век, а именно импресионизмът в живописта, музиката и литературата.

Видяхме, че импресионизмът възниква и се оформя в трудно време и е последното голямо художествено движение във Франция през 19 век. Това му помогна да се превърне в едно от най-важните явления в изкуството на последните векове, което постави началото на модерното изкуство. Въпреки цялото вътрешно разнообразие на това движение, всички негови последователи - независимо от сферата на работа, било то музика или живопис - бяха обединени от желанието да предадат емоции, впечатления, всеки момент от живота, всяка най-незначителна промяна в света наоколо . Импресионизмът се отказва от рационалността, реалността и "музейността" на класическото изкуство и успява да "отвори очите" на зрителите и слушателите за важността и прекрасната уникалност на всеки момент.

Библиографски списък

1 Джон Ревалд. История на импресионизма. 416 стр. Републиканско издателство, Москва, 2002 г.

2 Андреев Л.Г. Импресионизъм. М. МГУ, 1980

3 Власов В.Г. „Стилове в изкуството“. СПб., "Лита". 1998 г

4 Корецкая И.В. Импресионизмът в поетиката и естетиката на символизма. - В книгата: Литературни и естетически концепции в Русия в края на XIX - началото на XX век. М., 1975

5 Клод Моне. Патин Силви. - М .: Издателска къща Астрел, 2002. - 175 с.

www.импресионизъм

www.rebelon.narod

Подобни резюмета:

Френският художник Клод Моне е роден през 1840 г. Моне е наричан „Рафаел на водата“ и „откривател на цвета“. Ефектът на „уловения момент” също се свързва с името му, тъй като той полага много усилия, за да въплъти мимолетните състояния на природата в живописта.

Историята на формирането на нова посока в живописта - импресионизъм, влиянието на критичния реализъм върху неговото развитие. Ярки представители на новото течение и тяхната изключителна работа. Характеристика на образите на Едгар Дега и Огюст Реноар - класиците на импресионизма.

Анализ на характеристиките на импресионизма - художествено течение в изкуството, възникнало във Франция през втората половина на 19 век. Основните иновативни характеристики на импресионизма и творчеството на представители на тази посока. Културна стойност на импресионизма.

История и отличителни чертиРуски импресионизъм, който се проявява в условията на "ускорено развитие", което води до смесване и симбиоза на различни стилистични направления. Представители на руския импресионизъм: В. Серов, К. Коровин, И. Грабар.

Изследването на импресионизма и постимпресионизма като повратна точка в развитието на света визуални изкуства, тяхната роля в световната култура. Анализ на основните представители, творчески находки на художници и художествени техникиимпресионисти.

Импресионизмът като едно от направленията в изкуството на 19 век. Историята на развитието на импресионизма. Основните характеристики на импресионизма. Творчеството на художници - импресионисти: Е. Мане, Е. Дега, О. Реноар, К. Моне. Културна стойност на импресионизма.

Импресионизмът като художествено направлениекрая на 19-началото на 20 век. Концепцията за импресионизма и историята на неговия произход. Нов метод на рисуване. Основните етапи в развитието на импресионизма в историята. Руски импресионизъм. Характеристики на постимпресионизма.

Есе за импресионистите. jpeg изображения, съответно. Импресионизмът (на френски Impressionisme, впечатление за впечатление) е художествено течение от втората половина на 19-ти и 20-ти век, което провъзгласява предаването на мимолетни впечатления, чувствени субективни усещания на художника като основна цел на изкуството.

Импресионизъм (фр. импресия - впечатление), посока в живописта, възникнала във Франция през 60-те години на XIX век. и до голяма степен определя развитието на изкуството през 19 век.

Европейското изкуство от края на 19 век се обогатява с появата на модернистичното изкуство.По-късно влиянието му се разпростира върху музиката и литературата. Наричат ​​го „импресионизъм“, защото се основава на най-тънките впечатления на художника, образи и настроения.

Произход и история на възникване

Няколко млади художници сформират група през втората половина на 19 век. Те имаха обща цел и съвпадащи интереси. Основното нещо за тази компания беше да работи сред природата, без стените на цеха и различни възпиращи фактори. В своите картини те се стремят да предадат цялата чувственост, впечатлението от играта на светлина и сянка. Пейзажите и портретите отразяват единството на душата с Вселената, с околния свят. Техните картини са истинска поезия от цветове.

През 1874 г. имаше изложба на тази група художници. Пейзаж от Клод Моне „Впечатление. Изгрев” привлече вниманието на критика, който в рецензията си за първи път нарече тези творци импресионисти (от френското импресия – „впечатление”).

Предпоставките за раждането на стила на импресионизма, картините на чиито представители скоро ще намерят невероятен успех, са произведенията на Ренесанса. Творчеството на испанците Веласкес, Ел Греко, англичаните Търнър, Констабъл оказва безусловно влияние върху французите, които са основоположници на импресионизма.

Писаро, Мане, Дега, Сисли, Сезан, Моне, Реноар и други стават видни представители на стила във Франция.

Философията на импресионизма в живописта

Художниците, които рисуват в този стил, не си поставят задачата да привлекат общественото внимание към проблемите. В техните творби не се откриват сюжети по актуална тема, не се получава морализаторство или се забелязват човешки противоречия.

Картините в стила на импресионизма са насочени към предаване на моментно настроение, разработване на цветови схеми с мистериозен характер. В произведенията има само място за положително начало, мракът заобиколи импресионистите.

Всъщност импресионистите не са си направили труда да обмислят сюжета и детайлите. Основният фактор беше не какво да нарисувате, а как да изобразите и предадете настроението си.

Техника на рисуване

Има колосална разлика между академичния стил на рисуване и техниката на импресионистите. Те просто изоставиха много методи, някои бяха променени до неузнаваемост. Ето какви нововъведения направиха:

1. Изоставен контур. Той беше заменен с щрихи - малки и контрастни.
2. Спряхме да използваме палитри за Избрахме цветове, които се допълват взаимно и не изискват сливане за получаване на определен ефект. Например жълтото е лилаво.
3. Спрете да рисувате в черно.
4. Напълно изоставена работа в цеховете. Пишеха изключително върху природата, за да може по-лесно да се улови момент, образ, чувство.
5. Използвани са само бои с добра покривност.
6. Не чакайте следващият слой да изсъхне. Веднага бяха поставени пресни цитонамазки.
7. Те създават цикли от творби, за да следват промените в светлината и сянката. Например „Купа сено“ от Клод Моне.

Разбира се, не всички художници изпълняват точно чертите на стила на импресионизма. Картини на Едуард Мане, например, никога не са участвали в общи изложби, а самият той се позиционира като отделен художник. Едгар Дега работи само в работилници, но това не навреди на качеството на произведенията му.

Представители на френския импресионизъм

Първата изложба на импресионистични творби е от 1874 г. След 12 години се състоя последната им експозиция. Първата работа в този стил може да се нарече „Закуска на тревата“ от Е. Мане. Тази картина беше представена в Салона на отхвърлените. Бе посрещнато враждебно, защото беше много различно от академичните канони. Ето защо Мане се превръща във фигура, около която се събира кръг от последователи на това стилистично направление.

За съжаление, съвременниците не оцениха такъв стил като импресионизма. Картините и художниците съществуват в противоречие с официалното изкуство.

Постепенно в екипа от художници на преден план излиза Клод Моне, който по-късно става техен лидер и основен идеолог на импресионизма.

Клод Моне (1840-1926)

Работата на този художник може да се опише като химн на импресионизма. Той беше първият, който отказа да използва черно в своите картини, твърдейки, че дори сенките и нощта имат други тонове.

Светът в картините на Моне е неясни очертания, обемни щрихи, гледайки които можете да усетите целия спектър от играта на цветовете на деня и нощта, сезоните, хармонията на подлунния свят. Само миг, който е грабнат от потока на живота, в разбирането на Моне, е импресионизмът. Картините му сякаш нямат материалност, всички са наситени с лъчи светлина и въздушни течения.

Клод Моне създава невероятни произведения: „Гара Сен Лазар“, „Руанската катедрала“, цикълът „Чаринг Крос Бридж“ и много други.

Огюст Реноар (1841-1919)

Творбите на Реноар създават впечатление за необикновена лекота, ефирност, ефирност. Сюжетът се ражда сякаш случайно, но е известно, че художникът внимателно обмисля всички етапи от работата си и работи от сутрин до вечер.

Отличителна черта на творчеството на О. Реноар е използването на остъкляване, което е възможно само при писане Импресионизмът в творбите на художника се проявява във всеки удар. Той възприема човека като частица от самата природа, затова има толкова много картини с голи тела.

Любимото забавление на Реноар беше образът на жена в цялата й привлекателна и привлекателна красота. Особено място в творческия живот на художника заемат портретите. „Чадъри”, „Момиче с ветрило”, „Закуската на гребците” са само малка част от невероятната колекция от картини на Огюст Реноар.

Жорж Сьора (1859-1891)

Seurat свързва процеса на създаване на картини с научна обосновкатеория на цветовете. Светловъздушната среда е начертана въз основа на зависимостта на основните и допълнителните тонове.

Въпреки факта, че J. Seurat е представител на последния етап на импресионизма и неговата техника е в много отношения различна от основателите, той по същия начин създава с помощта на щрихи илюзорно представяне на обективната форма, която може да се гледа и вижда само от разстояние.

Шедьоври на творчеството могат да се нарекат картината "Неделя", "Канкан", "Модели".

Представители на руския импресионизъм

Руският импресионизъм възниква почти спонтанно, смесвайки много явления и методи. Основата обаче, подобно на французите, беше пълномащабна визия на процеса.

В руския импресионизъм, въпреки че чертите на френския език бяха запазени, характеристиките на националната природа и душевното състояние направиха значителни промени. Например, визията на сняг или северни пейзажи беше изразена с помощта на необичайна техника.

В Русия малко художници са работили в стила на импресионизма, техните картини привличат окото и до днес.

Импресионистичният период може да се разграничи в творчеството на Валентин Серов. Неговото "Момиче с праскови" е най-яркият образец и еталон на този стил в Русия.

Картините покоряват със своята свежест и съзвучие на чисти цветове. основна тематворчеството на този художник е образът на човека в природата. "Северна идилия", "В лодката", "Фьодор Шаляпин" са ярки етапи в дейността на К. Коровин.

Импресионизмът в съвремието

В момента тази посока в изкуството е получила нов живот. В този стил няколко художници рисуват своите картини. Съвременният импресионизъм съществува в Русия (Андре Кон), във Франция (Лоран Парселие), в Америка (Даяна Леонард).

Андре Кон е най-яркият представител на новия импресионизъм. Маслените му картини са поразителни със своята простота. Художникът вижда красотата в обикновените неща. Създателят интерпретира много обекти през призмата на движението.

Акварелните творби на Лоран Парселие са известни по целия свят. Неговата поредица от творби „Странният свят“ е издадена под формата на пощенски картички. Разкошни, жизнени и чувствени, те спират дъха.

Както през 19 век, така и в момента за художниците остава пленерната живопис. Благодарение на нея импресионизмът ще живее вечно. творците продължават да вдъхновяват, впечатляват и вдъхновяват.